Las pinturas más inusuales de artistas famosos: foto y descripción. Las pinturas más absurdas vendidas por millones de dólares

Las bellas artes pueden dar una amplia gama de emociones. Algunas imágenes te hacen mirarlas durante horas, mientras que otras literalmente impactan, asombran y hacen estallar tu visión del mundo. Hay tales obras maestras que te hacen pensar y buscar un significado secreto. Algunas pinturas están envueltas en misterios místicos, mientras que en otras lo principal es su precio exorbitantemente alto.

Hay muchas pinturas extrañas en la historia de la pintura mundial. En nuestra calificación, deliberadamente no mencionaremos a Salvador Dalí, quien fue un maestro en este género y cuyo nombre viene primero a la mente. Y aunque el propio concepto de extrañeza es subjetivo, se pueden señalar aquellas obras conocidas que claramente se salen de lo común.

Edvard Munch "El Grito" La obra, de 91x73,5 cm, fue creada en 1893. Munch lo pintó al óleo, al pastel y al temple, hoy en día el cuadro se conserva en la Galería Nacional de Oslo. La creación del artista se ha convertido en un hito para el impresionismo, generalmente es una de las pinturas más famosas del mundo en la actualidad. El propio Munch contó la historia de su creación de esta manera: "Estaba caminando por el sendero con dos amigos. En este momento el sol se estaba poniendo. De repente, el cielo se puso rojo sangre, me detuve, sintiéndome exhausto, y me apoyé contra la cerca. Miré la sangre y las llamas sobre el "fiordo y la ciudad negros" azulados. Mis amigos continuaron y yo me quedé allí, temblando de emoción, sintiendo el grito interminable que atravesaba la naturaleza. Hay dos versiones de la interpretación del significado dibujado. Se puede considerar que el personaje representado está aterrorizado y grita en silencio, llevándose las manos a los oídos. Otra versión dice que el hombre se tapó los oídos por los gritos a su alrededor. En total, Munch creó hasta 4 versiones de "El Grito". Algunos expertos creen que esta imagen es una manifestación clásica de la psicosis maníaco-depresiva que padecía el artista. Cuando Munch fue tratado en la clínica, no volvió a este lienzo.

Paul Gauguin "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?". En el Museo de Bellas Artes de Boston se encuentra esta obra impresionista de 139,1 x 374,6 cm, pintada al óleo sobre lienzo en 1897-1898. Esta profunda obra fue escrita por Gauguin en Tahití, donde se retiró del ajetreo y el bullicio de la vida parisina. La imagen se volvió tan importante para el artista que al final incluso quiso suicidarse. Gauguin creía que ella era la mejor que había creado antes. El artista creía que ya no podía crear algo mejor o similar, simplemente no tenía nada más por lo que luchar. Gauguin vivió otros 5 años, demostrando la verdad de sus juicios. Él mismo dijo que su imagen principal debe verse de derecha a izquierda. En él hay tres grupos principales de figuras, que personifican las preguntas con las que se titula el lienzo. Tres mujeres con un hijo muestran el comienzo de la vida, en el medio las personas simbolizan la madurez, mientras que la vejez está representada por una anciana que espera su muerte. Parece que ella ha llegado a un acuerdo con esto y está pensando en algo propio. A sus pies hay un pájaro blanco, que simboliza el sinsentido de las palabras.

Pablo Picasso "Guernica" La creación de Picasso se conserva en el Museo Reina Sofía de Madrid. Un gran cuadro de 349 por 776 cm está pintado al óleo sobre lienzo. Este lienzo-fresco fue creado en 1937. La imagen habla de la incursión de pilotos voluntarios fascistas en la ciudad de Guernica. Como resultado de esos eventos, la ciudad con una población de 6 mil personas fue completamente borrada de la faz de la tierra. El artista creó esta imagen en solo un mes. En los primeros días, Picasso trabajaba de 10 a 12 horas, en sus primeros bocetos ya se veía la idea principal. Como resultado, la imagen se convirtió en una de las mejores ilustraciones de todos los horrores del fascismo, la crueldad y el dolor humano. En "Guernica" se puede considerar una escena de atrocidad, violencia, muerte, sufrimiento e impotencia. Aunque las razones de esto no se declaran explícitamente, están claras en la historia. Se dice que en 1940 Pablo Picasso fue incluso citado a la Gestapo en París. Inmediatamente le preguntaron: "¿Tú lo hiciste?". A lo que el artista respondió: “No, lo hiciste tú”.

Jan van Eyck "Retrato de los Arnolfinis". Este cuadro fue pintado en 1434 al óleo sobre madera. Las dimensiones de la obra maestra son 81,8x59,7 cm y se encuentra almacenada en la Galería Nacional de Londres. Presumiblemente, la pintura representa a Giovanni di Nicolao Arnolfini con su esposa. El trabajo es uno de los más difíciles en la escuela de pintura occidental durante el Renacimiento del Norte. Esta famosa pintura tiene una gran cantidad de símbolos, alegorías y varias pistas. Lo que es solo la firma del artista "Jan van Eyck estuvo aquí". Como resultado, la imagen no es solo una obra de arte, sino un documento histórico real. Después de todo, representa un evento real que capturó van Eyck. Esta imagen se ha vuelto muy popular recientemente en Rusia, porque el parecido de Arnolfini con Vladimir Putin se nota a simple vista.

Mikhail Vrubel "Demonio sentado". La Galería Tretyakov alberga esta obra maestra de Mikhail Vrubel, pintada al óleo en 1890. Las dimensiones del lienzo son 114x211 cm El demonio representado aquí es sorprendente. Aparece como un joven triste con cabello largo. Por lo general, la gente no imagina a los espíritus malignos de esta manera. El mismo Vrubel dijo sobre su lienzo más famoso que, a su entender, el demonio no es tanto un espíritu maligno como un sufrimiento. Al mismo tiempo, no se le puede negar autoridad y majestad. El demonio de Vrubel es una imagen, ante todo, del espíritu humano, reinando dentro de nosotros de constante lucha con nosotros mismos y dudas. Esta criatura, rodeada de flores, juntó trágicamente sus manos, sus enormes ojos miran con tristeza a lo lejos. Toda la composición expresa la constricción de la figura del demonio. Es como si estuviera intercalado en esta imagen entre la parte superior e inferior del marco.

