Grandes compositores rusos. Las óperas rusas más famosas en el extranjero Compositores de ópera rusos

Los fanáticos de la música clásica ciertamente están interesados ​​​​en la pregunta de cuáles son las óperas más famosas del mundo en la actualidad. Entre la gran cantidad de obras maestras creadas por compositores durante varios siglos, es difícil destacar las más populares. Sin embargo, de todos es posible identificar a los líderes indiscutibles, que cayeron en el top ten que se presenta a continuación. Estas óperas han sido traducidas a varios idiomas y se representan regularmente en los escenarios de los mejores teatros del mundo.

10 Norma. Vicente Bellini

Norma (Vincenzo Bellini) abre la lista de las óperas más populares del mundo. Es una tragedia lírica en dos actos, que se basó en la obra de A. Sume "Norma, o Infanticidio". La ópera se presentó por primera vez en Milán y casi de inmediato ganó gran popularidad entre los amantes de la ópera. La parte del título se considera una de las más difíciles del repertorio de soprano. "Norma" fue escrita por el compositor en el año 31 del siglo XIX y aún goza de popularidad en todo el mundo.

9 Eugenio Onegin. PI Tchaikovsky

"Eugene Onegin" (P. I. Tchaikovsky) es la ópera más famosa del compositor ruso de renombre mundial. La obra fue creada sobre la base de la novela del mismo nombre de Alexander Sergeevich Pushkin y con libreto de Konstantin Shilovsky. La ópera se presentó al público en general en el Teatro Maly de Moscú. Tchaikovsky, antes de escribir su obra maestra, estuvo mucho tiempo en busca de una trama de ópera que fuera un drama fuerte. La trama, por coincidencia, se inspiró en el compositor de la cantante Lavrovskaya.

8 Matrimonio de Fígaro. W. A. ​​Mozart

Las bodas de Fígaro (W. A. ​​Mozart) es una ópera popular de un virtuoso compositor austriaco, que ha recibido fama mundial. Basada en la obra de teatro del mismo nombre de Beaumarchais. Mozart comenzó a escribir una obra musical en el año 86 del siglo XVIII. La creación de la partitura duró cinco meses. Después de la primera presentación de ella al público, no ganó mucha popularidad. La gloria y los laureles llegaron tras la puesta en escena de la ópera en Praga. La ópera fue traducida por primera vez al ruso por Pyotr Ilyich Chukovsky. La ópera consta de cuatro actos en total. La trama de la obra está relacionada con la preparación de la boda de la criada Susanna y el ayuda de cámara Figaro.

7 Flauta mágica. W. A. ​​Mozart

La flauta mágica (W. A. ​​Mozart) es una de las mejores óperas del mundo, escrita por el compositor en dos actos. Se presentó por primera vez al público en 1791 en Viena. En el centro de la trama está el Príncipe Tamino, quien debe pasar por muchas dificultades y pruebas para ser digno de estar cerca de su amada, la hija de la reina de la noche. Goethe quedó tan encantado con esta obra que intentó escribir una continuación de este libreto.

6 Barbero de Sevilla. Gioacchino Rossini

El barbero de Sevilla (Gioacchino Rossini) es una de las mejores óperas que ha ganado popularidad en todo el mundo. Incluye dos actos que fueron creados a partir de la comedia del mismo nombre de Pierre Boramshe. En un principio, el libreto se llamó "Almaviva o Precaución Vana". La acción de la obra musical se desarrolla en la Sevilla del siglo XVIII. La ópera comienza con la aparición del Conde Almaviva, que se encuentra bajo las ventanas de su amada. Para ella, interpreta una pequeña aria de ópera "Pronto el este brillará intensamente con un amanecer dorado". El tutor de la amada no le permite salir al balcón, por lo que los intentos de Alvamiva son en vano.

5 Bohemia. Giacomo Puccini

"La Boheme" (Giacomo Puccini) es una de las obras maestras musicales del mundo, presentada al público allá por 1896. La ópera consta de cuatro actos. Se basó en la obra de Henri Murger "Escenas de la vida de Bohemia". La acción del libreto transcurre en el París de los años 30 del siglo XIX. El primer acto comienza con el hecho de que el pobre poeta Rodolfo y su amigo artista Marcel pasan la velada junto a la fría chimenea, que no tiene nada que encender. El artista quiere quemar la última silla, pero Rudolf lo detiene sacrificando uno de sus manuscritos. La acción termina con el encuentro del poeta con su amor.

4 Lucía di Lammermoor. G. Donizetti

"Lucia di Lammermoor" (G. Donizetti) está incluida en la lista de las óperas más populares del mundo. La trágica pieza musical del compositor italiano se interpreta en tres actos. El libreto está escrito en base a la novela "La novia de Lammermoor" de W. Scott. Un poco más tarde, el compositor también escribió una versión francesa de la ópera. Tronó en todo el mundo, convirtiéndose en una de las mejores. La trama de la novela fue utilizada antes que Donizetti por varios compositores, pero su creación suplantó por completo a todas las anteriores. El libreto tiene lugar en Escocia en el siglo XVIII. En total, la obra consta de dos partes: "Partida" y "Contrato de Matrimonio".

3Carmen. Jorge Bizet

"Carmen" (Georges Bizet) abre el top tres de las mejores óperas del mundo, que fue escrita por el compositor basándose en el cuento del mismo nombre de Prosper Mérimée. Los borradores individuales de la partitura aparecieron en el año 74 del siglo XIX. El estreno tuvo lugar por primera vez en Francia, donde fue un completo fiasco. Sin ser reconocida por el público y la crítica franceses, la ópera dejó los escenarios durante mucho tiempo y solo volvió a los escenarios en 1983, habiendo encontrado fama mundial por sí misma. El propio Tchaikovsky dijo que esta es una obra verdaderamente maestra, que después de un tiempo ganará fama a gran escala.

2 Guerra y paz. S. Prokófiev

"Guerra y paz" (S. Prokofiev) es una de las óperas más famosas que tronaron en todo el mundo. Basada en la novela del mismo nombre del destacado escritor del siglo XIX León Tolstoi. En total, la obra incluye trece pinturas. La ópera comienza con la aparición en el escenario de Bolkonsky, quien visita la propiedad del Conde Rostov. Oye la voz de la hija del Conde, Natasha, quien lo impresiona con su hermoso canto. El decimotercer cuadro final habla de los restos del ejército en retirada de Bonaparte. Ideas para escribir una ópera basada en la famosa novela del compositor tramaron durante mucho tiempo. Los primeros bocetos aparecieron en 1941 y retumbó en el escenario del Teatro Bolshoi en 1959, convirtiéndose en una de las mejores óperas del mundo.

1 Traviata. giuseppe verdi

La traviata (Giuseppe Verdi) completa la lista de las mejores óperas del mundo. Traducida al ruso, la palabra traviata significa “perdido” o “caído”. El compositor se inspiró para escribirlo en la novela de Alexandre Dumas La dama de las camelias. La Traviata, presentada al público por primera vez, sufrió un completo fiasco, pero tras una revisión radical, ganó popularidad mundial. Una característica de esta ópera es la elección inusual de la heroína para ese momento: una mujer caída en su lecho de muerte. La acción de "La Traviata" se desarrolla en París a mediados del siglo XIX. En el centro de atención se encuentra una cortesana, rechazada por la sociedad y que nadie necesita. Tres actos están incluidos en la partitura original.

La música clásica mundial es impensable sin las obras de los compositores rusos. Rusia, un gran país con gente talentosa y su patrimonio cultural, siempre ha estado entre las principales locomotoras del progreso y el arte mundial, incluida la música. La escuela rusa de compositores, cuyas tradiciones continuaron las escuelas soviética y rusa actual, comenzó en el siglo XIX con compositores que combinaron el arte musical europeo con melodías populares rusas, uniendo la forma europea y el espíritu ruso.

Se puede decir mucho sobre cada uno de estos personajes famosos, todos ellos tienen destinos no simples y, a veces, trágicos, pero en esta revisión hemos tratado de dar solo una breve descripción de la vida y obra de los compositores.

