Campos de amapolas de Claude Monet cerca de Argenteuil 1875. "Campo de amapolas" - instalación inspirada en los lienzos de Claude Monet

La pintura Field of Poppies (1873), exhibida en la primera exposición impresionista, representa a la esposa de Monet, Camille, y a su hijo Jean en un campo cerca de su casa en Argenteuil. Como en muchas otras obras de Monet, Camille está dibujada con un paraguas en las manos, y sus elegantes contornos le dan a la imagen un encanto especial.

Monet pintó "Campo de amapolas" al aire libre, en un pequeño lienzo portátil. Aunque la pintura transmite un sentimiento natural y espontáneo, está cuidadosamente compuesta. Esto se expresa no solo en el hecho de que el artista repitió las figuras en él dos veces, sino también en la elección del ángulo, que se establece de tal manera que las amapolas brillantes que llenan el lado izquierdo de la composición están ubicadas en diagonal a lo largo de la cual Camille y Jean caminan, como saliendo del cuadro. El rico florecimiento y movimiento que llena esta sección de la imagen contrasta con los tonos tranquilos del borde superior derecho del lienzo, donde el techo de terracota de la casa vincula hábilmente el fondo con el primer plano de la composición.

pasión por las flores

A lo largo de su vida, Monet fue muy aficionado a pintar flores - campo, jardín o cortadas, están constantemente presentes en sus paisajes.

Monet admitió una vez que las dos mayores pasiones de su vida son la pintura y la jardinería. Cuando pintaba flores, ambas pasiones se combinaban. En Field of Poppies, como en muchos de sus otros lienzos, Monet disfruta de flores silvestres y vibrantes. Se conocen varios hermosos bodegones de Monet con flores cortadas, pero sobre todo le gustaba pintar flores que crecían en sus jardines, primero en Argenteuil y luego en Giverny. En 1871, Monet se traslada con su familia a Argenteuil para adquirir allí su primera casa y su primer jardín. Sin embargo, la principal pasión en la vida del artista fue su jardín en Giverny. Monet seleccionó flores para su jardín para que estuvieran dispuestas en cierto orden, tuvieran un color contrastante y florecieran durante todo el año. En su jardín, plantó muchas flores inusuales. La pasión de Monet por los colores fue compartida por muchos otros artistas impresionistas, sobre todo Gustave Caillebotte. “Asegúrate de venir el lunes, según lo acordado”, le escribió a su amigo Monet. “Todos mis iris simplemente estarán en flor”.

Obsesión por la luz y el color.

La obsesión de Monet por la luz y el color resultó en años de investigación y experimentación, cuyo propósito era capturar en lienzo los fugaces y escurridizos matices de la naturaleza.

CUADROS DE MONET dio lugar a una nueva corriente en la pintura, el impresionismo, y el propio Monet es reconocido como el mayor y más típico representante de esta corriente. A lo largo de su larga vida, Monet siguió constantemente las reglas básicas del impresionismo: capturar escenas de la vida moderna en lienzo (para Monet, estos son paisajes) y trabajar al aire libre.

TRABAJO AL AIRE LIBRE La práctica de un artista trabajando al aire libre (plein air) no era algo completamente nuevo. Ya a principios del siglo XIX, el artista inglés John Constable solía pintar sus bocetos y estudios al óleo en la naturaleza. En la década de 1840, siguiendo su ejemplo, un grupo de artistas franceses se reunió en el pueblo de Barbizon, cerca del bosque de Fontainebleau, con el objetivo de pintar paisajes que se suponía que representaban la "verdadera naturaleza". Camille Corot, muy apreciado por muchos impresionistas por su visión no idealizada de la naturaleza, también pintó al óleo al aire libre, instando a los artistas a "seguir su primera impresión".

Lo más importante para el desarrollo de Monet como artista fue su amistad juvenil con el paisajista Eugène Boudin, que se especializaba en pequeños y aireados paisajes costeros que creaba al aire libre. Bodin insistió en que Monet lo acompañara durante una de estas sesiones en Le Havre. “De repente, el velo cayó de mis ojos”, escribió Monet más tarde.

