Direcciones en el art. Estilos y tendencias en pintura Cómo se desarrollaron los estilos y tendencias en pintura

El estilo se entiende como un complejo formado de técnicas visuales, medios expresivos, identificando la originalidad artística de un fenómeno artístico. La palabra "estilo" proviene del lat. stilus, del griego. stylos, que significa "palo de escritura puntiagudo". Los estilos no son equivalentes entre sí: algunos estilos existen desde hace siglos, otros han sido relevantes sólo unos pocos años. La división de la creatividad de los artistas en estilos o direcciones es condicional. Esto sucede porque no es posible definir claramente los límites de un estilo en particular. El número de estilos y sus tipos no es una cantidad constante; Los movimientos, los cambios y el desarrollo ocurren continuamente. Existe una variedad casi infinita de ellos.

abstraccionismo

V.V. Kandinsky "La curva dominante"

El abstraccionismo (del latín abstractio - eliminación, distracción) es una dirección en la pintura caracterizada por el rechazo del deseo de acercar los objetos representados lo más posible a las formas del mundo objetivo real. Al abstraccionismo también se le llama “arte bajo el signo de las “formas cero”, “arte no objetivo”, “arte no figurativo”, “no objetividad”. El abstraccionismo como movimiento surgió en los años 10. siglo XX, y es la manifestación extrema del modernismo. Los artistas de este movimiento utilizaron únicamente elementos formales al crear sus obras, como líneas, manchas de color y configuraciones. En el siglo XX en Rusia, los representantes más destacados del arte abstracto son V. Kandinsky, Kazimir Malevich (el autor es muy pintura famosa"Cuadrado Negro"), así como el creador del suprematismo y Mikhail Fedorovich Larionov, quien fue el fundador de un movimiento como "rayonismo"(1910-1912 siglo XX).

M.F. Larionov "Líneas radiantes"

desde la posición Rayonismo, el propósito de la pintura no es representar los objetos en sí, sino los rayos de color reflejados en ellos, porque esto es lo más parecido a cómo el ojo humano percibe los objetos. Trabajadores del rayonismo: Mikhail Le-Dantu, N.S. Goncharova, S.M., Romanovich.

Vanguardia

La vanguardia (del francés vanguardismo, de vanguardia - vanguardia) es un conjunto de movimientos artísticos caracterizados por la subestimación y la ruptura con los cánones y tradiciones de creatividad preexistentes, una búsqueda continua de nuevas formas de expresión y la elevación de la innovación al rango de valor más importante. El propio término “vanguardia” apareció en los años 20. Siglo XX y finalmente se consolidó en los años 50. En distintas épocas, diversos movimientos fueron catalogados como vanguardias (cubismo, futurismo, expresionismo, dadaísmo, surrealismo, etc.)

Academicismo

K. Bryullov "Amazona"

El academicismo (del francés academisme) es una dirección de la pintura caracterizada por la elevación a un ideal y la estricta adherencia a ciertos cánones. Esta direccion Se distinguieron en la pintura de los siglos XVI-XIX, cuando las normas de cualquier escuela de arte fueron elevadas al rango de estándar, modelo para otras. Por un lado, el academicismo contribuyó a la introducción de la educación artística en el sistema y la consolidación de las tradiciones; por otro lado, creció hasta convertirse en un sistema interminable de “recetas”. El academicismo entendió el arte de la antigüedad y Renacimiento italiano. Por ejemplo, cuando se estudia en academias de arte el cumplimiento era obligatorio tesis sobre temas mitológicos, históricos o bíblicos. No se permitió la elección de otros temas, lo que supuso una brecha inevitable entre las realidades de la vida y el arte. Las protestas de los artistas contra el cumplimiento de los cánones existentes llevaron gradualmente a que el término "académico" adquiriera una connotación negativa.

Accionismo

El accionismo (del inglés action art - the art of action) es una dirección de arte que se caracteriza por desviar la atención del espectador de la obra misma hacia el proceso de su creación. Los Happenings, las performances, los eventos, el arte procesual, el arte de demostración y una serie de otras formas de arte están cerca del accionismo. El accionismo surgió en los años 60. Siglo XX El accionismo busca borrar la línea entre arte y realidad, involucrando al espectador/artista en alguna acción o acción.

estilo imperio

JL David "El juramento de los Horacios"

Imperio (imperio francés - imperio del latín imperium - mando, poder): la esencia de esta dirección artística se refleja en el nombre. Se caracteriza por la exhibición en pinturas del poder y la fuerza del ejército, la grandeza del estado; Esto se logró recurriendo a formas decorativas del antiguo Egipto (trofeos militares, esfinges aladas), jarrones etruscos, pintura pompeyana, decoración griega y romana, frescos y adornos renacentistas. El estilo Imperio se manifestó más claramente en la arquitectura. El estilo Imperio se originó en Francia a principios del siglo XIX, durante el Primer Imperio de Napoleón Bonaparte. El estilo imperio es el final del desarrollo del clasicismo. Al igual que el clasicismo, el estilo Imperio sigue estrictamente los cánones. Pero tiene una serie de características: el estilo Imperio se caracteriza por el uso de colores brillantes: rojo, azul, blanco y dorado; la composición de la pintura se construye (por regla general) sobre el contraste de superficies monocromáticas del interior, vajilla y ornamentación mínima ubicadas en un lugar estrictamente designado, mientras que en el clasicismo los límites del interior son borrosos. El estilo imperio es duro y frío. Se caracteriza por el monumentalismo y el laconismo. Los motivos decorativos del estilo Imperio consisten principalmente en elementos del antiguo equipamiento militar romano: insignias legionarias con águilas, haces de lanzas, escudos, haces de flechas y hachas de locutor.

subterráneo

L. Kropivnitsky "Argumentos irrefutables"

Underground (del inglés underground - underground, dungeon) es una dirección del arte caracterizada por la oposición a la cultura de masas, las restricciones y convenciones existentes; violación deliberada de las normas aceptadas. El underground surgió en Estados Unidos a finales de los años 50. Siglo XX En la época soviética, el concepto de "clandestinidad" incluía casi cualquier arte no oficial (no aprobado por las autoridades). Los temas que aparecieron con mayor frecuencia en obras de este estilo fueron la “revolución sexual”, las drogas, los problemas de los grupos marginales. Después del colapso de la URSS y el levantamiento de las prohibiciones a la libertad de creatividad, el underground perdió su relevancia y esencia.

