Art Deco es una dirección de arte ecléctico, formada en Francia a principios de los años 20 del siglo XX. Domina el diseño de moda, la arquitectura, las artes aplicadas, el diseño de interiores. En los años 30 y 40, el art déco se hizo popular en todo el mundo.

Historia

La dirección apareció a principios del siglo XX, en el período 1907-1915. En este momento se fijan las primeras obras marcadas por los rasgos característicos del estilo. Algunos investigadores señalan que las obras de esta época son los primeros intentos de los artistas de crear lienzos en un estilo ecléctico.

El término apareció después de la Exposición Internacional de París en 1925. La exposición contó con artículos de lujo. El propósito de la exposición es mostrar el lugar líder de París en el mundo de la moda y el estilo. Hasta 1928, la dirección era propiedad solo de Europa, a principios de los años 30 apareció una versión estadounidense del art deco, que tenía sus propias características.

La historia del estilo gótico en la pintura.

Característica

Art Deco es un arte que refleja la tecnología moderna, caracterizado por líneas suaves, la creación de imágenes a partir de formas geométricas, el uso de colores brillantes y llamativos en el interior y las bellas artes. La dirección surgió como reacción contra la austeridad introducida durante la Primera Guerra Mundial. Las obras se llenaron de lujo, brillo, excesos, se utilizaron materiales caros en el interior y otro tipo de creatividad (plata, cristal, marfil, jade). Después de la Gran Depresión, la dirección se desarrolló, pero comenzó a concentrarse en la producción de productos menos costosos con un enfoque en la producción en masa. Utiliza cromo, plástico, metal y otros materiales industriales para la clase media. Art Deco siempre se ha asociado con el glamour, la brillantez, pero la funcionalidad y la practicidad son inherentes a él.

A partir de finales de los años 40, el art déco comenzó a percibirse como demasiado colorido, pretencioso para tiempos de guerra y austeridad, por lo que poco a poco pasó de moda. En la década de 1960 se produjo un aumento del interés por el art déco, que coincide con el movimiento del arte pop. Otra etapa de desarrollo es la década de los 80, cuando aumenta el interés por el diseño gráfico. La dirección se ha puesto de moda en el diseño, la indumentaria.

Características del hiperrealismo como estilo en la pintura.

Caracterizado por un interés constante por la estética de los años 20 del siglo XX, se percibe exclusivamente en relación con la moda y las tendencias de este período. La peculiaridad del estilo es que los representantes no estaban unidos en una sola comunidad, grupo o escuela de pintura. El Art Deco es un movimiento ecléctico en el que se han mezclado una gran cantidad de influencias culturales.

Ideas

Las ideas clave y los principios del trabajo fueron adoptados por los artistas de los modernistas y neoclásicos.

• Los ideales neoclásicos de belleza con su severidad inherente eran inherentes a las obras de los maestros de la nueva dirección.
• El uso de tonos brillantes e intensos, según los investigadores, proviene del trabajo de los fauvistas parisinos.
• Algunas ideas están tomadas del arte de los aztecas y de la cultura egipcia, de la antigüedad clásica.
• A diferencia del Art Nouveau, el Art Deco no tenía una base filosófica, era una dirección puramente decorativa.
• Composiciones ornamentales étnicas en las pinturas de artistas, en el interior;
• "Estaciones rusas" o ballet ruso S. Diaghilev.

El surrealismo como estilo en la pintura.

El desarrollo del estilo en condiciones económicas y políticas difíciles, durante el período de desarrollo activo de la ciencia y la tecnología, se reflejó en el tema de las pinturas. Las obras de los artistas tienen fines decorativos, agradan la vista y animan. Los pintores no intentan ejercer influencia psicológica o transmitir sus puntos de vista filosóficos a través de pinturas. El objetivo de Art Deco es combinar las mejores características de los estilos, creando algo nuevo y hermoso.

Las principales características del estilo.

El minimalismo como estilo en la pintura.

Usando nuevos materiales que se usaban en combinación, Art Deco introdujo el progreso científico, el crecimiento de la tecnología. La apariencia lujosa de la pintura art deco encajará perfectamente en el interior de un apartamento rico, un crucero, un cine moderno. El estilo ha sobrevivido a varias crisis, gracias a la practicidad, la sencillez, el brillo y la individualidad.

Pintores

El término art deco rara vez se aplica a la pintura o la escultura, domina en la arquitectura y el diseño, pero en el período de entreguerras varios artistas presentaron sus obras, hechas con todos los estándares de estilo: Tamara Gorskaya o Tamara de Lempicka, pintura "Músico" (1929), "Autorretrato en el Bugatti verde (1925), el cartelista francés Adolphe Jean-Marie Mouron, conocido como Cassander, fue uno de los mejores artistas gráficos, ganó el Gran Premio en un concurso de carteles en París.

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En este artículo veremos el estilo del interior. arte deco, Art Nouveau, moderno. Elementos de estilo: pintura, arquitectura, elementos del espacio interior: muebles, cortinas, candelabros, pinturas, etc.

Edificio de la Secesión de Viena

Art Nouveau [art nouveau, " tiffany"(llamado así por Louis Comfort Tiffany) en los Estados Unidos", Art Nouveau" y " fin de siglo" en Francia, " Art Nouveau" en Alemania, " Estilo de secesión" en Austria, " estilo moderno" en Inglaterra, " estilo libertad" en Italia, " modernismo" en España, " Nieuwe Kunst" en Holanda, " estilo abeto" (estilo sapin) en Suiza.) se generalizó en 1918-1939 en Francia, en parte en otros países europeos y en los Estados Unidos. Líneas sinuosas, una combinación inusual de materiales caros y exóticos, imágenes de criaturas fantásticas, formas de onda, conchas, dragones y pavos reales, cuellos de cisne y mujeres lánguidas predominan en formas arquitectónicas y pinturas. En formas - asimetría subrayada. Hojas, flores, troncos y tallos, así como los contornos del cuerpo humano o animal con su asimetría inherente, son una guía para la acción y una fuente de inspiración. El estilo se basa en la tesis de que la forma en el arte es más importante que el contenido. Cualquier contenido más prosaico puede presentarse en una forma altamente artística. La fuente de esta "nueva forma" fue la naturaleza y la mujer. Este estilo se caracteriza por la sofisticación, la sofisticación, la espiritualidad, la variabilidad. Un cierto conjunto de colores siguió a esto: descolorido, apagado; el predominio de líneas suaves y complejas. Un conjunto de símbolos: flores caprichosas, rarezas marinas, olas. Las propiedades estilísticas del Art Nouveau son a veces comparadas con el sistema plástico del Barroco, viendo acertadamente cierta similitud entre ellas en el deseo de los artistas de utilizar formas de naturaleza orgánica como medios expresivos. Gran parte del Art Nouveau también tomó del arte del campo de Asia.

