ژانرهای موسیقی اصلی رنسانس. فرهنگ موسیقی رنسانس

عقب به جلو

توجه! پیش نمایش اسلاید فقط برای اهداف اطلاعاتی است و ممکن است گستره کامل ارائه را نشان ندهد. اگر به این کار علاقه مند هستید، لطفا نسخه کامل آن را دانلود کنید.

این درس برای دانش آموزان کلاس پنجم در سال دوم تحصیل در رشته ادبیات موسیقی برگزار می شود.

هدف از درس: آموزش فرهنگ زیبایی شناختی دانش آموزان از طریق آشنایی با موسیقیدوره رنسانس.

اهداف درس:

• ارائه ایده ای از نقش موسیقی و نواختن موسیقی در زندگی مردم رنسانس؛
• آشنایی با آلات موسیقی، ژانرها، آهنگسازان رنسانس؛
• آشنایی با آثار موسیقی رنسانس اروپا؛
• توسعه مهارت در تجزیه و تحلیل شنیداری ابتدایی موسیقی؛
• شکل گیری درکی از رابطه بین انواع مختلف هنر.
• آموزش درک عاطفی از آثار هنری.
• توسعه تفکر و گفتار دانش آموزان؛
• گسترش افق ها

نوع درس:درس یادگیری یک موضوع جدید

تجهیزات درسی:ارائه چند رسانه ای، کامپیوتر.

مواد موسیقی:

• W. Bird، قطعه برای "Volta" بکر;
• F. da Milano "فانتزی" شماره 6 برای عود;
• صحنه ای از فیلم "الیزابت": ملکه ولتا می رقصد (فیلم);
• I. Alberti "Pavan and Galliard" (ویدئو);
• آهنگ محلی انگلیسی "Green Sleeves"؛
• J.P. Palestrina "Mass of Pope Marcello"، بخشی از "Agnus Dei";
• O. Lasso "Echo";
• J. di Venosa madrigal "Moro, lasso, al mio duolo";
• J. Peri صحنه از اپرای "Eurydice".

در طول کلاس ها

I. لحظه سازمانی

II. به روز رسانی دانش

در درس آخر در مورد فرهنگ و نقاشی رنسانس صحبت کردیم.

- نام دیگر این دوران (به فرانسوی "رنسانس") چیست؟
رنسانس چه قرن هایی را در بر می گیرد؟ چه دورانی تغییر کرد؟

نام این دوره از کجا آمده است؟ چه چیزی را می خواستید "احیا کنید"؟

رنسانس در کدام کشور زودتر از کشورهای دیگر آغاز شد؟

- به کدام شهر ایتالیا «مهد رنسانس» می گویند؟ چرا؟

- چه هنرمندان بزرگی در فلورانس زندگی می کردند؟ کار آنها را در نظر بگیرید.

- تفاوت خلاقیت آنها با هنر قرون وسطایی چیست؟

III. بررسی یک موضوع جدید

امروز به دوران رنسانس برمی گردیم. خواهیم فهمید که موسیقی آن زمان چگونه بود. بیایید با آلات موسیقی دوره رنسانس آشنا شویم، آنها را ببینیم و صدای اصیل آنها را بشنویم. و همچنین با آهنگسازان برجسته رنسانس و شاهکارهای آنها ملاقات خواهیم کرد.

IV. کار با ارائه

اسلاید 1.صفحه عنوان.

اسلاید 2.موضوع درس ما "موسیقی رنسانس" است. چارچوب زمانی - قرن XIV-XVI.

اسلاید 3.خلاصه درس. چگونه این کلمات را درک می کنید؟

... هیچ موجود زنده ای روی زمین وجود ندارد
شیطان بسیار سخت، باحال و جهنمی
به طوری که او حداقل برای یک ساعت نتوانست
در آن، موسیقی برای ایجاد یک انقلاب.
(ویلیام شکسپیر)

اسلاید 4.در دوره رنسانس، نقش هنر در زندگی فرهنگی جامعه افزایش می یابد. آموزش هنری به عنوان یک جنبه مهم از رشد یک فرد نجیب، شرط آموزش خوب شناخته می شود.

کنترل کلیسا بر جامعه ضعیف شده است، نوازندگان آزادی بیشتری پیدا می کنند. شخصیت نویسنده، فردیت خلاق، بیش از پیش در ترکیب بندی ها آشکارتر می شود. در دوران رنسانس، مفهوم " آهنگساز».

برای توسعه موسیقی بسیار مهم شد اختراع چاپ موسیقیدر پایان قرن پانزدهم. در سال 1501، ناشر ایتالیایی Ottaviano Petrucci اولین مجموعه موسیقی خانگی را منتشر کرد. نوشته های جدید خیلی سریع منتشر و توزیع شد. حالا هر شهروند طبقه متوسط ​​می تواند برای خودش موسیقی بخرد. در نتیجه، ساخت موسیقی شهری به سرعت شروع به توسعه می کند و تعداد فزاینده ای از مردم را تحت پوشش قرار می دهد.

اسلاید 5. آلات موسیقیدوره رنسانس. برنجی، زهی، کیبورد.

اسلاید 6. عود- محبوب ترین ساز رنسانس. به سازهای زهی اشاره دارد. در ابتدا عود را با ترانه می نواختند، اما در قرن پانزدهم شروع به نواختن با انگشتان کردند.

اسلاید 7.بدنش شبیه گلابی دو نیم شده است. عود دارای یک گردن کوتاه با فرچه است که در زاویه قائم خم شده است.

اسلاید 8.عود از ساز عربی به نام الود (در عربی به معنی درخت) سرچشمه گرفته است. در قرن هشتم عود در جریان فتح اسپانیا توسط اعراب از شمال آفریقا وارد اروپا شد و در دربار بسیاری از اشراف اسپانیایی ریشه دوانید. با گذشت زمان، اروپایی ها فرت (تقسیمات روی تخته فرت) را به ud اضافه کردند و آن را "عود" نامیدند.

اسلاید 9.زن و مرد هم عود می نواختند.

اسلاید 10.عود فشرده و سبک بود، می‌توانستید آن را همه جا با خود ببرید.

اسلاید 11.موسیقی لوت نه با نت، بلکه با کمک تبلچر ضبط شد. نگاه کنید: تابلوی عود شامل 6 خط است که سیم ها را نشان می دهد. فرت ها شماره گذاری شده اند، مدت ها در بالا هستند.

اسلاید 12. اگر عود را افراد طبقات مختلف می نواختند، آنگاه فقط یک فرد بسیار ثروتمند می توانست یک ساز از خانواده ویول را بخرد. ویولاها گران بودند، آنها از چوب های گرانبها ساخته می شدند و با نقاشی های زیبا و جواهرات تزئین شده بودند. ویولاها اندازه های مختلفی داشتند. در این تصویر، فرشتگان محبوب ترین گونه های ویول - دا گامبا و دا براشیا را بازی می کنند.

اسلاید 13. ویولادر ایتالیایی - "بنفش". صدای ویولا بسیار دلنشین بود: نرم، ملایم و بلند.

اسلایدهای 14، 15.نام ویولا دا براشیا از ایتالیایی به عنوان "دست، شانه" ترجمه شده است. این نام ویول های کوچکی بود که در طول بازی روی شانه نگه داشته می شدند.

اسلاید 16.ویولا دا گامبا - "پا". اندازه آن بزرگ بود، هنگام بازی باید بین زانوها نگه داشته می شد یا روی ران قرار می گرفت. این ویولاها معمولا توسط مردان نواخته می شد.

اسلاید 17.آیا دقت کرده اید که ویول ها به کدام سازهای کلاسیک شباهت زیادی دارند؟ برای ویولن، ویولن سل. بیایید ویولا دا گامبا را با ویولن سل مقایسه کنیم.

کمی بعد صدای ویولز را خواهیم شنید.

