Definición de jazz para niños. mensaje de jazz

El jazz es la música del alma, y ​​todavía hay un sinfín de debates sobre la historia del surgimiento de esta dirección musical. Muchos creen que el jazz se originó en Nueva Orleans, alguien piensa que el jazz se interpretó por primera vez en África, discutiendo con ritmos complejos y todo tipo de bailes, pisotones y palmas. Pero te sugiero que conozcas un poco mejor el jazz en vivo, vibrante y en constante cambio.

El origen del jazz se debe a numerosas razones. Su comienzo fue extraordinario, dinámico y los acontecimientos milagrosos contribuyeron a ello en cierta medida. A la vuelta de los siglos XIX y XX, tuvo lugar la formación de la música de jazz, se convirtió en una creación de las culturas de Europa y África, una especie de fusión de las formas y tendencias de los dos continentes.

Generalmente se acepta que el nacimiento del jazz de alguna manera comenzó con la importación de esclavos de África al territorio del Nuevo Mundo. Las personas que fueron llevadas a un lugar a menudo no se entendían entre sí y, según sea necesario, se produjo una combinación de muchas culturas, incluso esto se debió a la fusión de culturas musicales. Así nació el jazz.

América del Sur es considerada el epicentro de la formación de la cultura del jazz, y para ser más precisos, es Nueva Orleans. Posteriormente, las melodías rítmicas del jazz fluyen suavemente hacia otra capital de la música, que se encuentra en el norte: Chicago. Allí, las actuaciones nocturnas tenían una demanda especial, los arreglos increíbles daban especial conmoción a los intérpretes, pero la regla más importante del jazz siempre ha sido la improvisación. El representante destacado de esa época fue el inimitable Louis Armstrong.

Período 1900-1917 en Nueva Orleans, se está desarrollando activamente una dirección de jazz, y también se utiliza el concepto de un músico de "Nueva Orleans", también de la era de los años 20. El siglo XX se conoce comúnmente como la Era del Jazz. Ahora que hemos descubierto dónde y cómo apareció el jazz, vale la pena comprender las características distintivas de esta dirección musical. En primer lugar, el jazz se basa en una polirritmia específica, que se basa en ritmos sincopados. La síncopa es un cambio de énfasis de un tiempo fuerte a uno débil, es decir, una violación deliberada del acento rítmico.

La principal diferencia entre el jazz y otras áreas es también el ritmo, o más bien su ejecución arbitraria. Es esta libertad la que da a los músicos la sensación de una interpretación libre y sin restricciones. En los círculos profesionales, esto se llama swing (inglés-rocking). Todo está respaldado por una gama musical brillante y colorida y, por supuesto, nunca debe olvidarse de la característica principal: la improvisación. Todo esto, combinado con talento y ganas, da como resultado una composición sensual y rítmica llamada jazz.

El desarrollo posterior del jazz no es menos interesante que su origen. Posteriormente, aparecieron nuevas direcciones: swing (década de 1930), bebop (década de 1940), cool jazz, hard pop, soul jazz y jazz funk (década de 1940-1960). En la era del swing, la improvisación colectiva pasó a un segundo plano, solo el solista podía permitirse tal lujo, el resto del músico tenía que adherirse a la composición musical preparada. en la década de 1930 hubo un crecimiento frenético de tales grupos, que más tarde se conocieron como big bands. Se considera que los representantes más destacados de este período son Duke Ellington, Benny Goodman, Glenn Miller.

Diez años después, vuelve a producirse una revolución en la historia del jazz. Vuelven a estar de moda los pequeños grupos, predominantemente compuestos por artistas negros, donde absolutamente todos los participantes podían permitirse la improvisación. Los protagonistas del punto de inflexión fueron Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Los músicos buscaron devolverle al jazz su antigua ligereza y facilidad, alejarse en la medida de lo posible de la comercialización. Los líderes de las grandes bandas llegaron a las pequeñas orquestas que simplemente estaban cansadas de las actuaciones ruidosas y los grandes salones que solo querían disfrutar de la música.

Música 1940-1960 ha sufrido un cambio tremendo. El jazz se dividió en dos grupos. Uno junto a la actuación clásica, el cool jazz es famoso por su moderación y melancolía. Los principales representantes son Chet Baker, Dave Brubeck, Miles Davis. Pero el segundo grupo desarrolló las ideas del bebop, donde las principales eran los ritmos brillantes y agresivos, los solos explosivos y, por supuesto, la improvisación. En este estilo, la parte superior del pedestal la tomaron John Coltrane, Sonny Rollins y Art Blakey.

El punto final en el desarrollo del jazz fue la década de 1950, fue entonces cuando el jazz se fusionó con otros estilos de música. Posteriormente, aparecieron nuevas formas, el jazz se desarrolló en la URSS y la CEI. Destacados representantes rusos fueron Valentin Parnakh, creador de la primera orquesta del país, Oleg Lundstrem, Konstantin Orbelyan y Alexander Varlamov. Ahora, en el mundo moderno, el jazz también se está desarrollando intensamente, los músicos están implementando nuevas formas, probando, combinando y logrando el éxito.

Ahora ya sabes un poco más de música, y en concreto de jazz. El jazz no es música para todos, pero incluso si no eres el mayor fanático de esta dirección, definitivamente vale la pena escucharlo para sumergirte en la historia. Escucha feliz.

victoria lyzhova

Institución educativa presupuestaria municipal de educación adicional para niños.

"Escuela de Artes para Niños No. 3 que lleva el nombre de Vasily Vasilyevich Andreev"

tver

Mensaje metódico sobre el tema:

"Jazz - sus orígenes y desarrollo"

"Jazz"! ¿De dónde viene este nombre resistente y brillante “jazz” y por qué es interesante para nosotros escuchar y tocar música de jazz? disonancias de las que abunda la música jazz. Uno de los intérpretes de jazz, Louis Armstrong, expresó la opinión de muchos amantes del jazz: "En el corazón de esta música hay algo que se puede sentir, pero que no se puede explicar".

Pero tratemos de mirar al pasado lejano, de donde vino el jazz. Y así… Principios del siglo XIX. América ya estaba descubierta, y Europa conocía desde hacía mucho tiempo esta fértil tierra inexplorada. Los países de Europa occidental, Francia, Inglaterra, España y otros, se apoderaron de las tierras de este continente, crearon allí sus colonias y las protegieron con puestos de avanzada. Muchos miles de europeos se trasladaron, como se decía entonces, del Viejo Mundo al Nuevo Mundo, dominaron estas tierras, adquirieron una casa. Se necesitaron muchas manos para trabajar en las enormes plantaciones de caña de azúcar, para trabajar en los astilleros del río Mississippi, en las obras de construcción. Y luego, desde la costa de África occidental hasta el delta del río Mississippi, en las bodegas sucias de los barcos, se llevaron cientos de negros africanos.

En Estados Unidos, se utilizaron en los trabajos más difíciles. A menudo los traían de diferentes tribus, a veces les resultaba difícil incluso comunicarse entre sí. Y tras un duro día de trabajo, en las raras horas de descanso, volcaban en sus canciones el dolor de una posición esclava. Les unía una inclinación natural hacia la música, un sentido especial del ritmo. Se acompañaban golpeando cajas con palos, latas vacías o simplemente aplaudiendo. Al principio era como esa música nativa lejana, el sonido del tom-tom, pero poco a poco se fue borrando el recuerdo de la música africana, como se fue borrando todo lo que habían vivido antes. Los esclavos perdieron no sólo su existencia normal, sus familias, sino también sus dioses, en los que solían creer. Y los misioneros que se movían con los colonos y predicaban el cristianismo empezaron a convertir a los esclavos a la fe cristiana, les enseñaron cantos religiosos. Pero los negros las cantaban a su manera, con un timbre especial, característico de su voz. Era una música especial, rítmica, característica de su naturaleza y temperamento. Estos himnos religiosos, cánticos fueron llamados espiritual-s.

Ahora llegamos a los orígenes del jazz. Por supuesto, nadie grabó entonces estos cantos negros rítmicos con notas. ¿Y quién entre los negros los conocía? Tampoco había fonógrafos. Las melodías pasaron en una forma de improvisación modificada. Sólo el texto no ha cambiado.

