ادبیات موسیقی. سخنرانی در مورد رشته "تحلیل آثار موسیقی" ماژول مبانی زیبایی شناختی و روش شناختی برای تجزیه و تحلیل یک اثر موسیقی بخش هنر موسیقی به عنوان یکی از اشکال آگاهی عمومی که آثار با هم متحد می شوند.

آهنگسازان کلاسیک در سراسر جهان شناخته شده هستند. هر نام یک نابغه موسیقی فردی منحصر به فرد در تاریخ فرهنگ است.

موسیقی کلاسیک چیست؟

موسیقی کلاسیک - ملودی های مسحور کننده ای که توسط نویسندگان با استعداد ایجاد می شود که به درستی آهنگسازان کلاسیک نامیده می شوند. آثار آنها منحصر به فرد است و همیشه مورد تقاضای اجراکنندگان و شنوندگان خواهد بود. از یک سو، مرسوم است که موسیقی سختگیرانه و عمیقی را که به جهات مربوط به آن مربوط نمی شود، می گویند: راک، جاز، فولک، پاپ، شانسون و غیره. از سوی دیگر، در توسعه تاریخی موسیقی یک دوره اواخر سیزدهم - اوایل قرن بیستم، به نام کلاسیک.

تم های کلاسیک با لحن عالی، پیچیدگی، انواع سایه ها و هماهنگی متمایز می شوند. آنها تأثیر مثبتی بر جهان بینی عاطفی بزرگسالان و کودکان دارند.

مراحل توسعه موسیقی کلاسیک. شرح مختصر و نمایندگان اصلی آنها

در تاریخ توسعه موسیقی کلاسیک، مراحل را می توان تشخیص داد:

• رنسانس یا رنسانس - اوایل چهاردهم - ربع آخر قرن شانزدهم. در اسپانیا و انگلستان، رنسانس تا اوایل قرن هفدهم ادامه داشت.
• باروک - جایگزین رنسانس شد و تا آغاز قرن 18 ادامه داشت. اسپانیا مرکز سبک بود.
• کلاسیک دوره توسعه فرهنگ اروپایی از آغاز قرن 18 تا اوایل قرن 19 است.
• رمانتیسیسم جهتی مخالف کلاسیک گرایی است. تا اواسط قرن نوزدهم ادامه داشت.
• کلاسیک قرن 20 - دوران مدرن.

شرح مختصر و نمایندگان اصلی دوره های فرهنگی

1. رنسانس - دوره طولانی توسعه همه زمینه های فرهنگ. - توماس تولیس، جیووانی دا پالستینا، تی. ال. د ویکتوریا ساخته و آثار جاودانه ای را به آیندگان سپرده اند.

2. باروک - در این دوره، فرم های موسیقی جدید ظاهر می شود: چند صدایی، اپرا. در این دوره بود که باخ، هندل، ویوالدی آثار معروف خود را خلق کردند. فوگ های باخ مطابق با الزامات کلاسیک ساخته شده اند: رعایت اجباری قوانین.

3. کلاسیک گرایی. آهنگسازان کلاسیک وینی که خلاقیت های جاودانه خود را در عصر کلاسیک خلق کردند: هایدن، موتسارت، بتهوون. فرم سونات ظاهر می شود، ترکیب ارکستر افزایش می یابد. و هایدن با ساخت و ساز بی عارضه و ظرافت ملودی هایشان با آثار پر دردسر باخ تفاوت دارند. هنوز یک کلاسیک بود و برای کمال تلاش می کرد. ترکیب بندی های بتهوون در آستانه تماس بین سبک های رمانتیک و کلاسیک است. در موسیقی ال. ون بتهوون، شهوانی و حرارت بیشتر از شریعت عقلانی وجود دارد. ژانرهای مهمی مانند سمفونی، سونات، سوئیت، اپرا برجسته بودند. بتهوون باعث پیدایش دوره رمانتیک شد.

4. رمانتیسم. مشخصه آثار موسیقی رنگ و درام است. ژانرهای مختلف آهنگ شکل می گیرد، به عنوان مثال، تصنیف. آهنگ های پیانو لیست و شوپن مورد توجه قرار گرفت. سنت های رمانتیسم را چایکوفسکی، واگنر، شوبرت به ارث بردند.

5. کلاسیک های قرن 20 - با تمایل نویسندگان برای نوآوری در ملودی ها مشخص می شود، اصطلاحات aleatoric، atonalism به وجود آمد. آثار استراوینسکی، راخمانینوف، گلس به قالب کلاسیک ارجاع داده شده است.

آهنگسازان کلاسیک روسی

چایکوفسکی پی.آی. - آهنگساز روسی، منتقد موسیقی، چهره عمومی، معلم، رهبر ارکستر. ساخته های او بیشترین اجرا را دارد. آنها صمیمانه هستند، به راحتی قابل درک هستند، منعکس کننده اصالت شاعرانه روح روسی، تصاویر زیبا از طبیعت روسیه هستند. این آهنگساز 6 باله، 10 اپرا، بیش از صد رمان عاشقانه، 6 سمفونی خلق کرد. باله مشهور جهانی "دریاچه قو"، اپرای "یوجین اونگین"، "آلبوم کودکان".

راخمانینوف S.V. - آثار این آهنگساز برجسته احساسی و شاد و برخی از آنها از نظر محتوایی نمایشی است. ژانرهای آنها متنوع است: از نمایشنامه های کوچک گرفته تا کنسرت و اپرا. آثار به طور کلی شناخته شده نویسنده: اپراهای "شوالیه خسیس"، "الکو" بر اساس شعر پوشکین "کولی ها"، "فرانچسکا دا ریمینی" بر اساس طرحی وام گرفته شده از "کمدی الهی" دانته، شعر "زنگ ها" ; مجموعه "رقص های سمفونیک"؛ کنسرتوهای پیانو; آواز برای صدا با همراهی پیانو.