Vasily Vereshchagin "La apoteosis de la guerra". El cuadro fue pintado en 1871, pero en él el autor parecía prever los horrores de las futuras guerras mundiales. El tamaño del lienzo 127x197 cm se almacena en la Galería Tretyakov. Vereshchagin es considerado uno de los mejores pintores de batallas de la pintura rusa. Sin embargo, no escribió guerras y batallas porque las amara. El artista trató de transmitir a la gente su actitud negativa hacia la guerra por medio de las bellas artes. Una vez, Vereshchagin incluso prometió no escribir más imágenes de batalla. Después de todo, el artista tomó el dolor de cada soldado herido y muerto demasiado cerca de su corazón. El resultado de una actitud tan sincera hacia este tema fue la "Apoteosis de la guerra". Una imagen terrible y fascinante muestra una montaña de cráneos humanos en un campo con cuervos alrededor. Vereshchagin creó un lienzo emocional, detrás de cada cráneo en una gran pila, se puede rastrear la historia y el destino de las personalidades y las personas cercanas a ellos. El propio artista llamó sarcásticamente a esta pintura una naturaleza muerta, porque representa la naturaleza muerta. Todos los detalles de la "Apoteosis de la Guerra" gritan sobre la muerte y el vacío, esto se puede ver incluso en el fondo amarillo de la tierra. Y el azul del cielo solo enfatiza la muerte. La idea de los horrores de la guerra se enfatiza con agujeros de bala y marcas de sable en los cráneos.

Grant Wood "Gótico americano". Esta pequeña pintura mide 74 por 62 cm, fue creada en 1930 y ahora se conserva en el Instituto de Arte de Chicago. La pintura es uno de los ejemplos más famosos del arte estadounidense del siglo pasado. Ya en nuestro tiempo, el nombre de "American Gothic" se menciona a menudo en los medios. La imagen muestra a un padre bastante sombrío y su hija. Numerosos detalles hablan de la severidad, el puritanismo y la rigidez de estas personas. Tienen rostros descontentos, aparecen horcas agresivas en el medio de la imagen y la ropa de la pareja es anticuada incluso para los estándares de esa época. Incluso la costura de la ropa del granjero sigue la forma de la horca, duplicando la amenaza para aquellos que invaden su forma de vida. Los detalles de la imagen se pueden estudiar sin cesar, sintiendo físicamente incomodidad. Curiosamente, en un momento dado en una competencia en el Instituto de Arte de Chicago, los jueces aceptaron la imagen como humorística. Pero la gente de Iowa ofendió al artista porque los puso en una perspectiva tan desagradable. El modelo de la mujer era la hermana de Wood, pero el dentista del pintor se convirtió en el prototipo del hombre enojado.

Los amantes de René Magritte. El cuadro fue pintado en 1928 al óleo sobre lienzo. En este caso, hay dos opciones. En uno de ellos, un hombre y una mujer se besan, solo sus cabezas están envueltas en una tela blanca. En otra versión de la pintura, los amantes miran al espectador. Dibuja y sorprende, y fascina. Las figuras sin rostro simbolizan la ceguera del amor. Se sabe que los amantes no ven a nadie alrededor, pero no podemos ver sus verdaderos sentimientos. Incluso el uno para el otro, estas personas, cegadas por los sentimientos, son en realidad un misterio. Y aunque el mensaje principal de la imagen parece claro, "Amantes" todavía te hace mirarlos y pensar en el amor. En Magritte, en general, casi todas las pinturas son rompecabezas, que son completamente imposibles de resolver. Después de todo, estos lienzos plantean las principales preguntas sobre el sentido de nuestra vida. En ellos, el artista habla de la naturaleza ilusoria de lo que vemos, que hay muchas cosas misteriosas a nuestro alrededor que tratamos de no notar.

Marc Chagall "Paseo". La pintura fue pintada al óleo sobre lienzo en 1917 y ahora se conserva en la Galería Estatal Tretyakov. En sus obras, Marc Chagall suele ser serio, pero aquí se permite mostrar sentimientos. La imagen expresa la felicidad personal del artista, está llena de amor y alegorías. Su "Paseo" es un autorretrato, donde Chagall representa a su esposa Bella a su lado. Su elegido se eleva en el cielo, ella está a punto de arrastrar al artista, que ya está casi en el aire, tocándolo solo con las puntas de sus zapatos. En la otra mano del hombre hay un paro. Podemos decir que así retrató Chagall su felicidad. Tiene una grulla en el cielo en forma de mujer amada, y un paro en sus manos, con lo que se refería a su trabajo.

Hieronymus Bosch "Jardín de las delicias". Este lienzo de 389x220 cm se conserva en el Museo Español del Pravo. Bosch pintó la pintura al óleo sobre madera entre 1500 y 1510. Este es el tríptico más famoso del Bosco, aunque el cuadro tiene tres partes, lleva el nombre de la central, dedicada a la voluptuosidad. El significado de la imagen extraña se debate constantemente, no existe tal interpretación que sea reconocida como la única verdadera. El interés por el tríptico aparece por los muchos pequeños detalles que expresan la idea principal. Hay figuras translúcidas, estructuras inusuales, monstruos, pesadillas y visiones que se han hecho realidad, y variaciones infernales de la realidad. El artista supo mirar todo esto con una mirada aguda y escrutadora, habiendo logrado combinar elementos disímiles en un solo lienzo. Algunos investigadores intentaron ver en la imagen un reflejo de la vida humana, que el autor mostró en vano. Otros encontraron imágenes de amor, alguno encontró el triunfo de la voluptuosidad. Sin embargo, es dudoso que el autor estuviera tratando de glorificar los placeres carnales. Después de todo, las figuras de las personas se representan con frío desapego e inocencia. Sí, y las autoridades de la iglesia reaccionaron bastante favorablemente a esta pintura de Bosch.

Gustav Klimt "Tres edades de la mujer" Esta pintura se encuentra en la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma. El lienzo cuadrado, de 180 cm de ancho, fue pintado al óleo sobre lienzo en 1905. Esta imagen expresa alegría y tristeza al mismo tiempo. El artista en tres figuras pudo mostrar toda la vida de una mujer. El primero, todavía un niño, es extremadamente despreocupado. Una mujer madura expresa paz, y la última edad simboliza desesperación. Al mismo tiempo, la edad media se teje orgánicamente en el adorno de la vida, y la antigua se destaca notablemente sobre su fondo. El claro contraste entre la joven y la anciana es simbólico. Si el florecimiento de la vida va acompañado de numerosas posibilidades y cambios, entonces la última fase es de constancia arraigada y de conflicto con la realidad. Tal imagen llama la atención y te hace pensar en la intención del artista, su profundidad. Contiene toda la vida con su inevitabilidad y metamorfosis.