1865 Se abolió la esclavitud en América. Pero las desgracias de los negros no terminaron ahí. Fueron separados para residir en los barrios sucios más desfavorables a lo largo de las vías del tren, en lugares pantanosos. Entre el negro y el blanco, como antes, subsistía la relación de lo inferior a lo superior. Está claro que la música de los negros también se desarrolló por separado, en algún lugar por casualidad entró en contacto con la vida de los blancos. Durante este período, floreció el blues de la canción popular negra. Quizás la palabra "blues" proviene de la palabra americana "blue", que significa azul, azul, y este color se considera el color de la melancolía, la melancolía. El blues es una queja, el grito del alma de un negro, pero esta música no es demasiado triste. Al negro no le gusta gemir, sufrir por sus desgracias. El que canta sobre su dolor, lo canta en sus canciones. La letra del blues fue compuesta por los propios intérpretes. Cantaron sobre el trabajo duro, y sobre el amor engañado, sobre la necesidad. Los negros se acompañaban con la guitarra. Al principio eran caseros, adaptaban el cuello y las cuerdas a las viejas cajas de puros. Si podían comprar, compraban guitarras de verdad a los blancos. Establecidoespirituales y blues surge el jazz.

Si los espirituales se cantaban tanto en las iglesias rurales como en las urbanas, y el blues surgía en el campo, entonces el jazz es música orquestal y el jazz solo podía aparecer en una gran ciudad, donde se podían comprar instrumentos europeos reales a los blancos. Y esa ciudad era Nueva Orleans - Nueva Orleans. Los negros tenían sus propias bandas de música. Tales orquestas recorrían las calles, anunciaban bailes y participaban en festivales folclóricos. A veces era más de una orquesta, y entonces comenzaba la competencia. Toda esta música sonaba en ritmos negros característicos, con un sonido de blues disonante inusual, de una manera inusual para los europeos. En una orquesta de jazz, la uniformidad del tempo la establece el grupo rítmico: batería, contrabajo, que toca sólo pizzicato, guitarra y banjo. El baterista es el corazón de la orquesta, él marca la pulsación en vivo, como dicen los jazzistas:« juega con bien ritmo" , inspira a otros músicos que improvisan sobre la marcha, componen, acentúan inesperadamente el ritmo débil - ritmo.

El siglo XX ha llegado. La era del street jazz ha terminado. Muchos músicos de Nueva Orleans comenzaron a abandonar sus hogares en busca de trabajo. Viajaron por el Mississippi a las grandes ciudades de América del Norte. Pasó bastante tiempo antes de que el jazz entrara en escena, pero por ahora tenía un lugar en los barrios negros. A fines del siglo XIX, había tantos músicos negros que las autoridades se vieron obligadas a prohibirles ejercer su profesión en cualquier lugar excepto en clubes nocturnos, cafés al borde de la carretera, salones de baile baratos, que en ese momento estaban abriendo en gran número. Los músicos de jazz formaron bandas de jazz. Dicha orquesta incluía: trompetista, trombonista, clarinetista, banjoista, contrabajista, percusionista y pianista.

Pero antes de que el jazz entrara en escena, fue precedido por la aparición de un género comocakewalk y ragtime. Esta es una música de carácter motor, con un ritmo característico, y está asociada con la aparición en Norteamérica de los clubes nocturnos de entretenimiento -salas de baile- bailando . Y una parte integral de estas instituciones era el piano. Tanto cakewalk como ragtime son música exclusivamente para piano. ¿Qué es característico de esta música? Acentos percusivos en el tiempo débil, acordes imitando el banjo. Ragtime se traduce como “ritmo desgarrado”, aunque entre los estadounidenses ragtime “to rag” significa bromear, bromear. En esa época en América, el piano se convirtió en el instrumento más popular, estaba en todas las familias, los instrumentos se traían de Europa; La música cakewalk y ragtime se extendió por todo el país. El creador del ragtime clásico es un compositor, músico y pianista estadounidense, negro de nacimiento: Scott Joplin. El editor que publicó sus ragtimes los calificó de clásicos porque, por supuesto, superan en valor artístico a la música de aquellos años. Así fue como lo espiritual, el blues y el ragtime se fusionaron en lo que se llama jazz.

La ciudad de Chicago, en el norte de América, es un gran centro industrial. El jazz genuino se ha instalado en el barrio negro de esta ciudad. Aquí estaban las mejores orquestas de jazz. La producción discográfica se está desarrollando en Chicago, y gracias a esto, la música que antes sonaba solo en los clubes nocturnos y salas de baile de América llegó a Europa y ha llegado hasta nuestros días. ¿Cuál es el destino del jazz en nuestro país? En 1922, se organizaron las primeras bandas de jazz en Moscú. El jazz en nuestro país experimentó altibajos, en un momento incluso se consideró música de mal gusto, pero el tiempo pasó, se crearon grandes orquestas, una gran banda. Los compositores crearon arreglos de maravillosas canciones de compositores soviéticos en estilo jazz. Había una orquesta de jazz dirigida por Leonid Utesov, V. Knushevitsky, Oleg Lundstrem, Yu. Saulsky. D. Shostakovich compone una suite de jazz, I. Dunayevsky - jazz rapsodia. En 1938, se creó en Moscú una orquesta estatal de jazz, dirigida por M. Blanter.

Una vez, nuestra gran poetisa A. Akhmatova escribió: "Si supieras de qué basura a veces crecen los poemas". Así que el arte del jazz, que ahora se considera elitista, nació y creció ni siquiera de la "basura". Harbour, disonante, Nueva Orleans generó música rítmica y casi obscena en los barrios negros. Y el hecho de que durante varias décadas este género específico se abriera camino entre los aristócratas es el mérito de, literalmente, unas pocas personas, aunque eran verdaderos maestros: Louis Armstrong, Teddy McCray, Duke Elligton, los intérpretes de jazz vocal Bessie Smith, Ella Fitzgerald, American compositor George Gershwin.

¿Por qué todavía amamos el jazz?

Porque se siente la frescura de las armonías, un exceso de vitalidad, que tan claramente se expresan en él.

Lista de literatura usada

1. Koller J. L. Formación de Jazz. M.: Raduga, 1984.
2. Panasier Yu. La historia del verdadero jazz.2ª ed., - L.: Música, 1979.
3. Batashev A. N. Jazz soviético. M., Música, 1972.

Entender quién es quién en el jazz no es tan fácil. La dirección es comercialmente exitosa y, por lo tanto, a menudo sobre el "único concierto del legendario Vasya Pupkin" gritan desde todas las grietas, y figuras realmente importantes se esconden en las sombras. Bajo la presión de los ganadores del Grammy y la publicidad de la radio Jazz, es fácil perder el enfoque y permanecer indiferente al estilo. Si quieres aprender a entender este tipo de música, e incluso amarla, aprende la regla más importante: no confíes en nadie.

Es necesario emitir juicios sobre nuevos fenómenos con cautela, o como Hugues Panasier, el famoso musicólogo que trazó una línea y calificó todo el jazz después de los años 50, calificándolo de "falso". Al final, resultó estar equivocado, pero esto no afectó la popularidad de su libro, The History of Genuine Jazz.

Es mejor tratar el nuevo fenómeno con sospecha silenciosa, por lo que definitivamente pasará por el suyo: el esnobismo y la adhesión a lo antiguo es una de las características más brillantes de la subcultura.

En las conversaciones sobre jazz, a menudo se menciona a Louis Armstrong y Ella Fitzgerald; parece que no puedes equivocarte aquí. Pero tales comentarios traicionan al neófito. Estas son figuras emblemáticas, y si todavía se puede hablar de Fitzgerald en un contexto adecuado, entonces Armstrong es el Charlie Chaplin del jazz. No hablarás con un cinéfilo de autor sobre Charlie Chaplin, ¿verdad? Y si lo hace, al menos no en primer lugar. Mencionar ambos nombres famosos es posible en ciertos casos, pero si no tiene nada en su bolsillo además de estos dos ases, sosténgalos y espere la situación correcta.

