Cada actuación o actuación que se reproduce en el escenario está diseñada para brindar al espectador, entre otras cosas, el placer estético de lo que vio. Por eso es tan importante vestir a los personajes con el vestuario teatral adecuado. Entonces será fácil sentir el espíritu de la época de la obra, captar el carácter de los personajes y simplemente disfrutar de la belleza del espectáculo.

Vestuario teatral desde la antigüedad hasta la actualidad

La indumentaria de los actores ha sufrido modificaciones desde la aparición del teatro como tal, y hasta nuestros días:

• Intentaron crear imágenes escénicas en la antigüedad, experimentando con materiales improvisados. Incluso en la antigua China y Japón, era posible observar actores con ropa específica, especialmente en actuaciones festivas o rituales. En la India, en la antigüedad, los bailarines callejeros también se vestían con saris inusuales y brillantes para llamar la atención. Y con el advenimiento del arte de pintar con tintes naturales, los saris no se volvieron monofónicos, sino estampados.
• Es el “teatral” que se le puede llamar a un traje que apareció en la antigua Grecia. Se utilizaron máscaras grotescas, maquillaje y el color especial del atuendo de los personajes indicaba el estatus o la profesión del héroe de la representación.
• Luego, el teatro europeo comenzó a desarrollarse en la era del feudalismo, cuando las actuaciones, los llamados. Los "misterios" fueron dados por artistas errantes: histriones. La apariencia de los personajes se distinguió por la elegancia y los ricos elementos de decoración.
• El Renacimiento, con sus comedias dell'arte, se caracteriza por lo grotesco. Con la ayuda de ropa, peinados y pelucas, sombreros, zapatos, máscaras y maquillaje, se crearon imágenes ingeniosas, se enfatizaron las características inherentes de personajes específicos que ridiculizaron o deleitó al espectador (plumas elegantes en sombreros, pantalones coloridos).
• En los siglos siguientes, en todos los estados europeos y orientales hubo algunos teatros, salones musicales, óperas, ballets, etc. Los trajes se volvieron más diversos, a menudo transmitiendo el espíritu de la era histórica, la ropa moderna, liberándose de la estilización excesiva. Por lo tanto, en el escenario se podían ver imágenes familiares para el espectador, así como disfraces históricos recreados, apariencias naturalistas y maquillajes de fantasía.

El vestuario teatral ruso merece especial atención. Los bufones son considerados sus primeros creadores. Camisas brillantes, caftanes con fajas, zapatos de bastón, gorras con campanas, parches en los pantalones: todos estos elementos del traje se parecían a la ropa campesina, pero en una forma exageradamente satírica. Había un teatro de la iglesia donde los artistas iban vestidos de blanco, como ángeles. En los teatros escolares, los personajes tenían sus propios emblemas. Y bajo el zar Alexei Mikhailovich, funcionó un teatro profesional. Por lo tanto, los elementos del traje del soberano tenían signos de dignidad real, se usaban bordados hechos a medida, se cosían a mano piedras costosas y decoraciones exquisitas.

Tipos

Es costumbre distinguir tres tipos principales de vestuario:

1. Personal. Este tipo es una composición figurativo-plástica, que es parte directa de la imagen total del intérprete del papel. En un traje, la figura suele estar completamente oculta. El propio actor lo pone en movimiento y lo expresa. Entonces, para la Ópera de Pekín, las imágenes de un templo sagrado o un dragón eran características.
2. Juego. Este es un medio para transformar la apariencia del artista y un elemento importante de su juego. La transformación de personajes en acciones rituales y folclóricas por personaje a menudo tenía una base en el uso de lo grotesco y la parodia, por ejemplo, cuando los jóvenes se disfrazaban de niñas.
3. Como la ropa del personaje. Es el principal en las representaciones modernas, a menudo se parece exactamente a la ropa tradicional de una era particular de acción en la producción. Sobre la base de tal traje, se crean los dos tipos anteriores.

Características de sastrería

La confección de trajes de escenario es una actividad bastante compleja y creativa. Es necesario elegir los materiales y accesorios correctos, crear bordados y aplicaciones si es necesario. El vestuario teatral debe cumplir con los siguientes requisitos:

• Para encarnar la época con precisión, teniendo en cuenta las características históricas, etnográficas y nacionales de la obra y los héroes.
• Coincidir con la intención del director de expresar la esencia del carácter del personaje.
• Dar efecto a la imagen del actor a los ojos del espectador.
• Es bueno sentarse según la figura de su dueño.
• Conveniencia de llevar un disfraz (especialmente importante para los bailarines que participan en actuaciones).

Dado que el diseñador de vestuario selecciona un traje teatral para un papel específico y un actor específico, es necesario adaptarlo a las medidas. Para ello, es mejor recurrir a profesionales. Tailoring Factory es una producción de costura en Moscú y la región de Moscú, aquí puede encargar la confección de un traje para una actuación, ópera y ballet. Se seleccionarán los mejores materiales y se aplicarán modernas tecnologías de costura.

TRAJE DE TEATRO, elemento de rendimiento. En la historia del teatro se conocen tres tipos principales de vestuario teatral: personaje, obra de teatro y vestimenta del personaje. Estos tres tipos principales de vestuario existen en todas las etapas de las artes escénicas, desde el preteatro ritual y folclórico hasta la práctica artística moderna.