Egon Schiele "Familia". Este lienzo de 152,5x162,5 cm fue pintado al óleo en 1918. Ahora se almacena en el Belvedere de Viena. El maestro de Schiele fue el mismo Klimt, pero el estudiante no trató diligentemente de copiarlo, buscando sus propios métodos de expresión. Podemos decir con seguridad que el trabajo de Schiele es incluso mucho más trágico, aterrador y extraño que el de Klimt. Algunos elementos hoy se llamarían pornográficos, aquí hay muchas perversiones diferentes, el naturalismo está presente en toda su belleza. Al mismo tiempo, las imágenes están literalmente impregnadas de una especie de dolorosa desesperación. El pináculo del trabajo de Schiele y su pintura más reciente es La familia. En este lienzo, la desesperación se lleva al máximo, mientras que la obra en sí resultó ser la menos extraña para el autor. Después de que la esposa embarazada de Schiele muriera a causa de la gripe española, y poco antes de su muerte, se creó esta obra maestra. Solo pasaron 3 días entre las dos muertes, fueron suficientes para que el artista se representara a sí mismo con su esposa y su hijo por nacer. En ese momento, Schiele tenía solo 28 años.

Frida Kahlo "Las dos Fridas" La pintura nació en 1939. La artista mexicana Frida Kahlo se hizo famosa después del lanzamiento de una película sobre ella con Salma Hayek en el papel principal. La base del trabajo de la artista fueron sus autorretratos. Ella misma explicó este hecho de la siguiente manera: “Me escribo porque paso mucho tiempo sola y porque soy el tema que mejor conozco”. Es interesante que Frida no sonría en ninguno de sus lienzos. Su rostro es serio, incluso algo triste. Las cejas gruesas y fusionadas y un bigote apenas perceptible sobre los labios fruncidos expresan la máxima seriedad. Las ideas de los cuadros radican en las figuras, el fondo y los detalles de lo que rodea a Frida. El simbolismo de las pinturas se basa en las tradiciones nacionales de México, estrechamente entrelazadas con la antigua mitología indígena. "Dos Fridas" es una de las mejores imágenes de la mexicana. Exhibe de manera original los principios masculino y femenino, los cuales tienen un solo sistema circulatorio. Así, el artista mostró la unidad e integridad de estos dos opuestos.

Claude Monet "Puente de Waterloo. Efecto niebla". En el Hermitage de San Petersburgo puedes encontrar este cuadro de Monet. Fue pintado al óleo sobre lienzo en 1899. Tras un examen minucioso de la imagen, aparece como una mancha morada con trazos gruesos aplicados. Sin embargo, alejándose del lienzo, el espectador comprende toda su magia. Al principio, se hacen visibles vagos semicírculos que pasan por el centro de la imagen, aparecen los contornos de los barcos. Y desde una distancia de un par de metros, ya puedes ver todos los elementos de la imagen que están conectados en una cadena lógica.

Jackson Pollock "Número 5, 1948". Pollock es un clásico del género expresionista abstracto. Su cuadro más famoso es, con diferencia, el más caro del mundo. Y el artista lo pintó en 1948, simplemente vertiendo pintura al óleo sobre un tablero de fibra de 240x120 cm en el suelo. En 2006, esta pintura se vendió en Sotheby's por 140 millones de dólares. El dueño anterior, el coleccionista y productor de cine David Giffen, lo vendió al financiero mexicano David Martínez. Pollock dijo que decidió alejarse de herramientas de artista tan familiares como un caballete, pinturas y pinceles. Sus herramientas eran palos, cuchillos, palas y pintura para verter. También usó una mezcla con arena o incluso con vidrios rotos. Empezando a crear. Pollock se entrega a la inspiración sin siquiera darse cuenta de lo que está haciendo. Sólo entonces llega la realización de lo perfecto. Al mismo tiempo, el artista no tiene miedo de destruir la imagen o cambiarla sin darse cuenta: la imagen comienza a vivir su propia vida. La tarea de Pollock es ayudarla a nacer, a salir. Pero si el maestro pierde el contacto con su creación, el resultado será el caos y la suciedad. Si tiene éxito, la imagen encarnará la armonía pura, la facilidad de recibir y encarnar la inspiración.

Joan Miro "Hombre y mujer ante un montón de excrementos". Esta pintura se encuentra ahora en el fondo del artista en España. Fue pintado al óleo sobre lámina de cobre en 1935 en tan solo una semana del 15 al 22 de octubre. El tamaño de la creación es de solo 23x32 cm A pesar de un nombre tan provocativo, la imagen habla de los horrores de las guerras civiles. El propio autor retrata así los hechos de aquellos años acaecidos en España. Miro trató de mostrar un período de inquietud. En la imagen, puedes ver a un hombre y una mujer inmóviles que, sin embargo, se sienten atraídos el uno por el otro. El lienzo está saturado de ominosas flores venenosas, junto con genitales agrandados, se ve deliberadamente repugnante y repugnantemente sexy.

Jacek Yerka "Erosión". En las obras de este neosurrealista polaco, las imágenes de la realidad, entrelazadas, dan lugar a una nueva realidad. De alguna manera, incluso las imágenes conmovedoras son extremadamente detalladas. Sienten los ecos de los surrealistas del pasado, desde el Bosco hasta Dalí. Yerka creció en un ambiente de arquitectura medieval que sobrevivió milagrosamente a los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial. Comenzó a dibujar incluso antes de ingresar a la universidad. Allí intentaron cambiar su estilo a uno más moderno y menos detallado, pero el propio Yerka conservó su individualidad. Hoy, sus pinturas inusuales se exhiben no solo en Polonia, sino también en Alemania, Francia, Mónaco y los Estados Unidos. Se encuentran en varias colecciones de todo el mundo.