En muchas direcciones hay fenómenos de moda y no muy de moda, pero en la mayor medida esto es característico del jazz. Un hipster maduro, acostumbrado a buscar cosas raras y raras, no entenderá por qué el jazz checo de los años 40 no es interesante. No será posible encontrar algo condicionalmente "inusual" y triunfar con su "profunda erudición" aquí. Para imaginar el estilo en términos generales, se deben enumerar sus principales direcciones desde finales del siglo XIX.

El ragtime y el blues a veces se denominan proto-jazz, y si el primero, al no ser una forma completa desde un punto de vista moderno, es interesante simplemente como un hecho de la historia de la música, entonces el blues sigue siendo relevante.

Ragtime de Scott Joplin

Y aunque los investigadores llaman al estado psicológico de los rusos y una sensación total de desesperanza la razón de tal aumento de amor por el blues en los años 90, en realidad todo puede ser mucho más simple.

Una selección de 100 canciones populares de blues

Boogie-woogie clásico

Al igual que en la cultura europea, los afroamericanos dividieron la música en secular y espiritual, y si el blues pertenecía al primer grupo, entonces espiritual y gospel, al segundo.

Los espirituales son más austeros que los evangelios y los interpreta un coro de fieles, a menudo acompañados de aplausos pares, una característica importante de todos los estilos de jazz y un problema para muchos oyentes europeos que aplauden fuera de lugar. La música del Viejo Mundo a menudo nos hace asentir con ritmos extraños. En el jazz es al revés. Por lo tanto, si no está seguro de sentir estos segundos y cuartos golpes, que son inusuales para un europeo, es mejor abstenerse de aplaudir. O mira cómo lo hacen los propios artistas y luego vuelve a intentarlo.

Escena de la película "12 años de esclavitud" con la interpretación del clásico espiritual

Espiritual contemporáneo por Take 6

Las canciones gospel fueron interpretadas con mayor frecuencia por un cantante, tienen más libertad que las espirituales, por lo que se hicieron populares como género de concierto.

Música gospel clásica interpretada por Mahalia Jackson

Música gospel moderna de la película Joyful Noise

En la década de 1910, tomó forma el jazz tradicional o de Nueva Orleans. La música de la que surgió era interpretada por orquestas callejeras, entonces muy populares. La importancia de los instrumentos aumenta dramáticamente, un evento importante de la época es el surgimiento de bandas de jazz, pequeñas orquestas de 9 a 15 personas. El éxito de las bandas negras motivó a los estadounidenses blancos que crearon las llamadas Dixielands.

El jazz tradicional se asocia con películas sobre gánsteres estadounidenses. Esto se debe al hecho de que su apogeo cayó en los días de la Prohibición y la Gran Depresión. Uno de los representantes más brillantes del estilo es el ya mencionado Louis Armstrong.

Las características distintivas de la banda de jazz tradicional son la posición firme del banjo, la posición principal de la trompeta y la plena participación del clarinete. Los dos últimos instrumentos con el tiempo reemplazarán al saxofón, que se convertirá en el líder permanente de dicha orquesta. Por la naturaleza de la música, el jazz tradicional es más estático.

Jalea Roll Morton Jazz Band

Moderna Dixieland Marshall's Dixieland Jazz Band

¿Qué tiene de malo el jazz y por qué se acostumbra decir que nadie puede tocar esta música?

Se trata de su origen africano. A pesar de que a mediados del siglo XX los blancos habían defendido su derecho a este estilo, todavía se cree ampliamente que los afroamericanos tienen un sentido especial del ritmo que les permite crear una sensación de balanceo, lo que se denomina "swing". (del inglés to swing - "to swing"). Es arriesgado discutir esto: la mayoría de los grandes pianistas blancos desde la década de 1950 hasta nuestros días se han hecho famosos gracias a su dirección o improvisaciones intelectuales que delatan una profunda erudición musical.

Por lo tanto, si en una conversación mencionó a un jugador de jazz blanco, no debe decir algo como "qué bien hace swing".

Y la palabra "swing" en sí misma está demasiado desgastada, es mejor pronunciarla en el último lugar, cuando probablemente sea apropiado.

Cada jazzista debe ser capaz de ejecutar "estándares de jazz" (melodías principales o, en otras palabras, imperecederas), que, sin embargo, se dividen en orquestales y de conjunto. Por ejemplo, In the Mood es más bien una de las primeras.

De humor. Interpretada por la Orquesta de Glenn Miller

Al mismo tiempo, aparecen las famosas obras de George Gershwin, que son consideradas jazz y académicas al mismo tiempo. Se trata de Blues Rhapsody (o Blue Rhapsody), escrita en 1924, y la ópera Porgy and Bess (1935), famosa por su aria Summertime. Antes de Gershwin, compositores como Charles Ives y Antonin Dvorak (sinfonía "From the New World") utilizaron armonías de jazz.

Jorge Gershwin. Porgy and Bess. Aria Verano. Interpretada académicamente por Maria Callas

Jorge Gershwin. Porgy and Bess. Aria Verano. Jazzed por Frank Sinatra

Jorge Gershwin. Porgy and Bess. Aria Verano. Versión rockera. Interpretada por Janis Joplin

Jorge Gershwin. Rapsodia de blues. Interpretada por Leonard Bernstein y su orquesta

Uno de los compositores rusos más famosos, como Gershwin, que escribe en estilo jazz es Nikolai Kapustin. .

Ambos bandos miran con recelo tales experimentos: los músicos de jazz están convencidos de que una obra escrita sin improvisación ya no es jazz “por definición”, y los compositores académicos consideran que los medios expresivos del jazz son demasiado triviales para trabajar con ellos en serio.

Sin embargo, los artistas clásicos tocan Kapustin con placer e incluso intentan improvisar, mientras que sus contrapartes actúan de manera más inteligente, sin invadir el territorio de otra persona. Los pianistas académicos que exhiben sus improvisaciones en público han sido durante mucho tiempo un meme en los círculos de jazz.

Desde la década de 1920, el número de figuras de culto e icónicas en la historia de la dirección ha ido en aumento, y cada vez es más difícil meterse en la cabeza estos numerosos nombres. Sin embargo, algunos pueden ser reconocidos por su característico timbre o forma de ejecución. Una de estas cantantes memorables fue Billie Holiday.

Todo de mí. Interpretada por Billie Holiday

En los años 50 comienza una nueva era, denominada "jazz moderno". El musicólogo Yug Panasier, mencionado anteriormente, se lo negó. Esta dirección se abre con el estilo bebop: su rasgo característico es la alta velocidad y los frecuentes cambios de armonía, y por lo tanto requiere habilidades excepcionales de interpretación, que poseían personalidades tan destacadas como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y John Coltrane.

Bebop fue creado como un género de élite. Cualquier músico de la calle siempre podía venir a una jam session, una noche de improvisaciones, por lo que los pioneros del bebop introdujeron tempos rápidos para deshacerse de los aficionados y los débiles profesionales. Este esnobismo es en parte inherente a los fanáticos de esa música, quienes consideran que su dirección favorita es el pináculo del desarrollo del jazz. Es costumbre tratar al bebop con respeto, incluso si no entiendes nada al respecto.

Pasos gigantes. Interpretada por John Coltrane

Una elegancia especial es admirar la forma escandalosa y deliberadamente grosera de la actuación de Thelonious Monk, quien, según los chismes, interpretó a la perfección obras académicas complejas, pero lo ocultó cuidadosamente.

Medianoche redonda. Interpretado por Thelonious Monk

Por cierto, la discusión de chismes sobre los intérpretes de jazz no se considera vergonzosa; más bien, por el contrario, indica una profunda participación y sugiere una gran experiencia auditiva. Por lo tanto, debes saber que la adicción a las drogas de Miles Davis afectó su comportamiento en el escenario, Frank Sinatra tenía conexiones con la mafia y hay una iglesia que lleva el nombre de John Coltrane en San Francisco.

Mural "Santos Danzantes" de una iglesia en San Francisco.

