La naturaleza muerta es un género que saltó a la fama en el arte occidental a finales del siglo XVI y se ha mantenido como un género importante desde entonces.

Los bodegones se clasifican según la representación de objetos ordinarios, que pueden ser naturales, como flores, frutas, etc., o artificiales, como vasos, instrumentos musicales, etc. A continuación se muestra una lista de los 10 bodegones más famosos. pinturas de artistas famosos como Chardin, Paul Cezanne, Van Gogh y Giorgio Morandi.

No. 10 Serie de bodegones, Artista Tom Wesselman

Año: 1962

El movimiento del arte pop se originó en la década de 1950 y utiliza imágenes reconocibles de la cultura popular. Entre las obras de arte pop más populares se encuentra una serie de naturalezas muertas de Tom Wesselmann. Sus bodegones representan elementos del mundo moderno, en lugar de las frutas y verduras de la generación anterior de artistas de este género. Esta obra (Still Life #30) es una combinación de pintura, escultura y un collage de marcas registradas que Tom vio en la calle.

Nº 9 Vanitas con violín y bola de cristal

Ilustrador: Peter Klas

Pasemos a la etapa final de esta serie de publicaciones sobre el género de la naturaleza muerta. Estará dedicado a la obra de artistas rusos.

Comencemos con Fyodor Petrovich Tolstoy (1783-1873). Gráficos de bodegones de F.P. Tolstói, célebre escultor, medallista, dibujante y pintor ruso, es probablemente la parte más destacada y valiosa de su acervo creativo, aunque el propio artista dijo que creaba estas obras “en su tiempo libre de estudios serios”.

La principal propiedad de los bodegones de Tolstoi es su carácter ilusorio. El artista copió cuidadosamente la naturaleza. Intentó, en sus propias palabras, “con estricta claridad trasladar del natural al papel la flor copiada tal como es, con todos los detalles más pequeños pertenecientes a esta flor”. Para engañar al espectador, Tolstoy utilizó técnicas ilusionistas como la imagen de gotas de rocío o papel translúcido que cubría el dibujo y ayudaba a engañar a la vista.

Ilya Efimofich Repin (1844-1930) también recurrió repetidamente a un motivo de naturaleza muerta como las flores. Estas obras incluyen la pintura "Ramo de otoño" (1892, Galería Tretyakov, Moscú), donde el artista representa un paisaje otoñal con la misma atención, una mujer joven de pie contra el fondo de árboles dorados y un modesto ramo de flores amarillas y blancas en sus manos.

I. Repin. ramo de otoño. Retrato de Vera Repina. 1892, Galería Tretiakov

La historia de la pintura "Manzanas y hojas" es algo inusual. La naturaleza muerta, que combina frutas y hojas, fue puesta en escena para el alumno de Repin, V.A. Serov. Al maestro le gustó tanto la composición del tema que decidió escribir él mismo una naturaleza muerta. Las flores y las frutas atrajeron a muchos artistas, que las prefirieron, entre otras cosas, para mostrar el mundo de la naturaleza de la manera más poética y hermosa. Incluso en. Kramskoy, que despreciaba este género, también rindió homenaje a la naturaleza muerta, creando una pintura espectacular “Ramo de flores. Phloxes” (1884, Galería Tretyakov, Moscú).

Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911) es conocido por la mayoría de nosotros como un artista que prestó atención en su trabajo al paisaje, el retrato y la pintura histórica. Sin embargo, cabe señalar que el tema en su obra siempre jugó un papel importante y, a menudo, ocupó la misma posición de igualdad que otros elementos de la composición. Un poco más arriba, ya mencioné su trabajo de estudiante "Manzanas en las hojas", 1879, realizado bajo la dirección de Repin. Si comparamos esta obra con una obra escrita sobre el mismo tema por Repin, podemos ver que la naturaleza muerta de Serov es más estudio que el lienzo de su maestro. El artista novato utilizó un punto de vista bajo, por lo que se combinan la primera y la segunda toma y se reduce el fondo.

