Vincent Van Gogh (1853 - 1890) es uno de los maestros más brillantes y talentosos. El destino no perdonó al artista y le dio solo diez años de creatividad activa. En este corto período de tiempo, Van Gogh pudo convertirse en un maestro, con su propio estilo de pintura único.

Vincent Van Gogh: breve biografía

Vicente Van Gogh: 1889

Vincent Van Gogh Nacido en el sur de los Países Bajos. Vincent recibió su primera educación en una escuela del pueblo y en 1864 estudió en un internado.

Sin terminar la escuela, Vincent Van Gogh comenzó a vender cuadros en 1869. Mientras trabajaba en la empresa, adquirió grandes conocimientos en el campo de la pintura. Por cierto, Van Gogh amaba y apreciaba mucho la pintura.

Cuatro años más tarde, Vincent fue trasladado a Inglaterra, donde su negocio comercial aumentó rápidamente. Pero el amor bloqueó su camino hacia una carrera exitosa.

Vincent Van Gogh perdió la cabeza enamorado de la hija del dueño del apartamento en el que vivía. Cuando Van Gogh supo que ella estaba comprometida, se volvió indiferente a todo.

Van Gogh encuentra un consuelo temporal en la religión. Al llegar a Holanda, comenzó a estudiar para ser pastor, pero después de un tiempo abandonó.

En la primavera de 1886, Vicente viaja a Francia para visitar a su hermano. En París conoció a muchos artistas, entre los que se encontraban nombres como Gauguin Y Camille Pissarro. Se olvida toda la desesperanza de la vida en Holanda. Van Gogh pinta de forma expresiva, brillante y rápida. Es respetado como artista.

Aproximadamente a los 27 años, Vincent Van Gogh tomó la decisión final de convertirse en artista. Se le puede llamar autodidacta con seguridad, pero Vincent trabajó mucho en sí mismo, estudió libros y copió pinturas.

Los asuntos de Van Gogh estaban mejorando rápidamente, pero los fracasos nuevamente se interpusieron en su camino... y nuevamente por amor. primo de van gogh Keya Vos, no correspondió a los sentimientos del artista. Además, por culpa de ella, el artista tuvo una gran pelea con su padre. Una pelea con su padre hizo que Van Gogh se mudara a La Haya, donde inició una relación con una mujer de fácil virtud. Klazina María Hoornik. Vincent vivió con la mujer durante un año e incluso quiso casarse con ella. El matrimonio fue impedido por la interferencia de la familia en los asuntos personales de Van Gogh.

El artista regresó a su tierra natal, donde vivió dos años, y en 1886 viajó nuevamente a Francia para visitar a su hermano. Su hermano, cuyo nombre era teo, apoyó moralmente a Van Gogh y ayudó económicamente. Vale la pena decir que Francia fue un segundo hogar para Vicente. Vivió en este país durante los últimos 4 años de su vida.

En 1888, hubo una pelea con Gauguin, a raíz de la cual, debido a un trastorno mental, Van Gogh le cortó parte de la oreja. Aunque existen muchas versiones de esta historia, nadie sabe a ciencia cierta qué pasó exactamente entre Van Gogh y Gauguin. Quizás fue el alcohol el que hizo su trabajo, porque el artista bebía mucho. Al día siguiente, Van Gogh ingresó en una clínica psiquiátrica.

Vincent Van Gogh - artista holandés- postimpresionista que rindió un gran impacto sobre la pintura del siglo XX. Hoy sus obras están valoradas en cientos de millones de dólares.

Durante su vida, nunca recibió reconocimiento en la sociedad y se hizo conocido solo después de suicidarse a la edad de 37 años.

Menos de dos años después, Vincent van Gogh decidió renunciar institución educativa y volver a casa. Él mismo calificó su infancia de “lúgubre, fría y vacía”, lo que sin duda afectó su biografía posterior.

Biografía creativa

A los 15 años, Vincent empezó a trabajar en la prestigiosa empresa de arte y comercio Goupil & Cie, propiedad de su tío.

Discurso idioma moderno, realizó el trabajo de comerciante, en el que logró el éxito. Conocía bien la pintura y visitaba con frecuencia varias galerías.

Sin embargo, trabajar para la empresa no le hace feliz a Van Gogh. Caído en una profunda depresión, escribe varias cartas a su hermano Teodoro, en las que le habla de su soledad e impotencia.

Algunos biógrafos creen que Vicente padecía amor no correspondido, sin embargo, no hay información fiable al respecto.

Finalmente, Van Gogh fue despedido de Goupil & Cie.

Actividades misioneras

En 1877 ocurrió un hecho importante en la biografía de Van Gogh: decidió ingresar a la universidad para estudiar teología. Para ello, se traslada a Ámsterdam a vivir con su tío Johannes.

Después de aprobar con éxito sus exámenes y convertirse en estudiante universitario, Vincent se desilusiona de sus estudios. Al darse cuenta de su error, lo abandona todo y comienza a dedicarse a la obra misional.

Van Gogh a los 18 años

Van Gogh se ilumina con una nueva idea: predica el Evangelio a los pobres, enseña a los niños y también enseña la Ley de Dios en el Borinage, donde vivían principalmente los mineros y sus familias.

Para cubrir las necesidades básicas, Vincent dibuja mapas de Palestina por la noche. En general, hay que decir que en la biografía de Van Gogh hay muchos ejemplos de desinterés casi doloroso.

Poco a poco, el misionero se ganó el respeto de la gente, por lo que recibió un salario de 50 francos.

EN este periodo biografías Vincent llevó un estilo de vida muy modesto y defendió repetidamente los derechos de los trabajadores.

Pronto comenzó a irritar a los funcionarios, por lo que fue destituido de su puesto de predicador. Este giro de los acontecimientos fue un verdadero golpe para Van Gogh.

La creación del artista Van Gogh

Deprimido, Vincent van Gogh comienza a pintar. Durante algún tiempo incluso asistió a la Academia de Bellas Artes, pero al no ver ningún beneficio para él, la abandonó.

Después de eso, continuó pintando, basándose únicamente en su propia experiencia.

Durante este período de su biografía, Van Gogh se enamora de su prima, pero ella no corresponde a sus sentimientos. Como resultado, se marcha con el corazón roto a La Haya, donde continúa pintando.

Uno de los autorretratos más famosos de Vincent van Gogh, 1889.

Allí Van Gogh aprende a dibujar con Anton Mauve, y en tiempo libre realiza paseos por los barrios pobres de la ciudad. En el futuro, el artista podrá plasmar todo lo que ve en sus obras maestras.

Al observar las técnicas de diferentes maestros, Van Gogh comenzó a experimentar con matices y estilos de pintura. Sin embargo, sigue atormentado por interminables pensamientos sobre formar una familia.

Un día conoció a una mujer que tenía varios hijos y pronto la invitó a mudarse a su casa. Entonces sintió una verdadera felicidad que, sin embargo, no duró mucho.

El temperamento irascible y difícil de su compañero hizo que la vida de Van Gogh fuera insoportable. Como resultado, rompió con esta mujer y se fue al norte. Su hogar era una choza en la que vivía y pintaba paisajes.

Después de un tiempo, el artista regresa a casa y continúa pintando. En sus lienzos suele representar la gente común y paisajes urbanos.

periodo parisino

En 1886, nuevamente en la biografía de Van Gogh. grandes cambios: decide irse. Luego aparecieron en esta ciudad muchos artistas con una nueva visión del arte. Allí conoció a su hermano Theo, que ya era director de la galería.

Pronto Van Gogh visitó varias exposiciones de los impresionistas, que buscaban capturar el mundo en su dinámica. Durante este período, Vincent contó con el apoyo de su hermano, quien lo cuidó de todas las formas posibles y le presentó a varios artistas.

Después de recibir nuevas sensaciones, la biografía de Van Gogh experimentó un auge creativo. En París logra pintar alrededor de 230 cuadros, en los que experimenta con la técnica y la pintura. Como resultado, sus lienzos se vuelven más claros y brillantes.

Mientras paseaba por París, Van Gogh conoció a la dueña de un café, Agostina Segatori. Pronto pinta un retrato de ella.

Entonces Vincent comienza a vender sus obras junto con otros artistas poco conocidos.

A menudo discute con sus colegas y critica su trabajo. Al darse cuenta de que nadie está interesado en su trabajo, decide abandonar París.

Van Gogh y Paul Gauguin

En febrero de 1888, Vincent van Gogh se mudó a Provenza, donde se enamoró a primera vista. Recibe 250 francos al mes de su hermano, gracias a los cuales puede alquilar una habitación de hotel y comer bien.