Siempre es bueno en tales interiores, así como en interiores Art Deco, las copias de Michael Parkes, Gustav Klimt, Tamara Lempicki, Alphonse Mucha, Vrubel, Bilibin o Vasnetsov se ven bien, así como el trabajo de artistas contemporáneos que escriben en este estilo. , así como los gráficos estadounidenses de un tema determinado. Muchos artistas de este estilo (o período) estaban fascinados por la pintura oriental: en las pinturas del mismo Gustav Klimt, a menudo vemos personajes con ropa china o japonesa. Por lo tanto, en tales interiores, la pintura china o japonesa no será superflua. Aquí hay algunos trabajos, en nuestra opinión, adecuados para interiores en tales estilos.

Art déco (art déco)- una tendencia popular en las artes decorativas internacionales de 1925-1939. Este estilo sigue históricamente inmediatamente después de la modernidad. Se refirió a áreas del arte como la arquitectura, el diseño de interiores, el diseño industrial, la industria de la moda, la pintura, la gráfica y el cine. Este movimiento, en cierta medida, combinó muchos estilos y corrientes diferentes de principios del siglo XX, incluidos el neoclasicismo, el constructivismo, el cubismo, el modernismo, la Bauhaus, el Art Nouveau y el futurismo. Pero en mayor medida es moderno con una mezcla de neoclasicismo. Características distintivas: regularidad estricta, patrones geométricos étnicos, materiales lujosos, elegantes, caros y modernos (marfil, piel de cocodrilo o piel de tiburón o cebra, maderas raras, plata). En Alemania y la URSS, Art Deco está pasando de Art Nouveau a un "nuevo estilo imperial".

El pico de popularidad del movimiento cayó en los "locos años veinte", pero en la década de 1930 era bastante fuerte en los Estados Unidos. A diferencia de otras áreas, cuyo origen está enraizado en la política o la filosofía, el art déco tenía un significado exclusivamente decorativo. En un momento, el estilo se percibió como una reacción a la Exposición Universal (Exposición Universal) de 1900. Después de una famosa exposición, varios artistas franceses crearon la organización oficialmente registrada La Société des artistes decorateurs (Sociedad de Arquitectos Decorativos). Entre sus fundadores estaban Héctor Guimard (Héctor Guimard).

París en los años 30 del siglo XIX siguió siendo el centro del estilo Art Deco. Lo plasmó en muebles. Jacques-Emile Ruhlmann- el más famoso de los diseñadores de muebles de la época y quizás el último de los clásicos parisinos ebeniste(ebanistas). Además, las obras de Jean-Jacques Rateau, los productos de la empresa "Süe et Mare", las pantallas de Eileen Gray (Eileen Gray), el trabajo de metal forjado de Edgar Brandt, el metal y el esmalte de los suizos de judíos origen Jean Dunant, la copa de los grandes René Lalique y Maurice Marino, y los relojes y joyas Cartier.

La escultura en bronce y marfil se ha convertido en un símbolo del Art Deco en las artes decorativas y aplicadas. Inspirados en parte por las Estaciones rusas de Diaghilev, el arte de Egipto y Oriente y los avances tecnológicos de la "Era de las máquinas", los artesanos franceses y alemanes crearon un estilo único en las pequeñas artes plásticas de las décadas de 1920 y 1930 que elevó el estatus de decoración escultura al nivel de "arte elevado". Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colin, Paul Philippe (Francia), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Alemania), Bruno Zach, J. Lorenzl (Austria) son considerados representantes clásicos del Art Deco en la escultura.

© «WM-PINTURA»

Art Nouveau(Pronunciación francesa: ​, anglicanizado a /ˈɑːrt nuːˈvoʊ/) es un estilo internacional de arte, arquitectura y artes decorativas, especialmente artes decorativas, que fue más popular entre 1890 y 1910. Representando una reacción al arte académico del siglo XIX, el estilo se inspiró en formas y estructuras naturales, en particular las líneas curvas de plantas y flores.

En inglés, se utiliza el nombre francés "Art Nouveau" (arte nuevo). Este estilo está relacionado, pero no es idéntico, a los estilos que surgieron en muchos países europeos al mismo tiempo: en Austria, se conoce como "estilo de secesión" por la "Secesión vienesa"; en España como "modernismo"; en Cataluña como "modernismo"; en la República Checa como "secese"; en Dinamarca como "skönvirke" o Art Nouveau; en Alemania como Art Nouveau, "Art Nouveau" o "estilo de reforma"; en Hungría como "secesión"; en Italia como "Art Nouveau", "estilo de libertad" o "estilo floral"; en Noruega como Art Nouveau; en Polonia como "secesión"; en Eslovaquia como "seces"; en Rusia como "moderno"; que tal en suecia "jugador".

Art Nouveau es un estilo de arte general. Cubre una amplia gama de bellas artes y artes decorativas que incluyen arquitectura, pintura, gráficos, diseño de interiores, joyería, muebles, textiles, cerámica, vidrio y metalistería.

Para 1910, el Art Nouveau ya estaba pasado de moda. Como estilo arquitectónico y decorativo dominante de Europa, primero fue reemplazado por el Art Deco y luego por el Modernismo.

Origen

El nuevo movimiento artístico tiene sus raíces en Gran Bretaña, en los diseños florales de William Morris y en el movimiento Arts and Crafts fundado por los estudiantes de Morris. Los primeros ejemplos de este estilo incluyen la Casa Roja de Morris (1859) y la Habitación del Pavo Real de James Abbot McNeil Whistler. El nuevo movimiento también estuvo fuertemente influenciado por artistas prerrafaelitas, incluidos, Dante Gabriel Rossetti y Edward Burne Jones, y especialmente los artistas gráficos británicos de la década de 1880, entre ellos Selwyn Images, Haywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert y, sobre todo, Aubrey Beardsley.

