Bodegón en gráficos en blanco y negro. Bodegón decorativo

En nuestras clases de pintura se presta especial atención a los bodegones, realizados en tecnica de pintura decorativa.

La pintura decorativa es un tema diverso y extenso. En el desarrollado por nuestros profesores, hay una serie de lecciones sobre el estudio de técnicas decorativas para trabajar con pinturas. Por ejemplo, se han preparado bodegones especiales, en los que puede mostrar claramente varias técnicas y características del estilo decorativo.

El propósito de la tarea es una naturaleza muerta decorativa.

• Aprenda a representar objetos utilizando los medios de pintura decorativa.
• Domina las habilidades de transformar, dividir y arreglar flores en forma.
• Prueba diferentes técnicas de pintura decorativa.

Existe una creencia generalizada de que los estilos pictóricos decorativos no encajan en el currículo académico y son contrarios a las reglas pictóricas básicas. De hecho, este es un concepto erróneo profundo. Todos los métodos y principios del estilo decorativo fluyen directamente del programa académico y son su desarrollo posterior y la evolución continua de todo el arte académico.

A primera vista, el modelado simplista y la falta de una imagen realista pueden presentar una imagen incorrecta. La ejecución decorativa de la obra plantea otras muchas tareas más complejas.

La pintura decorativa implica un estudio profundo del color local, la composición de manchas de color, la búsqueda de acentos expresivos y soluciones espaciales espectaculares.

Se requiere que el artista transmita la imagen, la impresión de un modelo real lo más claramente posible, utilizando un mínimo de medios. Es necesario mostrar el volumen del objeto, el material, la textura, sin recurrir al modelado clásico. El valor del análisis de la forma del objeto aumenta, es necesario seleccionar y modelar una imagen estilizada, que transfiere el objeto de una imagen realista al plano de color.

En la pintura decorativa, la línea adquiere más importancia, que se convierte en un participante de pleno derecho en la imagen y, junto con el color y el tono, participa en la formación de la composición general. Cambiar el grosor y la expresividad de la línea enfatiza más claramente el volumen y la plasticidad del objeto.

Además, una gran variedad puede traer un cambio en la forma y frecuencia de aplicación de un trazo, que convierte inmediatamente la superficie del lienzo en un panel decorativo o mosaico.

En la primera etapa de familiarización con las posibilidades de la pintura decorativa, recomendamos pintar una serie de naturalezas muertas, ya que en la naturaleza muerta es posible elegir combinaciones de objetos y telas para demostrar vívidamente las técnicas del estilo decorativo.

Tipos de bodegones decorativos.

Hay varias técnicas comunes que han demostrado su eficacia en la práctica y en el proceso de aprendizaje. Los nombres se eligen condicionalmente, ya que en la pintura moderna no existe una clasificación internacional clara de estilos y nombres uniformes.

Pintura a partir de retazos. Todas las combinaciones de colores en esta tecnología se representan como segmentos separados, enfatizando la estructura de los objetos y mostrando sus propiedades más expresivas. A menudo se utilizan colores puros y mapeo de espacio plano.

Pintura con un contorno claramente definido. Para mejorar las relaciones de forma y color, se utiliza el llamado "método de vidrieras", cuando todos los objetos y puntos de refracción de la forma se delinean con líneas negras u oscuras, creando contornos claros y límites entre los colores. Las obras realizadas en esta técnica son muy espectaculares y luminosas.

Otras técnicas decorativas se basan en combinaciones de colores puros, varios tipos de cambios de trazo, el uso de espátula, pinceles anchos y otras herramientas. El formato del artículo no permite describir todas las técnicas y métodos de aplicación de pintura. Puedes aprender más visitando nuestras clases.