Bill Stoneham "Las manos lo resisten" La pintura, pintada en 1972, es difícil de llamar un clásico de la pintura. Sin embargo, no hay duda de que se encuentra entre las creaciones más extrañas de los artistas. La imagen muestra a un niño, una muñeca está de pie junto a él y numerosas palmas se presionan contra el vidrio desde atrás. Este lienzo es extraño, misterioso y algo místico. Ya se ha vuelto legendario. Dicen que a causa de esta imagen alguien murió, y los niños en ella están vivos. Ella se ve realmente espeluznante. No es de extrañar que la imagen evoque miedos y fantasías terribles para personas con una psique enferma. El propio Stoneham aseguró que se pintó a sí mismo a la edad de 5 años. La puerta detrás del niño es una barrera entre la realidad y el mundo de los sueños. La muñeca es una guía que puede llevar a un niño de un mundo a otro. Las manos son vidas alternativas o posibilidades de una persona. La pintura se hizo famosa en febrero de 2000. Se puso a la venta en eBay, diciendo que estaba embrujado. Al final, Kim Smith compró Hands Resist Him por $ 1,025. Pronto, el comprador se vio literalmente inundado de cartas con historias terribles asociadas con la pintura y demandas de destruir este lienzo.

Científicos italianos dicen que han encontrado restos que pueden pertenecer a Lisa del Giocondo. Quizás se revele el misterio de la Mona Lisa. En honor a esto, recordamos las pinturas más misteriosas de la historia.

1. Mona Lisa
Lo primero que viene a la mente cuando se trata de pinturas misteriosas, o pinturas de misterio, es la Mona Lisa, pintada por Leonardo da Vinci en 1503-1505. Gruyet escribió que esta imagen puede volver loco a cualquiera que, habiendo visto lo suficiente, comience a hablar de ella.
Hay muchos "misterios" en esta obra de da Vinci. Los historiadores del arte escriben disertaciones sobre la inclinación de la mano de Mona Lisa, los especialistas médicos hacen diagnósticos (desde que Mona Lisa no tiene dientes frontales hasta que Mona Lisa es un hombre). Incluso hay una versión de que Gioconda es un autorretrato del artista.
Por cierto, la pintura ganó particular popularidad solo en 1911, cuando fue robada por el italiano Vincenzo Perugio. Lo encontré por huella dactilar. Así que la Mona Lisa también se convirtió en el primer éxito de la toma de huellas dactilares y en un gran éxito del marketing del mercado del arte.

2. Cuadrado negro


Todo el mundo sabe que el "Cuadrado negro" no es en realidad negro, ni un cuadrado. Realmente no es un cuadrado. En el catálogo de la exposición, Malevich lo declaró como un "cuadrilátero". Y realmente no negro. El artista no usó pintura negra.
Menos conocido es que Malevich consideraba El cuadrado negro como su mejor obra. Cuando el artista fue enterrado, "Black Square" (1923) estaba en la cabecera del ataúd, el cuerpo de Malevich estaba cubierto con un lienzo blanco con un cuadrado cosido, también se dibujó un cuadrado negro en la tapa del ataúd. Incluso el tren y la parte trasera del camión tenían cuadrados negros.

3. Gritar

Lo misterioso de la pintura “El Grito” no es que supuestamente tenga un efecto duro en las personas, obligándolas a casi suicidarse, sino que esta pintura es, de hecho, realismo para Edvard Munch, quien al momento de escribir esto obra maestra sufría de psicosis maníaco depresiva. Incluso recordó exactamente cómo vio lo que escribió.
“Estaba caminando por el sendero con dos amigos, el sol se estaba poniendo, de repente el cielo se volvió rojo sangre, me detuve, sintiéndome exhausto, y me apoyé contra la cerca, miré la sangre y las llamas sobre el fiordo negro azulado y el ciudad - prosiguieron mis amigos, y yo me quedé temblando de emoción, sintiendo el grito interminable que atravesaba la naturaleza.

4. Guernica


Picasso pintó "Guernica" en 1937. El cuadro está dedicado al bombardeo de la ciudad de Guernica. Cuentan que cuando Picasso fue citado a la Gestapo en 1940 y le preguntaron por el Guernica: “¿Tú hiciste eso?”, el artista respondió: “No, tú lo hiciste”.
Picasso pintó un enorme fresco durante no más de un mes, trabajando de 10 a 12 horas al día. "Guernica" se considera un reflejo de todo el horror del fascismo, la crueldad inhumana. Quienes han visto la imagen con sus propios ojos aseguran que genera ansiedad y en ocasiones pánico.

5. Iván el Terrible y su hijo Iván


Todos conocemos el cuadro "Iván el Terrible y su hijo Iván", llamándolo habitualmente "Iván el Terrible mata a su hijo".
Mientras tanto, el asesinato de su heredero por Ivan Vasilyevich es un hecho muy controvertido. Entonces, en 1963, se abrieron las tumbas de Iván el Terrible y su hijo en la Catedral del Arcángel del Kremlin de Moscú. Los estudios han permitido afirmar que Tsarevich John fue envenenado.
El contenido de veneno en sus restos es muchas veces superior a la norma permitida. Curiosamente, se encontró el mismo veneno en los huesos de Ivan Vasilyevich. Los científicos han concluido que la familia real había sido víctima de envenenadores durante varias décadas.
Iván el Terrible no mató a su hijo. A esta versión se adhirió, por ejemplo, el Fiscal Jefe del Santo Sínodo, Konstantin Pobedonostsev. Al ver la famosa pintura de Repin en la exposición, se indignó y le escribió al emperador Alejandro III: "No puedes llamar histórica a la pintura, ya que este momento es... puramente fantástico". La versión del asesinato se basó en las historias del legado papal Antonio Possevino, a quien difícilmente se le puede llamar una persona desinteresada.
Hubo una vez un intento real en la pintura.
El 16 de enero de 1913, Abram Balashov, pintor de íconos del Viejo Creyente de veintinueve años, la apuñaló tres veces con un cuchillo, después de lo cual las caras de los Ivanov representadas en la pintura de Ilya Repin tuvieron que pintarse prácticamente de nuevo. Después del incidente, el entonces curador de la Galería Tretyakov Khruslov, al enterarse del vandalismo, se arrojó debajo del tren.

6. Las manos le resisten


La imagen de Bill Stoneham, escrita por él en 1972, se hizo famosa, francamente, no la mejor fama. Según información de E-bay, la pintura fue encontrada en un vertedero tiempo después de la compra. La primera noche, cuando la pintura terminó en la casa de la familia que la encontró, la hija corrió hacia sus padres llorando, quejándose de que "los niños de la foto están peleando".
Desde ese momento, la imagen tiene muy mala reputación. Kim Smith, quien lo compró en 2000, recibe constantemente cartas enojadas que exigen que se queme la pintura. Además, los periódicos escribieron que a veces aparecen fantasmas en las colinas de California, como dos guisantes en una vaina, como los niños del cuadro de Stoneham.

