En forma de una obra musical desarrollada y completa, una “opus”, en contraste con la fluida variabilidad del proceso del arte popular, a partir de la improvisación (en la música antigua, oriental, folk, jazz, algunos tipos de música del siglo XX) .

La composición presupone: la presencia de un autor como persona (compositor); su actividad creativa decidida; una obra existente separable del creador y además independiente de él; encarnación del contenido en una estructura sonora objetivada establecida con precisión; un aparato complejo de medios técnicos, sistematizado por la teoría musical y presentado en un campo especial del conocimiento (en un curso de composición). Escribir una composición requiere una notación musical perfecta. La consolidación de la categoría de composición y el estatus del compositor está asociada al desarrollo durante el Renacimiento del concepto de libre personalidad humana- creador, creador (la indicación del nombre del compositor se convirtió en la norma desde el siglo XIV; la culminación de los principios personales y de autor en la composición, en el siglo XIX).

La composición como conjunto musical y artístico es estable. Supera la fluidez continua del tiempo y siempre establece una unicidad igualmente reproducible de los componentes principales de la música: tono, ritmo, disposición del material, etc. Gracias a la estabilidad de la composición, es posible reproducir el sonido de la música en cualquier intervalo de tiempo arbitrariamente grande después de su creación. Al mismo tiempo, la composición siempre está diseñada para determinadas condiciones de rendimiento. En comparación con las formas folclóricas aplicadas (canciones, danzas) y acciones (rituales, religiosas, cotidianas), directamente incluidas en el proceso de la vida, la composición es más una obra de arte.

Desde la antigüedad, la idea de un todo musical composicionalmente unificado se ha asociado con una base textual (o métrica de danza). El concepto latino de composición fue precedido históricamente por concepto antiguo Melopea. Verbo componer y sus derivados (incluyendo compositor) se encuentran en numerosos tratados medievales, empezando por Hucbald de Saint-Amant y su escuela (siglos IX-X). En el siglo XI, Guido Aretinsky en su “Micrólogo” (c.) entendía la composición (componenda) principalmente como la hábil composición de un coral. John de Groqueio (“Sobre la música”, ca.) atribuyó este concepto a la música polifónica (“musica composita”, es decir, música compuesta compleja) y utilizó la palabra “compositor”. Durante el Renacimiento, John Tinctoris (“Determinante términos musicales”, ) destacó el momento creativo del último trimestre (compositor - “que escribió algunos cantus nuevos”); en "El libro sobre el arte del contrapunto" () distinguió claramente el contrapunto anotado - "res facta" (equivalente a "cantus compositus" en el "Determinante") y el improvisado ("super librum cantare", letras cantar sobre un libro).

Estudiando nuevos métodos de composición en la música de la segunda mitad del siglo XX - principios del XXI siglos en los últimos 15 años se ha convertido en una organización científica y disciplina académica - teoría de la composición moderna, que incluye el estudio de nuevos métodos de composición y fenómenos musicales como

El tema del que quiero hablar hoy es importante para arreglistas, compositores e intérpretes. Por un lado, es bastante sencillo de entender, pero muy difícil de dominar. El problema se complica por el hecho de que, a pesar de la abundancia de libros de texto sobre el tema, el número de libros que consideran este problema de manera integral es simplemente escaso. El libro más popular probablemente sea “Lógica”. composicion musical» Nazaykinsky. Y como comprenderás, de lo que quiero hablar es de la composición musical.

¿Qué es una composición musical?

Ésta es una de las definiciones de composición en cualquier arte: la construcción de una obra de arte, la organización, la estructura de la forma de la obra.

Todavía - esencia técnicas de composición Se reduce así a la creación de una unidad compleja, un todo complejo, y su significado está determinado por el papel que desempeñan en el contexto de este todo en la subordinación de sus partes.

Es decir, es la estructura y forma de una obra que tiene una cierta lógica en todos los niveles y capas de la composición musical.

¿Cómo se manifiesta esto?

Para describir esto de la forma más sencilla posible, lo mejor es partir de lo contrario, es decir, fijarse en cuando la composición se desmorona. Este es un error bastante común incluso entre autores experimentados. ¿Cómo se manifiesta una violación de las leyes de la composición en la música de cualquier estilo?

En primer lugar, esto se manifiesta en la ruptura de las conexiones entre los niveles de composición.

Permítanme aclarar qué se entiende por niveles de composición.

Hay un micro nivel: esta es la entonación. Generalmente buena composicion, se basa en varias entonaciones básicas.