Allí, en Le Havre, Monet conoció al artista holandés Johann Bartold Jonkind, quien trató de transmitir los matices más delicados del aire y el estado de ánimo en sus paisajes marinos. Monet dijo más tarde de él: "Él fue el hombre que finalmente desarrolló mi vista".

LO QUE REALMENTE VE EL OJO Monet aprendió que un cuadro pintado al aire libre tiene una frescura y una vitalidad únicas que no se pueden lograr trabajando en un estudio donde el artista imagina de antemano la obra que va a crear. El consejo de Monet para los artistas revela claramente su propio enfoque de la pintura: “Traten de olvidar lo que ven frente a ustedes: un árbol, una casa, un campo, lo que sea. Simplemente piense que hay un pequeño cuadrado azul allí, una figura rosa oblonga allí, y continúe hasta que tenga una impresión ingenua de la imagen que está frente a sus ojos. Así, la impresión es un impulso visual creado por lo que se ve en ese momento particular.

UNA IDEA REVOLUCIONARIA Para todos los impresionistas, y para Monet en particular, el objetivo principal del arte era capturar la impresión esquiva y fugaz. En ese momento, tal idea parecía revolucionaria y conmocionó no menos que el realismo sin disimular de Courbet en NUEVA TÉCNICA Para lograr sus objetivos, el artista necesitaba nuevas técnicas de pintura. Monet, en particular, desarrolló su propia técnica de escritura, aplicando trazos gruesos y gruesos, puntos dispersos en negrita, guiones, zigzags y trazos gruesos al lienzo con un pincel corto. Monet trabajó simultáneamente en todo el espacio de la pintura, creyendo, como dijo más tarde, que "la primera capa de pintura debe cubrir la mayor parte del lienzo posible y sin importar cuán bruscamente se aplique".

De una manera completamente nueva y revolucionaria, Monet utilizó el color, inspirado, sin duda, en los descubrimientos de Eugène Chevrel sobre el modo de percepción visual. Chevreul demostró que los colores primarios adyacentes de la rueda de colores se suavizan entre sí, y el mayor contraste se logra cuando los colores complementarios son adyacentes. Otro descubrimiento importante fue que el color no es una propiedad inherente de los objetos. El color es simplemente la forma en que la luz se mezcla cuando rebota en la superficie de un objeto. Al igual que sus compañeros impresionistas, Monet solía utilizar una paleta limitada, prefiriendo colores puros y sin mezclar y pintando sobre lienzos previamente recubiertos con imprimaciones blancas o crema, lo que hacía que los colores aplicados fueran más claros y brillantes.

Otro descubrimiento importante que influyó en la visión de los artistas fue la fotografía. En las fotografías de esa época, los objetos en movimiento se perciben como puntos borrosos, y solo los objetos estacionarios tienen contornos claros. Este efecto se reflejó claramente en las figuras de personas parecidas a hormigas que vemos en la pintura de Monet Boulevard des Capucines (1873).

CAMBIAR EL OBJETO DE LA IMAGEN

Es muy interesante rastrear cómo ha cambiado la actitud de Monet hacia los objetos representados a lo largo de una larga vida. A pesar de que estaba constantemente absorto en el juego de la luz, en sus primeras pinturas, Monet representaba con mayor frecuencia figuras humanas pintadas de la manera habitual en el contexto del paisaje.

Sin embargo, más cerca de la década de 1880, Monet se siente cada vez más atraído por la naturaleza en estado puro. Si en las pinturas de este período aparecen figuras u objetos inanimados, suelen desempeñar un papel secundario y pasar a un segundo plano.

SERIE DE PINTURAS

A pesar de que los artistas en todo momento crearon una serie de bocetos de una escena, antes de Monet no había nadie que hubiera pintado el mismo objeto varias veces con diferente iluminación y diferentes condiciones climáticas. Los cuadros de Monet representan toda una serie de pajares, álamos, la catedral de Rouen, la vista de Londres desde el Támesis y, por último, los nenúfares.