Arte deco

T.de Lempicke “Kisette en el balcón”

Art Deco, también Art Deco (del francés. arte deco, abreviado. de decorati, iluminado. “arte decorativo”) es un estilo ecléctico que es una mezcla de varias tendencias como el modernismo, el neoclasicismo, así como el cubismo, el futurismo y el constructivismo. Rasgos característicos: una rica paleta de colores, lujo, elegancia, muchos adornos, siguiendo patrones, pero al mismo tiempo utilizando formas geométricas atrevidas, una combinación inusual de materiales caros y exóticos (marfil, piel de cocodrilo, plata, ébano negro, madre- perlas, diamantes, pieles de zapa e incluso pieles de lagarto). A menudo se representaban criaturas fantásticas y mujeres pálidas y lánguidas con el pelo suelto. Los cuadros pintados en estilo Art Déco apestan a fatiga y saciedad. El estilo Art Déco se originó en Francia en la década de 1920. Siglo XX, posteriormente extendido por todo el mundo (hacia los años 40). Art Deco se llama el último de los estilos artísticos que "conectaron lo incompatible".

Barroco

PÁGINAS. Rubens "Retrato de la marquesa Brigitte Spinola Doria"

El barroco es una dirección de arte caracterizada por la abundancia de detalles decorativos, pompa, grandeza, contraste (luz, sombra, materiales, escala), pesadez y naturaleza colosal en la creación de obras. La historia del origen de esta palabra merece especial atención, porque No está del todo claro de qué palabra se deriva originalmente el nombre de este estilo. La palabra "barroco" en portugués fue utilizada por los marineros como nombre para las perlas defectuosas de forma extraña y distorsionada (perola barroca). Posteriormente, a mediados del siglo XVI. Esta palabra fue tomada prestada por los italianos y se convirtió en sinónimo de grosero, falso y torpe. Palabra francesa“barroco” para los joyeros significaba “suavizar el contorno, hacer la forma más pintoresca”; y en 1718 Esta palabra apareció en Diccionarios de francés y fue interpretado como abusivo. En este sentido, durante mucho tiempo se negaron a utilizar esta palabra como nombre de un estilo en el arte. El estilo barroco surgió alrededor de 1600 en Italia y Roma, luego se extendió por toda Europa y se convirtió en uno de los estilos dominantes en la arquitectura y el arte. países europeos finales del XVI - mediados del siglo XVIII siglos Los representantes más destacados de la pintura barroca son P. Rubens y M. Caravaggio.

Verismo

G. Fattori "Batalla de Montebleau"

El verismo (del italiano il verismo, de la palabra vero - verdadero, veraz) es una dirección del arte caracterizada por el deseo de transmitir al máximo la veracidad de los hechos descritos. El término en sí surgió en el siglo XVII y sirvió para designar el movimiento realista en la pintura barroca. Posteriormente (en la segunda mitad del siglo XIX), el término adquiere un significado diferente, reflejando el deseo no de realismo, sino de naturalismo.

Renacimiento o Renacimiento

El Renacimiento, o Renacimiento (del renacimiento francés, Rinascimentom italiano - renacimiento) es una de las áreas más importantes del arte, caracterizada por el antropocentrismo (interés por el hombre y sus actividades), la naturaleza secular de la cultura, una cosmovisión humanista, una apelación a la herencia cultural antigua (es decir, hay un “renacimiento”). Es bastante difícil establecer el marco cronológico del Renacimiento: en Italia, los siglos XIV-XVI, en otros países, los siglos XV-XVI. Los artistas todavía recurren a temas religiosos tradicionales, pero al mismo tiempo comienzan a utilizar nuevas técnicas artísticas en sus lienzos: construir una composición tridimensional, utilizando un paisaje de fondo. Esto le permite lograr un mayor realismo en la imagen, “dándole vida”. El Renacimiento se caracteriza por cambios en la cultura de la sociedad en su conjunto en cuanto a la orientación y el contenido del arte; el hombre y el mundo que lo rodea se afirman como el valor más alto. El Renacimiento tuvo un fuerte efecto en todo el desarrollo posterior del arte europeo.

gótico

Vidriera “La Virgen y el Niño” de la Catedral de Chartres, realizada por. hasta 1200

El gótico (del italiano gotico - inusual, bárbaro) es un movimiento que surgió a mediados del siglo XII, caracterizado por una conexión orgánica entre las bellas artes y la arquitectura y el diseño de interiores, la complejidad y riqueza de la composición, la espiritualidad y la sublimidad de las imágenes. Durante el Renacimiento, este arte de la Edad Media fue considerado “bárbaro”. El arte gótico tenía un propósito cultual y un tema religioso. El gótico en su desarrollo se divide en gótico temprano, apogeo y gótico tardío. Las famosas catedrales europeas, tan populares para fotografiar, se han convertido en obras maestras del estilo gótico. los detalles más pequeños turistas. En el diseño de los interiores de las catedrales góticas, los esquemas de color jugaron un papel importante. En la decoración exterior e interior predominaba la abundancia de dorados, la luminosidad del interior, el calado de los muros y la disección cristalina del espacio. Los mejores ejemplos de auténticas vidrieras góticas se pueden ver en las catedrales de Chartres, Bourges y París.

Dadaísmo o dadaísmo

F. Picabia “Desfile del Amor”

El dadaísmo, o dadaísmo, es un movimiento en el arte caracterizado por la negación de los cánones, los estándares artísticos, la falta de sistematicidad, la decepción y la irracionalidad. El dadaísmo surgió en Suiza como una respuesta de individuos creativos a la Primera guerra Mundial. Suiza mantuvo la neutralidad y los artistas pudieron observar la vida de los refugiados y desertores. La idea principal del dadaísmo era la destrucción constante de toda estética. La explicación de esto es que los dadaístas creían que la racionalidad y la lógica eran la causa de las guerras y los conflictos. Protestando contra esto, en sus obras destruyeron y abandonaron la estética y aceptaron normas. El término "dadaísmo" proviene de la palabra "dada", que tiene varios significados: cola vaca sagrada; madre, caballo de madera de los niños, declaración duplicada en (ruso y rumano); así como lenguaje infantil. En general, era algo sin sentido que reflejaba la esencia de este estilo. Una forma común de creatividad dadaísta fue el collage. Este estilo se agotó rápidamente, pero tuvo una gran influencia en el desarrollo del arte. Se cree que el dadaísmo fue el antecesor del surrealismo.