En Francia, el estilo combinó varias tendencias diferentes. En arquitectura, fue influenciado por el teórico e historiador de la arquitectura Eugène Viollet-le-Duc, un enemigo jurado del histórico estilo arquitectónico Beaux Arts. en su libro "Entretiens sur l"arquitectura" En 1872, escribió: “Utilizar los medios y conocimientos que nos brinda nuestro tiempo, sin tradiciones intermedias que hoy no son viables, y así descubrir una nueva arquitectura. Cada función tiene su propio material; cada material tiene su propia forma y ornamento. Este libro influyó en una generación de arquitectos, incluidos Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimard y Antoni Gaudí.

pintores franceses Mauricio Denis , Pedro Bonnard y Eduardo Vuillard Desempeñó un papel importante en la combinación de las bellas artes de la pintura con la decorativa. “Creo que, sobre todo, la pintura debe decorar”, escribió Denis en 1891. “La elección de tramas o escenas no es nada. Es a través del equilibrio de tonos, la superficie pintada y la armonía de las líneas que puedo llegar al alma y despertar las emociones.” Todos estos artistas crearon pintura tanto tradicional como decorativa sobre biombos, vidrios y otros materiales.

Otra influencia importante en el nuevo estilo fue el japonismo: una ola de interés en los grabados en madera japoneses, especialmente el trabajo de Hiroshige, Hokusai y Utagawa Kunisada, que se importaron a Europa a partir de la década de 1870. El emprendedor Siegfried Bing fundó la revista mensual Le Japon artistique en 1888 y publicó treinta y seis números antes de cerrar en 1891. Influyó tanto en coleccionistas como en artistas, incluido Gustav Klimt. Las características estilizadas de las impresiones japonesas aparecieron en gráficos, porcelana, joyería y muebles Art Nouveau.

Las nuevas tecnologías en la impresión y publicación permitieron que Art Nouveau llegara rápidamente a una audiencia global. Las revistas de arte, ilustradas con fotografías y litografías en color, fueron fundamentales para popularizar el nuevo estilo. The Studio en Inglaterra, Arts et idèes y Art et decoration en Francia, Jugend en Alemania permitieron que el estilo se extendiera rápidamente por todos los rincones de Europa. Aubrey Beardsley en Inglaterra y Eugene Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec y Félix Vallotton recibieron reconocimiento internacional como ilustradores.

gracias a los carteles Julio Cheret para la bailarina Loie Fuller en 1893 y Alfonso Mucha para la actriz Sarah Bernhardt en 1895, el cartel se convirtió no solo en un anuncio, sino en una forma de arte. Toulouse-Lautrec y otros artistas han alcanzado el estatus de celebridad internacional.

Forma y carácter

Aunque el Art Nouveau tomó tendencias claramente localizadas a medida que aumentaba su distribución geográfica, algunas características generales apuntan a su forma. Una descripción publicada en la revista Pan del tapiz de pared Cyclamen (1894) de Hermann Obrist, describiéndolo como "fuertes curvas inesperadas formadas por el golpe de un látigo", que se hizo famoso al comienzo de la expansión del Art Nouveau. Posteriormente, la obra en sí no solo se hizo más conocida como "El latigazo cervical", sino que el término "latigazo cervical" en sí mismo se aplica a menudo a las curvas características utilizadas por los artistas del Art Nouveau. Tales motivos decorativos de "latigazo cervical", formados por líneas dinámicas, ondulantes y fluidas en ritmo sincopado y forma asimétrica, se encuentran en la arquitectura, la pintura, la escultura y otras formas de diseño Art Nouveau.

Los orígenes del Art Nouveau están en la lucha del artista william morris con las voluminosas composiciones y tendencias del renacimiento del siglo XIX y sus teorías que ayudaron a crear el movimiento Arts and Crafts. Sin embargo, la portada de Arthur Maccurdo para The City Churches of Wren (1883), con sus patrones florales rítmicos, a menudo se considera la primera implementación del Art Nouveau. Casi al mismo tiempo, la perspectiva plana y los colores brillantes de las xilografías japonesas, especialmente Katsushiki Hokusai, tuvo una fuerte influencia en la fórmula del estilo Art Nouveau. El japonismo, popular en Europa en las décadas de 1880 y 1890, tuvo un impacto significativo en muchos artistas con sus formas orgánicas y su atractivo para el mundo natural. Además de ser adoptados por el arte y el diseño de inspiración japonesa de artistas como Emile Galle y James Abbott McNeil Whistler, también fueron apoyados por los empresarios Siegfried Bean y Arthur Lasenby Liberty en sus tiendas de París y Londres, respectivamente.

En arquitectura, las hipérbolas y parábolas están muy extendidas en ventanas, arcos y puertas, y los cortes decorativos se transforman en formas vegetales. Como la mayoría de los estilos de diseño, el Art Nouveau buscó armonizar sus formas. El texto sobre la entrada al Metro de París utiliza las características del resto de la estructura metálica.

La arquitectura Art Nouveau y el diseño de interiores evitan los estilos eclécticos que resurgen del siglo XIX. Aunque los diseñadores Art Nouveau eligieron y "modernizaron" algunos de los elementos más abstractos del estilo rococó, como las texturas de las llamas y las conchas, también abogaron por el uso de formas orgánicas muy estilizadas como fuente de inspiración, expandiendo lo "natural". variedad al uso de algas, hierbas e insectos. Otra influencia fueron las formas de mezcla suave del knorpelwerk del siglo XVII, mejor representadas en plata holandesa.

Relación con estilos y movimientos contemporáneos

Como estilo artístico, el Art Nouveau tiene afinidades con los prerrafaelitas y el simbolismo, y artistas como Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, gustav klimt y Jan Torop, se pueden atribuir a más de uno de estos estilos. Sin embargo, a diferencia de la pintura simbólica, el estilo Art Nouveau tiene una apariencia distintiva; y, en contraste con el movimiento Arts and Crafts orientado a los artesanos, los artistas Art Nouveau adoptaron fácilmente nuevos materiales, superficies acabadas y abstracción en aras del diseño puro.

Art Nouveau no abandonó el uso de máquinas, como lo hizo el movimiento Arts and Crafts. Para la escultura, los principales materiales utilizados fueron el vidrio y el hierro forjado, dando lugar a rasgos escultóricos incluso en la arquitectura. La cerámica también participó en la serie de esculturas de artistas como Auguste Rodin.

La arquitectura Art Nouveau hizo uso de muchas de las innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente el hierro expuesto y las grandes piezas de vidrio personalizadas. Sin embargo, al comienzo de la Primera Guerra Mundial, la naturaleza estilizada del diseño Art Nouveau, que era costoso de producir, cayó en desuso en favor de un modernismo más sencillo y directo que era más barato y más adecuado para la estética industrial simple que Art Deco. se había convertido.

tendencias de estilo Art Nouveau también se infiltró en los estilos locales. Por ejemplo, en Dinamarca, esta tendencia ha sido un aspecto de skönvirke ("obra estética"), que a su vez está más estrechamente asociada con el estilo Arts and Crafts. Además, los artistas tomaron prestados muchos de los motivos florales y orgánicos del Art Nouveau al estilo Młoda Polska ("Polonia Joven") en Polonia. Sin embargo, Młoda Polska también incluyó otros estilos artísticos y adoptó una tendencia más amplia en el arte, la literatura y el estilo de vida.

