La escena del arte japonés moderno parece estar completamente globalizada. Los artistas viajan entre Tokio y Nueva York, casi todos recibieron educación europea o estadounidense, hablan sobre su trabajo en inglés de arte internacional. Sin embargo, esta imagen está lejos de ser completa.

Las formas y tendencias nacionales resultan ser uno de los bienes más buscados que Japón puede ofrecer al mercado mundial de ideas y obras artísticas.

operación de avión. Cómo superflat combina la cultura geek estadounidense y la pintura tradicional japonesa

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Si en el mundo occidental para casi todo el mundo (excepto quizás para los teóricos posmodernos más ardientes) el límite entre la alta cultura y la cultura de masas sigue siendo relevante, aunque problemático, entonces en Japón estos mundos están totalmente mezclados.

Un ejemplo de ello es Takashi Murakami, quien combina con éxito exposiciones en las mejores galerías del mundo y producción en streaming.

Grabación del recorrido de la exposición de Murakami "Habrá lluvia suave"

Sin embargo, la relación de Murakami con la cultura popular, y para Japón esta es principalmente la cultura de los fanáticos del manga y el anime (otaku), es más complicada. El filósofo Hiroki Azuma critica la comprensión del otaku como un auténtico fenómeno japonés. Los otaku se consideran directamente conectados con las tradiciones del período Edo de los siglos XVII-XIX, la era del aislacionismo y el rechazo a la modernización. Azuma argumenta que el movimiento otaku, basado en manga, animación, novelas gráficas, juegos de computadora, solo pudo haber surgido en el contexto de la ocupación estadounidense de la posguerra como resultado de la importación de la cultura estadounidense. El arte de Murakami y sus seguidores reinventa al otaku con técnicas de arte pop y desmiente el mito nacionalista de la autenticidad de la tradición. Representa una "reamericanización de la cultura estadounidense japonesa".

Desde un punto de vista artístico, superflat es lo más cercano a la pintura ukiyo-e japonesa temprana. La obra más famosa de esta tradición es el grabado La gran ola de Kanagawa de Katsushika Hokusai (1823–1831).

Para el modernismo occidental, el descubrimiento de la pintura japonesa fue un gran avance. Hizo posible ver la imagen como un plano y no busca superar esta peculiaridad de la misma, sino trabajar con ella.

Katsushiki Hokusai. "La gran ola de Kanagawa"

Pioneros del rendimiento. ¿Qué significa hoy el arte japonés de la década de 1950?

Documentación del proceso creativo de Akira Kanayama y Kazuo Shiragi

Superflat tomó forma solo en la década de 2000. Pero las acciones artísticas significativas para el arte mundial comenzaron en Japón mucho antes, e incluso antes que en Occidente.

El giro performativo en el arte tuvo lugar a finales de los años 60 y 70 del siglo pasado. En Japón, la actuación apareció en los años cincuenta.

Por primera vez, el Grupo Gutai ha cambiado su enfoque de la creación de objetos autosuficientes al proceso de su producción. A partir de aquí, un paso hacia el abandono del objeto de arte en favor de un evento efímero.

Aunque los artistas individuales de Gutai (y hubo 59 de ellos en veinte años) existieron activamente en el contexto internacional, entendiendo cómo su actividad colectiva del arte japonés de posguerra en general comenzó en Occidente bastante recientemente. El boom llegó en 2013 con varias exposiciones en pequeñas galerías de Nueva York y Los Ángeles, Tokio 1955-1970: The New Avant-Garde en el MoMA, y la enorme retrospectiva histórica Gutai: Splendid Playground en el Museo Guggenheim. La importación de Moscú de arte japonés parece ser una continuación casi tardía de esta tendencia.

Sadamasa Motonaga. Obra (Agua) en el Museo Guggenheim

Llama la atención lo modernas que lucen estas exposiciones retrospectivas. Por ejemplo, el objeto central de la exposición en el Museo Guggenheim es la reconstrucción de Work (Water) de Sadamasa Motonaga, en la que los niveles de la rotonda del museo están conectados por tuberías de polietileno con agua coloreada. Son una reminiscencia de pinceladas que han sido arrancadas del lienzo y sirven como un ejemplo del enfoque central de Gutai en la "concreción" (como el nombre de la banda se traduce del japonés), la materialidad de los objetos con los que trabaja el artista.

Muchos miembros de Gutai recibieron una educación relacionada con la pintura clásica nihonga, muchos están biográficamente apegados al contexto religioso del budismo zen, a su característica caligrafía japonesa. Todos ellos encontraron un nuevo enfoque, procedimental o participativo, de las antiguas tradiciones. Kazuo Shiraga ha grabado en vídeo cómo dibuja sus monocromos anti-Rauschenberg con los pies e incluso ha creado pinturas en público.

Minoru Yoshida convirtió flores de estampados japoneses en objetos psicodélicos; un ejemplo de esto es la Flor bisexual, una de las primeras esculturas cinéticas (en movimiento) del mundo.

Los comisarios de la exposición del Museo Guggenheim hablan del significado político de estas obras:

"El Gutai demostró la importancia de la acción individual libre, la demolición de las expectativas de la audiencia e incluso la estupidez como formas de contrarrestar la pasividad social y la conformidad que, durante décadas, permitió que un gobierno militarista obtuviera una masa crítica de influencia, invadiera China y luego unirse a la Segunda Guerra Mundial".

Bueno y sabio. Por qué los artistas se fueron de Japón a Estados Unidos en la década de 1960

Gutai fue la excepción a la regla en el Japón de la posguerra. Los grupos de vanguardia permanecieron marginales, el mundo del arte era estrictamente jerárquico. La principal forma de reconocimiento fue la participación en concursos organizados por asociaciones reconocidas de artistas clásicos. Por lo tanto, muchos prefirieron ir a Occidente e integrarse al sistema de arte en lengua inglesa.

Fue especialmente difícil para las mujeres. Incluso en el progresivo Gutai, la participación de su presencia no llegó ni a un quinto. ¿Qué podemos decir sobre las instituciones tradicionales, cuyo acceso requería educación especial? Para los años sesenta, las niñas ya habían adquirido el derecho a ello, sin embargo, aprendiendo arte (si no se trataba de decorativo, que formaba parte del conjunto de habilidades ryosai kenbo- una buena esposa y una madre sabia) era una ocupación socialmente mal vista.

Yoko Ono. pieza cortada

La historia de la emigración de cinco poderosas artistas japonesas de Tokio a los Estados Unidos fue el tema del estudio de Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi y Shigeko Kubota al comienzo de sus carreras decidieron irse a Nueva York y trabajaron allí, incluso en la modernización de las tradiciones del arte japonés. Solo Yoko Ono creció en los EE. UU., pero también se negó deliberadamente a regresar a Japón, ya que se desilusionó con la jerarquía artística de Tokio durante su breve estadía en 1962-1964.

Ono se convirtió en la más famosa de las cinco, no solo como esposa de John Lennon, sino también como autora de performances protofeministas dedicadas a la cosificación del cuerpo femenino. Hay paralelismos evidentes entre Cut Piece It, en el que el público podía cortar piezas de la ropa del artista, y "Rhythm 0" de la "abuela de la interpretación" Marina Abramović.

En piernas cortas. Cómo pasar el entrenamiento de actuación del autor Tadashi Suzuki.

En el caso de Ono y Gutai, los métodos y temas de su trabajo, separados de los autores, adquirieron trascendencia internacional. Hay otras formas de exportación: cuando las obras del artista se perciben con interés en el ámbito internacional, pero el préstamo del método real no se produce debido a su especificidad. El caso más llamativo es el sistema de formación actoral de Tadashi Suzuki.

El Teatro Suzuki es amado incluso en Rusia, y esto no es sorprendente. La última vez que estuvo con nosotros fue en 2016 con la representación de Las Troyanas basada en los textos de Eurípides, y en la década del 2000 vino varias veces con producciones de Shakespeare y Chéjov. Suzuki trasladó la acción de las obras al contexto japonés actual y ofreció interpretaciones no obvias de los textos: descubrió el antisemitismo en Ivanov y lo comparó con la actitud desdeñosa de los japoneses hacia los chinos, trasladó la acción del Rey Lear a un manicomio japonés.