Conocido por todos desde la infancia, la pintura "Niña con melocotones" va más allá del género del retrato y no es casualidad que se llame "Niña con melocotones" y no "Retrato de Vera Mamontova". Podemos ver que aquí se combinan las características de un retrato, un interior y una naturaleza muerta. El artista presta la misma atención a la imagen de una niña con una blusa rosa y algunos objetos agrupados hábilmente. Melocotones de color amarillo pálido, hojas de arce y un cuchillo brillante yacen sobre un mantel blanco. Otras cosas del fondo también están dibujadas con amor: sillas, un gran plato de porcelana que decora la pared, una figura de un soldado de juguete, un candelabro en el alféizar de la ventana. La luz del sol que entra por la ventana y cae sobre objetos con reflejos brillantes le da a la imagen un encanto poético.

Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) escribió: “Y de nuevo me golpea, no, no me golpea, pero escucho esa nota nacional íntima que tanto quiero captar en lienzos y adornos. Esta es la música de una persona completa, no diseccionada por las distracciones de un Occidente ordenado, diferenciado y pálido”.

En la Academia de Artes, el maestro favorito de Vrubel fue Pavel Chistyakov, quien le enseñó al joven pintor a "dibujar con forma" y argumentó que las formas tridimensionales no deben crearse en el espacio con sombras y contornos, deben construirse con líneas. Gracias a él, Vrubel aprendió no solo a mostrar la naturaleza, sino también a tener una conversación sincera, casi amorosa con ella. Con este espíritu, se realizó la maravillosa naturaleza muerta del maestro "Rosa salvaje" (1884).

Contra el telón de fondo de exquisitas cortinas con motivos florales, el artista colocó un elegante jarrón redondeado pintado con motivos orientales. Una delicada flor blanca de rosa mosqueta se destaca claramente, teñida con tela azul verdosa, y las hojas de la planta casi se fusionan con el cuello negro tenuemente brillante del jarrón. Esta composición está llena de un encanto y una frescura indescriptibles, a los que el espectador simplemente no puede evitar sucumbir.

G. N. Teplov y T. Ulyanov. La mayoría de las veces representaban una pared de tablones, en la que se dibujaban los nudos y las venas de un árbol. Varios objetos están colgados en las paredes o tapados detrás de cintas clavadas: tijeras, peines, cartas, libros, cuadernos de música. Relojes, tinteros, botellas, candelabros, platos y otras cosas pequeñas se colocan en estantes estrechos. Parece que tal conjunto de elementos es completamente aleatorio, pero de hecho esto está lejos de ser el caso. Mirando tales naturalezas muertas, uno puede adivinar los intereses de los artistas que se dedicaban a tocar música, leer y que eran aficionados al arte. Los maestros representaron con amor y diligencia las cosas queridas para ellos. Estas pinturas conmueven con su sinceridad e inmediatez de percepción de la naturaleza.

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) también dedicó gran parte de su obra al género de la naturaleza muerta. En sus alegres lienzos se pueden ver brillantes telas de raso, brillantes samovares de cobre, el brillo de la loza y la porcelana, rodajas rojas de sandía, racimos de uvas, manzanas, muffins deliciosos. Una de sus pinturas notables es "El comerciante de té", 1918. Es imposible no admirar el esplendor brillante de los objetos que se muestran en el lienzo. Un samovar brillante, pulpa roja brillante de sandías, manzanas brillantes y uvas transparentes, un jarrón de vidrio con mermelada, un azucarero dorado y una taza frente a la esposa del comerciante: todas estas cosas le dan un ambiente festivo a la imagen.

En el género de la naturaleza muerta, se prestó mucha atención a los llamados "bodegones ficticios". Muchos bodegones de "engaño", a pesar de que su tarea principal era engañar al espectador, tienen un mérito artístico indudable, especialmente notable en los museos, donde, colgados en las paredes, tales composiciones, por supuesto, no pueden engañar al público. Pero también hay excepciones. Por ejemplo, “Naturaleza muerta con libros”, realizada por P.G. Bogomolov, se inserta en una "estantería" ilusoria, y los visitantes no se dan cuenta de inmediato de que esto es solo una imagen.

