Quién inventó el teatro. que es el teatro

La historia del teatro ruso se divide en varias etapas principales. La etapa lúdica inicial se origina en una sociedad tribal y finaliza en el siglo XVII, cuando, junto con un nuevo período en la historia rusa, comienza una nueva etapa más madura en el desarrollo del teatro, que culmina con el establecimiento de un estado permanente. teatro profesional en 1756.

Los términos "teatro", "drama" ingresaron al diccionario ruso solo en el siglo XVIII. A fines del siglo XVII, se usó el término "comedia", y durante todo el siglo, "diversión" (Armario divertido, Cámara de entretenimiento). En las masas populares, el término "teatro" fue precedido por el término "deshonra", el término "drama" - "juego", "juego". En la Edad Media rusa, las definiciones de sinónimos eran comunes: juegos de bufones "demoníacos" o "satánicos". Todo tipo de curiosidades traídas por extranjeros en los siglos XVI y XVII, y los fuegos artificiales también se llamaban diversión. Las ocupaciones militares del joven zar Pedro I también se llamaban diversión. En este sentido, tanto la boda como el disfrazarse eran llamados “jugar”, “juego”. "Jugar" tiene un significado completamente diferente en relación con los instrumentos musicales: tocar panderetas, sniffles, etc. Los términos "juego" y "jugar" en relación con el drama oral se conservaron entre la gente hasta los siglos XIX y XX.

Arte popular

El teatro ruso se originó en la antigüedad. Sus orígenes van al arte popular - rituales, fiestas asociadas a la actividad laboral. Con el tiempo, los ritos perdieron su significado mágico y se convirtieron en juegos de actuación. En ellos nacieron elementos del teatro: acción dramática, disfraz, diálogo. En el futuro, los juegos más simples se convirtieron en dramas populares; fueron creados en el proceso de creatividad colectiva y guardados en la memoria de las personas, pasando de generación en generación.

En el proceso de su desarrollo, los juegos se diferenciaron, se desintegraron en variedades relacionadas y al mismo tiempo cada vez más distantes: en dramas, rituales, juegos. Se unieron solo por el hecho de que todos reflejaban la realidad y usaban métodos similares de expresividad: diálogo, canción, baile, música, disfraz, disfraz, actuación.

Los juegos inculcaron el gusto por la creatividad dramática.

Los juegos fueron originalmente un reflejo directo de la organización de la comunidad tribal: tenían un carácter de danza redonda y coral. En los juegos de baile redondo, la creatividad coral y dramática se fusionaron orgánicamente. Canciones y diálogos, abundantemente incluidos en los juegos, ayudaron a caracterizar las imágenes lúdicas. Las conmemoraciones masivas también tenían un carácter lúdico, coincidían con la primavera y se las denominaba “sirenas”. En el siglo XV, el contenido del concepto de "Rusalia" se definió de la siguiente manera: demonios en forma humana. Y el “Azbukovnik” de Moscú de 1694 ya define a las sirenas como “juegos de bufones”.

El arte teatral de los pueblos de nuestra Patria se origina en rituales y juegos, acciones rituales. Bajo el feudalismo, el arte teatral fue cultivado, por un lado, por las "masas populares", y por otro, por la nobleza feudal, y los bufones se diferenciaron en consecuencia.

En 957, la Gran Duquesa Olga se familiarizó con el teatro en Constantinopla. Las actuaciones del hipódromo están representadas en los frescos de la Catedral de Sofía de Kiev del último tercio del siglo XI. En 1068, los bufones se mencionaron por primera vez en los anales.

La Rus de Kiev conocía tres tipos de teatros: corte, iglesia, folk.

bufonada

El "teatro" más antiguo eran los juegos de actores populares: bufones. La timidez es un fenómeno complejo. Los bufones eran considerados una especie de magos, pero esto es erróneo, porque los bufones, al participar en rituales, no solo no realzaban su carácter religioso y mágico, sino que, por el contrario, introducían contenido mundano y secular.

Cualquiera podía hacer bufonadas, es decir, cantar, bailar, bromear, representar parodias, tocar instrumentos musicales y actuar, es decir, representar algún tipo de persona o criatura, cualquiera podía hacerlo. Pero sólo aquel cuyo arte se destacó por encima del nivel del arte de las masas por su maestría se convirtió y fue llamado un bufón-artesano.

Paralelamente al teatro popular, se desarrolló el arte teatral profesional, cuyos portadores en la antigua Rusia eran bufones. La aparición de un teatro de marionetas en Rusia está relacionada con los juegos de bufones. La primera información de la crónica sobre los bufones coincide en el tiempo con la aparición en las paredes de la Catedral de Sofía de Kiev de frescos que representan actuaciones de bufones. El monje cronista llama a los bufones sirvientes de los demonios, y el artista que pintó las paredes de la catedral encontró la posibilidad de incluir su imagen en la decoración de la iglesia junto con los iconos. Los bufones estaban asociados con las masas, y uno de los tipos de su arte era el "chicle", es decir, la sátira. Skomorokhovs se llaman "tontos", es decir, burladores. El pesimismo, la burla, la sátira seguirán estando firmemente asociados a los bufones.

El arte secular de los bufones era hostil a la ideología eclesiástica y clerical. El odio que los eclesiásticos tenían por el arte de los bufones se evidencia en los registros de los cronistas ("El cuento de los años pasados"). Las enseñanzas de la Iglesia de los siglos XI y XII declaran que el disfraz al que recurren los bufones también es pecado. Los bufones fueron objeto de una persecución especialmente fuerte durante los años del yugo tártaro, cuando la iglesia comenzó a predicar intensamente una forma de vida ascética. Ninguna persecución ha erradicado el arte bufonesco entre el pueblo. Por el contrario, se desarrolló con éxito y su aguijón satírico se hizo cada vez más agudo.

Las artesanías relacionadas con el arte eran conocidas en la antigua Rusia: pintores de iconos, joyeros, talladores de madera y hueso y escribas de libros. Los bufones pertenecían a su número, siendo "astutos", "maestros" del canto, la música, la danza, la poesía, el teatro. Pero solo se los consideraba personas divertidas y graciosas. Su arte estaba ideológicamente conectado con las masas populares, con el pueblo artesano, generalmente opuesto a las masas gobernantes. Esto hizo que su habilidad no solo fuera inútil, sino, desde el punto de vista de los señores feudales y el clero, ideológicamente dañina y peligrosa. Representantes de la iglesia cristiana colocaron bufones junto a los reyes magos y adivinos. En los rituales y juegos todavía no hay división en ejecutantes y espectadores; carecen de tramas desarrolladas, reencarnación en una imagen. Aparecen en un drama popular impregnado de agudos motivos sociales. La aparición de los teatros de plaza de tradición oral se relaciona con el teatro popular. Los actores de estos teatros populares (bufones) ridiculizaron a los que estaban en el poder, el clero, los ricos, mostraron simpatía a la gente común. Las representaciones del teatro popular se basaron en la improvisación, incluyeron pantomima, música, canto, baile, números de iglesia; los artistas utilizaron máscaras, maquillaje, disfraces, accesorios.

La naturaleza de la actuación de los bufones inicialmente no requería que se combinaran en grandes grupos. Para la interpretación de cuentos de hadas, epopeyas, canciones, tocar el instrumento, solo un artista fue suficiente. Los bufones abandonan sus hogares y vagan por la tierra rusa en busca de trabajo, se trasladan de los pueblos a las ciudades, donde sirven no solo a las zonas rurales, sino también a la gente del pueblo y, a veces, a las cortes principescas.

Los bufones también se sintieron atraídos por las representaciones populares de la corte, que se multiplicaron bajo la influencia del conocimiento de Bizancio y su vida cortesana. Cuando se organizaron el Armario divertido (1571) y la Sala de entretenimiento (1613) en la corte de Moscú, los bufones se encontraron allí en la posición de bufones de la corte.

Las actuaciones de bufones unían diferentes tipos de artes: tanto la dramaturgia propiamente dicha, como las eclesiásticas y de “variedades”.

La Iglesia cristiana opuso los juegos populares y el arte de los bufones al arte ritual, saturado de elementos religiosos y místicos.

Las representaciones de bufones no se convirtieron en un teatro profesional. No había condiciones para el nacimiento de las compañías de teatro; después de todo, las autoridades perseguían a los bufones. La iglesia también persiguió a los bufones y recurrió a las autoridades seculares en busca de ayuda. Contra los bufones se envió una carta del Monasterio de la Trinidad-Sergio del siglo XV, la carta estatutaria de principios del siglo XVI. La Iglesia puso persistentemente a los bufones a la par de los portadores de la cosmovisión pagana (magos, hechiceros). Y, sin embargo, las actuaciones de bufones continuaron vivas, se desarrolló el teatro popular.

Al mismo tiempo, la iglesia tomó todas las medidas para afirmar su influencia. Esto encontró expresión en el desarrollo del drama litúrgico. Algunos dramas litúrgicos nos llegaron junto con el cristianismo, otros en el siglo XV, junto con la carta solemne recién adoptada de la “gran iglesia” (“Procesión en el suelo”, “Lavatorio de los pies”).

A pesar del uso de formas teatrales y espectaculares, la iglesia rusa no creó su propio teatro.

En el siglo XVII, Simeón de Polotsk (1629-1680) intentó crear un drama literario artístico sobre la base del drama litúrgico, este intento resultó aislado e infructuoso.

Teatros del siglo XVII

En el siglo XVII se desarrollaron los primeros dramas orales, de trama sencilla, que reflejaban los estados de ánimo populares. La comedia de títeres sobre Petrushka (su nombre de pila era Vanka-Ratatouille) contaba las aventuras de un tipo alegre e inteligente que no tenía miedo de nada en el mundo. El teatro realmente apareció en el siglo XVII: el teatro de la corte y la escuela.

teatro de la corte

El surgimiento del teatro cortesano fue provocado por el interés de la nobleza cortesana por la cultura occidental. Este teatro apareció en Moscú bajo el zar Alexei Mikhailovich. La primera representación de la obra "La acción de Artajerjes" (la historia de la bíblica Ester) tuvo lugar el 17 de octubre de 1672. Inicialmente, el teatro de la corte no contaba con un local propio, la escenografía y el vestuario se trasladaban de un lugar a otro. Las primeras representaciones fueron puestas en escena por el pastor Gregory del asentamiento alemán, los actores también eran extranjeros. Más tarde, comenzaron a reclutar y entrenar a la fuerza a "jóvenes" rusos. Sus sueldos se pagaban de forma irregular, pero no escatimaban en escenografía y vestuario. Las actuaciones se distinguieron por un gran esplendor, a veces acompañadas de tocar instrumentos musicales y bailar. Después de la muerte del zar Alexei Mikhailovich, el teatro de la corte se cerró y las representaciones se reanudaron solo bajo Peter I.

teatro escolar

Además del teatro de la corte, en Rusia en el siglo XVII también había un teatro escolar en la Academia Eslava-Griega-Latina, en seminarios y escuelas teológicas en Lvov, Tiflis y Kyiv. Las obras fueron escritas por maestros y los estudiantes representaron tragedias históricas, dramas alegóricos cercanos a los milagros europeos, interludios, escenas cotidianas satíricas en las que sonaba la protesta contra el sistema social. Los interludios del teatro escolar sentaron las bases del género cómico en la dramaturgia nacional. En los orígenes del teatro escolar se encontraba una figura política famosa, el dramaturgo Simeon Polotsky.