Junto con el bebop, nació otro estilo en el marco de la misma dirección: buen jazz(cool jazz), que se distingue por un sonido "frío", carácter moderado y ritmo pausado. Uno de sus fundadores fue lester joven, pero también hay muchos músicos blancos en este nicho: Dave Brubeck , bill evans(no confundir con gil evans), Stan Getz y etc.

toma cinco. Interpretado por el Dave Brubeck Ensemble

Si los años 50, a pesar de los reproches de los conservadores, abrieron el camino a los experimentos, en los años 60 se convirtieron en la norma. En este momento, Bill Evans se encuentra grabando dos discos de arreglos de obras clásicas con una orquesta sinfónica, Stan Kenton, representante jazz progresivo, crea orquestaciones ricas, cuya armonía se compara con la de Rachmaninov, y en Brasil existe su propia versión de jazz, completamente diferente de otros estilos: Bossa Nova .

Granados. Arreglo de jazz de la obra "Maja y el ruiseñor" del compositor español Granados. Interpretada por Bill Evans con orquesta sinfónica

Malagueña. Interpretada por la Orquesta de Stan Kenton

Chica de Ipanema. Interpretada por Astrud Gilberto y Stan Getz

Amar a la bossanova es tan fácil como amar minimalismo en la música académica moderna.

Gracias a su sonido discreto y "neutro", el jazz brasileño se ha abierto camino en ascensores y vestíbulos de hoteles como música de fondo, aunque esto no resta valor al estilo como tal. Afirmar que amas la bossa nova solo vale la pena si realmente conoces bastante bien a sus representantes.

Se delineó un giro importante en el estilo orquestal popular: symphojazz. En la década de 1940, el jazz, empolvado de sonido sinfónico académico, se convirtió en un fenómeno de moda y en un estandarte de la media dorada entre dos estilos con un trasfondo completamente diferente.

Suerte ser una dama. Interpretada por Frank Sinatra con Jazz Symphony Orchestra

En la década de 1960, el sonido de la orquesta sinfo-jazz perdió su novedad, lo que llevó a la experimentación con la armonía de Stan Kenton, los arreglos de Bill Evans y los álbumes temáticos de Gil Evans como Sketches of Spain y Miles Ahead.

Bocetos de España. Interpretada por Miles Davis con la Orquesta Gil Evans

Los experimentos en el campo del jazz sinfónico siguen siendo relevantes, los proyectos más interesantes de los últimos años en este nicho son Metropole Orkest, The Сinematic Orchestra y Snarky Puppy.

Respirar. Interpretada por The Cinematic Orchestra

Gretel. Interpretada por Snarky Puppy y Metropole Orkest (Premio Grammy, 2014)

Las tradiciones del bebop y el cool jazz se han fusionado en el hard bop, una versión mejorada del bebop, aunque puede ser difícil distinguir uno del otro de oído. Artistas destacados de este estilo son The Jazz Messengers, Sonny Rollins, Art Blakey y algunos otros músicos que originalmente tocaban bebop.

golpe duro. Interpretada por la Orquesta Jazz Messengers

gimiendo Interpretada por Art Blakey y The Jazz Messengers

Las improvisaciones ricas a un ritmo acelerado requerían ingenio, lo que llevó a búsquedas en el campo. preocuparse. así nacido jazz modal. A menudo se destaca como un estilo independiente, aunque también se encuentran improvisaciones similares en otros géneros. La pieza modal más popular fue "¿Y qué?" Miles Davis.

¿Y qué? Interpretado por Miles Davis

Mientras los brillantes músicos de jazz averiguaban cómo complicar aún más una música ya compleja, los autores e intérpretes ciegos Ray Charles y recorrieron el camino del corazón, combinando jazz, soul, gospel y rythm and blues en su obra.

Yemas de los dedos. Interpretado por Stevie Wonder

¿Qué dije? Interpretado por Ray Charles

Al mismo tiempo, los organistas de jazz se declaran en voz alta, tocando música en el órgano eléctrico Hammond.

jimmy smith

A mediados de los 60 apareció el soul jazz, que combinaba la democratización del soul con la intelectualidad del bebop, pero históricamente se suele asociar a este último, callándose la trascendencia del primero. La figura más popular del soul jazz fue Ramsey Lewis.

La multitud 'de moda'. Interpretado por el Ramsey Lewis Trio

Si desde principios de los años 50 solo se sintió la división del jazz en dos ramas, en los años 70 ya se podía hablar de esto como un hecho irrefutable. El pináculo de la dirección de élite fue

Durante décadas intentaron prohibir, silenciar e ignorar el jazz, intentaron combatirlo, pero el poder de la música resultó ser más fuerte que todos los dogmas. Llegado el siglo XXI, el jazz ha llegado a uno de los puntos más altos de su desarrollo, y no pretende frenarse.

En todo el mundo, 1917 fue en muchos aspectos un punto de inflexión y época. Se están produciendo dos revoluciones en el Imperio Ruso, Woodrow Wilson es reelegido para un segundo mandato en los Estados Unidos y el microbiólogo Felix d'Herelle anuncia el descubrimiento de un bacteriófago. Sin embargo, este año tuvo lugar un evento que también quedará para siempre en los anales de la historia. El 30 de enero de 1917 se grabó el primer disco de jazz en el estudio de Victor en Nueva York. Se trataba de dos piezas, "Livery Stable Blues" y "Dixie Jazz Band one Step", interpretadas por la Original Dixieland Jazz Band, un conjunto de músicos blancos. El mayor de los músicos, el trompetista Nick LaRocca, tenía 28 años, el más joven, el baterista Tony Sbarbaro, tenía 20 años. Los nativos de Nueva Orleans, por supuesto, escuchaban "música negra", la amaban y querían apasionadamente tocar jazz con su propia interpretación. Muy pronto después de grabar el disco, la Original Dixieland Jazz Band consiguió un contrato en prestigiosos y caros restaurantes.

¿Cómo eran los primeros discos de jazz? Un disco de gramófono es un disco delgado hecho presionando o moldeando plástico de varias composiciones, en cuya superficie se talla en espiral un surco especial con grabación de sonido. El sonido del disco se reprodujo por medio de dispositivos técnicos especiales: un gramófono, un gramófono, un electrófono. Este método de grabación de sonido era la única forma de "perpetuar" el jazz, ya que es casi imposible transmitir con precisión todos los detalles de la improvisación musical en notación musical. Por esta razón, los expertos en música en el curso de la discusión de varias piezas de jazz, en primer lugar, se refieren al número del disco en el que se grabó esta o aquella pieza.

Cinco años después del debut de la Dixieland Jazz Band original, los músicos negros comenzaron a grabar en el estudio. Entre los primeros que se grabaron estaban los conjuntos de Joe King Oliver y Jelly Roll Morton. Sin embargo, todas las grabaciones de jazzmen negros se lanzaron en los Estados Unidos como parte de una "serie racial" especial que se distribuyó en esos años solo entre la población estadounidense negra. Los registros, publicados en la "serie racial", existieron hasta los años 40 del siglo XX. Además de jazz, también grabaron blues y espirituales, las canciones corales espirituales de los afroamericanos.

Los primeros discos de jazz tenían 25 cm de diámetro a 78 rpm y se grababan acústicamente. Sin embargo, desde mediados de la década de 1920 En el siglo XX, la grabación se hacía de forma electromecánica, lo que contribuyó a aumentar la calidad del sonido. A esto le siguió el lanzamiento de discos con un diámetro de 30 cm en los años 40. dichos discos fueron producidos en masa por varios sellos discográficos que decidieron lanzar composiciones antiguas y nuevas interpretadas por Louis Armstrong, Count Basie, Sidney Bechet, Art Tatum, Jack Teagarden, Thomas Fets Waller, Lionel Hampton, Colman Hawkins, Roy Eldridge. y muchos otros

Dichos discos fonográficos tenían una marca de etiqueta especial: "V-disc" (abreviatura de "Victory disc") y estaban destinados a los soldados estadounidenses que participaron en la Segunda Guerra Mundial. Estos lanzamientos no estaban destinados a la venta y, por regla general, los músicos de jazz transfirieron todas sus tarifas al Victory Fund en la Segunda Guerra Mundial.