بورودین ع.پ. آهنگساز، معلم، شیمیدان، دکتر بود. مهم ترین خلقت اپرای "شاهزاده ایگور" بر اساس اثر تاریخی "داستان مبارزات ایگور" است که توسط نویسنده برای تقریبا 18 سال نوشته شده است. بورودین در طول زندگی خود فرصتی برای به پایان رساندن آن نداشت؛ پس از مرگ او، A. Glazunov و N. Rimsky-Korsakov اپرا را تکمیل کردند. این آهنگساز بزرگ بنیانگذار کوارتت ها و سمفونی های کلاسیک در روسیه است. سمفونی "بوگاتیر" تاج دستاورد سمفونی ملی-قهرمانی جهانی و روسیه محسوب می شود. کوارتت های مجلسی ساز، کوارتت اول و دوم به عنوان برجسته شناخته شدند. یکی از اولین کسانی است که شخصیت های قهرمانی را از ادبیات باستانی روسیه وارد رمان های عاشقانه کرد.

نوازندگان بزرگ

M. P. Mussorgsky، که می توان گفت آهنگساز بزرگ واقع گرا، مبتکر جسور، دست زدن به مشکلات حاد اجتماعی، پیانیست عالی و خواننده ای عالی است. مهمترین آثار موسیقایی اپراهای "بوریس گودونوف" بر اساس اثر دراماتیک A.S. پوشکین و "خوانشچینا" - یک درام موسیقی فولکلور، شخصیت اصلی این اپرا مردم شورشی از اقشار مختلف اجتماعی هستند. چرخه خلاق "تصاویر در یک نمایشگاه"، با الهام از آثار هارتمن.

گلینکا M.I. - آهنگساز مشهور روسی، بنیانگذار جهت کلاسیک در فرهنگ موسیقی روسیه. او روند ایجاد مدرسه آهنگسازان روسی را بر اساس ارزش موسیقی محلی و حرفه ای به پایان رساند. آثار استاد آغشته به عشق به میهن است که منعکس کننده جهت گیری ایدئولوژیک مردم آن دوران تاریخی است. درام عامیانه مشهور جهانی "ایوان سوزانین" و اپرای افسانه ای "روسلان و لیودمیلا" به روند جدیدی در اپرای روسیه تبدیل شده اند. آثار سمفونیک «کامارینسکایا» و «اورتور اسپانیایی» اثر گلینکا پایه‌های سمفونی روسی هستند.

Rimsky-Korsakov N.A. آهنگساز با استعداد روسی، افسر نیروی دریایی، معلم، تبلیغ نویس است. دو جریان را می توان در آثار او ردیابی کرد: تاریخی ("عروس تزار"، "پسکوویت") و افسانه ای ("سادکو"، "دوشیزه برفی"، سوئیت "شهیرزاده"). ویژگی بارز آثار آهنگساز: اصالت مبتنی بر ارزش های کلاسیک، همخوانی در ساخت هارمونیک ساخته های اولیه. آهنگ‌های او سبک نویسنده‌ای دارند: راه‌حل‌های اصلی ارکسترال با نمرات آوازی غیرعادی ساخته شده، که اصلی‌ترین آنها هستند.

آهنگسازان کلاسیک روسی سعی کردند در آثار خود تفکر شناختی و فولکلور ویژگی ملت را منعکس کنند.

فرهنگ اروپایی

آهنگسازان مشهور کلاسیک موتزارت، هایدن، بتهوون در پایتخت فرهنگ موسیقی آن زمان - وین زندگی می کردند. Genius ترکیبی از اجرای استادانه، راه حل های عالی آهنگسازی، استفاده از سبک های مختلف موسیقی است: از ملودی های عامیانه تا پیشرفت های چند صدایی تم های موسیقی. کلاسیک های بزرگ با فعالیت ذهنی خلاقانه جامع، شایستگی، وضوح در ساخت فرم های موسیقی مشخص می شوند. در آثار آنها عقل و عواطف، مولفه های تراژیک و کمیک، سهولت و احتیاط به صورت ارگانیک با هم پیوند خورده اند.

بتهوون و هایدن به سمت آهنگسازی های دستگاهی گرایش پیدا کردند، موتزارت به طرز ماهرانه ای آهنگ های اپرا و ارکستر را مدیریت کرد. بتهوون خالق بی نظیر آثار قهرمانانه بود، هایدن از طنز، انواع ژانر عامیانه در آثار خود قدردانی کرد و با موفقیت استفاده کرد، موتزارت آهنگساز جهانی بود.

موتزارت خالق فرم ساز سونات است. بتهوون آن را کامل کرد، آن را به ارتفاعات بی نظیر رساند. این دوره به دوره اوج کوارتت تبدیل شد. هایدن و به دنبال آن بتهوون و موتزارت سهم بسزایی در توسعه این ژانر دارند.

استادان ایتالیایی

جوزپه وردی - موسیقیدان برجسته قرن نوزدهم، اپرای سنتی ایتالیایی را توسعه داد. او مهارت بی عیب و نقصی داشت. آثار اپرایی Il trovatore، La Traviata، Othello، Aida نقطه اوج فعالیت آهنگسازی او شد.

نیکولو پاگانینی - متولد نیس، یکی از با استعدادترین شخصیت های موسیقی قرن 18 و 19. او یک هنرپیشه ویولن بود. او هوس، سونات، کوارتت برای ویولن، گیتار، ویولا و ویولن سل ساخت. او کنسرتوهایی برای ویولن و ارکستر نوشت.

Gioacchino Rossini - در قرن 19 کار کرد. نویسنده موسیقی مجلسی و مقدس، آهنگسازی 39 اپرا. آثار برجسته - "آرایشگر سویل"، "اتللو"، "سیندرلا"، "زاغی دزد"، "سمیرامید".

آنتونیو ویوالدی یکی از بزرگترین نمایندگان هنر ویولن قرن هجدهم است. او به لطف معروف ترین کار خود - 4 کنسرتو ویولن "فصول" به شهرت رسید. او زندگی خلاقانه پرباری داشت و 90 اپرا ساخت.

آهنگسازان مشهور کلاسیک ایتالیایی میراثی ابدی از خود بر جای گذاشتند. کانتات ها، سونات ها، سرنادها، سمفونی ها، اپراهای آنها به بیش از یک نسل لذت می بخشد.

ویژگی های درک موسیقی توسط کودک

به گفته روانشناسان کودک، گوش دادن به موسیقی خوب بر رشد روانی-عاطفی کودک تأثیر مثبت دارد. همانطور که معلمان معتقدند موسیقی خوب انسان را با هنر آشنا می کند و ذوق زیبایی شناختی را شکل می دهد.

