Museo Ruso: cómo llegar, precios, excursiones, salas, pinturas. Museo Estatal Ruso Mensaje sobre una pintura del Museo Ruso

Cualquiera que ame la pintura rusa debe haber estado en el Museo Ruso de San Petersburgo (inaugurado en 1897). Por supuesto que tiene. Pero es en el Museo Ruso donde se conservan las principales obras maestras de artistas como Repin, Bryullov, Aivazovsky.

Si pensamos en Bryullov, inmediatamente pensamos en su obra maestra El último día de Pompeya. Si se trata de Repin, entonces aparece en mi cabeza la imagen "Transportistas de barcazas en el Volga". Si recordamos a Aivazovsky, también recordaremos La Novena Ola.

Y este no es el límite. "Noche en el Dnieper" y "Mercader". Estas pinturas icónicas de Kuindzhi y Kustodiev también se encuentran en el Museo Ruso.

Cualquier guía te mostrará estos trabajos. Sí, y es poco probable que usted mismo pase por ellos. Así que solo tengo que hablar de estas obras maestras.

Añadiendo un par de mis favoritos, aunque no los más "promocionados" ("Akhmatova" de Altman y "The Last Supper" de Ge).

1. Bryullov. El último día de Pompeya. 1833

Karl Bryullov. El último día de Pompeya. 1833 Museo Estatal Ruso

4 años de preparación. Otro 1 año de trabajo continuo con pinturas y pinceles. Algunos desmayos en el taller. Y aquí está el resultado: 30 metros cuadrados, que representan los últimos minutos de la vida de los habitantes de Pompeya (en el siglo XIX, el nombre de la ciudad era femenino).

Para Bryullov, todo no fue en vano. Creo que no había tal artista en el mundo cuya imagen, solo una imagen, hubiera causado tanto revuelo.

Multitudes de personas irrumpieron en la exposición para ver la obra maestra. Bryullov fue literalmente llevado en sus brazos. Fue bautizado como revivido. Y Nicolás I honró al artista con una audiencia personal.

¿Qué impresionó tanto a los contemporáneos de Bryullov? E incluso ahora no dejará indiferente al espectador.

Vemos un momento muy trágico. En unos minutos, todas estas personas estarán muertas. Pero eso no nos apaga. Porque nos fascina... La belleza.

La belleza de la gente. La belleza de la destrucción. La belleza del desastre.

Mira lo armonioso que está todo. El cielo al rojo vivo va bien con el atuendo rojo de las chicas de la derecha y la izquierda. Y con qué eficacia caen dos estatuas bajo el impacto de un rayo. No me refiero a la figura atlética de un hombre sobre un caballo encabritado.

Por un lado, la imagen trata de un verdadero desastre. Bryullov copió las poses de las personas de los que murieron en Pompeya. La calle también es real, aún se la ve en la ciudad limpia de cenizas.

Pero la belleza de los personajes hace que parezca un mito antiguo. Como si los dioses hermosos estuvieran enojados con las personas hermosas. Y no estamos tan tristes.

2. Aivazovski. Eje noveno. 1850

Iván Aivazovski. Eje noveno. 221 x 332 cm 1850 Museo Ruso, San Petersburgo. wikipedia.org

Esta es la pintura más famosa de Aivazovsky. Que incluso las personas que están lejos del arte saben. ¿Por qué es tan famosa?

La gente siempre está fascinada por la lucha del hombre con los elementos. Preferiblemente con un final feliz.

Hay más que suficiente de esto en la imagen. No hay ningún lugar más conmovedor. Los seis supervivientes se aferran desesperadamente al mástil. Una gran ola rueda cerca, la novena ola. Otro la sigue. La gente se enfrenta a una larga y terrible lucha por la vida.

Pero ya amanece. El sol que se abre paso entre las nubes irregulares es la esperanza de salvación.

El elemento de Aivazovsky, al igual que el de Bryullov, es asombrosamente hermoso. Por supuesto, los marineros no son dulces. Pero no podemos dejar de admirar las olas transparentes, los reflejos del sol y el cielo lila.

Por lo tanto, esta imagen produce el mismo efecto que la obra maestra anterior. Belleza y drama en una botella.

3. Ge. La última cena. 1863

Nicolás Ge. La última cena. 283 x 382 cm 1863 Museo Estatal Ruso. Tanais.info

Las dos obras maestras anteriores de Bryullov y Aivazovsky fueron recibidas con entusiasmo por el público. Pero con la obra maestra de Ge, todo fue más complicado. A Dostoievski no le gustaba ella, por ejemplo. Parecía demasiado realista.

Pero sobre todo, el clero estaba insatisfecho. Incluso lograron que se prohibiera la producción de reproducciones. Es decir, el público en general no podía verlo. ¡Hasta 1916!

¿Por qué una reacción tan mixta a la imagen?

Recuerde cómo se representó la Última Cena antes de Ge. Al menos . La mesa en la que Cristo y los 12 apóstoles se sientan y cenan. Judas entre ellos.

Nikolai Ge es diferente. Jesús se acuesta. Que es exactamente lo mismo que la Biblia. Así se alimentaban los judíos hace 2000 años, a la manera oriental.

Cristo ya ha hecho su terrible predicción de que uno de los discípulos lo traicionará. Ya sabe que será Judas. Y le pide que haga lo que tiene planeado, sin demora. Judas se va.

Y justo en la puerta, parece que nos encontramos con él. Se pone una capa para ir a la oscuridad. Tanto literal como figurativamente. Su rostro es casi invisible. Y su sombra ominosa cae sobre el resto.

A diferencia de Bryullov y Aivazovsky, aquí hay emociones más complejas. Jesús experimenta profunda pero humildemente la traición del discípulo.

Pedro está indignado. Tiene mal genio, se levantó de un salto y miró desconcertado a Judas. Juan no puede creer lo que está pasando. Es como un niño que se enfrenta a la injusticia por primera vez.

Y hay menos de doce apóstoles. Aparentemente, para Ge no era tan importante adaptarse a todos. Para la iglesia, esto era esencial. De ahí la censura.

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4. Repintar. Transportistas de barcazas en el Volga. 1870-1873

Iván Repín. Transportistas de barcazas en el Volga. 131,5 x 281 cm 1870-1873 Museo Estatal Ruso. wikipedia.org

Ilya Repin vio transportadores de barcazas en el Niva por primera vez. Y estaba tan impresionado por su apariencia miserable, especialmente en contraste con los veraneantes cercanos a los residentes de verano, que la decisión de pintar la imagen maduró de inmediato.

Repin no escribió residentes de verano bien arreglados. Pero el contraste sigue presente en la imagen. Los trapos sucios de los arrieros de las barcazas contrastan con el idílico paisaje.

Quizás para el siglo XIX no parecía tan desafiante. Pero para una persona moderna, este tipo de trabajador parece deprimente.

Además, Repin representó un barco de vapor en el fondo. Que podría ser utilizado como remolcador, para no atormentar a la gente.

En realidad, los transportistas de barcazas no eran tan indigentes. Estaban bien alimentados, después de la cena siempre se les permitía dormir. Y durante la temporada ganaban tanto que en invierno podían alimentarse sin trabajar.

Repin tomó para la imagen un lienzo fuertemente alargado horizontalmente. Y eligió el ángulo correcto. Los transportadores de barcazas vienen hacia nosotros, pero al mismo tiempo no se bloquean entre sí. Podemos considerar fácilmente cada uno de ellos.

Y el más importante barquero con cara de sabio. Y un chico joven que no puede acostumbrarse a las redes. Y el penúltimo griego, que mira hacia atrás al desaparecido.

Repin conocía personalmente a todos los miembros del equipo. Tenía largas conversaciones con ellos sobre la vida. Por lo tanto, resultaron ser tan diferentes, cada uno con su propio carácter.