Una naturaleza muerta en blanco y negro se puede pintar de varias maneras. Puede parecer un boceto a lápiz estándar o una ilustración interesante de puntos o letras. Hoy hablaremos de diferentes técnicas que puedes repetir fácilmente en casa.

patrón manchado

La naturaleza muerta en blanco y negro se suele hacer decorativa. ¿Por qué? Sí, porque se ve muy bien. Una imagen realista, sin color, puede parecer adecuada si se trata de un retrato, una ilustración o algo similar, con muchos detalles. Una naturaleza muerta realista no es muy interesante de considerar. Por lo tanto, muchos artistas prefieren obras decorativas. La naturaleza muerta en blanco y negro se dibuja de manera muy simple. Primero necesitas construir una composición. Puedes dibujar de la naturaleza, que será más fácil, o crear un escenario en tu imaginación. En nuestro caso, sobre la mesa hay una jarra y un cuenco con manzanas. Un lazo y cortinas cuelgan de la pared. Cuando se haya encontrado todo esto en un lugar adecuado en la hoja y se hayan resuelto los detalles, puede proceder a dividir los objetos en partes. Además, esto no debe hacerse de manera caótica, sino pensando claramente para que las partes blancas queden adyacentes a las negras y no se pierda ninguno de los objetos.

dibujo lineal

Los bodegones en blanco y negro se pueden pintar en varias técnicas. Uno de ellos es la imagen de un dibujo mediante líneas. Para dibujar una imagen de este tipo, debe tomar objetos que tengan una textura claramente definida. Si este no es el caso, entonces habrá que inventar el alivio. Debe comenzar a dibujar una naturaleza muerta en blanco y negro construyendo una composición. En primer lugar, describimos todos los elementos. En nuestro caso, se trata de una taza con flores, manzanas y una mesa de madera. Una vez que todos los elementos han tomado su lugar, comenzamos a trabajar en la forma y luego en los detalles. La acción final es la imagen de la textura. La taza adquiere rayas horizontales, flores y manzanas, un borde recortado. Asegúrese de mostrar la textura de la mesa. Es recomendable combinar líneas horizontales y verticales en un bodegón para que los objetos no se mezclen, sino que se destaquen entre sí.

dibujo de letras

Esta imagen se verá como un gráfico en blanco y negro. La naturaleza muerta consiste en letras que suavemente se convierten en palabras e incluso en oraciones. ¿Cómo dibujar una composición decorativa tan original? Primero necesitas dibujar un boceto. Delinea la taza y el periódico que quedará en el fondo. Después de eso, debes dividir el dibujo por tonos. Por ejemplo, el café en una taza debe tener el tono más saturado, el segundo lugar lo ocupa una sombra que cae y el tercero es el suyo. Por lo tanto, es posible dividir todo el boceto con líneas. Después de eso, si confía en sus habilidades, puede pintar sobre el dibujo con un bolígrafo de gel, y si le preocupa que algo no funcione, primero pinte las letras con un lápiz. Es cierto que, en este caso, las letras deberán estar rodeadas de tinta. El bolígrafo de gel no dibuja bien con un lápiz. Las letras deben superponerse según la forma de los objetos. Y asegúrate de jugar con la altura y el ancho. Una palabra puede ser muy estrecha y otra dos o tres veces más grande. Puede cifrar algunas frases en una imagen de este tipo, o puede escribir palabras arbitrarias.

La palabra "naturaleza muerta" proviene de la frase francesa "nature morte" y significa naturaleza mortificada o muerta. Pero me parece que la esencia de esta forma de arte se transmite mejor con la expresión inglesa "still life" - "still, frozen life". De hecho, en esencia, una naturaleza muerta no es más que una parte de la vida capturada.