Decadencia

Decadencia (del francés décadence, décadentisme - decadencia, decadencia) es un nombre colectivo para los fenómenos en el arte causados ​​​​por una crisis de ideas y valores tradicionales. Estuvo muy extendido en la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX. Rasgos característicos: estados de ánimo de abatimiento, pesimismo, negación de ideales y valores espirituales históricamente establecidos, rechazo de la realidad cotidiana, apoliticalidad fundamental, tendencia al irracionalismo y al misticismo, un vago anhelo de un ideal sobrenatural, oscuridad deliberada y misterio de las imágenes, motivos de escepticismo y desesperanza, interés por el erotismo, mucha atención al tema de la muerte. Los decadentes exigieron la creación de nuevas formas en el arte, sin ofrecer medidas e ideas específicas. Base filosófica Surgieron las ideas de A. Schopenhauer, F. Nietzsche, E. Hartmann, M. Nordau.

Impresionismo

El impresionismo (francés:impresionnisme, de impresión) es una dirección de arte caracterizada por el deseo de capturar la belleza del mundo real "tal como es", transmitir su variabilidad y reflejar las impresiones fugaces. El impresionismo se originó en Francia; su período de existencia puede considerarse como el último tercio del siglo XIX y principios del XX. El término "impresionismo" fue utilizado por primera vez por el crítico L. Leroy, quien habló con desdén de la exposición de artistas en 1874, incluida la "Impresión" de C. Monet. Sol naciente. " En sus obras, los impresionistas buscaron transmitir la frescura de la percepción de la vida, representando situaciones momentáneas, arrancadas del flujo de la realidad, y fuertes pasiones.

Destacar neoimpresionismo(neoimpresionismo francés) y post impresionismo(del latín post - después e impresionismo). El neoimpresionismo surgió en Francia hacia 1885, siendo su peculiaridad la aplicación en el arte de los últimos avances en el campo de la óptica. El postimpresionismo es un nombre colectivo para los movimientos en la pintura; su peculiaridad es la búsqueda de medios para expresar no solo un momento específico de la vida, sino también la comprensión de los estados a largo plazo del mundo circundante.

Clasicismo

N. Poussin “La inspiración del poeta”

El clasicismo (derivado del latín classicus - ejemplar) es un movimiento artístico caracterizado por una apelación a la herencia antigua como estándar a seguir. El mayor valor del clasicismo son las características individuales eternas e inmutables; la búsqueda de rasgos típicos esenciales se vuelve dominante; Las obras se construyeron sobre la base de cánones (fue en el clasicismo donde apareció la división de géneros en "alto" y "bajo", mientras que no se permitía mezclarlos) para transmitir la lógica y la perfección de todo el universo. La ideología del clasicismo da importante Funciones sociales y educativas del arte. Rasgos característicos del clasicismo: armonía, orden, lógica, claridad, claridad plástica de las construcciones pictóricas, reflejo del tema de la naturaleza, atemporalidad, apelación a los temas de la vida y la historia humana. El clasicismo se manifestó en las obras de artistas del siglo XVII. - principios del siglo XIX Con el tiempo, el clasicismo se transformó en academicismo.

Cubismo

P. Picasso "Las señoritas de Aviñón"

El cubismo (del cubismo francés, de cubo - cubo) es una dirección de la pintura caracterizada por el deseo de representar objetos de la realidad a través de formas geométricas- líneas rectas, aristas, formas cúbicas, planos que se cruzan. El cubismo comenzó en la década de 1910. Es de destacar que el término "cubistas" fue utilizado originalmente por un crítico francés en relación con los artistas como una burla. Los representantes más destacados del cubismo son P. Picasso y J. Braque.

Manierismo

El manierismo (del italiano maniera, modales) es un movimiento artístico caracterizado por la falta de armonía entre lo físico y lo espiritual, la naturaleza y el hombre. Los artistas conceden excesiva importancia a la plasticidad, la sensualidad y la expresión. Las imágenes de las pinturas son “demasiado hermosas”, los objetos son alargados, alargados o viceversa. El manierismo (del manierismo italiano, de maniera - modales, estilo) es un estilo en el arte basado en la asimilación de los modales de algún gran maestro o de una determinada escuela de arte. Marco cronológico manierismo - siglo XVI hasta el primer tercio del siglo XVII. Algunos investigadores consideran que el manierismo es una transición del Renacimiento al Barroco, llamando al manierismo la fase temprana del Barroco.

Art Nouveau o Art Nouveau

A. Mucha “Zodíaco”

Art Nouveau, o Art Nouveau (también Art Nouveau) (del francés art nouveau, literalmente “arte nuevo”). El Art Nouveau debe su origen a las vidrieras: así se llamaba la tienda en París donde vendían vidrieras, que luego se hicieron extremadamente populares. Sinónimos de Art Nouveau son Art Nouveau (alemán), Secesión (austriaco), Libertad (italiano), Modernisimo (español). Estas direcciones están muy cerca unas de otras, por lo que notamos las características más pronunciadas: el uso de líneas suaves y sinuosas, decoración, "naturalidad": una abundancia de motivos naturales y vegetales (nenúfares, nenúfares, pulpos, mariposas, libélulas) , adherencia obligatoria a la unidad estilística, una combinación de varias texturas y materiales. Este estilo surgió en 1880-1900 y fue popular en Europa y América, pero no por mucho tiempo. Este estilo recibió un "segundo aire" en los años 50 del siglo XX.

Naturalismo

C. Meunier “El regreso de la mina”

El naturalismo (naturalismo francés, del latín natura - naturaleza) es una dirección del arte caracterizada por el deseo de una representación objetiva de la realidad, sin adornos ni tabúes. Los representantes de este movimiento partieron de ideas sobre la predeterminación total del destino, la dependencia del mundo espiritual de una persona del entorno social y mostraron un mayor interés en los aspectos biológicos de la vida, lo que llevó a una exhibición franca de las manifestaciones fisiológicas de una persona. , sus patologías, escenas de violencia y crueldad. El naturalismo surgió en el último tercio del siglo XIX en Europa y Estados Unidos. El naturalismo se caracteriza por el rechazo de las generalizaciones, el interés por representar el “fondo social” y la reproducción de la realidad sin su comprensión, evaluación y selección ideológicas.

Arte pop

Arte pop (del inglés. arte pop, abreviatura de arte popular: arte popular y de acceso público; el segundo significado de la palabra está asociado con el inglés onomatopéyico. pop – golpe abrupto, aplauso, bofetada, es decir. produciendo un efecto impactante) es una tendencia en la pintura que se extendió en Estados Unidos e Inglaterra en los años 50, caracterizada por la implicación y transformación de imágenes de la cultura de masas. Los artistas del arte pop se fijaron como objetivo reflejar “la vida tal como es”, reflejar la realidad, y la fuente de inspiración son los medios de comunicación masivos: publicidad, cómics, cine, jazz, periódicos y revistas, etc. estereotipos y símbolos.