5. Kuindzhi. Noche de luna en el Dniéper. 1880

Arkhip Kuindzhi. Noche de luna en el Dniéper. 105 x 144 cm 1880 Museo Estatal Ruso. Rusmuseum.ru

"Noche de luna en el Dnieper" es la obra más famosa de Kuindzhi. Y no es de extrañar El propio artista la presentó al público de manera muy efectiva.

Organizó una exposición individual. La sala de exposiciones estaba a oscuras. Solo una lámpara apuntaba al único cuadro de la exposición, Noche de luna en el Dniéper.

La gente miraba la foto con asombro. La brillante luz verdosa de la luna y el camino lunar hipnotizado. Los contornos de un pueblo ucraniano son visibles. Sólo una parte de los muros, iluminada por la luna, sobresale de la oscuridad. La silueta del molino de viento contra el telón de fondo del río iluminado.

El efecto de realismo y fantasía al mismo tiempo ¿Cómo logró el artista tales “efectos especiales”?

Además del dominio, Mendeleev también tuvo algo que ver con esto. Ayudó a Kuindzhi a crear una composición de pintura, especialmente brillante en el crepúsculo.

Parecería que el artista tiene una calidad asombrosa. Sepa cómo promocionar su propio trabajo. Pero lo hizo de forma inesperada. Casi inmediatamente después de esta exposición, Kuindzhi pasó 20 años como recluso. Continuó pintando, pero no mostró sus pinturas a nadie.

Incluso antes de la exposición, la pintura fue comprada por el Gran Duque Konstantin Konstantinovich (nieto de Nicolás I). Estaba tan apegado a la pintura que se la llevó a dar la vuelta al mundo. El aire húmedo salado contribuyó al oscurecimiento del lienzo. Por desgracia, ese efecto hipnótico no se puede devolver.

6. Altman. Retrato de Ajmátova. 1914

Nathan Altmann. Retrato de Anna Ajmátova. 123 x 103 cm 1914 Museo Estatal Ruso. Rusmuseum.ru

"Akhmatova" de Altman es muy brillante y memorable. Hablando de la poetisa, muchos recordarán este particular retrato suyo. Sorprendentemente, a ella misma no le gustaba. El retrato le pareció extraño y “amargo”, a juzgar por sus poemas.

De hecho, incluso la hermana de la poetisa admitió que en esos años anteriores a la revolución, Akhmatova era así. Un fiel representante de la modernidad.

Joven, delgado, alto. Su figura angulosa se refleja perfectamente en los "arbustos" al estilo del cubismo. Un vestido azul brillante se combina con éxito con una rodilla afilada y un hombro abultado.

Se las arregló para transmitir la apariencia de una mujer elegante y extraordinaria. Sin embargo, él era así.

Altman no entendía a los artistas que pueden trabajar en un taller sucio y no notar las migas en sus barbas. Él mismo siempre estaba vestido de punta en blanco. E incluso cosía ropa interior por encargo según sus propios bocetos.

También le resultaba difícil rechazar la excentricidad. Una vez que atrapó cucarachas en su apartamento, las pintó de diferentes colores. Pintó uno de ellos dorado, lo llamó el “laureado” y lo dejó ir con las palabras “¡Aquí se sorprenderá su cucaracha!”.

7. Kustódiev. Comerciante de té. 1918

Boris Kustodiev. Comerciante de té. 120 x 120 cm 1918 Museo Estatal Ruso. Artarchive.ru

"Comerciante" Kustodiev: una imagen alegre. En él vemos un sólido y bien alimentado mundo de mercaderes. La heroína con la piel más clara que el cielo. Un gato con un hocico similar a la cara de la anfitriona. Samovar pulido barrigudo. Sandía en un rico plato.

¿Qué podríamos pensar del artista que pintó tal cuadro? Que el artista sabe mucho de una vida bien alimentada. Que le encantan las mujeres con curvas. Y que claramente es un amante de la vida.

Y así es como sucedió realmente.

Si prestaste atención, el cuadro se pintó en los años revolucionarios. El artista y su familia vivían extremadamente mal. Pensando solo en el pan. Vida dura.

¿Por qué tanta abundancia cuando hay devastación y hambre por todas partes? Entonces Kustodiev trató de capturar la hermosa vida irrevocablemente desaparecida.

¿Y el ideal de belleza femenina? Sí, el artista dijo que las mujeres delgadas no lo inspiran a trabajar. Sin embargo, en la vida prefería tal. Su esposa también era delgada.

Kustodiev estaba alegre. Lo que es sorprendente, porque cuando se escribió la imagen, ya había estado encadenado a una silla de ruedas durante 3 años. Fue diagnosticado con tuberculosis ósea en 1911.

La atención de Kustodiev al detalle es muy inusual para una época en la que floreció la vanguardia. Vemos cada secado en la mesa. Caminando por el gostiny dvor. Y un joven tratando de mantener un caballo al galope. Todo esto es como un cuento de hadas, una ficción. Lo que una vez fue, pero terminó.

Resumir:

Si desea ver las principales obras maestras de Repin, Kuindzhi, Bryullov o Aivazovsky, debe visitar el Museo Ruso.

“El último día de Pompeya” de Bryullov trata sobre la belleza de la catástrofe.

“La Novena Ola” de Aivazovsky trata sobre la escala de los elementos.

"La Última Cena" Ge - sobre la realización de la traición inminente.

"Transportistas de barcazas" Repin: sobre un trabajador contratado del siglo XIX.

“Moonlight Night on the Dnieper” trata sobre el alma de la luz.

“Portrait of Akhmatova” de Altman trata sobre el ideal de una mujer moderna.

"Mercader" Kustodiev - sobre una era que no puede ser devuelta.

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"El último día de Pompeya", Karl Bryullov

"El último día de Pompeya" de Karl Bryullov es la pintura más famosa del mundo sobre el tema de la erupción del Vesubio.

Tras la presentación del cuadro en Milán en 1833, Bryullov se convirtió en objeto de culto fanático en Italia, que ningún artista ha sido honrado en este país desde el Renacimiento. Cuando caminaba por la calle -los transeúntes se quitaban el sombrero delante de él, cuando entraba al teatro- el público se levantaba. Multitudes de personas se reunieron cerca de su casa, deseando saludar a su ídolo.

Es interesante que Bryullov se retrató a sí mismo en uno de los personajes de la pintura, y su amiga, la condesa Yulia Samoilova, aparece tres veces en el lienzo.

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"La novena ola", I.K. Aivazovski

El verdadero nombre de Ivan Konstantinovich Aivazovsky es Hovhannes Gevorgovich Ayvazyan.

Para crear la pintura "La novena ola", Aivazovsky usó solo 4 colores: rojo, amarillo, verde y marrón. Los efectos colorísticos más ricos del lienzo se crean mezclando colores primarios.

Aivazovsky tenía una memoria visual absoluta y creó la mayoría de sus pinturas sin naturaleza, utilizando solo bocetos condicionales. Trabajó tan rápido que pudo pintar una vista marina de tamaño mediano en 2 horas. Durante su vida, el artista pintó más de 6 mil cuadros.

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"Los cosacos escriben una carta al sultán turco", I. E. Repin

Pocas personas saben que la pintura "Los cosacos escriben una carta al sultán turco" no está sola. Hay tres versiones que difieren ligeramente en composición y personajes. La versión de 1887 se exhibe en la Galería Tretyakov, la versión de 1891 (principal) en el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo. El tercero, que el artista calificó como "el más confiable históricamente", se encuentra en la tierra natal de I.E. Repin, en el Museo de Arte de Járkov.

Como modelos para los seis personajes de los Zaporozhians, Repin usó a sus conocidos y amigos, adecuados para el tipo. En particular, un cosaco corpulento con un sombrero blanco, a quien muchos comparan con Taras Bulba, es Vladimir Gilyarovsky ("Tío Gilyai"), un famoso viajero y escritor.