Un disfraz de personaje es una especie de composición figurativo-plástica sobre la figura del performer, puesta en movimiento por él y sonorizada (pronunciando el texto o cantando), ocultando en ocasiones su figura por completo, de forma similar a como la máscara le cubría el rostro. Ejemplos de vestuario de personajes en rituales y ceremonias de diferentes países del mundo. La silueta en forma de campana del traje indio era una paráfrasis del templo-tienda-torre de Nagar Shakhara y la montaña sagrada Menu (el centro y eje del mundo en la mitología hindú). Chino: con su forma, diseño, ornamentación y color expresa el antiguo simbolismo cosmológico de la alternancia natural de la Luz y la Oscuridad, la fusión del Cielo y la Tierra en el acto de crear el mundo. El traje de chamán de los pueblos del norte encarna las imágenes de un pájaro fantástico asociado con el "mundo superior" y un animal (un habitante del "mundo inferior"). El sur de Rusia es una especie de modelo del Universo. En las representaciones tradicionales de la Ópera de Pekín, el traje era la imagen de un dragón formidable, en el teatro japonés "No", los motivos de la naturaleza, y en la era barroca del siglo XVII. - Feria o Mundo. Si para las representaciones rituales y folclóricas, los disfraces de personajes (como todos los demás elementos de la escenografía) fueron el fruto del trabajo de maestros folclóricos anónimos, entonces en el siglo XX, desde sus inicios, los artistas comenzaron a componerlos: I. Bilibin - en la ópera el gallo de oro N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - en Bure W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - en Zar Maximiliano, P. Filonov - en tragedia vladimir mayakovski, finalmente, K.Malevich - en el proyecto victoria sobre el sol(las tres producciones en 1913). Y luego, a fines de la década de 1910, la primera mitad de la década de 1920. toda una serie de disfraces de personajes fueron creados por los futuristas italianos E. Prampolini, F. Depero y otros, O. Schlemmer de la Bauhaus alemana, y en el ballet, por P. Picasso, que mostró a los grotescos Gerentes en Desfile E. Satie y F. Leger - Deidades negras en creación del mundo D. Millau. Finalmente, la "arquitectura" de vestuario cubista de A. Vesnin adquirió un significado de carácter en las actuaciones de A. Tairov - en Anunciación, sus composiciones suprematistas sobre las figuras de los héroes Fedra. Sobre el otras escenas: los "trajes de concha" de Y. Annenkov en la obra Gas G. Kaiser y A. Petritsky - en Viy, así como fantásticos collages como vestuario de personajes para la actuación. auditor, que fueron creados por los estudiantes de P. Filonov (N. Evgrafov, A. Landsberg y A. Sashin) sobre el tema de sellos, escudos de armas, sellos, sobres, etc. - el carácter del administrador de correos, recetas, firmas, jeringas, clysters, termómetros - el personaje del Doctor, botellas, embutidos, jamones, sandías, etc. - el carácter del Hombre-Taberna. En la segunda mitad del siglo XX M. Kitaev y S. Stavtseva crearon disfraces como personajes visuales independientes, que se muestran por separado de los actores, como un elemento de la escenografía, y como varios tipos de composiciones en las figuras de los actores: K. Shimanovskaya, D. Mataitene, Yu Járikov.

Un traje de juego es un medio para transformar la apariencia de un actor y uno de los elementos de su juego. En las representaciones rituales y folclóricas, la transformación tenía con mayor frecuencia un carácter grotesco-paródico, cuando los hombres se vestían de mujeres, las mujeres de hombres, los jóvenes de viejos, las bellezas de brujas o cuando se representaban varios animales. Al mismo tiempo, se usó todo lo que estaba a mano: un zhupan, un abrigo de piel de oveja, una carcasa, una piel de oveja, siempre al revés, más divertida y divertida, así como cualquier otra ropa "invertida", de alguna manera ridícula, por ejemplo, pantalones demasiado cortos, camisa excesivamente ancha, medias con agujeros, toda clase de andrajos, trapos, trapos, costales, cuerdas; también se aprovechaba todo lo que la naturaleza daba: hierba, flores, paja, hojas. Por último, también se utilizaron diversos adornos artificiales para vestir: papel de colores, corteza de abedul, papel de aluminio, vidrio, cintas, espejos, cascabeles, plumas, etc. Las técnicas de enmascaramiento grotesco pasaron tanto a las representaciones de comedias griegas antiguas como al teatro tradicional de Oriente, donde se combinaron con el variado juego del actor con elementos de su vestuario: mangas largas y plumas de faisán - en la Ópera de Pekín, trenes , toallas y abanicos - en el japonés "Pero". Las representaciones de la commedia dell'arte italiana, las obras de Shakespeare y Lope de Vega se construyeron sobre un sinfín de disfraces y disfraces. A finales del siglo XVIII Emma Hart (Lady Hamilton) construyó su famoso baile sobre el juego con un mantón, después de lo cual técnicas similares (manipulación de bufandas, colchas, velos y otros elementos similares del traje) fueron ampliamente utilizadas en el teatro de ballet del siglo XIX, alcanzando su mayor altura artística en el trabajo de L .Bakst, cuyos bocetos de imágenes coreográficas incluyeron la dinámica de varias telas voladoras, cinturones, bufandas, faldas, bufandas, impermeables, capas, colgantes, ligas. En el escenario dramático, se continuó la tradición del traje, que acompaña los movimientos del actor, mediante una expresividad cubo-futurista - A. Exter en las representaciones del Teatro de Cámara Salomé O. Wilde y Romeo y julieta W. Shakespeare, seguido por su alumno P. Chelishchev y otros maestros de principios de la década de 1920: V. Khodasevich e I. Nivinsky, I. Rabinovich y G. Yakulov, S. Eisenstein y G. Kozintsev, finalmente de nuevo en el escenario del ballet, en las producciones de K. Goleizovsky - B. Erdman. Si en este período el vestuario teatral constituyó toda una corriente en la escenografía, será en la segunda mitad del siglo XX. también fueron utilizados por artistas y directores bastante ampliamente, pero por necesidad, como un elemento de la "paleta" de medios de expresión disponibles para ellos. Entre los autores de trajes de teatro modernos se encuentran los artistas georgianos Sameuli, G. Aleksi-Meskhishvili y N. Ignatov, se pueden encontrar ejemplos similares en teatros de otros países: en Polonia, en la República Checa, en Alemania, en Italia.