Muy buena “Naturaleza muerta con loro” (1737) G.N. Teplov. Con la ayuda de líneas claras y precisas, que se convierten en contornos suaves y suaves, sombras claras y transparentes, sutiles matices de color, el artista muestra una variedad de objetos colgados en una pared de tablones. Madera magistralmente enlucida, tonalidades azuladas, rosadas, amarillentas que ayudan a crear una sensación casi real de olor fresco a madera recién cepillada.

Bodegones rusos: los "trucos" del siglo XVIII atestiguan el hecho de que los artistas aún no transmiten hábilmente el espacio y los volúmenes. Es más importante para ellos mostrar la textura de los objetos, como si se transfirieran al lienzo desde la realidad. A diferencia de las naturalezas muertas holandesas, donde las cosas absorbidas por el entorno de luz se representan en unidad con él, en las pinturas de los maestros rusos, los objetos pintados con mucho cuidado, incluso pequeños, parecen vivir por sí mismos, independientemente del espacio circundante.

A principios del siglo XIX, la escuela de A.G. Venetsianov, quien se opuso a la estricta delimitación de géneros y buscó enseñar a sus alumnos una visión holística de la naturaleza.

A. G. Venetsianov. Corral, 1821-23

La escuela veneciana abrió un nuevo género para el arte ruso: el interior. Los artistas mostraron varias estancias de la casa noble: salas de estar, dormitorios, estudios, cocinas, aulas, habitaciones de personas, etc. En estas obras, se otorgó un lugar importante a la representación de varios objetos, aunque la naturaleza muerta en sí misma fue de poco interés para los representantes del círculo de Venetsianov (en cualquier caso, se han conservado muy pocas naturalezas muertas realizadas por los alumnos del famoso pintor). Sin embargo, Venetsianov instó a sus alumnos a estudiar cuidadosamente no solo los rostros y las figuras de las personas, sino también las cosas que los rodean.

El objeto en la pintura de Venetsianov no es un accesorio, está inextricablemente vinculado con el resto de los detalles del cuadro y, a menudo, es la clave para comprender la imagen. Por ejemplo, las hoces en la pintura "Los segadores" (segunda mitad de la década de 1820, Museo Ruso, San Petersburgo) cumplen una función similar. Las cosas en el arte veneciano parecen estar involucradas en la vida tranquila y serena de los personajes.

Aunque Venetsianov, con toda probabilidad, en realidad no pintó bodegones, incluyó este género en su sistema de enseñanza. El artista escribió: Las cosas inanimadas no están sujetas a esos variados cambios que son característicos de los objetos animados, se paran, se mantienen tranquilas, inmóviles ante un artista inexperto y le dan tiempo para penetrar con mayor precisión y juicio, para escudriñar la relación de una parte con otra, tanto en líneas, como en luces y sombras por el propio color, que dependen del lugar que ocupen los objetos”.

Por supuesto, la naturaleza muerta también desempeñó un papel importante en el sistema pedagógico de la Academia de las Artes en los siglos XVIII y XIX (en las aulas, los estudiantes hacían copias de las naturalezas muertas de los maestros holandeses), pero fue Venetsianov, quien instó a los jóvenes artistas a la naturaleza, que introdujeron en su programa de primer año de estudios la naturaleza muerta, compuesta por figuras de yeso, platos, candelabros, cintas de colores, frutas y flores. Venetsianov seleccionó temas para bodegones educativos para que fueran de interés para los pintores novatos, comprensibles en forma, hermosos en color.