Realismo

El realismo es una dirección caracterizada por el deseo de representar lo externo y esencia interior fenómenos y objetos de la realidad. Los límites del realismo son borrosos y no están claramente definidos. El realismo en sentido estricto se entiende como un movimiento en el arte de la segunda mitad del siglo XIX siglo. El término "realismo" fue utilizado por primera vez por el crítico francés J. Chanfleury en los años 50. Siglo XIX para designar el arte opuesto al romanticismo y al academicismo. El realismo estaba muy extendido no solo en Francia, sino también mucho más allá de sus fronteras, adquiriendo su propio nombre en algunos países: en Rusia - itinerantismo, en Italia - verismo Macchiaioli, en Australia - la escuela de Heidelberg (T. Roberts, F. McCubbin), en EE. UU.: escuela de botes de basura (E. Hopper). El realismo es el movimiento más antiguo que existe.

Rococó

F. Boucher "El baño de Diana"

Rococó (del francés rococó, de rocaille, rocaille - motivo decorativo en forma de concha) es una dirección de arte caracterizada por un talante hedonista, gracia, ligereza y un carácter íntimo y coqueto. El estilo rococó reemplazó al barroco, siendo su continuación lógica y al mismo tiempo su opuesto. Lo que tienen en común el barroco y el rococó es el deseo de plenitud de las formas.

La pintura en estilo rococó es de naturaleza decorativa, se distingue por la gracia de los cambios de color y, al mismo tiempo, una cierta "desvanecimiento" de los colores, la pérdida del significado independiente de la imagen de una persona en la pintura y el predominio de tales Géneros como el paisaje y el pastoral.

El marco cronológico del rococó es la segunda mitad del siglo XVIII y el siglo XIX. Habiendo existido durante aproximadamente medio siglo, el rococó fue dando paso gradualmente al neoclasicismo.

Romanticismo

E. Delacroix “La libertad guiando al pueblo”

El romanticismo (del romanticismo francés) es un movimiento que reemplazó al clasicismo. Caracterizado por la idea dominante de individualismo en la imagen (en contraposición a belleza ideal clasicistas) y la transmisión de pasiones; que representan fenómenos raros, inusuales y fantásticos. Marco cronológico del romanticismo - finales del XVIII v. - principios del siglo XIX El romanticismo se caracteriza por la aspiración a la libertad ilimitada y al infinito, la expectativa de renovación y la glorificación de la independencia personal y civil.

El arte se convirtió en una especie de síntesis de los principios del romanticismo y el "realismo burgués". Biedermeier(obras de L. Richter, K. Spitzweg, M. von Schwind, F.G. Waldmüller.

Sentimentalismo

El sentimentalismo (del sentimentalismo francés, del sentimental inglés - sensible, del sentimiento francés - sentimiento) es una dirección cuyos rasgos característicos son la idealización patriarcal. la vida cotidiana, el culto al sentimiento natural, la desilusión con una civilización que se basa en la razón. J. J. Rousseau es considerado el ideólogo del sentimentalismo. El estilo surgió en la segunda mitad del siglo XVIII.

Simbolismo

P. Bruegel “El triunfo de la muerte”

El simbolismo (del simbolismo francés - signo, marca de identificación) es una dirección en la pintura, caracterizada por el uso de pistas, "insinuaciones", misterio y símbolos en la pintura. La palabra "símbolo" en Antigua Grecia Significaba una moneda dividida en dos partes, mediante la cual las personas podían reconocerse cuando se encontraban. Sin embargo, más tarde esta palabra se convirtió en un concepto multifacético y amplio. El simbolismo se originó en Francia en las décadas de 1870 y 1880. y alcanzó su mayor desarrollo a finales del siglo XIX y XX. La palabra símbolo actúa como un signo, una imagen universal que tiene una infinidad de significados. El simbolismo es el intento de una persona de transmitir espiritualidad, la abstracción de la vida, de tocar el abismo que va más allá del mundo visible.

suprematismo

KANSAS. Malevich "Cuadrado Negro"

El suprematismo (del latín supremus - más alto) es un movimiento del arte de vanguardia en Rusia, fundado en la primera mitad de la década de 1910. K. S. Malevich. Es un tipo de arte abstracto. El nombre "suprematismo" implicaba la primacía, la superioridad del color sobre otras propiedades de la pintura. El suprematismo se caracteriza por combinaciones de planos multicolores de las formas geométricas más simples, desprovistas de significado pictórico, una combinación de figuras geométricas multicolores y de diferentes tamaños.

Surrealismo

S. Dali “Bebé geopolítico”

El surrealismo (del surrealismo francés, literalmente, superrealismo) es una tendencia en la pintura, cuya fuente de inspiración fue la esfera del subconsciente (sueños, alucinaciones). El surrealismo surgió en Francia a principios de los años 20. Siglo XX Los artistas utilizaron diversas combinaciones contradictorias y absurdas de imágenes naturalistas y proclamaron la libertad y la irracionalidad como valores principales. Los temas utilizados frecuentemente en las obras fueron la magia, el erotismo, el subconsciente y la ironía. Los artistas se esforzaron por crear pinturas con precisión fotográfica, pero al mismo tiempo la imagen resultó ilógica y repulsiva; o usado técnicas no convencionales pinturas que ayudan a transmitir el subconsciente. Hubo casos en que los surrealistas crearon bajo la influencia del hambre, las drogas, la hipnosis y la anestesia.

tachismo

Taquismo - variedad europea expresionismo abstracto. El término fue utilizado por primera vez en 1950 por el crítico belga-francés M. Sefort para designar la técnica pictórica de un grupo de artistas cuyo método de trabajo consistía en la aplicación impulsiva y espontánea de pinturas sobre el lienzo y se aproximaba a lo que se hacía en Estados Unidos en Al mismo tiempo se llamó pintura de acción ( pintura de acción).

Primitivismo

A. Rousseau “Paseo por el bosque”

El primitivismo es una dirección en la pintura caracterizada por una simplificación deliberada. Artes visuales e imitación de las etapas primitivas del desarrollo del arte: primitivo, medieval, popular, arte de antiguas civilizaciones no europeas, creatividad infantil. Sin embargo, el primitivismo de forma no implica primitivismo de contenido. El término "primitivismo" también se aplicó al arte llamado "ingenuo", es decir, creatividad de artistas que no tienen una formación especializada.

futurismo

Sentimentalismo

D.D. Burliuk "Caballo relámpago"

El futurismo (del latín futurum - futuro) es un movimiento en el arte caracterizado por el rechazo y destrucción de tradiciones y estereotipos culturales previamente existentes, en cambio, se propuso alabar la tecnología y el urbanismo como los principales signos del presente y del futuro; El futurismo se proclamó como el prototipo del arte del futuro.