Publicaciones de la sección de museos

Art déco para tontos

Dónde y cómo surgió el estilo Art Deco, quién lo fundó, si fue en la joven Unión Soviética: entendemos las complejidades del estilo junto con Sofia Bagdasarova.

¿Qué es el Art Déco?

Hoja del álbum Feuillets d "Art. 1919

Partitura del álbum Les chooses de Paul Poiret vues par Georges Lepape. 1911

Partitura del álbum Modes et Manières d "Aujourd" hui. 1914

Art Deco, que significa “arte decorativo” en francés, es el nombre del estilo artístico que reinó en Europa y América después del Art Nouveau, entre las dos guerras mundiales. Además, reinó principalmente en el diseño industrial: moda, joyería, carteles, fachadas, interiores, muebles. Esto sucedió mientras el “gran arte” de esa época experimentaba con el expresionismo, el abstraccionismo, el constructivismo y otros ismos que, por supuesto, son geniales, solo que no todos pueden verlos todo el tiempo en su departamento. Y los artículos Art Deco están diseñados específicamente para la vida cotidiana: muy ricos, lujosos e imponentes, pero aún cotidianos.

¿Cómo reconocer un artículo Art Deco?

Pitilleras, cajas de pólvora. 1930 Instituto de la Moda de Kioto

Portada de la revista Vogue con un vestido "óptico" de S. Delaunay. 1925. Servicio de Prensa de los Museos del Kremlin.

Bolsos ESTÁ BIEN. 1910. Instituto de la Moda de Kioto

Esta cosa seguramente será hermosa: elegante, elegante. Está hecho de un material con una textura costosa, pero no un lujo llamativo, sino simplemente valioso. Los colores serán tonos complejos, negro, mucho. A menudo, el autor usó claramente una regla, pero al mismo tiempo logró redondear todas las esquinas con mucha elegancia. Los patrones geométricos se construyen según proporciones cuidadosas y pueden hipnotizar. También suelen intercalarse con algo antiguo egipcio o japonés, pero en algún diseño extraño: al Art Deco le encantaba reinterpretar culturas exóticas. (Por cierto, también se apreció el "exotismo ruso".) Me gustó el estilo y el progreso técnico, es por eso que hay trenes estilizados que vuelan a alta velocidad y hélices de aviones y barcos de vapor.

Estilo a la moda

Vestido de noche. La diseñadora de moda Madeleine Vionnet. 1927. Servicio de Prensa de los Museos del Kremlin

Vestido de noche. Casa de moda Lanwen. Alrededor de 1925. Servicio de prensa de los Museos del Kremlin.

Vestir. Francia. Invierno de 1922. Casa de moda "Hermanas Kallo"

Art Deco es más notable en la moda femenina. En la época en que reinaba este estilo, las mujeres comenzaron a cortarse el cabello, finalmente se liberaron de los corsés ajustados y las crinolinas, la cintura se deslizaba hacia las caderas, luego se levantaba hasta el pecho y la falda se acortaba a una altura que era completamente indecente, según aquellos que recordaron la moralidad victoriana.

Los creadores del estilo, los grandes diseñadores de moda Paul Poiret, Mariano Fortuny, citaron kimonos, turbantes y bombachos árabes, quitones y tablas antiguos, impermeables medievales. Aparecieron prendas de una sola pieza, cortinas por todas partes, telas pesadas, chic y con brillo. En cosas tan gratuitas, bordadas con perlas iridiscentes, cuentas de vidrio, pedrería, cuentas, fue genial bailar nuevos bailes animados: foxtrot, charleston, tango. En general, recuerda la época de "El gran Gatsby".

Estilo en joyería

Broche Van Cleef y Arpels. 1930

Collar de cuello Van Cleef y Arpels. 1929

Broche estilo egipcio de Van Cleef y Arpels. 1924

Las firmas Cartier y Van Cleef & Arpels, así como otras casas de joyería, trabajaron deliberadamente en los principios del Art Deco en su trabajo. Después de las formas fluidas y las flores poéticas de la era Art Nouveau (también conocido como Art Nouveau), sus joyas parecían llamativas e impactantes.

El platino ligero para la configuración permitió que las joyas abandonaran la "armadura pesada": el oro. Formas geométricas puras, patrones abstractos, una combinación innovadora de verde y azul, una selección contrastante de piedras, como el ónix negro y el rubí rojo, el uso de piedras talladas en lugar de talladas, así como la intercalación de artefactos antiguos genuinos (escarabajos egipcios, etc.) .) - estos son rasgos reconocibles. El ónix negro generalmente se convirtió en una piedra favorita de este período, especialmente cuando se combina con diamantes. Los acompañaban brillantes acordes de corales, lapislázuli, jade, esmalte.

¿Había art déco en Rusia?

Edificio alto en el terraplén de Kotelnicheskaya. Museo Estatal de Investigación de Arquitectura que lleva el nombre de A.V. Shchusev: sitio web/institutos/7985

estación de metro Mayakovskaya

Pabellón de la URSS en la Exposición Internacional de París. 1937. Museo Estatal de Investigación de Arquitectura que lleva el nombre de A.V. Shchusev: sitio web/institutos/7985

El brillante estilo Art Deco es, por supuesto, profundamente "burgués". Este es un símbolo de la generación perdida, la moda de los personajes de Fitzgerald, Hemingway (así como Wodehouse y los libros de antes de la guerra de Agatha Christie). El joven estado soviético en esa época no estaba a la altura de esta brillantez exterior. Sin embargo, tuvieron los "locos años veinte", y tenemos la Nueva Política Económica. Recuerde a Ellochka the Cannibal: “… la brillante fotografía mostraba a la hija del multimillonario estadounidense Vanderbilt en un vestido de noche. Había pieles y plumas, seda y perlas, ligereza de corte, un peinado inusual e impresionante. Los nepmen soviéticos en sus hábitos, por supuesto, imitaron a su vecino occidental libre, aunque esto no fue aprobado oficialmente.