Ya en 1948, Columbia Records lanzó el primer disco de larga duración (el llamado "longplay", LP) en el mercado discográfico con una disposición más densa de ritmos sonoros. El disco tenía 25 cm de diámetro y giraba a 33 1/3 rpm. El LP ya contenía hasta 10 reproducciones.

Después de Columbia, la producción de sus propias obras de teatro largas en 1949 fue establecida por representantes de RCA Victor. Sus discos eran de 17,5 cm de diámetro con una velocidad de rotación de 45 revoluciones por minuto, y posteriormente comenzaron a producirse discos similares ya con una velocidad de rotación de 33 1/3 revoluciones por minuto. En 1956, comenzó el lanzamiento de LP con un diámetro de 30 cm, se colocaron 12 piezas en dos lados de dichos discos y el tiempo de reproducción aumentó a 50 minutos. Dos años más tarde, los discos estéreo con grabación de dos canales comenzaron a desplazar a los monofónicos. Los fabricantes también intentaron introducir discos de 16 rpm en el mercado de la música, pero estos intentos fracasaron.

Después de eso, durante muchos años, la innovación en la producción de discos se secó, pero ya a finales de los años 60. Se presentaron discos cuadrafónicos con un sistema de grabación de cuatro canales a los amantes de la música.

La producción de LP dio un gran salto al jazz como música y sirvió al desarrollo de esta música, en particular, al surgimiento de formas más amplias de composición. Durante muchos años, la duración de una obra no superaba los tres minutos: estas eran las condiciones para la grabación de sonido en un disco de gramófono estándar. Al mismo tiempo, incluso con el desarrollo del progreso en el lanzamiento de discos, la duración de las piezas de jazz no aumentó de inmediato: en los años 50. Los LP se realizaron principalmente sobre la base de las matrices de publicaciones de años anteriores. Casi al mismo tiempo, se lanzaron discos con grabaciones de Scott Joplin y otros artistas famosos de ragtime, que se grabaron a fines del siglo XIX y principios del XX. sobre cilindros de cartón perforado para un piano mecánico, así como sobre cilindros de cera para un gramófono.

Con el tiempo, los discos de larga duración comenzaron a utilizarse para grabar obras de mayor formato y conciertos en directo. También se ha generalizado la edición de álbumes a partir de dos o tres discos, o antologías y discografías especiales de uno u otro artista.

Pero ¿qué pasa con el jazz en sí? Durante muchos años fue considerada "la música de una raza inferior". En los EE. UU., se consideraba la música de los negros, indigna de la alta sociedad estadounidense, en la Alemania nazi, tocar y escuchar jazz significaba ser "un director de la cacofonía negro-judía", y en la URSS - "apologista de la burguesía". modo de vida" y "agente del imperialismo mundial".

Un rasgo característico del jazz es que esta música se ha abierto camino hacia el éxito y el reconocimiento durante décadas. Si los músicos de todos los demás estilos pudieran desde el comienzo de su carrera esforzarse por tocar en los lugares y estadios más grandes, y había muchos ejemplos para ellos, entonces los jazzistas solo podrían contar con tocar en restaurantes y clubes, sin siquiera soñar con grandes lugares. .

El jazz como estilo se originó hace más de un siglo en las plantaciones de algodón. Fue allí donde los trabajadores negros entonaron sus canciones, fusionadas con cantos protestantes, himnos corales espirituales africanos "espirituales", y canciones seculares, ásperas y pecaminosas, casi "criminales", blues, muy extendido en los sucios comedores de carretera, donde el pie de un blanco Americano no daría un paso. El logro supremo de este "cóctel" fueron las bandas de música, que sonaban como si niños afroamericanos descalzos recogieran instrumentos fuera de servicio y comenzaran a tocar todo tipo de cosas.

Los años 20 del siglo XX se convirtieron en la "Era del Jazz", así los llamó el escritor Francis Scott Fitzgerald. La mayoría de los trabajadores negros se concentraron en la capital criminal de los Estados Unidos de esos años: Kansas City. La difusión del jazz en esta ciudad se vio facilitada por un gran número de restaurantes y fondas donde a los mafiosos les gustaba pasar el tiempo. La ciudad ha creado un estilo particular, el estilo de las big bands tocando blues rápido. Durante estos años, nació en Kansas City un niño negro llamado Charlie Parker: fue él quien, más de dos décadas después, se convertiría en un reformador del jazz. En Kansas City, pasó por delante de los lugares donde se celebraban conciertos y absorbió literalmente fragmentos de la música que amaba.

A pesar de la gran popularidad del jazz en Nueva Orleans y su amplia distribución en Kansas City, un gran número de jazzistas seguían prefiriendo Chicago y Nueva York. Dos ciudades de la costa este de los Estados Unidos se convirtieron en los puntos más importantes de concentración y desarrollo del jazz. La estrella de ambas ciudades fue el joven trompetista y vocalista Louis Armstrong, sucesor del más grande trompetista de Nueva Orleans, King Oliver. En 1924, otro nativo de Nueva Orleans llegó a Chicago: la pianista y cantante Jelly Roll Morton. El joven músico no era modesto y audazmente declaró a todos que él era el creador del jazz. Y ya a la edad de 28 años, se mudó a Nueva York, donde justo en ese momento estaba ganando popularidad la orquesta del joven pianista de Washington Duke Ellington, que ya estaba desplazando a la orquesta de Fletcher Henderson de los rayos de la gloria.

Una ola de popularidad de la "música negra" irrumpe en Europa. Y si el jazz se escuchaba en París incluso antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial, y no en "tabernas", sino en salones aristocráticos y salas de conciertos, entonces, en los años 20, Londres se rindió. A los jazzistas negros les encantaba viajar a la capital británica, especialmente teniendo en cuenta el hecho de que allí, a diferencia de los Estados Unidos, fueron tratados con respeto y humanidad y detrás de escena, y no solo en eso.

Es de destacar que el poeta, traductor, bailarín y coreógrafo Valentin Parnakh se convirtió en el organizador del primer concierto de jazz en Moscú en 1922, y 6 años después, la popularidad de esta música llegó a San Petersburgo.

El comienzo de los años 30 del siglo XX estuvo marcado por una nueva era: la era de las grandes bandas, las grandes orquestas y un nuevo estilo comenzó a retumbar en las pistas de baile: el swing. La orquesta de Duke Ellinton pudo superar en popularidad a sus colegas de la orquesta de Fletcher Henderson con la ayuda de movimientos musicales no estándar. La improvisación simultánea colectiva, que se ha convertido en un sello distintivo de la escuela de jazz de Nueva Orleans, se está convirtiendo en una cosa del pasado y, en cambio, las partituras complejas, las frases rítmicas con repeticiones y los pases de lista de los grupos de orquesta están ganando popularidad. Como parte de la orquesta, va en aumento el papel del arreglista, quien escribe orquestaciones que se han convertido en la clave del éxito de todo el equipo. Al mismo tiempo, el solista-improvisador sigue siendo el líder de la orquesta, sin la cual incluso un equipo con orquestaciones perfectas pasará desapercibido. Al mismo tiempo, de ahora en adelante, el solista observa estrictamente el número de "cuadrados" en la música, mientras que el resto lo sostiene de acuerdo con el arreglo escrito. La popularidad de la orquesta de Duke Ellington se debió no solo a las soluciones no estándar en los arreglos, sino también a la composición de primera clase de la propia orquesta: los trompetistas Bubber Miley, Rex Stewart, Cootie Williams, el clarinetista Barney Bigard, los saxofonistas Johnny Hodges y Ben Webster, el contrabajista Jimmy Blanton conocía su negocio como ningún otro. Otras orquestas de jazz también demostraron trabajo en equipo en este asunto: el saxofonista Lester Young y el trompetista Buck Clayton tocaron en Count Basie, y la columna vertebral de la orquesta fue la sección rítmica "más swing del mundo": el pianista Basie, el contrabajista Walter Page, el baterista Joe Jones y guitarrista Freddie Green.