Se manifestó más claramente en la pintura y la poesía de Italia y Rusia; surgió a principios del siglo XX; El futurismo se caracteriza por composiciones enérgicas con figuras fragmentadas en fragmentos y ángulos agudos que las cruzan. La idea principal del futurismo fue la búsqueda de un reflejo de la velocidad del movimiento como signo más importante del ritmo de la vida moderna.

En Rusia había una dirección. cubo-futurismo(D. Burliuk, O. Rozanova), que se basó en la combinación de los principios plásticos del cubismo francés y los principios estéticos generales europeos del futurismo.

gótico(del italiano gotico - inusual, bárbaro) - período en desarrollo arte medieval, que abarca casi todas las áreas de la cultura y se desarrolla en Occidente, Central y en parte de Europa del Este Del siglo XII al XV. El gótico completó el desarrollo del arte medieval europeo, que surgió sobre la base de los logros de la cultura románica, y durante el Renacimiento, el arte medieval fue considerado "bárbaro". El arte gótico tenía un propósito cultual y un tema religioso. Abordó los poderes divinos más elevados, la eternidad y la cosmovisión cristiana. El gótico en su desarrollo se divide en gótico temprano, apogeo y gótico tardío.

Las famosas catedrales europeas, que a los turistas les encanta fotografiar con gran detalle, se han convertido en obras maestras del estilo gótico. En el diseño de los interiores de las catedrales góticas, los esquemas de color jugaron un papel importante. En la decoración exterior e interior predominaba la abundancia de dorados, la luminosidad del interior, el calado de los muros y la disección cristalina del espacio. La materia estaba desprovista de pesadez e impenetrabilidad; estaba, por así decirlo, espiritualizada.

Las enormes superficies de las ventanas estaban llenas de vidrieras con composiciones que reproducían acontecimientos históricos, cuentos apócrifos, temas literarios y religiosos, imágenes de escenas cotidianas de la vida de simples campesinos y artesanos, que proporcionaban una enciclopedia única de la forma de vida durante la edad Media. Las kona estaban llenas de arriba a abajo con composiciones de figuras encerradas en medallones. La combinación de luz y color en la pintura mediante la técnica del vitral impartió una mayor emotividad. composiciones artísticas. Se utilizaron una variedad de cristales: escarlata intenso, fuego, rojo, granate, verde, amarillo, azul oscuro, azul, ultramar, cortados a lo largo del contorno del diseño... Las ventanas se calentaban como piedras preciosas, impregnadas de luz exterior. - transformaron todo el interior del templo y pusieron a sus visitantes en un estado de ánimo elevado.

Gracias al vidrio coloreado gótico nacieron nuevos valores estéticos y los colores adquirieron la máxima sonoridad del color radiante. El color puro creó una atmósfera de aire, pintada en diferentes tonalidades gracias al juego de luces en columnas, pisos y vidrieras. El color se convirtió en una fuente de luz que profundizó la perspectiva. Los vasos gruesos, a menudo desiguales, estaban llenos de burbujas no del todo transparentes, realzando el efecto artístico del vitral. La luz, al atravesar el espesor irregular del cristal, se fragmentó y empezó a jugar.

Los mejores ejemplos de auténticas vidrieras góticas se pueden ver en las catedrales de Chartres, Bourges y París (por ejemplo, “La Virgen y el Niño”). Lleno de no menos esplendor, así como “Ruedas de fuego” y “Lanzamiento de relámpagos” en la Catedral de Chartres.

A partir de mediados del siglo I, se empezaron a introducir en la gama de colores colores complejos obtenidos mediante la duplicación de vidrio. Estas extraordinarias vidrieras de estilo gótico se conservan en la Sainte-Chapelle (1250). Se aplicaron contornos al vidrio con pintura de esmalte marrón y las formas eran de naturaleza plana.

La época gótica se convirtió en el apogeo del arte de los libros en miniatura, así como de las miniaturas artísticas. El fortalecimiento de las tendencias seculares en la cultura solo intensificó su desarrollo. Las ilustraciones con composiciones de múltiples figuras sobre temas religiosos incluían varios detalles realistas: imágenes de pájaros, animales, mariposas, adornos con motivos vegetales y escenas cotidianas. Las obras del miniaturista francés Jean Pussel están llenas de un encanto poético especial.

En el desarrollo de las miniaturas góticas francesas de los siglos XIII y XIV, el lugar principal lo ocupó la escuela parisina. El Salterio de San Luis está repleto de composiciones de múltiples figuras enmarcadas por un único motivo de arquitectura gótica, lo que confiere a la narración una extraordinaria armonía (Louvre, París, 1270). Las figuras de las damas y los caballeros son elegantes, sus formas se distinguen por líneas fluidas, lo que crea la ilusión de movimiento. La riqueza y densidad de los colores, así como la arquitectura decorativa del diseño, convierten estas miniaturas en obras de arte únicas y preciosas decoraciones de páginas.

El estilo del libro gótico se distingue por formas puntiagudas, ritmo angular, inquietud, patrones calados de filigrana y líneas sinuosas poco profundas. Cabe señalar que en los siglos XIV y XV también se ilustraron manuscritos seculares. Libros de horas, tratados científicos, colecciones de canciones de amor y crónicas están repletos de magníficas miniaturas. Las miniaturas, que ilustran obras de la literatura cortesana, encarnaban el ideal del amor caballeresco, así como escenas de la vida cotidiana que nos rodea. Una creación similar es el manuscrito Manes (1320).

Con el tiempo, el gótico se ha vuelto más narrado. Las “Grandes Crónicas Francesas” del siglo XIV demuestran claramente el deseo del artista de profundizar en el significado del acontecimiento que representa. Además de esto, a los libros se les dio elegancia decorativa mediante el uso de exquisitas viñetas y marcos de formas extravagantes.

Las miniaturas góticas tuvieron una gran influencia en la pintura y aportaron una corriente viva al arte de la Edad Media. El gótico se ha convertido no solo en un estilo, sino en un vínculo importante en general. desarrollo cultural sociedad. Los maestros del estilo pudieron reproducir con increíble precisión la imagen de sus contemporáneos en materia y entorno natural. Las majestuosas y espirituales obras góticas están rodeadas de un aura de encanto estético único. El gótico dio origen a una nueva comprensión de la síntesis de las artes y sus logros realistas prepararon el terreno para la transición al arte del Renacimiento.

El estilo (dirección, actualidad) en el arte es una comunidad históricamente establecida. características artísticas en una forma de arte o simultáneamente en varias artes, característico de diferentes épocas y pueblos y determinado por la unidad de las aspiraciones ideológicas y estéticas de la minoría creativa. En la actualidad, tradicionalmente se han desarrollado una serie de designaciones estables para tendencias objetivamente existentes (y existentes) en el arte europeo, cuyas características principales todos deben conocer. persona culta. En este sentido, consideremos la terminología básica, respetando el principio cronológico.