بسیاری از آثار شناخته شده توسط آهنگسازان کلاسیک برای کودکان با در نظر گرفتن روانشناسی، ادراک و ویژگی های سنی آنها، یعنی برای شنیدن، ساخته شده است، در حالی که دیگران قطعات مختلفی را برای نوازندگان کوچک ساخته اند که به راحتی توسط گوش درک می شود و از نظر فنی برای آنها قابل دسترسی است.

"آلبوم کودکان" اثر چایکوفسکی پی.آی. برای پیانیست های کوچک این آلبوم تقدیم به برادرزاده ای است که عاشق موسیقی بود و کودک بسیار با استعدادی بود. این مجموعه شامل بیش از 20 قطعه است که برخی از آنها بر اساس مواد فولکلور است: نقوش ناپل، رقص روسی، ملودی های تیرولی و فرانسوی. مجموعه "آوازهای کودکانه" اثر چایکوفسکی P.I. برای درک شنوایی مخاطبان کودک طراحی شده است. آهنگ های خلق و خوی خوش بینانه در مورد بهار، پرندگان، باغ شکوفه ("باغ من")، در مورد شفقت برای مسیح و خدا ("مسیح کودک یک باغ داشت").

کلاسیک کودکان

آهنگسازان کلاسیک بسیاری برای کودکان کار کردند که فهرست آثار آنها بسیار متنوع است.

پروکوفیف S.S. «پیتر و گرگ» یک افسانه سمفونیک برای کودکان است. به لطف این افسانه، کودکان با آلات موسیقی ارکستر سمفونیک آشنا می شوند. متن داستان توسط خود پروکوفیف نوشته شده است.

شومان آر. "صحنه های کودکانه" داستان های کوتاه موزیکال با طرح ساده ای است که برای مجریان بزرگسال نوشته شده است، خاطرات دوران کودکی.

چرخه پیانو دبوسی "گوشه کودکان".

Ravel M. "Mother Goose" بر اساس افسانه های Ch. Perrault.

بارتوک بی. "اولین قدم ها در پیانو".

چرخه برای کودکان Gavrilova S. "برای کوچکترین"؛ "قهرمانان افسانه ها"؛ "بچه ها در مورد حیوانات."

شوستاکوویچ دی. "آلبوم قطعات پیانو برای کودکان".

باخ I.S. دفترچه یادداشت برای آنا ماگدالنا باخ. او با آموزش موسیقی به فرزندانش قطعات و تمرین های ویژه ای را برای رشد مهارت های فنی برای آنها ایجاد کرد.

هایدن جی - مولد سمفونی کلاسیک. یک سمفونی ویژه به نام "کودک" ایجاد کرد. ابزار مورد استفاده: بلبل سفالی، جغجغه، فاخته - صدایی غیر معمول، کودکانه و تحریک آمیز به آن می بخشد.

Saint-Saens K. یک فانتزی برای ارکستر و 2 پیانو به نام "کارناوال حیوانات" ارائه کرد که در آن به طرز ماهرانه ای صدای غلغلک مرغ ها، غرش شیر، رضایت یک فیل و نحوه حرکت آن را بیان می کرد. یک قو بسیار برازنده با ابزار موسیقی.

آهنگسازان بزرگ کلاسیک با آهنگسازی آهنگ‌هایی برای کودکان و نوجوانان از داستان‌های جالب کار، در دسترس بودن مواد پیشنهادی با در نظر گرفتن سن اجراکننده یا شنونده مراقبت کردند.

فرم سونات با یک اپیزود در ژانرهای مختلف استفاده می شود: قطعات انفرادی، فینال فرم های چرخه ای، قطعات آهسته.

یک قسمت ممکن است یک یا آن فرم تکمیل شده را داشته باشد.

در برخی موارد، یک دسته از قسمت به تکرار ظاهر می شود.

علاوه بر این، میانه های ترکیبی در فرم سونات وجود دارد که از توسعه با یک قسمت یا برعکس استفاده می کند.

دراماتورژی در قالب سونات. جوهر دراماتورژی سونات (سونات) نه در ساختار فرم سونات، بلکه در فرآیند توسعه نهفته است. این فرآیند در روابط و کارکردهای ویژه مطالب موضوعی بیان می شود. بر خلاف کنار هم قرار گرفتن یا از طریق توسعه معمول یک فرم پیچیده سه قسمتی یا روندو، فرم سونات با ترکیبی پویا متمایز می شود که در آماده سازی فشرده مضامین یا بخش های زیر بیان می شود.

حتی مهمتر از آن برای دراماتورژی سونات، نقش و تعامل کارکردهای مواد در نمایش است که سه مورد از آنها وجود دارد:

1. مطالب اصلی که نقش اصلی را در کار ایفا می کند و توجه شنونده را متمرکز می کند (موضوعات اصلی).

2. مواد مقدماتی که باعث انتظارات بعدی می شود (مقدمه، پیوندها، پیش بینی ها).

3. مطالب نهایی با ماهیت تاییدی (موضوعات نهایی، کدها).

در نسبت احزاب اصلی و جانبی همیشه عدم تعادل به نفع پ.پ. این امر با اندازه بزرگ دومی و به ویژه تثبیت تونال آن با استفاده از موادی با ماهیت مثبت و آهنگ تسهیل می شود.

فرم سونات در چرخه سونات-سمفونی (اولین موومان، فینال، حرکت آهسته)، آثار فردی با ماهیت مستقل، اورتور، کمتر موسیقی آوازی و صحنه های اپرا استفاده می شود. 41. اتصالات قطعات یک اثر چرخه ای دستگاهی.

فرم‌های چرخه‌ای در موسیقی، فرم‌های موسیقایی یک اثر هستند که حاکی از حضور بخش‌های مجزا، مستقل از نظر ساختار، اما به‌واسطه وحدت قصد به هم مرتبط هستند. در تاریخ موسیقی آکادمیک چرخه‌های «پرلود-فوگ»، سیکل‌های سوئیت، دوره‌های سونات-سمفونی شناخته شده‌اند. یک چرخه را می توان مجموعه ای از آثار به هم پیوسته (که هر کدام ممکن است شکل چرخه ای داشته باشند یا نداشته باشند) یا برنامه های کنسرت نامیده می شود. در موسیقی غیر آکادمیک (جاز، راک)، آلبوم‌های مفهومی و آثار اصلی جداگانه ممکن است به سمت فرم‌های چرخه‌ای جذب شوند.