Suzuki construyó su sistema en oposición a la escuela de teatro rusa. A fines del siglo XIX, durante el llamado período Meiji, el Japón imperial en proceso de modernización experimentó el surgimiento de movimientos de oposición. El resultado fue una occidentalización a gran escala de una cultura anteriormente extremadamente cerrada. Entre las formas importadas estaba el sistema Stanislavsky, que aún permanece en Japón (y en Rusia) como uno de los principales métodos de dirección.

ejercicios Suzuki

En los años sesenta, cuando Suzuki iniciaba su carrera, se difundía cada vez más la tesis de que, por sus características corporales, los actores japoneses no podían acostumbrarse a papeles de textos occidentales que llenaban el repertorio de entonces. El joven director logró ofrecer la alternativa más convincente.

El sistema de ejercicios de Suzuki, llamado gramática de piernas, incluye docenas de maneras de sentarse y aún más de pararse y caminar.

Sus actores suelen jugar descalzos y parecen, al bajar el centro de gravedad, lo más atados posible al suelo, pesados. Suzuki les enseña a ellos y a los artistas extranjeros su técnica en el pueblo de Toga, en antiguas casas japonesas llenas de equipos modernos. Su compañía da solo unas 70 funciones al año, y el resto del tiempo lo vive casi sin salir del pueblo y sin tiempo para asuntos personales, solo para trabajar.

El Centro Toga apareció en la década de 1970 y fue diseñado a pedido del director por el arquitecto de fama mundial Arata Isozaka. El sistema de Suzuki puede parecer patriarcal y conservador, pero él mismo habla de Toga en términos modernos de descentralización. Incluso a mediados de la década de 2000, Suzuki entendió la importancia de exportar arte de la capital a las regiones y organizar puntos de producción locales. Según el director, el mapa teatral de Japón se parece en muchos aspectos al ruso: el arte se concentra en Tokio y en varios centros más pequeños. El teatro ruso también se beneficiaría de una compañía que realiza giras regulares en pueblos pequeños y tiene su sede lejos de la capital.

Centro de la empresa SCOT en Toga

Senderos de flores. ¿Qué recurso descubrió el teatro moderno en los sistemas noh y kabuki?

El método Suzuki surge de dos antiguas tradiciones japonesas, pero también del kabuki. No es solo que este tipo de teatro a menudo se caracterice como el arte de caminar, sino también en detalles más obvios. Suzuki a menudo sigue la regla sobre el desempeño de todos los roles por parte de los hombres, utiliza soluciones espaciales características, por ejemplo, hanamichi ("el camino de las flores") de la muestra kabuki, una plataforma que se extiende desde el escenario hasta las profundidades del auditorio. También explota símbolos bastante reconocibles como flores y pergaminos.

Por supuesto, en el mundo global no se trata del privilegio de los japoneses de usar sus formas nacionales.

El teatro de uno de los directores más importantes de nuestro tiempo, el estadounidense Robert Wilson, se construyó sobre préstamos de pero.

No sólo utiliza máscaras y maquillajes que recuerdan al público masivo de Japón, sino que también toma prestadas formas de actuar basadas en la máxima lentitud del movimiento y la expresividad autosuficiente del gesto. Combinando formas tradicionales y rituales con partituras ligeras ultramodernas y música minimalista (una de las obras más famosas de Wilson es una producción de la ópera Einstein on the Beach de Philip Glass), Wilson esencialmente produce la síntesis de orígenes y relevancia que gran parte del arte moderno se esfuerza por lograr. .

Roberto Wilson. "Einstein en la playa"

Del noh y el kabuki ha crecido uno de los pilares de la danza moderna - butoh, traducido literalmente - la danza de la oscuridad. Inventado en 1959 por los coreógrafos Kazuo Ono y Tatsumi Hijikata, quienes también recurrieron a un centro de gravedad bajo y concentración en los pies, el butoh trataba de llevar los reflejos de las experiencias traumáticas de la guerra a la dimensión corporal.

“Mostraban el cuerpo enfermo, colapsado, hasta monstruoso, monstruoso.<…>Los movimientos son lentos o deliberadamente bruscos, explosivos. Para esto, se utiliza una técnica especial, cuando el movimiento se lleva a cabo como si no involucrara los músculos principales, debido a las palancas óseas del esqueleto”, la historiadora de la danza Irina Sirotkina inscribe al butoh en la historia de la liberación del cuerpo, conecta con la salida de la normatividad del ballet. Ella compara el butoh con las prácticas de bailarines y coreógrafos de principios del siglo XX: Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, habla de la influencia en la danza "posmoderna" posterior.

Un fragmento de la danza de Katsura Kana, la sucesora moderna de la tradición butoh

Hoy, el butoh en su forma original ya no es una práctica de vanguardia, sino una reconstrucción histórica.

Sin embargo, el vocabulario de movimiento desarrollado por Ono, Hijikata y sus seguidores sigue siendo un recurso importante para los coreógrafos modernos. En occidente es utilizado por Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky e incluso en el video de “Belong To The World” de The Weekend. En Japón, el sucesor de la tradición butoh es, por ejemplo, Saburo Teshigawara, que llegará a Rusia en octubre. Aunque él mismo niega los paralelismos con la danza de las tinieblas, los críticos encuentran signos bastante reconocibles: un cuerpo aparentemente deshuesado, fragilidad, paso silencioso. Es cierto que ya están ubicados en el contexto de la coreografía posmodernista, con su ritmo alto, carreras, trabajo con música de ruido posindustrial.

Saburo Teshigawara. metamorfosis

Localmente global. ¿En qué se parece el arte japonés contemporáneo al arte occidental?

Las obras de Teshigawara y muchos de sus colegas encajan orgánicamente en los programas de los mejores festivales de danza contemporánea occidentales. Si hojea las descripciones de las representaciones y las representaciones que se mostraron en el Festival / Tokio, el mayor espectáculo anual de teatro japonés, será difícil notar las diferencias fundamentales con respecto a las tendencias europeas.

Uno de los temas centrales es la especificidad del sitio: los artistas japoneses exploran los espacios de Tokio, que van desde grupos de capitalismo en forma de rascacielos hasta áreas marginales de concentración otaku.

Otro tema es el estudio de la incomprensión intergeneracional, el teatro como lugar de encuentro vivo y comunicación organizada de personas de diferentes edades. Los proyectos dedicados a ella por Toshika Okada y Akira Tanayama fueron llevados a Viena durante varios años seguidos a uno de los principales festivales europeos de artes escénicas. No había nada nuevo en el traslado de materiales documentales e historias personales a los escenarios a fines de la década de 2000, pero el comisario del Festival de Viena presentó estos proyectos al público como una oportunidad de contacto directo y directo con otro cultura.

Otra línea principal es trabajar a través de la experiencia traumática. Para los japoneses, no se asocia con el Gulag o el Holocausto, sino con el bombardeo de Hiroshima y Nagasaki. El teatro se refiere a él constantemente, pero la declaración más poderosa sobre las explosiones atómicas como el momento de la génesis de toda la cultura japonesa moderna todavía pertenece a Takashi Murakami.

a la exposición “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture”

“Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” es el título de su proyecto curado que se mostró en Nueva York en 2005. "Little Boy" - "bebé" en ruso - el nombre de una de las bombas lanzadas sobre Japón en 1945. Recopilando cientos de cómics de manga de los principales ilustradores, juguetes antiguos distintivos, productos inspirados en el famoso anime de Godzilla a Hello Kitty, Murakami ha llevado la concentración de la ternura, kawaii, al límite en el espacio del museo. Al mismo tiempo, lanzó una selección de animaciones, en las que imágenes de explosiones, tierra desnuda y ciudades destruidas se convirtieron en las imágenes centrales.

Esta oposición fue la primera declaración importante sobre la infantilización de la cultura japonesa como una forma de hacer frente al trastorno de estrés postraumático.

Ahora bien, esta conclusión parece ya obvia. Se basa en un estudio académico de kawaii por parte de Inuhiko Yomota.