El estilo románico (del latín Romanus - romano) apareció en los siglos X-XIII. en arquitectura y decoración escultórica. Los edificios románicos heredan muchas de las características de la arquitectura romana y se distinguen por su sencillez y racionalidad. El espesor y la resistencia de los muros fueron el principal criterio de belleza del edificio. Los principales edificios arquitectónicos de Romanica son el castillo de los caballeros y la iglesia del monasterio.

El estilo gótico (del italiano Gotico - gótico, bárbaro) se asocia principalmente con la arquitectura religiosa, la escultura y las artes decorativas de los siglos XII-XIV. La principal estructura arquitectónica gótica es la catedral. Las catedrales góticas se caracterizan por la aspiración hacia arriba, hacia Dios, una conexión orgánica entre arquitectura y escultura, arcos apuntados; ventanas decoradas con vidrieras multicolores, decoración exuberante.

Estilo barroco (del italiano Barocco - extraño, extraño) en arquitectura, música, pintura, literatura y artes decorativas de finales del siglo XVI y mediados del XVIII. Se caracteriza por la afectación estética, la riqueza decorativa, generalmente de formas curvilíneas. En música y literatura: manierismo, capricho, ornamentación, abundancia de decoraciones. Los jesuitas vieron en el arte barroco, puesto al servicio de la religión, una poderosa herramienta para influir en el mundo emocional del hombre y formar nuevas ideas para los europeos sobre la riqueza, la complejidad y la variabilidad del mundo circundante.

Estilo y dirección del clasicismo (del latín classicus - correcto, ejemplar) en el arte y la literatura del siglo XVII y principios del XIX. marcando un retorno a la herencia antigua como norma y modelo ideal. El principal postulado estético del clasicismo es la fidelidad a la naturaleza, la racionalidad natural del mundo con su belleza objetivamente inherente, que se expresa en simetría, proporción, medida, armonía, que debe recrearse en el arte en perfecta forma.

El rococó (del francés rocaille - concha) es un estilo que ocupa una posición intermedia entre el barroco y el clasicismo. Popularizado principalmente en Francia durante la época de Luis XV, el estilo a veces recibe el nombre de "estilo Luis XV". La característica definitoria de este estilo es el deseo de gracia, la abundancia de decoración y el contraste entre la severidad externa de los edificios y la sofisticación de su decoración interior. Se expresó más claramente en la arquitectura, la pintura y las artes decorativas y aplicadas.

El sentimentalismo (del sentimiento francés - sentimiento) es un movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XVIII, que surgió como resultado de la decepción por el papel positivo de la "civilización", el "reino de la razón" proclamado por los ideólogos de la Era de iluminacion. Ideológicamente, el sentimentalismo se remonta a dicho famoso J.J. Rousseau “¡La razón puede cometer errores, pero el sentimiento nunca!” El sentimentalismo no ha desarrollado una estética propia y es más bien un estado de ánimo especial, un ensueño melancólico, una tendencia a la soledad, mayor sensibilidad. Su credo es el rechazo de cualquier sofisticación y depravación, la llamada. "sociedad civilizada.

El romanticismo es una amplia corriente ideológica y dirección artística en la cultura mundial, abarcando todo tipo de arte y humanidades a finales del siglo XVIII y principios del XX. El romanticismo fue una reacción a los resultados de la Gran revolución Francesa, que marcó el “progreso” capitalista y el espíritu del comercio universal.

El credo del romanticismo es "un héroe atípico en circunstancias atípicas". Los románticos contrastaban el utilitarismo y la despersonalización del individuo con las aspiraciones de libertad ilimitada y el patetismo de la independencia personal y civil.

El realismo (del latín realis - real, real) es un estilo que ha moldeado el enfoque en representar la vida en las formas de la vida misma: "un héroe típico en circunstancias típicas". Cómo método creativo El realismo se manifestó más plenamente en siglo XIX y se plasmó, ante todo, en la pintura y la literatura.

Naturalismo (del latín Natura - naturaleza) - dirección creativa, que apareció en el último tercio del siglo XIX. bajo la influencia de la filosofía del positivismo de O. Comte y G. Spencer. La estética del naturalismo, trasladando los principios del positivismo al ámbito del arte, se basó en la posición de que el artista debe reflejar el mundo sin adornos, tipificaciones, convenciones y tabúes, con la máxima objetividad. Los representantes del naturalismo pretendían contar "todos los entresijos" de una persona, prestando especial atención a los aspectos biológicos de su vida. Una manifestación extrema del naturalismo, que ya va más allá de los límites del arte, es varios tipos productos pornográficos, representaciones de los lados "sucios" de la vida y escenas de violencia, que entre la gente han recibido el acertado nombre de "chernukha".

El modernismo (del francés Moderne - nuevo, moderno) es un conjunto de escuelas y movimientos estéticos de finales del siglo XIX y XX. (cubismo, futurismo, expresionismo, constructivismo, fauvismo, dadaísmo, abstraccionismo, etc.), oponiéndose al arte del pasado y afirmando nuevo enfoque a la descripción de la existencia social.

Posmodernismo - (formado en la segunda mitad del siglo XX). Es un tipo especial de cosmovisión, centrada en la formación de un espacio vital en el que se niegan todo tipo de normas y tradiciones y los principales valores son la libertad en todo, la espontaneidad de la actividad, la alegría, la orientación cultural, hacia la “deconstrucción”. , “descentralización”, absolutización de la “novedad” "como forma de valorar el mundo (R. Barth).

El estilo es la dirección general del desarrollo del arte, cuyos ejemplos representativos están unidos por el significado ideológico, la técnica de transmisión y las técnicas características de la actividad creativa. Los estilos en el arte de la pintura estaban estrechamente entrelazados, se desarrollaron en direcciones relacionadas, existieron en paralelo, enriqueciéndose mutuamente.

Los estilos y tendencias pictóricas se formaron bajo la influencia de la ideología, el desarrollo político y económico de la sociedad, la religión y las tradiciones.

Historia del desarrollo

La historia del desarrollo de estilos demuestra la compleja evolución cultural de la sociedad.

gótico

Se originó en Francia en el siglo XI. Siglos XII. El estilo se desarrolló en Europa occidental y entre los siglos XIII y XIV en Europa central. El origen y evolución de esta tendencia estuvieron significativamente influenciados por la iglesia. La Edad Media fue un período de dominio del poder de la iglesia sobre el poder secular, por lo que los artistas góticos trabajaron con historias bíblicas. Los rasgos distintivos del estilo son: brillo, pretensión, dinamismo, emotividad, pompa, falta de atención a la perspectiva. La pintura no parece monolítica, parece un mosaico de varias acciones representadas en el lienzo.