چرخه دو قسمتی «پرلود-فوگ» از زمان باروک شناخته شده است. این کارکردی کردن پیش درآمد را به عنوان مقدمه ای بداهه برای فوگ پیشنهاد می کند.

چرخه های «پرلود-فوگ» را می توان بر اساس برخی از اصول رسمی یا موضوعی در چرخه های بزرگتر ترکیب کرد. معروف‌ترین نمونه، «کلاویر خوب» اثر J.S. باخ است که بر اساس اصل تناوب معینی از تطابقات مدال ساخته شده است. نمونه ای از موسیقی قرن بیستم "24 پیش درآمد و فوگ" اثر D. D. Shostakoviچ است.

این سوئیت که از قرن شانزدهم شناخته شده است، دارای ویژگی های زیر است:

ارتباط تک تک قسمت های کار با ژانرهای کاربردی سنتی (آهنگ، رقص)، سادگی ساختار قطعات؛

کنار هم قرار دادن قطعات؛

گرایش به وحدت یا نزدیکترین قرابت کلیدهای قطعات.

اوج این ژانر در موسیقی باروک سوئیت های J. S. Bach و G. F. Handel، در دوره کلاسیک - W. A. ​​Mozart و J. Haydn است. در قرن نوزدهم، آهنگسازان اصلی عمدتاً به منظور سبک سازی به ژانر سوئیت روی آوردند (ای. گریگ، ام. راول و دیگران).

در قرن بیستم، ژانر سوئیت به طور قابل توجهی مورد بازنگری قرار گرفت، تکنیک‌های جدیدی برای آن به کار رفت (به عنوان مثال، سوئیت‌های ارکسترال دوازدهم توسط A. Schoenberg و A. Berg)، مطالب جدیدی پوشش داده شد (به عنوان مثال، در P. Hindemith's مجموعه "1922"، رقص های مد روز زمان مربوطه: شیمی، بوستون، رگتایم).

برخی از آثار موسیقی غیر آکادمیک (عمدتاً پراگرسیو راک) نیز به سمت فرم سوئیت جذب می شوند. به عنوان مثال می توان به "مارمولک" از آلبوم خود کینگ کریمسون و "Atom Heart Mother" از آلبوم خود پینک فلوید اشاره کرد. با این حال، «سوئیت‌های راک» نیز اغلب به ترکیب‌هایی گفته می‌شود که بیشتر به سمت فرم‌های آزاد و ترکیبی (در اصطلاح سنتی موسیقی-نظری) جذب می‌شوند.

چرخه سونات-سمفونیک شامل انتزاعی ترین ژانرهای موسیقی دانشگاهی مانند سمفونی، سونات، کوارتت، کنسرتو است. مشخصه آن:

انتزاع از ماهیت کاربردی موسیقی (حتی اگر از مواد کاربردی به عنوان ماده هر قسمت استفاده شود).

امکان تضادهای مجازی و معنایی بین بخش های جداگانه (تا تضاد مستقیم آنها)؛

توسعه تون پیچیده؛

کارکردها و فرم های تک تک قطعات (ویژگی ژانرهای جداگانه موسیقی سونات-سمفونیک) ایجاد شده است.

سونات کلاسیک در قرن هجدهم شکل گرفت، در کلاسیک های وین به اوج خود رسید و با اندکی ملاحظات، یک ژانر زنده باقی می ماند. سمفونی به عنوان یک ژانر در اواسط قرن هجدهم شکل گرفت، همچنین در کلاسیک های وین به اوج خود رسید و یک ژانر زنده از موسیقی آکادمیک باقی مانده است. (فرم سمفونیک را نباید با سمفونیزم اشتباه گرفت که می تواند مشخصه آثاری باشد که به این فرم تعلق ندارند). کوارتت در آثار جی. هایدن شکل یک چرخه سونات را به دست آورد و در آثار کلاسیک وین توسعه بیشتری یافت. در نیمه دوم قرن بیستم، اصول لایت موتیف و یک موضوعی مشخصه بسیاری از آثار این ژانر شد. کنسرتو، به عنوان نوعی اثر چرخه‌ای سونات-سمفونیک، که با مخالفت صدای کل گروه و گروه‌ها یا تک‌نوازان مشخص می‌شود، در اواخر قرن هجدهم به شکل شناخته‌شده‌اش شکل گرفت.

یک اثر موسیقایی ممکن است متشکل از بخشهایی باشد که بر اساس اصولی متفاوت از ژانرهای ذکر شده متحد شده اند، و در عین حال تا حدودی دارای شخصیت چرخه ای باشند. بسیاری از ژانرهای موسیقی مقدس کاربردی (جمعی، کنسرت مقدس، شب زنده داری)، کانتاتاها، چرخه های آوازی و آوازی-کر (روایی و غنایی) از این قبیل هستند.

کل آثار را نیز می توان در یک چرخه ترکیب کرد (که هر کدام به نوبه خود ممکن است شخصیت چرخه ای داشته باشند یا نداشته باشند). اینها چرخه‌های پیش درآمدها و فوگ‌هایی هستند که در بالا ذکر شد، تترالوژی R. Wagner، Der Ring des Nibelungen، آلبوم‌های مفهومی در موسیقی غیر آکادمیک، و همچنین آثار اصلی موسیقی جاز و راک. 42. زبان موسیقی.

زبان موسیقایی مانند سایر سیستم های زبانی سازمانی از این دست است که نمایش آن به عنوان یک نظام سلسله مراتبی بیش از یک توصیف طبقه بندی ساده قدرت توضیحی دارد. در نتیجه، پذیرفته شده است که متون موسیقایی که مشاهده می کنیم، «گفتار موسیقی» را تشکیل می دهند، که تحقق، محصول یک سیستم ایده آل (نه مستقیماً قابل مشاهده) - «زبان» موسیقی است. ... اولاً، خود مفهوم «زبان موسیقی» (و بر این اساس، «گفتار موسیقی») نیاز به توضیح دارد. اولی به عنوان نظامی درک می شود که به هیچ وجه تنها در متون ادبی تحقق نمی یابد، که برخی از الگوهای ساخت را کاهش می دهد. صحبت كردن. به عنوان مثال، "زبان آثار بتهوون"، منظور ما سیستمی است که نه تنها این آثار، بلکه انواع متن هایی را تولید می کند که الگوهای مشخصه آثار بتهوون را حفظ می کند. . . . گفتار موسیقایی با این درک باز است ، یعنی از تعداد بی نهایت متن تشکیل شده است. .