La orquesta del clarinetista Benny Goodman, formada íntegramente por músicos blancos, gana una popularidad abrumadora a mediados de los años 30, y en la segunda mitad de los 30 asesta un golpe demoledor a todas las restricciones raciales en el jazz: en el escenario del Carnegie Hall en una orquesta dirigida por ¡Goodman al mismo tiempo que actuaron músicos en blanco y negro! Ahora bien, por supuesto, tal evento no es nuevo para un amante de la música sofisticada, pero en esos años, la actuación de blancos (el clarinetista Goodman y el baterista Gene Krupa) y negros (el pianista Teddy Wilson y el vibrafonista Lionel Hampton) rompieron literalmente todos los patrones. a jirones.

A finales de los años 30, la orquesta blanca de Glenn Miller ganó popularidad. Los espectadores y oyentes inmediatamente llamaron la atención sobre el característico "sonido de cristal" y los arreglos elaborados magistralmente, pero al mismo tiempo afirmaron que había un mínimo de espíritu de jazz en la música de la orquesta. Durante la Segunda Guerra Mundial, la "era del swing" terminó: la creatividad pasó a las sombras, y el "entretenimiento" brilló en el escenario, y la música en sí se convirtió en una masa de consumo que no requería adornos especiales. Junto con la guerra, el desánimo llegó al campo de los jazzistas: les parecía que su música favorita se movía suavemente hacia el ocaso de la existencia.

Sin embargo, los inicios de una nueva revolución del jazz se sembraron en una de las ciudades nativas de este estilo de música: Nueva York. Jóvenes músicos, en su mayoría negros, incapaces de soportar el declive de su música en las orquestas de los clubes oficiales, luego de los conciertos a altas horas de la noche, se reunían en sus propios clubes de la calle 52. La meca para todos ellos era el club Milton Playhouse. Fue en estos clubes de Nueva York donde los jóvenes jazzistas hicieron algo inimaginable y radicalmente nuevo: improvisaron tanto como les fue posible con acordes simples de blues, construyéndolos en una secuencia aparentemente completamente inapropiada, dándoles la vuelta y reorganizándolos, tocando extremadamente complejos y largos. melodías que comenzaban justo en la mitad del compás y terminaban allí. Milton Playhouse en esos años tenía muchos visitantes: todos querían ver y escuchar a la extravagante bestia, adornada e inimaginablemente nacida en el escenario. En un esfuerzo por eliminar a las personas profanas aleatorias que a menudo les gusta subir al escenario e improvisar con los músicos, los jazzistas comenzaron a tomar un ritmo alto en las composiciones, a veces acelerándolas a velocidades increíbles que solo los profesionales podían manejar.

Así nació el estilo revolucionario del jazz, el be-bop. El saxofonista alto Charlie Parker, criado en Kansas City, el trompetista John Berks Gillespie, apodado "Dizzy" ("Dizzy"), el guitarrista Charlie Christian (uno de los padres fundadores del lenguaje armónico), los bateristas Kenny Clarke y Max Roach: estos nombres son para siempre. inscrito con letras de oro en la historia del jazz y, en concreto, del be-bop. La base rítmica de los tambores en be-bop se transfirió a los platos, aparecieron atributos externos especiales de los músicos y la mayoría de estos conciertos se llevaron a cabo en pequeños clubes cerrados; así es como se puede describir la creación musical de la banda. Y por encima de todo este aparente caos, se alzaba el saxofón de Parker: no había nadie igual a él en nivel, técnica y habilidad. No es de extrañar que el temperamento del músico simplemente quemara a su maestro: Parker murió en 1955, "quemado" por tocar el saxofón constantemente y a alta velocidad, el alcohol y las drogas.

Fue la creación del be-bop la que no solo dio impulso al desarrollo del jazz, sino que también se convirtió en el punto de partida a partir del cual se inició la ramificación del jazz como tal. El be-bop tomó la dirección del underground - locales pequeños, oyentes selectos y devotos, y también interesados ​​en las raíces de la música en general, mientras que la segunda rama representó el jazz en el ámbito del sistema de consumo - así fue el pop jazz nacido, que existe hasta el día de hoy. Entonces, a lo largo de los años, estrellas de la música como Frank Sinatra, Sting, Kathy Melua, Zaz, Amy Winehouse, Kenny G, Norah Jones y otros utilizaron elementos del pop jazz.

En cuanto a la rama menos popular del jazz, el hard bop siguió al be-bop. En este estilo, se apostó por el blues, comienzo extático. El desarrollo del hard bop estuvo influenciado por la interpretación del saxofonista Sonny Rollins, el pianista Horace Silver, el trompetista Clifford Brown y el baterista Art Blakey. Por cierto, la banda de Blakey llamada The Jazz Messengers se convirtió en una fragua de personal de jazz en todo el mundo hasta la muerte del músico en 1990. Al mismo tiempo, se estaban desarrollando otros estilos propios en los Estados Unidos: el cool jazz, común en la costa este, se ganó el corazón de los oyentes, y el oeste pudo oponer el estilo de la costa oeste a sus vecinos. Miembro de la Parker Orchestra, el trompetista negro Miles Davis, junto con el arreglista Gil Evans, crearon cool jazz ("cool jazz") utilizando nuevas armonías en be-bop. El énfasis se desplazó de los altos tempos de la música a la complejidad de los arreglos. Al mismo tiempo, el saxofonista barítono blanco Gerry Mulligan y su conjunto apostaban por otros acentos del cool jazz, por ejemplo, en la improvisación colectiva simultánea que venía de la escuela de Nueva Orleans. La costa oeste, con los saxofonistas blancos Stan Getz y Zoot Sims tocando en la costa oeste ("costa oeste"), presentó una imagen diferente del be-bop, creando un sonido más ligero que el de Charlie Parker. Y el pianista John Lewis se convirtió en el fundador del Modern Jazz Quartet, que básicamente no tocaba en clubes, tratando de dar al jazz una forma de concierto, amplia y seria. Aproximadamente lo mismo, por cierto, fue logrado por el cuarteto del pianista Dave Brubeck.

Así, el jazz comenzó a tomar su propia forma: las composiciones y las partes solistas de los jazzistas se hicieron más largas. Al mismo tiempo, apareció una tendencia en el hard bop y el cool jazz: una pieza duraba de siete a diez minutos y un solo: cinco, seis, ocho "cuadrados". Paralelamente, el estilo en sí se enriqueció con diversas culturas, especialmente latinoamericanas.

A fines de la década de 1950, una nueva reforma cayó sobre el jazz, esta vez en el campo del lenguaje armónico. El innovador en esta parte fue nuevamente Miles Davis, quien lanzó su famosa grabación "Kind of Blue" en 1959. Las claves tradicionales y las progresiones de acordes han cambiado, los músicos no podían dejar dos acordes por varios minutos, pero al mismo tiempo demostraron el desarrollo del pensamiento musical de tal manera que el oyente ni siquiera notaba la monotonía. El saxofonista tenor de Davis, John Coltrane, también se convirtió en un símbolo de la reforma. La técnica de interpretación y el pensamiento musical de Coltrane, demostrados en grabaciones a principios de los 60, son insuperables hasta el día de hoy. El saxofonista alto Ornette Coleman, quien creó el estilo de free jazz ("free jazz"), también se convirtió en un símbolo del cambio de los años 50 y 60 en el jazz. La armonía y el ritmo en este estilo prácticamente no se respetan, y los músicos siguen cualquier melodía, incluso la más absurda. En términos armónicos, el free jazz se convirtió en la cúspide; luego hubo ruido y cacofonía absolutos, o silencio total. Un límite tan absoluto convirtió a Ornette Coleman en un genio de la música en general y del jazz en particular. Quizás solo el músico de vanguardia John Zorn estuvo más cerca de él en su trabajo.