También hay desencadenantes traumáticos posteriores. De los más importantes, los eventos del 11 de marzo de 2011, el terremoto y el tsunami que provocaron un gran accidente en la planta de energía nuclear de Fukushima. En Festival/Tokyo-2018, se dedicó un programa completo de seis funciones a comprender las consecuencias de un desastre natural y tecnológico; también se convirtieron en el tema de una de las obras presentadas en Solyanka. Este ejemplo muestra claramente que el arsenal de métodos críticos utilizados por el arte occidental y japonés no es fundamentalmente diferente. Haruyuki Ishii crea una instalación de tres televisores que reproducen secuencias de alta velocidad editadas y en bucle de programas de televisión sobre el terremoto.

“La obra está compuesta por 111 videos que el artista veía todos los días en las noticias hasta el momento en que todo lo que veía ya no se percibía como ficción”, explican los curadores. New Japan es un ejemplo elocuente de cómo el arte no resiste la interpretación basada en los mitos nacionales, pero al mismo tiempo un ojo crítico revela que la misma interpretación podría ser relevante para el arte de cualquier origen. Los curadores hablan de la contemplación como base de la tradición japonesa, basándose en citas de Lao Tse. Al mismo tiempo, como si dejara fuera de paréntesis que casi todo el arte contemporáneo se centra en el “efecto observador” (como se llama la exposición), ya sea en la forma de crear nuevos contextos para la percepción de fenómenos familiares o de plantear la cuestión de la posibilidad de una percepción adecuada como tal.

Comunidades imaginadas: otra obra del videoartista Haruyuki Ishii

Juego

Sin embargo, uno no debe pensar que el Japón de la década de 2010 es una concentración de progresismo.

Los hábitos del buen viejo tradicionalismo y el amor por el exotismo orientalista aún no han sobrevivido. "El teatro de las vírgenes" es el título de un artículo bastante admirativo sobre el teatro japonés "Takarazuka" en la revista conservadora rusa "PTJ". Takarazuka surgió a fines del siglo XIX como un proyecto comercial para atraer turistas a una ciudad remota del mismo nombre, que accidentalmente se convirtió en la terminal de un ferrocarril privado. Solo las chicas solteras juegan en el teatro que, según el propietario del ferrocarril, se suponía que atraería a los espectadores masculinos a la ciudad. Hoy, Takarazuka funciona como una industria, con su propio canal de televisión, un denso programa de conciertos e incluso un parque de diversiones local. Pero solo las chicas solteras todavía tienen derecho a estar en la compañía, esperemos que al menos no verifiquen la virginidad.

Sin embargo, Takarazuka palidece en comparación con el club Toji Deluxe en Kyoto, que los japoneses también llaman teatro. Se muestran absolutamente salvajes, a juzgar por descripción El columnista del New Yorker Ian Buruma, espectáculo de striptease: varias chicas desnudas sobre el escenario convierten la demostración de genitales en un ritual público.

Como muchas prácticas artísticas, este espectáculo se basa en antiguas leyendas (con la ayuda de una vela y una lupa, los hombres del público podían turnarse para explorar los “secretos de la diosa madre Amaterasu”), y el propio autor recordaba de la tradición noh.

Dejaremos la búsqueda de análogos occidentales para Takarazuki y Toji al lector; no es difícil encontrarlos. Solo notamos que una parte significativa del arte moderno se dirige precisamente a combatir tales prácticas de opresión, tanto occidentales como japonesas, que van desde el superflat hasta la danza butoh.

Tiene una historia muy rica; su tradición es extensa, y la posición única de Japón en el mundo influye en gran medida en los estilos y técnicas dominantes de los artistas japoneses. El hecho bien conocido de que Japón ha estado bastante aislado durante siglos se debe no solo a la geografía, sino también a la propensión cultural japonesa dominante al aislamiento que ha marcado la historia del país. Durante los siglos de lo que podríamos llamar "civilización japonesa", la cultura y el arte se desarrollaron por separado del resto del mundo. Y esto se nota incluso en la práctica de la pintura japonesa. Por ejemplo, las pinturas de Nihonga se encuentran entre los elementos básicos de la práctica de la pintura japonesa. Se basa en más de mil años de tradición, y las pinturas generalmente se crean con pinceles en su (papel japonés) o egina (seda).

Sin embargo, el arte y la pintura japoneses han sido influenciados por prácticas artísticas extranjeras. Primero, fue el arte chino en el siglo XVI y la pintura china y la tradición artística china las que fueron particularmente influyentes de varias maneras. A partir del siglo XVII, la pintura japonesa también se vio influenciada por las tradiciones occidentales. En particular, durante el período anterior a la guerra, que duró desde 1868 hasta 1945, la pintura japonesa estuvo influenciada por el impresionismo y el romanticismo europeo. Al mismo tiempo, los nuevos movimientos artísticos europeos también se vieron significativamente influenciados por las técnicas artísticas japonesas. En la historia del arte, esta influencia se conoce como "japonismo", y es especialmente significativa para los impresionistas, cubistas y artistas asociados con el modernismo.

La larga historia de la pintura japonesa puede verse como una síntesis de varias tradiciones que crean partes de una estética japonesa reconocida. En primer lugar, el arte y los métodos de pintura budistas, así como la pintura religiosa, han dejado una huella significativa en la estética de las pinturas japonesas; la pintura al agua con tinta de paisajes en la tradición de la pintura literaria china es otro elemento importante reconocido en muchas pinturas japonesas famosas; la pintura de animales y plantas, especialmente pájaros y flores, es algo que comúnmente se asocia con las composiciones japonesas, al igual que los paisajes y escenas de la vida cotidiana. Finalmente, las antiguas ideas sobre la belleza de la filosofía y la cultura del antiguo Japón tuvieron una gran influencia en la pintura japonesa. Wabi, que significa belleza dura y transitoria, sabi (la belleza de la pátina natural y el envejecimiento) y yugen (gracia profunda y sutileza) todavía influyen en los ideales de la práctica de la pintura japonesa.

Finalmente, si nos centramos en elegir las diez obras maestras japonesas más famosas, debemos mencionar el ukiyo-e, que es uno de los géneros artísticos más populares en Japón, aunque pertenece al grabado. Dominó el arte japonés del siglo XVII al XIX, con artistas pertenecientes a este género que produjeron xilografías y pinturas de temas tales como chicas hermosas, actores de kabuki y luchadores de sumo, así como escenas de la historia y cuentos populares, escenas de viajes y paisajes, flora y fauna e incluso erótica.

Siempre es difícil hacer una lista de las mejores pinturas de las tradiciones artísticas. Muchas obras asombrosas serán excluidas; sin embargo, esta lista presenta diez de las pinturas japonesas más reconocibles del mundo. Este artículo presentará solo pinturas creadas desde el siglo XIX hasta la actualidad.

La pintura japonesa tiene una historia extremadamente rica. A lo largo de los siglos, los artistas japoneses han desarrollado una gran cantidad de técnicas y estilos únicos que son la contribución más valiosa de Japón al mundo del arte. Una de estas técnicas es el sumi-e. Sumi-e significa literalmente "dibujo en tinta", combinando caligrafía y pintura con tinta para crear una rara belleza de composiciones pintadas con pincel. Esta belleza es paradójica: antigua pero moderna, simple pero compleja, audaz pero tenue, que sin duda refleja la base espiritual del arte en el budismo zen. Los sacerdotes budistas trajeron el bloque de tinta dura y el pincel de bambú a Japón desde China en el siglo VI, y durante los últimos 14 siglos, Japón ha desarrollado una rica herencia de pintura con tinta.