La aparición del teatro de la escuela de la corte amplió el alcance de la vida espiritual de la sociedad rusa.

Teatro de principios del siglo XVIII

A instancias de Pedro I, en 1702, se crea el Teatro Público, pensado para el gran público. Especialmente para él, no en la Plaza Roja de Moscú, se construyó un edificio: "Templo de la comedia". La compañía alemana de I. Kh. Kunst actuó allí. El repertorio incluía obras extranjeras que no tuvieron éxito de público, y el teatro dejó de existir en 1706, al cesar las subvenciones de Pedro I.

Conclusión

Los teatros de siervos y aficionados abrieron una nueva página en la historia de las artes escénicas de los pueblos de nuestra Patria. En las comparsas de siervos que existieron desde finales del siglo XVIII se escenificaban vodeviles, óperas cómicas y ballets. Sobre la base de los teatros de siervos, surgieron empresas privadas en varias ciudades. El arte teatral ruso tuvo un efecto benéfico en la formación del teatro profesional de los pueblos de nuestra Patria. Las compañías de los primeros teatros profesionales incluían aficionados talentosos, representantes de la intelectualidad democrática.

El teatro en Rusia en el siglo XVIII ganó una inmensa popularidad, se convirtió en propiedad de las amplias masas, otra esfera pública de la actividad espiritual de las personas.

Teatro (griego θέατρον - el significado principal es un lugar para espectáculos, luego - un espectáculo, de θεάομαι - miro, veo) - una forma de arte espectacular, que es una síntesis de varias artes - literatura, música, coreografía, voz, bellas artes y otras y tiene su propia especificidad: el reflejo de la realidad, los conflictos, los personajes, así como su interpretación y valoración, la aprobación de determinadas ideas se realiza aquí a través de la acción dramática, cuyo principal portador es el actor.

El concepto genérico de "teatro" incluye sus diversas modalidades: teatro dramático, ópera, ballet, títeres, pantomima, etc.

En todo momento, el teatro ha sido un arte colectivo; En el teatro moderno, además de los actores y el director (director, coreógrafo), el escenógrafo, el compositor, el coreógrafo, así como los atrezzo, figurinistas, maquilladores, escenógrafos e iluminadores participan en la creación de el desempeño.

El desarrollo del teatro siempre ha sido inseparable del desarrollo de la sociedad y del estado de la cultura en su conjunto: su apogeo o decadencia, el predominio de ciertas tendencias artísticas en el teatro y su papel en la vida espiritual del país estuvieron asociados con las peculiaridades del desarrollo social.

TEATRO (del griego theatron - lugares para un espectáculo, espectáculo), el principal tipo de arte espectacular. El concepto genérico de teatro se divide en tipos de arte teatral: teatro dramático, ópera, ballet, teatro de pantomima, etc. El origen del término está relacionado con el antiguo teatro griego antiguo, donde los asientos en el auditorio se llamaban de esa manera (del verbo griego "teaomai" - miro). Sin embargo, hoy en día el significado de este término es sumamente diverso. Se utiliza adicionalmente en los siguientes casos:

1. Un teatro es un edificio especialmente construido o adaptado para mostrar representaciones ("El teatro ya está lleno, las cajas brillan" A.S. Pushkin).

2. Una institución, una empresa dedicada a la exhibición de representaciones, así como todo el equipo de sus empleados que alquilan representaciones teatrales (Teatro Mossovet; recorridos por el Teatro Taganka, etc.).

3. Un conjunto de obras dramáticas o escénicas estructuradas según uno u otro principio (teatro de Chéjov, teatro del Renacimiento, teatro japonés, teatro de Mark Zakharov, etc.).

4. En un sentido obsoleto (conservado solo en la jerga profesional teatral): escenario, escenario ("La pobreza noble es buena solo en el teatro" A.N. Ostrovsky).

5. En sentido figurado: el lugar de cualquier evento en curso (teatro de operaciones militares, teatro anatómico).

Como cualquier otra forma de arte (música, pintura, literatura), el teatro tiene sus propias características especiales. Este arte es sintético: una obra teatral (performance) consiste en el texto de la obra, el trabajo del director, actor, artista y compositor. La música juega un papel decisivo en la ópera y el ballet.

El teatro es un arte colectivo. El espectáculo es el resultado de la actividad de muchas personas, no solo de las que aparecen en el escenario, sino también de las que cosen el vestuario, confeccionan la utilería, encienden la luz, se encuentran con el público. No es de extrañar que exista una definición de "trabajadores del taller teatral": una representación es a la vez creatividad y producción.

El teatro ofrece su propia forma de entender el mundo circundante y, en consecuencia, su propio conjunto de medios artísticos. La actuación es a la vez una acción especial que se desarrolla en el espacio del escenario y un pensamiento figurativo especial, diferente de, digamos, la música.

La representación teatral se basa en un texto, como una obra de teatro para una representación dramática. Incluso en aquellas puestas en escena donde la palabra como tal está ausente, el texto es necesario; en particular, el ballet y, a veces, la pantomima tienen un guión: un libreto. El proceso de elaboración de una representación consiste en trasladar el texto dramático al escenario; se trata de una especie de "traducción" de un idioma a otro. Como resultado, la palabra literaria se convierte en la palabra escénica.

Lo primero que ve el espectador después de que se abre (o sube) el telón es el espacio escénico en el que se sitúa la escenografía. Indican el lugar de la acción, tiempo histórico, reflejan el sabor nacional. Con la ayuda de construcciones espaciales, incluso se puede transmitir el estado de ánimo de los personajes (por ejemplo, en un episodio del sufrimiento del héroe, sumerja la escena en la oscuridad o ajuste su fondo con negro). Durante la acción, con la ayuda de una técnica especial, el escenario cambia: el día se convierte en noche, el invierno en verano, la calle en una habitación. Esta técnica ha evolucionado junto con el pensamiento científico de la humanidad. Los mecanismos de elevación, los escudos y las escotillas, que en la antigüedad se operaban manualmente, ahora se elevan y bajan electrónicamente. Las velas y las lámparas de gas se sustituyen por lámparas eléctricas; a menudo se utilizan láseres.

Ya en la antigüedad se formaron dos tipos de escenario y auditorio: el palco y el anfiteatro. El palco proporciona gradas y platea, y el público rodea el escenario del anfiteatro por tres lados. Ahora en el mundo se usan ambos tipos. La tecnología moderna hace posible cambiar el espacio teatral: colocar una plataforma en el centro del auditorio, sentar al espectador en el escenario y representar la representación en la sala. Siempre se le ha dado gran importancia al edificio del teatro. Los teatros solían construirse en la plaza central de la ciudad; los arquitectos querían que los edificios fueran hermosos, que llamaran la atención. Al llegar al teatro, el espectador renuncia a la vida cotidiana, como si se elevara por encima de la realidad. Por lo tanto, no es casualidad que una escalera decorada con espejos a menudo conduzca al vestíbulo.

La música ayuda a realzar el impacto emocional de una actuación dramática. A veces suena no solo durante la acción, sino también durante el intermedio, para mantener el interés del público. El protagonista de la obra es el actor. El espectador ve a una persona frente a él, misteriosamente convertida en una imagen artística, una especie de obra de arte. Por supuesto, una obra de arte no es el artista mismo, sino su papel. Ella es la creación de un actor, creada por la voz, los nervios y algo imperceptible: espíritu, alma. Para que la acción en el escenario se perciba como un todo, es necesario organizarla de manera reflexiva y coherente. Estas funciones en el teatro moderno son realizadas por el director. Por supuesto, mucho depende del talento de los actores en la actuación, pero, sin embargo, están sujetos a la voluntad del líder: el director. La gente, como hace muchos siglos, acude al teatro. Desde el escenario se escucha el texto de las obras, transformado por las fuerzas y sentimientos de los intérpretes. Los artistas conducen su propio diálogo, y no solo verbal. Esta es una conversación de gestos, posturas, miradas y expresiones faciales. La fantasía del decorador con la ayuda del color, la luz y las estructuras arquitectónicas en el sitio hace que el espacio del escenario "hable". Y todo junto se encierra en un marco estricto de la intención del director, lo que le da a los elementos heterogéneos plenitud e integridad.

El espectador evalúa conscientemente (ya veces inconscientemente, como en contra de su voluntad) la actuación y la dirección, la conformidad de la solución del espacio teatral con el plan general. Pero lo principal es que él, el espectador, se suma al arte, a diferencia de otros, creado aquí y ahora. Al comprender el significado de la actuación, comprende el significado de la vida. La historia del teatro continúa.

Tipos y géneros del arte teatral.

VAUDEVILLE - una especie de posición de comedia con canciones, coplas y bailes. Se originó en Francia; desde principios del siglo XIX. recibió una distribución europea. Heredan las mejores obras de fervorosa diversión, reflejo de actualidad de la realidad.

DRAMA es uno de los principales géneros de dramaturgia desde la Ilustración, que describe el mundo de una persona real en su relación agudamente conflictiva, pero no desesperada, con la sociedad o consigo mismo. En el siglo XX. el drama se distinguió por un contenido serio, reflejó varios aspectos de la vida humana y la sociedad, y exploró la psicología humana.

COMEDIA es un tipo de drama en el que la acción y los personajes se interpretan en formas cómicas. Como tragedia, nació en la antigua Grecia a partir de los ritos que acompañaban a las procesiones en honor al dios Dionisio. La comedia, que explora sobriamente la naturaleza humana, ridiculiza los vicios y los delirios de las personas. Los mejores ejemplos de este género se distinguen por un análisis intransigente, agudeza y coraje al ridiculizar los vicios de la sociedad. Diferentes países tienen sus propias versiones de comedia. Son conocidas la comedia "culta" de los humanistas italianos y la comedia española de Lope de Vega y Calderón, la comedia inglesa del Renacimiento, la comedia clásica francesa de la Ilustración y la comedia realista rusa. Según el principio de organización de la acción, se distingue una comedia de personajes, situaciones, ideas. Según el tipo de tramas, las comedias pueden ser cotidianas y líricas, por la naturaleza del cómic: humorística, satírica.

MELODRAMA - una obra con una intriga aguda, emocionalidad exagerada, una fuerte oposición entre el bien y el mal, una tendencia moral e instructiva. Se originó a finales del siglo XVII. en Francia, en Rusia, en los años 20. Siglo 19

MIM es un género de comedia en el antiguo teatro popular, breves parodias de improvisación de carácter satírico y entretenido.

La ÓPERA es un género de arte dramático y musical en el que el contenido se plasma por medio de la dramaturgia musical, principalmente a través de la música vocal. La base literaria de la ópera es el libreto. En este género musical se fusionan en un solo todo la poesía y el arte dramático, la música vocal e instrumental, las expresiones faciales, la danza, la pintura, la escenografía y el vestuario.