1.Mijail Ivanovich GLINKA (1804—1857)

Mikhail Ivanovich Glinka es el fundador de la música clásica rusa y el primer compositor de música clásica nacional en alcanzar la fama mundial. Sus obras, basadas en las tradiciones centenarias de la música popular rusa, fueron una palabra nueva en el arte musical de nuestro país.
Nacido en la provincia de Smolensk, educado en San Petersburgo. La formación de la cosmovisión y la idea principal del trabajo de Mikhail Glinka se vio facilitada por la comunicación directa con personalidades como A.S. Pushkin, V.A. Zhukovsky, A.S. Griboyedov, A.A. Delvig. El ímpetu creativo de su trabajo fue agregado por un viaje de larga duración a Europa a principios de la década de 1830 y reuniones con los principales compositores de la época: V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn y más tarde con G. Berlioz, J. Meyerbeer. El éxito llegó a M.I. Glinka después de poner en escena la ópera "Ivan Susanin" ("La vida del zar") (1836), que fue recibida con entusiasmo por todos, por primera vez en la música mundial, el arte coral ruso y la práctica sinfónica y operística europea fueron combinado orgánicamente, así como apareció un héroe, similar a Susanin, cuya imagen resume las mejores características del carácter nacional. VF Odoevsky describió la ópera como "un nuevo elemento en el arte, y comienza un nuevo período en su historia: el período de la música rusa".
La segunda ópera, la epopeya "Ruslan y Lyudmila" (1842), cuyo trabajo se realizó en el contexto de la muerte de Pushkin y en las difíciles condiciones de vida del compositor, debido a la naturaleza profundamente innovadora del trabajo, fue ambiguamente recibido por la audiencia y las autoridades y trajo resentimientos a M.I. Glinka. Después viajó mucho, viviendo alternativamente en Rusia y en el extranjero, sin dejar de componer. En su legado quedaron romances, obras sinfónicas y de cámara. En la década de 1990, la "Canción patriótica" de Mikhail Glinka fue el himno oficial de la Federación Rusa.

Cita de M.I. Glinka: "Para crear belleza, uno debe ser puro en el alma".

Cita sobre M.I. Glinka: "Toda la escuela sinfónica rusa, como todo el roble en una bellota, está contenida en la fantasía sinfónica "Kamarinskaya". PI Tchaikovsky

Un dato interesante: Mikhail Ivanovich Glinka no difería en buena salud, a pesar de esto, era muy tranquilo y conocía muy bien la geografía, tal vez si no se hubiera convertido en compositor, se habría convertido en un viajero. Sabía seis idiomas extranjeros, incluido el persa.

2. Alexander Porfiryevich BORODÍN (1833—1887)

Alexander Porfirievich Borodin, uno de los principales compositores rusos de la segunda mitad del siglo XIX, además de su talento como compositor, fue químico, médico, docente, crítico y tenía talento literario.
Nacido en San Petersburgo, desde la infancia, todos a su alrededor notaron su actividad inusual, entusiasmo y habilidades en varias direcciones, principalmente en música y química. A.P. Borodin es un compositor ruso de pepitas, no tuvo maestros de músicos profesionales, todos sus logros en la música se deben al trabajo independiente para dominar la técnica de composición. La formación de A.P. Borodin estuvo influenciada por el trabajo de M.I. Glinka (así como todos los compositores rusos del siglo XIX), y dos eventos impulsaron la estrecha ocupación de la composición a principios de la década de 1860: en primer lugar, el conocimiento y el matrimonio con el talentoso pianista E.S. Protopopova, y en segundo lugar, el encuentro con M.A. Balakirev y unirse a la comunidad creativa de compositores rusos, conocida como "Mighty Handful". A fines de la década de 1870 y 1880, A.P. Borodin viajó y realizó numerosas giras por Europa y América, se reunió con los principales compositores de su tiempo, su fama creció y se convirtió en uno de los compositores rusos más famosos y populares de Europa a fines del siglo XIX. Siglo XX.
El lugar central en la obra de A.P. Borodin lo ocupa la ópera "Príncipe Igor" (1869-1890), que es un ejemplo de la epopeya heroica nacional en música y que él mismo no tuvo tiempo de terminar (fue completada por sus amigos A.A. Glazunov y N.A. Rimsky-Korsakov). En "Príncipe Igor", en el contexto de imágenes majestuosas de eventos históricos, se reflejó la idea principal de toda la obra del compositor: coraje, grandeza tranquila, nobleza espiritual de los mejores rusos y fuerza poderosa. de todo el pueblo ruso, manifestado en la defensa de la patria. A pesar de que A.P. Borodin dejó un número relativamente pequeño de obras, su obra es muy diversa y se le considera uno de los padres de la música sinfónica rusa, que influyó en muchas generaciones de compositores rusos y extranjeros.

Cita sobre AP Borodin: "El talento de Borodin es igualmente poderoso y sorprendente tanto en la sinfonía como en la ópera y el romance. Sus principales cualidades son una fuerza y ​​amplitud gigantescas, un alcance colosal, rapidez e impetuosidad, combinados con una pasión, ternura y belleza asombrosas". VV Stasov

Un hecho interesante: la reacción química de las sales de plata de los ácidos carboxílicos con los halógenos, que da como resultado hidrocarburos sustituidos con halógenos, que investigó por primera vez en 1861, lleva el nombre de Borodin.

3. Modest Petrovich MUSSORGSKY (1839—1881)

Modest Petrovich Mussorgsky - uno de los compositores rusos más brillantes del siglo XIX, miembro del "Mighty Handful". El trabajo innovador de Mussorgsky estaba muy adelantado a su tiempo.
Nacido en la provincia de Pskov. Como muchas personas talentosas, desde niño mostró talento en la música, estudió en San Petersburgo, fue, según la tradición familiar, un militar. El evento decisivo que determinó que Mussorgsky no naciera para el servicio militar, sino para la música, fue su encuentro con M.A. Balakirev y unirse al "Mighty Handful". Mussorgsky es grande porque en sus grandiosas obras - las óperas "Boris Godunov" y "Khovanshchina" - plasmó en la música los hitos dramáticos de la historia rusa con una novedad radical que la música rusa no conocía antes que él, mostrando en ellos una combinación de masa escenas populares y una diversa riqueza de tipos, el carácter único del pueblo ruso. Estas óperas, en numerosas ediciones tanto del autor como de otros compositores, se encuentran entre las óperas rusas más populares del mundo. Otra obra destacada de Mussorgsky es el ciclo de piezas para piano "Cuadros de una exposición", miniaturas coloridas e ingeniosas están impregnadas del tema del estribillo ruso y la fe ortodoxa.

Hubo de todo en la vida de Mussorgsky, tanto grandeza como tragedia, pero siempre se distinguió por una genuina pureza espiritual y desinterés. Sus últimos años fueron difíciles: vida inestable, falta de reconocimiento de la creatividad, soledad, adicción al alcohol, todo esto determinó su temprana muerte a los 42 años, dejó relativamente pocas composiciones, algunas de las cuales fueron completadas por otros compositores. La melodía específica y la armonía innovadora de Mussorgsky anticiparon algunas características del desarrollo musical del siglo XX y desempeñaron un papel importante en el desarrollo de los estilos de muchos compositores del mundo.

Cita de MP Mussorgsky: "Los sonidos del habla humana, como manifestaciones externas del pensamiento y el sentimiento, deben, sin exagerar ni violar, convertirse en música veraz y precisa, pero artística, altamente artística".

Cita sobre MP Mussorgsky: "Sonidos aborigen rusos en todo lo que hizo Mussorgsky" NK Roerich

Un dato interesante: al final de su vida, Mussorgsky, bajo la presión de los "amigos" Stasov y Rimsky-Korsakov, renunció a los derechos de autor de sus obras y se las regaló a Tertiy Filippov.