Renacimiento o renacimiento

Vino de Italia en el siglo XIV. Durante unos 200 años, esta dirección dominó y se convirtió en la base para el desarrollo del Rococó y el Renacimiento del Norte. Rasgos artísticos característicos de las pinturas: regreso a las tradiciones de la antigüedad, culto. cuerpo humano, interés por los detalles, ideas humanistas. Esta dirección no se centró en la religión, sino en el lado secular de la vida. Era diferente Renacimiento del Norte Holanda y Alemania: aquí el Renacimiento se percibió como una renovación de la espiritualidad y la fe cristiana que precedió a la Reforma. Representantes: Leonardo da Vinci, Raphael Santi, Michelangelo Buonarroti.

Manierismo

Dirección en el desarrollo de la pintura del siglo XVI. Ideológicamente lo contrario del Renacimiento. Los artistas se alejaron de la idea de perfección humana y humanismo hacia la subjetivización del arte, centrándose en el significado interno de fenómenos y objetos. El nombre del estilo proviene de la palabra italiana "modalidad", que refleja plenamente la esencia del manierismo. Representantes: J. Pontormo, G. Vasari, Brozino, J. Duve.

Barroco

Un estilo de pintura y cultura exuberante, dinámico y lujoso que se originó en Italia en el siglo XVI. A lo largo de 200 años, la tendencia se desarrolló en Francia, Alemania y España. La pintura barroca está llena de colores vivos, se presta especial atención a los detalles y decoraciones. La imagen no es estática, es emotiva, por eso el barroco es considerado la etapa más intensa y expresiva en el desarrollo de la pintura.

Clasicismo

Se originó en los países de Europa occidental en el siglo XVII y 100 años después llegó a los países de Europa del Este. La idea principal es un retorno a la tradición de la antigüedad. Los retratos, paisajes y naturalezas muertas son fáciles de reconocer gracias a la reproducción dogmática y al cumplimiento de reglas de estilo claras. El clasicismo degeneró en academicismo, un estilo que absorbió la mayor parte rasgos brillantes Antigüedad y Renacimiento. N. Poussin, J.-L. David y los Itinerantes rusos trabajaron en este estilo.

Romanticismo

Reemplazado por el clasicismo en el segundo cuarto del siglo XIX. Rasgos artísticos: el deseo de transmitir individualidad, aunque sea imperfecta, emotividad, expresividad de sentimientos, imágenes fantásticas. El arte de los artistas románticos niega las normas y reglas de la etapa clásica del desarrollo de la pintura. Hay un resurgimiento del interés por las tradiciones populares, las leyendas, historia nacional. Representantes: F. Goya, T. Gericault, K. Bryullov, E. Delacroix.

Simbolismo

La dirección cultural de finales del siglo XIX y XX, su base ideológica procedía del romanticismo. El símbolo apareció primero en la creatividad y el artista fue un mediador entre la realidad y el mundo fantástico de la creatividad.

Realismo

Investigación artística que pone en primer plano la precisión en la transmisión de formas, parámetros y matices. Caracterizado por la naturalidad, la precisión en la encarnación de la esencia interior y la capa exterior. Este estilo es el más amplio, popular y multifacético. Sus ramas son tendencias modernas– fotografía e hiperrealismo. Representantes: G. Courbet, T. Rousseau, Artistas itinerantes, J. Breton.

Impresionismo

Surgió a finales del siglo XIX y principios del XX. Patria - Francia. La esencia del estilo es la encarnación de la magia de la primera impresión en la imagen. Los artistas transmitieron este breve momento mediante breves pinceladas de pintura sobre el lienzo. Es mejor percibir estas imágenes no de cerca. Las obras de los artistas están llenas de colores y luz. El postimpresionismo se convirtió en una fase en el desarrollo del estilo: se caracteriza por una mayor atención a las formas y los contornos. Artistas: O. Renoir, C. Pissarro, C. Monet, P. Cezanne.

Moderno

Un estilo original y vibrante que se convirtió en la base para la formación de muchos movimientos pintorescos del siglo XX. El movimiento recogió características del arte de todas las épocas: emocionalidad, interés por la ornamentación, plasticidad y predominio de contornos suaves y curvilíneos. El simbolismo se convirtió en la base del desarrollo. El modernismo es ambiguo: se desarrolló en los países europeos de diferentes maneras y con diferentes nombres.

Vanguardia

Estilos artísticos que se caracterizan por el rechazo del realismo, el simbolismo en la transmisión de información, los colores brillantes, la individualización y la libertad de diseño creativo. La categoría de vanguardia incluye: surrealismo, cubismo, fauvismo, futurismo, expresionismo, abstraccionismo. Representantes: V. Kandinsky, P. Picasso, S. Dali.

Primitivismo o estilo ingenuo

Una dirección caracterizada por una imagen simplificada de la realidad.

Los estilos enumerados se han convertido en hitos importantes en el desarrollo de la pintura y continúan transformándose en nuevas formas de expresión creativa de los artistas.

Continuamos la sección “Artesanía” y la subsección “” con el artículo. Donde te ofrecemos definiciones de varios estilos modernos y no tan modernos conocidos y desconocidos, y además los ilustramos lo más claramente posible.

Parte del propósito de los estilos de arte pictórico es ayudarte a descubrir qué estilo dibujas (o creas en general) o qué estilo te conviene más para dibujar.

Empezaremos con un estilo llamado “realismo”. Realismo Es una posición estética según la cual la tarea del arte es captar la realidad de la manera más precisa y objetiva posible. Hay muchos subestilos de realismo: realismo crítico, realismo socialista, hiperrealismo, naturalismo y muchos otros. En el sentido más amplio de la palabra, el realismo es la capacidad del arte para representar de manera veraz y sin adornos a una persona y el mundo que la rodea en imágenes realistas y reconocibles, sin copiar pasiva y desapasionadamente la naturaleza, sino seleccionando lo principal en ella e intentando transmitir las cualidades esenciales de los objetos y fenómenos en formas visibles.

Ejemplo: V. G. Khudyakov. Contrabandistas (haga clic para ampliar):

Pasemos ahora al estilo llamado “impresionismo”. Impresionismo(impresionismo francés, de impresión - impresión): un estilo donde los artistas intentaron capturar lo más natural e imparcialmente. mundo real en su movilidad y variabilidad, para transmitir sus impresiones fugaces. El impresionismo no planteó problemas filosóficos y ni siquiera intentó penetrar bajo la superficie coloreada de la vida cotidiana. En cambio, el impresionismo se centra en la superficialidad, la fluidez de un momento, el estado de ánimo, la iluminación o el ángulo de visión.