Por otro lado, la impronta Art Deco es visible en una de las artes más formales: la arquitectura. La influencia del estilo importado es fácil de encontrar en el clasicismo estalinista: las fotografías de fragmentos de los rascacielos de Moscú desde algunos ángulos son difíciles de distinguir de las vistas de los rascacielos de Manhattan de antes de la guerra. El amor de Art Deco por el geometrismo, el uso de abstracciones: todo esto fue absorbido fácilmente por los maestros rusos en la patria del suprematismo. También era apropiado para glorificar los logros técnicos de la humanidad. Hay letreros aún más divertidos: ¿recuerdas que hablamos sobre el giro del Art Deco hacia los motivos egipcios? Es gracias a él ante Tamara Lempicka. Autorretrato en un bugatti verde. 1929. Colección particular

Pero la contribución que hicieron los emigrantes rusos al desarrollo del Art Deco es mucho más significativa. Durante años, las revistas de moda Vogue y Harper's Bazaar han sido publicadas bajo portadas dibujadas por Erte, cuyo verdadero nombre es Roman Petrovich Tyrtov, su "Sinfonía en negro" es una de las obras clave del estilo.

La artista abstracta Sonia Delaunay, que trabajó en la industria de la moda, enriqueció el Art Deco con color y energía, que hemos visto en otras "Amazonas de vanguardia". La principal retratista art déco, una de las pocas artistas que lograron utilizar este estilo para las pinturas de caballete, es Tamara Lempicka, originaria del reino ruso de Polonia, que vivía en San Petersburgo antes de la revolución. (Pero el principal escultor de la época, Dmitry Chiparus, a pesar de un nombre tan familiar para nosotros, es rumano). Finalmente, Leon Bakst, estando en el exilio, además del teatro, logró trabajar en la industria de la moda, obviamente en el estilo Art Déco.

Los historiadores del arte generalmente escriben que el estilo Art Deco se inspiró originalmente en las estaciones rusas, que sacudieron el mundo del arte parisino en la década de 1900. Entonces, ¡gracias a Diaghilev y al art deco!

Hace 10 meses Enottt Comentarios sobre el arte art déco. Características regionales (Francia, EE. UU.) desactivado

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Art Deco (arte decorativo) es una corriente influyente en las bellas artes y las artes decorativas de la primera mitad del siglo XX, que apareció por primera vez en Francia en la década de 1920 y luego se popularizó en las décadas de 1930 y 1940 a escala internacional, manifestándose principalmente en arquitectura, moda y pintura. Este es un estilo ecléctico, que es una síntesis del modernismo y el neoclasicismo. El estilo art déco también estuvo significativamente influenciado por movimientos artísticos como el cubismo, el constructivismo y el futurismo.

Características distintivas: regularidad estricta, formas geométricas audaces, patrones geométricos étnicos, decoración en medios tonos, falta de colores brillantes en el diseño, adornos coloridos, materiales lujosos, elegantes, caros y modernos (marfil, piel de cocodrilo, aluminio, maderas raras, plata ).

• Formas: simplificadas, pero claras y gráficas. Las siluetas tienen formas más escalonadas, lo principal es la gracia y algo de alegría.
• Líneas: enérgicas, claras, geométricas.
• Elementos: muchos adornos en forma de rizos, espirales, ondas, zigzags.
• Colores: contraste. Tejidos suaves y pasteles con llamativos y jugosos.
• Materiales: caros, exóticos, saturados. Madera, cuero, bronce, mármol, cerámica, vidrio.
• Ventanas: Rectangulares, utilizando un gran espacio de vidrio. Con menos frecuencia arqueado o con vidrieras.
• Puertas: rodeadas de pilastras, hastiales.

En los EE. UU., los Países Bajos, Francia y algunos otros países, el Art Deco evolucionó gradualmente hacia el funcionalismo.

Historia

La exposición internacional, celebrada en 1925 en París y oficialmente denominada "Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes", dio vida al término "Art Deco". Esta exposición mostró al mundo artículos de lujo fabricados en Francia, lo que demuestra que París siguió siendo un centro internacional de estilo después de la Primera Guerra Mundial.

Exposición Internacional de Arte Decorativo e Industrial Contemporáneo

El evento que marcó y dio nombre al cenit del estilo fue la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, celebrada en París de abril a octubre de 1925. Fue organizado oficialmente por el gobierno francés y cubría un área de 55 acres en París, desde el Grand Palais en la margen derecha hasta los Invalides en la margen izquierda y a lo largo de las orillas del Sena. El Grand Palais, el salón más grande de la ciudad, se llenó de artes decorativas de los países participantes. Hubo 15.000 expositores de veinte países diferentes, incluidos Inglaterra, Italia, España, Polonia, Checoslovaquia, Bélgica, Japón y la nueva Unión Soviética; Alemania no fue invitada debido a las tensiones de la posguerra y Estados Unidos, al no comprender el propósito de la exposición, se retiró. Dieciséis millones de personas visitaron la exposición en siete meses. Las reglas de exhibición requerían que todo el trabajo fuera contemporáneo; los estilos históricos no estaban permitidos. El objetivo principal de la exposición era promover a los fabricantes franceses de muebles de lujo, porcelana, vidrio, productos de metal, textiles y otros productos decorativos. Para promover aún más los productos, todos los grandes almacenes parisinos y los principales diseñadores tenían sus propios pabellones. La exposición tuvo un propósito secundario en la promoción de productos de las colonias francesas en África y Asia, incluidos el marfil y las maderas exóticas.

El Hôtel du Riche Collectionneur fue una atracción popular en la feria; presentó nuevos proyectos de diseño de Emile-Jacques Ruhlmann, así como telas Art Deco, alfombras y pinturas de Jean Dupas. El diseño interior se basó en los mismos principios de simetría y formas geométricas que lo diferencian del Art Nouveau y los colores brillantes, la exquisita artesanía de materiales raros y costosos que lo diferencian de la austera funcionalidad del estilo modernista. Si bien la mayoría de los pabellones estaban ricamente decorados y llenos de lujosos muebles hechos a mano, dos pabellones, el de la Unión Soviética y el del Nouveau Esprit, construido por una revista del mismo nombre bajo la dirección de Le Corbusier, se construyeron en un estilo austero, sencillo. paredes blancas y sin decoración; estaban entre los primeros ejemplos de la arquitectura modernista

La Exposición de Artes Decorativas, demostrando la victoria del constructivismo, simultáneamente dio vida al movimiento Art Deco, que se convirtió en una mezcla exótica de cubismo y estilo moderno, es decir, estilización lineal y ornamentación exquisita. La moda de los turbantes y las hazañas estilizadas como "Egipto" y "China" se mezclaban fantasiosamente con los ritmos de la planimetría geométrica.