El vestuario, como la vestimenta del personaje, siendo, muchas veces, la base para componer los tipos de vestuario comentados anteriormente (personaje y juego), en todas las épocas del desarrollo histórico del teatro, en mayor o menor medida, existe una encarnación en el escenario de lo que la gente usaba en un período determinado. Así fue en la tragedia antigua, y así sigue siendo en las representaciones de nuestros días. Al mismo tiempo, la evolución general de este tipo de indumentaria se caracterizó por pasar de las formas convencionales de la indumentaria real (en la época del barroco y el clasicismo) a su cada vez mayor fiabilidad, precisión y autenticidad histórica, geográfica, nacional. En el teatro del naturalismo y del realismo psicológico, el vestuario se adecua plenamente al carácter del personaje, expresa no solo su estatus social, sino también su estado de ánimo. Al mismo tiempo, tanto hoy como en siglos pasados, el traje sigue siendo objeto de una creatividad especial de los artistas (entre los que se encuentran los más destacados maestros de las bellas artes y la escenografía) y lo componen (incluso los trajes aparentemente cotidianos, por no decir mencionar fantástico), no sólo como una obra separada, sino como un componente esencial de la actuación.

TRAJE DE TEATRO, elemento de rendimiento. En la historia del teatro se conocen tres tipos principales de vestuario teatral: personaje, obra de teatro y vestimenta del personaje. Estos tres tipos principales de vestuario existen en todas las etapas de las artes escénicas, desde el preteatro ritual y folclórico hasta la práctica artística moderna.

Un disfraz de personaje es una especie de composición figurativo-plástica sobre la figura del performer, puesta en movimiento por él y sonorizada (pronunciando el texto o cantando), ocultando en ocasiones su figura por completo, de forma similar a como la máscara le cubría el rostro. Ejemplos de vestuario de personajes en rituales y ceremonias de diferentes países del mundo. La silueta en forma de campana del traje indio era una paráfrasis del templo-tienda-torre de Nagar Shakhara y la montaña sagrada Menu (el centro y eje del mundo en la mitología hindú). Chino: con su forma, diseño, ornamentación y color expresa el antiguo simbolismo cosmológico de la alternancia natural de la Luz y la Oscuridad, la fusión del Cielo y la Tierra en el acto de crear el mundo. El traje de chamán de los pueblos del norte encarna las imágenes de un pájaro fantástico asociado con el "mundo superior" y un animal (un habitante del "mundo inferior"). El sur de Rusia es una especie de modelo del Universo. En las representaciones tradicionales de la Ópera de Pekín, el traje era la imagen de un dragón formidable, en el teatro japonés "No", los motivos de la naturaleza, y en la era barroca del siglo XVII. - Feria o Mundo. Si para las representaciones rituales y folclóricas, los disfraces de personajes (como todos los demás elementos de la escenografía) fueron el fruto del trabajo de maestros folclóricos anónimos, entonces en el siglo XX, desde sus inicios, los artistas comenzaron a componerlos: I. Bilibin - en la ópera el gallo de oro N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - en Bure W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - en Zar Maximiliano, P. Filonov - en tragedia vladimir mayakovski, finalmente, K.Malevich - en el proyecto victoria sobre el sol(las tres producciones en 1913). Y luego, a fines de la década de 1910, la primera mitad de la década de 1920. toda una serie de disfraces de personajes fueron creados por los futuristas italianos E. Prampolini, F. Depero y otros, O. Schlemmer de la Bauhaus alemana, y en el ballet, por P. Picasso, que mostró a los grotescos Gerentes en Desfile E. Satie y F. Leger - Deidades negras en creación del mundo D. Millau. Finalmente, la "arquitectura" de vestuario cubista de A. Vesnin adquirió un significado de carácter en las actuaciones de A. Tairov - en Anunciación, sus composiciones suprematistas sobre las figuras de los héroes Fedra. Sobre el otras escenas: los "trajes de concha" de Y. Annenkov en la obra Gas G. Kaiser y A. Petritsky - en Viy, así como fantásticos collages como vestuario de personajes para la actuación. auditor, que fueron creados por los estudiantes de P. Filonov (N. Evgrafov, A. Landsberg y A. Sashin) sobre el tema de sellos, escudos de armas, sellos, sobres, etc. - el carácter del administrador de correos, recetas, firmas, jeringas, clysters, termómetros - el personaje del Doctor, botellas, embutidos, jamones, sandías, etc. - el carácter del Hombre-Taberna. En la segunda mitad del siglo XX M. Kitaev y S. Stavtseva crearon disfraces como personajes visuales independientes, que se muestran por separado de los actores, como un elemento de la escenografía, y como varios tipos de composiciones en las figuras de los actores: K. Shimanovskaya, D. Mataitene, Yu Járikov.

Un traje de juego es un medio para transformar la apariencia de un actor y uno de los elementos de su juego. En las representaciones rituales y folclóricas, la transformación tenía con mayor frecuencia un carácter grotesco-paródico, cuando los hombres se vestían de mujeres, las mujeres de hombres, los jóvenes de viejos, las bellezas de brujas o cuando se representaban varios animales. Al mismo tiempo, se usó todo lo que estaba a mano: un zhupan, un abrigo de piel de oveja, una carcasa, una piel de oveja, siempre al revés, más divertida y divertida, así como cualquier otra ropa "invertida", de alguna manera ridícula, por ejemplo, pantalones demasiado cortos, camisa excesivamente ancha, medias con agujeros, toda clase de andrajos, trapos, trapos, costales, cuerdas; también se aprovechaba todo lo que la naturaleza daba: hierba, flores, paja, hojas. Por último, también se utilizaron diversos adornos artificiales para vestir: papel de colores, corteza de abedul, papel de aluminio, vidrio, cintas, espejos, cascabeles, plumas, etc. Las técnicas de enmascaramiento grotesco pasaron tanto a las representaciones de comedias griegas antiguas como al teatro tradicional de Oriente, donde se combinaron con el variado juego del actor con elementos de su vestuario: mangas largas y plumas de faisán - en la Ópera de Pekín, trenes , toallas y abanicos - en el japonés "Pero". Las representaciones de la commedia dell'arte italiana, las obras de Shakespeare y Lope de Vega se construyeron sobre un sinfín de disfraces y disfraces. A finales del siglo XVIII Emma Hart (Lady Hamilton) construyó su famoso baile sobre el juego con un mantón, después de lo cual técnicas similares (manipulación de bufandas, colchas, velos y otros elementos similares del traje) fueron ampliamente utilizadas en el teatro de ballet del siglo XIX, alcanzando su mayor altura artística en el trabajo de L .Bakst, cuyos bocetos de imágenes coreográficas incluyeron la dinámica de varias telas voladoras, cinturones, bufandas, faldas, bufandas, impermeables, capas, colgantes, ligas. En el escenario dramático, se continuó la tradición del traje, que acompaña los movimientos del actor, mediante una expresividad cubo-futurista - A. Exter en las representaciones del Teatro de Cámara Salomé O. Wilde y Romeo y julieta W. Shakespeare, seguido por su alumno P. Chelishchev y otros maestros de principios de la década de 1920: V. Khodasevich e I. Nivinsky, I. Rabinovich y G. Yakulov, S. Eisenstein y G. Kozintsev, finalmente de nuevo en el escenario del ballet, en las producciones de K. Goleizovsky - B. Erdman. Si en este período el vestuario teatral constituyó toda una corriente en la escenografía, será en la segunda mitad del siglo XX. también fueron utilizados por artistas y directores bastante ampliamente, pero por necesidad, como un elemento de la "paleta" de medios de expresión disponibles para ellos. Entre los autores de trajes de teatro modernos se encuentran los artistas georgianos Sameuli, G. Aleksi-Meskhishvili y N. Ignatov, se pueden encontrar ejemplos similares en teatros de otros países: en Polonia, en la República Checa, en Alemania, en Italia.