Durante este período de su biografía, Van Gogh trabajó a menudo en la calle, representando paisajes nocturnos en sus lienzos. Así es exactamente como fue escrito. pintura famosa « Noche de estrellas sobre el Ródano."

Después de un tiempo, Van Gogh logró conocer a Paul Gauguin, cuyo trabajo le encantó. Incluso comienzan a vivir juntos, hablando constantemente sobre el gran significado.

Sin embargo, pronto aparecen malentendidos en su relación, que a menudo terminan en peleas.

Van Gogh se corta la oreja

La tarde del 23 de diciembre de 1888 sucede quizás lo más importante en la biografía del artista. evento famoso: Le corta la oreja. Las acciones se desarrollaron de la siguiente manera.

Autorretrato con oreja vendada y pipa, Vincent van Gogh, 1889

Después de otra pelea con Paul Gauguin, Van Gogh atacó a su amigo con una navaja en la mano. Gauguin logró accidentalmente detener a Vincent.

Aún se desconoce toda la verdad sobre esta pelea y las circunstancias del ataque, pero esa misma noche Van Gogh se cortó el lóbulo de la oreja, lo envolvió en papel y se lo envió a la prostituta Rachel.

Según la versión generalmente aceptada, esto se hizo en un ataque de arrepentimiento, pero algunos investigadores creen que esto no fue arrepentimiento, sino una manifestación de locura provocada por uso frecuente absenta (una bebida que contiene un 70% de alcohol).

Al día siguiente, 24 de diciembre, Van Gogh fue trasladado al hospital psiquiátrico de Saint-Rémy, donde el ataque se repitió con tal fuerza que los médicos lo internaron en una sala para pacientes violentos.

Gauguin abandonó apresuradamente la ciudad, sin visitar a Van Gogh en el hospital, pero informando a su hermano Theo de lo sucedido.

Vida personal

Varios biógrafos de Van Gogh creen que las razones enfermedad mental Van Gogh podría tener relaciones difíciles con las mujeres. En repetidas ocasiones le propuso matrimonio a diferentes chicas, pero constantemente recibió negativas.

Hubo un caso en el que prometió mantener la palma de la mano sobre la llama de la vela hasta que la niña aceptara convertirse en su esposa.

Con su acción sorprendió a su elegida, y también enfureció a su padre, quien, sin dudarlo, echó a la artista de la casa.

La insatisfacción sexual de Van Gogh afectó gravemente su psique y le llevó a empezar a gustarle las prostitutas maduras y feas. Comenzó a vivir con una de ellas en su casa, aceptándola junto con su hija de cinco años.

Después de vivir así durante aproximadamente un año, Vincent van Gogh pintó varios cuadros con su amante. Un dato interesante es que por su culpa la artista se vio obligada a someterse a un tratamiento contra la gonorrea.

Sin embargo, comenzaron a surgir cada vez más disputas entre ellos, que finalmente llevaron a la separación.

Después de esto Van Gogh fue invitado frecuente burdeles, por lo que fue tratado de diversas enfermedades venéreas.

Muerte

Mientras estuvo en el hospital, Van Gogh pudo seguir pintando. Así aparecieron los famosos cuadros “Noche estrellada” y “Camino con cipreses y una estrella”.

Cabe señalar que su salud era muy variable. Mientras se sentía bien, podía deprimirse repentinamente. Un día, durante uno de sus ataques, Vincent se comió sus pinturas.

Theo todavía intentó apoyar a su hermano. En 1890 puso a la venta su cuadro “Viñedos rojos en Arlés”, que posteriormente fue adquirido por 400 francos.

Cuando Vincent van Gogh se enteró de esto, su alegría no tuvo límites. Un dato interesante es que este fue el único cuadro vendido durante la vida del artista.

Viñedos rojos en Arles, Vincent van Gogh, 1888

En el siguiente período de su biografía, Van Gogh todavía continúa comiendo pintura, por lo que su hermano organiza su tratamiento en la clínica del Dr. Gachet. Vale la pena señalar que entre el paciente y el médico se desarrolló una relación buena e incluso amistosa.

Literalmente, un mes después, el tratamiento dio resultados, como resultado de lo cual Gachet permitió que Vincent fuera a visitar a su hermano.

Sin embargo, al conocer a Theo, Van Gogh no sintió la atención debida a su persona, ya que en ese momento Theo atravesaba dificultades económicas y su hija estaba gravemente enferma.

El artista ofendido y ofendido regresa al hospital.

El 27 de julio de 1890, Vincent Van Gogh se pegó un tiro en el pecho con un revólver y, como si nada, se tumbó en la cama encendiendo su pipa. Parecía que la herida no le causaba ningún dolor.

Gachet informó inmediatamente a su hermano sobre la ballesta y Theo llegó de inmediato. Queriendo tranquilizar a Vincent, Theo dijo que definitivamente se recuperaría, a lo que Van Gogh dijo la frase: "La tristeza durará para siempre".

Dos días después, el 29 de julio de 1890, Vincent van Gogh murió a la edad de 37 años. Fue enterrado en el pequeño pueblo de Meri.

Es interesante que seis meses después falleciera el propio hermano de Van Gogh, Theodorus.

Foto de Van Gogh

Al final podéis ver varias fotografías de los retratos de Van Gogh. Todos ellos fueron realizados por él, es decir, son autorretratos.

Autorretrato con la oreja vendada, Vincent van Gogh, 1889

Si te gustó la breve biografía de Vincent Van Gogh, compártela en las redes sociales. Si te gustan las biografias gente famosa en general y en particular, suscríbase al sitio. ¡Siempre es interesante con nosotros!

¿Te gustó el mensaje? Presione cualquier botón.

Tumanova E.E.

Vincent Van Gogh

Autorretrato frente a un caballete, 1888

Gran artista holandés

Vincent Van Gogh, como Rembrandt, era holandés. He aquí el primer hecho externo, el accidente de la biografía, que, sin embargo, adquiere inmediatamente un significado no accidental y nos da la llave de las puertas de su vida. Incluso Hippolyte Taine, y después de él otros sociólogos, señalaron la dependencia causal del arte del entorno material que lo rodea. Pero hay que hacer una enmienda a su explicación un tanto mecánica del arte: no siempre existe una conexión causal entre Espíritu humano Y ambiente externo A veces puede ser directo, a veces puede revertirse. Comer artistas brillantes que encarnan los dictados de su tiempo y de su pueblo: tales fueron los maestros de Grecia y del Renacimiento; pero hay otros genios que sólo pueden entenderse como negacionistas de este entorno. Su vida y creatividad surgen de este entorno en el sentido de que son una reacción contra él. Tal protesta contra el sentido común de su época fue la aparición de Rembrandt, especialmente en la segunda mitad de su obra, comenzando con La ronda de noche, cuando creció la brecha entre él y sus clientes burgueses. La misma protesta personificada contra el espíritu filisteo de Holanda es la vida y obra de Van Gogh.

Para los impresionistas, uno de los principales objetos de exhibición era el hombre. Su imagen fue interpretada de tal manera que se afirmó en la lucha con su entorno y consigo mismo de manera dolorosa, pesada, forzando su fuerzas internas. Este lado del arte postimpresionista se ve mejor en la obra de Vincent Van Gogh.

Vincent Van Gogh (1853 - 1890) es considerado un gran artista holandés que tuvo una influencia muy fuerte del impresionismo en el arte. Sus obras, creadas durante un período de diez años, llaman la atención por el color, el descuido y la aspereza de los trazos, y las imágenes de un enfermo mental, agotado por el sufrimiento, que se suicidó.

Vincent Van Gogh nació en 1853 en Holanda. Lleva el nombre de su hermano fallecido, que nació un año antes que él, el mismo día. Por eso, siempre le pareció que estaba reemplazando a otra persona. La timidez, la timidez y un carácter demasiado sensible lo alejaron de sus compañeros de clase, y su único amigo era su hermano mayor Theo, de quien juró no separarse cuando eran niños. Vincent tenía 27 años cuando finalmente se dio cuenta de que anhelaba convertirse en artista. “No puedo expresar lo feliz que estoy de haber empezado a dibujar de nuevo. Pensé a menudo en ello, pero pensé que dibujar estaba más allá de mis capacidades”. Esto es lo que Vicente le escribió a su hermano.

Van Gogh fue prácticamente autodidacta, aunque siguió los consejos de A. Mauve. Pero en mayor medida que las recomendaciones del pintor holandés moderno, el conocimiento de las obras y reproducciones de Rembrandt, Delacour, Daumier y Millet jugó un papel en la formación de Van Gogh. Entendía la pintura misma, a la que recurrió después de probar diferentes profesiones (vendedor de salón, maestro, predicador), como algo que ya no traía al pueblo la palabra de un sermón, sino una imagen artística.