4. Peter Ilich Tchaikovsky (1840—1893)

Pyotr Ilyich Tchaikovsky, quizás el mayor compositor ruso del siglo XIX, elevó el arte musical ruso a alturas sin precedentes. Es uno de los compositores más importantes de la música clásica mundial.
Nativo de la provincia de Vyatka, aunque sus raíces paternas están en Ucrania, Tchaikovsky mostró habilidades musicales desde la infancia, pero su primera educación y trabajo fue en el campo del derecho. Tchaikovsky es uno de los primeros compositores "profesionales" rusos: estudió teoría musical y composición en el nuevo Conservatorio de San Petersburgo. Tchaikovsky fue considerado un compositor "occidental", en contraste con las figuras populares del "Mighty Handful", con quien tuvo buenas relaciones creativas y amistosas, pero su obra no está menos impregnada del espíritu ruso, logró combinar de manera única el Herencia sinfónica occidental de Mozart, Beethoven y Schumann con tradiciones rusas heredadas de Mikhail Glinka.
El compositor llevó una vida activa: fue maestro, director de orquesta, crítico, figura pública, trabajó en dos capitales, realizó giras por Europa y América. Tchaikovsky era una persona bastante inestable emocionalmente, entusiasmo, abatimiento, apatía, irascibilidad, ira violenta: todos estos estados de ánimo cambiaban en él con bastante frecuencia, siendo una persona muy sociable, siempre luchó por la soledad.
Es una tarea difícil destacar lo mejor del trabajo de Tchaikovsky, tiene varias obras de igual tamaño en casi todos los géneros musicales: ópera, ballet, sinfonía, música de cámara. El contenido de la música de Tchaikovsky es universal: con un melodismo inimitable, abarca imágenes de la vida y la muerte, el amor, la naturaleza, la infancia, las obras de la literatura rusa y mundial se revelan de una manera nueva, se reflejan procesos profundos de la vida espiritual.

Cita del compositor:
“Soy un artista que puede y debe honrar a su Patria. Siento en mí un gran poder artístico, aún no he hecho ni la décima parte de lo que puedo hacer. Y quiero hacerlo con todas las fuerzas de mi alma."
"La vida tiene encanto sólo cuando consiste en la alternancia de alegrías y tristezas, de la lucha entre el bien y el mal, de la luz y la sombra, en una palabra, de la diversidad en la unidad".
"Un gran talento requiere un gran trabajo duro".

Cita sobre el compositor: "Estoy listo día y noche para hacer guardia de honor en el porche de la casa donde vive Pyotr Ilich, hasta tal punto lo respeto". AP Chéjov

Un dato interesante: la Universidad de Cambridge en ausencia y sin defender una tesis doctoral otorgó a Tchaikovsky el título de Doctor en Música, y la Academia de Bellas Artes de París lo eligió miembro correspondiente.

5. Nikolai Andreevich RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov es un talentoso compositor ruso, una de las figuras más importantes en la creación de un invaluable patrimonio musical nacional. Su mundo peculiar y la adoración de la eterna belleza del universo que todo lo abarca, la admiración por el milagro del ser, la unidad con la naturaleza no tienen análogos en la historia de la música.
Nacido en la provincia de Novgorod, según la tradición familiar, se convirtió en oficial naval, en un buque de guerra viajó por muchos países de Europa y dos Américas. Recibió su educación musical primero de su madre, tomando luego clases particulares del pianista F. Canille. Y nuevamente, gracias a M.A. Balakirev, el organizador del "Mighty Handful", quien introdujo a Rimsky-Korsakov en la comunidad musical e influyó en su trabajo, el mundo no perdió a un compositor talentoso.
El lugar central en la herencia de Rimsky-Korsakov lo ocupan las óperas: 15 obras que demuestran una variedad de decisiones de género, estilísticas, dramáticas y compositivas del compositor, sin embargo, tienen un estilo especial, con toda la riqueza del componente orquestal, las líneas vocales melódicas son los principales Dos direcciones principales distinguen el trabajo del compositor: la primera es la historia rusa, la segunda es el mundo de los cuentos de hadas y la epopeya, por lo que recibió el apodo de "narrador".
Además de la actividad creativa independiente directa, N.A. Rimsky-Korsakov es conocido como publicista, compilador de colecciones de canciones populares, en las que mostró gran interés, y también como finalista de las obras de sus amigos: Dargomyzhsky, Mussorgsky y Borodin. Rimsky-Korsakov fue el fundador de la escuela de compositores, como profesor y director del Conservatorio de San Petersburgo, produjo unos doscientos compositores, directores, musicólogos, entre ellos Prokofiev y Stravinsky.

Cita sobre el compositor: "Rimsky-Korsakov era una persona muy rusa y un compositor muy ruso. Creo que esta esencia primordialmente rusa de él, su profunda base folclórica rusa, debe apreciarse especialmente hoy". Mstislav Rostropóvich

El trabajo de los compositores rusos de finales del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX es una continuación holística de las tradiciones de la escuela rusa. Al mismo tiempo, se nombró el concepto de un enfoque de la afiliación "nacional" de tal o cual música, prácticamente no hay una cita directa de melodías populares, pero se mantuvo la base de la entonación rusa, el alma rusa.

6. Alexander Nikolaevich SKRYABIN (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevich Skryabin es un compositor y pianista ruso, una de las personalidades más brillantes de la cultura musical rusa y mundial. La obra original y profundamente poética de Scriabin se destacó por su innovación incluso en el contexto del nacimiento de muchas nuevas tendencias en el arte asociadas con los cambios en la vida pública a principios del siglo XX.
Nacido en Moscú, su madre murió temprano, su padre no pudo prestar atención a su hijo, ya que se desempeñó como embajador en Persia. Scriabin fue criado por su tía y su abuelo, desde niño mostró habilidades musicales. Primero estudió en el cuerpo de cadetes, tomó lecciones privadas de piano, después de graduarse del cuerpo ingresó al Conservatorio de Moscú, su compañero de clase fue S.V. Rakhmaninov. Después de graduarse del conservatorio, Scriabin se dedicó por completo a la música: como concertista de piano y compositor, realizó giras por Europa y Rusia, pasando la mayor parte de su tiempo en el extranjero.
El apogeo del trabajo compositivo de Scriabin fueron los años 1903-1908, cuando la Tercera Sinfonía ("Poema Divino"), el "Poema del Éxtasis" sinfónico, los poemas para piano "Trágico" y "Satánico", la 4ª y 5ª sonatas y otras obras fueron liberado. "El poema del éxtasis", que consta de varios temas-imágenes, concentra las ideas creativas de Sryabin y es su brillante obra maestra. Combinó armoniosamente el amor del compositor por el poder de una gran orquesta y el sonido lírico y etéreo de los instrumentos solistas. La colosal energía vital, la pasión ardiente y el poder de la voluntad fuerte encarnados en el "Poema del éxtasis" causan una impresión irresistible en el oyente y hasta el día de hoy conservan la fuerza de su influencia.
Otra obra maestra de Scriabin es "Prometheus" ("Poema de fuego"), en la que el autor actualizó por completo su lenguaje armónico, partiendo del sistema tonal tradicional, y por primera vez en la historia, se suponía que esta obra iba acompañada de color. música, pero el estreno, por razones técnicas, pasó sin efectos de luz.
El último "Misterio" inacabado fue la idea de Scriabin, un soñador, romántico, filósofo, de apelar a toda la humanidad e inspirarla a crear un nuevo orden mundial fantástico, la unión del Espíritu Universal con la Materia.

Cita de AN Scriabin: “Les voy a decir (a las personas) que... no esperan nada de la vida excepto lo que pueden crear por sí mismos... Les voy a decir que no hay nada que lamentar sobre, que no hay pérdida "Para que no teman la desesperación, que es la única que puede dar lugar al verdadero triunfo. Fuerte y poderoso es el que ha experimentado la desesperación y la ha vencido".