اسلاید 18.بکر. ساز کیبوردی با شکل مستطیل، معمولاً بدون پایه. طبق اصل دستگاه، یکی از پیشروهای پیانوفورته بود. اما از نظر کیفیت صدا به چنگ و عود نزدیکتر بود. تن او با نرمی و لطافت متمایز بود.

اسلاید 19.چه کسی معنی کلمه انگلیسی را می داند باکره? باکره، دختر حدس بزنید چرا آنها این ساز را "دخترانه" نامیدند؟بیشتر اوقات، دختران جوان متولد نجیب باکره بازی می کردند. مشخص است که حتی ملکه انگلیس، الیزابت اول، به ویرجینال علاقه زیادی داشت و آن را به خوبی بازی می کرد.

اسلاید 20. ویلیام برد- بزرگترین آهنگساز انگلیسی، ارگ نواز و هارپسیکورد نواز زمان الیزابت. در سال 1543 متولد شد، در سال 1623 درگذشت. او به عنوان نوازنده دربار خدمت کرد. او بسیاری از آثار معنوی، مادریگال ها و قطعات برای باکره ساخت.

گوش می دهیم:قطعه W. Bird برای "Volta" باکره

اسلاید 21-24.هنرمندان دوره رنسانس اغلب فرشتگان موسیقی را بر روی بوم های خود به تصویر می کشیدند. چرا؟ این یعنی چی؟ چرا فرشتگان به موسیقی نیاز دارند؟ مردم چطور؟

اسلاید 25.ببینید چه گروه بزرگی از نوازندگان. چی بازی میکنن چه احساسی دارند؟ با هم خوبن؟ سخنان شکسپیر با این تصویر مطابقت دارد؟ کلمه کلیدی در این آیات چیست؟ اتحاد، وفاق

گوش کنید که تارها چقدر دوستانه هستند
آنها به صفوف می پیوندند و صدایی می دهند ، -
انگار مادر، پدر و پسر جوان
در وحدت شادی می خوانند.
در کنسرت به ما می گویند تار
که راه تنهایی مثل مرگ است.

اسلاید 26. ژانرهای سازدوران رنسانس به 3 نوع تقسیم می شد: رونویسی آثار آوازی، قطعات فاخر یک انبار بداهه نوازی (موتور ماشین غنی، پیش درآمد، فانتزی)، قطعات رقص (پاوان، گالیارد، ولتا، مورسکا، سالتارلا).

اسلاید 27. فرانچسکو دا میلانو- عود نواز و آهنگساز معروف ایتالیایی قرن شانزدهم که معاصران او را "الهی" می نامیدند. او صاحب قطعات متعددی برای عود است که در سه مجموعه متحد شده اند.

گوش می دهیم: F. da Milano "فانتزی" برای عود

اسلاید 28. در رنسانس، نگرش به رقص تغییر می کند. رقص از یک شغل گناه آلود و ناشایست به لوازم ضروری زندگی دنیوی تبدیل می شود و به یکی از ضروری ترین مهارت های یک انسان نجیب تبدیل می شود. توپ ها به طور محکم در زندگی اشراف اروپایی گنجانده شده است. چه رقص هایی مد بود؟

اسلاید 29. ولتا– یک رقص محبوب قرن شانزدهم با اصل ایتالیایی. نام ولتا از کلمه ایتالیایی voltare گرفته شده است که به معنای چرخش است. سرعت ولتاژ سریع است، اندازه آن سه برابر است. حرکت اصلی رقص: آقا به شدت بلند می شود و خانم را در حال رقصیدن با او در هوا می چرخاند. علاوه بر این، این حرکت باید به وضوح و با ظرافت انجام شود. و فقط مردان آموزش دیده می توانند با این رقص کنار بیایند.

ما نگاه می کنیم:قسمتی از فیلم ویدئویی "الیزابت"

اسلاید 30- یک رقص آهسته رسمی با اصل اسپانیایی. نام پاوانا از کلمه لاتین pavo - طاووس گرفته شده است. اندازه پاوان دو قسمتی است، سرعت آن کند است. آنها آن را می رقصیدند تا عظمت و لباس مجلل خود را به دیگران نشان دهند. مردم و بورژوازی این رقص را اجرا نکردند.

اسلاید 31.گالیارد(از ایتالیایی - شاد، شاد) - رقص متحرک. در شخصیت گالیارد، خاطره خاستگاه عامیانه رایج رقص حفظ شده است. با پریدن و حرکات ناگهانی مشخص می شود.

پاوان و گالیارد اغلب یکی پس از دیگری اجرا می شدند و نوعی سوئیت را تشکیل می دادند.

اکنون قطعه ای از کنسرت گروه موسیقی اولیه "Hesperion XXI" را مشاهده خواهید کرد. رهبر آن است جوردی ساوال- نوازنده ویولن سل، نوازنده گامبو و رهبر ارکستر اسپانیایی، یکی از معتبرترین نوازندگان امروزی، که موسیقی باستانی را به طور اصیل اجرا می کند (همانطور که در زمان ایجاد آن صدا می کرد).

اسلاید 32. ما نگاه می کنیم: I. آلبرتی "پاوان و گالیارد".

اجرا توسط گروه موسیقی اولیه "Hespèrion XXI" جی ساوال.

اسلاید 33. ژانرهای آوازیرنسانس به دو دسته کلیسایی و سکولار تقسیم شد. «سکولار» به چه معناست؟ توده ها و شعارها در کلیسا به صدا درآمد. خارج از کلیسا - کاکا، بالاتا، فروتولا، ویلانلا، شانسون، مادریگال.

اسلاید 34.آواز کلیسا به اوج پیشرفت خود می رسد. زمان چندصدایی «سخت نویسی» است.

برجسته ترین آهنگساز پلی فونیک رنسانس، جیوانی پیرلوئیجی دا ایتالیایی بود. فلسطین. نام مستعار او - Palestrina - نام شهری را دریافت کرد که در آن متولد شد. او در واتیکان کار می کرد، در مقام های عالی موسیقی تحت حکومت پاپ مشغول به کار بود.

جرم- یک قطعه موسیقی متشکل از دعا به زبان لاتین، که در طول یک مراسم در کلیسای کاتولیک به صدا در می آید.

گوش می دهیم: G. P. da Palestrina "Mas of Pope Marcello"، بخشی از "Agnus Dei"

اسلاید 35.آهنگ های سکولار انگلیسی تصنیف "آستین سبز"- امروزه بسیار محبوب است. کلمات این آهنگ به پادشاه انگلیسی هنری هشتم نسبت داده شده است. او این اشعار را خطاب به محبوب خود آن بولین، که بعدها همسر دوم او شد، می خواند. آیا می دانید این آهنگ در مورد چیست؟

اسلاید 36.متن آهنگ آستین سبز با ترجمه س.یا.مارشک.

گوش می دهیم:تصنیف انگلیسی "آستین سبز"

اسلاید 37- یکی از برجسته ترین نمایندگان مکتب پلی فونیک هلند. متولد بلژیک، در ایتالیا، انگلستان و فرانسه زندگی کرده است. او در 37 سال آخر عمرش، زمانی که نامش در سراسر اروپا شناخته شده بود، کلیسای دربار در مونیخ را رهبری کرد. او بیش از 2000 اثر آوازی با ماهیت مذهبی و سکولار خلق کرد.

اسلاید 38.شانسون "اکو" برای دو گروه کر چهار قسمتی نوشته شد. گروه کر اول سوالاتی می پرسد، گروه کر دوم مانند پژواک به او پاسخ می دهد.

گوش می دهیم: O. Lasso Chanson "Echo"

اسلاید 39(از کلمه ایتالیایی madre - "مادر") - آهنگی به زبان مادری و مادری. مادریگال یک آهنگ چندصدایی (برای 4 یا 5 صدا) با محتوای غنایی در شخصیتی عالی است. این سبک آوازی در قرن شانزدهم شکوفا شد.