بعد، مفهوم سبک برای ما مهم است. این مفهوم را می توان به عنوان مجموعه ای از متون تعریف کرد که برای نشان دادن اجرای یک سیستم فرض شده اند. از سوی دیگر. با توجه به سبک های مختلف، فرض بر این است که آنها سیستم های مختلفی را پیاده سازی می کنند. .

ساختار سیستم موسیقی به صورت سلسله مراتبی از سطوح نشان داده می شود. بنابراین، ظاهراً می توان سطح صداهای فردی، سطح ترکیبات صدا، سطح هارمونیک (سطح آکوردها)، سطح (یا تعدادی از سطوح) بیان رسمی را مشخص کرد. در یک سطح واحدهایی با همان ترتیب وجود دارد - صداها، ترکیبی از صداها، آکوردها، بخش های مختلف فرم. مدل هر سطح ظاهراً باید متون درستی از نظر این سطح تولید کند.

همراه با واژگان صرفاً اصطلاحی، فرهنگ لغت شامل لایه گسترده ای از واژگان ادبی عمومی است که در ادبیات موسیقی برای ارزیابی و توصیف آثار موسیقی، و همچنین برای توصیف تأثیر آنها بر دنیای درونی یک شخص، بر ادراک زیبایی شناختی شنونده استفاده می شود. . هنگام تهیه فرهنگ لغت، از فرهنگ لغت های توضیحی انگلیسی و آمریکایی در مورد موسیقی، یک دایره المعارف موسیقی و همچنین متون اصلی از کتاب های موسیقی استفاده شد. زندگی انسان را نمی توان بدون تصاویر هنری صوتی که در فضای ذهنی هنگام درک موسیقی پدید می آید تصور کرد. این تک نگاری به بررسی ساختار محتوای قطعات "موسیقی" تصویر جهان می پردازد که با استفاده از انگلیسی مدرن نشان داده شده است. ساختارهای شناختی زیربنای درک واژگان موسیقی توسط یک حرفه ای و یک آماتور تجزیه و تحلیل می شود. مدل‌های استعاری به عنوان پایه‌ای شناختی برای شکل‌گیری اصطلاحات موسیقی و واژگان موسیقی رایج زبان انگلیسی ارائه می‌شوند. کارکرد زبان موسیقی در متون با نسبت های مختلف کلامی و بصری مورد توجه است. این کتاب گام دیگری در بررسی رابطه بین دو جهان - زبان و موسیقی است. این کتاب برای همه کسانی که به مسائل ساختار ذهنی ادراک زبانی واقعیت اطراف علاقه دارند در نظر گرفته شده است. 44. وسایل موسیقایی ساده و معناشناسی آنها

این کار از عبارات موسیقی جداگانه - قطعات موسیقی جدایی ناپذیر تشکیل شده است. عبارات موسیقی در دوره ها ترکیب می شوند. دوره هایی که شبیه به هم هستند در قسمت هایی ترکیب می شوند. قطعات (عبارات، دوره ها، قطعات) یک اثر موسیقی با حروف لاتین نشان داده می شوند: A، B، C و غیره. ترکیب های مختلف قطعات، فرم های مختلف موسیقی را تشکیل می دهند. بنابراین، فرم رایج در موسیقی کلاسیک - ABA (فرم آهنگ)، به این معنی است که قسمت اصلی A با جایگزینی قسمت B از بین می رود و در پایان کار تکرار می شود.

ساختار پیچیده تری نیز وجود دارد: انگیزه (کوچکترین عنصر یک فرم موسیقی؛ 1-2 میله)، عبارت (یک فکر موسیقایی کامل؛ 2-4 میله)، جمله (کوچکترین قسمت یک ملودی که توسط نوعی تکمیل می شود. آهنگ، 4-8 میله)، دوره (عنصر فرم موسیقی؛ 8-16 میله، 2 جمله)

روش های مختلف توسعه و مقایسه عناصر یک ملودی به شکل گیری انواع مختلف فرم های موسیقی منجر شد:

فرم یک تکه (A)

به آن شکل تصنیف یا هوا نیز می گویند. ابتدایی ترین شکل ملودی را می توان با تغییرات جزئی تکرار کرد (فرم AA1A2...). مثال: دیتی ها.

فرم دو قسمتی (AB)

این شامل دو قطعه متضاد است - یک استدلال و یک استدلال متقابل (به عنوان مثال، نمایشنامه "آهنگ ساز می خواند" از "آلبوم کودکان" پی. آی چایکوفسکی). با این حال، اگر قطعات متضاد نباشند، یعنی قطعه دوم بر روی ماده اول ساخته شده باشد، آنگاه فرم دو قسمتی به تغییر شکل یک قسمتی تبدیل می شود. با این وجود، از چنین آثاری (مثلاً نمایشنامه «یادآوری» از «آلبوم برای جوانان» اثر آر. شومان) گاهی به عنوان دو قسمتی یاد می شود.

فرم سه قسمتی (ABA)

به آن آهنگ یا سه تایی نیز می گویند. 2 نوع فرم سه قسمتی وجود دارد - ساده و پیچیده. به زبان ساده، هر بخش یک دوره است، بخش میانی می تواند یک انتقال کوتاه باشد. در پیچیده - هر بخش، به عنوان یک قاعده، یک فرم دو بخشی یا سه بخشی ساده است.

شکل متحدالمرکز

فرم متحدالمرکز شامل سه یا چند قسمت است که بعد از قسمت مرکزی به ترتیب معکوس تکرار می شود، به عنوان مثال: A B C B A 45. معنایی فرم های آهنگسازی موسیقی

سیستم موسیقایی-آهنگسازی دارای چنان مجموعه ای از مفاهیم دقیق است که به آن اجازه می دهد تا آثار موسیقایی را تا کوچکترین جزئیات «دیده» کند. هیچ علم دیگری از موسیقی چنین وضوح و دقت "دید" را ندارد - تاریخ موسیقی، تئوری اجرا، قوم نگاری موسیقی، زیبایی شناسی موسیقی و غیره. در عین حال، مفاهیم موسیقایی و ترکیبی تمایل به "کسب" معنایی دارند که در تجربه طولانی مدت موسیقیدانان در ارتباط با سیستم مفهومی که موسیقی را توضیح می دهد شکل می گیرد. خود ترکیبات موسیقی نیز معنایی هستند - انواع آنها، انواع، موارد فردی. فرم های موسیقی ماهیت تفکر موسیقی را به تصویر می کشد، علاوه بر این، تفکر چند لایه، منعکس کننده ایده های دوران، مدرسه هنر ملی، سبک آهنگساز و غیره است. بنابراین، هم موضوع مورد توجه - فرم ها، ترکیبات آثار موسیقی - و هم روش های تحلیل باید با حوزه بیانی و معنایی موسیقی مرتبط باشد.