Desplácese hacia abajo y vea 10 obras maestras de la pintura japonesa

1. Katsushika Hokusai "El sueño de la esposa del pescador"

Una de las pinturas japonesas más reconocibles es El sueño de la esposa del pescador. Fue pintado en 1814 por el famoso artista Hokusai. Por definiciones estrictas, esta increíble obra de Hokusai no puede considerarse una pintura, ya que es un grabado en madera ukiyo-e de Young Pines (Kinoe no Komatsu), que es un libro shunga de tres volúmenes. La composición representa a una joven buceadora ama entrelazada sexualmente con un par de pulpos. Esta imagen fue muy influyente en los siglos XIX y XX. El trabajo influyó en artistas posteriores como Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf y Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro escribe un poema nostálgico mientras observa la luna"

Tessai Tomioka es el seudónimo de un famoso artista y calígrafo japonés. Se le considera el último gran artista de la tradición Bunjing y uno de los primeros grandes artistas del estilo Nihonga. Bunjinga fue una escuela de pintura japonesa que floreció a finales del período Edo entre artistas que se consideraban literatos o intelectuales. Cada uno de estos artistas, incluida Tessaia, desarrolló su propio estilo y técnica, pero todos eran grandes admiradores del arte y la cultura chinos.

3. Fujishima Takeji "Amanecer sobre el Mar del Este"

Fujishima Takeji fue un artista japonés conocido por su trabajo en el desarrollo del romanticismo y el impresionismo en el movimiento artístico del yoga (estilo occidental) de finales del siglo XIX y principios del XX. En 1905 viajó a Francia, donde estuvo influenciado por los movimientos franceses de la época, en particular el impresionismo, como se puede ver en su pintura de 1932 Amanecer sobre el mar del Este.

4. Kitagawa Utamaro "Diez tipos de rostros femeninos, una colección de bellezas dominantes"

Kitagawa Utamaro fue un destacado artista japonés que nació en 1753 y murió en 1806. Es, con mucho, más conocido por una serie llamada Ten Types of Women's Faces. Una colección de bellezas gobernantes, grandes temas de amor de la poesía clásica" (a veces llamada "Mujeres enamoradas", que contiene grabados separados "Amor desnudo" y "Amor pensativo"). Es uno de los artistas más significativos pertenecientes al género xilográfico ukiyo-e.

5. Kawanabe Kyosai "Tigre"

Kawanabe Kyosai fue uno de los artistas japoneses más famosos del período Edo. Su arte estuvo influenciado por Tohaku, un pintor de Kano del siglo XVI que fue el único pintor de su época que pintó pantallas completamente con tinta sobre un delicado fondo de oro en polvo. Aunque Kyosai es conocido como caricaturista, produjo algunas de las pinturas más famosas de la historia del arte japonés del siglo XIX. "Tiger" es una de esas pinturas que Kyosai usó acuarela y tinta para crear.

6. Hiroshi Yoshida Fuji del lago Kawaguchi

Hiroshi Yoshida es conocido como una de las principales figuras del estilo shin-hanga (shin-hanga es un movimiento artístico en Japón a principios del siglo XX, durante los períodos Taisho y Showa, que revivió el arte tradicional de ukiyo-e , que echó raíces en los períodos Edo y Meiji (siglos XVII - XIX)). Se formó en la tradición de la pintura al óleo occidental, que fue adoptada en Japón durante el período Meiji.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami es probablemente el artista japonés más popular de nuestro tiempo. Su trabajo se vende a precios astronómicos en las principales subastas, y su trabajo ya está inspirando a nuevas generaciones de artistas no solo en Japón sino también más allá. El arte de Murakami incluye una variedad de medios y generalmente se describe como súper plano. Su trabajo es conocido por el uso del color, incorporando motivos de la cultura tradicional y popular japonesa. El contenido de sus pinturas a menudo se describe como "lindo", "psicodélico" o "satírico".

8. Yayoi Kusama "Calabaza"

Yaoi Kusama es también uno de los artistas japoneses más famosos. Trabaja en una variedad de medios, que incluyen pintura, collage, escultura scat, artes escénicas, arte ambiental e instalación, la mayoría de los cuales demuestran su interés temático en colores psicodélicos, repetición y patrones. Una de las series más famosas de este gran artista es la serie Pumpkin. Una calabaza regular con puntos de polca en amarillo brillante se muestra contra una red. Juntos, todos estos elementos forman un lenguaje visual que es inconfundible en el estilo del artista, y ha sido desarrollado y refinado durante décadas de cuidadosa elaboración y reproducción.

9. Tenmyoya Hisashi "Espíritu japonés n.º 14"

Tenmyoya Hisashi es un artista japonés contemporáneo conocido por sus pinturas neo-nihonga. Participó en el renacimiento de la antigua tradición de la pintura japonesa, que es exactamente lo contrario de la pintura japonesa moderna. En 2000, también creó su nuevo estilo, butouha, que demuestra una actitud firme hacia un sistema de arte autoritario a través de sus pinturas. "Espíritu Japonés No. 14" fue creado como parte del esquema artístico "BASARA", interpretado en la cultura japonesa como el comportamiento rebelde de la baja aristocracia durante el período de los Reinos Combatientes, con el fin de privar a las autoridades de la capacidad de alcanzar un ideal. estilo de vida vistiéndose con ropa lujosa y lujosa y actuando con libertad que no correspondía a su clase social.

10. Katsushika Hokusai "La gran ola de Kanagawa"

Finalmente, La gran ola de Kanagawa es probablemente la pintura japonesa más reconocible jamás pintada. Esta es en realidad la obra de arte más famosa creada en Japón. Representa enormes olas que amenazan a los barcos frente a la costa de la prefectura de Kanagawa. Aunque a veces se confunde con un tsunami, la ola, como sugiere el nombre de la pintura, probablemente simplemente tenga una altura anormalmente alta. La pintura está hecha en la tradición ukiyo-e.

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Comentario:

Creó sus pinturas durante el período Taise (1912-26) y principios de Showa. Nació en 1891.
año en Tokio, era hijo de la periodista Kishida Ginko. En 1908 se graduó de la escuela, a la edad de
A los 15 años se convirtió al cristianismo y se dedicó a las actividades de la iglesia, luego Kishida
Ryūsei estudió estilos de arte occidentales en el estudio Hakubakai bajo
Seiki Kuroda (1866-1924), quien fue uno de los fundadores de la Academia de Artes de Japón.
Ya en 1910, el joven artista comenzó a exponer su obra en la feria anual
Exposición estatal de Banten. Sus primeras obras, especialmente paisajes, fueron pintadas
fuertemente influenciado y eco del estilo de su maestro Kuroda Seiki.

retrato de reiko

Más tarde, el artista conoció y se hizo amigo de Musanoka Saneatsu (Mushanokoji Saneatsu),
quien introdujo al artista en la sociedad Sirakaba (Abedul Blanco) y lo introdujo en Europa
Fauvismo y Cubismo. La formación de Kishida Ryūsei como artista sucedió en el primer
década del siglo XX, cuando muchos jóvenes artistas japoneses partieron para estudiar
pintando en el extranjero, principalmente a París. Kishida Ryūsei nunca ha estado en Europa y
no estudió con maestros europeos, pero la influencia del postimpresionismo europeo en él
fue enorme, especialmente la obra de Van Gogh y Cezanne. De finales de 1911 a principios
1912 se inspiró en la obra de artistas franceses contemporáneos, con cuya obra
Se conoció en la revista Shirakaba ya través de libros ilustrados. Su obra temprana es claramente
creado bajo la influencia de Henri Matisse y los fauvistas.

Autorretrato con sombrero, 1912
estilo: fauvismo

En 1912, a la edad de veintiún años, Kishida Ryūsei debutó como
artista profesional, su primera exposición individual tuvo lugar en
Galería de Arte Rokando. En el mismo año, el artista organizó su
Círculo de Arte Fyizankai para estudiar y promover
post impresionismo.

Jardín del presidente de South Manchurian Railway Company 1929

Al poco tiempo el círculo se disolvió por conflictos internos luego de realizar dos exposiciones.
Alrededor de 1914, el artista abandonó el fauvismo, su estilo inicial. en 1915
año, Kishida Reisai creó el grupo Shodosa, en el que su principal camarada, estudiante
y el artista Michisai Kono era un seguidor.