Cita sobre AN Scriabin: "El trabajo de Scriabin fue su tiempo, expresado en sonidos. Pero cuando lo temporal, lo transitorio encuentra su expresión en el trabajo de un gran artista, adquiere un significado permanente y se vuelve perdurable". G. V. Plejánov

7. Sergei Vasilyevich Rahmaninov (1873 - 1943)

Sergei Vasilyevich Rachmaninov es el mayor compositor mundial de principios del siglo XX, un talentoso pianista y director de orquesta. La imagen creativa de Rachmaninoff como compositor a menudo se define con el epíteto "el compositor más ruso", enfatizando en esta breve formulación sus méritos al unir las tradiciones musicales de las escuelas de compositores de Moscú y San Petersburgo y al crear su propio estilo único. que se destaca aisladamente en la cultura musical mundial.
Nacido en la provincia de Novgorod, desde los cuatro años comenzó a estudiar música bajo la guía de su madre. Estudió en el Conservatorio de San Petersburgo, después de 3 años de estudio se transfirió al Conservatorio de Moscú y se graduó con una gran medalla de oro. Rápidamente se hizo conocido como director de orquesta y pianista, componiendo música. El desastroso estreno de la revolucionaria Primera Sinfonía (1897) en San Petersburgo provocó una crisis de compositores creativos, de la que surgió Rachmaninoff a principios del siglo XX con un estilo maduro que combinaba la composición de canciones de la iglesia rusa, el romanticismo europeo extrovertido, el impresionismo moderno y el neoclasicismo, todo saturado con un simbolismo complejo. Durante este período creativo, nacieron sus mejores obras, incluidos 2 y 3 conciertos para piano, la Segunda Sinfonía y su obra favorita: el poema "Las campanas" para coro, solistas y orquesta.
En 1917, Rachmaninov y su familia se vieron obligados a abandonar nuestro país y establecerse en los Estados Unidos. Durante casi diez años después de su partida, no compuso nada, pero realizó numerosas giras por América y Europa y fue reconocido como uno de los mejores pianistas de la época y el mejor director. A pesar de toda la actividad tormentosa, Rachmaninoff siguió siendo una persona vulnerable e insegura, que luchaba por la soledad e incluso la soledad, evitando la atención intrusiva del público. Amaba y añoraba sinceramente a su patria, preguntándose si había cometido un error al dejarla. Estaba constantemente interesado en todos los eventos que tenían lugar en Rusia, leía libros, periódicos y revistas, ayudaba financieramente. Sus últimas composiciones, Symphony No. 3 (1937) y "Symphonic Dances" (1940) se convirtieron en el resultado de su camino creativo, absorbiendo todo lo mejor de su estilo único y el sentimiento de tristeza por la pérdida irreparable y la nostalgia.

Cita de S.V. Rachmaninov:
"Me siento como un fantasma vagando solo en un mundo que le es ajeno".
"La cualidad más alta de cualquier arte es su sinceridad".
“Los grandes compositores siempre y sobre todo han prestado atención a la melodía como el principio rector de la música. La melodía es la música, la base principal de toda la música… El ingenio melódico, en el más alto sentido de la palabra, es el objetivo principal de la vida del compositor. ... Por eso, los grandes compositores del pasado mostraron tanto interés por las melodías populares de sus países.

Cita sobre S.V. Rachmaninov:
"Rakhmaninov estaba hecho de acero y oro: acero en sus manos, oro en su corazón. No puedo pensar en él sin lágrimas. No solo me incliné ante el gran artista, sino que amaba al hombre que hay en él". Yo Hoffman
"La música de Rakhmaninov es el Océano. Sus olas, musicales, comienzan tan lejos más allá del horizonte, te elevan tan alto y te bajan tan lentamente... que sientes este Poder y Aliento". A. Konchalovsky

Un dato interesante: durante la Gran Guerra Patria, Rachmaninov dio varios conciertos benéficos, cuyo dinero recaudado envió al fondo del Ejército Rojo para luchar contra los invasores nazis.

8. Ígor Fiódorovich STRAVINSKY (1882-1971)

Igor Fyodorovich Stravinsky es uno de los compositores mundiales más influyentes del siglo XX, líder del neoclasicismo. Stravinsky se convirtió en un "espejo" de la era musical, su obra refleja la multiplicidad de estilos, constantemente entrecruzados y difíciles de clasificar. Combina libremente géneros, formas, estilos, eligiéndolos de siglos de historia musical y subordinándolos a sus propias reglas.
Nacido cerca de San Petersburgo, estudió en la Facultad de Derecho de la Universidad de San Petersburgo, estudió disciplinas musicales de forma independiente, tomó lecciones privadas de N. A. Rimsky-Korsakov, esta fue la única escuela de composición de Stravinsky, gracias a la cual dominó la técnica de composición a la perfección. Comenzó a componer profesionalmente relativamente tarde, pero el ascenso fue rápido: una serie de tres ballets: El pájaro de fuego (1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913) lo llevaron de inmediato al número de compositores de primera magnitud. .
En 1914 abandonó Rusia, como resultó casi para siempre (en 1962 hubo giras en la URSS). Stravinsky es un cosmopolita, ya que tuvo que cambiar varios países: Rusia, Suiza, Francia y terminó viviendo en los Estados Unidos. Su trabajo se divide en tres períodos: "ruso", "neoclásico", "producción en serie" estadounidense, los períodos no se dividen por el tiempo de vida en diferentes países, sino por la "escritura" del autor.
Stravinsky era una persona muy educada, sociable y con un maravilloso sentido del humor. El círculo de sus conocidos y corresponsales incluía músicos, poetas, artistas, científicos, empresarios, estadistas.
El último logro más alto de Stravinsky - "Requiem" (Cantos para los muertos) (1966) absorbió y combinó la experiencia artística anterior del compositor, convirtiéndose en una verdadera apoteosis del trabajo del maestro.
En el trabajo de Stavinsky, se destaca una característica única: la "singularidad", no en vano lo llamaron "el compositor de mil y un estilos", el cambio constante de género, estilo, dirección de la trama: cada una de sus obras es único, pero constantemente volvía a los diseños en los que se ve el origen ruso, escuchó raíces rusas.

Cita de I.F. Stravinsky: "He estado hablando ruso toda mi vida, tengo un estilo ruso. Tal vez en mi música esto no sea inmediatamente visible, pero es inherente a ella, está en su naturaleza oculta".

Cita sobre I. F. Stravinsky: "Stravinsky es un compositor verdaderamente ruso... El espíritu ruso es indestructible en el corazón de este gran talento multifacético, nacido en la tierra rusa y conectado vitalmente con ella..." D. Shostakovich

Dato interesante (bicicleta):
Una vez en Nueva York, Stravinsky tomó un taxi y se sorprendió al leer su nombre en el cartel.
- ¿No eres pariente del compositor? le preguntó al conductor.
- ¿Existe un compositor con tal apellido? - el conductor se sorprendió. - Escucharlo por primera vez. Sin embargo, Stravinsky es el nombre del dueño del taxi. No tengo nada que ver con la música - mi nombre es Rossini...

9. Sergei Sergeevich PROKÓFIEV (1891—1953)

Sergei Sergeevich Prokofiev - uno de los más grandes compositores rusos del siglo XX, pianista, director de orquesta.
Nacido en la región de Donetsk, desde niño se unió a la música. Prokofiev puede ser considerado uno de los pocos (si no el único) "niño prodigio" musical ruso, desde los 5 años se comprometió a componer, a los 9 años escribió dos óperas (por supuesto, estas obras aún son inmaduras, pero muestran un deseo de creación), a la edad de 13 años aprobó los exámenes en el Conservatorio de San Petersburgo, entre sus maestros estaba N.A. Rimsky-Korsakov. El inicio de su carrera profesional provocó una tormenta de críticas y una incomprensión de su particular estilo fundamentalmente antirromántico y extremadamente modernista, la paradoja es que, rompiendo los cánones académicos, la estructura de sus composiciones se mantuvo fiel a los principios clásicos y posteriormente se convirtió en un fuerza restrictiva del escepticismo modernista que todo lo niega. Desde el comienzo de su carrera, Prokofiev actuó y realizó muchas giras. En 1918, realizó una gira internacional, incluida la visita a la URSS, y finalmente regresó a su tierra natal en 1936.
El país ha cambiado y la creatividad "libre" de Prokofiev se ha visto obligada a dar paso a las realidades de las nuevas demandas. El talento de Prokofiev floreció con renovado vigor: escribe óperas, ballets, música para películas, música aguda, de voluntad fuerte y extremadamente precisa con nuevas imágenes e ideas, sentó las bases de la música clásica y la ópera soviéticas. En 1948 se produjeron casi simultáneamente tres trágicos hechos: bajo sospecha de espionaje, su primera esposa española fue detenida y exiliada a campos; se emitió el Decreto del Poliburó del Comité Central del Partido Comunista de los Bolcheviques de toda la Unión en el que Prokofiev, Shostakovich y otros fueron atacados y acusados ​​​​de "formalismo" y los peligros de su música; hubo un fuerte deterioro en la salud del compositor, se retiró al campo y prácticamente no lo dejó, sino que siguió componiendo.
Algunas de las obras más brillantes del período soviético fueron las óperas "Guerra y paz", "La historia de un hombre real"; los ballets "Romeo y Julieta", "Cenicienta", que se han convertido en un nuevo estándar de la música de ballet mundial; oratorio "En guardia del mundo"; música para las películas "Alexander Nevsky" e "Ivan the Terrible"; sinfonías No. 5,6,7; trabajo pianístico.
El trabajo de Prokofiev llama la atención por su versatilidad y amplitud de temas, la originalidad de su pensamiento musical, la frescura y la originalidad conformaron toda una era en la cultura musical mundial del siglo XX y tuvieron un poderoso impacto en muchos compositores soviéticos y extranjeros.