اسلاید 40.جسوالدو دی ونوسا- آهنگساز ایتالیایی قرن شانزدهم، یکی از بزرگترین استادان مادریگال سکولار. او فردی مرموز بود. شاهزاده ای ثروتمند، حاکم شهر ونوسا. جسوالدو که همسر زیبای خیانت را گرفتار حسادت کرد، جان او را گرفت. گهگاه در غم و اندوه فرو می رفت و از همه در قلعه خود پنهان می شد. او در سن 47 سالگی در ذهنی آشفته درگذشت...

او در طول زندگی خود 6 مجموعه مادریگال های پنج قسمتی را منتشر کرد. یکی از ویژگی های سبک G. di Venosa، اشباع موسیقی از رنگ آمیزی ها، کنار هم قرار دادن رنگارنگ آکوردهای ناهماهنگ، منحصر به فرد برای زمان خود است. بنابراین ژسوالدو دردهای روحی وحشتناک و عذاب وجدان خود را به موسیقی ترجمه کرد.

معاصران موسیقی او را درک نمی کردند، آنها آن را وحشتناک، خشن می دانستند. موسیقیدانان قرن بیستم از او قدردانی کردند، فیلمی درباره جی.دی ونوسا ساخته شد، کتابهایی نوشته شد و آهنگساز A. Schnittke اپرای Gesualdo را به او تقدیم کرد.

اسلاید 41. Madrigal "Moro, lasso, al mio duolo" یکی از آخرین ساخته های G. di Venosa است. او هم صاحب موسیقی و هم شعر است:

اوه! دارم از غصه میمیرم
اونی که قول خوشبختی داد
با قدرتش منو میکشه!
آه، عزادار گردباد بد!
همونی که نوید زندگی داد
به من مرگ داد

گوش می دهیم: G. di Venosa "Moro, lasso, al mio duolo"

اسلاید 42.در پایان قرن شانزدهم در فلورانس به وجود آمد دوربین فلورانسی- حلقه ای از موسیقی دانان و شاعرانی که می خواستند تراژدی یونان باستان را با شیوه خاص ذاتی آن در تلفظ متن (چیزی بین گفتار و آواز) احیا کنند.

اسلاید 43. تولد اپرا.از این آزمایشات، اپرا متولد شد. در 6 اکتبر 1600، اولین اپرای بازمانده Eurydice در فلورانس برگزار شد. نویسنده آن آهنگساز و خواننده Jacopo Peri است.

گوش می دهیم: J. Peri صحنه از اپرای "Eurydice"

V. خلاصه درس

- امروز چه چیز جدیدی در مورد رنسانس یاد گرفتید؟

صدای کدام ساز را دوست دارید؟ چگونه؟

– سازهای مدرن عود، ویولا، ویرجینال شبیه چه سازهایی هستند؟

مردم در دوره رنسانس چه می خواندند؟ جایی که؟ چگونه؟

- چرا هنرمندان دوره رنسانس اغلب نوازندگان را به تصویر می کشیدند؟

- به یاد دارید چه موسیقی ای را که امروز در درس شنیدید دوست داشتید؟

VI. تکالیف (اختیاری):

• آهنگ "آستین سبز" را از نت ها بخوانید، کسانی که مایلند می توانند همراهی آن را انتخاب کنند.
• نقاشی های موسیقی هنرمندان دوره رنسانس را پیدا کنید و در مورد آنها صحبت کنید.

دوران رنسانس عالی.

(از تاریخ موسیقی ایتالیا از سال 1500)

رنسانس دوره تغییر در تمام زمینه های هنر - نقاشی، معماری، مجسمه سازی، موسیقی است. این دوره نشان دهنده گذار از قرون وسطی به امروز است. دوره بین 1500 تا 1600 که رنسانس عالی نامیده می شود، انقلابی ترین دوره در تاریخ موسیقی اروپا است، قرنی که در آن هارمونی ایجاد شد و اپرا متولد شد.

در قرن شانزدهم، چاپ موسیقی برای اولین بار گسترش یافت، در سال 1501، چاپگر ونیزی، اوتاویانو پتروچی، Harmonice Musices Odhecaton، اولین مجموعه بزرگ موسیقی سکولار را منتشر کرد. این انقلابی در انتشار موسیقی بود و همچنین به این واقعیت کمک کرد که سبک فرانسوی-فلاندری در قرن بعد به زبان موسیقی غالب اروپا تبدیل شد، زیرا پتروچی به عنوان یک ایتالیایی عمدتاً موسیقی آهنگسازان فرانسوی-فلاندری را شامل می شد. در مجموعه او متعاقباً آثار و آهنگسازان ایتالیایی زیادی اعم از سکولار و معنوی منتشر کرد.

ایتالیا به مرکز خلق هارپسیکورد و ویولن تبدیل می شود. بسیاری از کارگاه های ویولن باز می شود. یکی از اولین استادان آندریا آماتی معروف از کرمونا بود که پایه و اساس سلسله ای از سازندگان ویولن را بنا نهاد. او تغییرات قابل توجهی در طراحی ویولن های موجود ایجاد کرد که باعث بهبود صدا و نزدیک شدن آن به ظاهر مدرن شد.
فرانچسکو کانوا دا میلانو (1497 - 1543) - یک نوازنده برجسته ایتالیایی عود و آهنگساز رنسانس، برای ایتالیا به عنوان کشوری از نوازندگان فاضل شهرت ایجاد کرد. او هنوز هم بهترین عود نواز تمام دوران محسوب می شود. پس از افول اواخر قرون وسطی، موسیقی به یک عنصر مهم فرهنگ تبدیل شد.
در دوران رنسانس، مادریگال به اوج خود رسید و به محبوب ترین سبک موسیقی آن دوران تبدیل شد. مادریگالیست ها به دنبال خلق هنر عالی بودند و اغلب از اشعار بازسازی شده شاعران بزرگ ایتالیایی اواخر قرون وسطی استفاده می کردند: فرانچسکو پترارکا، جووانی بوکاچیو و دیگران. بارزترین ویژگی مادریگال عدم وجود قوانین ساختاری دقیق بود، اصل اصلی بیان آزادانه افکار و احساسات بود.
آهنگسازانی مانند نماینده مکتب ونیزی، Cypriano de Rore، و نماینده مکتب فرانسوی-فلاندری، Roland de Lassu، با افزایش کروماتیسم، هارمونی، ریتم، بافت و سایر ابزارهای بیان موسیقی آزمایش کردند. تجربه آنها ادامه خواهد داشت و در دوران منریست کارلو ژسوالدو به اوج خود می رسد.
در سال 1558، جوزففو زارلینو (1517-1590)، بزرگترین نظریه پرداز موسیقی از زمان ارسطو تا دوران باروک، اصول هارمونیکا را ایجاد کرد، در این بزرگترین آفرینش علم موسیقی قرن شانزدهم، او مفهوم باستانی را احیا کرد. یک عدد قابل قبول، توجیه نظری و زیبایی شناختی سه گانه بزرگ و کوچک را اثبات کرد. تدریس او در مورد موسیقی تأثیر قابل توجهی بر علم موسیقی اروپای غربی گذاشت و اساس بسیاری از ویژگی های بعدی ماژور و مینور را تشکیل داد.