MISTERIO es un género de teatro religioso medieval de Europa occidental. Los misterios se presentaban en las plazas de las ciudades. En ellos se alternaban escenas religiosas con interludios.

MONODRAMA - una obra dramática realizada por un actor.

MORALITE es un género del teatro de Europa occidental de los siglos XV-XVI, un drama alegórico instructivo, cuyos personajes personificaban varias virtudes y vicios.

MUSICAL: una obra musical y escénica, principalmente de carácter cómico, que utiliza los medios de la música pop y cotidiana, las artes dramáticas, coreográficas y operísticas, el género se formó en los Estados Unidos a fines del siglo XIX.

PARODIA - 1) un género en el teatro, en el escenario, una imitación consciente con fines satíricos, irónicos y humorísticos de una manera individual, estilo, estereotipos de habla y comportamiento; 2) una semejanza distorsionada de algo.

Pastoral es una ópera, pantomima o ballet, cuya trama está asociada con una imagen idealizada de la vida de un pastor.

SOTI es un género satírico-comedia del teatro francés de los siglos XV-XVII, una especie de farsa.

TRAGEDIA (traducido del griego - "la canción de las cabras") es un tipo de drama imbuido del patetismo de lo trágico. En la antigüedad, se visualizaba la vida inmediata de los personajes de hechos trágicos, primaba la acción sobre el relato. En el Renacimiento, la unidad de acción, que se consideraba obligatoria, se descartó en las obras de teatro, a menudo se combinaba lo trágico con lo cómico. En el futuro, la tragedia está estrictamente reglamentada: nuevamente prevalece la unidad de acción, lugar y tiempo; hay una separación entre lo cómico y lo trágico. La tragedia en su forma más pura es rara en el teatro moderno. La tragedia se basa en agudos conflictos sociales, problemas fundamentales de la vida, enfrentamientos del individuo con el destino y la sociedad. Un conflicto trágico suele resolverse con la muerte del héroe.

TRAGICOMEDIA - una obra dramática que tiene rasgos tanto de comedia como de tragedia. Se basa en un sentido de la relatividad de los criterios de vida existentes; el dramaturgo ve el mismo fenómeno tanto en la cobertura cómica como en la trágica, característica del siglo XX.

FARS - 1) un tipo de teatro popular medieval europeo occidental de comedias cotidianas de carácter satírico que existió en los siglos XIV-XVI. Próximo al fastnachtspiel alemán, la comedia italiana dell'arte, etc.; 2) en el teatro de los siglos XIX-XX. comedia-vodevil de contenido ligero con recursos cómicos puramente externos.

FEERIA: un género de representaciones teatrales en las que se utilizan efectos escénicos para escenas fantásticas. Se originó en Italia en el siglo XVII.

FLIAKI: representaciones teatrales populares en la antigua Grecia, especialmente comunes en los siglos III-IV. ANTES DE CRISTO. en las colonias griegas: breves chistes de improvisación, bocetos de la vida cotidiana sobre las alegres aventuras de dioses y héroes.

2. Teatro de la Antigua Grecia.

El surgimiento del teatro en la antigua Grecia.

El teatro es una de las artes más antiguas. Sus orígenes se pierden en la sociedad primitiva. El teatro surge de los juegos populares de caza y agricultura, que son de carácter mágico. Creyendo que la imitación de un animal, su apariencia y hábitos pueden afectar el resultado de la caza, los pueblos primitivos escenificaban bailes vestidos con pieles de animales.

Con el advenimiento de la agricultura, aparecieron las fiestas para celebrar la cosecha. En el festival en honor a Dionisio, el dios de la vinificación, los viticultores vestidos con pieles de cabra representaron varios episodios de la vida de Dionisio, cantaron el poder de la vid que da alegría.

La tragedia surgió de esta canción de personas con pieles de cabra (tragos - en griego "cabra").

De las mismas fiestas dedicadas a Dionisio, también surgió la comedia (de la palabra komos - diversión desenfrenada). La comedia, a diferencia de las tragedias serias y lúgubres, provocaba risas.

Con el tiempo, las representaciones teatrales griegas perdieron su conexión con la veneración del dios Dionisio, contaron sobre la vida de otros dioses griegos, héroes y también sobre la gente común.

El dispositivo del teatro en la antigua Grecia.

Los teatros en la antigua Grecia se construían al aire libre, en las laderas de montañas y colinas. Fueron diseñados para varios miles, e incluso para varias decenas de miles de espectadores. El público se sentaba en bancos de piedra que se elevaban en salientes frente a una amplia plataforma redonda o cuadrada: una orquesta.

teatro griego. En el centro está la orquesta. En él, a derecha e izquierda, hay un coro, en el medio hay una estatua de Dionisio. La orquesta cierra la sköne - una habitación cubierta para cambiarse la ropa de los actores. Hay tres actores delante del skene. Dibujo de un artista moderno según las excavaciones del teatro griego. En el centro está la orquesta. En él, a derecha e izquierda, hay un coro, en el medio hay una estatua de Dionisio. La orquesta cierra la sköne - una habitación cubierta para cambiarse la ropa de los actores. Hay tres actores delante del skene. Dibujo de un artista moderno según excavaciones.

En la orquesta había actores y un coro vestidos de acuerdo con la obra.

Detrás de la orquesta había un camerino para actores: skeshch (de ahí el nombre moderno: escenario). En él, los actores vestían túnicas y grandes máscaras de colores vivos. Inicialmente, las máscaras eran de madera, y luego de tela impregnada de yeso y cubierta con pintura. Las máscaras permitieron a todos los espectadores, incluso a los que estaban sentados muy lejos, ver la "expresión facial" correspondiente a la acción: triste, sufriente, estricta, alegre. Además, la boca abierta de par en par de la máscara creaba una especie de boquilla, amplificando la voz del actor.

El crecimiento del actor aumentó con la ayuda de los llamados coturns: sandalias con suelas muy gruesas. Los papeles femeninos en el teatro griego eran interpretados por hombres.

Poetas trágicos y cómicos en la antigua Grecia.

En Atenas, se llevaron a cabo concursos de poetas trágicos y cómicos. Cada uno de ellos tuvo que escribir y montar tres obras de teatro. El ganador recibió una corona de laurel de hoja perenne. Famosos poetas trágicos griegos del siglo V. antes de Cristo mi. - Esquilo, Sófocles y Eurípides. Esquilo, participante en las guerras greco-persas, en la tragedia "Persas", condenó al déspota persa Jerjes por su crueldad y obstinación, cantó el coraje de los griegos en la lucha por la libertad de su patria. Los héroes de muchas tragedias de Esquilo son dioses y semidioses. En la tragedia Prometeo encadenado, el héroe del mito, el titán Prometeo, es representado como un amigo desinteresado y benefactor de la humanidad, un valiente luchador contra la arbitrariedad y la violencia, encarnado en la imagen de Zeus.

En las tragedias de Sófocles, no son tanto los dioses los que actúan como las personas. La tragedia "Antígona" representa a una mujer valiente que se pronunció en contra de la injusta decisión del rey y fue sentenciada a muerte por ello. Antígona cumplió valientemente el veredicto. Habiendo muerto, ganó, ya que el propio rey se arrepintió y canceló, aunque tarde, su sentencia. La tragedia de "Antígona" fue un apasionado llamado a la humanidad, a la fidelidad al deber, a la justicia.

Eurípides acercó la tragedia al espectador, la hizo más comprensible y relevante. El poeta plantea audazmente preguntas que preocupan a muchos contemporáneos sobre la injusticia de la desigualdad de las mujeres. Retrata a las personas con todas sus pasiones, sentimientos y aspiraciones, y muestra al actor griego antiguo. En su rostro hay una máscara trágica. En las piernas hay koturny. Figurilla de marfil, pintada con pinturasAntiguo actor griego. En su rostro hay una máscara trágica. En las piernas hay koturny. Figurilla de marfil, pintada con colores como son en vida.

El mayor poeta cómico fue Aristófanes. En sus obras expuso maliciosamente las deficiencias de la democracia ateniense contemporánea, exponiendo a muchos de sus líderes de manera ridícula. Aristófanes se opuso rotundamente a las guerras entre los griegos, beneficiosas sólo para un puñado de propietarios de esclavos, gente glorificada del trabajo pacífico. Muchas de las comedias de Aristófanes ridiculizan el engaño, la codicia y la injusticia de los dioses olímpicos. Entonces, en la comedia "Birds", retrata a Zeus como un ladrón y un engañador, Poseidón como un sobornador, Hércules como un glotón. Las comedias de Aristófanes gozaron de un merecido éxito entre el pueblo.

El significado del teatro griego.

El teatro era el mayor poder de los estados griegos. Todo el pueblo escuchaba a los autores de tragedias y comedias. La canción del coro de la tragedia "Antígona" - "Hay muchos milagros en el mundo, un hombre es más maravilloso que todos ellos" - se convirtió en la canción favorita de los atenienses.

El teatro fue llamado una "escuela para adultos". Mencionó el amor por la patria, el respeto por el trabajo, el coraje y otras cualidades notables, notó deficiencias en la estructura de la sociedad.

El teatro griego tuvo un gran impacto en el desarrollo del arte teatral de los pueblos de la Europa moderna. El teatro de nuestro tiempo tomó prestada no sólo la terminología del teatro griego, sino que también le debe a los griegos muchas de sus características y técnicas. Las obras de teatro de los antiguos dramaturgos griegos, creadas hace más de dos mil años, influyeron en el trabajo de muchos grandes escritores dramáticos de los tiempos modernos. En nuestro país y en algunos otros países, todavía se representan las obras de Esquilo, Sófocles y Eurípides. Por una decisión especial del Consejo Mundial de la Paz, toda la humanidad progresista celebró recientemente el aniversario de Aristófanes. Nos emocionan los pensamientos y sentimientos de los pueblos de una época lejana, expresados ​​en las tragedias y comedias de los griegos.

3. Creatividad de Esquilo, Sófocles, Eurípides, Aristófanes.

Esquilo

Esquilo fue el verdadero fundador de la tragedia. Es autor de más de setenta obras, de las que sólo nos han llegado siete: Persas, Súplicas, Siete contra Tebas, Prometeo encadenado, Agamenón, Coéforos, Euménides. Todas las obras de Esquilo están imbuidas de un fuerte sentimiento religioso, se basan en el conflicto entre las pasiones humanas y la espiritualidad.

Esquilo fue el fundador de una tragedia civil en su sonoridad ideológica, contemporáneo y partícipe de las guerras greco-persas, poeta de la época de la formación de la democracia en Atenas. El motivo principal de su obra es la exaltación del valor cívico y el patriotismo. Uno de los héroes más notables de las tragedias de Esquilo es el teómaco irreconciliable Prometeo, la personificación de las fuerzas creativas de los atenienses. Esta es la imagen de un luchador inquebrantable por los altos ideales, por la felicidad de las personas, la encarnación de la razón, superando el poder de la naturaleza, un símbolo de la lucha por la liberación de la humanidad de la tiranía, encarnada en la imagen del cruel y Zeus vengativo, a quien Prometeo prefirió el tormento al servicio servil.