Cita de S. S. Prokofiev:
"¿Puede un artista mantenerse al margen de la vida?... Estoy convencido de que un compositor, como un poeta, un escultor, un pintor, está llamado a servir al hombre y al pueblo... Ante todo, debe ser un ciudadano en su arte, cantar a la vida humana y conducir al hombre a un futuro mejor...
"Soy una manifestación de la vida, que me da la fuerza para resistir todo lo no espiritual"

Cita sobre S.S. Prokofiev: "... todas las facetas de su música son hermosas. Pero hay una cosa completamente inusual aquí. Aparentemente, todos tenemos algún tipo de fallas, dudas, simplemente mal humor. Y en esos momentos, incluso si No juego y no escucho a Prokofiev, pero solo pienso en él, recibo un increíble impulso de energía, siento un gran deseo de vivir, actuar” E. Kissin

Un hecho interesante: a Prokofiev le gustaba mucho el ajedrez y enriqueció el juego con sus ideas y logros, incluido el ajedrez "nueve" que inventó: un tablero de 24x24 con nueve juegos de piezas colocados en él.

10. Dmitry Dmitrievich SHOSTAKOVICH (1906 - 1975)

Dmitri Dmitrievich Shostakovich es uno de los compositores más importantes e interpretados del mundo, su influencia en la música clásica moderna es inconmensurable. Sus creaciones son verdaderas expresiones del drama humano interior y los anales de los difíciles acontecimientos del siglo XX, donde lo profundamente personal se entrelaza con la tragedia del hombre y la humanidad, con el destino de su país natal.
Nacido en San Petersburgo, recibió sus primeras lecciones musicales de su madre, se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo, al ingresar su rector Alexander Glazunov lo comparó con Mozart: impresionó a todos con su excelente memoria musical, oído agudo y don de compositor. . Ya a principios de la década de 1920, al finalizar el conservatorio, Shostakovich tenía un bagaje de obras propias y se convirtió en uno de los mejores compositores del país. La fama mundial llegó a Shostakovich después de ganar el 1er Concurso Internacional Chopin en 1927.
Hasta cierto período, es decir, antes de la producción de la ópera "Lady Macbeth del distrito de Mtsensk", Shostakovich trabajó como artista independiente - "vanguardia", experimentando con estilos y géneros. La dura denuncia de esta ópera en 1936 y las represiones de 1937 sentaron las bases para la posterior lucha interna constante de Shostakovich por el deseo de expresar sus opiniones por sus propios medios frente a la imposición estatal de tendencias en el arte. En su vida, la política y la creatividad están muy entrelazadas, fue elogiado por las autoridades y perseguido por ellas, ocupó altos cargos y fue apartado de ellos, fue premiado y estuvo a punto de arrestarse a sí mismo y a sus familiares.
Persona suave, inteligente, delicada, encontró su forma de expresión de los principios creativos en las sinfonías, donde podía decir la verdad sobre el tiempo lo más abiertamente posible. De todas las vastas obras de Shostakovich en todos los géneros, son las sinfonías (15 obras) las que ocupan el lugar central, las más dramáticas son las sinfonías 5,7,8,10,15, que se convirtieron en el pináculo de la música sinfónica soviética. Un Shostakovich completamente diferente se abre en la música de cámara.
A pesar de que el propio Shostakovich era un compositor "casero" y prácticamente no viajaba al extranjero, su música, de esencia humanista y de forma verdaderamente artística, se difundió rápida y ampliamente por todo el mundo, interpretada por los mejores directores. La magnitud del talento de Shostakovich es tan inmensa que la comprensión completa de este fenómeno único del arte mundial aún está por llegar.

Cita de D.D. Shostakovich: "La música real es capaz de expresar solo sentimientos humanos, solo ideas humanas avanzadas".

ópera rusa- la contribución más valiosa al tesoro del teatro musical mundial. Nacido en la era del apogeo clásico de la ópera italiana, francesa y alemana, la ópera rusa en el siglo XIX. no solo alcanzó a otras escuelas de ópera nacionales, sino que también las superó. La naturaleza multilateral del desarrollo del teatro de ópera ruso en el siglo XIX. contribuyó al enriquecimiento del arte realista mundial. Las obras de los compositores rusos abrieron una nueva área de creatividad operística, introdujeron en ella nuevos contenidos, nuevos principios para la construcción de la dramaturgia musical, acercando el arte de la ópera a otros tipos de creatividad musical, principalmente a la sinfónica.

Figura 11

La historia de la ópera clásica rusa está indisolublemente ligada al desarrollo de la vida social en Rusia, al desarrollo del pensamiento ruso avanzado. La ópera se distinguió por estas conexiones ya en el siglo XVIII, habiendo surgido como un fenómeno nacional en los años 70, la era del desarrollo de la ilustración rusa. La formación de la escuela de ópera rusa estuvo influenciada por las ideas de la Ilustración, expresadas en el deseo de retratar con veracidad la vida de las personas. Neyasova, I.Yu. Ópera histórica rusa del siglo XIX. Pág.85.

Así, la ópera rusa desde sus primeros pasos toma forma como un arte democrático. Las tramas de las primeras óperas rusas a menudo presentaban ideas contra la servidumbre, que también eran características del teatro dramático ruso y la literatura rusa a fines del siglo XVIII. Sin embargo, estas tendencias aún no se habían desarrollado en un sistema integral; se expresaron empíricamente en escenas de la vida de los campesinos, mostrando su opresión por parte de los terratenientes, en una descripción satírica de la nobleza. Estas son las tramas de las primeras óperas rusas: "Desgracia del carruaje" de V. A. Pashkevich, "Cocheros en un montaje" de E. I. Fomin. En la ópera "The Miller - hechicero, engañador y casamentero" con texto de A. O. Ablesimov y música de M. M. Sokolovsky (en la segunda versión - E. I. Fomina), la idea de la nobleza del trabajo de un agricultor se expresa y se ridiculiza la arrogancia noble. En la ópera de M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor", un usurero y un sobornador se representan de forma satírica.

Las primeras óperas rusas fueron obras de teatro con episodios musicales en el curso de la acción. Las escenas conversacionales eran muy importantes en ellos. La música de las primeras óperas estaba estrechamente relacionada con las canciones populares rusas: los compositores hicieron un uso extensivo de las melodías de las canciones populares existentes, las reelaboraron y las convirtieron en la base de la ópera. En "Melnik", por ejemplo, todas las características de los personajes se dan con la ayuda de canciones populares de diferente naturaleza. En la ópera "San Petersburgo Gostiny Dvor" se reproduce con gran precisión una ceremonia de boda popular. En "Coachmen on a Frame" Fomin creó el primer ejemplo de una ópera coral popular, estableciendo así una de las tradiciones típicas de la ópera rusa posterior.