El vestuario, como la vestimenta del personaje, siendo, muchas veces, la base para componer los tipos de vestuario comentados anteriormente (personaje y juego), en todas las épocas del desarrollo histórico del teatro, en mayor o menor medida, existe una encarnación en el escenario de lo que la gente usaba en un período determinado. Así fue en la tragedia antigua, y así sigue siendo en las representaciones de nuestros días. Al mismo tiempo, la evolución general de este tipo de indumentaria se caracterizó por pasar de las formas convencionales de la indumentaria real (en la época del barroco y el clasicismo) a su cada vez mayor fiabilidad, precisión y autenticidad histórica, geográfica, nacional. En el teatro del naturalismo y del realismo psicológico, el vestuario se adecua plenamente al carácter del personaje, expresa no solo su estatus social, sino también su estado de ánimo. Al mismo tiempo, tanto hoy como en siglos pasados, el traje sigue siendo objeto de una creatividad especial de los artistas (entre los que se encuentran los más destacados maestros de las bellas artes y la escenografía) y lo componen (incluso los trajes aparentemente cotidianos, por no decir mencionar fantástico), no sólo como una obra separada, sino como un componente esencial de la actuación.

La danza, el teatro y diversos espectáculos han entrado firmemente en la vida de cada persona. El público, al estar en la actuación, evalúa no solo el juego de los actores, sino también su imagen. El traje de escenario ayuda a revelarlo más ampliamente.

Ámbito de uso y tareas principales

El disfraz se puede adaptar tanto para actuaciones individuales como grupales. Puedes verlo en los siguientes puntos:

• Teatro.
• Baile.
• Promociones y desfiles de disfraces.
• Espectáculo de tiras.
• Competiciones deportivas. Gimnasia rítmica y patinaje artístico.

El vestuario escénico juega un papel importante y ayuda a completar la imagen. Resuelve las siguientes tareas:

1. Con él, puedes revelar más ampliamente al personaje.
2. Cambia la figura y apariencia del personaje dependiendo de la situación requerida.
3. Ayuda a crear el tiempo necesario, la era, su estilo y lugar de acción.
4. Es una parte importante para expresar el mundo interior en una película o actuación.
5. Puede convertirse en un símbolo de toda una era.

Echemos un vistazo más de cerca al vestuario teatral, sin el cual no se puede hacer una sola actuación. Las representaciones, así como las películas, han ganado firmemente su lugar en la vida cultural moderna.

traje de teatro

Un traje de escenario no es solo ropa, sino también maquillaje, zapatos, accesorios, cabello. Solo juntos se complementan y revelan más completamente la imagen. En las representaciones, el disfraz transmite el estado interno, ayuda a comprender lo que el héroe acaba de hacer o está a punto de hacer.

Incluso antes del comienzo de la actuación o el rodaje de la película, el artista crea bocetos. Se forman en función de la idea, la intención del director, el estilo de producción y el carácter del personaje. Posteriormente, los bocetos ayudarán al actor a transmitir con mayor claridad los matices más pequeños del héroe: su forma de caminar, su forma de vestir, las expresiones faciales e incluso la posición de la cabeza.

Un traje de escenario seleccionado incorrectamente no cumple con su deber directo y también crea muchos inconvenientes. Está desgarrado, se aferra al escenario circundante, hace que el actor se distraiga del juego y no le permite entrar completamente en el papel.

Además, gracias al disfraz, el espectador determina instantáneamente el estatus social del héroe. Reconoce inequívocamente a un noble rico, a un simple trabajador, a un militar oa un maestro.

Confección de vestuario escénico

Además del arte teatral, la ropa en los espectáculos de danza es muy popular. Debido a la amplia distribución y demanda, ha surgido una gran competencia. De hecho, para ganarse a la audiencia, no basta con ofrecer un simple baile, es necesario montar un verdadero espectáculo. Por lo tanto, los trajes de escenario, que crean imágenes asombrosas y sorprendentes, juegan un papel tan importante.

Hay muchos tipos diferentes de baile, así como estilos. Para ellos, se crean proyectos que ayudan a revelar el mundo y el carácter individual.

1. Danza moderna. El vestuario se caracteriza por un estilo urbano con presencia de subculturas. Es muy similar a la ropa deportiva en que requiere libertad de movimiento, pero puede cambiar bajo la influencia de otras tendencias musicales.
2. Baile de salón. La belleza prevalece aquí. Un hermoso vestido de fiesta es un comienzo exitoso para una pareja de baile. Debe ser elegante y elegante. El traje de escenario está decorado con pedrería, flecos o plumas.
3. Al coser un disfraz de este tipo, prevalece el atuendo del campamento. Se utilizan telas brillantes para ayudar a visualizar varios vagones y tiendas de campaña.
4. Baile latino. Un requisito previo para confeccionar un atuendo de este tipo es un corte que le permita dar holgura a los movimientos. A menudo, se utilizan incisiones en toda la longitud de la pierna.
5. Este es un brillante representante de la cultura rusa, en el que hay una combinación de muchos tipos de bellas artes. El traje folklórico masculino está representado por una camisa nacional, un pantalón de lino o teñido y un caftán. El femenino se compone de camiseta con bordado en el pecho y manga larga, delantal, pechera y vestido de verano. Cada parte tiene su propia versión del adorno. El tocado está representado por un gorro cerrado, una venda o un aro. Todo esto se complementa con una variedad de kokoshniks, diademas y coronas.