موسیقی شناسی نظری به دو نوع زبان می پردازد - زبان هنری موسیقی و زبان علمی مفاهیم نظری در مورد موسیقی. بین این زبانها تفاوت قاطع وجود دارد، اما شباهت نیز وجود دارد - وجود معانی معنایی تثبیت شده. در زبان موسیقی، معناشناسی دارای ویژگی تداعی-بیانی است، با آمیختگی تداعی-مفهومی، در علمی - برعکس، تداعی-مفهومی با آمیختگی تداعی- بیانی. در موسیقی واحد زبان لحن و در تئوری موسیقی واژه-اصطلاح است. از نظر روش شناسی تجزیه و تحلیل موسیقی، مهم است که پیوسته بین لحن های موسیقایی و مفاهیم موسیقی شناختی (کلمات) ارتباطات شکل می گیرد، زبان موسیقی را با اهمیت، مفهومی و تصویرسازی، بیانگری اشباع می کند - زبان علم موسیقی. بیایید «توسعه سونات» را به عنوان مثال در نظر بگیریم. از یک سو، از نظر موسیقایی و هنری، مجری موظف است این بخش از فرم سونات را چنان ناپایدار و فانتزی بنوازد که یک علامت مفهومی در سالن کنسرت «در هوا» اوج بگیرد: «این توسعه". از سوی دیگر، از نظر علم نظری، نشانه، مفهوم "توسعه سونات" باید ایده نوعی بی ثباتی موسیقایی، فانتزی را تداعی کند و با برخی صداهای لحنی خیالی توسعه سونات احاطه شود. در عملکرد «مکانیسم» چنین پیوندی بین عناصر زبان های موسیقی-هنری و موسیقی-نظری، تضمینی است که عملیات تحلیل موسیقی (با مهارت لازم، هنر) می تواند در خدمت آشکارسازی بیانی و معنایی باشد. منطق یک اثر موسیقایی

"دکترین فرم موسیقی" (musikalische Formenlehre) به طور تاریخی در آلمان در پایان قرن 18 پدید آمد. و هدف آن تعیین هنجارهای ساختار ترکیبی برای آثار ژانرهای مختلف - موتت، آریا اپرا، سونات و غیره بود. اثر بنیادی در فرم موسیقی، «دکترین آهنگسازی» اثر A.B. مارکس (1837-1847) "فرم ها" را در یک وحدت سیستمی با ژانرها و تمام جنبه های آهنگسازی - فواصل، هارمونی، چند صدایی، ساز و غیره در نظر گرفت. در عنوان آن کلمه «فرم» نبود، بلکه کلمه «انشاء» بود. کلمه "فرم" سنت فلسفی طولانی داشت و از جمله با مقوله زیبایی مطابقت داشت - با شروع از فلوطین، "متافیزیک زیبایی" او (قرن سوم) که در قرن 18-19 احیا شد. شفتسبری و وینکلمن. و گلینکا گفت: فرم یعنی نسبت اجزا و کل، صورت یعنی زیبایی.

در عین حال، مفهوم «فرم موسیقی» با مفهوم «فرم» در فلسفه و زیبایی‌شناسی یکسان نیست. "فرم موسیقایی" یک تک دسته است که در یک زوج یا سه گانه با هیچ دسته دیگری پیوند ندارد. با "محتوا" مخالف نیست، بلکه دارای محتوا است، یعنی جوهر بیانی- معنایی و آهنگی یک اثر موسیقایی. در سنت فلسفی، «شکل» مستقل نیست و فقط در ارتباط با مقولات تکمیلی فهمیده می شود: ماده و «ایدوس» (یعنی «شکل» - در افلاطون)، ماده، صورت، محتوا (در هگل)، شکل و محتوا (در شیلر)، در فلسفه و زیبایی شناسی مارکسیست-لنینیستی). با توجه به هویت نداشتن «شکل» فلسفی و موسیقایی، و همچنین به نظر نگارنده، کهنه بودن زوج فلسفی «محتوا-شکل»، توصیه می‌شود از تقابل جدیدتر و نشانه‌شناختی در موسیقی‌شناسی استفاده شود: صفحه محتوا - صفحه بیان».

I. فرم موسیقی به عنوان یک پدیده;

II. فرم موسیقی به عنوان یک ترکیب تاریخی مشخص شده؛

III. فرم موسیقی به عنوان ترکیب فردی یک اثر.

محتوای فرم موسیقی به عنوان یک پدیده (I) با مفهوم محتوایی موسیقی و هنر به طور کلی مطابقت دارد. در مجموع در هنر لایه هایی با هم آمیخته می شوند که می توان آن ها را «خاص» و «غیرخاص» نامید. لایه "غیر خاص" منعکس کننده دنیای واقعی است، از جمله جنبه های منفی آن. "ویژه" دنیای ایده آل زیبایی است که ایده اخلاقی خوبی را برای انسان، ایده زیبایی شناختی هماهنگی جهان و از نظر روانی - احساس شادی را حمل می کند. فرم موسیقی در درجه اول با محتوای "ویژه" هنر همراه است. و کل سیستم تئوری های موسیقی و آهنگسازی، دستیابی به هارمونی، نه ناهنجاری، انسجام صداها، نه جدایی آنها، سازماندهی ریتمیک، نه بی نظمی، در پایان - شکل گیری فرم ها، ساخت فرم، و نه بی شکلی را می آموزد. . و او در تلاش است تا قوانین جهانی ترکیب بندی را ایجاد کند که بسته به ایده خاص یک اثر خاص تغییر نمی کند. بر این اساس، علم فرم موسیقی، علم زیبایی موسیقایی، لایه ایده آل و «ویژه» محتوای موسیقی است.