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"Sadko", IE Repin

"Sadko" es la única pintura de Repin sobre una trama de cuento de hadas, y una de las pocas en las que utilizó la técnica de los impresionistas. El artista se familiarizó con el impresionismo en Francia, donde viajó como pensionado de la Academia de las Artes. Repin incluso pintó varias pinturas con sus técnicas ("Sadko", "Last Ray", etc.), pero el resultado del maestro novato no quedó satisfecho. Y aunque se predijo que tendría un gran éxito en los círculos impresionistas, abandonó resueltamente el estilo, que consideró "técnicamente interesante, pero decididamente vacío de significado".

El modelo para crear la imagen de Sadko fue un amigo de I. E. Repin, el artista V. M. Vasnetsov (autor de Bogatyrs, Alyonushka, etc.)

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"El Caballero de la Encrucijada", V.M. Vasnetsov

Se pintaron tres cuadros "El caballero en la encrucijada". En las dos primeras versiones, el héroe está de cara al público. La versión de 1878 se conserva en el Museo de Arte e Historia de Serpukhov. La versión de 1879 se exhibió en la primera exposición de la "Unión de Artistas Rusos" en 1903-1904. y fue comprado por un coleccionista estadounidense. 110 años después, en 2013, el cuadro volvió a Rusia y se presentó en Moscú en la inauguración "Rusia: la tentación de la historia". La versión de 1882, en la que el caballero está de espaldas al público, se puede ver en el Museo Estatal Ruso.

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"Noche de luna en el Dnieper", A. I. Kuindzhi

En 1880, se realizó una exposición en San Petersburgo, en la que se exhibió una sola pintura. Sin embargo, causó sensación, se formaron colas en la exposición y muchos visitantes vinieron a ver la imagen más de una vez. Era "Noche de luna en el Dniéper" de Arkhip Ivanovich Kuindzhi. La inusual luz de la luna presentada en el lienzo fue enfatizada por el hecho de que la imagen se exhibió en una habitación oscura. Muchos visitantes no creían que fuera posible pintar la luz de la luna de forma tan realista, y miraban detrás del marco en busca de una bombilla escondida.

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"Suvorov cruzando los Alpes", V. I. Surikov

Habiendo concebido la pintura "Suvorov cruzando los Alpes", V. I. Surikov fue a Suiza y visitó todos los pasos, donde en 1799 pasó el ejército del famoso generalísimo. No solo pintó bocetos de paisajes para la imagen futura en estos lugares, sino que también rodó por la nieve y el hielo, determinando la velocidad de los personajes en diferentes etapas del descenso.

El cuadro fue pintado y exhibido en 1899, con motivo del centenario de la hazaña militar sin precedentes de A. Suvorov.

Los famosos directores Andrei Konchalovsky y Nikita Mikhalkov son descendientes directos de V.I. Surikov.

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Mikhail Pavlovich fue el último de los diez hijos de Paul I, y no tuvo la oportunidad de reinar. Sin embargo, cuidando el destino del hijo menor, el augusto padre, incluso en su nacimiento, ordenó la acumulación de fondos para la construcción de su futuro palacio. En 1819, al alcanzar la mayoría de edad, Mikhail Pavlovich asumió el cargo de responsable de la artillería rusa y pudo pensar en casarse. Luego, por decreto de su hermano mayor Alejandro I, que reinaba en ese momento, se llevó a cabo la colocación del Palacio Mikhailovsky. Fue erigido por un notable maestro de su oficio, el famoso arquitecto italiano Carl Rossi.

Pronto, Mikhail Pavlovich se casó con una joven princesa de Württemberg, que recibió el nombre de Elena Pavlovna durante la transición a la ortodoxia. Primero, los recién casados ​​​​se establecieron en el Palacio de Invierno, pero en 1825 se mudaron al Palacio Mikhailovsky recién terminado, que inmediatamente se convirtió en una nueva decoración de la capital. Este palacio con un pórtico de ocho columnas impresiona por su solemne majestuosidad y refinamiento de proporciones clásicas. En su decoración participaron los mejores artistas y maestros de las artes aplicadas de la época. Frente al palacio hay un patio delantero con una magnífica verja de hierro.

“Este palacio es, por supuesto, un triunfo de la última arquitectura”, escribió el científico inglés Grenville, que visitó Rusia, “no solo supera todo lo visto en las Tullerías y otros palacios reales del continente, sino que es positivamente el único de su tipo." Y los habitantes de Petersburgo respondieron así: “Bueno, verdaderamente el palacio de Mikhail Pavlovich es maravilloso, es decir, como dicen: ni para describir con un bolígrafo, ni para contar en un cuento de hadas. Rico, hermoso, con excelente gusto y cuidado, todo está terminado. Rossi se distinguió aquí incluso más que en el Palacio Yelagin.

El Palacio Mikhailovsky fue para el Gran Duque, que ocupaba el cargo de inspector general de las tropas de ingeniería, tanto un hogar como un lugar de servicio. No solo se celebraron ruidosos bailes de la alta sociedad en el palacio, a los que se llevaron flores en doscientos carros, sino que también se reunieron comités, Mikhail Pavlovich recibió a militares y civiles, organizó recepciones con motivo del nombramiento y ascenso a oficiales. La vida en el palacio estuvo a cargo de un gran personal: en verano, hasta 300, en invierno, hasta 600 personas.

Después de la muerte de Mikhail Pavlovich, el palacio pasó a su viuda Elena Pavlovna, una refinada mecenas del arte y salón político liberal. De las cinco hijas que dio a luz, solo una sobrevivió hasta este momento: Ekaterina Mikhailovna, quien heredó el palacio después de la muerte de su madre. Estaba casada con el duque de Mecklenburg-Strelitz y legó el palacio a sus hijos de ese matrimonio. Sin embargo, hubo una discrepancia: el Palacio Mikhailovsky era propiedad de los Romanov y los herederos eran súbditos alemanes. Alejandro III consideró necesario corregir esta situación comprando el palacio al tesoro. El joven emperador Nicolás II se dio cuenta de lo que su padre había planeado. Por 4 millones de rublos de plata, compró el Palacio Mikhailovsky con todos sus servicios y lo transfirió al Museo Ruso del Emperador Alejandro III, fundado por él en 1895.

Para el dispositivo del museo, el palacio fue reconstruido por el arquitecto Svinin. Se basó en pinturas de las residencias reales, el Hermitage y las colecciones de la Academia de las Artes. En 1916, para albergar las crecientes colecciones, junto al Palacio Mikhailovsky, según el proyecto del académico de arquitectura Benois, se erigió el edificio occidental con vistas al canal. (a menudo conocido como el cuerpo de Benois). El palacio y el edificio Benois están conectados por un pasaje, gracias al cual se puede pasar de uno a otro sin salir al exterior.

Después de la revolución, el Museo Ruso se renovó significativamente con tesoros artísticos nacionalizados y nuevas adquisiciones. Ahora sus fondos contienen cerca de 400 mil obras de pintura, gráfica, escultura y artes decorativas y aplicadas. Las exposiciones del museo cubren todas las etapas del arte ruso, desde los iconos rusos antiguos hasta la vanguardia moderna. Iconos antiguos y pinturas y esculturas de los siglos XVIII-XIX. presentado en el propio Palacio Mikhailovsky, y en el edificio Benois hay principalmente obras de maestros del siglo XX. Allí también se organizan a menudo exposiciones temporales.

Excursión al museo

Se ingresa al museo a través del sótano, donde se encuentran las cajas registradoras y los armarios, y luego se sube al enorme vestíbulo con columnas. Es costumbre iniciar la inspección desde el segundo piso, ya que desde allí comienza la cronología de la exposición. Pero antes de sumergirse en el maravilloso mundo de la antigua pintura rusa de iconos, aprecie el magnífico vestíbulo delantero y la solemne escalera del Palacio Mikhailovsky. El espíritu es impresionante por la sensación de altura y amplitud cuando subes esta amplia escalera que se bifurca en dos tramos hasta la galería del segundo piso, rodeada por dieciocho grandiosas columnas corintias.