Sófocles

Sófocles escribió 125 dramas, de los cuales se han conservado siete tragedias: Antígona, Áyax, Edipo rey, Electra y otros. Según Aristóteles, Sófocles retrataba personas ideales, mientras que Eurípides las representaba tal como son en realidad. Eurípides era más un comentarista que un participante en los acontecimientos, estaba profundamente interesado en la psicología femenina. Las más famosas de las 19 obras que nos han llegado son Medea y Fedra.

Una característica de todos los dramas antiguos era el coro, que acompañaba toda la acción con cantos y bailes. Esquilo introdujo dos actores en lugar de uno, reduciendo las partes del coro y centrándose en el diálogo, lo que fue un paso decisivo para convertir la tragedia de letras corales puramente mímicas en drama genuino. El juego de dos actores permitió aumentar la tensión de la acción. La aparición del tercer actor es una innovación de Sófocles, que permitió trazar distintas líneas de comportamiento en un mismo conflicto.

Eurípides

Eurípides reflejó en sus tragedias la crisis de la ideología polis tradicional y la búsqueda de nuevos fundamentos de la cosmovisión. Respondió con sensibilidad a los temas candentes de la vida política y social, y su teatro fue una especie de enciclopedia del movimiento intelectual de Grecia en la segunda mitad del siglo V. antes de Cristo mi. En las obras de Eurípides se plantearon diversos problemas sociales, se presentaron y discutieron nuevas ideas.

La crítica antigua llamó a Eurípides "un filósofo en el escenario". Sin embargo, el poeta no era partidario de una doctrina filosófica en particular y sus puntos de vista no eran consistentes. Su actitud hacia la democracia ateniense fue ambivalente. Lo glorificó como un sistema de libertad e igualdad, al mismo tiempo que estaba asustado por la pobre "multitud" de ciudadanos, que en las asambleas populares resolvían los problemas bajo la influencia de los demagogos. A través del hilo, a través de toda la obra de Eurípides, hay un interés por el individuo con sus aspiraciones subjetivas. El gran dramaturgo retrató a las personas con sus inclinaciones e impulsos, alegrías y sufrimientos. Con toda su obra, Eurípides hizo reflexionar al público sobre su lugar en la sociedad, su actitud ante la vida.

Aristófanes

El autor más famoso de la comedia fue Aristófanes, quien supo dirigir sus "flechas" satíricas contra los políticos, escritores y filósofos contemporáneos. Sus obras más llamativas son Avispas, Ranas, Nubes, Lysistrata. Los héroes de las comedias de Aristófanes no son figuras legendarias, sino los habitantes de Atenas contemporáneos de Aristófanes: mercaderes, artesanos, esclavos. No hay tanta reverencia por los dioses en las comedias como en las tragedias. A veces incluso fueron ridiculizados.

Aristófanes ofrece una sátira audaz sobre el estado político y cultural de Atenas en un momento en que la democracia comienza a experimentar una crisis. Sus comedias representan varios estratos de la sociedad: estadistas y generales, poetas y filósofos, campesinos y guerreros, habitantes de la ciudad y esclavos. Aristófanes logra agudos efectos cómicos, conectando lo real y lo fantástico, y llevando la idea ridiculizada al punto del absurdo. Aristófanes tiene un lenguaje flexible y vivo, a veces cercano a lo ordinario, a veces muy grosero y primitivo, a veces elevado a la parodia y rico en inesperadas formaciones cómicas de palabras.

Las ciencias y la literatura de la Antigua Grecia fueron creadas por personas libres, dotadas de una percepción poética y mitológica del mundo. En todo lo que comprendió el griego, descubrió la armonía, ya fuera el universo o la persona humana. En su percepción mitológica, el griego espiritualizaba todo lo que tocaba su conciencia. La armonía y la espiritualidad es lo que determina la integridad y la integridad de la cultura griega y, en primer lugar, del arte.

4. Teatro de la Antigua Roma.

En los siglos III-II a. mi. El teatro juega un papel importante en Roma, las tramas de las obras se toman prestadas de los griegos, pero los personajes son de origen romano.

El teatro romano surge cuando se descompone el sistema patriarcal-tribal. No conocía las formas de danza pública del teatro griego y no confiaba en las actuaciones de aficionados de la población urbana. El teatro romano se profesionalizó inmediatamente.

El teatro romano no estaba asociado al culto de una deidad, como en Grecia, por lo que no tenía el mismo significado social. Los actores no eran respetados, sino personas despreciadas. Fueron reclutados entre esclavos y libertos y podían ser golpeados por su bajo rendimiento. Se organizaban actuaciones en honor de los días festivos, así como en cualquier otro momento por iniciativa de uno de los nobles ciudadanos.

Durante mucho tiempo no hubo edificios teatrales permanentes en Roma.

Para las representaciones, se construyeron estructuras de madera temporales especiales, que se rompieron al final de la función. La plataforma del escenario era una plataforma de madera elevada sobre el suelo a media altura humana. Tres escaleras estrechas de varios escalones conducían a él: los personajes que venían (según la trama) de otra ciudad subieron. El fondo era la pared trasera de la cabina con una cortina. Se instalaron bancos para el público, pero a veces se permitía ver las representaciones solo de pie, por lo que tocaron durante bastante tiempo, incluidas las comedias de Plauto.

Sin embargo, con el desarrollo de la dramaturgia, también creció la necesidad de realizar cambios en la interpretación. El Senado discutió la necesidad de construir un teatro especial permanente en Roma. Sin embargo, el Senado creía que el teatro mima a la juventud y corrompe a las mujeres, y en 154 detuvo la construcción de un teatro de piedra que había comenzado hacía varios años.

El primer teatro de piedra permanente se construyó alrededor del año 55 a. comandante Gnaeus Pompey the Great y acomodó a 17 mil espectadores.

El teatro romano era diferente al griego. El tamaño de la orquesta se redujo a la mitad, se convirtió en un semicírculo. (en el teatro helenístico la orquesta ocupaba las tres cuartas partes del círculo).

Los etruscos y romanos, como todos los pueblos, tenían cantos y juegos rituales y de culto, también había un teatro de comedia popular, procedente del teatro etrusco de histriones, el teatro popular de atelana (de la ciudad de Atella) con máscaras en constante actuación. estaba cerca del mimo griego. : el tonto Bukkon, el tonto Mack, el simplón Papp, el astuto Dossen. Dado que la representación teatral no estaba asociada con el culto de una deidad, sino que estaba programada para coincidir con fiestas, espectáculos circenses, peleas de gladiadores, triunfos y entierros de estadistas, consagraciones de templos, el teatro romano tenía una naturaleza funcional aplicada. La República romana, y más aún el imperio, era un estado oligárquico, por lo que el desarrollo de la vida cultural también fue diferente, lo que también afectó al teatro. No podía echar raíces profundas en tales condiciones. Aparte de en Grecia, era el estado del actor. A diferencia del griego, no era un miembro de pleno derecho de la sociedad y su profesión era despreciada.

Organización del teatro romano tenía sus propias características. El coro no participó en la actuación, los actores no usaron máscaras. Los problemas de la dramaturgia romana no alcanzaron las alturas morales de la Grecia antigua. Hasta nuestros días han sobrevivido las obras de sólo dos dramaturgos: Plauto y Terencio, cómicos, uno de los cuales procedía de las capas más bajas de la sociedad, y el otro era un esclavo liberado por el dueño por su talento. Las tramas de sus comedias se extrajeron de las obras de teatro de la comedia neoática, su protagonista es un esclavo diestro y astuto. El género trágico está representado únicamente por las obras de Séneca, el filósofo estoico que escribió obras de teatro sobre temas mitológicos para un estrecho círculo de la élite y, estrictamente hablando, no tienen nada que ver con el teatro.

Con el establecimiento del Imperio Romano, las pantomimas se generalizaron. Sin embargo, la dramaturgia romana tuvo una gran influencia en la dramaturgia del nuevo tiempo del periodo del clasicismo: Corneille, Racine (en la Europa post-antigua, la lengua griega era conocida por unos pocos).

5. Organización de representaciones teatrales en la Antigua Grecia y la Antigua Roma.

En Roma, así como en Grecia, las representaciones teatrales se realizaban de manera irregular, pero se programaban para que coincidieran con ciertas festividades. Hasta mediados del s. I. ANTES DE CRISTO. en Roma no se construyó ningún teatro de piedra. Las actuaciones se llevaron a cabo en estructuras de madera, que fueron desmanteladas después de su finalización. Inicialmente, no había lugares especiales para los espectadores en Roma, y ​​veían "juegos de escenario" de pie o sentados en la ladera de la colina adyacente al escenario.

El primer teatro de piedra de Roma fue construido por Pompeyo durante su segundo consulado, en el 55 a. Después de él, se construyeron otros teatros de piedra en Roma.

Las características del edificio del teatro romano eran las siguientes: los asientos para los espectadores eran un semicírculo exacto; la orquesta semicircular no estaba destinada al coro (ya no estaba en el teatro romano), sino que era un lugar para espectadores privilegiados; el escenario era bajo y profundo.

Las representaciones del teatro romano eran espectaculares y estaban destinadas principalmente a espectadores plebeyos. "Pan y circo" este eslogan era muy popular entre la gente común en Roma. En los orígenes del teatro romano había gente de bajo rango y libertos.

Una de las fuentes de las representaciones teatrales en Roma fueron las canciones populares. Estos incluyen fesceninas, rimas cáusticas y malvadas, que fueron utilizadas por aldeanos disfrazados durante los festivales de la cosecha. Mucho llegó al teatro de atellana, una comedia popular de máscaras que se originó entre las tribus oscas que vivían en Italia cerca de la ciudad de Atella.

Atellana trajo máscaras establecidas al teatro romano, que tienen su origen en los antiguos juegos saturninos etruscos que se celebraban en honor al antiguo dios itálico Saturno. Había cuatro máscaras en el atellan: Makk, un tonto y un glotón, Bukk, un fanfarrón estúpido, un hablador ocioso y un simplón, Papp, un viejo tonto rústico y Dossen, un científico charlatán feo. Esta agradable compañía ha divertido a la gente honesta durante mucho tiempo.

Es necesario nombrar otro tipo antiguo de acción dramática: mímica. Inicialmente, fue una improvisación tosca, realizada en las fiestas italianas, en particular en el festival de primavera de Floralia, y luego el mimo se convirtió en un género literario.

En Roma se conocían varios géneros de representaciones dramáticas. Incluso el poeta Gnaeus Nevius creó la llamada pretexttatu-tragedia, cuyos personajes vestían pretextu, la ropa de los magistrados romanos.

La comedia en Roma estuvo representada por dos tipos; comedia togata y comedia palliata. La primera es una obra alegre basada en material italiano local. Sus personajes eran personas de un rango simple. La togata obtuvo su nombre de la vestimenta romana superior: la toga. Conocemos a los autores de tales comedias, Titinius, Aphranius y Atta, solo por fragmentos sobrevivientes separados. El nombre de la comedia pallita se asoció con una capa griega corta: palio. Los autores de esta comedia recurrieron principalmente a la herencia creativa de los dramaturgos griegos, representantes de la comedia neoática: Menandro, Filemón y Diphilus. Los comediantes romanos a menudo combinaban escenas de diferentes obras griegas en una comedia.