La ópera rusa se desarrolló en la lucha por su identidad nacional. La política de la corte real y la parte superior de la sociedad noble, patrocinando compañías extranjeras, estaba dirigida contra la democracia del arte ruso. Las figuras de la ópera rusa tuvieron que aprender habilidades operísticas sobre los modelos de la ópera europea occidental y al mismo tiempo defender la independencia de su dirección nacional. Esta lucha durante muchos años se convirtió en una condición para la existencia de la ópera rusa, tomando nuevas formas en nuevas etapas.

Junto a la ópera-comedia en el siglo XVIII. también aparecieron otros géneros operísticos. En 1790, se llevó a cabo una actuación en la corte bajo el título "Administración inicial de Oleg", cuyo texto fue escrito por la emperatriz Catalina II, y la música fue compuesta conjuntamente por los compositores K. Canobbio, J. Sarti y V. A. Pashkevich. La interpretación no era tanto de carácter operístico como de oratorio, y en cierta medida puede considerarse el primer ejemplo del género histórico-musical, tan difundido en el siglo XIX. En la obra del destacado compositor ruso D. S. Bortnyansky, el género operístico está representado por las óperas líricas El halcón y El hijo rival, cuya música, en términos de desarrollo de formas y habilidades operísticas, puede equipararse a los ejemplos modernos. de la ópera de Europa Occidental.

El teatro de la ópera se utilizó en el siglo XVIII. gran popularidad Poco a poco, la ópera de la capital penetró en los teatros de la finca. Teatro de la fortaleza a finales de los siglos XVIII y XIX. da ejemplos individuales muy artísticos de la interpretación de óperas y papeles individuales. Están nominados cantantes y actores rusos talentosos, como, por ejemplo, el cantante E. Sandunova, que actuó en el escenario de la capital, o la sierva actriz del Teatro Sheremetev P. Zhemchugova.

Logros artísticos de la ópera rusa del siglo XVIII. dio impulso al rápido desarrollo del teatro musical en Rusia en el primer cuarto del siglo XIX.

Las conexiones del teatro musical ruso con las ideas que determinaron la vida espiritual de la época se fortalecieron especialmente durante la Guerra Patriótica de 1812 y durante los años del movimiento decembrista. El tema del patriotismo, reflejado en tramas históricas y contemporáneas, se convierte en la base de muchas representaciones dramáticas y musicales. Las ideas del humanismo, la protesta contra la desigualdad social inspiran y fecundan el arte teatral.

A principios del siglo XIX. todavía no se puede hablar de ópera en el pleno sentido de la palabra. Los géneros mixtos juegan un papel importante en el teatro musical ruso: tragedia con música, vodevil, ópera cómica, ópera-ballet. Antes de Glinka, la ópera rusa no conocía obras cuya dramaturgia se basara únicamente en música sin episodios hablados.

El drama musical de Mussorgsky "Khovanshchina" (Fig. 12) está dedicado a los levantamientos de tiro con arco a fines del siglo XVII. El elemento del movimiento popular en toda su fuerza exuberante se expresa notablemente en la música de la ópera, basada en el replanteamiento creativo del arte de la canción popular. La música de "Khovanshchina", como la música de "Boris Godunov", se caracteriza por una gran tragedia. La base de la milla melódica de ambas óperas es la síntesis de canto y comienzos declamatorios. La innovación de Mussorgsky, nacida de la novedad de su concepción, y la solución profundamente original a los problemas de la dramaturgia musical nos hacen situar sus dos óperas entre las más altas realizaciones del teatro musical.

Figura 12

El siglo XIX es la era de los clásicos de la ópera rusa. Los compositores rusos han creado obras maestras en varios géneros de ópera: drama, épica, tragedia heroica, comedia. Crearon un drama musical innovador que nació en estrecha conexión con el contenido innovador de las óperas. El papel importante y definitorio de las escenas populares masivas, la caracterización multifacética de los personajes, la nueva interpretación de las formas tradicionales de la ópera y la creación de nuevos principios de unidad musical de toda la obra son rasgos característicos de los clásicos de la ópera rusa. Neyasova, I.Yu. Ópera histórica rusa del siglo XIX. Pág.63.

La ópera clásica rusa, que se desarrolló bajo la influencia del pensamiento filosófico y estético progresista, bajo la influencia de los acontecimientos de la vida pública, se convirtió en uno de los aspectos notables de la cultura nacional rusa del siglo XIX. Todo el camino del desarrollo de la ópera rusa en el siglo pasado fue paralelo al gran movimiento de liberación del pueblo ruso; Los compositores se inspiraron en las altas ideas del humanismo y la ilustración democrática, y sus obras son para nosotros grandes ejemplos de arte verdaderamente realista.

3.1 Modesto Petrovich Mussorgsky

Modest Petrovich Mussorgsky - uno de los compositores rusos más brillantes del siglo XIX, miembro del "Mighty Handful". El trabajo innovador de Mussorgsky estaba muy adelantado a su tiempo.

Nacido en la provincia de Pskov. Como muchas personas talentosas, desde niño mostró talento en la música, estudió en San Petersburgo, fue, según la tradición familiar, un militar. El evento decisivo que determinó que Mussorgsky no naciera para el servicio militar, sino para la música, fue su encuentro con M.A. Balakirev y unirse al "Mighty Handful". Mussorgsky es genial porque en sus obras grandiosas, las óperas "Boris Godunov" y "Khovanshchina" (Fig. 13), capturó en música los hitos dramáticos de la historia rusa con una novedad radical que la música rusa no conocía antes de él, mostrando en ellos una combinación de escenas populares de masas y una variada riqueza de tipos, el carácter único del pueblo ruso. Estas óperas, en numerosas ediciones tanto del autor como de otros compositores, se encuentran entre las óperas rusas más populares del mundo. Danilova, G. I. Arte. P.96.

3.2 Características de la ópera "Khovanshchina" de Mussorgsky

"Khovamshchina"(drama musical popular) - una ópera en cinco actos del compositor ruso M. P. Mussorgsky, creada según su propio libreto a lo largo de varios años y nunca completada por el autor; el trabajo fue completado por N. A. Rimsky-Korsakov.

Khovanshchina es más que una ópera. Mussorgsky estaba interesado en las leyes trágicas de la historia rusa, el cisma eterno, la fuente del sufrimiento y la sangre, el presagio eterno de la guerra civil, el eterno levantarse de sus rodillas y el deseo igualmente instintivo de volver a su postura habitual.

Mussorgsky trama la idea de "Khovanshchina" y pronto comienza a recolectar materiales. Todo esto se llevó a cabo con la participación activa de V. Stasov, quien en los años 70. se hizo cercano a Mussorgsky y fue uno de los pocos que realmente comprendió la seriedad de las intenciones creativas del compositor. V. V. Stasov se convirtió en la inspiración y el asistente más cercano de Mussorgsky en la creación de esta ópera, en la que trabajó desde 1872 hasta casi el final de su vida. “Te dedico todo el período de mi vida en el que se creará la Khovanshchina... tú le diste un comienzo”, escribió Mussorgsky a Stasov el 15 de julio de 1872.

Figura 13

El compositor nuevamente se sintió atraído por el destino del pueblo ruso en un punto de inflexión en la historia rusa. Los eventos rebeldes de finales del siglo XVII, la dura lucha entre la vieja Rusia boyarda y la nueva Rusia joven de Pedro I, los disturbios de los arqueros y el movimiento de los cismáticos le dieron a Mussorgsky la oportunidad de crear un nuevo drama musical popular. El autor dedicó "Khovanshchina" a V.V. Stasov. Danilova, G. I. Arte. P.100.

El trabajo en "Khovanshchina" fue difícil: Mussorgsky recurrió a material mucho más allá del alcance de una interpretación de ópera. Sin embargo, escribió intensamente (“¡La obra está en pleno apogeo!”), aunque con largas interrupciones por múltiples motivos. En este momento, Mussorgsky estaba pasando por la desintegración del círculo de Balakirev, el enfriamiento de las relaciones con Cui y Rimsky-Korsakov, la salida de Balakirev de las actividades musicales y sociales. Sintió que cada uno de ellos se había convertido en un artista independiente y ya había seguido su propio camino. El servicio burocrático dejaba sólo las horas de la tarde y la noche para componer música, y esto conducía a un severo exceso de trabajo ya depresiones cada vez más prolongadas. Sin embargo, a pesar de todo, el poder creativo del compositor durante este período llama la atención por su fuerza y ​​riqueza de ideas artísticas.