Camino a principios del verano de 1917
estilo: yoga-ka

Desde entonces, ha desarrollado su propio estilo único de un gran maestro, en japonés.
en el idioma se llama "shajitsu" o "shasei", generalmente traducido al ruso como realismo.
El artista simplifica formas, encuentra un color único, todo esto viene del arte
Cézanne. Aunque Kishida Reisai apreciaba mucho el arte de Francia, pero en el último período él
consideraba el arte oriental muy superior al arte occidental.

Camino cortado a través de una colina, 1915
estilo: yoga-ka

Retrato de Bernard Leach, 1913
estilo: fauvismo

Autorretrato, 1915,
estilo: yoga-ka

Autorretrato, 1913,
estilo: yoga-ka

Autorretrato, 1917,
estilo: yoga-ka

retrato, de, un, hombre
estilo: yoga-ka

Alrededor de 1917, el artista se mudó a Kugenuma Fujisawa en el área de Kanagawa. Él empezó
estudiar los estilos y técnicas de los artistas renacentistas del norte de Europa como
Durero y Van Dyck. Durante este período pintó su famosa serie de pinturas de la hija de Reiko,
que combinan el realismo casi fotográfico con el surrealismo
elementos decorativos A principios de la década de 1920, Kishida Ryūsei se interesó por
elementos del arte oriental, en particular, a las pinturas chinas "Canciones" y
"Dinastía Yuan".

"Retrato de Sanada Hisakichi"

Durante el Gran Terremoto de Kanto en 1923, la casa del artista en Kugenum fue
destruido, Kishida Ryūsei se mudó a Kyoto por un corto período, después de lo cual en febrero
1926 volvió a vivir en Kamakura. En la década de 1920, el artista pintó numerosos
artículos sobre la estética y la historia de la pintura japonesa.

Taza de té Tazón de té y tres manzanas verdes, 1917
estilo: sezannismo

Naturaleza muerta, 1918,
estilo: sezannismo

Dos manzanas rojas, taza de té, bol de té y una botella, 1918
estilo: sezannismo

En 1929, con la ayuda del Ferrocarril del Sur de Manchuria, Kishida Ryūsei hizo
el único viaje al extranjero en mi vida, visitando Dalian, Harbin y Fengtian
en Manchuria. De regreso a casa, hizo una parada en la ciudad de Tokuyama, un distrito
Yamaguchi, donde murió repentinamente por envenenamiento agudo del cuerpo. kishida ryusei
creó sus retratos, paisajes y naturalezas muertas hasta su temprana muerte a la edad de
38 años La tumba del artista se encuentra en el cementerio Tama Reien de Tokio. Después de la muerte
Kishida Ryūsei a dos de sus pinturas Agencia del Gobierno Japonés para Asuntos Culturales
le otorgó el título de "Bien Cultural Nacional". En diciembre de 2000, uno de
su retrato de su hija Reiko con un pañuelo sobre los hombros se vendió por 360 millones de yenes, lo que
se convirtió en el precio más alto en las subastas de pintura japonesa.

Japón es un estado muy interesante, conocido por una gran variedad de tradiciones y costumbres. La posición geográfica del País del Sol Naciente lo hizo algo aislado de otros estados, gracias a lo cual se desarrolló sin tener en cuenta los países europeos. La cultura de Japón es extremadamente rica y diversa. Las peculiares tradiciones japonesas se formaron bajo la influencia de eventos históricamente importantes. Poco a poco, Japón se convirtió en un estado poderoso y cohesionado con rasgos característicos y una cierta mentalidad de la población.

Principales aspectos de la cultura japonesa

La cultura del país se manifiesta en muchas esferas de la sociedad. En Japón, sus aspectos son;

El proceso de beber té para los japoneses no es una simple satisfacción de las necesidades fisiológicas del cuerpo, sino un verdadero culto. La ceremonia del té en Japón va acompañada de atributos especiales y contiene muchas tradiciones. Tal actitud reverente, al parecer, hacia el proceso cotidiano se desarrolló a partir de la meditación de los monjes budistas. Fueron ellos quienes aportaron tanta importancia al proceso de beber té.

Para los europeos, el concepto de "kimono" caracteriza la ropa nacional de Japón. Sin embargo, en la propia Tierra del Sol Naciente, hay dos significados de esta palabra: en sentido estricto y amplio. La palabra "kimono" en Japón se refiere no solo al traje nacional, sino también a toda la ropa en general. Debajo del kimono, por regla general, se usa una túnica especial y siete cinturones. Un kimono usado en verano se llama yukata. Dependiendo de la edad de la mujer, el modelo de vestimenta también puede diferir.

En Japón, se predican con éxito dos movimientos religiosos a la vez: el sintoísmo y el budismo. El sintoísmo apareció en el antiguo Japón, se basa en la adoración de varias criaturas. El budismo, a su vez, se divide en varias variedades. En Japón hay muchas escuelas que promueven una u otra corriente del budismo.

Los jardines de rocas son de particular importancia en la cultura de Japón. No solo son una creación arquitectónica que atrae la atención de los turistas, sino también un lugar de crecimiento espiritual. Aquí los japoneses encuentran la iluminación a partir de la contemplación de estructuras de piedra ubicadas en un orden especial. Los jardines de rocas incluyen un plan específico, que solo una persona ilustrada puede desentrañar.

Tango no sekku es una celebración en honor a los chicos. Está dedicado no solo a todos los pequeños representantes masculinos, sino también a la masculinidad y la fuerza de todo el pueblo japonés. Es costumbre celebrar la fiesta en primavera, cuando la naturaleza se despierta y complace con su belleza. El día del tango no sekku, los niños son atendidos por sus padres. El padre debe contarle a su hijo sobre todos los guerreros japoneses y sus hazañas. Y su madre le pone la mesa con comida deliciosa.

La flor de cerezo es considerada el fenómeno natural más bello. Muchos turistas vienen aquí solo para disfrutar de la contemplación de una planta con flores. En la primavera, se puede observar una gran multitud de personas en los parques de Japón. Muchas familias van de picnic y observan la belleza del cerezo japonés.

Los arcos se pueden atribuir a las peculiares tradiciones del país. Representan las reglas de las buenas costumbres. No es costumbre que los japoneses se despidan, sino que se inclinan tantas veces como lo hizo el interlocutor.

Samurai representan una cierta clase de la sociedad que se ha desarrollado bajo la influencia de las tradiciones y costumbres. Tiene una conexión directa con la cultura del país. Los samuráis son guerreros que realizan un determinado servicio, que puede ser tanto militar, de seguridad o doméstico. En cualquiera de estos casos, los samuráis personifican la valentía, la masculinidad y la nobleza del pueblo japonés.

El proceso de formación de la cultura del antiguo Japón.

La cultura del antiguo Japón comenzó a desarrollarse con el nacimiento del idioma y la escritura japoneses. La tierra del sol naciente tomó prestada la base para esto de China. La escritura japonesa también contiene jeroglíficos, que un ciudadano extranjero no podrá entender. Con el tiempo, se comenzaron a agregar nuevas palabras, sonidos y frases al idioma japonés. Así que se ha transformado por completo, pero todavía hay características comunes con China.

La religiosidad del país también se origina desde la antigüedad. El sintoísmo fue una consecuencia del desarrollo de varias mitologías. Actualmente, esta enseñanza promueve el culto a los líderes y muertos. El budismo, en cambio, tiene unas raíces tan profundas que las opiniones de científicos e historiadores sobre el surgimiento de este tipo de religión varían mucho.

arte japonés

Casi todos los tipos de arte que se practican en Japón tienen una idea principal: la calma y la relajación. Es precisamente la armonía de una persona consigo misma lo que contiene el arte, independientemente de la forma en que se presente la información. Muchas formas de arte conocidas en todo el mundo comenzaron su desarrollo en Japón. Entre ellos, se puede distinguir el origami: la capacidad de doblar varias formas del papel.

Ikebana se ha convertido en otra parte popular del arte japonés. Esta es una habilidad para formar ramos de flores utilizando una tecnología especial. De aquí surgió una actividad igualmente popular, que recibe el nombre de bonsái. Esta es la creación de una variedad de composiciones de árboles enanos. En Omiya, no muy lejos de Tokio, hay todo un parque de bonsáis. Cada árbol enano presentado aquí es único y hermoso a su manera.

