Capítulo ocho. el significado del absurdo
A finales del siglo XIX y principios del XX aparece por fin el arte, programado para la incomprensión. “Finalmente”, aunque solo sea porque ahora no tienes que fingir ser un experto para no ser considerado un ignorante. Dejándose llevar por el teatro del absurdo y la "novela nueva", no tiene que echar espuma por la boca para explicarles a sus amigos el significado oculto, el subtexto no obvio, el simbolismo y otros componentes importantes que necesitan análisis y análisis. Que se indignen, que rompan los libros y tiren las páginas como si fueran cartas en una mesa de juego, donde tienes cartas de triunfo escondidas bajo un paño verde. Sabes que el arte no es idéntico a la realidad, no obedece a sus leyes y no está obligado a registrarlo. Por otro lado, cualquier ira justificada hacia él es un cumplido para los creadores, y este es exactamente el efecto que querían. El fundador y teórico del teatro del absurdo, Eugenio Ionesco, habló sobre sus producciones:
“Han pasado siete años desde que se representó mi primera obra en París. Fue un éxito modesto, un escándalo mediocre. Mi segunda obra tuvo un fracaso un poco mayor, un escándalo un poco mayor. Recién en 1952, en relación con "Chairs", los acontecimientos comenzaron a tomar un giro más amplio. Todas las noches había ocho personas en el teatro que estaban muy descontentas con la obra, pero el ruido que provocó fue escuchado por un número significativamente mayor de personas en París, en toda Francia, llegó hasta la misma frontera alemana. Y tras la aparición de mi tercera, cuarta, quinta... octava jugada, el rumor sobre sus fracasos empezó a correr a pasos agigantados. La indignación cruzó el Canal de la Mancha... Pasó a España, a Italia, se extendió a Alemania, se trasladó en barcos a Inglaterra..."
¿Ves arrepentimiento? Ni siquiera existe. Si la imitación de modelos clásicos arrastrándose sobre sus patas traseras no evoca emociones en absoluto, excepto una superioridad perezosa sobre aquellos que no van a la iluminación de culto, entonces la obra The Bald Singer, por ejemplo, evoca emociones diabólicas, es similar. a un ritual mágico.
En la década de 1950, el Teatro del Absurdo entró en escena. El llamado antidrama destruye por completo el teatro clásico, presentando el alogismo de la vida en extremos hilarantes. La exclamación "¡Esto es una completa tontería!" - solo un elogio a la habilidad de Ionesco, Ibson, Vian, Cocteau y otros nuevos dramaturgos.
El teatro del absurdo se basa en el surrealismo (forma) y el existencialismo (contenido): las obras carecen de trama, relaciones causales y moralidad de fábula, que muchos espectadores buscan ferozmente en las representaciones; son francamente absurdos, feos hermosos y escandalosos. El lenguaje no es un medio de comunicación, sino una decoración sin forma: en su contexto, se desarrolla un juego de vida cotidiano, monótono y sin sentido. Los cambios espacio-temporales confunden por completo la huella del significado deseado. No busque las complejidades secretas de los comentarios y las acciones: se confeccionan al azar, como un matrimonio de fábrica.
Ionesco sobre la creación de las obras: “Reescribí concienzudamente frases tomadas de mi manual. Releyéndolos con atención, no aprendí inglés, pero sí verdades asombrosas: que la semana tiene siete días, por ejemplo. Esto es lo que sabía antes. O: "el piso está abajo, el techo está arriba", que también sabía, pero probablemente nunca lo pensé seriamente o tal vez lo olvidé, pero me pareció tan indiscutible como el resto, e igual de cierto ... " .
Sorprender no es un fin en sí mismo, sino un medio para transmitir verdades ya conocidas y trilladas en una nueva forma, en un lenguaje moderno. A pocas personas les gusta la rutina, les reduce los dientes de lo mismo. Muchos acusan al Teatro del Absurdo de vulgaridad (escenas de carácter sexual, blasfemias), crueldad y propaganda de la violencia (peleas hasta la sangre, estética de lo feo), etc. Pero lo inmoral en la vida adquiere un sentido y un valor en el arte, no es lo mismo realidad y ficción que "el techo está arriba, el piso está abajo".