El nivel de la melodía es el tema principal o cualquier construcción a nivel de período.

¿Cómo se relacionan el nivel micro y el nivel melódico?

La base de cualquier melodía, incluso larga, será la entonación principal, que se adivinará incluso en la forma más velada; esto garantiza el interés del oyente y, por otro lado, la empatía y el reconocimiento.

El error más común es la presencia de una gran cantidad de entonaciones y la falta de conexión entre niveles.

El tercer nivel es el nivel macro: el nivel pequeño trabajo o partes de una forma compleja (en este caso, también podemos hablar del nivel supra-macro, pero los conceptos son condicionales, aquí todos pueden usar la terminología que más le convenga).

Una composición bien construida combina un proceso constante de renovación con la repetición de ciertos elementos: este es uno de las reglas más importantes composiciones.

Y aunque música contemporánea Muy a menudo basado en la repetición, se puede ver que los productores y arreglistas competentes proporcionan un cambio continuo no lineal. material musical mediante automatización, pequeñas modificaciones, variaciones, etc.

Lo importante aquí es el cambio no lineal.

Como regla general, los compositores inexpertos añaden cualquier idea nueva en el cruce de la forma, por ejemplo después de 4-8 compases, etc. Para crear una composición cohesiva, es mucho más valioso introducir cambios en el medio de las barras y formaciones. Y aunque hay un gran número de En la música de tipo cuadrado, incluso entre los clásicos, casi siempre se puede ver un componente no lineal de una forma u otra.

Pienso en las leyes y trucos de la composición musical, escribiré un artículo aparte, pero por ahora continuaremos.

Entonces, la lógica se manifiesta en todos los niveles y capas, como escribí anteriormente; esto significa que estará no solo en la melodía, sino también en la armonía, la línea de bajo, etc.

Permítanme aclarar una vez más que por lógica me refiero, en primer lugar, a las conexiones de entonación. Dado que la entonación también puede ser rítmica, muy a menudo un patrón rítmico organizará la construcción.

La composición como proceso abarca todos los niveles de la obra. Desde el inicio del trabajo de una obra hasta su finalización, cada compositor, de una forma u otra, sigue una determinada lógica de composición. Algunas personas usan esquemas que ya han demostrado su eficacia, otras simplemente copian los que conocen, pero quizás solo haya un enfoque por el que un músico debería esforzarse: crear una estructura compositiva única basada en plantillas existentes. Además, el modelo aquí implica cualquier esquema de forma musical conocido que el compositor utilice como punto de partida para el trabajo. En este caso, la estructura puede ser reconocida inmediatamente por el compositor o manifestarse a medida que avanza en el trabajo compositivo.

La composición musical (latín compositio - compilación, composición) es una categoría de musicología y estética musical, caracterizando la encarnación objetiva de la música en forma de un completo pieza musical en contraste con la variación arte popular e improvisación de algunos tipos de música.

El término "composición" se utiliza ahora ampliamente en diversos campos. actividad humana:v Bellas Artes(escultura y gráfica) y literatura (disposición motivada de los componentes de la obra), construcción (materiales compuestos), etc. En el arte, este término suele identificarse tanto con la trama y el sistema de imágenes como con la estructura de una obra de arte. Para ello se utilizan términos explicativos: arquitectura, construcción, construcción. Finalmente, este término se refiere a obras que incluyen diferentes tipos artes (composición literaria y musical) o compuestas por fragmentos de obras de diferentes géneros.

La composición musical asume:

• el autor-compositor y su actividad creativa decidida;
• una obra separable del creador y que existe independientemente de él;
• encarnación del contenido en una estructura sonora objetivada;
• un complejo aparato de medios técnicos sistematizado por la teoría musical.

Cada tipo de arte se caracteriza por un determinado conjunto de técnicas técnicas, cuyo dominio es necesario para trabajo creativo. La música es una de las formas de arte que requiere más mano de obra. Por lo tanto, el creador de música, el compositor, necesita especialmente equipo técnico. "Sin dominio del arte", dice D. Kabalevsky, "no se puede dar un solo paso". Además, cree que en la obra de un compositor la creatividad misma no ocupa más del diez por ciento, y el resto es técnica: conocimiento y capacidad de aplicar técnicas técnicas.