Las pinturas de Japón merecerán un significado especial, ya que cada pintura tiene un significado oculto. Como diseño, por regla general, se utilizan colores brillantes, transiciones contrastantes y líneas claras. Japón también tiene el arte de la caligrafía. Esta es la habilidad de escribir jeroglíficos estéticamente hermosos. El arte aplicado también está muy extendido en Japón. Hay todo un museo en Tokio dedicado a este oficio. Aquí puedes ver productos hechos de papel, vidrio o metal. Y esta no es una lista completa de los materiales utilizados para este propósito.

El estilo japonés de diseño de interiores también merece una atención especial. Incluye funcionalidad y simplicidad, junto con originalidad de desempeño. Además, el diseño de interiores tiene una filosofía religiosa, como cualquier otra forma de arte japonés.

arquitectura japonesa

Las estructuras arquitectónicas en Japón, de una forma u otra, están asociadas con la religión. Los edificios del templo al principio, la mayoría de las veces, estaban desprovistos de flores. Esto se debió al uso de madera sin pintar en la construcción. Más tarde comenzaron a usar tonos rojos y azules.

Se considera que el material principal para los edificios arquitectónicos en Japón es la madera. Esto se debe a que el stock de este recurso en el país es bastante grande. Además del hecho de que el árbol conduce bien el calor y absorbe la humedad, también es práctico durante los terremotos, que ocurren con bastante frecuencia en Japón. Si una casa de piedra es muy difícil de recrear después de la destrucción, una de madera es mucho más fácil.

La característica principal de la arquitectura de Japón es la presencia incluso de formas geométricas. La mayoría de las veces, estos son triángulos y rectángulos. Es casi imposible encontrar la suavidad y la redondez de las líneas en cualquier estructura. El principio fundamental, en base al cual los japoneses equipan sus hogares, es la existencia inseparable del interior de la casa y el exterior. Esto se aplica a los jardines japoneses. Deben estar decorados exactamente con el mismo estilo que la casa misma. De lo contrario, se considera mal gusto y mal gusto completo. Los japoneses prestan especial atención a sus jardines.

música japonesa

En términos de desarrollo musical, Japón miró hacia otros países, usando cualquier instrumento musical. Pero luego los modernizó bajo la influencia de los gustos y tradiciones locales. La primera influencia en la formación de la música clásica en Japón fue el folclore local Dengaku, mezclado con influencias extranjeras y dando lugar a la música que actualmente es familiar en Japón.

El lado religioso del tema también contribuyó al origen musical. Gracias al cristianismo, la interpretación del órgano comenzó a extenderse. Y el budismo promovió tocar la flauta.

En la actualidad, la música clásica ha ganado popularidad en Japón. Muchos miembros de esta célula de creatividad viajan fuera de Japón. Estos incluyen a Goto Midori, Ozawa Seiji y Uchida Mitsuko. Hace relativamente poco tiempo, se abrieron en Japón salas diseñadas para escuchar cómodamente música clásica. Estos incluyen Kiyo Hall, Osaka Symphony Hall, Orchard, etc.

Tradiciones domésticas de Japón

Los japoneses son un pueblo bien educado, observando sus tradiciones y costumbres. El respeto por uno mismo y por los demás en Japón se considera la norma. Desde la infancia, a los niños se les enseñan las normas de los buenos modales, se les explican los valores básicos del pueblo japonés y se los ilustra de todas las formas posibles. Y todo es en beneficio de la sociedad. Cualquier turista que llega al País del Sol Naciente desde otro país se sorprende de lo amables, simpáticos y educados que son los japoneses.

A diferencia de los países europeos, Japón ha tenido durante mucho tiempo la prohibición de fumar en lugares públicos. Esto también se aplica a la propiedad privada. Solo se permite fumar cerca de otras personas si han dado su consentimiento.

Entre otras cosas, los japoneses observan estrictamente todas las reglas de higiene que les dicta la sociedad. Por ejemplo, en cualquier habitación, incluidos los edificios religiosos, hay alfombras especiales de paja. No puedes caminar sobre ellos con zapatos, se consideran no solo una decoración interior, sino también un verdadero sacrilegio. Asimismo, los japoneses decidieron protegerse de posibles bacterias que traen del inodoro a sus pies. En cualquier lugar público y en los apartamentos hay zapatillas especiales para el baño, que no permiten la transferencia de gérmenes nocivos a otras habitaciones.

Comer para los japoneses no se considera un proceso de vida, sino un verdadero culto. Antes de comer, los japoneses siempre se limpian las manos con una toalla especial empapada en agua, que se llama oshibori. La configuración de la mesa no ocurre al azar, sino de acuerdo con un esquema especial. Incluso cada dispositivo tiene su propio lugar. Los japoneses los dividen en machos y hembras, y esto es muy importante para ellos. Las cucharas en Japón se usan solo para comer sopa de ozono, que se prepara para el Año Nuevo, los japoneses prefieren beber otros primeros platos exclusivamente en tazones especiales. Además, relamerse los labios durante una comida no se considera de mala educación. Se cree que de esta manera se revela mejor el sabor del plato.

La relevancia de la buena forma en Japón se demuestra por la presencia de las siguientes reglas:

• Es necesario discutir el lugar y la hora de la reunión con anticipación. Llegar tarde en Japón se considera descarado y más allá de los límites de la decencia.
• No puede interrumpir al interlocutor, debe esperar pacientemente a que la persona hable y luego comenzar a expresar su opinión.
• Si llama al número equivocado, debe disculparse.
• Si alguien acudió en su ayuda, definitivamente debe agradecerle.
• Algunos invitados de los japoneses pueden considerarse honorarios. Para ellos, incluso asignan un lugar especial en la mesa, que, por regla general, es el más extremo desde la entrada a la sala.
• Al dar un regalo a los japoneses, uno debe disculparse por ser humilde a pesar de lo que es. Esas son las reglas, no debes romperlas.
• Sentado a la mesa, los hombres pueden cruzar las piernas, mientras que las mujeres tienen estrictamente prohibido hacerlo. Las piernas deben estar metidas y apuntando en una dirección.

Además, las tradiciones en la vida de Japón incluyen la veneración de personas mayores en edad. No importa cuál sea la profesión, los ingresos, la apariencia o los rasgos de carácter de una persona, si es mayor, entonces debe ser tratado con respeto. La vejez en Japón inspira respeto y orgullo. Esto significa que la persona ha recorrido un largo camino y ahora merece honores.

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La vasta región, conocida convencionalmente como el Lejano Oriente, incluye China, Japón, Corea, Mongolia y el Tíbet, países que tienen una serie de similitudes, pero al mismo tiempo diferencias significativas en la cultura.

Todos los países del Lejano Oriente fueron influenciados por las antiguas civilizaciones de China e India, donde ya en el primer milenio antes de Cristo, surgieron enseñanzas filosóficas y religiosas que sentaron las bases para el concepto de la naturaleza como un Cosmos integral, vivo y espiritualizado. organismo que vive de acuerdo con sus propias leyes. La naturaleza estuvo en el centro de las búsquedas filosóficas y artísticas de todo el período medieval, y sus leyes se consideraban universales, determinando la vida y las relaciones de las personas. Se comparó el mundo interior del hombre con las diversas manifestaciones de la naturaleza. Esto influyó en el desarrollo del método simbólico en las artes visuales, definiendo su lenguaje poético alegórico. En China, Japón y Corea, bajo la influencia de tal actitud hacia la naturaleza, se formaron tipos y géneros de arte, se construyeron conjuntos arquitectónicos estrechamente relacionados con el paisaje circundante, nació el arte de la jardinería paisajística y, finalmente, amaneció la pintura de paisajes. Bajo la influencia de la antigua civilización india, el budismo comenzó a extenderse y el hinduismo también comenzó a extenderse en Mongolia y el Tíbet. Estos sistemas religiosos trajeron no solo nuevas ideas a los países del Lejano Oriente, sino que también tuvieron un impacto directo en el desarrollo del arte. Gracias al budismo, apareció en todos los países de la región un nuevo lenguaje artístico de escultura y pintura hasta ahora desconocido, se crearon conjuntos, cuyo rasgo característico fue la interacción de la arquitectura y las bellas artes.