¿De qué trata la obra de teatro "El cantor calvo"?
Este es un intento de hacer la pregunta "¿cuál es el significado de la vida?" sin buscar una respuesta. La monotonía de la vida, multiplicada por la soledad de cada uno de nosotros, lleva a la desesperación a quien encuentra la fuerza y la capacidad para reconocerla. Sí, decían los existencialistas, no tiene sentido, una persona es arrojada al mundo por accidente, pero al mundo no le importa un carajo. No hay ningún propósito, ningún llamado, ningún deber para con el Todopoderoso de portarse bien. Vivimos por el bien del proceso mismo de la vida, saboreamos las pequeñas cosas que son comprensibles, y nada más. De ahí la ausencia total de una trama en las obras: en nuestra vida cotidiana tampoco existe, solo hay objetivos y medios inverosímiles, como una misión en un juego de computadora. Sin embargo, el próximo castillo conquistado o el orco asesinado no harán que el jugador se sienta mejor, se verá envuelto en el proceso de conquista y asesinato. No hay necesidad de disimular: una persona es agresiva y le gustan las peleas, el sexo y la violencia. El Teatro del Absurdo es más honesto que muchas formas de arte.
Sería posible contar la historia, pero no la hay. Busca significado, pero no lo hay. Tira comillas, pero no hay sabiduría demostrativa para los seguidores. Con una estructura dialógica formal, todo lo dicho es un monólogo. Frases dispersas se escuchan en el vacío, nadie las percibe, y están desviadas a ninguna parte, como muchas de nuestras conversaciones. El final es abierto y nadie explica nada. Cortina. Este es un libro tan inútil.
De hecho, todas las obras de este tipo están escritas en el género tragifarce, que se caracteriza por lo grotesco, la parodia, el kitsch y las bromas artísticas. Ionesco exageró la apatía conyugal y la impenetrable vida filistea, parodió la charla sin sentido de los “amigos” (inimaginablemente aburridos unos de otros, pero es costumbre juntarse y estar alegre), se burló de su sofisticación mundana al borde de la estupidez y mostró nuestra conciencia kitsch en todo su esplendor. No hablamos, pero ponemos excusas, no hablamos, pero mantenemos la ilusión de una conversación, nos encanta dormir calentitos y comer cómodamente con una completa sensación de lúgubre seguridad. El pensamiento se vuelve tan primitivo que se hunde en él como la mantequilla, que es mejor en la tienda de comestibles de la esquina. La reflexión dolorosa, como reacción a los trágicos acontecimientos del siglo XX, inspiró a los dramaturgos a expresar vanas expectativas, la alienación inconsciente pero insuperable de las personas entre sí, los intentos cómicos de “vivir como si nada hubiera pasado” después de las guerras mundiales y las convulsiones globales.
No a todos les gusta el Teatro del Absurdo, muchos incluso niegan que esta “pornografía” tenga derecho a ser escenificada. Es difícil de ver, y aún más difícil de jugar. Ionesco atrajo a no profesionales para que participaran en sus producciones, ya que los actores tocaban y no vivían en el escenario. No estaban listos para experimentar, se les enseñó de manera diferente. Pero personas aleatorias sin preparación se comportaron exactamente como la gente del pueblo después de la cena y sus invitados. El motivo de esta actitud es que el autor de El cantor calvo entendía el teatro de forma diferente a sus antecesores:
¿Interesante? Guárdalo en tu pared!El teatro es lo que se muestra en el escenario.