محتوا، معناشناسی فرم موسیقی به عنوان یک ترکیب تاریخی (II) بر اساس همان مکانیسم زبانی شکل می گیرد که معنای ژانر موسیقی است. فرم های ژانر عبارتند از توده گریگوری، روندوی قرون وسطایی-احیای، virele، ballata، le و غیره، رنگ آمیزی ژانر کلاسیک دو و سه قسمتی "فرم های آهنگ"، "فرم adagio" و غیره است. معناشناسی فرم‌های موسیقی تا حد زیادی تحت تأثیر ایده‌های زیبایی‌شناختی و هنری آن دوران است که بر ظهور یا شکوفایی یک فرم خاص تأثیر گذاشته است. به عنوان مثال، فرم های مختلط قرن نوزدهم، که در عصر تأثیر فیگوراتیو و سازنده بر موسیقی ژانرهای شعر تصنیف، اشعار ظاهر شد، حاوی معناشناسی روایت در مورد رویدادهای غیر معمول، با دگرگونی های معجزه آسا (تحول) است. یک پایان طوفانی و اوج تثبیت معناشناسی فرم‌های موسیقی معمولی و انتخاب شده از نظر تاریخی ویژگی روش‌شناختی این کتاب درسی است.

فرم موسیقایی به عنوان یک ترکیب فردی یک اثر (III) در قالب دو مورد اصلی ظاهر می شود: 1) مشخص کردن یک فرم تاریخی، 2) یک فرم فردی و بدون تایپ. در هر دو مورد، معنای معنادار فرم توسط ایده اصلی و واضح ترکیب دیکته می شود. بنابراین، شبانه شوپن در c-moll، نوشته شده در قالب سه قسمتی پیچیده، ویژگی نادری دارد - یک تکرار دگرگون شده، که در تفکر داستان رمانتیک-شعر قرن نوزدهم منعکس شد. و شکل تایپ نشده، به عنوان مثال، کوارتت سوم توسط گوبایدولینا از ایده منحصر به فرد تعامل انواع بیان صدا در هنگام نواختن پیزیکاتو و کمان ناشی می شود.

از سه سطح محتوایی فرم موسیقایی، سطح اول یعنی فراسطح جهانی است و در تمامی آثار موسیقی وجود دارد. دوم، نزدیک به مقوله ژانر در معنای نشانه شناختی، واضح ترین از نظر معنایی، از نظر تاریخی محلی است. سطح سوم ضروری است، اما درجه بندی های آن از یک انحراف حداقلی از استاندارد فرم استاندارد تا یک ترکیب موسیقی غیرقابل تقلید و منحصر به فرد متغیر است. 46. ​​بافت به عنوان عنصری از زبان موسیقی.

Faktura (lat. factura - دستگاه، ساختار) یک روش معمولی برای طراحی یک آهنگ موسیقی چندصدایی در یکی از انبارهای موسیقی (پلی‌فونیک) است. در موسیقی شناسی روسی، اصطلاح (استعاری) "پارچه موسیقی" اغلب به عنوان مترادف برای بافت استفاده می شود. به عنوان مثال، عبارت "بافت کر" افزودن معمولی پارچه موسیقی در تنظیم های یکنواخت آوازهای کلیسا ("کرال") توسط I.S. باخ و دیگر آهنگسازان باروک، "بافت آرپژی" - در سونات های کلاویه د. اسکارلاتی، پوینتیلیسم - بافت، متشکل از آهنگ های "منزوی" توزیع شده بین صداها یا سازهای منفرد در موسیقی آ. وبرن و غیره.

مفهوم بافت ارتباط نزدیکی با مفهوم انبار موسیقی دارد که در عبارات معمولی بیان می شود، به عنوان مثال، "بافت هموفونیک قدیمی"، "بافت چند صدایی"، "بافت هتروفون" و غیره. 47. ملودی به عنوان عنصری از زبان موسیقی.

برای درک موسیقی، سه چیز لازم است، دوتای آن آشکار است، سومی نه.

اولین چیزی که لازم است توانایی تشخیص عناصر گوش از زبان موسیقی - پویا، تایم، ریتمیک، ملودیک، هارمونیک، چند صدایی، ساختاری است. شما نباید از این کلمات خاص بترسید - همه چیز چندان دشوار نیست.

عناصر پویا آشکارترین هستند. موسیقی می تواند ملایم یا بلند باشد و صدا می تواند در داخل یا خارج محو شود.

عناصر تامبر همان چیزی است که مثلاً صدای آلات موسیقی مختلف با یکدیگر متفاوت است. ما بدون تردید می توانیم با داشتن حداقل تجربه موسیقی، صدای ویولن را از صدای پیانو تشخیص دهیم. بیایید، به عنوان اولین تقریب، موافق باشیم که تِمبر چیزی است که ما را وادار می کند منابع صوتی مختلف را بشناسیم - صدای فلوت و صدای چنگ، صدای مادر و صدای پدر.

عناصر ریتمیک، در ساده ترین حالت، نسبت مدت زمان صداها هستند. موسیقی در زمان وجود دارد و برخی صداها بیشتر از سایرین دوام دارند. در واقع، همه چیز بسیار پیچیده تر است، اما برای شروع ما خود را به چنین تعریفی محدود می کنیم.

عناصر ملودیک نسبت صداها در ارتفاع هستند. در این حالت صداها نباید به طور همزمان پخش شوند، بلکه باید به نوبه خود پخش شوند. در واقع، دوباره، همه چیز پیچیده تر است، اما در حال حاضر این تعریف کافی است. اگر برای شما کاملاً روشن نیست که "پیچ" چیست، در اینجا یک تعریف قابل دسترس وجود دارد: برای اینکه صدا ایجاد شود، باید یک بدن صدادار وجود داشته باشد - یک زنگ، یک رشته، یک ستون هوا در یک لوله ( فلوت، لوله ارگ ​​و غیره). بدنه صدا با یک سرعت نوسان می کند (مثلاً 100 یا 500 ارتعاش در ثانیه). هر چه تعداد نوسانات در ثانیه بیشتر باشد، همانطور که می گویند صدا بالاتر می رود. حتی افراد به اصطلاح "غیر موسیقایی" (اگرچه عملاً چنین افرادی در طبیعت وجود ندارند ، اما آنها چنین می گویند) بین صداهای "ضخیم" و "نازک" ، "تاریک" و "روشن" تمایز قائل می شوند - این اساسی است. تمایز بین صداهای در زیر و بم

عناصر هارمونیک نیز نسبت صداها در ارتفاع هستند، اما اکنون صداها باید نه به نوبه خود، بلکه به طور همزمان پخش شوند. در این مورد، به عنوان یک قاعده، بیش از دو صدای تولید شده به طور همزمان وجود دارد. و دوباره، در واقع، همه چیز پیچیده تر است، اما در حال حاضر این کافی است تا حداقل به نحوی کلمه "هماهنگی" را درک کنید.