7. Retrato de Lopukhina


Finalmente, la "mala imagen": un retrato de Lopukhina, pintado por Vladimir Borovikovsky en 1797, después de un tiempo comenzó a tener mala reputación. El retrato representaba a Maria Lopukhina, quien murió poco después de que se pintara el retrato. La gente comenzó a decir que la imagen "quita la juventud" e incluso "reduce a la tumba".
No se sabe con certeza quién inició tal rumor, pero después de que Pavel Tretyakov adquirió "sin miedo" el retrato para su galería, las conversaciones sobre el "misterio de la pintura" disminuyeron.

El arte puede ser cualquier cosa. Alguien ve la belleza de la naturaleza y la transmite con un cepillo o un cortador, alguien toma fotografías asombrosas del cuerpo humano y alguien encuentra la belleza en uno terrible: Caravaggio y Edvard Munch trabajaron en este estilo. Los artistas modernos no se quedan atrás de los padres fundadores.

1. Dado

Yugoslav Dado nació en 1933 y murió en 2010. A primera vista, su trabajo puede parecer completamente ordinario o incluso agradable; esto se debe a la elección de los colores: muchos artistas de terror eligen el negro o el rojo, y a Dado le gustaban los tonos pastel.

Pero mire de cerca imágenes como Big Farm en 1963 o Football Player en 1964 y verá criaturas grotescas en ellas. Sus caras están llenas de dolor o sufrimiento, tumores u órganos extra son visibles en sus cuerpos, o los cuerpos son simplemente de forma irregular. De hecho, las imágenes como "Big Farm" son mucho más aterradoras que el puro horror, precisamente porque a primera vista no notas nada terrible en ellas.

2. Keith Thompson

Keith Thompson es más un artista comercial que una persona de arte. Diseñó los monstruos para Pacific Rim de Guillermo Del Toro y Leviathan de Scott Westerfield. Su trabajo está hecho con una técnica que preferirías ver en las cartas de Magic: The Gathering que en un museo.

Fíjate en su cuadro "La criatura de Pripyat": el monstruo está hecho de varios animales y es terriblemente feo, pero da una gran idea de la técnica de Thompson. El monstruo incluso tiene una historia: supuestamente es un producto del desastre de Chernobyl. Por supuesto, el monstruo es algo artificial, como si viniera directamente de la década de 1950, pero esto no lo hace menos espeluznante.

La Fundación SCP adoptó a esta criatura como su mascota, nombrándola "SCP-682". Pero en el arsenal de Thompson todavía hay muchos de esos monstruos, y los hay más terribles.

3. Junji Ito

Sobre el tema de los artistas comerciales: algunos de ellos dibujan historietas. En el negocio de los cómics de terror, Junji Ito es el campeón. Sus monstruos no son solo grotescos: el artista dibuja cuidadosamente cada arruga, cada pliegue en el cuerpo de las criaturas. Esto es lo que asusta a la gente, y no la irracionalidad de los monstruos.

Por ejemplo, en su cómic "The Riddle of Amigar Fault" desnuda a las personas y las envía a un agujero humanoide en roca sólida: cuanto más cerca vemos este agujero, más aterrador, pero incluso "desde la distancia" parece aterrador.

En su serie de cómics Uzumaki (Espiral), hay un tipo obsesionado con las espirales. Al principio, su obsesión parece divertida y luego aterradora. Además, da miedo incluso antes de que la obsesión del héroe se convierta en magia, con la ayuda de la cual convierte a una persona en algo inhumano, pero al mismo tiempo vivo.

El trabajo de Ito se destaca entre todos los manga japoneses: sus personajes "normales" se ven inusualmente realistas e incluso lindos, y los monstruos parecen aún más espeluznantes en su contexto.

4. Zdzisław Beksiński

Si un artista dice: "No puedo imaginar lo que significa la cordura en la pintura", lo más probable es que no esté pintando gatitos.

El pintor polaco Zdzisław Beksiński nació en 1929. Durante décadas, creó imágenes de pesadilla en el género del realismo fantástico hasta su horrible muerte en 2005 (fue apuñalado 17 veces). El período más fructífero en su trabajo cayó en los años 1960 - 1980: luego creó imágenes muy detalladas, que él mismo llamó "fotografías de sus sueños".

Según Beksiński, no le importaba el significado de tal o cual pintura, pero algunas de sus obras claramente simbolizan algo. Por ejemplo, en 1985 creó la pintura "Trollforgatok". El artista creció en un país devastado por la Segunda Guerra Mundial, por lo que las figuras negras de la imagen pueden personificar a ciudadanos polacos, y la cabeza puede ser una especie de autoridad despiadada.

El propio artista afirmó que no tenía nada de eso en mente. De hecho, Beksinsky dijo sobre esta imagen que debería tomarse como una broma, eso es lo que realmente significa el humor negro.

5. Wayne Barlow

Miles de artistas han intentado retratar el Infierno, pero Wayne Barlow claramente lo ha logrado. Incluso si no has escuchado su nombre, probablemente hayas visto el trabajo. Ha estado involucrado en películas como Avatar de James Cameron (el director lo elogió personalmente), Pacific Rim, Harry Potter y el prisionero de Azkaban y Harry Potter y el cáliz de fuego. Pero uno de sus trabajos más destacados se puede llamar un libro publicado en 1998 llamado "Infierno".

El infierno para él no son solo mazmorras con señores y ejércitos demoníacos. Barlow dijo: "El infierno es la completa indiferencia hacia el sufrimiento humano". Sus demonios a menudo muestran interés en los cuerpos y las almas humanas y se comportan más como experimentadores: ignoran el dolor de otras personas. Las personas para sus demonios no son objetos de odio en absoluto, sino simplemente un medio para el entretenimiento ocioso, nada más.

6. Tetsuya Ishida

En las pinturas acrílicas de Isis, las personas a menudo se transforman en objetos como envases, cintas transportadoras, urinarios o incluso almohadas para hemorroides. También tiene pinturas visualmente agradables en las que las personas se fusionan con la naturaleza o escapan a la tierra mágica de su imaginación. Pero tales obras son mucho más oscuras que las pinturas en las que los trabajadores de un restaurante se convierten en muñecos que bombean comida a los clientes como si estuvieran dando servicio a los automóviles en una estación de servicio.

Independientemente de la opinión sobre la precisión y la perspicacia del artista o la viveza de sus metáforas, no se puede negar que el estilo de su obra es espeluznante. Cualquier humor en Isis va de la mano con el disgusto y el miedo. Su carrera llegó a su fin en 2005 cuando Ishida, de 31 años, fue atropellado por un tren, casi con certeza un suicidio. Sus obras están valoradas en cientos de miles de dólares.