تولد اپرا (دوربین فلورانس)

پایان رنسانس با مهمترین رویداد در تاریخ موسیقی - تولد اپرا مشخص شد.
گروهی از اومانیست ها، موسیقی دانان و شاعران در فلورانس تحت نظارت رهبر خود کنت جیووانی دی بردی (1534 - 1612) گرد هم آمدند. این گروه "kamerata" نام داشت، اعضای اصلی آن جولیو کاچینی، پیترو استروزی، وینچنزو گالیله (پدر ستاره شناس گالیله گالیله)، گیلورامو می، امیلیو د کاوالیری و اتاویو رینوچینی در سال های جوانی بودند.
اولین جلسه مستند این گروه در سال 1573 برگزار شد و فعال ترین سال های "فلورانس Camerata" 1577 - 1582 بود.
آنها معتقد بودند که موسیقی "فاسد" است و به دنبال بازگشت به فرم و سبک یونان باستان بودند و معتقد بودند که هنر موسیقی می تواند بهبود یابد و بر این اساس جامعه نیز بهبود یابد. Camerata از موسیقی موجود به دلیل استفاده بیش از حد از چند صدایی به قیمت قابل فهم بودن متن و از بین رفتن مؤلفه شاعرانه اثر انتقاد کرد و پیشنهاد ایجاد سبک موسیقی جدیدی را داد که در آن متن به سبک مونودیک همراه باشد. موسیقی بدون کلام. آزمایشات آنها منجر به ایجاد یک فرم آوازی و موسیقی جدید شد - خوانندگی که برای اولین بار توسط امیلیو د کاوالیری استفاده شد و متعاقباً مستقیماً با توسعه اپرا مرتبط شد.
در پایان قرن شانزدهم، آهنگسازان شروع به فشار دادن مرزهای سبک های رنسانس کردند، دوران باروک با ویژگی های خاص خود و اکتشافات جدید در موسیقی جایگزین شد. یکی از آنها کلودیو مونتهوردی بود.

مونتوردی. Presso در Fiume Tranquillo.

کلودیو جووانی آنتونیو مونتهوردی (زاده ۱۵ مه ۱۵۶۷ - درگذشته ۲۹ نوامبر ۱۶۴۳) آهنگساز، موسیقی‌دان و خواننده ایتالیایی بود. مهمترین آهنگساز باروک، آثار او اغلب انقلابی در نظر گرفته می شوند، که نشان دهنده گذار موسیقی از رنسانس به باروک است. او در عصری زندگی می‌کرد که تغییر بزرگی در موسیقی داشت و خود کسی بود که آن را تغییر داد.

Monteverdi. Venite، Venite.

مونتوردی. از اپرای "اورفیوس"

اولین اپرای رسمی شناخته شده که مطابق با استانداردهای مدرن است، اپرای "دافنه" (Daphne) بود که برای اولین بار در سال 1598 ارائه شد. نویسندگان "دافنه" Jacopo Peri و Jacopo Corsi، لیبرتو توسط Ottavio Rinuccini بودند. این اپرا باقی نمانده است. اولین اپرای بازمانده «اوریدیک» (1600) از همان نویسندگان - یاکوپو پری و اتاویو رینوچینی است. این اتحادیه خلاق هنوز هم آثار زیادی خلق کرد که بیشتر آنها از بین رفته اند.

جاکوپو پری. تو دورمی، ای من دولچه سونو.

جاکوپو پری. Hor che gli augelli.

موسیقی کلیسایی قرن شانزدهم.

قرن شانزدهم با تأثیر بسیار قوی کلیسای کاتولیک و تفتیش عقاید آن بر توسعه هنر و علم در اروپا مشخص می شود. در سال 1545، شورای ترنت، یکی از مهم ترین شوراها در تاریخ کلیسای کاتولیک، تشکیل جلسه داد که هدف آن پاسخگویی به جنبش اصلاح طلبی بود. به ویژه موسیقی کلیسا در این کلیسای جامع مورد توجه قرار گرفت.
برخی از نمایندگان به دنبال بازگشت به سرود تک صدای گریگوری و حذف کنترپوان از سرودها بودند، قبلاً ممنوعیت ضمنی استفاده از سبک چندصدایی در موسیقی مقدس، از جمله تقریباً همه سکانس ها، وجود داشت. دلیل این موضع این باور بود که موسیقی چندصدایی به دلیل پیچیدگی‌های متضاد، متن را به پس‌زمینه می‌برد و در عین حال هارمونی موسیقایی اثر نیز نقض می‌شود.
کمیته ویژه ای برای حل اختلاف تشکیل شد. این کمیسیون، جیوانی پیرلوئیجی دا پالسترینا (1514-1594)، یکی از بزرگترین آهنگسازان موسیقی کلیسا، را مأمور ساخت توده های محاکمه، با در نظر گرفتن همه الزامات طرفین، کرد. Palestrina سه توده شش صدایی، از جمله معروف ترین "مسیس پاپ مارسلوس" خود را ایجاد کرد که به پاپ مارسلوس دوم، حامی او در جوانی تقدیم شده بود. این آثار تأثیر شدیدی بر روحانیون گذاشت و به اختلافات پایان داد، سخنرانی ها علیه استفاده از کنترپوان در موسیقی کلیسا متوقف شد.
کار جیووانی پیرلوئیجی پالسترینا اوج توسعه موسیقی مقدس ضد پوزیتی a capella است که همه ترکیب‌های ممکن چند صدایی و وضوح متون را با هم ترکیب می‌کند.

فلسطین. سیکات سرووس.

فلسطین. گلوریا

در فرهنگ موسیقی رنسانس، می توان چندین ویژگی نوآورانه را متمایز کرد.

اولاً، توسعه سریع هنر سکولار، که در همه جا حضور بسیاری از ژانرهای آهنگ و رقص سکولار بیان شده است. اینا ایتالیایی هستنفروتولاس ("ترانه های عامیانه، از کلمات فروتولا - جمعیت)، ویلانل ها ("آوازهای روستا")،کاکیا , canzone (به معنای واقعی کلمه - آهنگ ها) و مادریگال ها، اسپانیاییویلانسیکو (از ویلا - روستا)، آهنگ های فرانسوی chanson، آلمانیدروغ گفت ، انگلیسی تصنیف و دیگران. همه این ژانرها، با تجلیل از لذت بودن، علاقه مند به دنیای درونی یک فرد، تلاش برای حقیقت زندگی، به طور مستقیم یک جهان بینی صرفا رنسانس را منعکس می کردند. برای ابزار بیان آنها، استفاده گسترده از آهنگ ها و ریتم های موسیقی محلی معمولی است.

اوج خط سکولار در هنر رنسانس -مادریگال . نام این ژانر به معنای "آهنگ به زبان مادری (یعنی ایتالیایی) است." این بر تفاوت بین موسیقی مادریگال و مقدس که به زبان لاتین اجرا می شود تأکید می کند. توسعه این ژانر از یک آهنگ تک صدایی بی تکلف چوپان به یک قطعه آوازی-سازمانی 5-6 صدایی با متن غزلی تصفیه شده و پالایش شده تبدیل شد. از جمله شاعرانی که به ژانر مادریگال روی آوردند می توان به پترارک، بوکاچیو، تاسو اشاره کرد. آهنگسازان A. Wilart، J. Arkadelt، Palestrina، O. Lasso، L. Marenzio، C. Gesualdo، C. Monteverdi از استادان برجسته مادریگال بودند. مادریگال که منشا آن ایتالیا بود، به سرعت به سایر کشورهای اروپای غربی گسترش یافت.

نسخه فرانسوی آهنگ پلی فونیک نام داردشانسون . از مادریگال به دلیل نزدیکی بیشتر به زندگی واقعی و روزمره، یعنی ژانر متمایز می شود. در میان سازندگان شانسون -کلمنت ژانکن ، یکی از مشهورترین آهنگسازان فرانسوی دوره رنسانس.

ثانیاً ، بالاترین شکوفایی چند صدایی کر ، که به سبک موسیقی پیشرو دوران تبدیل شد. با شکوه و هماهنگ، کاملاً با وقار خدمات کلیسا مطابقت داشت. در همان زمان، چند صدایی چند صدایی شکل غالب بیان نه تنها در ژانرهای معنوی، بلکه در ژانرهای سکولار بود.

توسعه چند صدایی کر در درجه اول با کار آهنگسازان مکتب هلندی (فرانسوی-فلاندری) مرتبط بود: گیوم دوفای، یوهانس اوکگم، ژاکوب اوبرشت، جوسکوین دسپرس، اورلاندو لاسو.