La tendencia Art Deco en sí existía incluso antes de la inauguración de la exposición en 1925: era una tendencia notable en el arte europeo de la década de 1920. No llegó a las costas estadounidenses hasta 1928, donde en la década de 1930 se convirtió en Streamline Moderne, una rama americanizada del Art Deco que se convirtió en el sello distintivo de esa década.

El símbolo del Art Deco en las artes decorativas y aplicadas era una escultura realizada en bronce y marfil. Inspirados en las "Estaciones rusas" de Diaghilev, el arte de Egipto y Oriente, así como los logros tecnológicos de la "era de la máquina", los artesanos franceses y alemanes crearon un estilo único en plástico pequeño de las décadas de 1920 y 1930, que elevó el estado. de la escultura decorativa al nivel de las "altas artes". Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colin, Paul Philippe (Francia), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Alemania), Bruno Zack, J. Lorenzl (Austria) son considerados representantes clásicos del Art Deco en la escultura.

El surgimiento del Art Deco estuvo íntimamente ligado al ascenso del estatus de los artistas decorativos, que hasta finales del siglo XIX eran considerados meros artesanos. El término "escenografía decorativa" se acuñó en 1875 para los diseñadores de muebles, textiles y otras decoraciones. En 1901 se creó la Commonwealth of Decorators (Sociedad de Artistas Decorativos) o SAD, y a los artistas decorativos se les otorgaron los mismos derechos de autor que a los pintores y escultores. Un movimiento similar se desarrolló en Italia. En 1902, tuvo lugar en Turín la primera exposición internacional dedicada exclusivamente a las artes decorativas Esposizione international d'Arte.

En París se fundaron varias revistas nuevas dedicadas a las artes decorativas, incluidas Art and Decoration y L'Art decoratif moderne. Las secciones de artes decorativas se presentaron en los Salones anuales de la Sociéte des artistes français y más tarde en el Salon d'automne. El nacionalismo francés también desempeñó un papel en el resurgimiento de las artes decorativas, y los diseñadores franceses se sintieron en desventaja por el aumento de las exportaciones de muebles alemanes baratos. En 1911, la SAD propuso una nueva gran exposición internacional de artes decorativas en 1912. No se permitieron copias de estilos más antiguos; única obra contemporánea. La exposición se retrasó hasta 1914 y luego, a causa de la guerra, hasta 1925, cuando dio nombre a toda la familia de estilos conocida como Deco.

Aunque el término Art Deco se originó en 1925, no se usó comúnmente hasta el cambio de actitud hacia la era en la década de 1960. Los maestros del art déco no formaban parte de una sola comunidad. El movimiento fue considerado ecléctico, influenciado por varias fuentes:

• "Secesión vienesa" del período temprano (talleres de Viena); diseño industrial funcional.
• Arte primitivo de África, Egipto e Indios de América Central.
• El arte griego antiguo (período arcaico) es el menos naturalista de todos.
• "Estaciones rusas" de Sergei Diaghilev en París - bocetos de vestuario y escenografía de Léon Bakst.
• Formas facetadas, cristalinas, facetadas del cubismo y el futurismo.
• Paleta colorística del fauvismo.
• Formas estrictas de neoclasicismo: Boulet y Karl Schinkel.
• Era del Jazz.
• Motivos y formas vegetales y animales; vegetación tropical; zigurats; cristales; gama colorista en blanco y negro de teclas de piano, motivo del sol.
• Formas flexibles y atléticas de atletas femeninas, de las cuales hay muchas; esquinas afiladas de cortes de pelo cortos para representantes de la vida del club: flappers.
• Logros tecnológicos de la "era de las máquinas", como la radio y los rascacielos.

A los maestros del art déco les gustaba utilizar materiales como el aluminio, el acero inoxidable, el esmalte, las incrustaciones de madera y la piel de tiburón y cebra. Usaron activamente formas en zigzag y escalonadas, líneas curvas anchas y enérgicas (en contraste con las suaves curvas fluidas del Art Nouveau), motivos de chevron y teclas de piano. Algunos de estos motivos decorativos se han vuelto omnipresentes, como el patrón clave que se encuentra en los zapatos de mujer, los radiadores, las salas de conferencias de Radio City y la aguja del edificio Chrysler. Los interiores de cines y transatlánticos, como Ile de France y Normandy, fueron decorados voluntariamente con este estilo. Art Deco era lujoso, y se cree que este lujo es una reacción psicológica al ascetismo y las restricciones durante los años de la Primera Guerra Mundial.

Francia

Los grandes almacenes parisinos y los diseñadores de moda fueron fundamentales en el auge del Art Déco. Las firmas establecidas, incluido el fabricante de bolsos Louis Vuitton, la firma de plata Christofle, el diseñador de vidrio René Lalique y los joyeros Louis Cartier y Boucheron, comenzaron a diseñar productos en estilos más contemporáneos. Desde 1900, los grandes almacenes han contratado decoradores para trabajar en sus estudios de diseño. La decoración del Salon d'Automne de 1912 se encargó a los grandes almacenes Printemps. En el mismo año, Printemps creó su propio taller llamado "Primavera". Para 1920, Primavera estaba ocupada por más de trescientos artistas. Los estilos iban desde versiones actualizadas de muebles Luis XIV, Luis XVI y especialmente Luis Felipe hechos por Louis Süe y el taller Primavera hasta formas más modernas del taller de los grandes almacenes Au Louvre. Otros diseñadores, incluidos Emile Jacques Ruhlmann y Paul Folio, se negaron a utilizar la producción en masa e insistieron en que cada pieza se hiciera a mano individualmente. El estilo art déco temprano presentaba materiales lujosos y exóticos como el ébano, el marfil y la seda, colores muy vivos y motivos estilizados, especialmente cestas y ramos de flores en todos los colores, dando un aspecto modernista.

Los colores vibrantes del Art Deco provienen de muchas fuentes, incluidas las exóticas producciones de Léon Bakst para los Ballets Russes, que causaron sensación en París justo antes de la Primera Guerra Mundial. Algunos de los colores se inspiraron en el movimiento fauvista anterior dirigido por Henri Matisse; otros son orfistas como Sonia Delaunay; otros por el movimiento conocido como los nabis y la obra del pintor simbolista Odilon Redon, quien diseñó repisas de chimenea y otros objetos decorativos. Los colores brillantes fueron una característica del trabajo del diseñador de moda Paul Poiret, cuyo trabajo influyó tanto en el diseño como en el diseño de interiores Art Deco.