A partir de los años 50 del siglo XX, las obras con una trama sin sentido se representan cada vez más en varios escenarios teatrales, presentando al espectador, al parecer, una combinación de lo incompatible. La llamada teatro del absurdo (o drama del absurdo ) es un teatro de la paradoja, una “tragedia del habla”, un teatro experimental que requiere de la improvisación no solo del actor, sino también del espectador. El teatro del absurdo desafió las tradiciones culturales y, en cierta medida, el orden político y social.
Tres autores franceses y uno irlandés estuvieron en sus orígenes — Eugene Ionesco, Jean Genet, Arthur Adamov y Samuel Beckett.
Queriendo dar un nombre a obras tan inusuales, el crítico inglés Martin Esslin en 1961 introdujo el concepto "teatro del absurdo" . Pero, por ejemplo, Eugene Ionesco consideró que el término "teatro del absurdo" no era muy adecuado, sugirió otro: "el teatro de la burla" . Y la idea de tal género de la obra se le ocurrió mientras estudiaba inglés a partir de un manual de autoaprendizaje. E. Ionesco se sorprendió al encontrar que en las palabras ordinarias hay un abismo de absurdo, por lo que a veces frases ingeniosas y grandilocuentes pierden por completo su significado. El dramaturgo explicó así el propósito de tal obra: “Queríamos llevar al escenario y mostrar al público la propia existencia existencial de una persona en su plenitud, integridad, en su profunda tragedia, su destino, es decir, la conciencia. del absurdo del mundo.”
En efecto, los acontecimientos de cualquier obra de teatro del absurdo están lejos de la realidad y no buscan acercarse a ella. Lo increíble e inimaginable puede manifestarse tanto en los personajes como en los objetos circundantes y los fenómenos que ocurren. El lugar y el momento de la acción en tales obras dramáticas, por regla general, son bastante difíciles de determinar. No hay lógica en las acciones de los personajes, ni en sus palabras.
Resaltemos los rasgos comunes característicos de las obras del teatro del absurdo: material del sitio
- elementos fantásticos conviven con la realidad;
- los géneros dramáticos "puros" están siendo reemplazados por los llamados géneros mixtos que combinan diferentes géneros: tragicomedia, farsa trágica, melodrama cómico, etc.;
- se utilizan elementos de diferentes tipos de arte (pantomima, coro, musical, etc.);
- en contraste con el dinamismo de la acción, que es natural para la escena, a menudo se observa estática. En palabras de E. Ionesco, “la agonía en la que no hay acción real”;
- el discurso de los personajes sufre cambios, que a menudo simplemente no se escuchan y no se ven, pronuncian monólogos "paralelos" al vacío.
El final de la década de 1960 estuvo marcado por el reconocimiento internacional del teatro del absurdo. Uno de sus fundadores, Samuel Beckett, fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1969. Respondiendo a la pregunta " ¿El teatro del absurdo tiene futuro?”, Eugenio Ionesco argumentó que esta dirección vivirá para siempre, porque “el absurdo ha llenado tanto la realidad, esa misma que se llama “realismo real”, que las realidades y los realismos nos parecen tan verdaderos como absurdos, y el absurdo parece ser realidad: mira a tu alrededor".
La influencia del teatro del absurdo en el desarrollo del arte contemporáneo difícilmente puede sobreestimarse: trajo nuevos temas a la literatura mundial, proporcionó a la dramaturgia nuevas técnicas y medios, y contribuyó a la emancipación del teatro moderno en su conjunto.
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Prerrequisitos históricos para el surgimiento del drama del absurdo. El concepto de "Teatro del Absurdo"
El origen del género absurdo en Gran Bretaña tuvo lugar principalmente en la segunda mitad del siglo XX y tuvo un contexto sociocultural e histórico determinado.