Los paisajes londinenses de Monet, pintados en 1899-1901, con su luz difusa y su color difuso, son obras de arte virtuosas y dramáticas, a partir de las cuales se puede rastrear la evolución del estilo del artista hacia una forma casi abstracta. Muestran el progreso gradual del artista hacia el objeto que pintará en todos los años restantes de su vida, creando sus jardines y convirtiéndolos en raras obras de arte.

Desde aproximadamente 1905 hasta el final de sus días, Monet se concentró por completo en los nenúfares. Estas pinturas, en las que las copas de los nenúfares se materializan literalmente en la superficie del agua, que no tiene línea de horizonte, se han convertido en estudios que capturan una variedad infinita e irrepetible de color y luz. De hecho, esta serie de pinturas, como cualquier obra de arte brillante, desafía toda explicación. Son las obras de un poeta que siente sutilmente la naturaleza y es capaz de transmitir su belleza en su pintura.

¿Te imaginas que en medio de la jungla urbana canadiense floreciera de repente campo de amapolas? Suena inverosímil, pero nada es imposible para el mundo del arte. Sí, y ya ha habido precedentes: no hace mucho tiempo apareció en Zweibrücken, por lo que las amapolas en Montreal ya son una especie de continuación de la tradición floral.

El creador de la instalación "flor" - artista y arquitecto Claude Cormier, ferviente admirador del impresionismo. Amor por las pinturas Claude Monet ya una vez lo inspiró a crear, que se parecía a una glicinia en flor. La creación actual en Montreal es un homenaje y admiración por los "Campos de amapolas" del gran artista. Recuerde que Claude Monet pintó incansablemente las extensiones verdes de Giverny, salpicadas de flores escarlatas, a partir de sus pinturas se puede formar un ciclo completo de "amapola".

La instalación requirió 5.060 marcadores rojos, verdes y blancos que salpican el callejón frente al Museo de Bellas Artes. La obra de Claude Cordier forma parte de la exposición anual. Todos pueden admirar el lujoso campo de amapolas en medio del mar de asfalto.

Por cierto, las obras del famoso impresionista no son la primera vez que inspiran a los artistas a crear obras de arte. Ya hemos presentado a nuestros lectores, que recuerdan a la Casa Azul en Zaandam, así como una serie de carteles publicitarios, uno de los cuales muestra a Monet con otra flor favorita: los nenúfares.

El gran pintor impresionista francés Claude Monet Oscar-Claude Monet), (1840-1926) era muy aficionado a pintar flores. Pintó flores a lo largo de su vida, en diferentes períodos de creatividad. Más a menudo, flores de jardín y de campo, con menos frecuencia, flores cortadas en jarrones.

Las flores eran su pasión. Monet dijo que sobre todo en la vida ama dos cosas: la pintura y la jardinería. Por lo tanto, experimentó el mayor placer cuando representó flores en sus pinturas.

Incluso los miembros de su familia, siempre escribía rodeado de flores, enfatizando así su sincero amor por ellos.

“Quizás fue gracias a las flores que me convertí en artista”, dijo Claude Monet sobre sí mismo.

Una de las primeras obras de Claude Monet, Mujeres en un jardín, 1866-1867, Musée d'Orsay, París.

Las figuras de mujeres están representadas en este lienzo de forma muy estilizada. El artista hace todo el énfasis en el juego de luces y sombras, en el follaje de los árboles y las flores. Monet sigue buscando su propio estilo, faltan cinco años para la fecha oficial del nacimiento del impresionismo.
La modelo para las tres mujeres fue Camille Donsier, de 19 años, la futura esposa de Claude Monet.

El lienzo es muy grande, sus dimensiones son de 2,05 por 2,55 m.
El artista pretendía exponer este cuadro en el Salón de París de 1967, pero el jurado lo rechazó.