Subiendo las escaleras, gire a la izquierda y se encontrará en el departamento de arte de los siglos XII-XVIII. En ese momento, la pintura rusa era exclusivamente religiosa, por lo que en las primeras cuatro salas solo hay íconos antiguos. El más antiguo de ellos se considera el "Ángel de los cabellos de oro", escrito en el siglo XII. (ubicado en la primera habitación junto a la ventana). Es imposible no admirar la majestuosa belleza de las líneas aparentemente tranquilas pero temperamentales, su gracia y pureza.

La siguiente sala presenta la escuela de pintura de iconos de Novgorod: brillante, festiva y muy inteligible. Asegúrese de prestar atención al ícono de principios del siglo XIV. "San Jorge con la vida", que narra con curiosos detalles la legendaria historia de la vida del santo. El mismo santo, muy venerado en Rusia, está representado sobre un caballo blanco sobre el fondo rojo más brillante en otro ícono, de tamaño pequeño, pero de composición monumental.

En la sala de la escuela de Moscú hay obras maestras de la colección: grandes íconos de "San Pedro" y "San Pablo" del iconostasio de la Catedral de la Asunción en Vladimir. Se realizaron en el taller del famoso maestro Andrei Rublev. La composición rítmica, la repetición de líneas suaves y fluidas hacen que estas imágenes sean particularmente musicales.

La cuarta sala exhibe las obras del famoso pintor de iconos Dionisio de la Catedral de la Natividad de la Theotokos del Monasterio de Ferapontov, sorprendentes en su combinación de inexplicable ligereza y claridad con solemnidad y patetismo peculiar. También existen ejemplos posteriores de la escuela de Moscú, que se caracterizan por el dibujo de pequeños detalles y el predominio de los colores rojo y dorado.

Entrando en la siguiente sala, nos encontramos ya en la era petrina con su anhelo por el arte secular. Peter invitó activamente a artistas extranjeros a Rusia y envió a jóvenes rusos a estudiar pintura en el extranjero. La pintura secular comenzó en Rusia con el género del retrato. Los primeros experimentos de este tipo, aunque bastante condicionales, en los que todavía se sentía la tradición de la pintura de iconos, se denominaron "parsuns". ("personas"), La técnica de escritura europea fue dominada por primera vez por los huéspedes extranjeros de Petrovsky, Ivan Nikitin y Andrey Matveev, cuyas obras se pueden ver en esta sala. Ivan Nikitin posteriormente se hizo famoso como el más grande retratista del primer cuarto del siglo XVIII.

Entre sus obras famosas se encuentran "Retrato del hetman al aire libre", "Retrato del barón Stroganov", la famosa obra encargada "Pedro I en su lecho de muerte".

En la habitación contigua - pintura del segundo tercio del siglo XVIII. Aquí están los conocidos retratos infantiles de la familia Fermor de Ivan Vishnyakov y las pinturas expresivas de Alexei Antropov, por ejemplo, un gran retrato de Pedro III, el esposo no amado de Catalina II.

Luego nos encontramos en una sala de la esquina, que despierta admiración por su techo dorado y sorpresa por la enorme estatua de bronce que se encuentra en el medio. Este retrato escultórico de la emperatriz Anna Ioannovna con un niño negro fue realizado por el escultor Rastrelli, el padre del famoso arquitecto.

Pasando por la sala del famoso retratista Fyodor Rokotov (entre sus lienzos cabe destacar "Retrato del Gran Duque Pavel Petrovich en la infancia", "Retrato de la Condesa Santi", retratos de los Surovtsev), llegamos a la exposición, que presenta el trabajo de artistas - graduados de la Academia de Artes creada por Elizaveta Petrovna en 1757. Una pintura interesante del artista ucraniano Anton Losenko sobre la trama histórica rusa "Vladimir y Rogneda". Este artista es considerado el fundador de la pintura histórica rusa.

A continuación, estamos esperando la era de Catalina la Grande - escultórica (obras de Fyodor Shubin) y retratos pintorescos de la emperatriz y el ciclo más famoso de siete retratos de graduados del Instituto Smolny para Doncellas Nobles fundado por ella, creado por Dmitry Levitsky.

Luego, como si sucediera un milagro, desde las salas del museo somos transportados a la era del Gran Duque Mikhail Pavlovich, cayendo en el White Hall, intacto por alteraciones, sorprendente en tamaño y perfección. Aún se conserva la decoración original de Rossi y el mobiliario original realizado según sus bocetos. El espacioso salón, con vista al Jardín Mikhailovsky, está iluminado por candelabros de bronce dorado, que resaltan suavemente la rica pintura de colores de los plafones. La superficie de mármol artificial brilla en las paredes y columnas, el parquet tipográfico pulido brilla, los muebles dorados tallados dispuestos en un orden estricto completan la lujosa decoración. Parece que la puerta está a punto de abrirse y entrarán los dueños de la casa y los invitados. Después de todo, fue aquí donde la Gran Duquesa Elena Pavlovna reunió capital y visitó celebridades, figuras públicas y políticos, músicos y compositores, científicos, escritores ...

Luego, a través de la sala del retratista Borovikovsky, nos encontramos en una de las salas más grandes y famosas del museo, donde se encuentran los impresionantes paisajes marinos de Aivazovsky. (aquí es donde se encuentra el libro de texto "Ninth Wave") discutir a la perfección con los magníficos retratos de Karl Bryullov. Aquí está la pintura más famosa de Bryullov, que abrió una nueva página en la historia del arte ruso: "El último día de Pompeya".

Ninguno de los artistas europeos del siglo XIX. no obtuvo un triunfo tan grandioso como el del joven pintor Karl Bryullov cuando, a mediados de 1833, abrió al público las puertas de su taller romano con el cuadro recién terminado El último día de Pompeya. La gloria del arte ruso nunca se había extendido tan ampliamente por toda Europa. Después de causar una verdadera sensación en Roma, Milán y París, la pintura de Bryullov finalmente llegó a San Petersburgo, donde inmediatamente se convirtió en el centro de atención de la sociedad rusa y se convirtió en objeto de orgullo patriótico. “Multitudes de visitantes, se podría decir, irrumpieron en los pasillos de la Academia para mirar Pompeya”, narra un contemporáneo. En su informe anual oficial, la Academia de las Artes reconoció la pintura de Bryullov como la mejor creación del siglo XIX. Conocidos representantes de la cultura rusa recibieron con entusiasmo la imagen, la cantaron en verso y prosa. Gogol escribió un extenso artículo en el que reconoció este lienzo como "una creación universal completa", donde todo es "tan poderoso, tan audaz, tan armoniosamente reducido a uno, tan pronto como podría surgir en la cabeza de un genio universal".

El tema de la pintura está tomado de la historia romana antigua. Pompeya: una antigua ciudad romana ubicada al pie del Vesubio, en el año 79 d.C. como resultado de una fuerte erupción volcánica, se llenó de lava y se cubrió de piedras y cenizas. Miles de residentes murieron en las calles de la ciudad durante la estampida. En la imagen, Bryullov contrasta la grandeza espiritual y la belleza del hombre con los elementos destructivos de la naturaleza.

“Sus figuras son hermosas a pesar del horror de su posición. Lo ahogan con su belleza”, escribió Gogol, quien notó sutilmente la idea principal de la pintura de Bryullov.