A pesar de los efectos devastadores de la Segunda Guerra Mundial, la segunda mitad del siglo XX se convirtió en un período de prosperidad pacífica. El Reino Unido se ha enfrentado cara a cara con la globalización y las necesidades de una sociedad postindustrial. En esta sección, consideraremos los requisitos históricos y sociales para el surgimiento de este género. jugar al stoppard lingüístico absurdo
Con respecto a los cambios en la vida social y cotidiana de las personas, podemos identificar los siguientes requisitos previos:
- 1) "Sociedad de Consumo". La reconstrucción de la posguerra llevó a la economía a una recuperación total. Este fue el comienzo simbólico de la era de la "sociedad de consumo". Sociedades donde los altos salarios y mucho tiempo libre han proporcionado un nivel de vida que el país aún no ha conocido.
- 2) Educación. Uno de los factores importantes de la prosperidad fue el increíble aumento en el nivel de educación entre toda la población. El acceso a la educación superior proporcionó un mayor número de estudiantes y, en consecuencia, un aumento en el número de especialistas con educación superior.
- 3) Cultura juvenil . El conservadurismo inherente a la primera mitad del siglo XX ha dado paso a la tolerancia hacia las diferencias sociales, religiosas y étnicas. El surgimiento de la cultura juvenil tuvo lugar en el contexto de la negación de los principios morales estrictos por parte de la juventud misma, el surgimiento de la libertad de pensamiento y acción. La gente quería una sociedad así, compuesta por individuos libres con puntos de vista independientes, que eligieran una forma de vida alejada de lo que las masas están acostumbradas.
- 4) Flujos de inmigración . El entorno de la posguerra provocó la inmigración de cientos de miles de irlandeses, indios y paquistaníes, que desempeñaron un papel especial en la reconstrucción, aunque se encontraron con un nivel de hostilidad sin precedentes por parte de los británicos. Fue necesario crear leyes especiales, una de las cuales fue la Ley de Relaciones Raciales (1976), que fue de gran ayuda para resolver los conflictos étnicos. Aunque todavía existen ciertos prejuicios raciales hasta el día de hoy, la segunda mitad del siglo XX vio un gran paso hacia la inculcación del respeto y la tolerancia hacia los miembros de varios grupos étnicos. (Brodey y Malgaretti, 2003: 251-253)
En términos económicos, la presión social y el desempleo reinaban en todas partes. Mientras la prosperidad se extendía por toda Europa, un gran número de trabajadores y sus familias entraron en crisis debido a la pérdida de puestos de trabajo. El cierre de minas, automóviles y acerías generó desempleo y malestar social en los años 70 y 80 del siglo XX.
Por ejemplo, en 1984 tuvo lugar la mayor huelga de mineros en la historia de Gran Bretaña. Margaret Thatcher encontró una feroz resistencia por parte de los trabajadores cuando intentó cerrar las minas de carbón. Sin embargo, esto fue solo el comienzo. Los años del gobierno de Thatcher estuvieron marcados por muchos casos similares (huelgas de trabajadores ferroviarios, representantes de servicios públicos, etc.)
Todos los factores anteriores, por supuesto, no podían sino afectar el aspecto cultural de la vida humana. Se necesitaban nuevas formas de expresar la realidad, nuevas formas de transmitir a las personas la filosofía y la complejidad de la vida. La respuesta a esta necesidad fue el surgimiento de muchos géneros modernos de la cultura y la literatura, uno de los cuales fue el teatro del absurdo.
En literatura, desde 1960 Gran Bretaña se ha visto abrumada por una ola de publicaciones de nuevas obras. Muchos de ellos fueron escritos solo por cantidad, muchos han sobrevivido hasta nuestros días como ejemplos de literatura de calidad. Sin embargo, la literatura contemporánea es bastante difícil de categorizar porque, a pesar de todas las diferencias entre géneros y obras, todas están diseñadas para reflejar el caleidoscopio de la existencia moderna. El arte posmoderno se ha extendido a muchas áreas de la vida humana, sin embargo, una cosa está clara: la literatura británica ha abierto nuevos horizontes para los lectores de la vida moderna, a veces expresándola en formas que no son del todo familiares para el lector. (Brodey, Malgaretti 2003)
Mientras la prosa y la poesía se apartaban de los nuevos cánones del siglo XX, el teatro los estudiaba y los utilizaba. El arte teatral tradicional describió las aspiraciones y deseos de la clase alta de la sociedad británica, excluyendo cualquier tipo de experimentación, tanto con el lenguaje como con el proceso de producción. Sin embargo, al mismo tiempo, Europa estaba completamente absorta en el rechazo de la tradición en favor de la novedad y la conceptualidad, encarnando en escena las obras de Eugène Ionesco.