Al final de la vida de Claude Monet, cuando ya era un maestro reconocido e ilustre, en 1921 el gobierno francés compró al artista el cuadro "Mujeres en el jardín" por 200 mil francos.

San Andrés

"Terraza en St. Andress", ca. 1867, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. Esta pintura representa a la familia del artista, que vivía en la pequeña ciudad portuaria de Saint-Andresse, cerca de Le Havre, en la costa de Normandía. El padre Monet y su tía Madame Lecadre están sentados en unos sillones. En la barandilla se encuentra un pariente lejano de Monet Jeanne-Margarita con un joven. Podemos decir que se trata de una escena familiar con el telón de fondo de un paisaje marino. ¡Pero mira cómo se dibujan las flores en el primer plano de la imagen! Qué bien transmitió Monet la textura de las flores y el juego de luces y sombras.
Jardín floreciente en St. Andress, c. 1866, Museo de Orsay, París.
"Adolphe Monet leyendo en el jardín de Le Coteau en Saint Andress", c. 1866
"Dama en el jardín", 1867, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo. La pintura representa a un pariente lejano de Claude Monet, Jeanne-Marguerite Lecadre, en un jardín en St. Andress.

Argenteuil, 1872 - 1977

Claude Monet siempre quiso tener su propio jardín, donde pudiera trabajar al aire libre en paz.

A finales de 1871, Claude Monet y su familia se instalan en Argenteuil. Entonces era un pequeño pueblo turístico cerca de París, a 12 km del centro de la ciudad, ubicado en las pintorescas orillas del Sena. Argenteuil es ahora parte del Gran París. En Argenteuil, Monet tuvo su propia casa y su primer jardín. Me parece que fue en Argenteuil donde se crearon las mejores pinturas de Claude Monet. Fue el período más brillante de su obra. La pintura de Monet es generalmente ligera, pero es en Argenteuil donde sus lienzos simplemente brillan de alegría. Aparentemente, estos fueron los años más felices de su vida. Casi todos los lienzos pintados en Argenteuil representan a Camille, la amada primera esposa de Claude Monet.

En aquellos años, Argenteuil era el lugar de vacaciones favorito de los parisinos; allí se celebraban regularmente regatas de vela. Un ferrocarril conducía a Argenteuil, y era rápido y fácil llegar allí desde París. No solo Monet, sino también otros artistas impresionistas Manet, Renoir, Sisley, Caillebotte pintaron sus paisajes en Argenteuil.

Un amigo del artista Renoir lo captó trabajando en Argenteuil, y gracias a esto podemos ver cómo era el jardín de Claude Monet, y cómo pintaba al aire libre. Pierre-Auguste Renoir, Monet pintando en su jardín de Argenteuil, 1873
Y Edouard Manet pintó un retrato familiar del artista con el telón de fondo de un jardín en flor. Édouard Manet, La familia Monet en su jardín en Argenteuil, 1874, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. La pintura representa a Claude Monet cuidando flores, su esposa Camille y su hijo Jean. Jardín, flores y gallinas. En 10 años, Claude Monet tendrá todo esto en Giverny.
Pierre Auguste Renoir, Madame Monet y su hijo, 1974 Galería Nacional, Washington. Camille Monet y su hijo Jean. Parece que Edouard Manet y Renoir escribieron la familia Monet el mismo día y en el mismo lugar. Este lienzo se mantuvo en la colección de Claude Monet en Giverny. El hijo menor del artista, Michel Monet, lo vendió en 1952 durante un período de total devastación en Giverny. Después de varias reventas por voluntad del último dueño en 1970, esta pintura ingresó a la Galería Nacional de Washington.