Uno de Pinturas famosas Van Gogh - "Los comedores de patatas".

“Comedores de patatas”, 1885

En una habitación oscura y lúgubre, cinco personas están sentadas a una mesa: dos hombres, dos mujeres y una niña visible desde atrás. Una lámpara de queroseno que cuelga desde arriba ilumina rostros delgados y cansados ​​y manos grandes y cansadas. La escasa comida de los campesinos consistía en un plato de patatas hervidas y café líquido. Las imágenes de personas combinan grandeza monumental y compasión, viviendo con ojos muy abiertos, triángulos de cejas intensamente levantados y arrugas que son claramente visibles incluso en rostros jóvenes.

Vida y trabajo en Francia

En 1886, Vincent llegó a París y nunca más regresó a su tierra natal... Van Gogh, de nacionalidad holandesa, llegó a Francia como un artista consagrado que representaba a la gente y la naturaleza de su tierra natal.

La llegada a París introduce importantes ajustes en la obra de Van Gogh sin cambiar su esencia básica. El artista sigue lleno de simpatía y amor por hombrecito, pero esta persona ya es diferente: residente de la capital francesa, él mismo es un artista.

El cambio de estilo de Van Gogh estuvo dictado en cierta medida por un cambio en su posición ideológica. En el muy vista general su visión del mundo en aquella época puede considerarse más alegre y luminosa que la de Holanda. Este lado de su obra se revela especialmente bien en paisajes y naturalezas muertas. Convertido en un apasionado seguidor del plein air, deambula por París retratando los rincones de Montmartre, las orillas y los puentes del Sena, teatros folklóricos y se siente como un auténtico francés. "Estamos trabajando todos juntos en el Renacimiento francés; aquí estoy, por así decirlo, en mi tierra natal", escribe Van Gogh. Y efectivamente, desde ahora su obra pertenece a Francia y a la humanidad; se convierte en compañero de armas de los impresionistas, comparte sus desgracias, contribuye a su éxito...

Pero la naturaleza fogosa de Van Gogh era ajena al medio; en todo lo que emprendió, llegó hasta el final. La búsqueda de la luz y el aire, la pasión por la técnica de Seurat (el divisionismo) no pudieron evitar encender en él el deseo de dejar el París gris e ir al sur. Se sentía apretado en la capital y el sur le parecía esa tierra prometida, donde sólo era posible “organizar a partir de ahora un taller del futuro”, donde sólo podía desarrollarse el talento del artista. Y así en 1888 se trasladó a Arlés, localidad de Provenza.

Un nuevo período de creatividad: la ciudad de Provenza.

Aquí comienza una nueva etapa de la obra de Van Gogh. La primera impresión no le engañó. La Provenza le parecía “en su alegre medida de colores, un país tan hermoso como Japón”, y lo único que lamenta es no haber venido aquí en su juventud... “ juego alegre colores” -qué inesperadas son estas palabras en el lenguaje de Van Gogh, un asceta reciente-, derramaron toda su nueva actitud hacia el mundo, la actitud de un pintor. Nuevo y al mismo tiempo viejo, porque amaba la naturaleza desde pequeño. Pero en Holanda sólo amaba su tranquila tristeza, pero aquí, entre el esplendor del sur, admiró por primera vez el brillo de los colores, el resplandor del sol. Aquí, por primera vez, sintió que no podía haber diferencia entre él y su gran maestro, Rembrandt. “Rembrandt pintaba con claroscuros, nosotros pintamos con pinturas”, dice en una carta, formulando esta revolución que le ocurrió en el sur. Rembrandt vio en el mundo, ante todo, el contraste de luces y sombras, para Van Gogh el mundo es, ante todo, una celebración del color, un juego de colores.

La técnica de la pintura en general juega un papel mucho más importante en nuestra época que antes. Cuando miramos una pintura de un viejo maestro, en esencia nos olvidamos de la técnica, del estilo de la pincelada; hasta tal punto, en ella se equilibran forma y contenido, sentimiento e intelecto, objetivo y subjetivo. ¡Pero Ay! - el hombre moderno está lejos de este equilibrio clásico del espíritu, y por eso en una pintura moderna notamos, en primer lugar, el enfoque subjetivo del artista hacia tal o cual objeto. Y la técnica, como bien señaló Puvis de Chavannes, no es más que el temperamento del artista, el grado de intensidad de su visión del mundo. Hay artistas realistas que perciben el mundo con una pasividad tan sumisa que nos olvidamos de ellos. personalidad humana y simplemente decimos: "Qué vívidamente está escrito este samovar o cómoda roja: es como si fuera real". Pero hay otros artistas, de alma incontenible y rebelde, que no pueden ocultar el ritmo mismo de su experiencia detrás de la materia del objeto que representan. Al mirar su imagen, vemos, en primer lugar, no lo que está representado, sino cómo está representado, parecemos participar en el proceso mismo de su creatividad, nos preocupamos y corremos con ellos; Para estos artistas individualistas, la tecnología ocupa un lugar enorme, pero al mismo tiempo deja de ser tecnología en el sentido habitual de la palabra, es decir, algo externo y artesanal.

Así es exactamente Van Gogh. Un “golpe ordenado” le parece “tan imposible como la esgrima durante un asalto”. Es verdaderamente un impresionista, en el mismo en un sentido profundo de esta palabra, impresionista más que todos los que solemos llamar así, pues cambia de técnica varias veces incluso dentro de un mismo cuadro, según cada impresión dada. Cada objeto lo impresiona de manera diferente, y cada vez las cuerdas de su alma vibran de manera diferente, y su mano se apresura a escribir estas notas internas. Trabaja ahora con un pincel, ahora con un cuchillo, ahora, escribiendo esto con fluidez, esculpiendo densamente con pinturas, lanzando trazos ahora a lo largo y ancho. Siempre trabaja de inmediato, sobre la primera impresión, en una especie de éxtasis instantáneo, y parece que la imagen brota de debajo de su pincel, como un grito de admiración por la naturaleza o de lástima por el hombre. En el ritmo mismo de sus golpes siempre sientes el ascenso o descenso rítmico de este grito, sientes el ardor de su alma.

Él mismo es eternamente exuberante, incontenible, ve en el mundo, ante todo, un principio eternamente eficaz. Su mundo está en constante circulación, crecimiento, formación. Percibe los objetos no como cuerpos, sino como fenómenos. Esto no significa que represente un momento único de la naturaleza capturado sobre la marcha, como Claude Monet. No, no representa un momento, sino la continuidad de momentos, el leitmotiv de cada objeto es su existencia dinámica. Por eso cada uno de sus bocetos del natural supera la observación casual, elevándose a la contemplación de lo abstracto, a un espectáculo cósmico. Es un artista de ritmos mundiales. No pinta el efecto dado del sol poniente, sino la forma en que el sol se pone en general, enviando flechas de rayos que se dispersan por el lienzo, o cómo emerge de una niebla dorada que se espesa en círculos concéntricos.

No describió el efecto de un árbol doblado accidentalmente por el viento, sino el crecimiento mismo de un árbol desde el suelo, el crecimiento de las ramas de un árbol. Sus cipreses parecen templos góticos, visiones de lancetas que se precipitan hacia el cielo. Agazapados por el calor del sur, se levantan retorciéndose, como enormes lenguas arremolinadas de llama verde, y si son arbustos, arden en el suelo como hogueras. Sus cadenas montañosas realmente se curvan, como si se hubieran formado ante nuestros ojos a partir del caos geológico original... Sus caminos, lechos y surcos de campos realmente se pierden en la distancia, y sus trazos realmente se extienden como una alfombra de hierba, o suben las colinas. . Todo esto, que suena sólo como una frase verbal entre usted y yo, vive, se mueve y desaparece en Van Gogh. Y su espacio, sus paisajes están envueltos en un fuego eterno, como él mismo, y las nubes se arremolinan en ellos como humo.

Retratista de Van Gogh.

El estilo dinámico de Van Gogh se revela aún más claramente en sus sorprendentes dibujos realizados con pluma de caña, que esbozaba con virtuosismo japonés y esparciba generosamente en sus cartas, ilustrando sus pensamientos. Quería dibujar tan rápido como escribía y, de hecho, en esos trazos y puntos el autógrafo de su genio. No conozco a ninguno de los artistas gráficos modernos que tuviera tanta confianza en la línea, tal poder de sugestión, tal laconismo en el dibujo. Sus bocetos a pluma son una especie de pulsogramas del mundo, símbolos gráficos de la vida mundial. Aquí hay un árbol que corre hacia arriba en volutas de líneas, pajares formados a partir de espirales, y hierba que crece verticalmente, y tejas que se elevan, o ramas andrajosas que crecen aquí y allá...