Para caracterizar el método de composición musical característico de un compositor en particular, se utiliza el término "método creativo". Todos los compositores destacados que escribieron música orquestal, tenía una audición tímbrica interna desarrollada, es decir. Ideas internas sobre el sonido real. “El pensamiento musical no se me aparece sino en su correspondiente forma externa; ... Invento la idea más musical al mismo tiempo que la instrumentación”, escribió P.I. Chaikovski. Las ideas internas sobre el sonido real permitieron a W. A. ​​Mozart pulir la partitura de una obra orquestal hasta tal punto que solo quedaba escribir el texto musical.

La composición, por tanto, es el estudio de la interacción de todos los medios de expresión musical en forma musical (estructura compositiva). Como textura, que actúa como principio organizador. espacio artístico, el esquema formal se convierte en un lado del todo musical, asociado a las leyes del desarrollo temporal de la obra.

Por supuesto, el método creativo del compositor se forma en el proceso de su propio trabajo duro. Un compositor puede crear y mejorar su composición con la ayuda de ideas internas sobre el sonido real, su uso. libro de trabajo(dibujante), así como un piano o una computadora.
El inicio del trabajo en un ensayo debe considerarse la formación de un plan general, en el que se pueden distinguir tres etapas:

• definición Genero musical y comprensión de imágenes (trama);
• justificación del esquema de forma clásico;
• elección método creativo: composición (basada en preparativos preliminares o “construcción” gradual) de una melodía figurativa que corresponde a esta imagen de armonía, textura y voces adicionales desarrolladas polifónicamente.

Para una obra musical, un aspecto como la accesibilidad a la percepción es extremadamente importante. B. Asafiev llama a la capacidad del compositor para tener en cuenta los patrones de percepción auditiva "el enfoque de la forma en el oyente". Es atraer la atención del oyente hacia los puntos mas importantes funciona, proporcionar un descanso oportuno al oído después de un gran estrés, generar determinadas expectativas, justificarlas o alterar la inercia de la percepción auditiva, dirigir la percepción por el camino necesario, etc.

Una pieza musical es el resultado de un acto creativo de un compositor.

El concepto de composición como un todo artístico completo no se desarrolló de inmediato. Su formación está estrechamente relacionada con el papel cada vez menor de la improvisación en el arte de la música y la mejora de la notación musical, que en una determinada etapa de desarrollo permitió registrar con precisión por escrito las características esenciales de las obras musicales. Como consecuencia significado moderno la composición adquirió sólo en el siglo XIII, cuando la notación musical desarrolló medios para registrar no sólo la altura, sino también la duración de los sonidos. Cualquier composición refleja características tanto generales como individuales. arte musical de esta época.

La historia de la música es en gran medida la historia de la composición musical en las obras destacadas de los principales músicos. Una composición nunca está absolutamente completa, ni dentro de los límites de una obra de arte ni a escala. dirección artística, fluidez, estilo. La composición no es un estado, sino un proceso. Según la definición de S. Daniel, la composición se concibe, implementa y percibe como “un proceso que realiza el desarrollo de una idea, un comienzo compositivo, como el tronco de un árbol, que conecta orgánicamente las raíces y la copa del árbol, las ramas, los brotes de una forma pictórica”.

Cada obra de arte es un reflejo de más de uno. momento historico, sino que es una fusión de lo universal y lo actual, lo tradicional y lo innovador, lo conocido y lo desconocido, la alegría de lo fácilmente reconocible y la sorpresa de lo inusual, lo nuevo.

Música

Verdadero dominio, capacidad de dominar los medios expresivos. las artes escénicas depende, junto con otros factores, del nivel cultura musical. Después de todo, la música es uno de los elementos más importantes de una representación teatral de casi cualquier género. La música es un medio expresivo del arte.

Ningún libro puede reemplazar la música en sí. Sólo puede dirigir la atención, ayudar a comprender las características de la forma musical e introducir las intenciones del compositor. Pero sin escuchar música, todo conocimiento adquirido en un libro quedará muerto y escolástico. Cuanto más regular y atentamente una persona escucha música, más comienza a escuchar en ella. Pero escuchar y oír no son lo mismo. Sucede que una pieza musical al principio parece compleja, inaccesible a la percepción. No deberías apresurarte a sacar conclusiones. La escucha repetida seguramente revelará su contenido figurativo y se convertirá en una fuente de placer estético.

Pero para experimentar la música emocionalmente, es necesario percibir el tejido sonoro mismo. Si una persona reacciona emocionalmente a la música, pero al mismo tiempo puede distinguir, diferenciar, “escuchar” muy poco, entonces sólo le llegará una pequeña parte de su contenido expresivo.

Según la forma en que se utiliza la música en la acción, se divide en dos categorías principales: argumental y convencional.