"Casa del artista en Argenteuil", 1873. Instituto de Arte, Chicago.
Jardín de Monet en Argenteuil, 1873
"Casas en Argenteuil", 1873, Alte Nationalgalerie, Berlín. En verano, Argenteuil fue literalmente enterrado en flores.
Flores junto al río en Argenteuil, 1877, Museo de Arte Pola, Hakone, Japón. El Sena en Argenteuil es muy pintoresco, en este lugar forma una hermosa curva. Claude Monet estaba fascinado por el río y la naturaleza de Argenteuil, trabajaba con entusiasmo aquí al aire libre.
Camille Monet en un banco de jardín. 1873 Museo Metropolitano, Nueva York. Como siempre, un jardín y, como siempre, flores. Tenga en cuenta: hay un ramo de flores en el banco al lado de Camilla.
Jean Monnet sobre un caballo en bicicleta. 1872 Museo Metropolitano, Nueva York. Incluso pintando un retrato de su hijo, Claude Monet no se olvidó de las flores. Prefería capturar todos los eventos significativos de la vida en sus lienzos sobre el fondo de las flores.
"En el prado", 1876 El lienzo representa a la esposa del artista, Camille Monet, leyendo un libro en un prado, rodeada de flores.
"Manzanos en flor", 1873. ¡Asombroso!
"La familia del artista en el jardín", 1875
"En el jardín", 1875 Esta imagen, aparentemente, representa el mismo rincón del jardín que la anterior, solo unos meses después, en otoño. A Claude Monet le gustaba pintar ciclos de pinturas: los mismos objetos en diferentes condiciones de iluminación: en diferentes épocas del año, en diferentes momentos del día. Trató de transmitir los estados fugaces del ambiente de aire ligero, para capturar los semitonos de color apenas perceptibles. Vemos cómo va cambiando un rincón del jardín, cómo se van desvaneciendo los colores, cómo se va desvaneciendo la luz. Las flores del macizo de flores se marchitaron y el follaje de los árboles se volvió amarillo.
"Mujer con paraguas" ("Paseo: Camille Monet con su hijo Jean"), 1875, Galería Nacional de Arte, Washington.
"Camille Monet con su hijo", 1875, Museo de Bellas Artes, Boston, Estados Unidos.
Esquina del jardín en Montgeron, ca. 1876, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo. Montgeron es un pequeño pueblo en los suburbios de París, ubicado a 18,5 km al sureste del centro de la ciudad. Ahora es uno de los suburbios del sureste de París.

"Mujer con sombrilla en un jardín de Argenteuil", 1875.	"Camina, Argenteuil", 1875.	"Paseo en Argenteuil", 1875, Musée Marmottan Monet, París.
"Jardín", 1872.	Camille Monet en el jardín, 1873	"Camille Monet en la ventana. Argenteuil", 1873.
"Orilla del Sena cerca del puente de Argenteuil", 1874.	"Camille y Jean Monnet en el jardín de Argenteuil", 1873.	"Camille Monet en el jardín de Argenteuil", 1876, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
"Gladiolo". ESTÁ BIEN. 1876. Instituto de Arte, Detroit, Estados Unidos.	"Chicas en el jardín", 1875, Galería Nacional de Praga.	"Camille con un paraguas verde", 1876.
"Puerta del jardín en Vethea", 1876.	"Jardín", 1876.	"Jardín, Malvas", 1877.

Serie muy interesante "Lila". Comparar:

campos de amapola

Una de las pinturas más famosas de Claude Monet, Field of Poppies (1873, Musée d'Orsay, París), fue pintada en Argenteuil, no lejos de la casa del artista. La pintura representa a la esposa de Monet, Camille, y a su hijo Jean. Presuntamente, su esposa e hijo también sirvieron como modelos para las figuras de una dama con un niño al fondo.
Vea con qué expresividad el artista pintó amapolas escarlatas y ranúnculos amarillos. Camille y Jean literalmente se ahogan en amapolas, formando una completa armonía con la naturaleza de un día soleado de verano.
Monet eligió un ángulo muy bueno para su pintura: las amapolas escarlatas se encuentran en la parte inferior izquierda de la imagen, en diagonal a lo largo de la cual caminan Camille y Jean. Parece que las amapolas van más allá del lienzo.

Los campos de amapolas fascinaron a Monet. Él volvió repetidamente a ellos en su trabajo. Le atrajo el contraste de las amapolas rojas y la hierba verde.