Recopilando material para este artículo, encontré ciertas dificultades. A primera vista, fotografiar una naturaleza muerta es fácil. Coloque una taza sobre la mesa, agréguele algunos detalles, encienda la luz y haga clic en el obturador usted mismo. Los modelos fotográficos están siempre a mano, tiempo ilimitado para disparar. Costo conveniente y mínimo. Es por eso que los fotógrafos novatos aman tanto este género. Y algunos logran resultados muy interesantes. Vaya a cualquier sitio fotográfico, seleccione la sección apropiada y admire imágenes realmente elegantes. Pero pasa el tiempo y surgen muchas preguntas: "¿Por qué filmar esto? ¿Quién lo necesita? ¿Qué obtendré de esto?" Incapaces de encontrar respuestas a estas preguntas, muchos se dedican a la fotografía de bodas, bebés o animales, lo que genera algunos ingresos. La naturaleza muerta no goza de especial respeto entre los maestros de la fotografía. Este no es un negocio rentable. Si algo puede traer, es solo satisfacción estética. Y fotografían bodegones de vez en cuando, por así decirlo, para perfeccionar sus habilidades.

Pero no son pocos los que ven en una naturaleza muerta algo más que una bella imagen. Es a estos maestros de la naturaleza muerta a los que dedico mi artículo.

Lo admito, al principio quería hacer una selección de trabajos de fotógrafos que me gustan y que ocupan legítimamente los primeros lugares en las clasificaciones en varios sitios de fotografía. Y entonces surgió la pregunta: "¿por qué?" Todo el mundo sabe cómo utilizar Internet, la mayoría ha estudiado sitios de fotos más de una vez, conocen los mejores trabajos y siempre se puede encontrar información sobre el fotógrafo que les interesa a través de un motor de búsqueda. Decidí hablarte de los fotógrafos especiales: aquellos cuyo trabajo pone patas arriba los cánones reconocidos, que realmente aportaron algo nuevo a la fotografía de naturaleza muerta, que lograron ver algo extraordinario en las cosas ordinarias. Puede relacionarse con su trabajo de diferentes maneras: admirar o, por el contrario, no aceptar. Pero, definitivamente, su trabajo no puede dejar indiferente a nadie.

1. cara barer

Kara Barer (1956), una fotógrafa de los EE. UU., eligió un tema para fotografiar: un libro. Transformándolo, crea sorprendentes esculturas de libros, que fotografía. Puedes mirar sus fotos sin parar. Después de todo, cada una de estas esculturas de libros tiene un significado determinado y ambiguo.

2. Guido Mocafico

El fotógrafo suizo Guido Mocafico (1962) no se limita a un tema en su obra. Se interesa por cosas diferentes.

Pero incluso tomando un solo artículo, obtiene un trabajo increíble. Famoso por su serie "Movimiento" ("Movimiento"). Parece que los mecanismos del reloj simplemente se toman, pero cada uno, si miras de cerca, tiene su propio carácter.

En las naturalezas muertas, como saben, se elimina la "naturaleza inanimada". En su serie "Serpientes", Guido Mocafico rompió esta regla y tomó un ser vivo como tema de una naturaleza muerta. Las serpientes enroscadas crean una imagen sorprendente, brillante y única.

Pero el fotógrafo también crea bodegones tradicionales, fotografiando al estilo holandés y utilizando verdaderos "objetos inanimados" como accesorios.

3. Carl Kleiner

El fotógrafo sueco Karl Kleiner (1983) utiliza los objetos más ordinarios para sus bodegones, componiéndolos en imágenes extrañas. Las fotografías de Karl Kleiner son coloridas, gráficas y experimentales. Su imaginación no tiene límites, utiliza materiales completamente diferentes, desde papel hasta huevos. Todo, como dicen, va a trabajar.

4. Carlos Grogg

Los bodegones del estadounidense Charles Grogg están realizados en blanco y negro. El fotógrafo para fotografiar también usa artículos domésticos comunes que están disponibles en todos los hogares. Pero experimentando con su disposición y combinándolos en combinaciones inusuales, el fotógrafo crea imágenes realmente fantásticas.

5. Chema Madoz

Estoy seguro de que la obra de Chem Madoz (1958), un fotógrafo de España, es familiar para muchos. Sus bodegones en blanco y negro, ejecutados con un estilo surrealista, no dejan indiferente a nadie. La visión única del fotógrafo de las cosas ordinarias es admirable. Las obras de Madoza están llenas no solo de humor, sino también de un profundo significado filosófico.
El propio fotógrafo asegura que sus fotografías están realizadas sin ningún tipo de procesado digital.