Las obras de teatro de E. Ionesco fueron llamadas absurdas, porque la trama y los diálogos eran muy difíciles de entender, revelando su falta de lógica. Los absurdistas obtuvieron total libertad para usar el lenguaje, jugando con él, involucrando al espectador en la actuación misma. No hubo distracciones innecesarias en forma de escenografía, el espectador estaba completamente absorto en lo que sucedía en el escenario. Incluso la lógica de los diálogos se percibía como un factor que distraía la comprensión del significado y la idea de la obra.
El género absurdo apareció a mediados del siglo XX en Europa occidental como uno de los géneros de la dramaturgia. El mundo en las obras de teatro de este género se presenta como un montón de hechos, palabras, hechos, pensamientos, desprovistos de todo significado.
El término "teatro del absurdo" fue utilizado por primera vez por el famoso crítico de teatro Martin Esslin, quien vio en ciertas obras la encarnación de la idea de la falta de sentido de la vida, como tal.
Esta dirección de arte fue ferozmente criticada, pero, sin embargo, ganó una popularidad sin precedentes después de la Segunda Guerra Mundial, que solo enfatizó la incertidumbre y la inestabilidad de la vida humana. Además, el término en sí también ha sido criticado. Incluso ha habido intentos de redefinirlo como antiteatro.
En la práctica, el teatro del absurdo cuestiona el realismo del ser, las personas, las situaciones, los pensamientos y todas las técnicas teatrales clásicas habituales. Se destruyen las relaciones causales más simples, se desdibujan las categorías de tiempo y espacio. Toda la falta de lógica, el sinsentido y la falta de objetivo de la acción tienen como objetivo crear una atmósfera irreal, tal vez incluso espeluznante.
Francia se convirtió en la cuna del absurdo, aunque sus fundadores fueron el irlandés Samuel Beckett y el rumano Eugene Ionesco, que trabajaban en francés, es decir, en francés. idioma no nativo. Y aunque Ionesco era bilingüe (pasó su infancia en París), fue el sentimiento de una lengua “no nativa” lo que le dio la oportunidad de considerar los fenómenos lingüísticos desde el punto de vista del absurdo, apoyándose en la estructura léxica como la estructura principal de la arquitectura de las obras de teatro. Lo mismo, por supuesto, se aplica a S. Beckett. Un inconveniente notorio, trabajar en un idioma no nativo, se convirtió en una virtud. El lenguaje en las obras de teatro absurdas actúa como un obstáculo para la comunicación, las personas hablan y no se escuchan.
A pesar de la relativa juventud de esta dirección, logró hacerse bastante popular gracias a la lógica de la falta de lógica. Y el absurdo se basa en ideas filosóficas serias y raíces culturales.
En primer lugar, vale la pena mencionar la teoría relativista de la cognición del mundo, una cosmovisión que niega la posibilidad misma de conocer la realidad objetiva.
Además, la formación del absurdo estuvo muy influenciada por el existencialismo, una tendencia filosófica subjetivo-idealista construida sobre el irracionalismo, una cosmovisión trágica, la falta de lógica del mundo que lo rodea y su insubordinación al hombre.
A principios de la década de 1960, el absurdo traspasó las fronteras de Francia y comenzó a extenderse rápidamente por todo el mundo. Sin embargo, en ningún otro lugar apareció el absurdo en su forma más pura. La mayoría de los dramaturgos a los que se puede atribuir esta tendencia no son tan radicales en las técnicas del absurdo. Conservan una actitud trágica y la principal problemática, mostrando el absurdo y la inconsistencia de las situaciones, a menudo se niegan a destruir la trama y la trama, los experimentos léxicos, y sus personajes son concretos e individuales, las situaciones son definidas, muy a menudo aparecen motivos sociales. Su encarnación está en un reflejo realista de la realidad, lo que no puede ser el caso de las obras de teatro de S. Beckett y E. Ionesco.