Los años 60 tampoco se convirtieron en la era de la popularidad incondicional del jazz. La música rock pasó a primer plano, cuyos representantes experimentaron de buena gana con técnicas de grabación, sonoridad, electrónica, distorsión del sonido, vanguardia académica, técnicas de interpretación. Según la leyenda, en ese momento nació la idea de una grabación conjunta del virtuoso guitarrista Jimi Hendrix y el legendario jazzista John Coltrane. Sin embargo, ya en 1967 murió Coltrane, y un par de años después murió Hendrix, y esta idea quedó en la leyenda. Miles Davis también tuvo éxito en este género: a finales de los años 60, pudo cruzar con bastante éxito la música rock y el jazz, creando un estilo jazz-rock, cuyos principales representantes en su juventud tocaron principalmente en la banda de Davis: los tecladistas Herbie Hancock. y Chick Corea, el guitarrista John McLaughlin, el baterista Tony Williams. Al mismo tiempo, el jazz-rock, también conocido como fusión, pudo dar a luz a sus propios representantes destacados individuales: el bajista Jaco Pastorius, el guitarrista Pat Metheny, el guitarrista Ralph Towner. Sin embargo, la popularidad de la fusión, que surgió a finales de los 60 y ganó popularidad en los 70, decayó rápidamente, y hoy en día este estilo es un producto completamente comercial, convirtiéndose en smooth jazz ("smoothed jazz") - música de fondo en la que los ritmos y las líneas melódicas dieron paso a las improvisaciones. El smooth jazz está representado por George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman y otros.

En los años 70, el world jazz ("música del mundo") ocupó un nicho separado, una fusión especial obtenida como resultado de la fusión de la llamada "worldmusic" (música étnica, principalmente de los países del Tercer Mundo) y jazz Es característico que en este estilo se puso el énfasis por igual tanto en la vieja escuela de jazz como en la estructura étnica. Por ejemplo, los motivos de la música folclórica de América Latina (solo se improvisó el solo, el acompañamiento y la composición se mantuvo igual que en la música étnica), motivos de Oriente Medio (Dizzy Gillespie, los cuartetos y quintetos de Keith Jarrett), motivos de la música india (John McLaughlin) saltó a la fama, Bulgaria (Don Ellis) y Trinidad (Andy Narrell).

Si los años 60 se convirtieron en la era de mezclar el jazz con el rock y la música étnica, en los años 70 y 80 los músicos decidieron nuevamente comenzar a experimentar. El funk moderno tiene sus raíces en este período, con acompañantes que tocan música funk y soul pop negro, mientras que las extensas improvisaciones en solitario son más creativas y jazzísticas. Destacados representantes de este estilo fueron Grover Washington Jr., miembros de The Crusaders Felder Wilton y Joe Semple. Posteriormente, todas las innovaciones dieron como resultado una gama más amplia de jazz funk, cuyos representantes más brillantes fueron Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet, Solsonics.

Además, el acid jazz ("acid jazz") comenzó a aparecer gradualmente en el escenario, que se caracteriza por la ligereza y el "baile". Un rasgo característico de las actuaciones de los músicos es el acompañamiento de muestras extraídas de urracas de vinilo. El omnipresente Miles Davis se convirtió nuevamente en el pionero del acid jazz, y Derek Bailey comenzó a representar el ala más radical del plan de vanguardia. En los Estados Unidos, el término "jazz ácido" prácticamente no tiene popularidad: allí esa música se llama groove jazz y club jazz. El pico de popularidad del acid jazz llegó en la primera mitad de los 90, y en el "cero" la popularidad del estilo comenzó a declinar: el new jazz vino a reemplazar al acid jazz.

En cuanto a la URSS, se considera que la orquesta de Moscú del pianista y compositor Alexander Tsfasman es el primer conjunto de jazz profesional en actuar en la radio y grabar un disco. Antes de él, las bandas de jazz jóvenes se centraron principalmente en la interpretación de la música de baile de esos años: foxtrot, Charleston. Gracias al conjunto de Leningrado dirigido por el actor y cantante Leonid Utyosov y el trompetista Ya. B. Skomorovsky, el jazz ingresó a los principales lugares de la URSS ya en los años 30. La comedia "Merry Fellows" con la participación de Utyosov, filmada en 1934 y que habla sobre un joven músico de jazz, tenía una banda sonora correspondiente de Isaac Dunayevsky. Utyosov y Skomorovsky crearon un estilo especial llamado tea-jazz ("jazz teatral"). Eddie Rosner, que se mudó de Europa a la Unión Soviética y se convirtió en un divulgador del swing, junto con las bandas de Moscú de los años 30 y 40, contribuyó al desarrollo del jazz en la URSS. bajo el liderazgo de Alexander Tsfasman y Alexander Varlamov.

El propio gobierno de la URSS era bastante ambiguo sobre el jazz. No hubo una prohibición oficial sobre la interpretación de canciones de jazz y la distribución de discos de jazz, sin embargo, hubo críticas a este estilo de música a la luz del rechazo de la ideología occidental en general. Ya en los años 40, el jazz tuvo que pasar a la clandestinidad debido a la persecución que había comenzado, pero ya a principios de los 60, con la llegada del “deshielo” de Jruschov, volvieron a salir los jazzmen. Sin embargo, la crítica al jazz no se detuvo ni entonces. Así, las orquestas de Eddie Rozner y Oleg Lundstrem reanudaron sus actividades. También aparecieron nuevas composiciones, entre las que destacaron las orquestas de Joseph Weinstein (Leningrado) y Vadim Ludvikovsky (Moscú), así como la Riga Variety Orchestra (REO). También suben al escenario arreglistas talentosos e improvisadores solistas: Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Se está desarrollando el jazz de cámara y de club, cuyos adherentes son Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril y Leonid Chizhik. La meca del jazz soviético y luego ruso fue el club Blue Bird, que existió desde 1964 hasta 2009 y crió a músicos como los hermanos Alexander y Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko y otros.

En el "cero" el jazz encontró un nuevo aliento, y la rápida expansión de Internet sirvió como un ímpetu colosal no solo para las grabaciones comercialmente exitosas, sino también para los artistas clandestinos. Hoy cualquiera puede ir a los conciertos del loco experimentador John Zorn y de la "aireada" cantante de jazz-pop Cathy Malua, un residente de Rusia puede estar orgulloso de Igor Butman, y un cubano puede estar orgulloso de Arturo Sandoval. En la radio aparecen decenas de emisoras que transmiten jazz en todas sus formas. Sin duda, el siglo XXI ha puesto cada cosa en su sitio y ha dado al jazz el lugar que le corresponde, en un pedestal, junto a otros estilos clásicos.

El jazz es una dirección musical que comenzó a finales del siglo XIX y principios del XX en los Estados Unidos. Su surgimiento es el resultado del entrecruzamiento de dos culturas: africana y europea. Esta tendencia combinará los espirituales (cánticos de la iglesia) de los negros estadounidenses, los ritmos populares africanos y la melodía armoniosa europea. Sus rasgos característicos son: ritmo flexible basado en el principio de la síncopa, uso de instrumentos de percusión, improvisación, forma expresiva de ejecución, distinguida por la tensión sonora y dinámica, llegando a veces al éxtasis. Inicialmente, el jazz era una combinación de ragtime con elementos del blues. De hecho, resultó de estas dos direcciones. Una característica del estilo de jazz es, ante todo, el juego individual y único del virtuoso del jazz, y la improvisación dota a este movimiento de una relevancia constante.

Después de que se formó el jazz, comenzó un proceso continuo de su desarrollo y modificación, que condujo al surgimiento de varias direcciones. Actualmente hay una treintena de ellos.

Jazz de Nueva Orleans (tradicional).

Este estilo suele significar exactamente el jazz que se interpretó entre 1900 y 1917. Se puede decir que su origen coincidió con la apertura de Storyville (barrio rojo de Nueva Orleans), que ganó su popularidad a través de bares y establecimientos similares, donde los músicos que tocaban música sincopada siempre encontraban trabajo. Las bandas callejeras que habían sido comunes antes comenzaron a ser suplantadas por los llamados "conjuntos de storyville", cuya interpretación se volvió cada vez más individual en comparación con sus predecesores. Estos conjuntos se convirtieron más tarde en los fundadores del jazz clásico de Nueva Orleans. Ejemplos vívidos de artistas de este estilo son: Jelly Roll Morton ("His Red Hot Peppers"), Buddy Bolden ("Funky Butt"), Kid Ory. Fueron ellos quienes hicieron la transición de la música folclórica africana a las primeras formas de jazz.