6. Martín Klimas

En las obras de Martin Klimas (1971), fotógrafo de Alemania, tampoco hay photoshop. Sólo una velocidad de obturación corta, o mejor dicho, supercorta. Su técnica especialmente desarrollada le permite capturar un momento único que el ojo humano ni siquiera puede ver. Martin Klimas filma sus bodegones en total oscuridad. Con la ayuda de un dispositivo especial, en el momento de romper un objeto, se enciende un flash durante una fracción de segundo. Y la cámara capta el Milagro. ¡Aquí tienes sólo un jarrón con flores!

7. Juan Chervinsky

Estadounidense John Chervinsky (1961) - un científico que trabaja en el campo de la física aplicada. Y sus bodegones son una mezcla de ciencia y arte. Aquí no lo entenderás: ni una naturaleza muerta, ni un libro de texto de física. Al crear sus bodegones, John Chervinsky utiliza las leyes de la física, obteniendo un resultado increíblemente interesante.

8. daniel gordon

Daniel Gordon (1980), fotógrafo estadounidense, no preocupado por cuestiones científicas. A la hora de fotografiar naturalezas muertas, eligió un camino diferente. Imprime imágenes en color descargadas de Internet en una impresora, arruga estos pedazos de papel y luego envuelve varios objetos en ellos. Resulta algo así como esculturas de papel. Brillante, hermoso, original.

9. Andrew B Myers

Los bodegones de Andrew Myers (1987), un fotógrafo de Canadá, no se pueden confundir con otros, siempre son reconocibles. Un fondo simple, suave y tranquilo, mucho espacio vacío, que crea una sensación de plenitud de la imagen con luz y aire. La mayoría de las veces, para crear bodegones, utiliza objetos de los años 70 y 80. Sus obras son gráficas, estilizadas y evocan cierta nostalgia.

10. Regina DeLuiseRegina DeLuise

Regina DeLuise (1959), fotógrafa estadounidense, no utiliza SLR para crear su trabajo. Ella eligió otra forma: imprime negativos de película en papel de trapo especial. Su imaginería poética contiene una amplia gama de tonos y muchas texturas. Los bodegones son muy suaves y poéticos. Sorprendente juego de luces y sombras.

11. bohchang koo

Bohchang Koo (1953), fotógrafo surcoreano, prefiere el blanco. Las naturalezas muertas que creó, blanco sobre blanco, son simplemente asombrosas. No solo son hermosos, sino que también tienen un cierto significado: la preservación de la antigua cultura coreana. Después de todo, el fotógrafo viaja especialmente por el mundo, buscando objetos del patrimonio cultural de su país en los museos.

12. Chen Wei

Chen Wei (1980), una fotógrafa china, por otro lado, encuentra la inspiración para su trabajo cerca de casa. Con espacios, escenas y objetos extraños, utiliza accesorios arrojados a los vertederos por otros.

13. alejandra laviada

Alejandra Laviada, una fotógrafa de México, utiliza edificios en ruinas y abandonados para sus fotografías, creando naturalezas muertas a partir de objetos encontrados allí. Sus naturalezas muertas cuentan historias reales sobre las personas que vivían en estos edificios y usaban cosas que se consideraban innecesarias.

Los estudiantes realizan bodegones decorativos en una escuela de arte de acuerdo con la siguiente metodología:

1. Disposición de objetos en una hoja.
2. Transformación (estilización de formas).
3. Superposición o trenzado de siluetas entre sí.
4. Relleno de siluetas con textura y soluciones decorativas.

Como sabes, una naturaleza muerta es una producción de objetos inanimados. En la pintura de caballete, los bodegones se pintan de forma tradicional: esculpen el volumen de los objetos, transmiten claroscuros, perspectiva lineal y aérea, espacio... En un bodegón decorativo, esto pierde importancia. La forma de los objetos representados se vuelve plana y condicional. El claroscuro está ausente. En cambio, cada silueta se elabora decorativamente.