“Khovanshchina es una ópera rusa compleja, tan compleja como el alma rusa. Pero Mussorgsky es un compositor tan asombroso que dos de sus óperas se representan en diferentes óperas de todo el mundo casi todos los años”. Abdrazakov, RIA Novosti.

La ópera revela capas enteras de la vida popular y muestra la tragedia espiritual del pueblo ruso en el punto de inflexión de su historia y forma de vida tradicionales.

3.3 Ópera Mussorgsky "Khovanshchina" en el teatro

La grandiosa escala de la epopeya: es en este formato que Alexander Titel prefiere hablar en los últimos años, escenificó "Guerra y paz" de Sergei Prokofiev, "Boris Godunov" de Mussorgsky y, finalmente, un gran lienzo histórico: "Khovanshchina" . No es necesario recordar la relevancia actual de esta creación de Mussorgsky, que absorbe todas las colisiones trágicas de lo "ruso": la ruptura del poder y el pueblo, el cisma religioso, las intrigas políticas, el idealismo fanático, la búsqueda continua del " camino", la bifurcación del euroasiático. La relevancia está en la superficie, y no es coincidencia que "Khovanshchina" en el "eje" de la última temporada esté en escenarios europeos: en Viena, Stuttgart, Amberes, Birmingham. La actuación de Titel casi con angustia devuelve a sus compatriotas a estos temas de Mussorgsky.

El hecho de que el teatro abordó su declaración "histórica" ​​con especial intensidad se evidencia en el folleto preparado para el estreno con recortes de documentos y biografías reales de los prototipos de Khovanshchina, y la exposición programada para coincidir con el estreno de la función en el atrio del teatro con hallazgos arqueológicos expuestos de la época de "Khovanshchina": fragmentos de armas encontrados debajo del edificio del teatro. Obviamente, la atmósfera de la actuación con tal séquito debería haberse vuelto aún más "auténtica". Pero la audiencia no fue recibida por las torres y las torres del Kremlin en el escenario, sino por una simple caja de tablones parecida a un granero en la que se desarrolló la lúgubre epopeya de la vida rusa durante más de tres horas. Alexander Lazarev marcó la pauta musical, eligiendo la orquestación de Dmitri Shostakovich, llena de armónicos metálicos, rompiendo, como en un abismo de sonoridades, pesados ​​cascabeles, que sonaban en su interpretación de un forte casi incesante, con un pesado plomo marcato aplastante incluso dibujado. -salir canciones líricas. En algunos momentos la orquesta se apagaba y luego los coros salían “afuera”: el famoso “¡Papá, papá, sal con nosotros!” sonaba como una obra maestra, silenciosas oraciones cismáticas. Masol, LM, Aristova LS Arte musical. P.135.

Figura 14

El duro telón de fondo orquestal coincidía con la oscura acción frenética del escenario. Grandes extras: cientos de personas vestidas de manera unificada, en escarlata, streltsy (Fig. 14) o blanco, "folk". Los príncipes tienen caftanes sencillos con pequeños botones, sin las pieles habituales y bordados preciosos. Estos extras participan en comidas en una larga mesa de madera, salen en una multitud con íconos, confraternizan, tomándose los hombros, alrededor de Bati Khovansky. Pero las multitudes en el escenario no "vivieron", sino que ilustraron la trama.

Figura 15

Pero la trama principal se desarrolló "arriba", entre los príncipes y boyardos, que tejen conspiraciones, dictan denuncias, luchan por el poder. Primero, Shaklovity (Anton Zaraev) dicta furiosamente a Podyachy (Valery Mikitsky), asustándolo con torturas y tormentos, un informe a los zares Peter e Ivan sobre el padre y el hijo de Khovansky, luego el Príncipe Golitsyn (Nazhmiddin Mavlyanov) teje una intriga contra las autoridades con Khovansky (Dmitry Ulyanov) y Dosifey (Denis Makarov) - frenéticamente, al borde de una pelea. Aquí, el joven Khovansky (Nikolai Erokhin), con exactamente el mismo frenesí, persigue eróticamente a la mujer alemana Emma (Elena Guseva) y la cismática Martha (Ksenia Dudnikova), vengativamente, arrastra al angustiado Andrei para que se suicide en el skete. Los héroes de Mussorgsky existen en la obra como si cada una de sus palabras fuera a poner el mundo patas arriba. Gritan en arias hasta enronquecer, golpean con los puños la mesa. Marfa adivina terriblemente, golpeando sus puños en el agua y como si estuviera sacando algo vivo de un balde de zinc. Los arqueros descansan sus cabezas sobre caftanes escarlata para la ejecución, y Khovansky Sr. levanta las faldas de los persas. En el escenario, el duduk armenio suena melancólico, un número insertado en la actuación. Es cierto que no está del todo claro por qué es más relevante que la danza persa habitual. Además, por desgracia, no está claro de qué se trata la actuación, que termina con una imagen de una multitud cismática de pie que se sumerge en la oscuridad, sobre la cual los héroes discutieron tan frenéticamente, rompiendo sus voces, explotando en histeria durante tres horas en un fila, qué es exactamente lo que querían transmitir de su experiencia, a excepción de la imagen de Rusia sombría. Incluyendo, y porque las palabras en la actuación son casi indistinguibles. Los subtítulos de la línea continua están en inglés, y hay pocos conocedores del libreto de memoria en la sala. Mientras tanto, no fue casualidad que el mismo Mussorgsky deletreara cada palabra. Creó "Khovanshchina" como un drama político actual y probablemente esperaba que la experiencia de esta historia ayudaría a cambiar algo en el presente.

Sin embargo, la historia de la ópera en nuestro país como género musical y dramático que llegó de Occidente comenzó mucho antes de la producción de Life for the Tsar (Ivan Susanin) de Glinka, la primera ópera clásica rusa, que se estrenó el 27 de noviembre de 1836.

Si lo intenta, los comienzos de la ópera rusa se pueden encontrar en la antigüedad, ya que el elemento musical y dramático es inherente a los rituales populares rusos, como las ceremonias de boda, los bailes redondos y las representaciones de la iglesia de la Rusia medieval, que pueden considerarse requisitos previos para el surgimiento de la ópera rusa. Con mayor razón, uno puede ver el nacimiento de la ópera rusa en las representaciones folclóricas y espirituales de los siglos XVI y XVII, en los dramas escolares de las academias de Kyiv y Moscú sobre temas bíblicos. Todos estos elementos musicales e históricos se reflejarán en las obras de los futuros compositores de ópera rusos.

El 17 de octubre de 1672 tuvo lugar la primera representación de "Esther" ("Acto de Artajerjes") de Johann Gottfried Gregory, que duró diez horas, hasta la mañana. La música estuvo involucrada en la acción: una orquesta de alemanes y personas del patio que tocaron "órganos, violas y otros instrumentos", tal vez los coros de los "empleados cantores soberanos" también participaron en la obra. El zar estaba fascinado, todos los participantes en la actuación fueron tratados con amabilidad, recompensados ​​​​generosamente e incluso se les permitió besar la mano del zar: "estaban en manos del gran soberano", algunos recibieron rangos y salarios, el propio Gregorio recibió cuarenta sables por uno cien rublos (medida del tesoro de pieles).

Las siguientes obras de Gregory ya se jugaron en Moscú en las cámaras del Kremlin, la audiencia estaba cerca del rey: boyardos, tiovivos, nobles, empleados; había lugares especiales para la reina y las princesas, cercados con barrotes frecuentes para que no fueran visibles al público. Las funciones comenzaron a las 10 de la noche y se prolongaron hasta la mañana. Si en el "Acto de Artajerjes" la participación de la música fue bastante accidental, en 1673 apareció en el escenario una obra bastante similar a una ópera. Lo más probable es que se tratara de una reelaboración del libreto de la ópera "Eurydice" de Rinuccini, que fue una de las primeras óperas y se distribuyó ampliamente por toda Europa en numerosas adaptaciones.