Las características de la imagen de las deidades budistas en la escultura y la pintura evolucionaron durante muchos siglos como un lenguaje simbólico especial que expresaba ideas sobre el universo, las leyes morales y el destino del hombre. Así, se consolidaron y preservaron la experiencia cultural y las tradiciones espirituales de muchos pueblos. Las imágenes del arte budista encarnaron las ideas de la confrontación entre el bien y el mal, la misericordia, el amor y la esperanza. Todas estas cualidades determinaron la originalidad y el significado universal de las creaciones sobresalientes de la cultura artística del Lejano Oriente.

Japón está ubicado en las islas del Océano Pacífico, que se extiende a lo largo de la costa este del continente asiático de norte a sur. Las islas japonesas están ubicadas en un área propensa a frecuentes terremotos y tifones. Los habitantes de las islas están acostumbrados a estar constantemente en guardia, contentos con una vida modesta, restaurando rápidamente sus hogares y hogares después de los desastres naturales. A pesar de los elementos naturales que amenazan constantemente el bienestar de las personas, la cultura japonesa refleja el deseo de armonía con el mundo exterior, la capacidad de ver la belleza de la naturaleza en grandes y pequeños.

En la mitología japonesa, los esposos divinos, Izanagi e Izanami, eran considerados los ancestros de todo en el mundo. De ellos surgió una tríada de grandes dioses: Amaterasu, la diosa del Sol, Tsukiyomi, la diosa de la Luna y Susanoo, el dios de la tormenta y el viento. Según las ideas de los antiguos japoneses, las deidades no tenían una apariencia visible, sino que estaban encarnadas en la naturaleza misma, no solo en el Sol y la Luna, sino también en montañas y rocas, ríos y cascadas, árboles y pastos, que fueron venerados como espíritus-kami (eslovacos en traducción del japonés significa viento divino). Esta deificación de la naturaleza persistió durante todo el período de la Edad Media y se denominó sintoísta: el camino de los dioses, convirtiéndose en la religión nacional japonesa; Los europeos lo llaman Shinto. Los orígenes de la cultura japonesa tienen sus raíces en la antigüedad. Las primeras obras de arte se remontan al 4º...2º milenio antes de Cristo. El período más largo y fructífero para el arte japonés fue el período de la Edad Media (siglo VI...XIX).

El diseño de una casa tradicional japonesa desarrollado por los siglos XVII-XVIII. Es un marco de madera con tres paredes móviles y una fija. Los muros no cumplen las funciones de soporte, por lo que pueden separarse o incluso retirarse, sirviendo al mismo tiempo de ventana. En la estación cálida, las paredes eran una estructura de celosía, pegada con papel translúcido que dejaba pasar la luz, y en la estación fría y lluviosa se cubrieron o reemplazaron con paneles de madera. Con mucha humedad en el clima japonés, la casa debe ventilarse desde abajo. Por lo tanto, se eleva sobre el nivel del suelo en 60 cm Para proteger los pilares de soporte de la descomposición, se instalaron sobre cimientos de piedra.

El marco de madera liviana tenía la flexibilidad necesaria, lo que redujo la fuerza destructiva del empuje durante los frecuentes terremotos en el país. El techo, de teja o caña, tenía grandes marquesinas que protegían las paredes de papel de la casa de la lluvia y el sol abrasador del verano, pero no retenían la luz del sol en invierno, principios de primavera y finales de otoño. Debajo del dosel del techo había una terraza.

El piso de las salas de estar estaba cubierto con esteras: esteras de tatami, en las que la mayoría se sentaban, no de pie. Por tanto, todas las proporciones de la casa estaban enfocadas a una persona sentada. Como no había muebles permanentes en la casa, dormían en el suelo, sobre colchones gruesos especiales, que se guardaban en los armarios durante el día. Comían, sentados sobre esteras, en mesas bajas, también servían para diversas actividades. Los tabiques internos corredizos, revestidos con papel o seda, podían dividir el local interno según las necesidades, lo que permitía utilizarlo de manera más diversa, sin embargo, era imposible que cada uno de sus habitantes se retirara por completo dentro de la casa, lo que afectaba intramuros. -relaciones familiares en la familia japonesa, y en un sentido más general - sobre las características del carácter nacional de los japoneses. Un detalle importante de la casa es un nicho ubicado cerca de la pared inamovible - tokonama, donde podría colgarse un cuadro o una composición de flores - ikebana podría colocarse. Era el centro espiritual de la casa. En la decoración del nicho se manifestaron las cualidades individuales de los habitantes de la casa, sus gustos e inclinaciones artísticas.

Una continuación de la casa tradicional japonesa era un jardín. Jugó el papel de una cerca y al mismo tiempo conectó la casa con el entorno. Cuando se separaron los muros exteriores de la casa, desapareció el límite entre el espacio interior de la casa y el jardín y se creó una sensación de cercanía con la naturaleza, de comunicación directa con ella. Esta fue una característica importante de la actitud nacional. Sin embargo, las ciudades japonesas crecieron, el tamaño del jardín disminuyó, a menudo fue reemplazado por una pequeña composición simbólica de flores y plantas, que cumplía el mismo papel de contacto entre la vivienda y el mundo natural. mitología japonesa casa ikebana netsuke

El arte de colocar flores en jarrones - ikebbna (la vida de las flores) - se remonta a la antigua costumbre de colocar flores en el altar de una deidad, que se extendió a Japón con el budismo en el siglo VI. La mayoría de las veces, la composición en el estilo de esa época, rikka (flores plantadas), consistía en una rama de pino o ciprés y lotos, rosas, narcisos, instalados en recipientes de bronce antiguos.

Con el desarrollo de la cultura secular en los siglos X-XII, se instalaron arreglos florales en palacios y barrios residenciales de representantes de la clase aristocrática. En la corte imperial, se hicieron populares los concursos especiales de arreglo de ramos de flores. En la segunda mitad del siglo XV apareció una nueva dirección en el arte del ikebana, cuyo fundador fue el maestro Ikenobo Sen'ei. Las obras de la escuela Ikenobo se distinguían por su especial belleza y sofisticación, se instalaban en altares domésticos y se presentaban como obsequios. En el siglo XVI, con la difusión de las ceremonias del té, se formó un tipo especial de ikebana para decorar el nicho tokonoma en el pabellón del té. El requisito de simplicidad, armonía, colores sobrios, presentado a todos los objetos del culto del té, se extendió al diseño de flores: tyabana (ikebana para la ceremonia del té). El famoso maestro del té Senno Rikyu creó un estilo nuevo y más libre: nageire (flores colocadas descuidadamente), aunque fue en el aparente desorden en lo que consistió la especial complejidad y belleza de las imágenes de este estilo. Uno de los tipos de nageire era el llamado tsuribana, cuando las plantas se colocaban en un recipiente suspendido en forma de bote. Tales composiciones se ofrecieron a una persona que asumió el cargo o se graduó de la escuela, ya que simbolizaban "salir al mar abierto de la vida". En los siglos XVII...XIX se generalizó el arte del ikebana y surgió la costumbre de formar obligatoriamente a las niñas en el arte de hacer ramos de flores. Sin embargo, debido a la popularidad de ikebana, las composiciones se simplificaron y las estrictas reglas de stylerikka tuvieron que abandonarse en favor de nageire, de donde surgió otro nuevo estilo de seika o shoka (flores vivas). A finales del siglo XIX, el maestro Ohara Usin creó el estilo moribana, cuya principal innovación fue que las flores se colocaban en amplias vasijas.

En la composición de ikebana, por regla general, hay tres elementos obligatorios, que denotan los tres principios: Cielo, Tierra y Hombre. Se pueden encarnar como una flor, una rama y una hierba. Su correlación entre sí y elementos adicionales crea obras de diferente estilo y contenido. La tarea del artista no es solo crear una composición hermosa, sino también transmitir de la manera más completa sus propios pensamientos sobre la vida de una persona y su lugar en el mundo. Las obras de destacados maestros de ikebana pueden expresar esperanza y tristeza, armonía espiritual y tristeza.