7. Dariusz Zawadzki

Zavadsky nació en 1958. Al igual que Beksiński, trabaja al estilo del espeluznante realismo fantástico. Sus maestros en la escuela de arte le dijeron a Zavadsky que no tenía muy buena vista y mal ojo, por lo que no podía convertirse en artista. Bueno, obviamente sacaron conclusiones precipitadas.

Hay elementos de steampunk en las obras de Zavadsky: a menudo dibuja criaturas similares a robots, bajo cuya piel artificial se ven los mecanismos de trabajo. Por ejemplo, eche un vistazo a la pintura al óleo de 2007 "El nido". Las poses de los pájaros son las mismas que las de los vivos, pero el marco es claramente metálico, apenas cubierto con jirones de piel. La imagen puede causar disgusto, pero al mismo tiempo atrae la atención; quiero considerar todos los detalles.

8. Josué Hoffin

Joshua Hoffin nació en 1973 en Emporia, Kansas. Toma fotografías aterradoras, en las que los cuentos de hadas familiares desde la infancia adquieren características terribles: la historia, por supuesto, puede reconocerse, pero al mismo tiempo su significado está muy distorsionado.

Muchas de sus obras parecen demasiado escenificadas y poco naturales como para asustar realmente. Pero también hay series de fotografías como "Pickman's Masterpieces" - este es un tributo a uno de los personajes de Lovecraft, el artista Pickman.

En las fotos de 2008, que podéis ver aquí, está su hija Chloe. El rostro de la niña casi no expresa emociones y casi no mira hacia la audiencia. El contraste es aterrador: una foto familiar en la mesita de noche, una niña en pijama rosa y cucarachas enormes.

9. Patricia Piccinini

Las esculturas de Piccinini a veces son muy diferentes entre sí: algunas esculturas son motocicletas de forma irregular, otras son extraños globos con aire caliente. Pero sobre todo crea esculturas que son muy, muy incómodas para estar de pie en la misma habitación. Incluso se ven espeluznantes en las fotos.

En la obra Indivisible de 2004, un humanoide se presiona contra la espalda de un niño humano normal. Lo más inquietante es el elemento de confianza y afecto, como si la inocencia del niño se usara cruelmente para dañarlo.

Por supuesto, el trabajo de Piccinini es criticado. Incluso dijeron sobre el "Indivisible" que no era una escultura, sino una especie de animal real. Pero no, es solo un producto de su imaginación, y la artista continúa creando su trabajo a partir de fibra de vidrio, silicona y cabello.

10. Mark Powell

El trabajo del australiano Mark Powell es realmente impactante. Su espectáculo de 2012 es una serie de composiciones en las que criaturas fantásticas evolucionan, se devoran y se excretan entre sí desde sus propios cuerpos, se multiplican y se descomponen. Las texturas de las criaturas y los entornos son extremadamente convincentes, y el lenguaje corporal de las figuras se elige precisamente para que las situaciones parezcan lo más ordinarias posible y, por lo tanto, convincentes.

Por supuesto, Internet no podía dejar de rendir homenaje al artista. La mencionada "Fundación SCP" tomó al horrible monstruo de la imagen de arriba y lo convirtió en parte de una historia llamada "La carne que odia". También hay muchas historias de terror asociadas con su trabajo.

Hoy nos gustaría hablaros un poco de aquellas personas que, a nuestro juicio, se encuentran entre los artistas más insólitos de nuestro tiempo. Utilizan técnicas no estándar, ideas inusuales, poniendo toda su creatividad y talento en sus obras únicas.

1. Lorenzo Durán

Su forma de crear pinturas se basa en la investigación histórica del corte de papel en China, Japón, Alemania y Suiza. Recoge las hojas, las lava, las seca, las prensa y talla cuidadosamente sus pinturas sobre ellas.

2. Nina Aoyama

A primera vista, puede parecer que esta joven francesa no hace nada especial, solo corta papel. Pero ella pega sus recortes en tela o vidrio, ¡y resulta una belleza!

3. Claire Morgan

La artista británica Claire Morgan crea instalaciones inusuales que se congelan en el aire. El material de trabajo del artista son plantas secas, granos, insectos, animales disecados y frutas frescas. Miles de detalles de la instalación se fijan en un fino hilo de pescar con precisión de joyero. Las esculturas de aire de Claire Morgan están dedicadas a la Tierra y a todos los seres vivos que viven en ella.

4. Mike Stillkey

Mike Stilkey crea arte a partir de lomos de libros. Construye una pared entera de libros y escribe sus dibujos en los lomos. Mike soñó durante mucho tiempo con publicar un álbum con sus pinturas, pero ninguna editorial se encargó de ello. Su pintura no encontró respuesta entre la crítica. Entonces el artista decidió dejar que los libros hablaran de su obra.

5. Jim Denevan

Jim dibuja patrones en la arena con una precisión matemática sin precedentes. Jim pinta principalmente en las playas, pero recientemente también ha comenzado a pintar en el desierto. “No tengo tanto tiempo en la playa como en los desiertos”, dice. “El océano se lleva todo muy rápido”.

6. Vhils

Sus obras son inusuales porque las talla en yeso viejo.

7. Bruce Munro

En su obra trabaja con la luz. No hace mucho, se inauguró su instalación de otro campo de luz en la ciudad inglesa de Bath. Es un campo salpicado de lámparas sobre delgados tallos de plástico. Parece un decorado de la película Avatar.

8. Jason Mecier

El problema de la adicción a las drogas es agudo en todo el mundo. En un intento de llamar la atención del público en general sobre ella, el talentoso artista estadounidense Jason Mecier hizo retratos de estrellas con pastillas. Lo más interesante es que el artista usó solo tabletas como material para sus lienzos, que se liberan de acuerdo con una receta especial, que legalmente no podía obtener. Se puede decir que Jason cometió un acto ilegal, pero al hacerlo llamó la atención sobre la distribución ilegal de drogas.

9. Jennifer Maestre

¿Cuánto se necesita para convertirse en un artista? ¿Tal vez talento? ¿O la capacidad de aprender algo nuevo? ¿O fantasía salvaje? Por supuesto, todos estos son factores necesarios, pero ¿cuál es el más importante? Inspiración. Cuando un artista literalmente pone su alma en una pintura, se vuelve como si estuviera viva. La magia de los colores hace maravillas, pero es imposible plasmar el look, quiero estudiar cada cosita...