Esta imagen se puede considerar durante mucho tiempo, notando más y más detalles nuevos. Aquí está la figura postrada de una mujer joven que fue aplastada al caer de un carro. Aquí hay dos jóvenes pompeyanos que llevan a su anciano padre enfermo sobre sus hombros. Aquí están los recién casados: un joven esposo sostiene a su esposa que cae exhausta con una corona de bodas en la cabeza. aquí está el hijo (su imagen hace referencia al escritor romano Plinio el Joven, testigo presencial de la tragedia) tratando de salvar a su anciana madre. En la imagen hay tanto un sacerdote pagano como un sacerdote cristiano, como si personificaran el mundo antiguo que se va y la civilización cristiana que emerge de sus ruinas. Si miras de cerca, también puedes ver el autorretrato de Bryullov, que se representa a sí mismo como un artista pompeyano que, huyendo de la ciudad, se lleva consigo una caja de pinceles y pinturas. Y en la imagen de una madre abrazando a sus hijas, el pintor inmortalizó a la mujer de la que estaba enamorado: la famosa dama secular, la condesa Yulia Samoilova. Su propio retrato con su alumno cuelga en la puerta de la habitación contigua.

Luego caemos en otra brecha (los llamados grandes salones con techos de cristal), donde se exhiben obras de artistas académicos, como la gigante "Serpiente de bronce" de Fyodor Bruni o "La aparición de Cristo al pueblo" de Alexander Ivanov, un boceto para una pintura ubicada en la Galería Tretyakov. A continuación, estamos esperando los paisajes italianos de Sylvester Shchedrin, las pinturas del género campesino de Alexei Venetsianov, el trabajo de su talentoso alumno, el artista siervo Grigory Soroka. Y ahora, habiendo completado el círculo, estamos de nuevo en la escalera principal.

Ahora bajemos al primer piso. Érase una vez un local de oficinas y aquí vivían los sirvientes del palacio. Ahora el arte de la segunda mitad del siglo XIX está representado aquí. Recorramos los pasillos del primer piso. El legado de Pavel Fedotov está representado por versiones de dos pinturas famosas del artista: "Cortejo del mayor" y "Viuda", así como una serie de retratos en miniatura. El museo tiene una excelente colección de Wanderers: pinturas de género de Vasily Perov, un apasionado exponente de los contrastes sociales, retratos psicológicos de Ivan Kramskoy, la pintura de Nikolai Ge "Peter I interroga a Tsarevich Alexei", ​​conocida por los libros de texto de historia. También hay muchos paisajes magníficos: "Ship Grove" de Ivan Shishkin, "Winter" de Alexei Savrasov, "Thaw" de Fyodor Vasiliev, "Moonlight Night on the Dnieper" de Arkhip Kuindzhi con un fantástico efecto de iluminación nocturna.

En el primer piso hay grandes pinturas propias, que sorprenden no solo por el tamaño, sino también por la ejecución magistral, por ejemplo, "frina en la fiesta de Poseidón en Eleusis" de Heinrich Semiradsky llena de luz y colores brillantes o la pintura de Vasily Polenov " Cristo y el pecador” inundados por el sol palestino. Por cierto, la última foto tiene un interesante efecto óptico. El burro, ubicado en la esquina derecha de la imagen, está escrito de tal manera que, dondequiera que se mueva el espectador, siempre lo mira directamente.

Cuatro salas están ocupadas por obras de Ilya Repin. Un maestro de gran temperamento creativo, trabajó en diferentes géneros: aquí están los famosos "Transportistas de barcazas en el Volga", y "Los cosacos escriben una carta al sultán turco", y la pintura monumental "La reunión ceremonial del Consejo de Estado". ”, que ocupa toda la sala, y numerosos retratos (crítica de Stasov, compositor Glazunov, cirujano Pirogov, artista Shishkin, etc.).

El trabajo de Vasily Surikov, entonces el principal pintor histórico de Rusia, se refleja en las obras de los períodos medio y tardío: "La captura de una ciudad nevada", "La conquista de Siberia por Yermak", "Suvorov cruzando los Alpes". y “Stepan Razin”. Al lado hay fabulosas pinturas históricas de Viktor Vasnetsov. Aquí, y familiar para todos desde la infancia, "El caballero en la encrucijada".

Siguiendo los carteles con la inscripción "Al ala Benois", atravesaremos el pasaje a esta ampliación del Palacio Mikhailovsky y subiremos al segundo piso, donde nos espera el arte de finales del siglo XIX y XX. Aquí ya hay una atmósfera completamente diferente: no hay lujo en los salones del palacio, y las imágenes ya son completamente diferentes. Los mundos fantásticos de Mikhail Vrubel contrastan con los lienzos serenos de Mikhail Nesterov, llenos de ideas de armonía entre el hombre, la naturaleza y la fe ortodoxa; (según la definición de Gorky) Nicolás Roerich.

Dos salas están ocupadas por las obras de Valentin Serov: estos son retratos. (Princesa Orlova, Ida Rubinstein, una serie de obras dedicadas a la familia del Príncipe Yusupov), paisajes, cuadros historicos ("Peter II y Tsesarevna Elizabeth en una cacería de perros"), bocetos de escenografía para la producción de la ópera "Judith".

Los artistas de la asociación "World of Art" se inspiraron en el culto romántico del pasado -algunos en el arte popular, los cuentos de hadas, la historia de la Rusia pre-Petrina, otros- en el "europeísmo", la época rocalla clásica del Ilustración francesa. Esto se ve claramente en las pinturas de Alexander Benois, Konstantin Somov, Leon Bakst, Mstislav Dobuzhinsky.

El culto modernista a la belleza exquisitamente teatral y “de otro mundo” separó bruscamente al mundo del arte de la emergente vanguardia rusa, menos elegíaca y contemplativa y abierta no al pasado, sino al presente y al futuro. El Museo Ruso tiene una colección única que incluye obras de clásicos de vanguardia: composiciones no objetivas de Wassily Kandinsky, pinturas suprematistas de Kazimir Malevich y pinturas analíticas de Pavel Filonov.

Interesantes exposiciones temporales se organizan constantemente en el edificio Benois. Esto suele ocurrir en su primer piso y en algunos de los pasillos del segundo piso. El edificio Benois tiene su propia entrada desde el lado del canal Griboyedov, por lo que puede llegar allí directamente, sin pasar por el Palacio Mikhailovsky.

Para visitantes

• Dirección: Calle Inzhenernaya, 4, Nevsky Prospekt.
• Teléfono para consultas 595-42-48, contestador automático 314-83-68.
• Abierto todos los días, excepto los martes, de 10.00 a 18.00 horas, en tocones los días previos a las vacaciones hasta las 17.00 horas. Las taquillas cierran una hora antes.
• Entrada - 200 rublos, preferencial (escolares y jubilados rusos)- 50 rublos, preescolares y estudiantes rusos - gratis. Para extranjeros - 350 rublos, para niños y estudiantes extranjeros - 150 rublos.

Pintura de la segunda mitad del siglo XIX - principios del siglo XXI

Entre las pinturas transferidas al Museo Ruso en el momento de su fundación, una parte notable y artísticamente significativa fueron las obras de los principales maestros de la segunda mitad del siglo XIX. (I.K. Aivazovsky, V.M. Vasnetsov, K.E. Makovsky, I.E. Repin, V.D. Polenov, V.I. Surikov). A pesar de que la selección de pinturas para el museo en las dos primeras décadas de su existencia estuvo algo limitada por los gustos conservadores del Consejo de la Academia de las Artes, la gama de pinturas representadas en la colección de pinturas se ha ampliado constantemente. Este es un gran mérito del personal del museo, como Albert Benois y Alexander Benois, I. E. Grabar, P. I. Neradovsky y otros, que dieron pasos importantes para completar la colección de pinturas de artistas contemporáneos. Lienzos individuales y grupos completos de obras provienen de las exposiciones de I.I. Levitan (en 1901 - póstuma), V.V. Vereshchagin (en 1905 - póstuma), Ya.F. Zionglinsky (en 1914 - póstuma), Asociación de Exposiciones de Arte Itinerante (S. Yu. Zhukovsky, N.A. Kasatkin, I.I. Levitan, V.E. Makovsky), la Nueva Sociedad de Artistas (B.M. Kustodiev, N.M. Fokina), de los autores (A.Ya. Golovin, V.A. Serov, M.V. Nesterov), de propietarios aleatorios ("Meal ” de V.G. Perov, “Retrato de O.K. Orlova” de V.A. Serov, etc.) .