Sin embargo, lo que es importante, la técnica del absurdo en la década de 1960 recibió un desarrollo inesperado en una nueva dirección del arte visual: la actuación (el nombre original está sucediendo), cuyas obras son acciones del artista que tienen lugar en tiempo real. La actuación no se basa en absoluto en las categorías semánticas e ideológicas del absurdo, sino que utiliza sus técnicas formales: la ausencia de trama, el uso de un ciclo de "imágenes que fluyen libremente", la división de la estructura - léxica, esencial, ideológico, existencial.
Los dramaturgos absurdos a menudo utilizaron no solo el absurdo, sino la realidad en sus manifestaciones reducidas al absurdo. El método de reducir al absurdo es un método cuando se toma como verdad lo que se quiere negar. Tomamos una proposición falsa y la hacemos verdadera con toda nuestra existencia según el método de reducción al absurdo. La paradoja surge sólo como resultado del uso de pruebas circunstanciales. Tomamos un juicio falso (incompleto) y lo hacemos verdadero de acuerdo con el método de reducción al absurdo.
Así, utilizando el método de reducción a una contradicción, el autor implementa la fórmula "que es lo que se requería probar". Aunque el propio lector puede llegar a esta conclusión, aquí todavía no podemos hablar de ninguna forma lógica interna de la obra. Solo existe el punto de vista del personaje, "falso", y el punto de vista del autor, "verdadero", están en oposición directa. El autor hace que el héroe siga su lógica hasta el final. El callejón sin salida lógico al que el escritor conduce a su héroe por el método de la reducción al absurdo está obviamente incluido en la intención del autor. Por lo tanto, consideramos las tramas absurdas como una especie de experimentos mentales (http://ru.wikipedia.org/wiki/).
Pero en otros casos, el autor no se limita a una solución tan simple y formal del problema. El héroe sigue insistiendo por su cuenta, está obsesionado con su idea, no siente que haya traspasado los límites del sentido común. Todo esto le da al argumento de la obra un carácter absurdo. Desplegar una idea en dirección al absurdo es un proceso que no siempre depende de la voluntad del autor y sus intenciones. Ahora el autor debe ir tras su héroe, cuyo punto de vista emerge de una posición estática y adquiere dinamismo. Todo el mundo artístico, toda la estructura de la obra se invierte: la idea misma se convierte en el centro de la obra, lo "falso", que, por así decirlo, le quita el derecho al voto al autor y construye la realidad por sí misma. . La idea organiza el mundo artístico no según las leyes del sentido común, como haría, digamos, el autor, sino según sus propias leyes absurdas. El punto de vista del autor es borroso. En todo caso, no tiene un predominio visible en este particular fragmento del texto, sino cuánto discrepa inicialmente el autor con esta idea “impecable”, cuánto ahora la teme y no cree en ella. Y, por supuesto, el héroe de la obra se encuentra con el autor donde su insensibilidad llega al límite. El héroe está asustado por las consecuencias de sus teorías, o por la teoría misma, que a veces puede llevar muy lejos, entrar en conflicto no solo con la ética, sino también con el sentido común mismo.