اورلاندو لاسو (حدود 1532-1594) در بسیاری از کشورهای اروپایی کار می کرد. استعداد او، واقعاً خارق العاده، همه را تسخیر و خوشحال کرد. در اثر گسترده اورلاندو کمند، تمام ژانرهای موسیقی دوره رنسانس (با غلبه موسیقی سکولار بر معنوی) نشان داده شده است. از محبوب ترین آثار او می توان به "اکو" اشاره کرد که در ژانر آهنگ های خانگی ایتالیایی سروده شده است. این ترکیب بر روی کنار هم قرار گرفتن رنگارنگ دو گروه کر ساخته شده است که یک اثر اکو ایجاد می کند. متن متعلق به خود آهنگساز است.

در کنار اورلاندو لاسو، بزرگترین نماینده رنسانس عالی در موسیقی ایتالیایی بودفلسطین (نام کامل Giovanni Pierlui gi da Palestrina، حدود 1525-1594). بیشتر زندگی پالسترینا در رم سپری شد ، جایی که او دائماً با کار در کلیسا در ارتباط بود ، به ویژه ، او ریاست کلیسای جامع کلیسای جامع سنت را بر عهده داشت. پیتر بخش اصلی موسیقی او آثار مقدس است، در درجه اول توده ها (بیش از صد مورد از آنها وجود دارد که در میان آنها به ویژه "مسه پاپا مارچلو" برجسته است) و موته ها. با این حال، Palestrina همچنین با کمال میل موسیقی سکولار - مادریگال ها، کانزونت ها را ساخت. آهنگسازی از Palestrina برای گروه کر a sarrellaبه یک نمونه کلاسیک از چند صدایی رنسانس تبدیل شد.

کار آهنگسازان پلی فونیک نقش مهمی در توسعه ژانر اصلی موسیقی رنسانس ایفا کرد -توده ها . منشأ آن در قرون وسطی، ژانر Mass درچهاردهم- شانزدهمبرای قرن ها، به سرعت در حال دگرگونی بوده و از نمونه هایی که با قطعات مجزا و نامتجانس نشان داده شده اند به ترکیب هایی با فرم حلقوی هماهنگ حرکت کرده است.

بسته به تقویم کلیسا، برخی از بخش ها در موسیقی دسته جمعی حذف می شد و بخش های دیگر درج می شد. پنج بخش واجب وجود دارد که دائماً در خدمات کلیسا وجود دارد. ATمنو V - « کایریالیسون» (پروردگارا رحم کن) و« آگنوسدی» (« بره خدا") - دعایی برای بخشش و رحمت بیان شد. که درIIو IV - « گلوریا"("شکوه") و " Sanctus» (« مقدس") - ستایش و سپاس. در قسمت مرکزی،اعتبار» (« من معتقدم»)، اصول اصلی ایمان مسیحی را توضیح داد.

ثالثاً نقش رو به رشد موسیقی دستگاهی (با غلبه آشکار ژانرهای آوازی). اگر قرون وسطی اروپا تقریباً ساز حرفه ای را نمی دانست ، پس در رنسانس آثار زیادی برای عود (متداول ترین ساز موسیقی آن زمان) ، ارگ ، ویولا ، ویهولا ، فلوت های بکر و طولی ایجاد شد. آنها هنوز از الگوهای آوازی پیروی می کنند، اما علاقه به نوازندگی ساز از قبل مشخص شده است.

چهارم، در دوران رنسانس، شکل گیری فعالی از مدارس موسیقی ملی (پلی فونیست های هلندی، باکره گرایان انگلیسی، ویهولالیست های اسپانیایی و دیگران) وجود داشت که کار آنها بر اساس فولکلور کشورشان بود.

در نهایت، تئوری موسیقی بسیار جلوتر رفته و تعدادی از نظریه پردازان قابل توجه را مطرح کرده است. فرانسوی استفیلیپ دو ویتری ، نویسنده رساله ارسنوا» (« هنر جدید» که در آن اثبات نظری سبک چندصدایی جدید ارائه شده است). ایتالیاییجوزففو کارلینو ، یکی از پدیدآورندگان علم هارمونی; سوئیسگلارین ، بنیانگذار دکترین ملودی.

وزارت آموزش و پرورش فدراسیون روسیه

دانشگاه آزاد دولتی مسکو

آنها M.A. شولوخوا

گروه آموزش زیبایی شناسی

انشا

"موسیقی رنسانس"

دانش آموزان دوره پنجم

تمام وقت - بخش مکاتبات

پولگاوا لیوبوف پاولونا

معلم:

زاتسپینا ماریا بوریسوونا

مسکو 2005

رنسانس - دوران اوج فرهنگ کشورهای اروپای غربی و مرکزی در دوره گذار از قرون وسطی به زمان جدید (قرن های XV-XVII). فرهنگ رنسانس خصلت طبقاتی باریکی ندارد و اغلب منعکس کننده خلق و خوی توده های وسیع مردم است؛ در فرهنگ موسیقی، چندین مکتب خلاق تأثیرگذار جدید را نشان می دهد. هسته اصلی ایدئولوژیک کل فرهنگ این دوره اومانیسم بود - یک ایده جدید و بی سابقه از انسان به عنوان موجودی آزاد و همه جانبه توسعه یافته که قادر به پیشرفت نامحدود است. انسان موضوع اصلی هنر و ادبیات است، کار بزرگترین نمایندگان فرهنگ رنسانس - F. Petrarch و D. Boccaccio، لئوناردو داوینچی و میکل آنژ، رافائل و تیتیان. بیشتر فرهنگیان این عصر خود افراد چند استعدادی بودند. بنابراین، لئوناردو داوینچی نه تنها یک هنرمند برجسته، بلکه یک مجسمه‌ساز، دانشمند، نویسنده، معمار، آهنگساز بود. میکل آنژ نه تنها به عنوان یک مجسمه ساز، بلکه به عنوان یک نقاش، شاعر و موسیقیدان نیز شناخته می شود.

توسعه جهان بینی و کل فرهنگ این دوره متاثر از تبعیت از الگوهای باستانی بود. در موسیقی، همراه با محتوای جدید، فرم ها و ژانرهای جدید نیز در حال توسعه هستند (آهنگ ها، مادریگال ها، تصنیف ها، اپراها، کانتات ها، اوراتوریوها).

با تمام یکپارچگی و کامل بودن فرهنگ رنسانس در اصل، با ویژگی های ناسازگاری مرتبط با درهم آمیختن عناصر فرهنگ جدید با قدیمی مشخص می شود. مضامین مذهبی در هنر این دوره نه تنها وجود دارد، بلکه در حال توسعه است. در عین حال، آنقدر دگرگون می شود که آثار خلق شده بر اساس آن به عنوان صحنه های ژانری از زندگی مردم نجیب و عادی تلقی می شود.

فرهنگ ایتالیایی رنسانس مراحل خاصی از توسعه را طی کرد: پس از ظهور در پایان قرن چهاردهم، در اواسط قرن 15 - آغاز قرن 16 به اوج خود رسید. در نیمه دوم قرن شانزدهم. یک واکنش فئودالی طولانی به دلیل انحطاط اقتصادی و سیاسی کشور رخ می دهد. اومانیسم در بحران است. با این حال، کاهش هنر به هیچ وجه فوراً نشان داده نمی شود: برای دهه ها، هنرمندان و شاعران، مجسمه سازان و معماران ایتالیایی آثاری با بالاترین ارزش هنری خلق کردند، توسعه روابط بین مدارس خلاق مختلف، تبادل تجربه بین موسیقیدانانی که از کشور مهاجرت می کردند. به کشور، کار در نمازخانه های مختلف، تبدیل به زمان نشانه می شود و به ما امکان می دهد در مورد روندهای رایج در کل دوران صحبت کنیم.