Los representantes más famosos de la comedia palliata son los dramaturgos romanos Plauto y Terencio.

Plauto, a quien el teatro mundial debe muchos descubrimientos artísticos (la música se convirtió en una parte integral de la acción, sonaba tanto en escenas líricas como cómicas), fue una personalidad universal: escribió el texto, interpretó en representaciones que él mismo escenificó (" Burros", "Olla", "Guerrero jactancioso", "Amphitrion", etc.). Era un artista verdaderamente popular, como su teatro.

Terence está más interesado en los conflictos familiares. Destierra la burda farsa de sus comedias, las hace refinadas en el lenguaje, en las formas en que se expresan los sentimientos humanos ("La muchacha de Andos", "Hermanos", "La suegra"). No es casualidad que en el Renacimiento, la experiencia de Terence fuera tan útil para los nuevos maestros del drama y el teatro.

La creciente crisis condujo al hecho de que la antigua dramaturgia romana cayó en decadencia o se realizó en formas que en realidad no estaban relacionadas con el teatro. Así que el mayor poeta trágico de Roma, Séneca, escribe sus tragedias no para presentarlas, sino como "dramas para leer". Pero atellana sigue desarrollándose, se repone el número de sus máscaras. Sus producciones a menudo trataban temas políticos y sociales. Las tradiciones de la atellana y el mimo, de hecho, nunca murieron entre la gente, continuaron existiendo en la Edad Media y en el Renacimiento.

En Roma, la habilidad de los actores alcanzó un nivel muy alto. El actor trágico Esopo y su actor cómico contemporáneo Roscius (siglo I a. C.) disfrutaron del amor y el respeto del público.

El teatro del mundo antiguo se ha convertido en parte integral de la experiencia espiritual de toda la humanidad, ha sentado mucho en la base de lo que hoy llamamos cultura moderna.

6. Teatro de la Edad Media. Teatro religioso y popular

La historia del teatro medieval es un corte transversal cultural de toda una era (Edad Media - la era del sistema feudal, siglos V-XVII), que se puede utilizar para estudiar la conciencia de una persona medieval. En esta conciencia se contradecían el sentido común del pueblo y las más bizarras supersticiones, el celo de la fe y la burla de los dogmas eclesiásticos, el amor espontáneo a la vida, el anhelo de las cosas terrenales y el severo ascetismo implantado por la iglesia. A menudo, los principios populares y realistas entraron en conflicto con las ideas religiosas idealistas, y lo "terrenal" prevaleció sobre lo "celestial". Y el propio teatro medieval nació en las capas profundas de la cultura popular.

Incluso al final de la Edad Media temprana, los divertidos errantes, los histriones, aparecieron en las plazas y calles de las ciudades y en las tabernas ruidosas. En Francia fueron llamados malabaristas, en Inglaterra - juglares, en Rusia - bufones. El hábil histrión era un teatro de un solo actor. Era mago y acróbata, bailarín y músico, podía mostrar una actuación con un mono o un oso, representar una escena cómica, caminar sobre una rueda o contar una historia asombrosa. En estas historias y actuaciones se vivía el espíritu alegre de la feria, una broma gratis.

Aún más descarado fue el arte de los Vagantes. La parodia y la sátira reinaron aquí. Los vagabundos, o "clérigos errantes", son seminaristas medio educados y sacerdotes despreciados. Sobre los motivos de los himnos de la iglesia, cantaron las alabanzas de "Baco el que bebe todo", parodiaron las oraciones y los servicios de la iglesia. Histriones y vagabundos, perseguidos por la iglesia, unidos en cofradías, atrayendo a las más diversas gentes. Tal, por ejemplo, fue en Francia la "Hermandad de los niños despreocupados" encabezada por el Príncipe de los Locos. Los "chicos" realizaron divertidas acciones "estúpidas" (soti), en las que todo y todos fueron ridiculizados, y la iglesia apareció disfrazada de Mother Fool.

La iglesia persiguió a los histriones y vagabundos, pero fue impotente para destruir el amor del pueblo por los espectáculos teatrales. En un esfuerzo por hacer que el servicio de la iglesia, la liturgia, sea más efectivo, el clero mismo comenzó a usar formas teatrales. Hay un drama litúrgico basado en escenas de las Sagradas Escrituras. Se jugaba en el templo y más tarde en el pórtico o en el cementerio. En los siglos XIII-XIV. aparece un nuevo género de representación teatral medieval: el milagro ("milagro"). Las tramas de los milagros se toman prestadas de las leyendas sobre los santos y la virgen María. Uno de los más famosos es "Milagro sobre Teófilo" del poeta francés del siglo XIII. Rutbef.

El pináculo del teatro medieval - misterio.

Este género floreció en el siglo XV. Casi toda la población de la ciudad participó en los misterios: algunos, como actores (hasta 300 o más personas), otros, como espectadores. La actuación se programó para que coincidiera con la feria, para la solemne ocasión, y abrió con una colorida procesión de ciudadanos de todas las edades y clases. Las tramas fueron tomadas de la Biblia y el Evangelio. Las acciones continuaron de la mañana a la tarde durante varios días. Los pabellones se construyeron sobre una plataforma de madera, cada uno de los cuales tenía sus propios eventos. En un extremo de la plataforma había un Paraíso ricamente decorado, en el extremo opuesto: el Infierno con la boca abierta de un dragón, instrumentos de tortura y un gran caldero para los pecadores. El paisaje del centro era extremadamente lacónico: la inscripción sobre la puerta "Nazaret" o un trono dorado bastaba para designar una ciudad o un palacio. Profetas, mendigos, demonios dirigidos por Lucifer aparecieron en el escenario... En el prólogo, se representaron las esferas celestiales, donde Dios Padre se sentó rodeado de ángeles y figuras alegóricas - Sabiduría, Misericordia, Justicia, etc. Luego la acción pasó a la tierra y más allá - al Infierno, donde Satanás asó las almas pecadoras. Los justos salieron de blanco, los pecadores, de negro, los demonios, con medias rojas, pintadas con terribles "caras".

Los momentos más patéticos de las representaciones estaban asociados con la afligida Madre de Dios y el sufrimiento de Jesús. El misterio también tenía sus propios personajes cómicos: bufones, mendigos, diablos, que tenían miedo, pero a menudo se dejaban engañar. Lo patético y lo cómico convivieron sin mezclarse. Los eventos se desarrollaron con la más cercana atención e intervención de fuerzas superiores e inferiores. El cielo, la tierra y el inframundo formaban un mundo enorme, y una persona en este mundo era tanto un grano de arena como un centro; después de todo, fuerzas mucho más poderosas que él lucharon por su alma. Los más populares fueron los misterios de Arnoul Greban, así como una de las raras obras sobre un tema mundano: "El misterio del asedio de Orleans", que recreaba los acontecimientos de la Guerra de los Cien Años (1337-1453) entre Inglaterra y Francia y la hazaña de la doncella de Orleans - Juana de Arco, que lideró la lucha del pueblo francés contra los invasores ingleses y luego traicionada por el rey francés, a quien le devolvió el trono Siendo una actuación pública, dirigida a un público masivo , el misterio expresaba principios populares, terrenales y un sistema de ideas religiosas y eclesiásticas. Esta inconsistencia interna del género lo llevó a declinar y, posteriormente, sirvió como motivo para su prohibición por parte de la iglesia.

Otro género popular fue la moralidad. Parecen haber brotado de los misterios y se han convertido en obras independientes de carácter instructivo. Se jugaron parábolas sobre el "prudente y el irrazonable", sobre el "justo y el juerguista", donde el primero toma a la razón y la fe como sus compañeros de vida, el segundo: la desobediencia y el libertinaje. En estas parábolas, el sufrimiento y la mansedumbre son recompensados ​​en el cielo, mientras que la dureza de corazón y la avaricia conducen al Infierno.

Jugaron moralidad en el escenario de la farsa. Había algo así como un balcón, donde presentaban imágenes vivas de las esferas celestiales: ángeles y el dios Sabaoth. Figuras alegóricas, divididas en dos campos, aparecían de lados opuestos, formando grupos simétricos: Fe - con una cruz en sus manos, Esperanza - con un ancla, Avaricia - con una bolsa de oro, Deleite - con una naranja, y Adulación tenía un cola de zorro con la que acariciaba la Estupidez.

La moralidad es una disputa de rostros, representada en el escenario, un conflicto expresado no a través de la acción, sino a través de una disputa entre personajes. A veces, en escenas que hablaban de pecados y vicios, aparecía un elemento de farsa, sátira social, el aliento de la multitud y el "espíritu libre de la plaza" (A. S. Pushkin) penetraban en ellos.

En el teatro cuadrado, ya sea un misterio, moralidad, soti o la actuación de histriones, se reflejaron el amor a la vida de una persona medieval, su alegre audacia y sed de milagro, la fe en la victoria del bien y la justicia.

Y no es casualidad que en pleno siglo XX. Crece el interés por el teatro medieval. Los dramaturgos y directores se sienten atraídos por su atractivo para las masas, la clara distinción entre el bien y el mal inherente a la conciencia de la gente, la cobertura "universal" de los acontecimientos, la tendencia a la parábola, una vívida metáfora de "cartel". La poética de este espectáculo folclórico es utilizada por V. E. Meyerhold al representar la obra de teatro de V. V. Mayakovsky “Mystery-Buff”. En Alemania, la parábola del juego es aprobada por B. Brecht. A finales de los años 60 y 70, durante el movimiento de protesta estudiantil, L. Ronconi en Italia representó a L. Ariosto en la plaza del Furious Roland, y en Francia A. Mnushkin realizó representaciones de la Gran Revolución Francesa ("1789", “1791”). La antigua tradición teatral, por así decirlo, cobra nueva vida, conectándose con las búsquedas de los trabajadores del teatro moderno.

Géneros del teatro religioso medieval

en el siglo noveno nace el primer genero del teatro religioso medieval - drama litúrgico. Esta representación teatral formaba parte del servicio divino (liturgia).

Las razones de la aparición de este género, muy probablemente, están relacionadas con el deseo de los sacerdotes de atraer a la religión a la mayor cantidad posible de personas, para hacer que el culto (en la Edad Media, los servicios cristianos se realizaban en latín) sea más comprensible para los analfabetos. gente común.

El drama litúrgico nació del tropo de la iglesia: una transcripción dialogada del texto del evangelio, que generalmente terminaba con un canto. Después de él, la liturgia continuó como de costumbre.

El primer drama litúrgico es la escena de las tres Marías que acuden al sepulcro del Señor. Este drama se representaba en Semana Santa. Su trama consistía en que María (sacerdotes que se ponían pañuelos en la cabeza, que denotaban ropa de mujer) acudió al sepulcro, en el que se suponía que yacía el cuerpo de Cristo crucificado para untarlo con mirra. Sin embargo, en la tumba se encontraron con un ángel (un joven sacerdote vestido con una túnica blanca). En esta escena ya han aparecido diálogos y respuestas individuales (entre el ángel y las Marías), lo que permite decir que esta acción fue el primer drama litúrgico.