En este artículo, veremos 25 pinturas verdaderamente ingeniosas y famosas.

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La persistencia de la memoria, Salvador Dalí

Esta pequeña imagen trajo la popularidad de Dalí cuando tenía 28 años. Este no es el único nombre de la imagen, también tiene los nombres "Reloj suave", "Permanencia de la memoria", "Dureza de la memoria".

La idea de pintar un cuadro se le ocurrió al artista en el momento en que pensaba en el queso derretido. Dalí no dejó una nota sobre el significado y la trascendencia de la pintura, por lo que los científicos la interpretan a su manera, inclinándose hacia la teoría de la relatividad de Einstein.

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"Baile", Henri Matisse

La imagen está escrita en solo tres colores: rojo, azul y verde. Simbolizan el cielo, la tierra y las personas. Además de "Danza", Matisse pintó otra pintura "Música". Fueron encargados por un coleccionista ruso.

No hay detalles innecesarios en él, solo el fondo natural y las personas mismas, que están congeladas en el baile. Esto es exactamente lo que el artista quería: capturar un buen momento cuando las personas son una con la naturaleza y están abrumadas por el éxtasis.

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El beso, Gustav Klimt

El beso es la pintura más famosa de Klimt. Lo escribió en su período "dorado" de creatividad. Usó pan de oro real. Hay dos versiones de la biografía de la pintura. Según la primera versión, la imagen muestra al propio Gustav con su amada Emilia Flöge, cuyo nombre pronunció por última vez en su vida. Según la segunda versión, cierto conde ordenó el cuadro para que Klimt lo pintara a él y a su amada.

Cuando el conde preguntó por qué el beso en sí no estaba en la imagen, Klimt dijo que él era un artista y lo veía así. De hecho, Klimt se enamoró de la novia del conde y esto fue una especie de venganza.

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Gitana durmiente, Henri Rousseau

El lienzo fue encontrado solo 13 años después de la muerte del autor, y de inmediato se convirtió en su obra más cara. Durante su vida, trató de venderlo al alcalde de la ciudad, pero todo fue en vano.

La imagen transmite el significado original y la idea profunda. Paz, relajación: estos son los sentimientos que evoca "Sleeping Gypsy".

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"El Juicio Final", Hieronymus Bosch

La pintura es la más grande de todas sus obras supervivientes. La imagen no necesita una explicación de la trama, todo está claro desde el título. Día del juicio final, apocalipsis. Dios juzga tanto a los justos como a los pecadores. La imagen se divide en tres escenas. En la primera escena, paraíso, verdes jardines, dicha.

En la parte central está el propio Juicio Final, donde Dios comienza a juzgar a las personas por sus obras. El infierno está representado en el lado derecho, tal como aparece. Monstruos terribles, infierno al rojo vivo y tortura monstruosa de los pecadores.

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Metamorfosis de Narciso, Salvador Dalí

Se tomaron muchas tramas como base, pero el lugar más importante lo ocupa la historia de Narciso, un hombre que admiraba tanto su belleza que murió porque no pudo satisfacer sus deseos.

En el primer plano de la imagen, Narciso se sienta pensativo junto al agua y no puede apartarse de su propio reflejo. Cerca hay una mano de piedra, en la que el huevo, es símbolo de renacimiento y nueva vida.

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Masacre de los Inocentes, Peter Paul Rubens

La historia fue tomada de la Biblia, cuando el rey Herodes ordenó matar a todos los niños recién nacidos. La pintura representa un jardín en el palacio de Herodes. Los guerreros armados toman a la fuerza a los bebés de las madres que lloran y los matan. El suelo está sembrado de cadáveres.

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Número 5 1948 por Jackson Pollock

Jackson usó un método único para aplicar pintura a una pintura. Dejó el lienzo en el suelo y lo rodeó. Pero en lugar de aplicar trazos, tomó pinceles, jeringas y salpicó sobre el lienzo. Este método se denominó más tarde "pintura de acción".

Pollock no usó bocetos, siempre se basó solo en sus emociones.

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Baile en el Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir

Renoir es el único artista que no escribió una sola imagen triste. Renoir encontró el terreno para esta pintura cerca de la casa, en el restaurante Moulin de la Galette. El ambiente animado y alegre de la institución inspiró al artista para crear este cuadro. Sus amigos y modelos favoritos posaron para que escribiera la obra.

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La Última Cena de Leonardo da Vinci

Esta pintura representa la última fiesta de Cristo con sus discípulos. Generalmente se acepta que el momento se dibuja cuando Cristo dice que uno de los discípulos lo traicionará.

En busca de modelos, da Vinci pasó mucho tiempo. Los más difíciles fueron la imagen de Cristo y Judas. En el coro de la iglesia, Leonardo notó a un joven cantante y le extrajo la imagen de Cristo. Tres años más tarde, el artista vio a un borracho descendiendo en una zanja y se dio cuenta de que ese era el que buscaba y lo arrastró hasta el taller.

Cuando copió la imagen de un borracho, le confesó que hace tres años el mismo artista pintó la imagen de Cristo de él. Y así sucedió que las imágenes de Jesús y Judas fueron borradas de la misma persona, pero en diferentes períodos de vida.

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"Nenúfares", Claude Monet

En 1912, al artista le diagnosticaron una doble catarata, por lo que fue operado. Habiendo perdido la lente en su ojo izquierdo, el artista comenzó a ver el ultravioleta como azul o violeta, debido a esto, sus pinturas adquirieron colores nuevos y brillantes. Dibujando esta imagen, Monet vio los lirios como azules, mientras que la gente común vio solo lirios blancos comunes.

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"Gritar", Edvard Munch

Munch sufría de psicosis maníaco-depresiva, a menudo lo atormentaban pesadillas y depresión. Muchos críticos creen que Munch se representó a sí mismo en la imagen, gritando de pánico y horror insano.

El propio artista describió el significado de la imagen como un "grito de la naturaleza". Dijo que estaba caminando con amigos al atardecer y el cielo se puso rojo sangre. Temblando de miedo, supuestamente escuchó el mismo "grito de la naturaleza".

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La madre de Whistler, James Whistler

La madre del propio artista posó para la foto. Inicialmente, quería que su madre posara de pie, pero esto resultó difícil para la anciana.
Whistler tituló su cuadro Arreglo en gris y negro. La madre del artista. Pero con el tiempo, el nombre real se olvidó y la gente comenzó a llamarla "Madre Whistler".