رنسانس یکی از درخشان ترین صفحات در تاریخ فرهنگ موسیقی اروپا است. مجموعه ای از نام های بزرگ Josquin، Obrecht، Palestrina، O. Lasso، Gesualdo که افق های جدیدی را برای خلاقیت موسیقی در وسایل بیان، غنای چند صدایی، مقیاس فرم ها گشود. شکوفایی و تجدید کیفی ژانرهای سنتی - موتت ها، توده ها. ادعای تصویرسازی جدید، لحن‌های جدید در زمینه آهنگسازی چندصدایی، توسعه سریع موسیقی دستگاهی که پس از تقریباً پنج قرن تبعیت به منصه ظهور رسیده است: سایر اشکال موسیقی‌سازی، رشد حرفه‌ای بودن در همه زمینه‌ها. خلاقیت موسیقی: تغییر در دیدگاه ها در مورد نقش و امکانات هنر موسیقی، شکل گیری معیارهای جدید زیبایی: اومانیسم به عنوان یک روند واقعاً در حال ظهور در همه زمینه های هنر - همه اینها با ایده های ما در مورد رنسانس مرتبط است. فرهنگ هنری رنسانس آغازی شخصی بر پایه علم است. مهارت پیچیده غیرمعمول پلی‌فونیست‌های قرن 15 تا 16، تکنیک هنرپیشه آنها با هنر درخشان رقص‌های روزمره، پیچیدگی ژانرهای سکولار همزیستی داشت. تغزلی-دراماتیک در آثار او بیش از پیش بیان می شود. علاوه بر این، آنها به وضوح شخصیت نویسنده، فردیت خلاق هنرمند را نشان می دهند (این نه تنها برای هنر موسیقی معمول است)، که به ما امکان می دهد از انسان سازی به عنوان اصل اصلی هنر رنسانس صحبت کنیم. در همان زمان، موسیقی کلیسا، که توسط ژانرهای بزرگی مانند توده و موت نمایش داده می شود، تا حدی خط "گوتیک" را در هنر رنسانس ادامه می دهد، که در درجه اول هدف آن بازآفرینی قوانین موجود است و از این طریق، تسبیح خداوند

آثار تقریباً همه ژانرهای اصلی، اعم از سکولار و معنوی، بر اساس برخی از مواد موسیقایی شناخته شده قبلی ساخته شده اند. این می تواند منبعی مونوفونیک در موته ها و ژانرهای مختلف سکولار، اقتباس های ابزاری باشد. این می تواند دو صدایی باشد که از یک آهنگسازی سه صدایی وام گرفته شده و در یک اثر جدید از همان سبک یا ژانر دیگر گنجانده شده باشد، و در نهایت، یک سه یا چهار صدای کامل (موتت، مادریگال، ایفای نقش نوعی مقدمه) "مدل" اثری با فرم بزرگتر (انبوه).

منبع اصلی به همان اندازه یک آهنگ محبوب و شناخته شده (آهنگ کرال یا سکولار) و هر ترکیب نویسنده (یا صدایی از آن) است که توسط آهنگسازان دیگر پردازش شده و بر این اساس دارای ویژگی های صوتی مختلف، ایده هنری متفاوت است.

به عنوان مثال در ژانر موتت تقریبا هیچ اثری وجود ندارد که اصل اورجینال نباشد. بیشتر توده‌های آهنگسازان قرون 15-16 نیز منابع اولیه دارند: به عنوان مثال، در پالیسترینا، از مجموع بیش از صد توده، تنها شش مورد را می‌یابیم که بر مبنایی فارغ از وام‌گیری نوشته شده‌اند. O. Lasso یک توده (از 58) روی مطالب نویسنده ننوشته است.

در عین حال، می توان متوجه شد که دایره منابع اولیه ای که نویسندگان بر آنها تکیه می کنند کاملاً واضح است. G. Dufay، I. Okegem، J. Obrecht، Palestrina، O. Lasso و دیگران به نظر می رسد که با یکدیگر رقابت می کنند، بارها و بارها به همان ملودی ها اشاره می کنند، هر بار از آنها می گیرند، انگیزه های هنری جدیدی برای آثار خود می گیرند، آهنگ ها را بازاندیشی می کنند. به عنوان نمونه های اولیه آهنگی برای فرم های چندصدایی.

هنگام اجرای کار از تکنیکی استفاده شد - چند صدایی. چند صدایی چند صدایی است که در آن همه صداها برابر هستند. همه صداها یک ملودی را تکرار می کنند، اما در زمان های مختلف، مانند یک پژواک. این تکنیک چند صدایی تقلیدی نام دارد.

در قرن پانزدهم، به اصطلاح چند صدایی «سخت نویسی» در حال شکل گیری بود که قواعد آن (هنجارهای هدایت صدا، شکل دادن و غیره) در رساله های نظری آن زمان تثبیت شده بود و قانونی تغییر ناپذیر برای مردم بود. خلق موسیقی کلیسا

ارتباط دیگر، زمانی که نوازندگان ملودی های مختلف و متن های مختلف را به طور همزمان بیان می کنند، چند صدایی کنتراست نامیده می شود. به طور کلی، سبک "سخت" لزوماً دلالت بر چند صدایی یکی از دو نوع دارد: تقلید یا کنتراست. دقیقاً تقلید و چند صدایی متضاد بود که امکان ساخت موت ها و توده های چندصدایی را برای مراسم کلیسا فراهم کرد.

موتت یک آهنگ کرال کوچک است که معمولاً با برخی از ملودی های محبوب و اغلب به یکی از آهنگ های قدیمی کلیسا ("سرودهای گریگوری" و سایر منابع متعارف و همچنین موسیقی محلی ساخته می شد.

با آغاز قرن پانزدهم، در فرهنگ موسیقی تعدادی از کشورهای اروپایی، ویژگی های ذاتی دوران رنسانس بیش از پیش مشخص می شود. گیوم دوفای (دوفای) که در میان پلی‌فونیست‌های اولیه رنسانس هلند برجسته بود، در حدود سال 1400 در فلاندر به دنیا آمد. آثار او در واقع بیش از نیم قرن از تاریخ مکتب موسیقی هلند است که در ربع دوم قرن پانزدهم شکل گرفت.

دوفای چندین کلیسای کوچک از جمله کلیسای پاپ در رم را رهبری می کرد، در فلورانس و بولونیا کار می کرد و آخرین سال های زندگی خود را در زادگاهش کامبری گذراند. میراث دوفای غنی و فراوان است: شامل حدود 80 آهنگ (ژانرهای مجلسی - ویرل، تصنیف، روندو)، حدود 30 موتت (هم محتوای معنوی و هم سکولار، "آهنگ")، 9 توده کامل و بخش های جداگانه آنها.

یک ملودیست عالی که به گرمی غنایی و بیان ملوس دست یافت که در عصر سبک سخت نادر بود، با کمال میل به ملودی های عامیانه روی آورد و آنها را در معرض ماهرانه ترین پردازش قرار داد. دوفای چیزهای جدید زیادی را برای توده ها به ارمغان می آورد: او ترکیب کل را گسترده تر می کند، از تضادهای صدای کر آزادانه تر استفاده می کند. یکی از بهترین ساخته‌های او توده‌های «صورت رنگ پریده»، «مرد مسلح» است که از ملودی‌های عاریه‌ای به همین نام منشا آهنگ استفاده می‌کنند. این آهنگ‌ها در نسخه‌های مختلف، پایه‌ای گسترده‌ای از لحن-مضمونی را تشکیل می‌دهند که وحدت چرخه‌های کرال بزرگ را در کنار هم نگه می‌دارد. در بسط چند صدایی نوازنده قابل توجه کنترپوان، آنها زیبایی ناشناخته قبلی و امکانات بیانی پنهان در اعماق خود را آشکار می کنند. ملودی Dufay به طور هماهنگ طراوت ترانه آهنگ هلندی را با ملودی ملایم ایتالیایی و ظرافت فرانسوی آن ترکیب می کند. چند صدایی تقلیدی آن خالی از تصنع و انبوه است. گاهی اوقات پراکندگی بیش از حد می شود، فضای خالی ظاهر می شود. این نه تنها جوانان هنر را که هنوز تعادل ساختاری ایده آل را پیدا نکرده اند، تحت تأثیر قرار می دهد، بلکه بر تمایل ویژگی استاد کامبریایی برای دستیابی به یک نتیجه هنری و بیانی با متواضع ترین ابزار تأثیر می گذارد.