La puesta en escena del drama litúrgico fue organizada por los mismos sacerdotes. Las representaciones tuvieron lugar en el templo.

En la etapa inicial de su existencia, el drama litúrgico estaba muy cerca de la misa, su texto coincidía completamente con el texto del servicio, tanto en contenido como en estilo. El drama litúrgico se representó en latín y estaba imbuido de un tono solemne, como la misa. Los "actores" cantaron sus palabras.

Gradualmente, el drama se vuelve más y más aislado del servicio. Aparecen dos ciclos independientes del drama litúrgico - el de Navidad (incluía episodios: la procesión de pastores que presagiaba el nacimiento de Cristo, la adoración de los Reyes Magos, la escena de la ira del rey Herodes, que ordenó matar a todos los bebés en Belén) y Pascua (incluye episodios relacionados con la resurrección de Cristo).

Con el tiempo, el drama litúrgico también se desarrolla de estático y simbólico a efectivo. Los elementos del hogar comienzan a echar raíces en él.

Originalmente creado para hacer el culto más comprensible para los feligreses, el drama litúrgico simplificó las ideas religiosas, lo que, sin embargo, estaba plagado de un gran peligro para la religión, ya que conducía a su profanación.

En 1210, por decreto del Papa Inocencio III, se prohibieron las representaciones de drama litúrgico dentro de los edificios de las iglesias. En este punto, el drama litúrgico como género deja de existir.

Sin embargo, el teatro religioso no desaparece. El drama litúrgico emerge de la iglesia al pórtico y se convierte en un drama semi-litúrgico.

Hay motivos aún más mundanos en esta representación. Pierde su fuerte conexión con el servicio y con el calendario de la iglesia, por lo tanto, la elección del día para la actuación se vuelve más libre. El drama semi-litúrgico también se representa durante los días de feria. En lugar de latín, las representaciones comienzan a realizarse en lenguas vernáculas.

El clero todavía desempeñaba roles "divinos". En la actuación se utilizaron túnicas y utensilios de la iglesia. La acción estuvo acompañada por el canto del coro, que interpretó himnos religiosos en latín.

El clero tuvo una gran participación en la organización de las representaciones del drama semi-litúrgico (proporcionando el territorio para la representación (pórtico), interpretando los papeles principales, seleccionando el repertorio, preparando los "trajes" y "utilería").

Sin embargo, los temas religiosos comienzan a entrelazarse activamente con los seculares. La cultura teatral busca desvincularse de la religión, lo que, sin embargo, no sucederá del todo a lo largo de toda la época de la Edad Media.

Misterio

Otro género relacionado con el teatro religioso. El Misterio se originó a partir de las procesiones en honor a las fiestas de la iglesia.

El nombre proviene del lat. ministerio - servicio de la iglesia

El apogeo del teatro de misterio cae en los siglos XV-XVI.

Las actuaciones fueron organizadas por los talleres de la ciudad y los municipios, no por la iglesia. Todos los habitantes de la ciudad participaban en los misterios.

Los espectáculos de misterio a menudo se organizaban en los días de feria.

En la mañana del día de la inauguración de la feria, se realizó un servicio de oración en la iglesia, luego se organizó una procesión solemne, en la que participó toda la ciudad. Después de él, el misterio se jugó directamente.

Los misterios se dividieron en tres ciclos: el Antiguo Testamento (el Antiguo Testamento, desde la creación del mundo hasta el nacimiento de Cristo), el Nuevo Testamento (el Nuevo Testamento, el nacimiento, la vida, la muerte, la resurrección y la ascensión de Cristo) y la apostólica (la vida de los santos).

Representantes de varios talleres de la ciudad participaron en la organización y presentación del misterio. Cada taller recibió su propio episodio independiente en acción.

La actuación duraba un día entero, ya veces varios días.

Había tres tipos de organización del espacio escénico y, en consecuencia, tres tipos de presentación de los misterios.

Móvil (característico principalmente de Inglaterra). Se mostraban episodios separados de los misterios en camionetas con una plataforma alta, abierta por todos lados. Estas furgonetas se llamaban pedzhents. Después de mostrar cierto episodio, la furgoneta se trasladó a la plaza vecina, y en su lugar llegó una nueva con los actores que interpretaron el siguiente episodio. Y así hasta el final del misterio.

Anular. Había una plataforma en la plaza. Las pilas para él estaban dispuestas en forma de anillo. Había varios compartimentos separados en la plataforma, que representaban varios lugares de acción. El espectador se ubicaba alrededor de la plataforma.

Cenador. Varios lugares de acción fueron representados simultáneamente en la plaza. Se trataba de una serie de pabellones situados sobre una única plataforma en línea recta y de frente al público. En cada cenador, se desarrollaron episodios separados, según el tipo de escena representada en este cenador. El público se movía de un pabellón a otro.

Tal organización del espacio escénico está relacionada con el principio más importante para el teatro medieval: la simultaneidad (simultaneidad). Este principio implicaba la simultaneidad de estar en el cuadrado de varios lugares de acción y, en consecuencia, la simultaneidad de las acciones que en ellos se desarrollan. La simultaneidad se remonta a las nociones medievales del tiempo.

Al organizar actuaciones, la maquinaria se utilizó activamente, se prestó gran atención a los escenarios, especialmente a los que representaban el cielo o el infierno. El espectáculo era extremadamente importante.

En los misterios coexistían el naturalismo (especialmente manifestado en la presentación de diversas escenas sangrientas) y el convencionalismo.

A pesar de que el misterio fue organizado por personas laicas, fue una especie de servicio religioso, que fue creado por toda la ciudad.

La participación en los misterios se consideraba un acto piadoso. Muchos roles fueron tan populares entre los solicitantes que los organizadores organizaron una subasta en la que se vendieron estos roles.

El misterio incluía elementos completamente heterogéneos. A pesar de que su contenido principal era algún episodio de la Biblia, los elementos cotidianos penetraron muy activamente en el misterio. Además, en ocasiones la actuación de misterio se diluía con escenas enteras de farsa, que eran prácticamente una actuación separada que nada tenía que ver con el misterio en términos de trama. Además, los episodios que involucraban demonios eran muy populares. Y también a menudo aparecía un personaje como un bufón en los misterios.

Inicialmente, los aficionados estaban involucrados en la organización de los misterios, luego comenzaron a crearse sindicatos completos, cuyo deber era escenificar el misterio. Por regla general, se les llamaba cofradías por analogía con otras cofradías medievales.

La organización más famosa de este tipo fue la Hermandad de la Pasión del Señor en Francia, que desde 1402 incluso recibió el monopolio de la organización en París no solo de misterios, sino también de milagros y "otras obras morales religiosas" (como se emitió en la patente). a los miembros de la hermandad por el rey dijo).

Milagro

El nombre de este género proviene de la palabra latina miraculum (milagro).

Surge en Francia en el siglo XIII.

Milagro proviene de himnos en honor a los santos y lecturas de sus vidas en la iglesia. Por lo tanto, las historias sobre los milagros realizados por la Virgen María y los santos sirvieron de base para las tramas.

Las representaciones milagrosas en Francia fueron organizadas por comunidades especiales: puys. Su nombre proviene de la palabra podio.

Moralidad

Otro género relacionado con el teatro religioso de la Edad Media.

Aparece en los siglos XV-XVI.

Se trata de una obra alegórica en la que actúan personajes alegóricos. Cada uno de ellos es la personificación de algún concepto abstracto (pecado, virtud, cualidad, etc.). La esencia de la trama se redujo a una historia sobre cómo una persona se enfrenta a una elección entre el bien y el mal.

Las personas que eligieron la virtud fueron recompensadas al final, y las que se entregaron al vicio fueron castigadas. Así, cada moral estaba imbuida de didáctica.

La moraleja no tiene una conexión directa con temas bíblicos, sin embargo, su moralidad nos permite catalogar este género como un teatro religioso de la Edad Media.

La plataforma del escenario para la moral era el escenario, que se construyó en la plaza.

Los personajes de la alegoría llevaban inscripciones en el pecho que explicaban al público quién estaba frente a ellos. Además, cada uno de ellos tenía su propio atributo inherente, con el que siempre aparecía en el escenario y que también explicaba simbólicamente qué tipo de alegoría era.

El teatro tiene sus raíces en la antigua Grecia hace más de dos milenios. El arte más antiguo se originó como un entretenimiento espectacular para el público, escenas festivas de actores disfrazados. Las actuaciones se programaron originalmente para coincidir con el Gran Dionisio, una gran fiesta religiosa.

Ahora bien, el teatro es, sin duda, algo más que una procesión de hombres cantores con pieles de cabra por la ciudad. Se ha convertido en un gran arte, una forma de relajación para la alta sociedad, un lugar de ilustración cultural. La historia del teatro es un fascinante proceso de desarrollo que continúa hasta el día de hoy. Se lo diremos al lector en nuestro artículo. También encontrará muchos datos interesantes en el material presentado. Vamos a empezar.

comienzo

Atenas en el siglo V a. mi. las representaciones teatrales eran una parte integral de las fiestas religiosas. Las procesiones con la estatua de Dionisio iban acompañadas de cánticos alegres y juegos dramáticos. Podemos decir que la historia del teatro ateniense comenzó como una actuación amateur para un pequeño número de espectadores. Inicialmente, solo se representaban tragedias, las comedias comenzaron a mostrarse más tarde. Es de destacar que las obras, por regla general, se mostraron solo una vez. Esto estimuló a los autores a crear obras relevantes e interesantes. El dramaturgo no solo escribió la obra, sino que participó de pleno derecho en la representación, desempeñando los papeles de director, compositor, coreógrafo e incluso actor. Naturalmente, estas eran personas excepcionalmente talentosas.

Pero para convertirse en choreg (líder del coro), no se requería un gran talento. Todo lo que necesitaban era dinero y conexiones con funcionarios del gobierno. El deber principal del choreg era pagar las facturas, brindar apoyo financiero completo y apoyar el teatro. Era en esos días un lugar de competencia, el choreg, el poeta y el protagonista lo ganaban. Los ganadores fueron coronados con hiedra y recibieron premios. La victoria les fue dada por decisión del jurado.

Un dato interesante es que los antiguos romanos eran verdaderos fanáticos del realismo. La producción se consideró ideal en la que el actor se acostumbró al papel al 100%; si era necesario, tenía que estar listo incluso para morir.

En el momento en que Pushkin estaba vivo, los teatros en Rusia no estaban completamente sentados. Las filas traseras estaban ocupadas por personas de pie durante toda la actuación.

Una obra histórica en la historia del arte teatral ruso es "La maleza" de D. I. Fonvizin, que se convirtió en el primer intento de ridiculizar a los funcionarios, nobles, personajes típicos del siglo XVIII. Starodum (un personaje positivo) fue el primero en interpretar solo al mencionado Dmitrevsky.

En 1803 se dividieron los teatros imperiales. Aparecieron compañías de teatro y musicales, así como compañías de ópera y ballet como partes de la musical. El dominio de la escuela francesa de tocar en el escenario ruso duró hasta el siglo XIX. Fue entonces cuando el teatro ruso finalmente se puso de pie y siguió su propio camino. La experiencia adoptada se convirtió en una buena base, y el descubrimiento de nuevos compositores, actores y bailarines rusos con talento elevó el teatro a un alto nivel.