"Verano. Campo de amapolas", 1875, colección particular.

"Campo de amapolas cerca de Vetey" 1879.

"Un campo de amapolas en un hueco cerca de Giverny", 1885. Museo de Bellas Artes, Boston.

"Campo de amapolas", hacia 1890. Hermitage estatal, San Petersburgo.

"Campo de avena con amapolas", 1890. Museo de Arte Moderno, Estrasburgo.

"Campo de amapolas en Giverny". 1890-1891 Instituto de Arte, Chicago.

"Un campo de amapolas rojas cerca de Giverny", 1895. Museo de Bellas Artes de Virginia, Richmond, Estados Unidos.

campos de tulipanes

Claude Monet visitó Holanda varias veces. Y, por supuesto, no podía permanecer indiferente ante los tulipanes. Creó una serie de pinturas que representan las principales atracciones de Holanda: campos de tulipanes y molinos de viento.

Campos de tulipanes en Sassenheim, cerca de Leiden, 1886, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, Estados Unidos.

"Campos de tulipanes y molinos de viento en Rijnsburg", 1886, colección privada.

Campos de tulipanes en Holanda, 1886. Museo de Orsay, París.

"Campo de tulipanes en Holanda". 1886, Musée Marmottan Monet, París.

Vétheuil, 1879 - 1881

"Jardín del artista en Vetheuil", 1880. Galería Nacional, Washington.

En 1879, la familia Monet se mudó a Vetheuil, un pequeño pueblo a orillas del Sena, a 65 km al noroeste de París. Aquí, Claude Monet tuvo un segundo hijo, Michel, pero, desafortunadamente, su primera esposa, Camille, murió pronto.
La familia Monet vivió en Vetheuil hasta 1881.

Claude Monet conoce a la familia de Alice Hoschedé, a quien conoce desde hace varios años. Viven juntos, más tarde Alice se convirtió en su segunda esposa. Pero en las pinturas de Claude Monet, Alice Goshede, a diferencia de Camille, es muy rara. Sus hijas, las hijastras de Claude Monet, sirvieron como modelos para los lienzos del artista.

"Flores a orillas del Sena cerca de Vetheuil", 1880.	"Alice Goshede en el jardín", 1881. Futura segunda esposa de Claude Monet.	"Escalera en Vethea", 1881.
"Isla de las Flores cerca de Vetheus", 1880, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.	"Flores en Veteya", 1881.	"Flores en Veteya", 1881.

Flores en un florero

Sobre todo, Claude Monet amaba el jardín y las flores silvestres, pero a veces también pintaba naturalezas muertas, ramos de flores cortadas.

"Flores de primavera", 1864. Actualmente se desconoce la ubicación de la pintura.
Por supuesto, todavía es difícil reconocer al futuro gran artista impresionista en este lienzo.

"Crisantemos", 1878. Museo de Orsay, París.

"Ramo de malva", 1880.

"Girasoles", 1881. Museo Metropolitano, Nueva York.

"Crisantemos" 1882. Museo Metropolitano, Nueva York.

"Amapolas moradas", 1883. Museo Boijmans-van Beuningen, Rotterdam, Países Bajos.

Anémonas, ca. 1885, colección privada.

"Dos jarrones con crisantemos". 1888, colección privada.

Giverny 1883 - 1926

En 1883, la familia Claude Monet se mudó a Giverny. Este es un pequeño pueblo en una zona pintoresca a orillas del río Epte, en su confluencia con el Sena, a unos 80 km de París. Claude Monet vivirá en Giverny el resto de su vida.

En ese momento, ya se había convertido en un artista conocido y una persona acomodada. En 1890, pudo comprar la casa en Giverny donde vivía su familia. En la casa equipó un amplio taller.

Claude Monet amplió significativamente su jardín, arregló un estanque en él, el agua que provenía de un depósito especial de toma de agua construido en el río Epte.