Vestuario teatral infantil

Si un niño se dedica a bailar, entonces necesita ropa que sea cómoda y que no restrinja sus movimientos. Utilizando vestuario escénico, siente su propia peculiaridad, importancia, y también sintoniza con el máximo trabajo y disciplina.

Las niñas necesitan una falda o vestido especial, zapatos especiales, así como medias o calcetines. Todo depende del tipo de baile en el que participe el niño. Los niños deben tener pantalón, cinturón y camisa (por ejemplo, para bailes de salón).

Desafortunadamente, estos disfraces son caros y se fabrican por encargo utilizando materiales con adiciones decorativas. Será más fácil pedir un disfraz de escenario para un niño. No hay requisitos estrictos para él, y solo debe resaltar el vestido de la niña.

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• 2. Traje de teatro antiguo 5
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1. ¿Qué es un traje teatral?

El teatro es un tipo de arte que no puede existir sin una audiencia, por lo que todo en él está diseñado para un efecto externo. El vestuario teatral (junto con los bigotes y las barbas postizas, las pelucas, los cosméticos, las máscaras) forma parte del maquillaje teatral. El maquillaje (del francés "grimer" - "pintar la cara") es el arte de cambiar la apariencia de un actor para un papel determinado y los medios necesarios para ello.

El teatro (y con él el maquillaje) nació en lo más profundo del rito mágico sincrético de la antigüedad. La gente vio en él un poder curativo que limpia el cuerpo de diversas pasiones.

Todos los pueblos del mundo desde la antigüedad tienen fiestas asociadas a los ciclos anuales de muerte y renacimiento de la naturaleza. Estas vacaciones dieron vida al teatro.

Los antiguos griegos amaban y veneraban al joven dios Dioniso. La deidad suprema - Zeus - honraron solo una vez cada cuatro años (Juegos Olímpicos); Athena - una vez cada dos años; Apolo: una vez cada dos años; pero Dioniso tres veces al año. Esto es comprensible: Dionisio era el dios de la elaboración del vino.En marzo, la gente de todas las ciudades griegas vino a Atenas a la Gran Dionisio. Durante la semana, hicieron tratos, alianzas políticas y simplemente se divirtieron.

La fiesta comenzó con la importación de un Dionisio de madera en un barco sobre ruedas. Este barco estaba acompañado por un coro de sátiros-timitores. Por lo tanto, la aparición de esta deidad siempre se ha asociado con disfraces y disfraces de carnaval.

El clímax de las vacaciones llegó el tercer día. En este día, los animales machos fueron sacrificados a Dioniso, ya que él, habiendo nacido del muslo de Zeus, estaba asociado con un principio puramente masculino. Las víctimas pueden ser gallos, toros, pero con mayor frecuencia cabras. Cuando mataron a tal "chivo expiatorio", cantaron una triste "canción de cabra", una tragedia. Luego, la canasta con los intestinos y el falo de la cabra se llevó al campo para fertilizar la tierra, embriagándose gradualmente con el vino dedicado a Dionisio. Al regresar a casa, los portadores de la canasta regañaron a alguien (por ejemplo, a un político local). Al entrar en la ciudad, colgaron un komos (tripas de cabra) cerca de la casa del hombre. Esta acción, esta multitud y esas canciones alegres. que cantaba se llamaban komos ("juerguistas"). De ahí viene la comedia. Es cierto que hay otras versiones del surgimiento del teatro.

En cuanto a los atuendos de los participantes en la festividad, se sabe que eran pieles de animales (para mayor parecido con los sátiros con patas de chivo). Posteriormente, gracias al concurso de poetas sobre el escenario, las canciones trágicas y cómicas se convirtieron en géneros teatrales independientes.

2. Traje de teatro antiguo

El año oficial de nacimiento del teatro antiguo es el 534 a. e .. cuando la tragedia de Thespides se representó por primera vez en la Gran Dionisia.

Para esa época, el vestuario teatral ya era muy diferente al cotidiano. El artista, que al principio era solo uno, subió al escenario con un vestido magnífico y brillante. En su rostro había una máscara conectada a una peluca y equipada con un resonador de voz de metal ubicado en la boca. La máscara tenía agujeros para los ojos. El actor se puso los zapatos en koturny en una plataforma alta. Todo esto se calculó para la lejanía del espectador, pues el teatro al aire libre griego podía albergar hasta 17.000 personas. Un vestido brillante, una máscara grande, zapatos altos permitieron ver mejor al artista. El resonador amplificaba el sonido (aunque la acústica en los teatros antiguos era tal que una palabra susurrada en el centro del escenario llegaba hasta las últimas filas).

Había hasta setenta tipos diferentes de máscaras. Eran también necesarios porque entonces todos los papeles eran desempeñados por hombres. El actor cambió la máscara en el transcurso de la acción, cuando interpretó un nuevo papel y cuando le mostró al espectador un cambio en el estado de ánimo de su personaje. Las máscaras transmitían una expresión típica de alegría, tristeza, estafa, etc. Se fabricaban en madera o yeso y luego se pintaban.

El simbolismo del color jugó un papel importante. Los gobernantes vestían túnicas de púrpura; sus mujeres eran blancas; los exiliados son negros o azules; los jóvenes son rojos; las mujeres ordinarias son amarillas; los captadores son abigarrados.

Los disfraces iban acompañados de atributos permanentes para que el público reconociera más fácilmente al personaje. El soberano tenía un cetro, el vagabundo tenía un bastón, Dionisio tenía una rama florida de felpa (tirso), Apolo tenía un arco y flechas, Zeus tenía relámpagos, etc.