La trama de la música en una obra de teatro tiene una amplia variedad de funciones. En algunos casos sólo proporciona emociones o característica semántica una escena separada, sin inmiscuirse directamente en la dramaturgia. En otros casos, la música de la historia puede convertirse en un factor dramático importante.

La música de cuentos puede:

· Caracterizar caracteres;

· Indicar el lugar y hora de la actuación;

· Crear la atmósfera y el estado de ánimo de la acción escénica;

· Hablar de una acción que es invisible para el espectador.

Las funciones enumeradas, por supuesto, no agotan la variedad de técnicas para utilizar la música argumental en representaciones dramáticas.

Es mucho más difícil introducir música convencional en una interpretación que música argumental. Su convención puede entrar en conflicto con la realidad de la vida mostrada en el escenario. Por tanto, la música convencional siempre requiere una justificación interna convincente. Al mismo tiempo posibilidades expresivas Esta música es muy amplia; para ella se pueden utilizar una variedad de medios orquestales, vocales y corales.

La música condicional puede:

· Potenciar emocionalmente el diálogo y el monólogo,

· Caracterizar a los personajes.

· Enfatizar la estructura constructiva y compositiva de la actuación,

· Exacerbar el conflicto.

Uno de funciones generales música en la obra - ilustratividad. La ilustratividad se entiende como una conexión directa entre la música y acción escénica: el personaje recibió buenas noticias: tararea una canción divertida o baila al son de la radio; la música detrás del escenario representa la imagen de una tormenta, una tormenta; dramáticamente sonando musica expresa la situación dramática en el escenario, etc. Se pueden encontrar ejemplos de este uso de la música en casi todas las actuaciones. Debido a su pronunciada emotividad, la música influye activamente en la atmósfera emocional de la actuación cuando realiza funciones dramáticas.

La música se está convirtiendo cada vez más en un principio emocional activo; está prácticamente relacionada con la acción, la atmósfera de la actuación y está diseñada para revelar y complementar la esencia del drama. Así, la capacidad de un actor y director para sentir la estructura emocional y rítmica de una obra musical, la capacidad y habilidad para construir la puesta en escena, actuar y moverse en y con la música se vuelven muy importantes.

melodía - elemento esencial arte musical. Cuando un cantante canta sin acompañamiento, escuchamos una melodía: "un pensamiento musical monofónico expresado". Esta melodía puede estar sola un trabajo de arte. La música para las representaciones se selecciona principalmente de forma convencional, ya que la trama está predeterminada por el dramaturgo en las acotaciones escénicas de la obra.

Seleccionar material musical es un proceso complejo. Usando fragmentos creatividad musical uno o diferentes autores, el director, por así decirlo, "recrea" algo cualitativamente nuevo, trabajo completo, correspondiente al carácter y estructura completa de la representación escénica. Si estas melodías pertenecen al mismo género y estilo, entonces la presentación será más holística y completa. Por lo tanto, es aconsejable seleccionar música de obras de uno o más similares. individualidad creativa compositores.

Recordando que la música es una de las medios expresivos actuación, conviene recordar que el arte entiende la vida en la lógica de las sorpresas naturales, por lo que el director debe ser un contrapuntista en la organización de la luz, los sonidos, “los ritmos de la actuación, todos sus componentes, sólo así la obra sonará como una sinfonía y brillar con “colores nácar”.

La canción es uno de los géneros más comunes. música vocal, combina texto poético con una melodía fácil de memorizar. Las canciones pueden ser interpretadas por un intérprete, así como por un grupo o coro, con acompañamiento instrumental y a capella.

La más popular es la canción. Básico y compositivo. Su principal diferencia es que el arte del compositor tiene al menos un autor, mientras que el arte popular no tiene autor su creador es el pueblo;

Las canciones populares se transmiten de generación en generación a las más jóvenes. Se extendieron por todo el país gracias a músicos viajeros que los sumaron a su repertorio y se trasladaron de ciudad en ciudad, acercándolos a diferentes oyentes. A la gente común no se le enseñaba a leer ni a escribir, y no sabía escribir música ni letras, por lo que aprendía canciones de memoria. Naturalmente, en diferentes ciudades podría cantar la misma pieza con en diferentes palabras o melodía. Además, cada intérprete podría cambiar el texto o motivo a su gusto, por lo que hoy en día puedes encontrar varios diferentes opciones una canción. Al principio, la gente cantaba en bodas, funerales, con motivo del nacimiento de un niño y durante los rituales. Luego la gente empezó a cantar cuando trabajaba y a descansar cuando estaba triste o feliz.