P. N. Arapov fue el primero en describir toda la historia del teatro ruso en una enciclopedia: "Crónicas del teatro ruso". Aparecen revistas de teatro y críticos profesionales. Así, el desarrollo del teatro dio impulso, entre otras cosas, a la literatura rusa.

El teatro más famoso de Moscú.

La historia del Teatro Bolshoi comienza el 28 de marzo de 1776. Fue en este día en Moscú que la emperatriz Catalina II firmó un "privilegio" para el príncipe Peter Urusov, permitiéndole mantener el teatro durante diez años. Primero se llamó Teatro Petrovsky (en honor a la calle en la que se encontraba la entrada). En 1805, el edificio se quemó por completo y el arquitecto Osip Bove creó un nuevo proyecto. En 1820 se inició la construcción, con una duración de 5 años.

El teatro construido se hizo más grande, por lo que recibió su nombre. Este hermoso, armonioso y rico edificio complació a los habitantes de Moscú hasta 1853, cuando estalló el segundo incendio. Esta vez, la reconstrucción se encargó al arquitecto Albert Kavos. El teatro fue restaurado ya en 1856. El Teatro Imperial Bolshoi se hizo famoso no solo en Rusia, sino también en el mundo: tenía una acústica excelente. En 1917, después de la Revolución, el nombre fue cambiado a Teatro Estatal Bolshoi. La decoración se complementó con símbolos soviéticos.

Fue gravemente herido durante la Gran Guerra Patria, tomando una bomba. El edificio fue reconstruido de nuevo. Hasta 1987, el edificio solo se sometió a reparaciones cosméticas menores. Ahora el Teatro Bolshoi es un edificio con un nuevo escenario donde se pueden utilizar efectos modernos. Al mismo tiempo, ha conservado el espíritu de la arquitectura clásica, su acústica "de autor", lo que le da derecho a ser considerado uno de los mejores teatros del mundo. Esta es la historia del Teatro Bolshoi.

Y por último, un dato más, no menos interesante. Películas ambientadas total o parcialmente en un teatro: Birdman, The Disaster Artist, La La Land, The Phantom of the Opera, Burlesque of a Tale, Knockout, Bumping Broadway, Black swan", "The Puppeteer", "A Terrably Big Adventure" , "Shakespeare enamorado", "Asesinato en un pueblo pequeño", "Orfevre Quay".

La historia del teatro (drama y otros géneros de este arte) continuará desarrollándose, ya que el interés por él se ha mantenido sin cambios durante más de dos mil años.

Las primeras representaciones teatrales europeas surgieron en el siglo VI a. de las fiestas religiosas dedicadas al dios del vino y la fertilidad, Dionisos. Los actores utilizaron máscaras para mostrar las emociones de los personajes, así como para dejar claro a la audiencia el género y la edad del personaje que subió al escenario. La tradición milenaria que prohibía a las mujeres actuar en el escenario se originó en el antiguo teatro griego.

El primer actor es considerado el griego Tesipo, que ganó el concurso poético en honor a Dionisio.

En el siglo III a. Los romanos, inspirados en el teatro griego, crearon sus propias versiones de las antiguas obras griegas y las escenificaron en escenarios improvisados. Los actores de estas representaciones eran esclavos. A las mujeres solo se les permitía desempeñar papeles menores. Como los teatros romanos tenían que competir por la atención del público acostumbrado a las luchas de gladiadores, las ejecuciones públicas y las carreras de carros, las obras incluían cada vez más escenas violentas y humor crudo. Con la expansión del cristianismo, tales ideas llegaron a su fin.

El surgimiento del teatro de la Edad Media

Aunque las representaciones teatrales se consideraban pecaminosas en la Europa medieval, se desarrollaron tradiciones teatrales. Los juglares inventaban e interpretaban baladas, los titiriteros, acróbatas y narradores actuaban en las ferias. Durante el servicio de Pascua, los sacerdotes representaron misterios, historias teatrales que permitieron a las personas analfabetas comprender el significado de lo que estaba sucediendo.

Más tarde, los misterios comenzaron a desarrollarse durante otras festividades religiosas, presentando varias historias bíblicas.

teatro renacentista

Durante el Renacimiento (siglos XIV-XVII), surgió el interés por el renacimiento del teatro clásico griego y romano. En la intersección de las tradiciones del teatro antiguo y medieval, surgieron representaciones teatrales seculares, apareció la commedia dell'arte, un espectáculo improvisado creado por varios actores enmascarados. En estas obras, por primera vez desde la época de los antiguos romanos, se permitió que las mujeres volvieran al escenario.

En 1576, se construyó el primer edificio de teatro en Londres, antes de eso, todas las obras se representaban en hoteles, en el escenario de ferias o en medio de los salones de castillos y casas nobles. La reina inglesa Isabel I patrocinó el arte teatral, en la era que lleva su nombre, aparecieron los primeros dramaturgos profesionales, el más famoso de los cuales es el gran Shakespeare, los actores, la tradición de usar accesorios y cambiarse de vestuario durante la representación. El teatro clásico se formó finalmente a mediados del siglo XVIII.

El teatro de variedades es un tipo de teatro cuyas representaciones se basan en una combinación de diferentes géneros del arte teatral, musical, de variedades y circense. Las actuaciones de los teatros de variedades son siempre ligeras y alegres. Están llenos de humor, ironía, elementos de parodia. Actores y lectores, cantantes y bailarines, magos y acróbatas actúan en el escenario del espectáculo de variedades.

Espectáculos de variedades parisinos

Los teatros de variedades se generalizaron en las grandes ciudades de Europa occidental a finales de los siglos XIX y XX. Obtuvieron su nombre del teatro "Variedad", que fue fundado en 1720 en París.

Los precursores de los teatros de variedades son los cafés y los cabarets, aunque los conceptos de "cabaret" y "variedades" a veces se consideran sinónimos. Durante mucho tiempo, París siguió siendo el centro de desarrollo de los teatros de variedades.

Las actuaciones de los teatros de variedades se distinguieron por su diseño increíblemente magnífico. Quizás el género principal del programa de variedades fue una revista, una reseña de variedades.

En la década de 1880, aparecieron espectáculos de variedades de cabaret tan famosos como el Gato Negro y el Folies Bergère. Además de pompa, sus actuaciones se caracterizaron por un excesivo sentimentalismo y bromas obscenas.

Los teatros de variedades alcanzaron su apogeo en las décadas de 1920 y 1930. Cantantes tan talentosos como Maurice Chevalier y Josephine Baker comenzaron a actuar en los famosos cabaret-varietes parisinos "Moulin Rouge" y "Apollo". Se las arreglaron para combinar habilidades vocales y de actuación.

Al mismo tiempo, los teatros de variedades se convirtieron en una técnica virtuosa para la espectacular danza de variedades, que surgió en la opereta, y luego se convirtió en uno de los medios de expresión.

El arte de la variedad en Rusia

En Rusia, el divertimento, que incluía versos, bailes y canciones frívolas, que pueden considerarse precursores de los espectáculos de variedades, apareció a mediados del siglo XIX y se exhibía en cafés y restaurantes.

Los teatros de variedades en Rusia comenzaron a desarrollarse activamente durante la Edad de Plata. En esta época se abrieron numerosos pubs artísticos, restaurantes, cabarets y teatros de miniaturas. Aparecieron en Moscú los famosos restaurantes "Aquarium" y "Hermitage", teatros de miniaturas "Bat" y "Crooked Mirror"; en San Petersburgo - "Aficionado al teatro", cabaret "Halt of Comedians", café "Stray Dog". Presentaron actuaciones de parodia y pop, veladas de poesía, espectáculos de marionetas. Uno de los representantes más destacados de la estética del programa de variedades fue el destacado actor y cantante ruso Alexander Vertinsky, quien actuó en la imagen de Pierrot.

En la década de 1920, uno de los elementos principales del espectáculo de variedades dejó de ser obligatorio: las mesas frente al escenario, que unían el teatro y el restaurante.

En las últimas décadas, la estética de la variedad ha vivido su nuevo apogeo. Es cierto que los límites entre los términos "cabaret", "variedad", "revista", "burlesque" y "music hall" ahora se han borrado.

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La historia del teatro se remonta a la antigua Grecia hace más de dos mil años. El arte más antiguo se originó como un entretenimiento espectacular para el público, escenas festivas de actores disfrazados. Las actuaciones se programaron originalmente para coincidir con el Gran Dionisio, una gran fiesta religiosa.

Ahora bien, el teatro es, sin duda, algo más que una procesión de hombres cantores con pieles de cabra por la ciudad. Se ha convertido en un gran arte, una forma de relajación para la alta sociedad, un lugar de ilustración cultural. La historia del teatro es un fascinante proceso de desarrollo que continúa hasta el día de hoy. Se lo diremos al lector en nuestro artículo. También encontrará muchos datos interesantes en el material presentado. Vamos a empezar.

comienzo

Atenas en el siglo V a. mi. las representaciones teatrales eran una parte integral de las fiestas religiosas. Las procesiones con la estatua de Dionisio iban acompañadas de cánticos alegres y juegos dramáticos. Podemos decir que la historia del teatro ateniense comenzó como una actuación amateur para un pequeño número de espectadores. Inicialmente, solo se representaban tragedias, las comedias comenzaron a mostrarse más tarde. Es de destacar que las obras, por regla general, se mostraron solo una vez. Esto estimuló a los autores a crear obras relevantes e interesantes. El dramaturgo no solo escribió la obra, sino que participó de pleno derecho en la representación, desempeñando los papeles de director, compositor, coreógrafo e incluso actor. Naturalmente, estas eran personas excepcionalmente talentosas.

Pero para convertirse en choreg (líder del coro), no se requería un gran talento. Todo lo que necesitaban era dinero y conexiones con funcionarios del gobierno. El deber principal del choreg era pagar las facturas, brindar apoyo financiero completo y apoyar el teatro. Era en esos días un lugar de competencia, el choreg, el poeta y el protagonista lo ganaban. Los ganadores fueron coronados con hiedra y recibieron premios. La victoria les fue dada por decisión del jurado.

Un dato interesante es que los antiguos romanos eran verdaderos fanáticos del realismo. La producción se consideró ideal en la que el actor se acostumbró al papel al 100%; si era necesario, tenía que estar listo incluso para morir.

No había techo en el teatro griego, el público y los actores estaban, de hecho, en la calle. El tamaño de los teatros antiguos era enorme, podían albergar de 17 a 44 mil personas. En un principio se utilizaron tarimas de madera para sentar al público, luego se adaptaron taludes de piedra natural para el teatro. Y solo entonces, en el siglo IV a. e., se construyó un teatro de piedra.

Probablemente le interese saber que el gobierno, comenzando con Pericles, hizo posible visitar el teatro y unirse a la belleza, incluso para ciudadanos económicamente desfavorecidos. Para ello, a cada uno se le asignó un subsidio para una visita al teatro, y en el futuro para tres visitas.