En las pinturas creadas por estudiantes talentosos de Venetsianov, las cosas se transmiten de manera veraz y fresca. Estas son las naturalezas muertas de K. Zelentsov, P.E. Kornílov. En las obras de los venecianos también hay obras que no son esencialmente naturalezas muertas, pero, sin embargo, el papel de las cosas en ellas es enorme. Puede nombrar, por ejemplo, los lienzos "Estudio en Ostrovki" y "Reflejo en el espejo" de G.V. Urracas conservadas en la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

GV Urraca. "Oficina en Ostrovki". Fragmento, 1844, Museo Ruso, San Petersburgo

Las naturalezas muertas en estas obras no actúan de forma independiente, sino como partes del interior dispuestas de manera peculiar por el maestro, en correspondencia con la estructura compositiva y emocional general de la imagen. El principal elemento de conexión aquí es la luz, que pasa suavemente de un objeto a otro. Al mirar los lienzos, comprendes lo interesante que es el mundo que lo rodea para el artista, que representó con amor cada objeto, cada pequeña cosa.

La naturaleza muerta presentada en el “Estudio en Ostrovki”, aunque ocupa un pequeño lugar en la composición general, parece inusualmente significativa, destacada por el hecho de que el autor la cercó del resto del espacio con un alto respaldo de la sofá, y córtelo a izquierda y derecha con un marco. Parece que Urraca se dejó llevar tanto por los objetos que estaban sobre la mesa que casi se olvidó del resto de los detalles del cuadro. El maestro escribió cuidadosamente todo: una pluma, un lápiz, un compás, un transportador, una navaja, un ábaco, hojas de papel, una vela en un candelabro. El punto de vista desde arriba te permite ver todas las cosas, ninguna de ellas oscurece a la otra. Atributos como una calavera, un reloj, así como símbolos de “vanidad terrenal” (una figurilla, papeles, ábaco) permiten a algunos investigadores clasificar la naturaleza muerta como una vanitas, aunque esta coincidencia es pura coincidencia, muy probablemente, la sierva artista usó lo que estaba en la mesa de su maestro.

Un conocido maestro de las composiciones temáticas en la primera mitad del siglo XIX fue el artista I.F. Khrutsky, quien pintó muchas pinturas hermosas en el espíritu de la naturaleza muerta holandesa del siglo XVII. Entre sus mejores obras se encuentran "Flores y frutas" (1836, Galería Tretyakov, Moscú), "Retrato de una esposa con flores y frutas" (1838, Museo de Arte de Bielorrusia, Minsk), "Naturaleza muerta" (1839, Museo de la Academia de las Artes, San Petersburgo).

En la primera mitad del siglo XIX, la "naturaleza muerta botánica", que nos llegó de Europa occidental, era muy popular en Rusia. En Francia, en ese momento, se publicaron obras de botánicos con bellas ilustraciones. Gran fama en muchos países europeos recibió el artista P.Zh. Redoubt, quien fue considerado "el pintor de flores más célebre de su tiempo". El "dibujo botánico" fue un fenómeno significativo no solo para la ciencia, sino también para el arte y la cultura. Dichos dibujos se presentaban como regalo, álbumes decorados, que los ponían así a la par de otras obras de pintura y gráfica.

En la segunda mitad del siglo XIX, P.A. Fedotov. Aunque en realidad no pintó naturalezas muertas, el mundo de las cosas que creó se deleita con su belleza y veracidad.

Los objetos en las obras de Fedotov son inseparables de la vida de las personas, están directamente involucrados en los eventos dramáticos representados por el artista.

Mirando la pintura "El caballero fresco" ("La mañana después de la fiesta", 1846), uno se sorprende por la abundancia de objetos cuidadosamente pintados por el maestro. Una naturaleza muerta real, sorprendente por su laconismo, se presenta en la famosa pintura de Fedotov "Cortejo de un mayor" (1848). La copa es palpablemente real: copas de vino con patas altas, una botella, una licorera. El más delgado y transparente, parece emitir un suave timbre de cristal.

Fedotov P. A. matrimonio del mayor. 1848-1849. GTG

Fedotov no separa los objetos del interior, por lo que las cosas se muestran no solo de manera confiable, sino también pintorescamente sutil. Cada objeto más ordinario o no muy atractivo que ocupa su lugar en el espacio común parece asombroso y hermoso.