Aquí hay un retrato de un cartero de Arles. ¡Con qué aire de suficiencia se peinan sus patillas con trazos, con qué alegría brillan contra el fondo las flores del papel pintado!

"Retrato de un cartero de Arly", 1889

En una de sus cartas, Van Gogh escribe sobre él que este señor está muy contento y orgulloso porque acaba de convertirse en un padre feliz.

Aquí está "Berceuse", la niñera de los pescadores, a quien, según las creencias de los pescadores, a menudo se la ve delante de un barco por la noche, cuando hace mal tiempo, y luego entretiene con cuentos de hadas.

"La niñera del pescador", 1888

Y, de hecho, ¡cuántos cuentos de hadas fuertes, toscos y brillantes, debería conocer esta mujer, como estos estampados populares que florecen al fondo! Van Gogh iba a regalar este cuadro a Sainte-Marie, un refugio para marineros...

Y aquí de nuevo hay algo opuesto: un autorretrato del propio Van Gogh, cuyas pinceladas son como nervios expuestos. Aquí ya no se trata de una semejanza externa, ni de una máscara facial, sino del alma misma tensa y revelada...

"Autorretrato", septiembre de 1889

Pero también gran hecho La expresividad de Van Gogh, más que su técnica, es el color. Revela lo característico de una persona no solo exagerando el dibujo, sino también el simbolismo de los colores. “Quiero hacer un retrato de mi amigo, un artista que tiene sueños maravillosos”, escribe en una carta a su hermano. “Me gustaría poner todo mi amor por él en este retrato y elijo los colores de forma totalmente arbitraria. Exagero hasta cierto punto el tono claro de su cabello. color naranja. Luego, como fondo, en lugar de representar una pared banal de un apartamento miserable, pintaré el infinito, el tono azul más intenso que tengo en mi paleta. Gracias a esta combinación, una cabeza dorada sobre fondo azul aparecerá como una estrella en el azul profundo del cielo.

Hago exactamente lo mismo en el retrato de un campesino, imaginándolo bajo el sol del mediodía, en plena cosecha. De ahí estos reflejos anaranjados, chispeantes como hierro candente; de ahí este tono de oro viejo, ardiendo en la oscuridad... ¡Ah, querida, muchos verán una caricatura en esta exageración, pero a mí eso qué me importa! "

Así, a diferencia de la mayoría de los retratistas que piensan que el parecido se limita al rostro, los colores del fondo no fueron para Van Gogh una decoración accidental, sino el mismo factor de expresividad que el dibujo. Su “Niñera del Pescador” está toda pintada en sonoros colores floridos populares. Una de sus muchachas arlesianas, probablemente una maliciosa chismosa provinciana, está vestida de negro y azul, como el ala de un cuervo, y por eso se parece aún más a un pájaro croando. Por lo tanto, cada color tenía su propio significado específico y lacónico a los ojos de Van Gogh, era para él un símbolo de experiencia emocional y evocaba en él analogías. No sólo amaba el colorido del mundo, sino que también leía en él las palabras de todo un lenguaje secreto.

Pero de todos los colores de palabras, dos le fascinaban más: el amarillo y el azul. La escala mayor amarilla, desde el limón suave hasta el naranja sonoro, era para él un símbolo del sol, una espiga de centeno, la buena nueva del amor cristiano. El la amaba.

El alma humana..., no las catedrales.

Volvamos a Van Gogh: “Prefiero pintar los ojos de la gente que las catedrales... el alma humana, incluso el alma de un mendigo desafortunado o de una chica de la calle, en mi opinión, es mucho más interesante”. "Quien escribe vida campesina, resistirá la prueba del tiempo mejor que los creadores de trucos cardinales y harenes escritos en París”. “Seré yo mismo, e incluso en las obras toscas diré cosas estrictas, groseras, pero veraces”. “El trabajador contra la burguesía está tan infundado como hace cien años lo estaba el tercer poder contra los otros dos”.

¿Podría una persona que, con estas y mil afirmaciones similares, explicar el sentido de la vida y del arte, contar con el éxito con los “poderes de este mundo”? " El entorno burgués rechazó a Van Gogh. Van Gogh tenía la única arma contra el rechazo: la confianza en la exactitud del camino y el trabajo elegidos. “El arte es una lucha... es mejor no hacer nada que expresarse débilmente.” “Hay que trabajar como varios negros”. Incluso una existencia medio hambrienta la convierte en un incentivo para la creatividad: “En las duras pruebas de la pobreza, se aprende a mirar las cosas con ojos completamente diferentes”.

El público burgués no perdona la innovación, y Van Gogh fue un innovador en el sentido más directo y genuino de la palabra. Su lectura de lo sublime y lo bello llegó a través de una comprensión de la esencia interna de los objetos y fenómenos: desde los insignificantes como zapatos rotos hasta los devastadores huracanes cósmicos. La capacidad de presentar estos valores aparentemente dispares en una escala artística igualmente enorme colocó a Van Gogh no solo fuera del concepto estético oficial de los artistas académicos, sino que también lo obligó a ir más allá de los límites de la pintura impresionista.

Van Gogh es un post-impresionista.

A principios del siglo XX. La oposición demasiado directa del arte de Van Gogh (así como de Cezanne, Gauguin y Toulous-Lottrec) con la práctica impresionista llevó a la creación de un nuevo término: "postimpresionismo". Su convención es obvia. La relación entre las dos generaciones de artistas fue mucho más compleja y amplia que las habituales polémicas de direcciones sucesivas. A pesar de toda la aparente incomparabilidad de las obras creadas desde el Renacimiento hasta el impresionismo inclusive, pintura europea se basó en un sistema basado en el principio de “ver-representar”.

En el impresionismo logró un desarrollo particularmente completo, expresado en la asombrosa naturalidad y diversidad de impresiones significativas registradas por el artista. En el interminable cambio de luz y aire de la naturaleza, los impresionistas vieron el bello rostro de su eterna renovación.

Pero el culto a la impresión directa ocultaba también algo que hacía rígido y limitado el sistema de percepción visual. En la búsqueda desenfrenada de un momento esquivo y desobediente, el propio objeto de observación pasó imperceptiblemente a un segundo plano, como resultado de lo cual la imagen artística en su conjunto resultó irremediablemente empobrecida.

Los postimpresionistas y Van Gogh, en particular, propusieron un método fundamentalmente diferente, un método para sintetizar observaciones y conocimientos, analizar la estructura interna de las cosas y los fenómenos, lo que abrió el camino para ampliar la escala de las imágenes y ampliar las capacidades cognitivas de arte. “Veo en toda la naturaleza, por ejemplo en los árboles, expresión y, por así decirlo, alma”. Estas palabras son la clave para leer la interpretación que hace Vangogh de la imagen artística. Se basa en la fusión de dos principios: el primero de los cuales se relaciona con todo lo relacionado con el trabajo en la naturaleza, y el segundo está determinado por el impulso creativo del propio artista, que le permite ver la realidad de una forma más brillante y transformada. .

Van Gogh comparó una vez la pintura académica con una amante ruinosa que “... te congela, te chupa la sangre, te convierte en piedra... Envía a esta amante al infierno”, dice, “y enamórate perdidamente de tu verdadero amado. Señora Naturaleza o Realidad”. Amaba conmovedoramente a esta "Dama" toda su vida, eliminando cualquier invasión de sus sentimientos. Gauguin, que le animó a trabajar con su imaginación, le hizo perder el tiempo. Ninguna fuerza pudo obligar a Van Gogh a arrancar el arte de la vida. Pero el amor por la “Dama de la Realidad” no era en absoluto ajeno, ciego. Van Gogh despreciaba a los naturalistas, y más aún a los “soñadores”. A los ojos de Van Gogh, trabajar a partir del natural es “domar a la musaraña”. Érase una vez la gente creía en el firmamento de la tierra, pero luego resultó que la tierra era redonda... Sin embargo, es posible que la vida también sea redonda y supere muchas veces en su extensión y propiedades la curva que ahora conocemos. saber." Para comprender este alcance, Van Gogh arrancó el oropel de la vida cotidiana banal y reveló la verdad en toda su desnudez. Pero la extracción de la verdad es inconcebible sin el impulso creativo transformador del propio artista, que concentra toda su mente y sentimiento en ella. Sin esto, es imposible convertir a los “comedores de patatas” en quienes testimonian por todos los “humillados e insultados”, para hacer gritar a los zapatos gastados y rotos sobre los mártires de la pobreza. La fusión orgánica del "mundo visible" y el "mundo real" es "... algo nuevo,... lo más elevado en el arte, donde el arte a menudo está por encima de la naturaleza". Más alto en el sentido en que las pinturas de Van Gogh son más altas y más verdaderas que la verdad visible.