En esos años, Claude Monet se interesó por la cultura japonesa, las estampas japonesas, en especial las estampas del gran artista japonés Hokusai.
Para mantener el jardín, Monet contrató a un jardinero japonés que lo ayudó a arreglar el jardín al estilo japonés. El propio Monet participó directamente en la planificación del jardín. El artista suscrito a la revista Revue horticole (Journal of Horticulture), encargó plantas y flores de todo el mundo para su jardín.

Fue este jardín el que se convirtió en el principal amor en los últimos años de la vida del artista. Trabajó en él, lo escribió en todas sus formas, desde diferentes puntos, en diferentes momentos del día. El jardín se convirtió en la principal fuente de inspiración del artista.
Monet cultivó varias flores en el jardín, los nenúfares crecieron en el estanque, el famoso "puente japonés" fue arrojado al otro lado del estanque. Podía admirar su jardín durante horas, observar los más mínimos cambios en la iluminación y el clima.
En el otoño de 1899, Claude Monet comenzó a pintar su famosa serie Nenúfares, en la que trabajó hasta el final de sus días.

Claude Monet en su jardín con un estanque de nenúfares al fondo, 1905

Claude Monet en su jardín, c. 1917 Foto: Étienne Clementel.
Las imágenes se ven un poco "coloreadas" y borrosas, ya que eran imágenes estereoscópicas, debían verse a través de lentes especiales de colores, luego la imagen resultó ser voluminosa.

Claude Monet (derecha) en su jardín de Giverny. 1922 Foto cortesía de The New York Times.

"Callejón en el jardín", 1902. Galería Belvedere, Viena. Arco floreciente en Giverny, 1913. Museo de Arte de Phoenix, Arizona, Estados Unidos. "Arco de rosas en Giverny (Arco de flores)". 1913, colección particular. "Iris amarillos", entre 1914-1917 Museo Nacional de Arte Occidental, Tokio. "El camino entre los lirios". 1914-17, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. "Nenúfares blancos". 1899 Museo Pushkin im. COMO. Pushkin, Moscú.
El famoso estanque con nenúfares y el puente japonés. "Estanque con nenúfares (puente japonés)", 1899. Museo Metropolitano, Nueva York. "Estanque con lirios. Armonía en verde". 1899, Galería Nacional, Londres. "Estanque con lirios. Armonía en verde". 1899, Museo de Orsay, París. "Aguas. Armonía en rosa". mil novecientos Museo de Orsay, París. "Estanque con nenúfares". mil novecientos Instituto de Arte, Chicago.

En los primeros lienzos de la serie Water Lilies, Claude Monet representó un estanque con un puente japonés, en el contexto de una exuberante vegetación de jardín.

En sus últimas obras, que representan un estanque con nenúfares, distorsionó deliberadamente todas las reglas de perspectiva aceptadas, abandonó la línea del horizonte y pintó solo agua con nenúfares. Los nenúfares que flotan en el agua a menudo están cortados por los bordes del lienzo, parece que el estanque real es algo más que lo que se muestra en la imagen.
Esta serie de "Aguas" cuenta con más de 60 lienzos.

"Aguas". 1906 Instituto de Arte, Chicago.
"Aguas", 1916. Museo Nacional de Arte Occidental, Tokio. Este enorme lienzo de 2 metros es uno de los más expresivos de la serie Nenúfares. Las islas rosadas y amarillas de nenúfares se encuentran en la superficie azul oscuro, verde oscuro e incluso púrpura del agua del estanque. La imagen completa está en movimiento, vemos las raíces entrelazadas de los nenúfares. Las flores de los nenúfares sobresalen literalmente por encima de la superficie del agua. Claude Monet sintió la naturaleza muy sutilmente y pudo transmitir todas sus sutilezas y modulaciones en sus lienzos.
"Aguas". 1920-26 Museo de la Orangerie, París.

En 1980 casa y jardín de Claude Monet en Giverny estaban abiertos al público. Ahora es uno de los museos favoritos de los turistas en los suburbios de París.