آثار معاصران جوان‌تر دوفای، یوهانس اوکگهم و یاکوب اوبرشت، قبلاً به مکتب دوم هلندی نسبت داده می‌شود. هر دو آهنگساز از چهره‌های اصلی زمان خود هستند که تعیین کننده توسعه چندصدایی هلندی در نیمه دوم قرن پانزدهم بودند.

یوهانس اوکگم (1425 - 1497) بیشتر عمر خود را در کلیسای کوچک پادشاهان فرانسه کار کرد. در مواجهه با اوکگم، در مقابل اروپا، مجذوب غزلیات آهنگ ملایم و خوش آهنگ دوفای، سرخوشی ساده لوح و باستانی روشن توده ها و موت های او، هنرمندی کاملاً متفاوت ظاهر شد - یک "خرد گرا با چشمی بی شور" و قلمی پیچیده و تکنیکی که گاهی از غزلیات پرهیز می کند و می کوشد تا هر چه زودتر در موسیقی به تصرف درآورد، قوانین بسیار کلی وجود عینی وجود دارد. او تسلط شگفت انگیزی در توسعه خطوط ملودیک در گروه های پلی فونیک کشف کرد. برخی از ویژگی های گوتیک در موسیقی او نهفته است: فیگوراتیو بودن، ماهیت غیر فردی بیان و غیره. او 11 توده کامل (و تعدادی از قطعات آنها) از جمله موضوع "مرد مسلح"، 13 متت و 22 آهنگ را خلق کرد. این ژانرهای بزرگ چندصدایی است که برای او در درجه اول قرار دارد. برخی از آهنگ‌های اوکگم در میان معاصران محبوبیت یافتند و مکرراً به‌عنوان پایه اولیه تنظیم‌های چند صدایی در فرم‌های بزرگ‌تر عمل کردند.

نمونه خلاق اوکیگم به عنوان بزرگترین استاد و چندصدایی ناب برای معاصران و پیروانش اهمیت زیادی داشت: تمرکز غیرقابل انعطاف او بر مشکلات خاص چندصدایی باعث احترام، اگر نگوییم تحسین، افسانه ای شد و نام او را با هاله ای احاطه کرد.

در میان کسانی که قرن پانزدهم را با قرن بعدی مرتبط کردند، نه تنها از نظر زمانی، بلکه از نظر ماهیت توسعه خلاقانه، بدون شک اولین جایگاه متعلق به یاکوب اوبرشت است. او در سال 1450 در Bergen op Zoom متولد شد. اوبرشت در کلیساهای آنتورپ، کامبری، بروژ و دیگران کار می کرد و همچنین در ایتالیا خدمت می کرد.

میراث خلاق اوبرشت شامل 25 توده، حدود 20 موت، 30 آهنگ چندصدایی است. او از پیشینیان و معاصران قدیمی‌تر خود، یک تکنیک چندصدایی بسیار پیشرفته و حتی فضیلت‌آمیز، روش‌های تقلیدی- متعارف چند صدایی را به ارث برد. در موسیقی اوبرشت، که کاملاً چند صدایی است، ما گاهی قدرت خاصی از حداقل احساسات غیر شخصی، جسارت تضادها در حدود بزرگ و کوچک، کاملاً «زمینی»، ارتباطات تقریباً روزمره در ماهیت صداها و ویژگی‌های شکل‌دهی را می‌شنویم. جهان بینی او دیگر گوتیک نیست. او به سمت Josquin Despres، نماینده واقعی رنسانس در هنر موسیقی حرکت می کند.

سبک اوبرشت با ویژگی های فردی مشخص می شود، از جمله جدایی از گوتیک، ایجاد مخالفت، قدرت احساسات و ارتباط با ژانرهای روزمره.

ثلث اول قرن شانزدهم در ایتالیا دوره رنسانس عالی است، دوران اوج خلاقیت و کمال بی سابقه که در آثار بزرگ لئوناردو داوینچی، رافائل، میکل آنژ تجسم یافته است. یک قشر اجتماعی خاص در حال شکل گیری است که توسط نیروهای آن نمایش های تئاتر و تعطیلات موسیقی ترتیب داده می شود. فعالیت های فرهنگستان های مختلف هنر در حال توسعه است.

اندکی بعد، نه تنها در ایتالیا، بلکه در آلمان، فرانسه و سایر کشورها، دوره رونق بالایی در هنر موسیقی آغاز می شود. اختراع نت موسیقی برای انتشار آثار موسیقی از اهمیت بالایی برخوردار است.

سنت های مکتب چند صدایی مانند گذشته قوی باقی مانده است (به ویژه تکیه بر نمونه همین معنی را دارد)، اما نگرش به انتخاب موضوعات در حال تغییر است، غنای عاطفی و تصویری آثار در حال افزایش است، شخصی، اصل تألیف در حال تشدید است. همه این ویژگی ها قبلاً در آثار آهنگساز ایتالیایی Josquin Despres مشهود است که در حدود سال 1450 در بورگوندی به دنیا آمد و یکی از بزرگترین آهنگسازان مکتب هلندی در اواخر قرن 15 و اوایل قرن 16 بود. او که دارای صدایی زیبا و شنیداری بود، از دوران نوجوانی به عنوان خواننده در گروه های کر کلیسا در سرزمین مادری خود و سایر کشورها خدمت می کرد. این تماس اولیه و نزدیک با هنر عالی گروه کر، جذب فعال و عملی گنجینه های هنری بزرگ موسیقی فرقه تا حد زیادی تعیین کننده جهتی است که در آن زمان فردیت استاد نابغه آینده، سبک و علایق ژانر او توسعه می یابد.

دسپرس در سال‌های جوانی‌اش، هنر آهنگسازی را نزد I. Okeghem، که از او نیز در نواختن آلات موسیقی مختلف پیشرفت کرد، آموخت.

بعدها، Josquin Despres دست خود را در تمام ژانرهای موسیقی که در آن زمان وجود داشت امتحان کرد، مزمور، موت، توده ها، موسیقی در مصائب پروردگار، آهنگسازی به افتخار مریم مقدس و آهنگ های سکولار ایجاد کرد.

اولین چیزی که در آثار دسپرس جلب توجه می کند، تکنیک کنترپونتال قابل توجه است که این امکان را فراهم می کند که نویسنده به عنوان یک هنرپیشه کنترپوان واقعی در نظر گرفته شود. با این حال، علیرغم در اختیار داشتن کامل مطالب، دسپرس بسیار آهسته و بسیار انتقادی آثار خود را بررسی می کرد. در طول اجرای آزمایشی آهنگ ها، او تغییرات زیادی در آنها ایجاد کرد و سعی کرد به یک شادی بی عیب و نقص دست یابد، که هرگز آن را فدای شبکه های کنترپوان نکرد.

آهنگساز تنها با استفاده از فرم های چند صدایی، در برخی موارد به صدای فوقانی ملودی جاری و غیرمعمول زیبایی می دهد، که به لطف آن، کار او نه تنها با همنوایی، بلکه با ملودی نیز متمایز می شود.

دسپرس که نمی‌خواهد از کنترپوان سخت فراتر برود، به منظور کاهش ناهماهنگی‌ها، آنها را با استفاده از یک نت ناهماهنگ در همخوان قبلی به شکل همخوانی آماده می‌کند. Despres با موفقیت بسیار از ناهماهنگی ها به عنوان وسیله ای برای تقویت بیان موسیقی استفاده می کند.