Bocetos de M.A. Vrubel y pinturas de K.A. Somov de la extensa colección de V.N. Próximamente la colección de N.I. y E.M. Tereshchenko, que consistía principalmente en obras de artistas de finales del siglo XIX y principios del XX. (incluyendo el "Bogatyr" y "Serafines de seis alas" de M.A. Vrubel), la colección de A.A. Korovin, donde había lienzos de V.A. Serov, F.A. Malyavin, M.V. Nesterov, K. A. Korovin, así como representantes de la asociaciones de arte "World of Art", "Blue Rose" y "Jack of Diamonds".

Reposición de la colección de pinturas de la segunda mitad del siglo XIX - principios del siglo XX. continuó en la década de 1930. En esa época, entre otras obras, se trasladó del Museo de la Revolución la “Gran Reunión del Consejo de Estado” de I. E. Repin. De la Galería Estatal Tretyakov, el Museo Ruso recibió lienzos de maestros que están mal representados en la colección de este último ("Guitarrista-bobyl" y "Retrato de Ivan Sergeevich Turgenev" de V.G. Perov, "Autorretrato" de N.V. Nevrev, "Cursist" N.A. .Yaroshenko, "The Flying Demon" de M.A. Vrubel y "Mujeres" de F.A. Malyavin).

En los últimos veinte años, el museo ha recibido unas doscientas pinturas de la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX. La mayoría de estas obras fueron donadas en 1998 por los hermanos I.A. y Ya. A. Rzhevsky. Una extensa colección de pinturas de artistas rusos, incluidas pinturas de I.K. Aivazovsky, I.I. Shishkin, N.N. Dubovsky, B.N. Kustodiev, K.Ya. palace. También es necesario tener en cuenta varios bocetos y pinturas de artistas rusos de finales del siglo XIX y XX. (S.Yu. Zhukovsky, E.I. Stolitsa, A.B. Lakhovsky y otros), donado en 2009 por N.P. Ivashkevich. Una adquisición destacable de los últimos años ha sido el cuadro de I.E. Repin “Retrato de un militar”, anteriormente propiedad de una de las empresas norteamericanas.

En 1926, además del Departamento de Arte del Museo Ruso, se creó el Departamento de Arte Contemporáneo. Sus fondos comenzaron a reponerse deliberadamente con obras de movimientos artísticos de vanguardia y asociaciones creativas del primer cuarto del siglo XX, incluidas obras de N.S. Goncharova, V.V. Kandinsky, PP Konchalovsky, P.V. Kuznetsov, M.F. Larionov, A.V. Lentulov, K.S. Malevich , L. S. Popova, V. E. Tatlin, R. R. Falk, P. N. Filonov, M. Z. Shagal y muchos otros.

En 1927, la exposición del Museo Ruso presentó constantemente numerosas tendencias nuevas, desde el posimpresionismo hasta la no objetividad. El departamento de últimas tendencias duró solo tres años, pero esencialmente sentó las bases para el Departamento de Pintura Soviética del Museo Estatal Ruso (1932-1991), que en este momento (como parte del Departamento de Pintura de la segunda mitad de los siglos XIX-XXI) ha reabastecido constantemente los fondos. Estos fondos, que superan los 6.000 artículos, cubren casi todas las áreas, escuelas, tendencias, principales tipos y géneros de desarrollo del arte ruso del siglo XX y principios del XXI.

El Museo Ruso tiene una de las mayores colecciones de obras de las primeras vanguardias rusas y sus principales maestros. La colección pictórica presenta las principales tendencias innovadoras de mediados de la década de 1910: el abstraccionismo (V.V. Kandinsky) y su rama puramente rusa: el rayonismo (M.F. Larionov, N.S. Goncharova), el neoprimitivismo (M.F. Larionov, N.S. Goncharova, A.V. Shevchenko, K.S. Malevich) , cubofuturismo (D.D. Burlyuk, K.S. Malevich, I.A. Puni, L.S. Popova, N.A. Udaltsova, A.A. Exter y otros), suprematismo (K.S. Malevich, I.A. Puni, O.V. Rozanova, I.V. Klyun), constructivismo (V.E. Tatlin, A.M. .Rodchenko, A.A. Exter , L.V. Popova), arte analítico (P.N. Filonov). Las colecciones de obras de maestros que crearon sistemas artísticos innovadores (K.S. Malevich, P.N. Filonov, K.S. Petrov-Vodkin), así como de importantes pintores individuales, incluidos aquellos cuyo camino creativo ya comenzó en la época soviética (S.V. Gerasimov, P.P. Konchalovsky, P.V. Kuznetsov, B. M. Kustodiev, V. V. Lebedev, A. A. Rylov, A. V. Shevchenko, N. M. Romadin). Además, la colección del museo incluye obras de artistas, representantes de escuelas importantes que existieron en la era soviética (por ejemplo, la escuela de pintura de paisajes de Leningrado de las décadas de 1930 y 1950).

El arte del realismo socialista, que demuestra un alto mérito artístico, la claridad de la trama, la inclinación programática hacia el "gran estilo", se refleja en las pinturas de A.A. Deineka, A.N. Samokhvalov, A.A. Plastov, Yu.I. Pimenov y muchos otros artistas soviéticos que continuaron para trabajar durante la Gran Guerra Patria, y en la segunda mitad del siglo XX. El fondo dorado del arte soviético también incluía obras de representantes del "estilo severo" y las direcciones de la búsqueda de pintura soviética de los años 60 y 70 que se encontraban en la colección del Museo Ruso. La colección del museo contiene obras de maestros del arte de la posguerra como N.I. Andronov, V.V. Vatenin, D.D. Zhilinsky, V.I. Ivanov, G.M. Korzhev, E.E. Moiseenko, P.F.Nikonov, P.P.Ossovsky, V.E.Popkov, V.M.Sidorov, V.F.Stozharov, los hermanos A.P. y S.P. Tkachevy, B.S. Ugarov, P.T. Fomin y otros, creados en una amplia gama de géneros, desde la pintura histórica hasta la naturaleza muerta.

que tuvo lugar en las décadas de 1970 y 1980. la actualización de la experiencia artística previamente rechazada dio lugar en las profundidades del arte oficial a una galaxia de maestros que trabajaron de acuerdo con la "imagen de ideas" asociada con una comprensión metafórica y multifacética del mundo y la vida humana (O.V. Bulgakova, T.G. Nazarenko , N.I. Nesterova , I.V. Pravdin, A.A. Sundukov y otros). Durante el período de la "perestroika" (1985-1991), la colección del Museo Ruso se llenó con varios nombres de artistas que trabajaron en el marco de la clandestinidad. Hoy en día, la colección de arte contemporáneo es una parte muy móvil y de rápido crecimiento de los fondos del siglo XX y principios del XXI, pero continúa la formación integral de toda la colección pictórica.

Yaroshenko N. A. Retrato del artista Nikolai Ge.

1890. Óleo sobre lienzo.

Roerich N. K. Huéspedes en el extranjero.

1902. Óleo sobre cartón.

El Museo Estatal Ruso en San Petersburgo tiene la colección más grande del mundo de pinturas nacionales, que no tiene igual en amplitud y profundidad de cobertura, y es uno de los objetos más valiosos del patrimonio cultural de Rusia. El complejo de arte ha recopilado más de 400.000 exhibiciones de obras de maestros rusos del siglo XII al XX: pinturas, gráficos, esculturas, artes y oficios, numismática.