Las canciones de los compositores aparecieron aproximadamente en los siglos XVI y XVII, con el desarrollo de la cultura secular. Son obras que tienen al menos un autor específico y deben realizarse según la intención del creador. La canción de los compositores llega al oyente en su forma original, incluso si han pasado varios siglos desde su creación.

tipos de canciones

Existen los siguientes géneros de canciones:

• del autor (o del bardo);
• Napolitano;
• himnos;
• gente;
• histórico;
• baladas de rock;
• variedad;
• país;
• romances;
• canción;
• cancioneros;
• canciones de cuna;
• para niños;
• perforar.

Aquí se enumeran tanto los establecidos desde hace mucho tiempo como los géneros modernos canciones. Ejemplos de algunos de ellos: “Es fantástico que estemos todos reunidos aquí hoy” de O. Mityaev (Bardovskaya); “Oh, escarcha, escarcha” (folk); "Recuerdo momento maravilloso» M. Glinka a las palabras de A. Pushkin (romance); “Regreso a Sorrento” de E. de Curtis y J. de Curtis (napolitano); “Soldados, muchachos valientes” (combatientes), etc.

canciones populares rusas

Las canciones populares se dividen en rituales y no rituales. El ritual acompaña a cualquier ritual: boda, funeral, nacimiento de un niño, cosecha, etc. No rituales: no se realizan en una ocasión específica, sino en reuniones, durante conversaciones y fiestas, se cantan según el estado de ánimo, expresando las emociones y experiencias de las personas. Temas Canciones folk puede ser cualquier cosa: amor, un duro campesino o un recluta, eventos históricos o personajes históricos reales...

Géneros de canciones rusas:

• boda;
• reclutamiento;
• canciones de cuna;
• canciones infantiles;
• morteros;
• ritual del calendario;
• llorar;
• cocheros;
• cancioneros;
• funeral;
• ladrones;
• burlatskie;
• lírico;
• bailes redondos;
• baile;
• apodos.

Chatushki, por cierto, no es un género muy antiguo; aparecieron hace poco más de cien años y cantaban sobre el amor. Al principio sólo los realizaban niños.

Las canciones populares incluyen obras que expresan los sentimientos y estados de ánimo de quienes las cantan. Estas canciones se dividen en canciones familiares y de amor. Pueden tener un carácter diferente, incluso imprudentes e incontrolablemente alegres. Pero en su mayor parte, las letras populares rusas expresan tristeza y melancolía. A menudo, en las letras, el estado de ánimo de una persona se compara con fenómenos naturales.

Las canciones populares pueden ser interpretadas por un solista, grupo o coro, acompañadas de instrumentos y a capella.

romances

Hay géneros de canciones en las que el acompañamiento no es menos importante que la letra y la melodía. El romance pertenece a este tipo. Este género se originó en España en la Edad Media. La palabra “romance” se utilizó para describir obras realizadas en estilo español. Posteriormente, todas las canciones profanas empezaron a llamarse así. Los compositores rusos escribieron romances basados ​​en poemas de Alexander Pushkin, Afonasy Fet, Mikhail Lermontov y otros poetas. En nuestro país, este género alcanzó la cima de su popularidad en el siglo XIX. Muchos romances compuestos, la mayoría trabajos famosos este tipo creatividad de la canción pertenecen a M.I.Glinka, P.I. Chaikovski, N.A. Rimsky-Korsakov, S.S. Prokófiev, S.V. Rajmáninov,

la cancion de bardo

Los géneros de canciones que aparecieron en el siglo XX son pop, chanson, canción de bardo y otros. En nuestro país este tipo de creatividad musical surgió en la segunda mitad del siglo XX. Una canción de bardo se diferencia en que, en la mayoría de los casos, el autor del texto, el compositor y el intérprete son la misma persona. Es decir, el propio autor, bajo su propia acompañamiento de guitarra realiza su trabajo. En este género, el papel dominante pertenece al texto. Inicialmente, estas canciones se dividieron en canciones de estudiantes y de turistas, luego el tema se amplió. Representantes destacados de este género: V. Vysotsky, Y. Vizbor, B. Okudzhava, S. Nikitin, O. Mityaev, V. Dolina. A los intérpretes de estas canciones a menudo se les llamaba "poetas cantantes". En los años 50 y 60 del siglo XX, este género se llamaba "canción amateur", ya que a menudo los bardos no son compositores profesionales, poetas y cantantes.