El enlace más importante sistema figurativo El arte de Vangogov está animado y humanizado. Cualquier elemento del universo a sus ojos es significativo y hermoso sólo cuando adquiere la capacidad de sentir: incluso las piedras sufren de Van Gogh. La percepción humana es un prisma que refracta todo lo que existe. "Me gustaría hacer todo como... un guardia de ferrocarril lo ve y lo siente todo". En los viejos sauces mutilados cerca de la carretera, Van Gogh ve algo en común con una procesión de ancianos que salen de un asilo, y un libro abierto, una vela encendida y una silla destartalada se transforman en un “retrato” de su dueño abandonado. (“La silla de Gauguin”).

Van Gogh obliga a cualquier componente de la naturaleza a ser un diapasón para sus emociones e intelecto. La naturaleza no sólo le da motivos, sino que también se convierte para él en un apoyo moral, una fuente de fuerza moral. Millet también dijo: “La paciencia se puede aprender del grano que brota”. Van Gogh lo entiende a su manera: “En toda persona sana y normal vive el mismo deseo de madurar que en el grano, por tanto, la vida es un proceso de maduración. Lo que para el grano es el deseo de madurar, para nosotros es el amor”. Esto es de lo que se trata nervio principal La comprensión del mundo y la estética de Vangogh: ¡estar enamorado de la humanidad! En Van Gogh esto está por encima de los sentimientos familiares y los prejuicios sociales. Sin dudarlo, rasga su última camisa hasta convertirla en pelusa, porque necesita vendar las heridas de un minero herido, comparte refugio y pan con los hijos de una prostituta, desde el amanecer hasta el anochecer, bajo el sol y la lluvia, inclina la espalda. el papel, como un labrador sobre un arado, regalando su sangre gota a gota, sus pinturas y dibujos, sin exigir nunca nada para sí.

¡Cuán trágicamente su idea de la belleza no coincidía con el concepto de un comerciante próspero! “¡No hay nada más artístico que amar a los niños!” Éste es el lema de Van Gogh, ganado con esfuerzo “bajo las severas pruebas de la pobreza”, para el hombre promedio de todos los tiempos, y que sólo puede esbozar una sonrisa irónica. La estética de Van Gogh es producto de otro mundo. Sus “hermosos” olores a tierra, a pan maduro, a sudor de campesino, al viento de los campos extendidos bajo el cielo “inmenso como el mar” se arremolina con calidez y bondad humana en los rostros más rudos y feos;

La idea estética de Van Gogh no tolera la abstracción. Ve la belleza como mujer: “cuáles son sus aspiraciones”. “Amar y ser amado, vivir y dar vida, renovarla, nutrirla, apoyar, trabajar, respondiendo con ardor a ardor y, lo más importante, ser amable, útil, bueno para algo, al menos, por ejemplo, para encender el fuego del hogar, dar un trozo de pan al niño y un vaso de agua al enfermo. ¡Pero todo esto es también muy bello y sublime! Sí, pero ella no conoce estas palabras. Su razonamiento... no es demasiado brillante ni demasiado refinado, pero sus sentimientos son siempre genuinos”. La encarnación de esta “autenticidad” requería urgentemente un sistema pictórico que fuera adecuado en fuerza y ​​expresividad. Para quien tiene algo que decir, encontrar los medios para hacerlo es una cuestión de vida. El problema del plein air nunca se habría resuelto si los impresionistas no hubieran trasladado su estudio directamente a la calle, a un campo, a un bosque o a un barco, si no hubieran eliminado de sus pinturas los colores gris, marrón y negro, si no hubieran salpicado la superficie de sus lienzos con una malla vibrante con pequeños trazos de colores, es decir, si no hubieran creado un sistema fundamentalmente nuevo Artes visuales. Para Van Gogh todo era diferente: “Quiero que la belleza no provenga de la materia, sino de mí mismo”. Cualquiera de los impresionistas es, ante todo, un observador, vigilante, sutil, sensible, pero siempre percibe el objeto como desde fuera. Para Van Gogh, “luchar pecho a pecho, luchar con las cosas de la naturaleza” es una necesidad urgente. De ahí la peculiar singularidad de su visión y manera de ser.

Colores brillantes de Van Gogh.

Soñando con una hermandad de artistas y una creatividad colectiva, olvidó por completo que él mismo era un individualista incorregible, irreconciliable hasta la moderación en materia de vida y arte. Pero ésta también era su fuerza. Es necesario tener un ojo suficientemente entrenado para distinguir las pinturas de Monet de las de, por ejemplo, Sisley. Pero después de haber visto "Viñedos Rojos" una sola vez, nunca confundirás las obras de Van Gogh con las de nadie más. Cada línea y trazo es una expresión de su personalidad.

“Viñedos Rojos”, 1888

El rasgo dominante del sistema impresionista es el color. En el sistema pictórico de Van Gogh, todo es igual y está comprimido en un conjunto brillante e inimitable: ritmo, color, textura, línea, forma.

A primera vista, esto parece un poco exagerado. ¿No son los “viñedos rojos” los que se mueven con un color de una intensidad inaudita? ¿No es el acorde resonante del azul cobalto activo en “El mar en Sainte-Marie”, no son los colores de “El paisaje de Auvers después de la lluvia”? deslumbrantemente puro y sonoro, junto al cual cualquier cuadro impresionista parece irremediablemente descolorido?

Exageradamente brillantes, estos colores tienen la capacidad de sonar en cualquier entonación en todo el rango emocional, desde el dolor ardiente hasta los matices más delicados de la alegría. Los colores sonoros se entrelazan alternativamente en una melodía suave y sutilmente armonizada, y luego se elevan en una disonancia ensordecedora. Así como en la música hay escalas menores y mayores, así los colores de la paleta de Van Gogh se dividen en dos. Para Van Gogh, el frío y el calor son como la vida o la muerte. A la cabeza de los bandos opuestos están el amarillo y el azul, ambos colores son profundamente simbólicos. Sin embargo, este “simbolismo” tiene la misma carne viva que el ideal de belleza de Vangogh.

Van Gogh vio una especie de comienzo brillante en la pintura amarilla, desde un suave limón hasta un naranja intenso. El color del sol y del pan maduro, en su opinión, era el color de la alegría, el calor solar, la bondad humana, la benevolencia, el amor y la felicidad, todo lo que, en su opinión, estaba incluido en el concepto de "vida". El significado opuesto es el azul, desde el azul hasta casi el negro plomo: el color de la tristeza, el infinito, la melancolía, la desesperación, la angustia mental, la inevitabilidad fatal y, en última instancia, la muerte. Las últimas pinturas de Van Gogh son un escenario para la colisión precisamente de estos dos colores. Son como la lucha entre el bien y el mal, la luz del día y la oscuridad, la esperanza y la desesperación. Las posibilidades emocionales y psicológicas del color son objeto de constante reflexión por parte de Van Gogh: “Espero hacer un descubrimiento en este ámbito, por ejemplo, expresar los sentimientos de dos amantes mediante la combinación de dos colores complementarios, su mezcla y contraste. , la misteriosa vibración de tonos relacionados. O expresar el pensamiento que ha surgido en el cerebro con el resplandor de un tono claro sobre un fondo oscuro…”

Hablando de Van Gogh, Tugendhold señaló: "...las notas de sus experiencias son los ritmos gráficos de las cosas y la respuesta de los latidos del corazón". El concepto de paz es desconocido en el arte de Van Gogh. Su elemento es el movimiento.

A los ojos de Van Gogh, es la misma vida, lo que significa la capacidad de pensar, sentir, empatizar. Mire más de cerca la pintura de los “viñedos rojos”. Las pinceladas, lanzadas sobre el lienzo por una mano veloz, corren, corren, chocan, se dispersan nuevamente. Similares a guiones, puntos, borrones y comas, son una transcripción de la visión de Vangogh. De sus cascadas y remolinos nacen formas simplificadas y expresivas. Son una línea que se compone en un dibujo. Su relieve, a veces apenas perfilado, a veces amontonado en enormes masas, como tierra arada, forma una textura encantadora y pintoresca. Y de todo esto surge una imagen enorme: en el calor abrasador del sol, como pecadores en el fuego, las vides se retuercen, tratando de arrancarse de la rica tierra violeta, para escapar de las manos de los viticultores, y ahora los El apacible bullicio de la cosecha parece una lucha entre el hombre y la naturaleza.