عناصر چندصدایی نیز بازتولید همزمان هستند، اما نه تک تک صداها، بلکه دو یا چند ملودی متفاوت.

عناصر ساختاری همان چیزی است که موسیقی به ویژه به زبان و ادبیات شباهت دارد. در یک قطعه موسیقی، می توانید "کلمات"، "عبارات"، "پاراگراف ها"، "فصل ها" را به صورت انفرادی بشنوید. اما این بدان معنا نیست که "کلمات" موسیقی به همان روشی که ما مثلاً از اسپانیایی به روسی ترجمه می کنیم به زبان عادی ترجمه می شوند. و با این وجود، جریان موسیقی پیوسته نیست، بلکه به بخش‌های کوچک و بزرگ تقسیم می‌شود و این تقسیم‌بندی با گوش قابل درک است.

حالا، وقتی ناگهان شروع به صحبت در مورد دینامیک، تِمبر، ریتم، ملودی، هارمونی، چند صدایی و ساختار می کنم، از قبل متوجه خواهیم شد که در مورد چه چیزی صحبت می کنیم.

به یاد بیاورید که همانطور که در بالا ذکر شد، سه چیز برای درک موسیقی مورد نیاز است و تا کنون فقط در مورد اولین آنها صحبت کرده ایم - توانایی تشخیص عناصر زبان موسیقی با گوش.

موسیقی شناسی مدرن از اصول اولیه رویکرد نشانه شناختی به موسیقی و زبان آن استفاده می کند. زبان موسیقی را می توان مجموعه ای از وسایل (عناصر) موسیقایی دانست که در روند توسعه تاریخی شکل گرفته و دارای ساختار پیچیده ای است که میراث مشترک فرهنگ محسوب می شود که همه عناصر آن به هم مرتبط هستند.

دنیای اطراف مملو از صداهای مختلف است: در اینجا صداهایی وجود دارد که توسط خود شخص و با کمک آلات موسیقی برای بیان افکار، تجربیات و همچنین صداهایی که مستقیماً در طبیعت وجود دارند تلفظ می شود. هر جسمی می تواند صدایی (چه جاندار و چه بی جان) با کیفیت های مختلف تولید کند. صداها از همه جا شنیده می شود، آنها را می توان در همه جا شنید: در خانه، محل کار، در ساحل دریا، در جنگل و غیره. گاهی اوقات صداهای معمولی توسط آهنگساز به یک قطعه موسیقی منتقل می شود، سپس حالت موسیقایی پیدا می کند که به این فکر می رسد که فریاد، صداهای تأثیرات را می توان موسیقی نامید اگر در جریان یک پیام موسیقی قرار گیرند. و به آنها معنای موسیقایی داده می شود.

به طور سنتی، عناصر زبان موسیقی به عنوان یک سیستم نشانه خاص شامل صداهایی است که با زیر و بم، بلندی، مدت زمان و صدا مشخص می شود که یک ملودی، هارمونی (همخوانی های فردی، آکوردها) را می سازد. صداهای موسیقی در تعامل با یکدیگر، الگوهای مترو ریتمیک را تشکیل می دهند، به یک اثر حاوی یک تصویر موسیقایی خاص تبدیل می شوند.

ویژگی بارز زبان موسیقی وجود سطوح نشانه های مختلف در آن است که با یکدیگر تعامل دارند. سطوح زیر از بیان موسیقی (زبان موسیقی) وجود دارد که سیستمی از سطوح را تشکیل می دهد: زیر و بم (حالت، هارمونی، صداها، رجیسترها، تونالیته، ملودی). ریتمیک (الگوهای ریتمیک)؛ سمت ترکیبی (روند موسیقی به عنوان یک کل): همه ابزارهایی که یک ترکیب را ایجاد می کنند. تفسیر عملکرد (اگوژیک، بیان، ضربات و آهنگ اجرا). زبان موسیقی یک سیستم ناهمگن است که شامل عناصری است که هم بسیار سازمان یافته (سمت هارمونیک) و هم کمتر سازماندهی شده (دینامیک) است.

بنابراین، زبان موسیقی یک سیستم پیچیده سلسله مراتبی و چند سطحی است که با تمایل به توسعه، سازگاری و امکان به روز رسانی بخش های تشکیل دهنده آن مشخص می شود. 48. هارمونی به عنوان عنصری از زبان موسیقی.

هارمونی (یونان باستان ἁρμονία - اتصال، نظم، سیستم، هماهنگی، انسجام، تناسب، هماهنگی) - مجموعه ای از مفاهیم تئوری موسیقی. هماهنگ (از جمله در گفتار روزمره) به انسجام صداهای دلپذیر برای گوش و درک ذهن (مفهوم موسیقی و زیبایی شناختی) گفته می شود. در یک دیدگاه علمی، این ایده به مفهوم ترکیبی و فنی هارمونی به عنوان ترکیب صداها به همخوان ها و توالی منظم آنها منجر می شود. هارمونی به عنوان یک رشته علمی و آموزشی-عملی، سازماندهی زیربنایی موسیقی را مطالعه می کند.

مفهوم هارمونی برای مشخص کردن یک سیستم گام منطقی سازمان‌یافته استفاده می‌شود: نوع حالت (هارمونی مدال، هارمونی تونال)، سبک موسیقی (به عنوان مثال، "هارمونی باروک")، تجسم خاص گام ("هرمونی پروکوفیف")، آکوردهای مشخصه (هماهنگی به عنوان مترادف کلمات "آکورد، همخوانی).

اما مفهوم هارمونی را نباید با مفاهیم «همنوایی»، هم آوایی (مثلاً در تعبیر «نغمه و هارمونی» به جای «نغمه و همراهی» یا به جای «نغمه و آکورد»؛ «چند صدایی» اشتباه گرفت. و هارمونی" به جای "چند صدایی و هم آوایی").