Gracias a la ropa larga y los zapatos altos, los actores trágicos se veían monumentales y se movían sin problemas. Los comediantes preferían atuendos más cortos y ajustados. Representando sátiros y silenos colgados de la parte posterior de una cola de caballo, se pusieron una máscara de animal (o cuernos), y esto agotó su maquillaje. Esa ropa les permitía saltar libremente por el escenario. En Roma, los géneros ligeros eran más queridos y las tragedias preferían la comedia. Allí, la pantomima entró en escena. Las actuaciones de circo eran muy populares. Los espectadores perciben más fácilmente phlyaks (del griego "phlyax" - "broma") - parodias de tragedias y comedias; memes: pequeñas escenas sobre temas cotidianos; atellani - improvisaciones divertidas.

El disfraz se ha vuelto más cercano a los atuendos cotidianos. Es cierto que el simbolismo del color aún se conservó. Ya no había máscaras en los mimos, y el público podía observar las expresiones faciales de los actores. En estas actuaciones no solo actuaban hombres, sino también mujeres, lo que aumentaba el momento erótico y creaba pretextos para el striptease público.

El vestuario teatral grecorromano continuó influyendo en el vestuario escénico en épocas posteriores.

3. Traje teatral de la Edad Media europea

En la Edad Media, la gente no olvidó el entretenimiento de la antigüedad, y casi todas las fiestas cristianas iban acompañadas de una actuación de payaso al revés: la corona, el bufón, la gorra, el rey.

Los histriones vagan por Europa (del latín "histrio" - "actor"), que en Francia se llaman malabaristas, en Inglaterra - juglares. en Alemania - shpilmans, y en Rusia - bufones. Son un teatro de un solo actor, porque saben actuar, cantar. caminar sobre la cuerda floja, hacer malabares. El vestuario de estas personas era conveniente para las acrobacias: leotardos, zapatos suaves, una túnica corta ceñida, vagabundos viajaban junto a los histriones - "vagabundos": escolares a medio educar, seminaristas, sacerdotes-rasstrigi. Las fronteras como tales aún no existían, y los idiomas no se alejaban demasiado de una base única, lo que hacía posible que se entendieran en todas partes. La vestimenta de los vagabundos no difería del traje cotidiano de una persona medieval.

Los vagabundos realizaron actuaciones divertidas: comu, en las que la iglesia fue ridiculizada en la imagen de la Madre Loca, por lo que los representantes de la religión oficial persiguieron a los artistas.

Sin embargo, la iglesia también necesitaba aumentar el espectáculo de sus "representaciones", por lo que surge un drama litúrgico justo en el interior del templo. Episodios de la Biblia fueron representados por los mismos sacerdotes en sus uniformes. Pero cuanto más aumentaba el momento de juego en estas producciones, más "indecentes" se volvían dentro de los muros de la iglesia. Por lo tanto, la actuación se trasladó primero al porche y luego a la plaza. Apareció un nuevo género: el milagro ("milagro"), que representa los eventos milagrosos asociados con la Virgen María y Jesús. Sobre la base del milagro, aparece un misterio ("misterio"): una acción teatral, remotamente conectada con la historia bíblica.

Los personajes de los misterios podrían ser no solo la Virgen María, Jesús y los profetas bíblicos, sino también los diablos, el diablo y los justos de la ciudad. Por lo tanto, el disfraz se volvió más diverso. Cristo, los apóstoles, los profetas actuaron con las vestiduras del clero. Y los propios intérpretes de estos roles podían ser sacerdotes o monjes (esto no estaba prohibido). Comerciantes, artesanos y otros héroes tenían las ropas de los habitantes de la ciudad de su tiempo. Personajes fantásticos ataviados con un complejo traje con atributos indispensables como cuernos, colas y pieles de lobo o carnero para los diablos. Las enfermedades personificadas (Peste, Viruela), los pecados (Glotonería, Adulación), las virtudes (Veracidad, Esperanza) podían tener máscaras.

Sin embargo, a menudo no se hicieron disfraces especiales (así como escenarios). Las inscripciones "Paraíso", "Infierno", "Dios Padre", etc. fueron suficientes.

La luz era la categoría principal de la estética medieval, por lo que los personajes divinos más importantes vestían ropas blancas y brillantes, y los hijos del diablo vestían de negro. Vera estaba vestida con un vestido blanco. La esperanza es verde. El amor está en rojo.

Como en el antiguo traje teatral, los héroes tenían atributos constantes: la fe tenía una cruz, la esperanza un ancla, el amor un corazón o una rosa, la avaricia una cartera, el placer una naranja, la adulación una cola de zorro.

Con el tiempo, el vestuario teatral se volvió cada vez más como uno doméstico ordinario, y el doméstico se volvió más teatral.

4 Vestuario teatral de los países del Sudeste Asiático

El sincretismo de la cultura primitiva (la inseparabilidad de varios tipos de actividad cultural) se manifestó en ciudades mágicas, donde las danzas, la música, la pintura, las representaciones teatrales, etc. convivieron en las profundidades de la mitología. mi. el baile y la pantomima formaban parte del culto a los dioses en la antigua India. Las epopeyas "Mahab-harap" y "Ramayana", que aparecieron en el primer milenio antes de Cristo. e., formó la base del teatro clásico de la India y de aquellos países donde existe el hinduismo, ya que estas epopeyas son los libros sagrados de esta religión. En diversas formas (teatro real, teatro de marionetas, teatro de sombras, ballet) todavía existen producciones de episodios del Mahabharata y el Ramayana. Y ahora usan disfraces, máscaras o maquillajes muy vistosos y caros. No hay escenografía, todo transcurre en el seno de una naturaleza majestuosa.

En China, el teatro también se desarrolló a partir de elementos de danza y acrobacias que formaban parte de los ritos sagrados. En los siglos VII-X se difunden las danzas sobre temas históricos y heroicos intercalados con pequeños interludios teatrales. Por primera vez, aparecieron trajes teatrales especiales.

En los siglos XIII-XIV, el teatro chino alcanzó su apogeo en forma de zaju. Esta actuación mixta incluyó música, canto, danza y acrobacias.

No había escenografía, por lo que el juego de los actores y su apariencia eran de particular importancia. Todos los roles fueron interpretados por hombres. Las escenas más patéticas se desarrollaron a cámara lenta.