París siguió siendo el centro del estilo Art Deco. En el mueble lo encarnó Jacques-Émile Ruhlmann, el más célebre de los diseñadores de muebles de aquella época y, quizás, el último de los clásicos ébéniste (ebanistas) parisinos. Además, las obras de Jean-Jacques Rateau, los productos de la empresa Süe et Mare, los biombos de Eileen Gray, el trabajo de metal forjado de Edgar Brandt, el metal y esmalte del suizo de origen judío Jean Dunant, el vidrio del gran René Lalique y Maurice Marino, además de relojes y joyas Cartier.

En 1925 convivían en el Art Deco dos escuelas diferentes en competencia: los tradicionalistas, que fundaron la Sociedad de Artistas Decorativos; incluidos el diseñador de muebles Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, el escultor Antoine Bourdelle y el diseñador Paul Poiret; combinaron formas modernas con artesanía tradicional y materiales caros. Por otro lado, los modernistas, que rechazaban cada vez más el pasado y querían un estilo basado en los avances de las nuevas tecnologías, la sencillez, la falta de acabados, los materiales económicos y la producción en serie.

En 1929, los modernistas fundaron su propia organización, la Unión Francesa de Artistas Contemporáneos. Incluyó a los arquitectos Pierre Charo, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier y, en la Unión Soviética, Konstantin Melnikov; la diseñadora irlandesa Eileen Gray y la diseñadora francesa Sonia Delaunay, los joyeros Jean Fouquet y Jean Pouyforcat. Atacaron con vehemencia el estilo Art Deco tradicional, que dijeron que solo estaba hecho para los ricos, e insistieron en que los edificios bien construidos deberían ser accesibles para todos y que la forma debería funcionar. La belleza de un objeto o edificio era si estaba perfectamente adaptado para cumplir su función. Los métodos industriales modernos significaban que los muebles y los edificios podían producirse en masa en lugar de hacerlos a mano.

Cuadro

Ni una sola sección se asignó a la exposición de 1925. La pintura Art Deco era, por definición, decorativa, destinada a embellecer una habitación o una pieza de arquitectura, por lo que pocos artistas trabajaron exclusivamente en este estilo, pero dos artistas están estrechamente asociados con Art Deco. Jean Dupas pintó frescos Art Deco para el pabellón de Burdeos en la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925, y también pintó una pintura sobre la chimenea en la Maison de la Collectioneur en la exposición de 1925, que contó con Ruhlmann y otros destacados diseñadores de arte deco. Sus pinturas también estuvieron en la decoración del transatlántico francés Normandía. Su obra era puramente decorativa, pensada como fondo o acompañamiento de otros elementos decorativos. Otra artista estrechamente asociada con el estilo es Tamara de Lempicka. Nacida en Polonia en el seno de una familia aristocrática, emigró a París tras la Revolución Rusa. Allí se convirtió en alumna del pintor Maurice Denis del movimiento llamado "Nabis" y del cubista André Lhote, y adoptó muchos estilos de sus estilos. Pintó casi exclusivamente retratos en un estilo Art Deco realista, dinámico y colorido.

Artes graficas

El estilo Art Deco apareció en las primeras etapas del arte gráfico, en los años poco antes de la Primera Guerra Mundial.

guerra. Apareció en París en carteles y vestuario de Léon Bakst para el Ballet Russes y en los catálogos de los diseñadores de moda Paul Poiret. Las ilustraciones de Georges Barbier y Georges Lepep y las imágenes de la revista de moda La Gazette du bon ton captaron a la perfección la elegancia y la sensualidad del estilo. La apariencia cambió en la década de 1920; Las modas enfatizadas eran más informales, deportivas y atrevidas, y las modelos femeninas generalmente fumaban cigarrillos. En Alemania, el artista de carteles más famoso de este período fue Ludwig Hohlwein, quien creó carteles coloridos y dramáticos para festivales de música, cerveza y, al final de su carrera, para el Partido Nazi.

Durante el Art Nouveau, los carteles generalmente anunciaban mercadería teatral o cabarets. En la década de 1920, los carteles de viaje hechos para líneas de barcos de vapor y aerolíneas se hicieron extremadamente populares. El estilo cambió notablemente en la década de 1920 con un enfoque en la publicidad de productos. Las imágenes se volvieron más simples, más precisas, más lineales, más dinámicas y, a menudo, se colocaron sobre un fondo de un solo color. En Francia, estaban los diseñadores Art Deco Charles Lupo y Paul Colin, que se hicieron famosos por sus carteles para la cantante y bailarina estadounidense Josephine Baker, Jean Carlou diseñó carteles para películas, novelas y teatros de Charlie Chaplin; a fines de la década de 1930 emigró a los Estados Unidos, donde durante la Guerra Mundial diseñó carteles para incentivar la producción bélica. El diseñador Charles Gesmar se convirtió en un famoso diseñador de carteles para la cantante Mistinguett y para Air France. Entre los diseñadores franceses más famosos

America. Optimizar Moderne

La dirección de estilo que se desarrolló en paralelo con Art Deco y muy cerca fue "Streamline Moderne" (el nombre proviene del inglés streamline - "streamline" - un término del campo de la aerodinámica). En "streamline modern" se siente la influencia de la estampación industrial y las tecnologías aerodinámicas. Como resultado, en las obras de este estilo aparecieron contornos de aviones o balas de revólver. Cuando el diseño del primer automóvil de producción masiva de Chrysler, el "Chrysler Airflow", demostró ser popular, incluso se usaron formas aerodinámicas para afiladores, edificios y refrigeradores.

Este estilo arquitectónico busca formas esbeltas, mantiene largas líneas horizontales que a menudo contrastan con superficies curvas verticales, e introduce de buen grado elementos tomados de la industria náutica (barandillas y ojos de buey). Su pico se alcanzó alrededor de 1937.

Este estilo fue el primero en incorporar luz eléctrica en una estructura arquitectónica.

mural

No había un estilo Art Deco distinto en los Estados Unidos, aunque las pinturas se usaban a menudo como decoración, especialmente en edificios gubernamentales y edificios de oficinas. En 1932 se creó el proyecto Obras Públicas en el Arte, que permitía a los artistas trabajar sin obra, porque el país estaba en la Gran Depresión. Un año después, el proyecto encargó más de quince mil obras de arte. El Federal Art Project ha contratado a artistas estadounidenses de renombre para pintar y decorar paredes en edificios gubernamentales, hospitales, aeropuertos, escuelas y universidades. Algunos de los artistas más famosos de Estados Unidos, incluidos Grant Wood, Reginald Marsh, Georgia O'Keeffe y Maxine Albro, participaron en el programa. El reconocido artista mexicano Diego Rivera también participó en el programa, decorando las paredes. Las pinturas tenían una variedad de estilos, incluido el regionalismo, el realismo social y la pintura estadounidense.