Originalmente fue una orden de un miembro del parlamento. que quería que el artista dibujara a la hija de Maggie. Pero en el proceso, ella rechazó la pintura y James le pidió a su madre que se convirtiera en modelo para completar la pintura.

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"Retrato de Dora Maar", Pablo Picasso

Dora entró en la obra de Picasso como "una mujer llorando". Notó que nunca podría escribirla sonriendo. Los ojos profundos y tristes y la tristeza en su rostro son los rasgos característicos de los retratos de Maar. Y, por supuesto, las uñas de color rojo sangre, esto deleitó especialmente al artista. Picasso pintó a menudo retratos de Dora Maar y todos son admirables.

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"Noche estrellada" de Vincent van Gogh

La pintura representa un paisaje nocturno, que el artista expresó con colores densos y brillantes y una atmósfera de tranquilidad nocturna. Los objetos más brillantes son, por supuesto, las estrellas y la luna, se dibujan de la manera más pronunciada.

Altos cipreses crecen en el suelo, como si soñaran con unirse a las fascinantes danzas de las estrellas.

El significado de la imagen se interpreta de diferentes maneras. Algunos ven una referencia al Antiguo Testamento, mientras que otros simplemente se inclinan a creer que la pintura es el resultado de una enfermedad prolongada del artista. Fue durante el tratamiento que escribió Starry Night.

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Olimpia Edouard Manet

La imagen fue motivo de uno de los mayores escándalos de la historia. Después de todo, representa a una chica desnuda acostada sobre sábanas blancas.
La gente indignada escupió al artista, y algunos incluso intentaron estropear el lienzo.

Manet solo quería dibujar una Venus "moderna", para mostrar que las mujeres del presente no son peores que las mujeres del pasado.

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3 de mayo de 1808, Francisco Goya

El artista experimentó profundamente los eventos asociados con el ataque de Napoleón. En mayo de 1808, el levantamiento de Madrid terminó trágicamente, y esto tocó tanto el alma del artista que después de 6 años volcó sus sentimientos en el lienzo.

Guerra, muerte, pérdida: todo esto se representa de manera tan realista en la imagen que aún deleita la mente de muchos.

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La joven de la perla de Jan Vermeer

La pintura tenía otro nombre "Niña con turbante". En general, se sabe poco sobre la pintura. Según una versión, Jan pintó a su propia hija María. En la imagen, la niña parece girarse hacia alguien y la mirada del espectador se centra en el arete de perla en la oreja de la niña. El brillo del pendiente brilla en los ojos y en los labios.

Sobre la base de la imagen, se escribió una novela, luego se filmó una película del mismo nombre.

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"La ronda de noche", Rembrandt

Este es un retrato de grupo de la compañía del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenbürg. El retrato fue pintado por orden de la Shooting Society.
A pesar de la dificultad del contenido, la imagen está llena de espíritu de desfile y solemnidad. Como si los mosqueteros posaran para el artista, olvidándose de la batalla.
Posteriormente, la pintura fue recortada por todos lados para que cupiera en la nueva habitación. Algunas flechas han desaparecido de la imagen para siempre.

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Las Meninas, Diego Velásquez

En el cuadro, el artista pinta retratos del rey Felipe IV y su esposa, que se ven reflejados en el espejo. Su hija de cinco años está representada en el centro de la composición, rodeada de un séquito.

Muchos creen que Velásquez quería representarse a sí mismo en el momento de la creación: "pintar y pintar".

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Paisaje con la caída de Ícaro, Pieter Brueghel

Esta es la única obra sobreviviente del artista sobre el tema de los mitos.

El personaje principal de la imagen es casi invisible. Cayó al río, solo sus piernas sobresalen de la superficie del agua. En la superficie del río están esparcidas las plumas de Ícaro, que salieron volando de la caída. Y la gente está ocupada con sus propios asuntos, a nadie le importa el joven caído.

Parecería que la imagen es trágica, porque representa la muerte de un joven, pero la imagen está pintada en colores suaves y tranquilos y, por así decirlo, dice: "no pasó nada".

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La Escuela de Atenas, Rafael

Antes de la “Escuela de Atenas”, Rafael tenía poca experiencia con los frescos, pero sorprendentemente, este fresco resultó ser brillantemente excelente.

Esta pintura representa la Academia fundada por Platón en Atenas. Las reuniones de la Academia se llevaron a cabo al aire libre, pero el artista decidió que las ideas más brillantes vienen en un edificio antiguo magníficamente hecho y, por lo tanto, no representa a los estudiantes en el contexto de la naturaleza. En el fresco, Rafael se representó a sí mismo.

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La creación de Adán, Miguel Ángel

Este es el cuarto de nueve frescos en el techo de la Capilla Sixtina sobre el tema de la creación del mundo. Miguel Ángel no se consideraba un gran artista, se posicionaba como escultor. Es por eso que el cuerpo de Adán en la imagen es tan proporcionado, tiene rasgos pronunciados.

En 1990, descubrieron que la estructura anatómicamente precisa del cerebro humano estaba cifrada en la imagen de Dios. Quizás Miguel Ángel estaba bien familiarizado con la anatomía humana.

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"Mona Lisa", Leonardo da Vinci

Mona Lisa sigue siendo una de las pinturas más misteriosas del mundo del arte hasta el día de hoy. Los críticos todavía discuten quién está realmente representado en él. Muchos se inclinan a creer que Mona Lisa es la esposa de Francesco Gioconda, quien le pidió al artista que pintara un retrato.

El principal misterio de la imagen radica en la sonrisa de una mujer. Hay muchas versiones, comenzando por el embarazo de la mujer y la sonrisa traiciona el movimiento del feto, terminando con el hecho de que este es en realidad un autorretrato del artista en una imagen femenina. Bueno, uno solo puede adivinar y admirar la increíble belleza de la imagen.

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El nacimiento de Venus Sandro Botticelli

La pintura representa el mito del nacimiento de la diosa Venus. La diosa nació de la espuma del mar en la madrugada. El dios del viento Zephyr ayuda a la diosa a nadar hasta la orilla en su caparazón, donde se encuentra con la diosa Ora. La imagen personifica el nacimiento del amor, evoca un sentimiento de belleza, porque no hay nada más hermoso en el mundo que el amor.

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Conclusión

Hemos tratado de incluir en este artículo solo algunas de las pinturas más populares del mundo. Pero también hay muchas otras obras maestras de bellas artes igualmente interesantes. ¿Qué pinturas consideras populares?