En la transformación del formulario, debe detenerse por separado. Su esencia radica en la transformación de la forma original del objeto en una condicional. Es decir, el dibujo se simplifica, se priva de detalles innecesarios. La forma se reduce a una condicionalmente geométrica, es decir, se basa en formas geométricas simples (círculo, rectángulo, triángulo...). Por ejemplo, una jarra puede estar formada por un círculo y un cilindro, y la parte superior e inferior se pueden completar con círculos o elipses. Así, sólo queda el carácter del objeto. Debe ser reconocible. Y los contornos ya se transformarán y se llevarán a un estilo común.

Siluetas superpuestas o trenzadas es una técnica en arte decorativo y diseño. La imposición de siluetas entre sí es comprensible por definición: esto es cuando los objetos se oscurecen entre sí y la imagen se convierte, por así decirlo, en varias capas. Pero el tejido es más complicado. Por ejemplo, cuando parte de la jarra está oculta por una manzana, el artista puede mostrar las partes que se cruzan de la jarra y la manzana en un color completamente diferente. Los objetos se vuelven como si fueran "transparentes" y sus partes que se cruzan son visibles para el espectador. Las siluetas de los objetos se entrelazan de una manera tan intrincada que al final, a veces, es difícil distinguirlos. Y esto le da a la labor decorativa un atractivo especial.

Rellenar los contornos de los objetos con una textura.- No es particularmente difícil. Puede pintar con aerosol, puede aplicar pintura con trazos caóticos, etc. Pero es más difícil llenar la silueta con una solución decorativa. Al artista se le ocurre una especie de "adorno", aunque esta palabra no es del todo adecuada aquí. Con este "adorno" llena la silueta. Este "ornamento" se crea sobre la base de la generatriz. Una línea de formación es una línea que forma el contorno de un objeto. Por ejemplo, el contorno de un ánfora griega se curvará con gracia. Por tanto, la decoración interior de la silueta se basará en líneas curvas de forma similar. Se pueden trenzar partes separadas de dicha decoración de objetos, así como los propios objetos. Además, entre ellos puedes saltarte el adorno literal. Por lo tanto, dicha decoración no es solo llenar siluetas con solo textura o color. Este es un proceso más complejo. Pero también más espectaculares, en los que se basa la esencia de un bodegón decorativo.

Como cualquier otro género de fotografía, la naturaleza muerta es imposible sin composición. Además, la naturaleza muerta es exactamente el género donde la composición juega un papel principal y requiere la atención más cercana por parte del fotógrafo. Después de todo, un marco de reportaje se puede perdonar mucho si el autor captó un momento realmente bueno. Y fotos caseras: ¿has notado cómo las madres se emocionan cuando ven a su hijo en una fotografía, aunque sea mediocre? Es poco probable que esperemos la misma indulgencia de la audiencia al fotografiar una naranja con una botella. Para tener un efecto positivo, tienes que intentarlo. Y, por supuesto, debe comenzar con la composición del marco deseado.

En términos relativos, la composición de una naturaleza muerta es una combinación e interacción armoniosa de los objetos en el marco. A través de la composición, puede mostrar al espectador todo lo que desea, crear un estado de ánimo, transmitir una idea e incluso contar una historia.

La composición en naturaleza muerta se puede dividir condicionalmente en varios tipos:

• geométrico
  
• espacial
  
• color

composición geométrica

No es ningún secreto que todos los objetos tienen una forma geométrica (o casi geométrica). Tampoco es ningún secreto que es común que una persona asocie cada figura con algo característico de ella. Entonces, por ejemplo, las esquinas se asocian inconscientemente con punteros. Cuando miras un cuadrado o un rectángulo durante mucho tiempo, hay una sensación de estabilidad (tal vez porque nuestra mente subconsciente dibuja un edificio estable). Y el círculo crea una sensación de comodidad y calma. Vale la pena recordar que las líneas horizontales (una persona acostada) son mucho más tranquilas que las líneas verticales (una persona de pie). En cuanto a las diagonales, las líneas ascendentes -que van desde la esquina inferior izquierda a la superior derecha- se ven más intensas que las descendentes: todavía leemos de izquierda a derecha, y nuestros ojos tienen que "trepar" la imagen para llegar al muy superior. Pero hay una cierta sensación de victoria escondida en esto, ¿no es así? Las líneas descendentes, que van desde la esquina superior izquierda a la inferior derecha, por el contrario, se asocian tradicionalmente con la relajación, la tristeza o incluso el declive.