También se crearon varias imágenes para rascacielos Art Deco, en particular el Rockefeller Center en

Nueva York. El vestíbulo encargó dos imágenes de John Stewart Curry y Diego Rivera. Los dueños del edificio, la familia Rockefeller, descubrieron que Rivera, un comunista, había colocado una imagen de Lenin entre la multitud en la pintura y la destruyó. El cuadro fue sustituido por otro artista español, José Maria Sert.

Artes graficas

El estilo Art Deco apareció en las primeras etapas del arte gráfico, en los años previos a la Primera Guerra Mundial. Apareció en París en carteles y vestuario de Léon Bakst para el Ballet Russes y en los catálogos de los diseñadores de moda Paul Poiret. Las ilustraciones de Georges Barbier y Georges Lepep y las imágenes de la revista de moda La Gazette du bon ton captan a la perfección la elegancia y la sensualidad del estilo. La apariencia cambió en la década de 1920; Las modas enfatizadas eran más informales, deportivas y atrevidas, y las modelos femeninas generalmente fumaban cigarrillos. Las revistas de moda estadounidenses como Vogue, Vanity Fair y Harper's Bazaar rápidamente adoptaron el nuevo estilo y lo popularizaron en los Estados Unidos. También influyó en el trabajo de ilustradores de libros estadounidenses como Rockwell Kent.

En la década de 1930, surgió un nuevo género de carteles en los Estados Unidos durante la Gran Depresión. El proyecto de arte de la Agencia Federal contrató a artistas estadounidenses para crear carteles para promover el turismo y los eventos culturales.

Desvanecimiento del estilo

Art Deco desapareció silenciosamente después del auge de la producción en masa, cuando fue tratado como llamativo, llamativo y falsamente lujoso. El final definitivo de este estilo lo pusieron las penurias de la Segunda Guerra Mundial. En países coloniales como India, el Art Deco se convirtió en la puerta de entrada al modernismo y no desapareció hasta la década de 1960. El resurgimiento del interés por el art déco en la década de 1980 se asoció con el diseño gráfico, y las asociaciones del art déco con el cine negro y el encanto de la década de 1930 llevaron a su reutilización en joyería y moda.

Peview: Parte de "California", Maxine Albro, interior de la Coit Tower en San Francisco (1934)

En contacto con

arte deco

Art Deco, (art déco francés, literalmente "arte decorativo", del nombre de la exposición de París de 1925, Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de Francia, Exposición Internacional Rusa de Artes Decorativas e Industriales Modernas) es una tendencia influyente en el arte visual y decorativo de la primera mitad del siglo XX, que apareció por primera vez en Francia en la década de 1920, y luego se popularizó en las décadas de 1930-1940 a escala internacional, manifestándose principalmente en la arquitectura, la moda, la pintura, y dejó de ser ser relevante en el período posterior a la Segunda Guerra Mundial. Es un estilo ecléctico que es una síntesis del modernismo y el neoclasicismo. El estilo Art Deco también tiene influencias significativas de movimientos artísticos como el cubismo, el constructivismo y el futurismo.

Características distintivas: regularidad estricta, formas geométricas audaces, patrones geométricos étnicos, decoración en medios tonos, falta de colores brillantes en el diseño, adornos coloridos, materiales lujosos, elegantes, caros y modernos (marfil, piel de cocodrilo, aluminio, maderas raras, plata ). En los EE. UU., los Países Bajos, Francia y algunos otros países, el Art Deco evolucionó gradualmente hacia el funcionalismo.

La exposición internacional, celebrada en 1925 en París y oficialmente denominada "Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes", dio vida al término "Art Deco". Esta exposición mostró al mundo artículos de lujo fabricados en Francia, lo que demuestra que París siguió siendo un centro internacional de estilo después de la Primera Guerra Mundial.

La tendencia art déco en sí existía incluso antes de la inauguración de la exposición en 1925: era una tendencia notable en el arte europeo de la década de 1920. No llegó a las costas estadounidenses hasta 1928, donde en la década de 1930 se convirtió en Streamline Moderne, una rama americanizada del Art Deco que se convirtió en el sello distintivo de esa década.

París siguió siendo el centro del estilo Art Deco. En el mueble lo encarnó Jacques-Émile Ruhlmann, el más célebre de los diseñadores de muebles de aquella época y, quizás, el último de los clásicos ébéniste (ebanistas) parisinos. Además, el trabajo de Jean-Jacques Rateau, los productos de la empresa "Süe et Mare", los biombos de Eileen Gray, el trabajo de metal forjado de Edgar Brandt, el metal y el esmalte del suizo de origen judío Jean Dunant, la copa del gran René Lalique y Maurice Marino, además de relojes y joyas Cartier.

El símbolo del Art Deco en las artes decorativas y aplicadas era una escultura realizada en bronce y marfil. Inspirados en las "Estaciones rusas" de Diaghilev, el arte de Egipto y Oriente, así como los logros tecnológicos de la "era de la máquina", los artesanos franceses y alemanes crearon un estilo único en plástico pequeño de las décadas de 1920 y 1930, que elevó el estado. de la escultura decorativa al nivel de las "altas artes". Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colin, Paul Philippe (Francia), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Alemania), Bruno Zack, J. Lorenzl (Austria) son considerados representantes clásicos del Art Deco en la escultura.

Aunque el término Art Deco se originó en 1925, no se usó comúnmente hasta el cambio de actitud hacia la era en la década de 1960. Los maestros del art déco no formaban parte de una sola comunidad. El movimiento fue considerado ecléctico, influenciado por varias fuentes.

A los maestros del art déco les gustaba utilizar materiales como el aluminio, el acero inoxidable, el esmalte, las incrustaciones de madera y la piel de tiburón y cebra. Usaron activamente formas en zigzag y escalonadas, líneas curvas anchas y enérgicas (en contraste con las suaves curvas fluidas del Art Nouveau), motivos de chevron y teclas de piano. Algunos de estos motivos decorativos se han vuelto omnipresentes, como el patrón clave que se encuentra en los zapatos de mujer, los radiadores, las salas de conferencias de Radio City y la aguja del edificio Chrysler. Los interiores de cines y transatlánticos, como Ile de France y Normandy, fueron decorados voluntariamente con este estilo. Art Deco era lujoso, y se cree [fuente no especificada 1667 días] que este lujo es una reacción psicológica al ascetismo y las restricciones durante la Primera Guerra Mundial.

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