La obra absurda más popular de S. Beckett, "Esperando a Godot", es uno de los primeros ejemplos del Teatro del Absurdo, que señalan los críticos. Escrita y representada por primera vez en Francia en 1954, la obra tuvo un impacto extraordinario en los asistentes al teatro gracias a sus reglas nuevas y extrañas. Con un escenario desértico (a excepción de un árbol prácticamente sin hojas, vagabundos con forma de payaso y un lenguaje altamente simbólico), Godot anima a la audiencia a cuestionar todas las reglas antiguas y tratar de encontrar significado en un mundo que no se puede conocer. El corazón de la obra es el tema de la "resistencia" y "vivir el día" para que mañana tengas la fuerza para continuar. Estructuralmente, Godot es básicamente una obra cíclica en dos actos. Comienza con dos vagabundos solitarios que esperan en un camino rural la llegada de cierto hombre llamado Godot, y termina con la posición inicial. Muchos críticos han concluido que el segundo acto es simplemente una repetición del primero. En otras palabras, Vladimir y Estragon pueden estar siempre "esperando a Godot". Nunca sabremos si encontraron una salida a esta situación. Como audiencia, solo podemos verlos repetir las mismas acciones, escucharlos repetir las mismas palabras y aceptar el hecho de que Godot puede o no venir. Al igual que ellos, estamos atrapados en un mundo donde nuestras acciones determinan la existencia. Puede que estemos buscando respuestas o el sentido de la vida, pero lo más probable es que no las encontremos. Por lo tanto, esta obra está estructurada de tal manera que nos hace creer que Godot nunca llegará y que debemos aceptar la incertidumbre que se presenta en nuestra vida diaria. Los dos personajes principales, Vladimir y Estragon, pasan sus días reviviendo el pasado, tratando de encontrar el sentido de su existencia, e incluso considerando el suicidio como una forma de salvación. Sin embargo, como personajes son prototipos absurdos que quedan aislados del público. Esencialmente carecen de personalidad y sus modales de vodevil, especialmente cuando se trata de contemplar el suicidio, hacen que la audiencia se ría en lugar de tomarlo trágicamente. (http://es.wikipedia.org/wiki/)
Para otro representante de este género, E. Ionesco, el absurdo es una herramienta, una forma de pensar, la principal oportunidad para romper la red de indiferencia, que envuelve fuertemente la conciencia del hombre moderno. Lo absurdo es una mirada desde un punto de vista completamente inesperado y una mirada refrescante. Puede conmocionar, sorprender, pero esto es exactamente lo que puede usarse para romper la ceguera y la sordera espirituales, porque esto va en contra de lo habitual.
Las situaciones, personajes y diálogos de sus obras siguen las imágenes y asociaciones de un sueño más que de la realidad cotidiana. El lenguaje, con la ayuda de divertidas paradojas, clichés, refranes y otros juegos de palabras, se libera de los significados y asociaciones habituales. Las obras de E. Ionesco tienen su origen en el teatro de calle, la commedia dell "arte, el payaso de circo. Una técnica típica es un montón de objetos que amenazan con devorar a los actores; las cosas cobran vida y las personas se convierten en objetos inanimados. "Ionesco Circus" es un término muy a menudo aplicado a su dramaturgia temprana. Mientras tanto, reconoció sólo una conexión indirecta de su arte con el surrealismo, más fácilmente con Dada.
Logrando el máximo efecto de influencia, Eugenio Ionesco “ataca” la lógica habitual del pensamiento, lleva al espectador a un estado de éxtasis por la ausencia del desarrollo esperado. Aquí, como si siguiera los preceptos del teatro de calle, exige no sólo la improvisación de los actores, sino también el desconcierto del espectador al observar el desarrollo de lo que sucede dentro y fuera del escenario. Los problemas que alguna vez fueron percibidos como otro experimento no figurativo están comenzando a adquirir las cualidades de relevancia.
Además, esta descripción de la naturaleza y esencia de las obras del género absurdo se refiere completamente a las obras de Tom Stoppard y Daniil Kharms.