Aunque Fedotov no pintó bodegones, mostró un indudable interés por este género. La intuición lo impulsó a cómo organizar este o aquel objeto, desde qué punto de vista presentarlo, qué cosas se verían a continuación no solo justificadas lógicamente, sino también expresivamente.

El mundo de las cosas, que ayuda a mostrar la vida de una persona en todas sus manifestaciones, dota a las obras de Fedotov de una musicalidad especial. Tales son las pinturas "Ancla, más ancla" (1851-1852), "La viuda" (1852) y muchas otras.

En la segunda mitad del siglo XIX, el género de la naturaleza muerta prácticamente dejó de interesar a los artistas, aunque muchos pintores de género incluyeron voluntariamente elementos de naturaleza muerta en sus composiciones. Cosas en las pinturas de V.G. Perov ("Beber té en Mytishchi", 1862, Galería Tretyakov, Moscú), L.I. Solomatkin ("Slavilshchiki-gorodovye", 1846, Museo Estatal de Historia, Moscú).

Los bodegones son presentados en escenas de género por A.L. Yushanova ("Despedir al jefe", 1864), M.K. Klodt ("El músico enfermo", 1855), V.I. Jacobi ("Buhonero", 1858), A.I. Korzukhin ("Antes de la confesión", 1877; "En el hotel del monasterio", 1882), K.E. Makovsky ("Alekseich", 1882). Todos estos lienzos ahora se conservan en la colección de la Galería Tretyakov.

K.E. Makovsky. “Alekseich”, 1882, Galería Tretyakov, Moscú

En las décadas de 1870 y 1880, la vida cotidiana siguió siendo el género principal de la pintura rusa, aunque el paisaje y el retrato también ocuparon un lugar importante. Los Wanderers jugaron un papel muy importante para el desarrollo posterior del arte ruso, quienes buscaron mostrar la verdad de la vida en sus obras. Los artistas comenzaron a dar gran importancia al trabajo a partir de la naturaleza y, por lo tanto, se volcaron cada vez más hacia el paisaje y la naturaleza muerta, aunque muchos de ellos consideraban esta última una pérdida de tiempo, una pasión sin sentido por la forma, desprovista de contenido interior. Entonces, I. N. Kramskoy mencionó al famoso pintor francés, que no descuidó las naturalezas muertas, en una carta a V.M. Vasnetsov: "Una persona talentosa no perderá el tiempo en la imagen, por ejemplo, cuencas, peces, etc. Es bueno hacer esto para las personas que ya tienen todo, pero tenemos mucho trabajo por hacer".

Sin embargo, muchos artistas rusos que no pintaron bodegones los admiraron, mirando los lienzos de los maestros occidentales. Por ejemplo, V. D. Polenov, que estaba en Francia, escribió a I.N. Kramskoy: “Mira cómo van las cosas aquí, como un reloj, cada uno trabaja a su manera, en una variedad de direcciones, lo que le gusta a cada uno, y todo esto se agradece y se paga. Con nosotros lo más importante es lo que se hace, pero aquí es cómo se hace. Por ejemplo, por una palangana de cobre con dos peces pagan veinte mil francos, y además consideran a este artesano del cobre como el primer pintor, y, quizás, no sin razón.

Visitado en 1883 en una exposición en París V.I. Surikov admiraba los paisajes, las naturalezas muertas y las pinturas que representan flores. Él escribió: “El pescado de Gibert es bueno. La baba de pescado se transmite de manera magistral, colorida, amasada tono sobre tono”. Hay en su carta a P.M. Tretyakov y tales palabras: “Y los peces de Gilbert son un milagro. Bueno, puedes tomarlo completamente en tus manos, está escrito para engañar ".

Tanto Polenov como Surikov podrían convertirse en excelentes maestros de la naturaleza muerta, como lo demuestran los objetos magistralmente pintados en sus composiciones ("Enfermo" de Polenova, "Menshikov en Berezov" de Surikov).