Ejemplo: J. William Turner (haga clic para ampliar):

El siguiente en la lista tenemos un estilo mucho menos famoso llamado “fauvismo” que el impresionismo y el realismo. Fauvismo(del francés fauve - salvaje): el nombre se formó porque las pinturas dejaban al espectador un sentimiento de energía y pasión, y el crítico francés Louis Vaucelle llamó a los pintores bestias salvajes (en francés les fauves). Ésta fue la reacción de los contemporáneos ante la exaltación del color que los asombraba, la expresividad “salvaje” de los colores. Así, una declaración accidental quedó establecida como el nombre de todo el movimiento. El fauvismo en la pintura se caracteriza por los colores brillantes y la simplificación de las formas.

El siguiente estilo es moderno. Moderno- (del francés moderne - moderno), art nouveau (art nouveau francés, literalmente "arte nuevo"), Art Nouveau (Jugendstil alemán - "estilo joven") - una dirección artística en el arte, donde la base era el rechazo de líneas directas y ángulos a favor de líneas más naturales, “naturales”, interés por las nuevas tecnologías. El Art Nouveau buscó combinar las funciones artísticas y utilitarias de las obras creadas e involucrar todas las esferas de la actividad humana en el ámbito de la belleza.

Un ejemplo de arquitectura Art Nouveau se encuentra en el artículo “Las casas mágicas de Gaudí”. Un ejemplo de una pintura de estilo Art Nouveau: A. Mucha “Sunset” (haga clic para ampliar):

Entonces sigamos adelante. Expresionismo(del latín expressio, "expresión"): una expresión de las características emocionales de las imágenes (generalmente una persona o un grupo de personas) o el estado emocional del propio artista. En el expresionismo, la idea de impacto emocional, afectación se opuso al naturalismo y al esteticismo. Se enfatizó la subjetividad del acto creativo.

Ejemplo: Van Gogh, " Noche de estrellas sobre el Ródano":

El próximo movimiento que abordaremos es el cubismo. Cubismo(Cubismo francés) - dirección a Bellas Artes, caracterizado por el uso de formas convencionales enfáticamente geometrizadas, el deseo de “dividir” objetos reales en primitivos estereométricos.

El siguiente es un estilo llamado "futurismo". Nombre de estilo futurismo viene del latín futurum - futuro. El nombre en sí implica un culto al futuro y una discriminación del pasado junto con el presente. Los futuristas dedicaron sus pinturas a trenes, automóviles, aviones; en una palabra, se prestó atención a todos los logros momentáneos de una civilización ebria de progreso técnico. El futurismo partió del fauvismo, del que tomó prestadas ideas cromáticas, y del cubismo, del que adoptó formas artísticas.

Y ahora pasamos al estilo llamado “abstraccionismo”. abstraccionismo(Latín abstractio - eliminación, distracción): una dirección de arte no figurativo que abandonó la representación de formas cercanas a la realidad en la pintura y la escultura. Uno de los objetivos del abstraccionismo es lograr la "armonización", la creación de ciertos combinaciones de colores y formas geométricas para evocar diversas asociaciones en el contemplador.

Ejemplo: V. Kandinsky:

El siguiente en nuestra lista es el movimiento “dadaísmo”. dadaísmo, o Dada: el nombre del movimiento proviene de varias fuentes: en el idioma de la tribu negra Kru significa cola de una vaca sagrada, en algunas zonas de Italia esto es lo que llaman madre, puede ser una designación de un caballo de madera para niños, una enfermera, una doble declaración en ruso y rumano. También podría ser una reproducción del balbuceo incoherente de un bebé. En cualquier caso, el dadaísmo es algo completamente absurdo, que a partir de ahora se ha convertido en el nombre más exitoso de todo el movimiento.

Y ahora pasamos al suprematismo. suprematismo(del latín supremus - más alto) - se expresó en combinaciones de planos multicolores de las formas geométricas más simples (en formas geométricas de línea recta, cuadrado, círculo y rectángulo). La combinación de figuras geométricas multicolores y de diferentes tamaños forma composiciones suprematistas asimétricas equilibradas impregnadas de movimiento interno.

Ejemplo: Kazimir Malevich:

El siguiente movimiento que consideraremos brevemente es un movimiento con el extraño nombre de “pintura metafísica”. pintura metafísica(Italiano: Pittura metafisica): aquí la metáfora y el sueño se convierten en la base para que el pensamiento vaya más allá de la lógica ordinaria, y el contraste entre el objeto representado con precisión realista y la extraña atmósfera en la que se encuentra realza el efecto surrealista.

Un ejemplo es Giorgio Morandi. Naturaleza muerta con maniquí:

Y ahora pasamos a un movimiento muy interesante llamado “surrealismo”. El surrealismo (surréalisme francés - superrealismo) se basa en una combinación de sueños y realidad. El objetivo principal de los surrealistas era la elevación espiritual y la separación del espíritu de lo material. Uno de los mayores representantes del surrealismo en la pintura fue Salvador Dalí.

Ejemplo: Salvador Dalí:

A continuación pasamos a un movimiento como la pintura activa. La pintura activa (pintar por intuición, tachisme, del francés Tachisme, de Tache - mancha) es un movimiento que representa la pintura con manchas que no recrean imágenes de la realidad, sino que expresan la actividad inconsciente del artista. Trazos, líneas y manchas de tachismo se aplican al lienzo con rápidos movimientos de la mano sin un plan premeditado.

El penúltimo estilo de hoy es el arte pop. El arte pop (pop-art inglés, abreviatura de arte popular, la etimología también se asocia con el pop inglés: golpe abrupto, aplauso) da lugar a obras de arte para las que se utilizaron elementos de la "cultura popular". Es decir, la Imagen tomada prestada de la cultura popular se coloca en un contexto diferente (por ejemplo, la escala y el material cambian; se revela una técnica o método técnico; se revela interferencia de información, etc.).

Ejemplo: Richard Hamilton, “¿Qué hace que nuestros hogares hoy sean tan diferentes y tan atractivos?”:

En consecuencia, la última tendencia de hoy es el minimalismo. Minimal art (English Minimal art), también Minimalism (English Minimalism), ABC Art (English ABC Art) es un movimiento que incluyó formas geométricas, limpiadas de cualquier simbolismo y metáfora, repetición, superficies neutras, materiales industriales y método de fabricación.

Por tanto, existe una gran cantidad de estilos artísticos que tienen sus propios objetivos.