Jazz de Chicago.

En 1917 comienza la siguiente etapa importante en el desarrollo de la música jazz, marcada por la aparición en Chicago de inmigrantes de Nueva Orleans. Hay una formación de nuevas orquestas de jazz, cuyo juego introduce nuevos elementos en el primer jazz tradicional. Así aparece un estilo independiente de la escuela de interpretación de Chicago, que se divide en dos direcciones: el hot jazz de los músicos negros y el dixieland de los blancos. Las características principales de este estilo son: partes solistas individualizadas, cambio en la inspiración caliente (la interpretación extática libre original se volvió más nerviosa, llena de tensión), sintetizador (la música incluía no solo elementos tradicionales, sino también ragtime, así como éxitos estadounidenses famosos). ) y cambios en el juego instrumental (el papel de los instrumentos y las técnicas interpretativas ha cambiado). Las figuras fundamentales de esta dirección ("What Wonderful World", "Moon Rivers") y ("Someday Sweetheart", "Ded Man Blues").

El swing es un estilo orquestal de jazz de las décadas de 1920 y 1930 que surgió directamente de la escuela de Chicago y fue interpretado por big bands (The Original Dixieland Jazz Band). Se caracteriza por el predominio de la música occidental. En las orquestas aparecieron secciones separadas de saxofones, trompetas y trombones; el banjo es reemplazado por una guitarra, una tuba y un sazofón - contrabajo. La música se aleja de la improvisación colectiva, los músicos tocan siguiendo estrictamente partituras preprogramadas. Una técnica característica fue la interacción de la sección rítmica con instrumentos melódicos. Representantes de esta dirección:, (“Creole Love Call”, “The Mooche”), Fletcher Henderson (“When Buddha Smiles”), Benny Goodman And His Orchestra,.

Bebop es un jazz moderno que comenzó en los años 40 y fue una dirección experimental y anticomercial. A diferencia del swing, es un estilo más intelectual, con un fuerte énfasis en la improvisación compleja y un énfasis en la armonía más que en la melodía. La música de este estilo también se distingue por un ritmo muy rápido. Los representantes más brillantes son: Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker (“Night In Tunisia”, “Manteca”) y Bud Powell.

Convencional. Incluye tres corrientes: Stride (Northeast Jazz), Kansas City Style y West Coast Jazz. El paso rápido reinó en Chicago, dirigido por maestros como Louis Armstrong, Andy Condon, Jimmy Mac Partland. Kansas City se caracteriza por piezas líricas de estilo blues. El jazz de la costa oeste se desarrolló en Los Ángeles bajo la dirección de y posteriormente resultó en cool jazz.

Cool Jazz (cool jazz) se originó en Los Ángeles en los años 50 como contraste con el dinámico e impulsivo swing y bebop. Se considera que el fundador de este estilo es Lester Young. Fue él quien introdujo una forma de producción de sonido inusual para el jazz. Este estilo se caracteriza por el uso de instrumentos sinfónicos y la contención emocional. En este sentido, maestros como Miles Davis ("Blue In Green"), Gerry Mulligan ("Walking Shoes"), Dave Brubeck ("Pick Up Sticks"), Paul Desmond dejaron su huella.

Avante-Garde comenzó a desarrollarse en los años 60. Este estilo vanguardista se basa en la ruptura con los elementos tradicionales originales y se caracteriza por el uso de nuevas técnicas y medios expresivos. Para los músicos de esta corriente, la autoexpresión, que realizaban a través de la música, estaba en primer lugar. Los artistas de esta tendencia incluyen: Sun Ra ("Kosmos in Blue", "Moon Dance"), Alice Coltrane ("Ptah The El Daoud"), Archie Shepp.

El jazz progresivo surgió en paralelo con el bebop en los años 40, pero se distinguió por su técnica de saxofón staccato, el complejo entretejido de politonalidad con pulsación rítmica y elementos de symphojazz. Stan Kenton puede ser llamado el fundador de esta tendencia. Representantes destacados: Gil Evans y Boyd Ryburn.

El hard bop es un tipo de jazz que tiene sus raíces en el bebop. Detroit, Nueva York, Filadelfia: en estas ciudades nació este estilo. En cuanto a su agresividad, recuerda mucho al bebop, pero aún prevalecen en él elementos de blues. Los artistas de personajes incluyen a Zachary Breaux ("Uptown Groove"), Art Blakey y The Jass Messengers.

Jazz del alma. Este término se usa para referirse a toda la música negra. Se basa en el blues tradicional y el folclore afroamericano. Esta música se caracteriza por figuras de bajo ostinato y muestras rítmicamente repetidas, por lo que ha ganado gran popularidad entre diferentes masas de la población. Entre los éxitos de esta dirección se encuentran las composiciones de Ramsey Lewis "The In Crowd" y Harris-McCain "Compared To What".

Groove (también conocido como funk) es una rama del soul, solo lo distingue su enfoque rítmico. Básicamente, la música de esta dirección tiene un color principal y, en términos de estructura, está claramente definida por las partes de cada instrumento. Las actuaciones en solitario encajan armoniosamente en el sonido general y no son demasiado individualizadas. Los intérpretes de este estilo son Shirley Scott, Richard "Groove" Holmes, Gene Emmons, Leo Wright.

Free Jazz comenzó a finales de los años 50 gracias a los esfuerzos de maestros tan innovadores como Ornette Coleman y Cecil Taylor. Sus rasgos característicos son la atonalidad, una violación de la secuencia de acordes. Este estilo suele denominarse "free jazz", y sus derivados son el loft jazz, el modern creative y el free funk. Los músicos de este estilo incluyen: Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier ("Varech"), AMM ("Sedimantari").

La creatividad apareció debido a la vanguardia y el experimentalismo generalizados de las formas del jazz. Es difícil caracterizar esa música en ciertos términos, ya que es demasiado multifacética y combina muchos elementos de movimientos anteriores. Los primeros en adoptar este estilo incluyen a Lenny Tristano ("Line Up"), Gunther Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cyril ("The Big Time Stuff").

Fusión combinó elementos de casi todos los movimientos musicales existentes en ese momento. Su desarrollo más activo comenzó en la década de 1970. Fusion es un estilo instrumental sistematizado caracterizado por firmas de tiempo complejas, ritmo, composiciones alargadas y falta de voces. Este estilo está diseñado para masas menos amplias que el soul y es todo lo contrario. Larry Corell y Eleventh, Tony Williams y Lifetime ("Bobby Truck Tricks") están a la cabeza de este movimiento.

El acid jazz (groove jazz o club jazz) se originó en el Reino Unido a finales de los 80 (apogeo 1990 - 1995) y combinó el funk de los 70, el hip-hop y la música dance de los 90. La aparición de este estilo fue dictada por el uso generalizado de muestras de jazz-funk. El fundador es DJ Giles Peterson. Entre los artistas de esta dirección se encuentran Melvin Sparks ("Dig Dis"), RAD, Smoke City ("Flying Away"), Incognito y Brand New Heavies.

El post bop comenzó a desarrollarse en los años 50 y 60 y tiene una estructura similar al hard bop. Se distingue por la presencia de elementos de soul, funk y groove. A menudo, al caracterizar esta dirección, dibujan un paralelo con el blues-rock. Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey ("Like Someone In Love") y Lee Morgan ("Yesterday"), Wayne Shorter trabajaron en este estilo.

El jazz suave es un estilo de jazz moderno que se originó a partir del movimiento de fusión, pero se diferencia de él en su sonido deliberadamente pulido. Una característica de esta dirección es el uso generalizado de herramientas eléctricas. Artistas notables: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater ("All Of Me", "God Bless The Child"), Larry Carlton ("Dont Give It Up").

Jazz manush (jazz gitano) es una dirección de jazz especializada en interpretación de guitarra. Combina la técnica guitarrística de las tribus gitanas del grupo manush y el swing. Los fundadores de esta dirección son los hermanos Ferre y. Los artistas más famosos: Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen ("Stella By Starlight", "Fiso Place", "Autumn Leaves").