Entonces, ¿eso significa que el color todavía domina? ¿Pero no son estos colores al mismo tiempo ritmo, línea, forma y textura? es en esto característica más importante El lenguaje pictórico de Van Gogh, en el que nos habla a través de sus cuadros.

A menudo se cree que la pintura de Van Gogh es una especie de elemento emocional incontrolable, avivado por una percepción desenfrenada. Esta idea errónea se ve “ayudada” por la originalidad manera artística Van Gogh, en efecto, aparentemente espontáneo, pero en realidad sutilmente calculado, pensativo: “Trabajo y cálculo sobrio, la mente está extremadamente tensa, como un actor que interpreta un papel difícil, cuando tienes que pensar en mil cosas en media hora. ..”

Vida por trabajo.

Van Gogh era extremadamente rico creativamente: su “extravagancia” arruinó su vida personal, lo mutiló físicamente, pero no espiritualmente. Murió a los treinta y siete años, no porque ya no tuviera de qué hablar, sino porque no quería abandonar su arte por la enfermedad. “Pagué con mi vida por mi trabajo y me costó la mitad de mi cordura”.

Su últimos trabajos a veces es sacudido por la desesperación, a veces frío y apremiante, pero más a menudo se derrama con una sed de ser, punzante hasta el dolor. “Paisaje en Auvers después de la lluvia” es aparentemente pacífico y feliz, dictado precisamente por este estado del artista. La vegetación bañada por la lluvia brilla intensamente. Un caballo enjaezado a un carro corre por un camino mojado. A lo lejos, un tren que circula por las vías fuma alegremente. Entre las camas, un campesino trabaja con la espalda encorvada. Todo sería casi idílico si no fuera por el ritmo frenético de los trazos largos y aparentemente retorcidos, que obligan a los rectángulos de los huertos a chocar de tal manera que el espacio de la imagen se vuelve como elevado y tenso. Otro segundo, y todo este mundo brillante y resplandeciente será destruido desde adentro por una terrible fuerza destructiva que burbujea en algún lugar de sus profundidades.

“En mil tormentos - estoy, estoy atrapado en la tortura - ¡pero estoy!... Veo el sol, pero si no veo el sol, sé que existe. Y saber que el sol existe ya es toda tu vida”. Van Gogh podría haber escrito estas líneas desde Dostoievski.

Literatura:

Perryucho A. "La vida de Van Gogh" 1997

Dmitrieva N. A. "Vincent Van Gogh: un ensayo sobre la vida y la obra"

Robert Wallace “El mundo de Van Gogh” 1998

Fotos tomadas de “Internet” http://www.vangoghgallery.com/index.html

Vincent Van Gogh es un artista holandés, uno de los más brillantes representantes del postimpresionismo. Trabajó mucho y de forma fructífera: en poco más de diez años creó tantas obras que ningún otro pintor famoso había realizado jamás. Pintó retratos y autorretratos, paisajes y naturalezas muertas, cipreses, campos de trigo y girasoles.

El artista nació cerca de la frontera sur de los Países Bajos, en el pueblo de Grot-Zundert. Este evento en la familia del pastor Theodore van Gogh y su esposa Anna Cornelia Carbentus ocurrió el 30 de marzo de 1853. En total, la familia Van Gogh tenía seis hijos. El hermano menor Theo ayudó a Vincent durante toda su vida y participó activamente en su destino difícil.

En la familia, Vincent era un niño difícil, desobediente y con algunas rarezas, por lo que a menudo lo castigaban. Fuera de casa, por el contrario, se le veía pensativo, serio y tranquilo. Casi no jugaba con niños. Sus compañeros del pueblo lo consideraban un niño modesto, dulce, amigable y compasivo. A la edad de 7 años lo enviaron a una escuela del pueblo, un año después lo sacaron de allí y le enseñaron en casa, en el otoño de 1864 el niño fue llevado a un internado en Zevenbergen.

La partida duele el alma del niño y le causa mucho sufrimiento. En 1866 fue trasladado a otro internado. A Vincent se le dan bien los idiomas y aquí también adquiere sus primeras habilidades de dibujo. En 1868, a mediados año escolar deja la escuela y se va a casa. Su educación termina aquí. Recuerda su infancia como algo frío y lúgubre.

Tradicionalmente, las generaciones de Van Gogh se realizaron en dos áreas de actividad: pintar cuadros y actividades de la iglesia. Vicente se probará a sí mismo como predicador y como comerciante, dándose todo por el trabajo. Tras alcanzar ciertos éxitos, abandona ambos, consagrando su vida y todo su ser a la pintura.

inicio de carrera

En 1868, un chico de quince años ingresó en la sucursal de la empresa de arte Gupil and Co. en La Haya. Detrás Buen trabajo y su curiosidad se dirige a la sucursal de Londres. Durante los dos años que Vincent pasó en Londres, se convierte en un auténtico hombre de negocios y conocedor de los grabados de maestros ingleses, cita a Dickens y Eliot, y aparece en él una glosa. Van Gogh se enfrentó a la perspectiva de un brillante comisionista en la sucursal central de Goupil en París, donde se suponía que se mudaría.

Páginas del libro de cartas al hermano Theo.

En 1875 ocurrieron hechos que cambiaron su vida. En una carta a Theo, llama a su condición “dolorosa soledad”. Los investigadores de la biografía del artista sugieren que el motivo de este estado es el amor rechazado. No se sabe exactamente quién fue el objeto de este amor. Es posible que esta versión sea incorrecta. Un traslado a París no ayudó a cambiar la situación. Perdió interés en Goupil y fue despedido.

Teología y actividad misionera

En su búsqueda de sí mismo, Vicente afirma su destino religioso. En 1877 se mudó con su tío Johannes en Amsterdam y se preparó para ingresar en la Facultad de Teología. Se decepciona de sus estudios, abandona las clases y se marcha. El deseo de servir a la gente lo lleva a una escuela misionera. En 1879 consiguió un puesto de predicador en Wham, en el sur de Bélgica.

Enseña la Ley de Dios en el centro minero de Borinage, ayuda a las familias de los mineros, visita a los enfermos, enseña a los niños, lee sermones y dibuja mapas de Palestina para ganar dinero. Él mismo vive en una miserable choza, come agua y pan, duerme en el suelo, torturándose físicamente. Además, ayuda a los trabajadores a defender sus derechos.

Las autoridades locales lo destituyen de su cargo porque no aceptan actividades vigorosas ni extremos. Durante este período pintó a muchos mineros, sus esposas e hijos.

Convertirse en artista

Para escapar de la depresión asociada con los acontecimientos de Paturage, Van Gogh recurrió a la pintura. El hermano Theo se hace amigo de él y asiste a la Academia de Bellas Artes. Pero después de un año abandonó la escuela y se fue con sus padres y continuó estudiando por su cuenta.

Se vuelve a enamorar. Esta vez a mi prima. Sus sentimientos no encuentran respuesta, pero continúa con su noviazgo, lo que irrita a sus familiares, quienes le pidieron que se fuera. Debido a un nuevo shock, abandona su vida personal y se marcha a La Haya para dedicarse a la pintura. Aquí recibe lecciones de Anton Mauve, trabaja mucho, observa la vida de la ciudad, principalmente en los barrios pobres. Estudiando “Curso de Dibujo” de Charles Bargue, copiando litografías. Mezcla maestra varias técnicas sobre lienzo, logrando interesantes tonalidades cromáticas en las obras.

Una vez más intenta formar una familia con una mujer de la calle embarazada a la que conoce en la calle. Una mujer con hijos se muda con él y se convierte en modelo para el artista. Por eso, se pelea con familiares y amigos. El propio Vincent se siente feliz, pero no por mucho tiempo. El carácter difícil de su conviviente convirtió su vida en una pesadilla y se separaron.

El artista viaja a la provincia de Drenthe, en el norte de los Países Bajos, vive en una cabaña que equipó como taller, pinta paisajes, campesinos, escenas de su trabajo y de su vida. Obras tempranas Van Gogh, con reservas, pero se le puede llamar realista. La falta de educación académica afectó sus dibujos y representaciones inexactas de figuras humanas.

De Drenthe se muda con sus padres en Nuenen y dibuja mucho. Durante este período se crearon cientos de dibujos y pinturas. Además de su creatividad, pinta con sus alumnos, lee mucho y toma lecciones de música. Los temas de las obras del período holandés son personas y escenas sencillas, pintadas de manera expresiva con predominio de una paleta oscura, tonos lúgubres y apagados. Entre las obras maestras de este período se encuentra el cuadro "Los comedores de patatas" (1885), que representa una escena de la vida de los campesinos.

periodo parisino

Después de muchas deliberaciones, Vincent decide vivir y crear en París, donde se traslada a finales de febrero de 1886. Aquí conoce a su hermano Theo, que ha ascendido al rango de director de una galería de arte. La vida artística de la capital francesa de esta época estaba en pleno apogeo.