Johann Gregory incluso fundó una escuela de teatro en 1673, en la que 26 niños filisteos estudiaron "comedia". Sin embargo, en 1675, Gregory enfermó y fue a tierras alemanas para recibir tratamiento, pero pronto murió en la ciudad de Merserburg, donde fue enterrado, y la escuela de teatro fue cerrada. Después de la muerte del zar Alexei Mikhailovich en 1676, el nuevo zar Fyodor Alekseevich no mostró interés en el teatro, el patrón principal Artamon Matveev fue exiliado en Pustozersk, los teatros fueron desmantelados. Los espectáculos cesaron, pero quedó el pensamiento de que estaba permitido, ya que al mismo soberano le divirtió esto.

Habiendo vivido la mayor parte de su vida en Rusia, Gregory se quedó atrás de las tendencias teatrales modernas y las comedias que representó estaban desactualizadas, sin embargo, se estableció el comienzo del arte dramático y operístico en Rusia. La siguiente apelación al teatro y su renacimiento se produjo veinticinco años después, en tiempos de Pedro I.

Han pasado cuatro siglos desde entonces, pero la ópera sigue siendo considerada uno de los géneros musicales más populares. La comprensión de la música de ópera es accesible para todos, ayudada por las palabras y las acciones escénicas, y la música realza las impresiones del drama, expresando con su brevedad inherente lo que a veces es difícil de transmitir con palabras.

En la actualidad, el público ruso está interesado en las óperas de S. M. Slonimsky, R. K. Shchedrin, L. A. Desyatnikov, V. A. Kobekin, A. V. Tchaikovsky; aunque es difícil, puede verlos comprando boletos para el Teatro Bolshoi. El teatro más famoso y popular de nuestro país, por supuesto, es el Teatro Bolshoi, uno de los principales símbolos de nuestro estado y su cultura. Una vez que haya visitado el Bolshoi, podrá experimentar plenamente la unión de la música y el teatro.

Originada como una imitación de los modelos occidentales, la ópera rusa ha hecho una valiosa contribución al tesoro de la cultura mundial.

Habiendo aparecido en la era del apogeo clásico de las óperas francesas, alemanas e italianas, la ópera rusa en el siglo XIX no solo alcanzó a las escuelas clásicas de ópera nacionales, sino que también las superó. Es interesante que los compositores rusos eligieran tradicionalmente temas de carácter puramente folclórico para sus obras.

"La vida del zar" Glinka

La ópera "Una vida por el zar" o "Ivan Susanin" cuenta los acontecimientos de 1612, la campaña polaca de la nobleza contra Moscú. El barón Yegor Rozen se convirtió en el autor del libreto, sin embargo, en la época soviética, por razones ideológicas, la edición del libreto se confió a Sergei Gorodetsky. El estreno de la ópera tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de San Petersburgo en 1836. Durante mucho tiempo, Fyodor Chaliapin interpretó el papel de Susanin. Después de la revolución, Life for the Tsar abandonó el escenario soviético. Hubo intentos de adaptar la trama a los requisitos de los nuevos tiempos: así fue como Susanin fue aceptada en el Komsomol, y las líneas finales sonaron como "Gloria, gloria, sistema soviético". Gracias a Gorodetsky, cuando la ópera se representó en el Teatro Bolshoi en 1939, el "sistema soviético" fue reemplazado por el "pueblo ruso". Desde 1945, el Teatro Bolshoi abre tradicionalmente la temporada con varias producciones de Ivan Susanin de Glinka. La producción de ópera a mayor escala en el extranjero se realizó, quizás, en La Scala de Milán.

"Boris Godunov" de Mussorgsky

La ópera, en la que el zar y el pueblo son elegidos como dos personajes, fue iniciada por Mussorgsky en octubre de 1868. Para escribir el libreto, el compositor utilizó el texto de la tragedia de Pushkin del mismo nombre y materiales de la Historia del Estado Ruso de Karamzin. El tema de la ópera fue el reinado de Boris Godunov justo antes de la Era de los Trastornos. Mussorgsky completó la primera edición de la ópera Boris Godunov en 1869, que fue presentada al comité teatral de la Dirección de los Teatros Imperiales. Sin embargo, los críticos rechazaron la ópera y se negaron a representarla debido a la falta de un papel femenino brillante. Mussorgsky introdujo el acto "polaco" de la línea de amor de Marina Mniszek y False Dmitry en la ópera. También agregó una escena monumental de un levantamiento popular, que hizo más espectacular el final. A pesar de todos los ajustes, la ópera fue nuevamente rechazada. Se representó solo 2 años después, en 1874, en el escenario del Teatro Mariinsky. En el extranjero, el estreno de la ópera tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de la Gran Ópera de París el 19 de mayo de 1908.

La dama de picas de Tchaikovsky

La ópera fue completada por Tchaikovsky a principios de la primavera de 1890 en Florencia, y la primera producción tuvo lugar en diciembre del mismo año en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo. La ópera fue escrita por el compositor por orden del Teatro Imperial, y por primera vez Tchaikovsky se negó a aceptar la orden, argumentando su negativa por la falta de "presencia escénica adecuada" en la trama. Es interesante que en la historia de Pushkin el protagonista tiene el apellido Hermann (con dos "n" al final), y en la ópera el personaje principal es un hombre llamado Herman; esto no es un error, sino un cambio deliberado por parte del autor. . En 1892, la ópera se representó por primera vez fuera de Rusia en Praga. Luego, la primera producción en Nueva York en 1910 y el estreno en Londres en 1915.

"Príncipe Igor" Borodin

La base del libreto fue el monumento de la literatura rusa antigua "El cuento de la campaña de Igor". La idea de la trama le fue sugerida a Borodin por el crítico Vladimir Stasov en una de las veladas musicales en Shostakovich's. La ópera fue creada durante 18 años, pero nunca fue completada por el compositor. Después de la muerte de Borodin, Glazunov y Rimsky-Korsakov completaron el trabajo. Existe la opinión de que Glazunov pudo restaurar de la memoria la interpretación del autor de la obertura de ópera que escuchó una vez, sin embargo, el propio Glazunov refutó esta opinión. A pesar de que Glazunov y Rimsky-Korsakov hicieron la mayor parte del trabajo, insistieron en que el Príncipe Igor era enteramente una ópera de Alexander Porfiryevich Borodin. El estreno de la ópera tuvo lugar en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo en 1890, después de 9 años fue vista por un público extranjero en Praga.

"El gallo de oro" de Rimsky-Korsakov

La ópera El gallo de oro fue escrita en 1908 basada en el cuento de hadas de Pushkin del mismo nombre. Esta ópera fue la última obra de Rimsky-Korsakov. Los teatros imperiales se negaron a representar la ópera. Pero tan pronto como el público la vio por primera vez en 1909 en la Ópera de Moscú de Sergei Zimin, la ópera se representó en el Teatro Bolshoi un mes después, y luego comenzó su procesión triunfal alrededor del mundo: Londres, París, Nueva York, Berlín, Wroclaw.

"Lady Macbeth del distrito de Mtsensk" de Shostakovich

La idea de la ópera vino de Alexander Dargomyzhsky en 1863. Sin embargo, el compositor dudó de su éxito y consideró la obra como un "reconocimiento" creativo, "diversión sobre el Don Giovanni de Pushkin". Escribió música para el texto de Pushkin de The Stone Guest sin cambiar una sola palabra. Sin embargo, problemas cardíacos no permitieron al compositor terminar la obra. Murió, pidiendo en su testamento a sus amigos Cui y Rimsky-Korsakov para completar el trabajo. La ópera se presentó por primera vez al público en 1872 en el escenario del Teatro Mariinsky de San Petersburgo. El estreno en el extranjero tuvo lugar solo en 1928 en Salzburgo. Esta ópera se ha convertido en una de las "piedras fundacionales", sin saberlo es imposible entender no solo la música clásica rusa, sino también la cultura general de nuestro país.