La historia del teatro antiguo tiene un rasgo característico: los actores interpretaban sus papeles sin la ayuda de sus propias expresiones faciales. Fue reemplazado por todo tipo de máscaras, a menudo muy grotescas. El actor prestó mucha atención a los movimientos del cuerpo, la ropa. Los actores eran hombres, incluso para papeles femeninos. Ocupaban una posición privilegiada en la sociedad y estaban exentos de impuestos.

Un hecho interesante es que Livy Andronicus, un antiguo dramaturgo romano, se convirtió en el padre del primer "fonograma" del mundo. Se quedó sin voz, pero salió de la situación encontrando a un chico que habló por él.

Algunos términos del teatro antiguo

Muchas definiciones utilizadas en los teatros antiguos han sobrevivido hasta nuestros días. A continuación se presenta a su atención un pequeño diccionario de términos de la antigüedad:

• Orquesta: una parte del teatro con forma redonda con dos entradas, diseñada para la actuación de coros dramáticos y líricos. En el teatro ateniense, su diámetro era de 24 metros.
• Skene es un lugar para cambiarse de ropa. Originalmente era una carpa simple, luego conectada a piezas de decoración escénica, como un fondo.
• Proskenium: una columnata frente al skene.
• Paraskenium - dependencias laterales de piedra.
• Escenario: una colina sobre la orquesta, donde los actores comenzaron a tocar en la antigüedad tardía.
• Ekkiklema es una plataforma móvil de madera que permite transformar la escena y mover a los actores por el escenario.
• Koturny: zapatos con suelas altas, que recuerdan a los zancos. Con la ayuda de tales zapatos, los actores se hicieron más altos, más imponentes y similares a criaturas míticas.

Un hecho notable es que fue en Roma donde se pronunció por primera vez la frase "Finita la commedia".

Títeres en el mundo del teatro

La historia del teatro de títeres tiene su origen en Egipto, donde los sacerdotes utilizaban el títere del dios Osiris para realizar acciones rituales. Al principio, el teatro de marionetas era solo ritual y ritual, pero ahora la connotación religiosa se ha desvanecido. Conocidos teatros rituales y de marionetas rituales existen en muchos países: Japón (Bunraku), Indonesia (Wayang), Cataluña (El Pastores), Bielorrusia (Batleika) y otros.

En la historia del teatro de títeres en América destaca el teatro creado en 1962 bajo el nombre de "El pan y la muñeca". Cuenta con muñecos gigantes de papel maché, evidentes matices políticos y deliciosos dulces de pan en la entrada. Tal interacción entre actores y espectadores es simbólica: el arte teatral debe estar lo más cerca posible de la gente.

Las muñecas varían en tamaño y apariencia. Hay dedo y guante, bastón y tablilla, títeres y títeres gigantes. Ser actor en un teatro de marionetas no es tan fácil, porque necesitas ser capaz de revivir un objeto inanimado, dotarlo de carácter y voz.

Un rasgo característico de cualquier teatro de marionetas es la burla de algo, la presencia de la moralidad, un elemento educativo en las escenas. No importa la edad que tenga el espectador del teatro de marionetas, encontrará allí no solo algo para reírse, sino también algo en lo que pensar. A menudo, los héroes en el teatro de marionetas son personajes poco atractivos, incluso feos, por ejemplo, el Abierto de Francia con nariz ganchuda.

Probablemente te interese saber que los actores no siempre son gente rica. En la historia del teatro de títeres en Estados Unidos, hay hechos que los asistentes al teatro podían ver la producción a cambio de comida.

Drama

La historia del teatro dramático se remonta a la antigüedad. Esta es una de las formas de arte, junto con el teatro de marionetas, la pantomima, la ópera y el ballet. La principal característica distintiva del teatro dramático es que las acciones del actor se combinan con las palabras que pronuncia. El discurso escénico recibe una atención especial en esta variedad del género. La base de una actuación dramática es una obra de teatro. En el proceso de actuación, la improvisación es posible, la acción puede incluir bailar, cantar. El espectáculo está basado en una obra literaria. El principal intérprete de una obra de teatro o guión es el director.

Bastante notable es el hecho de que los trabajadores del teatro creen que abandonar un guión no es bueno. Si este problema sucedió, definitivamente debes sentarte en él.

El surgimiento de las tradiciones teatrales domésticas

La historia del teatro en Rusia se divide en etapas:

• Inicial ("juguetón").
• Promedio.
• Maduro.

escenario lúdico

Al igual que en la antigua Roma, la historia del teatro en Rusia comenzó como una ocupación no del todo seria. Las representaciones teatrales se llamaban "diversión" y las representaciones, "juegos". La primera mención crónica de bufones data de 1068. De hecho, cualquiera podría convertirse en un actor tan entretenido. Desde el punto de vista de la religión, las actividades de los bufones eran vergonzosas. En los anales se les llama sirvientes del diablo, y la burla, la sátira y el disfraz son pecados. La sátira aguda no fue bien recibida por la iglesia, sin embargo, esto no detuvo particularmente a nadie.

La bufonada tampoco se consideraba un arte del agrado de las autoridades, por el contrario, los agudos temas sociales de las parodias, que ridiculizaban las deficiencias modernas, hacían que los actores fueran peligrosos y dañinos. Pero a la gente le encantaba ver y reírse de las actuaciones de los bufones. Sin embargo, debe entenderse que el teatro clásico, tal como lo conocemos ahora, no surgió de estas escenas bufonescas, sino independientemente de ellas, incluso más bien a pesar de ellas.

etapa intermedia

La siguiente etapa en la historia del teatro ruso es intermedia entre lúdica y madura. En esta fase surgen los teatros de corte y escolares. En ese momento, dictaminó el zar Alexei Mikhailovich, los actores del teatro de la corte eran extranjeros, el teatro de la escuela eran estudiantes. Después de la muerte de Alexei Mikhailovich, las actividades del teatro de la corte se detuvieron hasta que llegó al poder Pedro I. Tenía una actitud positiva hacia los "espectáculos", pero, además del entretenimiento, también se dotó de una función propagandística. En 1702, apareció un teatro para las masas, uno público. Su edificio se llamaba "Templo de la comedia", donde la compañía alemana realizaba actuaciones. La gente no aceptaba este teatro. Aunque Peter I no logró su objetivo, no hizo del teatro un lugar favorito para la gente, público y popular, pero estableció todos los requisitos previos necesarios para esto.

Etapa madura en la historia del arte teatral

Este período en la historia de la creación del teatro en Rusia es el más importante. En esta etapa, el teatro comenzó a adquirir esas características que le son familiares al hombre moderno y tomó forma en una comunidad profesional seria. El 30 de agosto de 1756 se dio el pistoletazo de salida, es decir, se inauguró el Teatro Imperial. La misma fecha es el día de la fundación del Teatro Alexandrinsky en San Petersburgo. Sucedió bajo Elizabeth Petrovna.

Una característica del teatro de esa época fue la participación simultánea en producciones de artistas rusos y extranjeros. Fue en esta etapa que el desempeño de los roles se confió por primera vez no solo a los hombres, sino también a las mujeres. Catalina II le dio gran importancia al teatro, bajo su mando había tres compañías en San Petersburgo, se gastó una cantidad fantástica de dinero en el desarrollo de esta industria.

Además del desarrollo del estado, Catalina prestó atención a los teatros privados de la nobleza, estaba, por ejemplo, el teatro de Sheremetyev, Volkonsky, Rumyantsev. Incluso en las provincias se crearon sus propias comparsas terratenientes. Se estaba construyendo un teatro ruso, es decir, las propias producciones, basadas en los modelos de sus colegas franceses. A la cabeza de la escuela francesa de actuación estaba I. A. Dmitrevsky, quien formó a más de una generación de excelentes actores.

¿Sabías?

Presentamos a la atención del lector algunos hechos más entretenidos de la historia del arte teatral.

En el momento en que Pushkin estaba vivo, los teatros en Rusia no estaban completamente sentados. Las filas traseras estaban ocupadas por personas de pie durante toda la actuación.

Una obra histórica en la historia del arte teatral ruso es "La maleza" de D. I. Fonvizin, que se convirtió en el primer intento de ridiculizar a los funcionarios, nobles, personajes típicos del siglo XVIII. Starodum (un personaje positivo) fue el primero en interpretar solo al mencionado Dmitrevsky.

En 1803 se dividieron los teatros imperiales. Aparecieron compañías de teatro y musicales, así como compañías de ópera y ballet como partes de la musical. El dominio de la escuela francesa de tocar en el escenario ruso duró hasta el siglo XIX. Fue entonces cuando el teatro ruso finalmente se puso de pie y siguió su propio camino. La experiencia adoptada se convirtió en una buena base, y el descubrimiento de nuevos compositores, actores y bailarines rusos con talento elevó el teatro a un alto nivel.

P. N. Arapov fue el primero en describir toda la historia del teatro ruso en una enciclopedia: "Crónicas del teatro ruso". Aparecen revistas de teatro y críticos profesionales. Así, el desarrollo del teatro dio impulso, entre otras cosas, a la literatura rusa.

El teatro más famoso de Moscú.

La historia del Teatro Bolshoi comienza el 28 de marzo de 1776. Fue en este día en Moscú que la emperatriz Catalina II firmó un "privilegio" para el príncipe Peter Urusov, permitiéndole mantener el teatro durante diez años. Primero se llamó Teatro Petrovsky (en honor a la calle en la que se encontraba la entrada). En 1805, el edificio se quemó por completo y el arquitecto Osip Bove creó un nuevo proyecto. En 1820 se inició la construcción, con una duración de 5 años.

El teatro construido se hizo más grande, por lo que recibió su nombre. Este hermoso, armonioso y rico edificio complació a los habitantes de Moscú hasta 1853, cuando estalló el segundo incendio. Esta vez, la reconstrucción se encargó al arquitecto Albert Kavos. El teatro fue restaurado ya en 1856. El Teatro Imperial Bolshoi se hizo famoso no solo en Rusia, sino también en el mundo: tenía una acústica excelente. En 1917, después de la Revolución, el nombre fue cambiado a Teatro Estatal Bolshoi. La decoración se complementó con símbolos soviéticos.

Fue gravemente herido durante la Gran Guerra Patria, tomando una bomba. El edificio fue reconstruido de nuevo. Hasta 1987, el edificio solo se sometió a reparaciones cosméticas menores. Ahora el Teatro Bolshoi es un edificio con un nuevo escenario donde se pueden utilizar efectos modernos. Al mismo tiempo, ha conservado el espíritu de la arquitectura clásica, su acústica "de autor", lo que le da derecho a ser considerado uno de los mejores teatros del mundo. Esta es la historia del Teatro Bolshoi.

Y por último, un dato más, no menos interesante. Películas ambientadas total o parcialmente en un teatro: Birdman, The Disaster Artist, La La Land, The Phantom of the Opera, Burlesque of a Tale, Knockout, Bumping Broadway, Black swan", "The Puppeteer", "A Terrably Big Adventure" , "Shakespeare enamorado", "Asesinato en un pueblo pequeño", "Orfevre Quay".

La historia del teatro (drama y otros géneros de este arte) continuará desarrollándose, ya que el interés por él se ha mantenido sin cambios durante más de dos mil años.