Según la tradición en ikebana, la estación se reproduce necesariamente, y la combinación de plantas forma buenos deseos simbólicos bien conocidos en Japón: pino y rosa - longevidad; peonía y bambú: prosperidad y paz; crisantemo y orquídea - alegría; magnolia - pureza espiritual, etc.

Escultura en miniatura: el netsuke se generalizó en los siglos XVIII y XIX como uno de los tipos de artes y oficios. Su apariencia se debe al hecho de que el traje nacional japonés, el kimono, no tiene bolsillos y todos los artículos pequeños necesarios (pipa, bolsa, botiquín) se sujetan al cinturón con un llavero de contrapeso. Netsuke, por lo tanto, necesariamente tiene un orificio para un cordón, con la ayuda del cual se le une el objeto deseado. Antes se usaban llaveros en forma de palos y botones, pero desde finales del siglo XVIII, maestros de renombre ya han trabajado en la creación de netsuke, poniendo su firma en las obras.

Netsuke es el arte de la clase urbana, de masas y democrática. De acuerdo con las tramas de netsuke, uno puede juzgar las necesidades espirituales, los intereses cotidianos, las costumbres y costumbres de la gente del pueblo. Creían en espíritus y demonios, que a menudo se representaban en esculturas en miniatura. Amaban las estatuillas de los "siete dioses de la felicidad", entre los cuales los más populares eran el dios de la riqueza Daikoku y el dios de la felicidad Fukuroku. Las tramas constantes de netsuke fueron las siguientes: una berenjena agrietada con muchas semillas adentro, un deseo de una gran descendencia masculina, dos patos, un símbolo de felicidad familiar. Una gran cantidad de netsuke están dedicados a temas cotidianos y la vida cotidiana de la ciudad. Estos son actores y magos ambulantes, vendedores ambulantes, mujeres que realizan diversas actividades, monjes errantes, luchadores, incluso los holandeses en su ropa exótica, desde el punto de vista de los japoneses: sombreros de ala ancha, camisolas y pantalones. Distinguidos por la diversidad temática, los netsuke conservaron su función original de llavero, y este propósito dictó a los artesanos una forma compacta sin detalles frágiles que sobresalgan, redondeada, agradable al tacto. La elección del material también está relacionada con esto: no muy pesado, duradero, que consta de una sola pieza. Los materiales más comunes fueron diferentes tipos de madera, marfil, cerámica, laca y metal.

La pintura japonesa es muy diversa no solo en contenido, sino también en forma: se trata de pinturas murales, biombos, volutas verticales y horizontales, ejecutadas sobre seda y papel, hojas de álbumes y abanicos.

Sobre la pintura antigua solo se puede juzgar por referencias en documentos escritos. Las obras destacadas más antiguas que se conservan datan del período Heian (794-1185). Estas son ilustraciones del famoso "El cuento del príncipe Genji" del escritor Murasaki Shikibu. Las ilustraciones se realizaron en varios rollos horizontales y se complementaron con texto. Se atribuyen al pincel del artista Fujiwara Takayoshi (primera mitad del siglo XII).

Un rasgo característico de la cultura de esa época, creado por un círculo bastante estrecho de la clase aristocrática, fue el culto a la belleza, el deseo de encontrar en todas las manifestaciones de la vida material y espiritual su encanto inherente, a veces esquivo y esquivo. La pintura de esa época, más tarde llamada yamato-e (literalmente pintura japonesa), no transmitía una acción, sino un estado de ánimo. Cuando los duros y valientes representantes de la clase militar llegaron al poder, la cultura de la era Heian comenzó a declinar. En la pintura de los rollos, se estableció el principio narrativo: se trata de leyendas sobre milagros llenas de episodios dramáticos, biografías de predicadores de la fe budista, escenas de batallas de guerreros. En los siglos XIV-XV, bajo la influencia de las enseñanzas de la secta Zen, con su especial atención a la naturaleza, comenzó a desarrollarse la pintura de paisaje (inicialmente bajo la influencia de modelos chinos).

Durante un siglo y medio, los artistas japoneses dominaron el sistema artístico chino, convirtiendo la pintura monocromática de paisajes en propiedad del arte nacional. Su máxima floración está asociada al nombre del destacado maestro Toyo Oda (1420...1506), más conocido bajo el seudónimo de Sesshu. En sus paisajes, usando solo los tonos más finos de tinta negra, logró reflejar toda la multicoloridad del mundo natural y sus innumerables estados: la atmósfera saturada de humedad de principios de la primavera, el viento invisible pero sentido y la fría lluvia otoñal, el inmóvil quietud del invierno.

El siglo XVI abre la era de la llamada Baja Edad Media, que duró tres siglos y medio. En este momento, las pinturas murales se generalizaron, decorando los palacios de los gobernantes del país y los grandes señores feudales. Uno de los fundadores de la nueva dirección de la pintura fue el famoso maestro Kano Eitoku, que vivió en la segunda mitad del siglo XVI. El grabado en madera (xilografía), que floreció en los siglos XVIII y XIX, se convirtió en otro tipo de bellas artes de la Edad Media. El grabado, como la pintura de género, se llamaba ukiyo-e (imágenes del mundo cotidiano). Además del artista que creó el dibujo y escribió su nombre en la hoja terminada, el grabado fue creado por un tallador y un impresor. Al principio, el grabado era monofónico, estaba pintado a mano por el propio artista o por el comprador. Luego se inventó la impresión en dos colores, y en 1765 el artista Suzuki Harunobu (1725-1770) utilizó por primera vez la impresión multicolor. Para hacer esto, el tallador colocó un papel de calco con un patrón en un tablero aserrado longitudinal especialmente preparado (de peral, cerezo o boj japonés) y recortó la cantidad requerida de tableros impresos, según el esquema de color del grabado. A veces había más de 30 de ellos. Después de eso, la impresora, eligiendo los tonos correctos, realizó impresiones en papel especial. Su habilidad consistía en lograr una coincidencia exacta de los contornos de cada color, obtenidos de diferentes tablas de madera. Todos los grabados se dividieron en dos grupos: teatral, que representaba a los actores del teatro Kabuki clásico japonés en varios roles, y escritura cotidiana, dedicada a la representación de bellezas y escenas de sus vidas. El maestro más famoso del grabado teatral fue Toshyushay Syaraku, quien representó los rostros de los actores en primer plano, enfatizando las características del papel que desempeñaban, los rasgos característicos de la persona reencarnada como el personaje de la obra: ira, miedo, crueldad, engaño.

Artistas tan destacados como Suzuki Harunobu y Kitagawa Utamaro se hicieron famosos en el grabado de la vida cotidiana. Utamaro fue la creadora de imágenes femeninas que encarnaban el ideal nacional de belleza. Sus heroínas parecen haberse congelado por un momento y ahora continuarán su movimiento suave y elegante. Pero esta pausa es el momento más expresivo cuando la inclinación de la cabeza, el gesto de la mano, la silueta de la figura transmiten los sentimientos que viven.

El grabador más famoso fue el brillante artista Katsushika Hokusai (1776-1849). El trabajo de Hokusai se basa en la cultura pictórica centenaria de Japón. Hokusai realizó más de 30.000 dibujos e ilustró unos 500 libros. Ya con setenta años, Hokusai creó una de las obras más importantes: una serie de "36 vistas de Fuji", que le permite estar a la par de los artistas más destacados del arte mundial. Mostrando el Monte Fuji, el símbolo nacional de Japón, desde diferentes lugares, Hokusai revela por primera vez la imagen de la patria y la imagen del pueblo en su unidad. El artista vio la vida como un solo proceso en toda la diversidad de sus manifestaciones, que van desde los simples sentimientos de una persona, sus actividades diarias y terminando con la naturaleza circundante con sus elementos y belleza. La obra de Hokusai, que absorbió la experiencia secular del arte de su pueblo, es el último apogeo de la cultura artística del Japón medieval, su notable resultado.