Todos los movimientos fueron estrictamente canonizados. Los propios actores hablaron de sí mismos como héroes, determinaron el tiempo y el lugar de la acción.

En los siglos siguientes, el zaju no murió, sino que se transformó en diferentes formas. Como antes, hay pocos elementos de utilería en el escenario, y lo que hay se usa polifuncionalmente: la mesa es a la vez una montaña, un altar y una plataforma de observación; las banderas negras simbolizan el viento, las banderas rojas el fuego, etc. El simbolismo del color se usa en el maquillaje y el vestuario: el rojo es coraje, el blanco es mezquindad, el amarillo es el color del emperador.

En Japón también se han desarrollado varios tipos de representaciones teatrales que han sobrevivido hasta nuestros días. Kan'ami Kpetsugu y su hijo Zeami a finales de los siglos XIV y XV crearon el teatro Noh a partir de números dispares de canciones y bailes. Ellos mismos eran actores, directores de escena, autores y compositores (y Zeami también era un teórico del No teatro). Su trabajo llegó en un momento en que la forma de vida de los japoneses era notablemente teatral: los gobernantes eran personas de baja cuna y, como todos los neófitos, se adhirieron especialmente al ritual. El afán de espectáculo dio lugar a multitudinarias ceremonias del té o celebraciones de admiración de los cerezos en flor (lo que de por sí es absurdo, porque esto es algo muy personal para los japoneses). Las representaciones de teatro Noh se han convertido en una parte obligada de las ceremonias y recepciones. A menudo, muchas horas (e incluso muchos días) de actuaciones sobre temas históricos y heroicos comenzaron a cambiar el curso de los hechos reales (por ejemplo, el curso de unas vacaciones). Los gobernantes se acostumbraron a las imágenes de los héroes del escenario. Y el shogun (dictador militar) Toyotomi Hideyoshi pasó de ser un gran admirador del teatro No a su actor y en 1593, durante una representación de tres días en honor al nacimiento de su hijo, se destacó en diez obras. Se jugó a sí mismo.

El teatro Noh tiene los rasgos característicos que ya se han mencionado: la ausencia de escenografía, la lentitud de los movimientos en lugares importantes de la representación, los actores masculinos. Las escenas se desarrollaban ante la imagen de un pino sobre un fondo dorado. La imagen de un pino se remontaba a los símbolos mágicos agrarios más antiguos, y el oro personificaba al sol ya la diosa Amaterasu. Además, dicho fondo simbolizaba una fusión con la naturaleza, especialmente porque las acciones podían ir más allá del escenario y fusionarse con la atmósfera real de una recepción o fiesta.

Traje de actor hasta el siglo XVII. no difería del traje doméstico de la nobleza (más tarde comenzó a fabricarse según grabados y muestras de los siglos XIV-XV). Había una tradición: dar a los actores vestidos caros (especialmente se extendió durante la época del gobernante del teatro Toyotomi Hideyoshi). Como resultado, el teatro Noh también se convirtió en un museo de vestimenta lujosa. Ahora, el atuendo más antiguo que se conserva en el teatro es el traje de shogun del siglo XV.

En 1615, el gobernante de Ieyasa Totkugawa emitió un código que regulaba los colores y la calidad de las telas. La prohibición de materiales caros también afectó al teatro Noh. Los directores comenzaron a buscar una expresión figurativa diferente, ya no por costosos atuendos. La tela del traje se convirtió en un libro simbólico que podía llenarse de información. Ahora el estilizado vestuario canónico del teatro No revela una imagen característica. Todo en él es simbólico, desde el corte hasta el bordado.

El color juega un papel importante. El blanco significa nobleza, el rojo pertenece a los dioses y las bellezas, el azul pálido se asocia con el aplomo, el marrón significa baja cuna.

Los hombres juegan en el teatro Noh, por lo que las máscaras y los abanicos son importantes. El tamaño, la coloración, el patrón y el movimiento del abanico caracterizan al personaje. Las máscaras son sencillas pero muy elegantes. Están hechos de ciprés, imprimados y lijados. La máscara se usa sobre la peluca y se sujeta con lazos. El más mínimo cambio de iluminación o ángulo le da una nueva expresión. Hay máscaras de diferentes géneros, edades, personajes e incluso criaturas fantásticas.

5. Traje teatral de Europa del siglo XVI. hasta los tiempos modernos

Durante el Renacimiento, comenzaron a aparecer en Europa las primeras compañías permanentes que trabajaban de forma profesional. Vagan o están clavados en un lugar. A la gente le gusta más reír que llorar, por lo que los actores montan luces, producciones cómicas, farsas y parodias. Los comediantes errantes continuaron con las tradiciones medievales y (como toda la cultura del Renacimiento) recurrieron a la herencia antigua. En primer lugar, tales compañías surgieron en Italia. Fue allí donde apareció el teatro commedia dell "arte", es decir, la "comedia de las máscaras".

En la commedia dell'arte había un escenario: una calle de la ciudad. No había una trama permanente: el jefe de la compañía (kapokomiko) la pedía y los actores improvisaban, como en los antiguos atellani. Aquellas artimañas y comentarios que provocaron la aprobación del público se repitieron y consolidaron. La acción giraba en torno al amor de los jóvenes, que era obstaculizado por los viejos y ayudado por los sirvientes.

El papel más importante en la comedia lo jugó la máscara. Una máscara negra podría cubrir toda la cara o parte de ella. A veces era una nariz pegada o unas gafas estúpidas. Lo principal es crear una cara típica, apuntando a una caricatura.

Había dos requisitos para el disfraz: conveniencia y comicidad. Por lo tanto, por un lado, se parecía a la ropa de los histriones medievales y, por otro lado, se complementaba con detalles divertidos característicos.

Por ejemplo, Pantalone, un comerciante avaro, siempre estaba con su billetera. Su vestimenta se asemejaba a la de los comerciantes venecianos: chaqueta atada con una faja, pantalón corto, medias, manto y gorra redonda. Pero un día la artista subió al escenario con unos amplios pantalones rojos, al público le gustó este característico detalle. Como resultado, Pantalone y sus pantalones se fusionaron tanto en la mente de las personas que con el tiempo, el nombre común de pantalones para ropa interior femenina se formó a partir de un nombre personal.