Un acontecimiento significativo es la exposición impresionista en la calle Lafitte. Por primera vez exponen allí Signac y Seurat, que lideraron el movimiento postimpresionista, que marcó la etapa final del impresionismo. El impresionismo es una revolución en el arte que cambió el enfoque de la pintura, desplazando técnicas y temas académicos. La primera impresión y los colores puros son de suma importancia, y se da preferencia a la pintura al aire libre.

En París, Theo, el hermano de Van Gogh, lo cuida, lo instala en su casa y le presenta a los artistas. En el estudio del artista tradicionalista Fernand Cormon conoció a Toulouse-Lautrec, Emile Bernard y Louis Anquetin. Le impresionan mucho las pinturas de los impresionistas y postimpresionistas. En París se volvió adicto al ajenjo e incluso pintó una naturaleza muerta sobre este tema.

Cuadro "Naturaleza muerta con absenta"

El período parisino (1886-1888) resultó ser el más fructífero; la colección de sus obras se complementó con 230 lienzos. Fue una época de búsqueda de tecnología, de estudio de tendencias innovadoras. pintura moderna. Desarrolla una nueva visión de la pintura. El enfoque realista da paso a una nueva manera, gravitando hacia el impresionismo y el postimpresionismo, que se refleja en sus naturalezas muertas con flores y paisajes.

Su hermano le presenta a los más representantes destacados esta dirección: Camille Pissarro, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y otros. A menudo sale al aire libre con sus amigos artistas. Su paleta se ilumina gradualmente, se vuelve más brillante y con el tiempo se convierte en un derroche de colores, característico de su trabajo en los últimos años.

Fragmento del cuadro “Agostina Segatori en un café”

En París, Van Gogh se comunica mucho y visita los mismos lugares a los que van sus hermanos. En "Tambourine" incluso inicia una pequeña aventura con su propietaria Agostina Segatori, que una vez posó para Degas. A partir de él pinta un retrato en la mesa de un café y varias obras de estilo desnudo. Otro lugar de encuentro fue la tienda de Papa Tanga, donde se vendían pinturas y otros materiales para artistas. Aquí, como en muchas otras instituciones similares, los artistas expusieron sus obras.

Se está formando un grupo de Pequeños Bulevares, que incluye a Van Gogh y sus camaradas, que no han alcanzado alturas como los maestros de los Grandes Bulevares, más famosos y reconocidos. El espíritu de competencia y tensión que reinaba en la sociedad parisina de aquella época se volvió insoportable para el artista impulsivo e intransigente. Se mete en discusiones, riñas y decide abandonar la capital.

Oreja cortada

En febrero de 1888 viaja a Provenza y se apega a ella con toda el alma. Theo patrocina a su hermano y le envía 250 francos al mes. En agradecimiento, Vincent envía sus cuadros a su hermano. Alquila cuatro habitaciones en un hotel, come en un café, cuyos dueños se hacen amigos y posan para fotografías.

Con la llegada de la primavera, el artista queda cautivado por el sol del sur, árboles florecientes. Está encantado con los colores brillantes y la transparencia del aire. Las ideas del impresionismo van desapareciendo gradualmente, pero se mantiene la fidelidad a la paleta de luces y a la pintura al aire libre. El color amarillo predomina en las obras, adquiriendo un brillo especial procedente de las profundidades.

Vincent Van Gogh. Autorretrato con oreja cortada

Para trabajar al aire libre por la noche, coloca velas en su sombrero y en su cuaderno de bocetos, iluminando así su espacio de trabajo. Así fueron pintados sus cuadros “La noche estrellada sobre el Ródano” y “El café de noche”. Un evento importante Se convierte en la llegada de Paul Gauguin, a quien Vincent invitó repetidamente a Arles. Una vida juntos entusiasta y fructífera termina en peleas y rupturas. El pedante y seguro de sí mismo Gauguin era todo lo contrario del desorganizado e inquieto Van Gogh.

El epílogo de esta historia es el tormentoso enfrentamiento antes de la Navidad de 1888, cuando Vincent se cortó la oreja. Gauguin, temiendo que fueran a atacarlo, se escondió en el hotel. Vincent envolvió el lóbulo ensangrentado de su oreja en papel y se lo envió a su amiga común, la prostituta Rachelle. Su amigo Roulen lo descubrió en un charco de sangre. La herida sana rápidamente, pero su salud mental lo devuelve a su cama de hospital.

Muerte

Los habitantes de Arlés empiezan a temer a un habitante de la ciudad que no se parece a ellos. En 1889, escribieron una petición exigiendo que se deshicieran del “loco pelirrojo”. Vincent se da cuenta del peligro de su condición y va voluntariamente al hospital de San Pablo del Mausoleo en Saint-Rémy. Durante el tratamiento, se le permite orinar al aire libre bajo la supervisión del personal médico. Así aparecieron sus obras con características líneas onduladas y remolinos (“Noche estrellada”, “Camino con cipreses y una estrella”, etc.).

Cuadro “Noche estrellada”

En Saint-Rémy, a los períodos de intensa actividad les siguen largas pausas provocadas por la depresión. En el momento de una de las crisis, traga pintura. A pesar de las crecientes exacerbaciones de la enfermedad, el hermano Theo promueve su participación en el Salón de los Independientes de septiembre en París. En enero de 1890, Vincent expuso “Los viñedos rojos de Arlés” y los vendió por cuatrocientos francos, una cantidad bastante decente. Este fue el único cuadro vendido durante su vida.

Cuadro "Viñedos tintos en Arles"

Su alegría fue inconmensurable. El artista no dejó de trabajar. Su hermano Theo también se siente inspirado por el éxito de Vineyards. Le proporciona pinturas a Vincent, pero comienza a comérselas. En mayo de 1890, el hermano negoció con el terapeuta homeopático Dr. Gachet para tratar a Vincent en su clínica. Al propio médico le gusta dibujar, por lo que acepta con gusto el tratamiento del artista. Vincent también se siente atraído por Gasha y lo ve como una persona optimista y de buen corazón.

Un mes después, a Van Gogh se le permitió viajar a París. Su hermano no lo saluda muy amablemente. Tiene problemas económicos y su hija está muy enferma. Esta técnica desequilibra a Vincent; se da cuenta de que se está convirtiendo, quizás, y siempre ha sido una carga para su hermano. Sorprendido, regresa a la clínica.

Fragmento del cuadro “Camino con cipreses y una estrella”

El 27 de julio, como de costumbre, sale al aire libre, pero regresa no con bocetos, sino con una bala en el pecho. La bala que disparó con la pistola impactó en la costilla y se alejó del corazón. El propio artista regresó al refugio y se fue a la cama. Tumbado en la cama, fumaba tranquilamente su pipa. Parecía que la herida no le causaba dolor.

Gachet llamó a Theo por telegrama. Inmediatamente llegó y comenzó a asegurarle a su hermano que lo ayudarían, que no necesitaba ceder a la desesperación. La respuesta fue la frase: “La tristeza durará para siempre”. El artista falleció el 29 de julio de 1890 a la una y media de la madrugada. Fue enterrado en el pueblo de María el 30 de julio.

Muchos de sus amigos artistas acudieron a despedirse del artista. Las paredes de la habitación estaban colgadas con su últimas pinturas. El doctor Gachet quiso pronunciar un discurso, pero lloró tanto que sólo pudo pronunciar unas pocas palabras, cuya esencia se reducía al hecho de que Vincent era un gran artista y un hombre honesto, ese arte, que estaba por encima de todo. todo por él, le pagaría y perpetuaría su nombre.

El hermano del artista, Theo Van Gogh, murió seis meses después. No se perdonó por la pelea con su hermano. Su desesperación, que comparte con su madre, se vuelve insoportable y sufre una crisis nerviosa. Esto es lo que escribió en una carta a su madre tras la muerte de su hermano:

“Es imposible describir mi dolor, como es imposible encontrar consuelo. Este es un dolor que durará y del que seguramente nunca me libraré mientras viva. Lo único que se puede decir es que él mismo encontró la paz que buscaba... La vida era para él una carga tan pesada, pero ahora, como suele suceder, todos alaban sus talentos... ¡Oh, mamá! Era tan mío, mi propio hermano”.

Theo Van Gogh, hermano del artista

Y esta es la última carta de Vincent, escrita después de una pelea:

“Me parece que, como todo el mundo está un poco nervioso y además demasiado ocupado, no es necesario aclarar todas las relaciones por completo. Me sorprendió un poco que parecieras querer apresurar las cosas. ¿Cómo puedo ayudarte, o mejor dicho, qué puedo hacer para hacerte feliz con esto? De una forma u otra, mentalmente volví a estrecharles las manos con fuerza y, a pesar de todo, me alegré de verlos a todos. No lo dudes."