En una acogedora plaza sombreada cerca de nosotros, el bronce Alexander Sergeevich Pushkin se encuentra con nosotros. Con un gracioso gesto dirigido hacia el majestuoso edificio, invita a entrar y sumergirse en la atmósfera hechizante del arte de los siglos pasados ​​y del presente...

Museo Ruso: antecedentes históricos

La fecha de fundación del primer museo de arte ruso del país es el 25 de abril de 1895, cuando Nicolás II emitió un decreto sobre su establecimiento y ubicación en el Palacio Mikhailovsky. La idea de crear un museo nacional perteneció a Alejandro III, lo cual quedó reflejado en el título. 37 salas del "Museo Ruso del Emperador Alejandro III" abrieron sus puertas a los visitantes el 7 de marzo de 1898, presentando a la audiencia la primera colección formada por almacenes, pinturas imperiales, colecciones privadas y obras sacadas del palacio en.

La elección del edificio para el museo no fue casual. El Palacio Mikhailovsky fue redimido por el tesoro de los nietos del Gran Duque Mikhail, que vivían en el extranjero. La magnífica creación del arquitecto Carl Rossi, construida en 1825, se convirtió en la decoración de San Petersburgo, su decoración interior en belleza y lujo no fue inferior a los mejores palacios de Europa. Prueba de ello es el Salón Blanco, la única sala que se ha conservado en su forma original después de que el palacio fuera convertido en museo. Pensada hasta el más mínimo detalle, desde la disposición de las columnas y las pinturas murales hasta la disposición de los muebles y el servicio ceremonial, la obra maestra del interior era tan buena que el monarca inglés George encargó una pequeña copia para él.

En esta sala se celebraron famosas veladas musicales, en las que brillaron los mejores intérpretes de la época: Héctor Berlioz, Mikhail Glinka, Franz Liszt, tuvo lugar el debut como director de orquesta de Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Vasily Zhukovsky e Ivan Krylov han estado aquí. El primer participante en los conciertos, el pianista y compositor Anton Rubinstein, señaló en sus memorias que aquí se reunían los mejores artistas que visitaban San Petersburgo. El primer conservatorio en Rusia debe su descubrimiento a las actividades de la Sociedad Musical Rusa, que se originó en el salón de música popular del Palacio Mikhailovsky.

En el futuro, la colección de valores culturales se repone a expensas del presupuesto y las donaciones, y después de la revolución de 1917, mediante la "expropiación" de colecciones privadas. Durante los años de guerra, las exhibiciones fueron evacuadas a Perm y en 1946 la exposición fue restaurada y reabierta al público.

Desde 1954, a través de los esfuerzos de la Comisión de Compras de Expertos, establecida en el museo, se han formado los principios de su desarrollo y reposición deliberada de fondos, se han desarrollado programas de intercambio cultural y cooperación internacional.

Exposición del Museo Ruso

Es difícil nombrar a un artista ruso famoso cuyo trabajo no se presentaría en el Museo Ruso. Todo lo mejor creado por pintores nacionales durante 800 años se presenta en la galería de arte, que cuenta con más de 15 mil copias.

Cuatro salas en el primer piso del Palacio Mikhailovsky albergan una exposición permanente de iconos rusos antiguos. Se presentan las obras de los siglos XII-XVII de los centros de arte de la antigua Rusia, creadas en Pskov, Novgorod, Suzdal, Yaroslavl. Esta es la parte más valiosa de una extensa colección con un número total de más de cinco mil copias. La magnífica colección es una de las más importantes de Rusia, gracias a su diversidad y número, permite rastrear el desarrollo de la escuela rusa de pintura de iconos a lo largo de los últimos siglos de su historia.

El icono "Ángel de cabellos dorados" es el más antiguo de la colección. Las obras maestras incluyen el iconostasio de la Catedral de la Asunción de Vladimir, obra del famoso Andrei Rublev, una serie de iconos del Monasterio Ferapontov, obra del notable maestro de principios del siglo XVI, Dionisio. De gran interés son las obras de Simon Ushakov, el principal pintor de iconos de la Armería en el siglo XVII.

La colección de obras de bellas artes rusas del siglo XVIII y principios del XIX es reconocida como la más completa. Entre las pinturas del museo se encuentran pinturas de artistas famosos de este período: Ivan Nikitin, Fyodor Rokotov, Alexei Venetsianov, un pequeño lienzo "La aparición de Cristo al pueblo" de Alexei Ivanov y numerosos bocetos, que se han convertido en programáticos para muchas generaciones de pintores. Según el plano original, el tamaño de la pintura correspondía a la copia del Museo Ruso. El lienzo monumental, concebido por el autor mucho más tarde (la obra tardó 40 años en crearse), se encuentra en la Galería Tretyakov.

Es imposible pasar con indiferencia por los retratos femeninos de cámara de Vladimir Borovikovsky. Se distinguen por la sensibilidad en la transferencia de carácter, una atmósfera bien trabajada, unida por el encanto poético de las imágenes. El trabajo de Dmitry Levitsky es la historia de Rusia en rostros. Entre las obras de Orest Kiprensky, llama especialmente la atención el retrato ceremonial de un húsar. Según la versión oficial, este es un retrato de E. V. Davydov, pariente del famoso poeta y héroe partidista Denis Davydov. La intriga de la imagen es que de vez en cuando surge la pregunta de cuál de ellos, los héroes de 1812: el poeta partisano o el ilustre general, está realmente representado en el retrato. Los personajes de las escenas de género de Pavel Fedotov, llamado el "Gogol de la pintura", que logró destruir la armadura del academicismo y allanar el camino para una nueva dirección con sus pinturas de la vida cotidiana, parecen completamente diferentes.

La pintura de Karl Bryullov "El último día de Pompeya" siempre despierta interés. El tema fue sugerido al artista, que había estado buscando una parcela digna durante mucho tiempo, por su hermano mayor, el arquitecto. La autenticidad de la imagen se logró mediante un estudio exhaustivo de los materiales de excavación, documentos históricos, copia de exhibiciones de museos.

El cuadro fue pintado en Roma y proporcionó al joven pintor un rotundo éxito en Europa, pero en casa se esperaba un verdadero triunfo. A. S. Pushkin, N. V. Gogol acogieron con entusiasmo el trabajo, se convirtió en un motivo de orgullo nacional, el poeta Yevgeny Baratynsky dedicó las siguientes líneas al autor:

“... Trajo trofeos pacíficos

Contigo a la sombra del padre.

Y estaba "El último día de Pompeya"

Para el pincel ruso, el primer día.

La misma sala exhibe pinturas de uno de los pintores marinos rusos más famosos, académico y pintor del Estado Mayor Naval Principal: Ivan Aivazovsky. Una de sus obras más populares, La novena ola, está dedicada al tema del enfrentamiento entre las personas y los elementos, está llena de optimismo y refleja los acontecimientos de la biografía del autor. Fue escrito unos años después de la tormenta que experimentó en el Golfo de Vizcaya, el barco se consideró muerto en una tormenta aplastante y aparecieron informes erróneos en la prensa sobre la muerte de un joven, pero ya famoso, artista ruso.

Subiendo al segundo piso, puedes ver el arte ruso de la segunda mitad del siglo XIX. La exposición presenta las obras de los “Wanderers”: Grigory Myasoedov, Ivan Kramskoy, Nikolai Ge, Vasily Perov, Alexei Savrasov…

En mayo de 1870, los artistas Ilya Repin, Yevgeny Makarov y Fyodor Vasilyev, de 20 años, emprendieron un viaje a lo largo del Volga. Los bocetos realizados durante el viaje de 4 meses sirvieron como base para la creación de pinturas famosas que se pueden ver en las salas del museo: "Transportadores de barcazas en el Volga" de Repin y el paisaje que hizo famoso a Vasiliev - "Vista del Volga. Barki". Como una estrella fugaz, brillante y desvaneciéndose rápidamente, falleció temprano. La famosa pintura El deshielo, que al mismo tiempo glorificaba al artista y se volvió fatal (enfermó de tuberculosis mientras trabajaba en ella), adorna la exposición de la Galería Tretyakov. En el Museo Ruso cuelga la copia del autor, encargada por la corte real en un esquema de color diferente. Fue este lienzo el que se envió, entre otros, a la Exposición de Londres de 1872 y recibió críticas muy favorables.