Todos estos pequeños trucos pueden y deben usarse para sus propios fines, para transmitir el concepto, la idea de la imagen.

Selección de espacio

Si existe la necesidad de resaltar un determinado objeto en una naturaleza muerta, asignándole el papel de protagonista, aquí también se puede jugar con una composición espacial. Por ejemplo, coloque el objeto principal en primer plano, frente a todos los demás. O ajuste la luz para que el elemento principal se ilumine con más intensidad y los objetos que están detrás y delante de él se iluminen con menos intensidad. Y puede hacerlo de manera más inteligente: encienda una varilla de incienso o libere el humo del cigarrillo, dibujando así una perspectiva aérea en el marco: la atención principal se centrará en los objetos frontales, ya que los distantes se ahogarán en una neblina romántica.

También puedes jugar con los aspectos técnicos de la cámara: si quieres mostrar cada objeto en detalle, incluido el fondo o las cortinas, entonces debes disparar con la apertura cerrada. Pero si es importante resaltar cualquier objeto, entonces la apertura debe abrirse tanto como sea posible. Tampoco se deben ignorar las posibilidades de la óptica: en los encuadres tomados con lentes gran angular, los objetos están fuertemente distorsionados, y cuanto más cerca esté un objeto de la cámara, más grande aparecerá en relación con los distantes. Por el contrario, las distancias focales más largas "reúnen" la perspectiva, el espacio se vuelve mucho más plano.

composición de color

Si la fotografía se hace en b/n, el conocimiento sobre las propiedades de exposición del color no nos será de utilidad. Pero si el trabajo fotográfico se planea en color, no se debe pasar por alto esta área de investigación. Volviendo la mirada a la psicología del color, veremos que cada uno de los colores tiene, además de su color original, su propia carga semántica. Los colores cálidos (naranja, amarillo, rojo, terracota) nos recuerdan al verano, al sol, al calor. Esta es la primera asociación que surge al mirar una fotografía resuelta en estos tonos. Además, del curso de pintura, puede aprender que tales objetos parecen visualmente más cercanos. Lo que no se puede decir sobre los colores fríos: azul, verde, rosa, púrpura: estos colores alejan ligeramente el objeto del espectador y generalmente se asocian con el invierno, el frío y el agua.

Es importante recordar sobre el contraste, a veces se puede jugar con él, pero a menudo las combinaciones de colores mal concebidas repelen o distorsionan el significado de toda la producción. Si decide fotografiar un pepino contra un fondo naranja, considere si el fondo llamará la atención sobre sí mismo. ¿Y es esto lo que realmente querías lograr? También debe recordar que cualquier objeto tiene la capacidad de reflejar o absorber los tonos de color de los objetos cercanos, e incluso dos objetos del mismo color en el mismo fondo pueden verse diferentes precisamente por la diferencia en sus texturas.

La saturación de color también tiene un impacto en el espectador: las composiciones en colores pastel suaves crearán una sensación de paz y nostalgia, mientras que los colores brillantes y llamativos, por el contrario, son adecuados para llamar la atención, transmitir expresión, asertividad. Es por eso que los fotógrafos publicitarios aprecian tanto los colores brillantes, mientras que la fotografía artística a menudo se inclina hacia un tono tenue y tranquilo.

Por supuesto, cualquier composición en su conjunto debe obedecer el color general, la ley dentro de la imagen; de lo contrario, se desmoronará. Es por eso que debe tener cuidado con los contrastes de color, ya que pueden tener un impacto serio, tanto para hacer que el trabajo sea más interesante como para destruirlo al colocar acentos innecesarios.