El médico, otro héroe de la commedia dell'arte, presentó una parodia de un científico y salió con una bata académica negra con cuello y puños de encaje. En sus manos siempre había rollos de papel sobre su cabeza: un sombrero ancho.

El capitán, un militar aventurero, vestía coraza, bombachos, botas altas hasta la rodilla con enormes espuelas, capa corta y sombrero con plumas. Su atributo permanente era una espada de madera, que sin duda se atascaría en la vaina cuando fuera necesario.

Los personajes más numerosos y variados eran los sirvientes (zanni), porque eran ellos quienes actuaban como "motores del progreso" en un conflicto amoroso. Pulcinella tenía una enorme nariz ganchuda; Harlequin tiene tantos parches que con el tiempo se diseñaron en un patrón de tablero de ajedrez, Pierrot tiene una amplia camisa blanca con cuello cortado y pantalones largos; Brighella tiene una blusa blanca ancha y pantalones a juego.

Este teatro popular, gracias a sus tramas ligeras, fue mucho más popular que los teatros de Shakespeare o Lope de Vega, que primaban más no el espectáculo, sino la profundidad de los contenidos. Para las obras de Lope de Pega, por ejemplo, incluso apareció el nombre de "comedias de capa y espada", porque los artistas realmente las interpretaban solo con trajes cotidianos modernos para el autor.

Paralelamente a las comparsas errantes, existían también teatros cortesanos, cuyos trajes se contaban por centenares y se distinguían por su elevado coste. Se mostraron por separado de la representación de la obra.

En los siglos XVII-XVIII, el desarrollo del vestuario teatral decayó. La palabra cobra protagonismo, los diálogos absorben toda la atención del público. En el escenario se utiliza un traje de casa, desprovisto de historicismo. Este es el traje de moda habitual de la época. Cierto, en la obra no verás a un sirviente harapiento ni a una pastora mal vestida. El traje se ennoblece. Esto es una consecuencia de la teatralización de la vida. El teatro está tan profundamente arraigado en la vida cotidiana que se borra el límite "teatral - cotidiano" del vestuario. Cabe señalar que en los siglos XVII-XVIII, el vestuario teatral suele determinar la moda (lo que ya se ha mencionado en capítulos anteriores). Los actores vestían mejor y más extravagantemente que otros. En el siglo 17 para Monsieur a la fashion, se dispusieron asientos especiales para el público en el escenario, donde no solo vieron la actuación, sino que discutieron sobre los artistas y sus disfraces.

En los siglos XVII-XVIII florecieron géneros sintéticos: ópera, ballet, circo (aunque ya se conocían antes). Estos géneros incluyen acción dramática, acrobacias, música, canto y maquillaje brillante y memorable. Los géneros sintéticos absorben elementos de la vida cotidiana. Por ejemplo, el baile de salón cancán (cancán francés) con un movimiento alto característico de las piernas surgió alrededor de los años 70 del siglo XVIII. Poco a poco, se convierte en una parte integral de la opereta, un género de comedia musical y de baile.

En el siglo XIX se reavivó el interés por la historia en todos los ámbitos de la cultura. Gracias a los hallazgos arqueológicos y literarios, fue posible conocer más sobre los trajes de la antigüedad, por lo que, en las obras históricas, por primera vez, se intenta reproducir los trajes originales del pasado.

El desarrollo del realismo crítico como método de arte y forma de percibir el mundo lleva al hecho de que en el escenario ya no verás campesinas con batas y sirvientas almidonadas. Dichos accesorios aparecen en el teatro, que antes no se mencionaban en voz alta en la sociedad educada. La búsqueda de nuevas formas de expresión conduce al maquillaje naturalista. Esto es lo que escribe V. A. Gilyarovsky en sus ensayos sobre Moscú y los moscovitas:

"En 1879, un niño en Penza con el peluquero de teatro Shishkov era estudiante, el pequeño Mitya. Era el favorito del empresario de Penza V.P. Dalmatov, quien solo le permitía tocar su cabello y le enseñó a maquillarse. Escenificó "Notas de un loco " y ordenó a Mitya que preparara una peluca calva, quien trajo una vejiga de toro mojada a la actuación y comenzó a poner el cabello bien peinado de Dalmatov... Al grito del actor, los actores corrieron hacia el camerino.

- Eres un gran artista, Vasily Panteleymonovich, ¡pero déjame ser un artista de mi propio negocio! - levantando la cabeza hacia el alto V.P. Dalmatov, el niño se justificó. - ¡Pruébalo!

V.P. Dalmatov finalmente estuvo de acuerdo, y en unos minutos se colocó la burbuja, engrasada en algunos lugares, y los ojos de B.P. Dalmatov brillaron de placer: un cráneo completamente desnudo con sus ojos negros y un maquillaje expresivo causó una fuerte impresión.

A la vuelta de los siglos XIX y XX, la tendencia del modernismo da lugar a nuevas formas de vestuario teatral. Los atuendos se estilizan, convirtiéndose en símbolos. Los europeos descubrieron los teatros de Oriente, lo que se reflejó en el vestuario escénico.

En los primeros años posteriores a la Revolución de Octubre, el traje teatral desapareció por completo, fue reemplazado por "monos", ya que los actores son "trabajadores del trabajo teatral".

Poco a poco, todo volvió a la normalidad y el vestuario teatral volvió al escenario nuevamente. Además, en el siglo XX. había un espectáculo tan nuevo como el teatro de la moda. Los espectáculos modelo se han convertido en espectáculos de drama musical. Así que el vestuario doméstico finalmente se "casó" abiertamente con el teatro.

Lista de literatura usada

2. Gelderod M. de. Teatro: Sáb.: Per. de fr. / Post-último. L. Andreva, pág. 653-694

3. Comente. S.Shkunaeva; Artístico N. Alekseev. -M.: Arte, 2003. -717 p.

4. De Filippo E. Teatro: Obras: Per. con eso. /Luego. L. Vershinina, pág. 759-775; Artístico N. Alekseev. -M.: Arte, 2007. -775 p.

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