La pintura más misteriosa y mística de Arkhip Kuindzhi "Noche de luz de luna en el Dnieper" también se encuentra en el Museo Ruso. Su propietario, el Gran Duque Konstantin, que no quiso desprenderse de la adquisición, colocó el cuadro en su yate y zarpó. Desafortunadamente, las pinturas no resistieron la prueba del tiempo, la humedad y el aire del mar y se oscurecieron. Obviamente, los primeros espectadores recibieron diferentes impresiones de la imagen que vieron, aunque aún hoy la imagen fascina y asombra.

La pintura rusa de finales del siglo XIX y XX está representada por las obras de Isaac Levitan, Mikhail Vrubel, Valentin Serov, así como por los artistas del Mundo del Arte: Alexander Benois, Konstantin Korovin, los maestros de la Rosa Azul y la jota de diamantes.

El arte contemporáneo se exhibe en. En los lienzos de artistas de finales del siglo XIX y principios del XX, el fantástico "Demonio volador" de Mikhail Vrubel, retratos de Valentin Serov, composiciones de género de Boris Kustodiev, obras de Nicholas Roerich.

Aquí puedes ver a los principales maestros de las primeras vanguardias rusas. El orgullo de la colección es la serie de obras más grande del mundo (100 pinturas y 20 dibujos) de Kazimir Malevich y obras de Pavel Filonov (alrededor de 200 pinturas y la misma cantidad de dibujos).

El museo posee la colección de esculturas más grande del país desde el siglo XVII hasta principios del siglo XX. Antes de la revolución, esta visión estaba representada por solo 184 exhibiciones, la colección actual incluye más de 2 mil copias. Las mejores obras de los talentos originales de los innovadores del siglo pasado Anna Golubkina, Sergei Konenkov, Alexander Matveev han encontrado su lugar en el museo.

Los fondos numismáticos del museo incluyen más de 70 mil piezas. Monedas, medallas, valores y billetes, insignias, fichas y sellos ofrecen una imagen completa de la historia del dinero ruso y la fabricación de medallas.

La colección de grabado recorre las etapas de desarrollo de este arte en Rusia, contiene una de las colecciones más completas de gráficos impresos, hay muestras de todas las técnicas de impresión: desde la clásica sobre madera y metal hasta la impresión por computadora. Los maestros del siglo XVIII Alexey Zubov, Evgraf Chemesov, Ivan Bersenev se presentan no solo en grabados, sino también en las formas del autor: tableros de cobre.

El Museo Ruso posee una importante colección de artes decorativas y aplicadas, tiene más de 35 mil artículos, que incluyen colecciones de vidrio, loza, porcelana, joyas hechas de metales preciosos, cerámica, pintura artística, textiles, muebles, ropa. La perla de la parte antigua de la colección es el "Tesoro de Kyiv", que se encontró en Mikhailo, el Monasterio de las Cúpulas Doradas. La mayor cantidad de reliquias está representada por objetos de arte aplicado de Moscú del período de los siglos XIV-XVII, entre los cuales se puede destacar una colección de platería y costura maravillosa: iconostasios bordados de una pieza e íconos individuales decorados con adornos.

Museo Ruso: nuestros días

El Museo Ruso es un complejo de parques y museos de fama mundial, que incluye un instituto de investigación y un centro de restauración. La propiedad no son solo objetos de arte, aquí se almacenan materiales de archivo histórico. La extensa biblioteca del museo (170 mil artículos), que existe desde 1897, tiene alrededor de 14,5 mil rarezas. Los valores culturales se encuentran en seis edificios, en el territorio de tres parques increíbles: el Jardín de Verano, los jardines del mismo nombre del Palacio Mikhailovsky y el Castillo de Ingeniería:

Los principales tesoros, incluida la biblioteca, se almacenan en el museo de la antigua residencia principesca.

Diseñado por los arquitectos V. Bazhenov y Vincenzo Brenna para Paul I, 20 años después de la muerte del emperador, el edificio pasó a manos de la Escuela de Ingeniería y en 1994 fue transferido por completo al Museo Ruso. Hay exposiciones permanentes de escultura, una galería de retratos y exposiciones temporales.

Castillo Mikhailovsky desde el río Moika.

Diseñado por el gran Antonio Rinaldi, el castillo estaba destinado al conde Grigory Orlov como regalo de la emperatriz. En 1991, el edificio fue transferido al Museo Ruso por decisión del Ayuntamiento de San Petersburgo. Donada en 1994 por coleccionistas alemanes, una colección de pinturas de la segunda mitad del siglo XX, llamada Museo Ludwig en el Museo Ruso, es la exposición principal del palacio.

Palacio de Mármol.

El antiguo palacio de los barones (condes) de los Stroganov, creación de varios arquitectos, incluido Francesco Bartolomeo Rastrelli, es una sucursal del museo desde 1988. La exposición permanente alberga el gabinete mineralógico, obra maestra de la arquitectura, que alberga una colección de minerales.

Vista del Palacio Stroganov desde el río Moika.

Casa de Pedro I. "Mansiones rojas": el edificio urbano más antiguo del tipo de una casa de madera sueca, el primer monumento-museo conmemorativo del país, incluido en el Museo Ruso en 2004. Ubicado en el terraplén Petrovskaya.

Palacio de Verano de Pedro I. El edificio pertenece al período de 1710-1712, arquitecto Domenico Trezzini, ubicado en el Jardín de Verano.

El museo cuenta con un salón de actos con una variada e interesante programación, se realizan conferencias científicas y seminarios dedicados a fechas significativas. Los visitantes se sienten atraídos por las exposiciones temáticas de pinturas de las bóvedas, así como por las obras maestras de arte de otros museos y colecciones privadas. Se lleva a cabo la preparación y publicación de catálogos de la exposición permanente y de las exposiciones. Existe un sistema de excursiones organizadas, las clases se imparten con escolares en estudios de arte.

Visita interactiva del Museo Ruso

Cómo usar la ventana del tour interactivo:
al presionar brevemente el botón izquierdo del mouse en cualquiera de las flechas blancas en la ventana del recorrido, se moverá en la dirección correspondiente (izquierda, derecha, adelante, etc.), al mantener presionado el botón izquierdo, gire el mouse en diferentes direcciones : puedes mirar a tu alrededor sin moverte de su lugar. Al hacer clic en el cuadrado negro en la esquina superior derecha de la ventana del recorrido interactivo, accederá al modo de vista de pantalla completa.

1. Museo Ruso: el edificio del Palacio Mikhailovsky (desde el lado de la fachada principal).

2. Museo Ruso: Fachada del jardín del Palacio Mikhailovsky y el Jardín Mikhailovsky.

3. Exposición del Museo Ruso en el Palacio Mikhailovsky:

Museo Ruso: dónde se encuentra y cómo llegar

Todos los edificios del museo están ubicados en el centro y están ubicados en las siguientes direcciones:

La exposición principal se presenta en el Palacio Mikhailovsky en la calle Inzhenernaya, 4 y en el edificio Benois en el terraplén del canal Griboyedov, 2.
Castillo Mikhailovsky - Calle Sadovaya, 2;
Palacio Stroganov - Nevsky Prospekt, 17;
Palacio de Mármol - calle Millionnaya, 5/1.

Desde las estaciones de metro "Gostiny Dvor" y "Nevsky Prospekt" accesibles a pie.