En blanco y negro

A pesar de la ausencia de color, la naturaleza muerta en blanco y negro tiene sus propias leyes, y el contraste también juega aquí un papel importante. El color en sí mismo en este caso se reemplaza por un tono: ¡un juego diferente, pero también tiene reglas!

Seguro que te has dado cuenta de que las mujeres con sobrepeso muy pocas veces visten de blanco. El hecho es que el color blanco parece ser más voluminoso que el negro. En una fotografía en blanco y negro, el ojo capta primero los puntos más claros y solo luego pasa a los oscuros. Muchos trucos visuales se basan en este efecto: si miras una hoja con una franja blanca y negra uniforme, parecerá que las franjas blancas son más anchas. Siempre debes tener en cuenta esta regla al momento de poner en escena una composición, y también tener en cuenta que un objeto blanco brillante, ya sea en primer plano o en segundo plano, seguramente parecerá ser el principal en esta composición, y el ojo caerá primero sobre él.

contrastes

Como ya se mencionó, los contrastes juegan un papel especial. Existiendo dentro de la misma composición en la imagen, pueden resaltar objetos o, por el contrario, ocultarlos. La obra, construida sobre fluctuaciones de luces y sombras apenas perceptibles sin manchas que atraigan la atención del espectador, parece monótona, monótona, inexpresiva. Los contrastes agudos crean tensión, dinámica.

Regla de los tercios

Por supuesto, cuando se habla de composición, no se puede dejar de mencionar la regla de los tercios. Al dibujar cuatro líneas en su mente a través del marco, dos dividiéndolo en tres partes iguales horizontalmente y dos dibujadas verticalmente, puede calcular las áreas más efectivas del marco: están en los puntos de intersección de las cuatro líneas entre sí. En estas zonas es mejor colocar el objeto principal de la composición.

De hecho, la regla de los tercios es una regla simplificada de la proporción áurea, que será algo más difícil de obtener. Para hacer esto, el marco debe dividirse en ocho partes horizontal y verticalmente. Y luego dibuje desde la derecha y la izquierda, así como desde abajo y arriba, líneas a una distancia de 3/8. En la intersección de estas líneas habrá puntos de la sección áurea. Pero la división en tres partes es mucho más conveniente que en ocho partes, por lo que se usa con más frecuencia en la composición: la diferencia no es tan perceptible para el espectador, y la armonía en el marco, sujeto a cualquiera de estas reglas, es obvio.

Ritmo

El ritmo, es decir, la repetición de líneas iguales o similares, es una herramienta compositiva muy poderosa que permite manipular la mirada del espectador. En el "camino" de la alternancia de objetos se puede tomar muy lejos. Pero no te excedas: el ritmo puede acabar con toda la composición, privándola de dinámica y haciéndola monótona.

Comunicaciones internas

Al crear una producción para fotografía, es necesario asegurarse de que haya una conexión entre los objetos en el marco. Los objetos se pueden conectar por forma (huevo y cebolla), por color (tomate y pimiento rojo), por significado (manzana y palitos de canela). Los objetos necesariamente deben comunicar, cautivar al espectador, cambiando su mirada de un objeto en una naturaleza muerta a otro. Este enfoque le da integridad a la composición, la hace interesante, comprensible y al mismo tiempo misteriosa: no es necesario revelar todas las conexiones internas a la vez, lo más interesante puede ocultarse dentro de la composición u ocultarse brevemente del espectador. , por ejemplo, con luz.

Se puede hablar interminablemente de composición, pero lo principal sobre lo que se construye una naturaleza muerta (como, de hecho, la fotografía en cualquier otro género) es la idea, la trama y el alma de la imagen. Y la composición es la misma herramienta en manos del fotógrafo que la propia cámara. ¡Recuerda lo que quieres transmitir al espectador! Y utiliza todas las técnicas de composición disponibles para tus propios fines.