لازم به ذکر است که J. Despres به درستی می تواند نه تنها یک نوازنده مستعد کنترپوان و یک موسیقیدان حساس، بلکه یک هنرمند عالی نیز در نظر گرفته شود که می تواند در آثار خود ظریف ترین سایه های احساسات و حالات مختلف را منتقل کند.

ژوسکین از نظر فنی و زیبایی شناسی برتر از پلی فونیست های ایتالیایی و فرانسوی قرن پانزدهم بود. به همین دلیل است که در حوزه صرفاً موسیقی، بسیار بیشتر از اینکه تحت تأثیر آنها باشد، بر آنها تأثیر گذاشته است. دسپرس تا زمان مرگش بهترین کلیساهای رم، فلورانس و پاریس را رهبری می کرد. او همیشه به همان اندازه به کار خود اختصاص داده است و در انتشار و شناخت موسیقی مشارکت داشته است. او یک هلندی باقی ماند، "استادی از Condé". و مهم نیست که دستاوردها و افتخارات خارجی چقدر درخشان بوده است، حتی در طول زندگی که به «استاد موسیقی» (به قول هم عصرانش او را می‌گفتند)، او با اطاعت از «ندای مقاومت ناپذیر زمین»، در سال‌های انحطاط خود دوباره به سواحل شلدت بازگشت و با متواضعانه به زندگی خود به عنوان یک قانون پایان داد.

در ایتالیا، در دوران رنسانس عالی، ژانرهای سکولار شکوفا شدند. ژانرهای آوازی در دو جهت اصلی توسعه می یابند - یکی از آنها به آهنگ و رقص روزمره نزدیک است (فروتول، ویلانل و غیره)، در حالی که دیگری با سنت چند صدایی (مادریگال) مرتبط است.

مادریگال به عنوان یک فرم خاص موسیقایی و شعری فرصت های فوق العاده ای را برای تجلی فردیت آهنگساز فراهم می کرد. محتوای اصلی اشعار او، صحنه های ژانر. موسیقی صحنه در مکتب ونیزی رونق گرفت (تلاش برای احیای تراژدی باستانی). فرم های ساز استقلال یافتند (قطعه هایی برای عود، ویهولا، ارگ و سازهای دیگر).

کتابشناسی - فهرست کتب:

Efremova T.F. فرهنگ لغت جدید زبان روسی. توضیحی - اشتقاقی - م .: روس. yaz.., 2000 –T. 1: الف - 1209 ص.

فرهنگ لغت کوتاه زیبایی شناسی. م.، پولیتزدات، 1964. 543 ص.

تاریخ محبوب موسیقی.

Tikhonova A. I. رنسانس و باروک: کتابی برای خواندن - M .: LLC Publishing House ROSMEN - PRESS, 2003.- 109 p.

رنسانس یا رنسانس دوره‌ای در تاریخ فرهنگ اروپای غربی و مرکزی است که تقریباً قرون 14 تا 16 میلادی را در بر می‌گیرد. این دوره نام خود را در ارتباط با احیای علاقه به هنر باستانی که برای شخصیت های فرهنگی دوران مدرن تبدیل شده است، به خود گرفت. آهنگسازان و نظریه پردازان موسیقی - J. Tinktoris، J. Tsarlino و دیگران - رساله های موسیقی یونان باستان را مطالعه کردند. در آثار Josquin Despres، که با میکل آنژ مقایسه شد، به گفته معاصران، "کمال از دست رفته موسیقی یونانیان باستان احیا شد": در اواخر قرن 16 - اوایل قرن 17 ظاهر شد. اپرا بر اساس قوانین درام باستانی هدایت می شد.

دروس تئوری موسیقی از یک حکاکی قرن شانزدهم.

J. P. Palestrina.

توسعه فرهنگ رنسانس با ظهور همه جنبه های جامعه همراه است. جهان بینی جدیدی متولد شد - اومانیسم (از لاتین humanus - "انسان"). رهایی نیروهای خلاق منجر به توسعه سریع علم، تجارت، صنایع دستی شد و روابط جدید و سرمایه داری در اقتصاد شکل گرفت. اختراع چاپ به گسترش آموزش کمک کرد. اکتشافات بزرگ جغرافیایی و سیستم هلیومرکزی جهان توسط N. Copernicus ایده های زمین و کیهان را تغییر داد.

هنرهای زیبا، معماری و ادبیات به شکوفایی بی‌سابقه‌ای رسیدند. نگرش جدید در موسیقی منعکس شد و ظاهر آن را دگرگون کرد. به تدریج از هنجارهای قانون قرون وسطی خارج می شود ، سبک فردی می شود ، مفهوم "آهنگساز" برای اولین بار ظاهر می شود. بافت آثار تغییر می کند، تعداد صداها به چهار، شش یا بیشتر افزایش می یابد (به عنوان مثال، کانون 36 صدایی شناخته شده است که به بزرگترین نماینده مکتب هلند، J. Okegem نسبت داده می شود). همخوانی های همخوان در هماهنگی غالب هستند، استفاده از ناهماهنگی ها به شدت توسط قوانین خاصی محدود شده است (به همخوانی و ناهماهنگی مراجعه کنید). مقیاس های ماژور و مینور و سیستم ساعتی ریتم ها شکل می گیرد که مشخصه موسیقی های بعدی است.

همه این وسایل جدید توسط آهنگسازان برای انتقال سیستم خاصی از احساسات یک مرد رنسانس - عالی، هماهنگ، آرام و باشکوه - استفاده شد. ارتباط بین متن و موسیقی نزدیک‌تر می‌شود، موسیقی شروع به انتقال حال و هوا می‌کند یا همانطور که در آن زمان می‌گفتند تأثیرات متن، کلمات فردی مانند "زندگی"، "مرگ"، "عشق" و غیره شروع می‌شود. اغلب با وسایل موسیقی خاص نشان داده می شوند.

موسیقی رنسانس در دو جهت توسعه یافت - کلیسایی و سکولار. ژانرهای اصلی موسیقی کلیسا - دسته جمعی و موت - آثار چند صدایی چندصدایی برای گروه کر، بدون همراه یا همراه با یک گروه ساز هستند (به موسیقی کر، چندصدایی مراجعه کنید). از بین سازها، ارگ ارجحیت داشت.

رشد موسیقی آماتوری به توسعه موسیقی سکولار کمک کرد. موسیقی در همه جا به صدا درآمد: در خیابان ها، در خانه های شهروندان، در کاخ های اشراف زاده. اولین نوازندگان هنرپیشه کنسرت بر روی عود، هارپسیکورد، ارگ، ویولن، انواع مختلف فلوت های طولی ظاهر شدند. در آهنگ های چند صدایی (مادریگال - در ایتالیا، شانسون - در فرانسه)، آهنگسازان در مورد عشق صحبت کردند، در مورد هر چیزی که در زندگی رخ می دهد. در اینجا نام برخی از آهنگ ها آمده است: "شکار گوزن"، "اکو"، "نبرد ماریگنانو".

در قرون XV-XVI. اهمیت هنر رقص افزایش می یابد ، رساله های متعدد و راهنمای عملی در مورد رقص ظاهر می شود ، مجموعه هایی از موسیقی رقص که شامل رقص های محبوب آن زمان - رقص باس ، برانله ، پاوانه ، گالیارد است.

در دوره رنسانس، مدارس موسیقی ملی تشکیل شد. بزرگترین آنها مدرسه پلی فونیک هلندی (فرانسوی-فلاندری) است. نمایندگان آن G. Dufay، K. Janequin، J. Okegem، J. Obrecht، Josquin Despres، O. Lasso هستند. در میان دیگر مدارس ملی ایتالیایی (J. P. Palestrina)، اسپانیایی (T. L. de Victoria)، انگلیسی (W. Byrd)، آلمانی (L. Senfl) هستند.