El término "teatro del absurdo" fue utilizado por primera vez por el crítico de teatro Martin Esslin ( Martín Esslin), quien escribió un libro con ese título en 1962. Esslin vio en ciertas obras la encarnación artística de la filosofía de Albert Camus sobre la falta de sentido de la vida en su núcleo, que ilustró en su libro El mito de Sísifo. Se cree que el teatro del absurdo tiene sus raíces en la filosofía del dadaísmo, la poesía de la palabra inexistente y el arte de vanguardia -x. A pesar de las duras críticas, el género ganó popularidad después de la Segunda Guerra Mundial, lo que señaló la gran incertidumbre de la vida humana. También se criticó el término introducido, hubo intentos de redefinirlo como "antiteatro" y "nuevo teatro". Según Esslin, el movimiento teatral absurdo se basó en las producciones de cuatro dramaturgos: Eugene Ionesco ( eugenio ionesco), Samuel Beckett ( Samuel Beckett), Jean Genet ( Juan Genet) y Arthur Adamov ( arturo adamov), pero enfatizó que cada uno de estos autores tenía su propia técnica única que iba más allá del término "absurdo". A menudo se distingue el siguiente grupo de escritores: Tom Stoppard ( tom stoppard), Friedrich Dürrenmatt ( Friedrich Dürrenmatt), Fernando Arrabal ( fernando arrabal), Harold Pinter ( Harold pinter), Edward Albee ( Eduardo Albee) y Jean Tardieu ( Juan Tardieu).
El movimiento fue inspirado por Alfred Jarry ( Alfred Jarry), Luigi Pirandello ( Luigi Pirandello), Stanislav Vítkevich ( Stanislaw Witkiewicz), Guillaume Apollinaire ( Guillermo Apollinaire), surrealistas y muchos otros.
El movimiento del "teatro del absurdo" (o "nuevo teatro") aparentemente se originó en París como un fenómeno de vanguardia asociado con pequeños teatros en el Barrio Latino, y después de un tiempo ganó reconocimiento mundial.
En la práctica, el teatro del absurdo niega personajes, situaciones y todos los demás dispositivos teatrales relevantes. El tiempo y el lugar son inciertos y cambiantes, incluso las relaciones causales más simples se destruyen. Intrigas sin sentido, diálogos repetitivos y charlas sin sentido, inconsistencia dramática de acciones: todo está subordinado a un objetivo: crear un estado de ánimo fabuloso, y tal vez incluso terrible.
Nueva York Compañía de Teatro Sin Título No. 61 (Compañía de teatro sin título #61) anunció la creación de un "teatro moderno del absurdo", compuesto por nuevas producciones de este género y arreglos de cuentos clásicos de nuevos directores. Otras iniciativas incluyen Festival de obras de Eugenio Ionesco.
“Las tradiciones del teatro francés del absurdo en el drama ruso existen en un raro ejemplo digno. Puedes mencionar a Mikhail Volokhov. Pero la filosofía del absurdo está ausente en Rusia hasta el día de hoy, por lo que debe crearse.
Teatro del Absurdo en Rusia
Las principales ideas del teatro del absurdo fueron desarrolladas por miembros del grupo OBERIU allá por los años 30 del siglo XX, es decir, varias décadas antes de que apareciera una corriente similar en la literatura europea occidental. En particular, uno de los fundadores del teatro ruso del absurdo fue Alexander Vvedensky, quien escribió las obras "Minin y Pozharsky" (1926), "Dios es posible en todas partes" (1930-1931), "Kupriyanov y Natasha" ( 1931), "Yolka en los Ivanov" (1939), etc. Además, otros OBERIUT trabajaron en un género similar, por ejemplo, Daniil Kharms.
En la dramaturgia de un período posterior (década de 1980), se pueden encontrar elementos del teatro del absurdo en las obras de Lyudmila Petrushevskaya, en la obra de Venedikt Erofeev "Walpurgis Night, or the Commander's Steps" y en otras obras. .
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notas
Literatura
- Martin Esslin, El teatro del absurdo (Eyre & Spottiswoode, 1962)
- Martin Esslin, Drama absurdo (Penguin, 1965)
- E.D. Galtsova, Surrealismo y teatro. A la cuestión de la estética teatral del surrealismo francés (Moscú: RGGU, 2012)
Enlaces
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