En 1914, los restos de Theo fueron enterrados de nuevo por su viuda junto a la tumba de Vincent.

Vida personal

Una de las razones de la enfermedad mental de Van Gogh podría ser su fallida vida personal: nunca encontró un compañero de vida; El primer ataque de desesperación se produjo tras la negativa de la hija de su ama de casa, Ursula Loyer, de quien estaba enamorado en secreto desde hacía mucho tiempo. La propuesta llegó inesperadamente, sorprendió a la niña y ella se negó bruscamente.

La historia se repite con el primo viudo Key Stricker Voe, pero esta vez Vincent decide no darse por vencido. La mujer no acepta insinuaciones. En su tercera visita a los familiares de su amada, pone su mano en la llama de una vela y promete mantenerla allí hasta que ella dé su consentimiento para convertirse en su esposa. Con este acto, finalmente convenció al padre de la niña de que se trataba de un enfermo mental. Ya no hicieron ceremonias con él y simplemente lo escoltaron fuera de la casa.

La insatisfacción sexual se reflejaba en su estado nervioso. A Vincent le empiezan a gustar las prostitutas, especialmente las que no son muy jóvenes ni muy bellas, a las que podría criar. Pronto elige a una prostituta embarazada, que se muda con su hija de cinco años. Después del nacimiento de su hijo, Vincent se encariña con los niños y considera casarse.

La mujer posó para el artista y vivió con él aproximadamente un año. Por su culpa, tuvo que ser tratado por gonorrea. La relación se deterioró por completo cuando la artista vio lo cínica, cruel, descuidada y desenfrenada que era ella. Después de la separación, la dama se entregó a sus actividades anteriores y Van Gogh abandonó La Haya.

Margot Begemann en su juventud y edad adulta

EN últimos años Vincent estaba siendo acosado por una mujer de 41 años llamada Margot Begemann. Era vecina del artista en Nuenen y tenía muchas ganas de casarse. Van Gogh, más bien por lástima, accede a casarse con ella. Los padres no dieron su consentimiento para este matrimonio. Margot casi se suicida, pero Van Gogh la salvó. En el período siguiente tiene muchas relaciones promiscuas, visita burdeles y ocasionalmente recibe tratamiento por enfermedades de transmisión sexual.

(Vincent Willem Van Gogh) nació el 30 de marzo de 1853 en el pueblo de Groot Zundert en la provincia de Brabante Septentrional, en el sur de los Países Bajos, en la familia de un pastor protestante.

En 1868, Van Gogh abandonó la escuela y después se fue a trabajar a una sucursal de la gran empresa de arte parisina Goupil & Cie. Trabajó con éxito en la galería, primero en La Haya, luego en sucursales de Londres y París.

En 1876, Vincent había perdido por completo el interés por el oficio de la pintura y decidió seguir los pasos de su padre. En el Reino Unido, encontró trabajo como profesor en un internado en un pequeño pueblo de los suburbios de Londres, donde también sirvió como pastor asistente. El 29 de octubre de 1876 predicó su primer sermón. En 1877 se trasladó a Amsterdam, donde comenzó a estudiar teología en la universidad.

Van Gogh "Amapolas"

En 1879, Van Gogh consiguió un puesto como predicador secular en Wham, un centro minero en Borinage, en el sur de Bélgica. Luego continuó su misión de predicación en el pueblo cercano de Kem.

Durante este mismo período, Van Gogh desarrolló el deseo de pintar.

En 1880, en Bruselas, ingresó en la Real Academia de las Artes (Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles). Sin embargo, debido a su carácter desequilibrado, pronto abandonó el curso y continuó su educación artística por su cuenta, utilizando reproducciones.

En 1881, en Holanda, bajo la dirección de su pariente, el paisajista Anton Mauwe, Van Gogh creó su primera pinturas: "Naturaleza muerta con col y zuecos" y "Naturaleza muerta con vaso de cerveza y fruta".

En el período holandés, a partir de la pintura "Cosechando patatas" (1883), el motivo principal de las pinturas del artista era el tema de la gente común y su trabajo, el énfasis estaba en la expresividad de escenas y figuras, la paleta estaba dominada por Colores y sombras oscuros y sombríos, cambios bruscos de luces y sombras. El lienzo "Los comedores de patatas" (abril-mayo de 1885) se considera una obra maestra de este período.

En 1885, Van Gogh continuó sus estudios en Bélgica. En Amberes ingresó en la Real Academia de Bellas Artes. Bellas Artes Amberes). En 1886 Vincent se trasladó a París a su hermano menor Theo, que por aquel entonces había asumido el cargo de director de la galería Goupil de Montmartre. Aquí Van Gogh recibió lecciones del artista realista francés Fernand Cormon durante unos cuatro meses, conoció a los impresionistas Camille Pizarro, Claude Monet y Paul Gauguin, de quienes adoptó su estilo de pintura.

© Dominio público "Retrato del doctor Gachet" de Van Gogh

© Dominio público

En París, Van Gogh desarrolló un interés por la creación de imágenes. rostros humanos. Sin fondos para pagar el trabajo de los modelos, se dedicó al autorretrato, creando unas 20 pinturas de este género en dos años.

El período parisino (1886-1888) se convirtió en uno de los períodos creativos más productivos del artista.

En febrero de 1888, Van Gogh viajó al sur de Francia, a Arles, donde soñaba con crear una comunidad creativa de artistas.

En diciembre, la salud mental de Vincent empeoró. Durante uno de sus arrebatos incontrolables, amenazó con una navaja de afeitar a Paul Gauguin, que fue a verlo al aire libre, y luego le cortó un trozo del lóbulo de la oreja, enviándolo como regalo a una de sus conocidas. . Después de este incidente, Van Gogh fue internado por primera vez en un hospital psiquiátrico en Arles y luego fue voluntariamente para recibir tratamiento en la clínica especializada de San Pablo del Mausoleo cerca de Saint-Rémy-de-Provence. El médico jefe del hospital, Théophile Peyron, diagnosticó a su paciente un "trastorno maníaco agudo". Sin embargo, al artista se le dio cierta libertad: podía pintar al aire libre bajo la supervisión del personal.

En Saint-Rémy, Vincent alternaba períodos de vigorosa actividad y largas pausas provocadas por una profunda depresión. En tan sólo un año de su estancia en la clínica, Van Gogh pintó alrededor de 150 cuadros. Algunas de las pinturas más destacadas de este período fueron: “Noche estrellada”, “Iris”, “Camino con cipreses y una estrella”, “Olivos, cielo azul y nube blanca”, “Piedad”.

En septiembre de 1889, con la ayuda activa de su hermano Theo, las pinturas de Van Gogh participaron en el Salón de los Independientes, una exposición de arte moderno organizada por la Sociedad de Artistas Independientes de París.

En enero de 1890, las pinturas de Van Gogh se exhibieron en la octava exposición del Grupo de los Veinte en Bruselas, donde fueron recibidas con entusiasmo por la crítica.

En mayo de 1890 en estado mental Van Gogh mejoró, abandonó el hospital y se instaló en la localidad de Auvers-sur-Oise, en las afueras de París, bajo la supervisión del doctor Paul Gachet.

Vincent se dedicó activamente a pintar casi todos los días que terminaba; cuadro. Durante este período, pintó varios retratos destacados del Dr. Gachet y de Adeline Ravou, de 13 años, hija del propietario del hotel donde se alojaba.

27 de julio de 1890 Van Gogh en hora habitual Salió de la casa y fue a dibujar. A su regreso, tras un persistente interrogatorio por parte de la pareja, Ravu admitió que se había disparado con una pistola. Todos los intentos del Dr. Gachet por salvar a los heridos fueron en vano; Vincent entró en coma y murió la noche del 29 de julio a la edad de treinta y siete años. Fue enterrado en el cementerio de Auvers.

Los biógrafos estadounidenses del artista Steven Nayfeh y Gregory White Smith en su estudio "La vida de Van Gogh" (Van Gogh: La vida) de la muerte de Vincent, según el cual no murió por su propia bala, sino por un disparo accidental cometido por Dos jóvenes borrachos.

Durante sus diez años de carrera creativa, Van Gogh logró pintar 864 cuadros y casi 1.200 dibujos y grabados. Durante su vida, sólo se vendió una pintura del artista: el paisaje "Viñedos rojos en Arles". El coste del cuadro fue de 400 francos.

El material fue elaborado con base en información de fuentes abiertas.