Илюстрация на бронзов конник. Описание и анализ на илюстрации А

„Академик Александър Беноа е тънък естет, прекрасен художник, очарователна личност.“ А.В. Луначарски

Световноизвестния Александър Николаевич Беноапридобива като декоратор и режисьор на руски балети в Париж, но това е само част от дейността на една вечно търсеща, завладяваща натура, притежаваща неустоим чар и умение да огрява околните с вратовете си. Изкуствовед, изкуствовед, редактор на две големи списания за изкуство „Светът на изкуството” и „Аполо”, ръководител на отдела за живопис на Ермитажа и накрая просто художник.

себе си Беноа Александър Николаевичпише на сина си от Париж през 1953 г., че „... единственото от всички произведения, достойно да ме надживее... вероятно ще бъде „многотомна книга“ А. Беноа си спомня“, защото „тази история за Шуренка в същото време е доста подробна за цяла култура“.

В мемоарите си Беноа нарича себе си „продукт на артистично семейство“. Всъщност баща му - Николай Беноае известен архитект, дядо по майчина линия на А.К. Кавос беше също толкова значим архитект, създател на петербургските театри. По-големият брат A.N. Беноа - Алберт е популярен акварелист. С не по-малък успех може да се каже, че той е „продукт“ на интернационално семейство. От страна на баща си е французин, от страна на майка си е италианец, или по-точно венецианец. Семейната му връзка с Венеция - градът на красивия упадък на някога могъщи музи - Александър Николаевич Беноасе почувства особено остро. И в него имаше руска кръв. Католическата религия не попречи на невероятното уважение на семейството към православна църква. Едно от най-силните детски впечатления на А. Беноа е Военноморската катедрала "Св. Никола" (Св. Николай на морето), произведение от епохата на барока, чиято гледка се отваряше от прозорците на семейната къща на Беноа. С целия напълно разбираем космополитизъм на Беноа, имаше само едно място в света, което той обичаше с цялата си душа и смяташе за своя родина - Санкт Петербург. В това творение на Петър, който прекоси Русия и Европа, той почувства „някаква велика, строга сила, велико предопределение“.

Онзи удивителен заряд от хармония и красота, който А. Беноаполучено в детството, помогна да превърне живота си в нещо като произведение на изкуството, удивително в своята цялост. Това беше особено очевидно в неговия роман за живота. На прага на деветото си десетилетие Беноа признава, че се чувства много млад и обяснява това „любопитство“ с факта, че отношението на обожаваната му съпруга към него не се е променило с времето. И " Спомени"Той посвети своята на нея," Скъпи Ате" - Анна Карловна Беноа (родена Кинд). Животът им е свързан от 16-годишна възраст. Пръв за своите артистични наслада и първи творчески опити сподели Атя. Тя беше неговата муза, чувствителна, много весела, артистично надарена. Въпреки че не беше красавица, тя изглеждаше неустоима за Беноа с очарователната си външност, грация и жив ум. Но спокойното щастие на влюбените деца трябваше да бъде подложено на изпитание. Уморени от неодобрението на близките си, те се разделиха, но чувството за празнота не ги напусна през годините на раздяла. И накрая, с каква радост се срещнаха отново и се ожениха през 1893 г.

Двойката Беноаимаше три деца - две дъщери: Анна и Елена и син Николай, който стана достоен наследник на делото на баща си, театрален артист, който работи много в Рим и в Миланския театър ...

А. Беноа често е наричан „ художник от Версай" Версай символизира в творчеството си триумфа на изкуството над хаоса на Вселената.
Тази тема определя оригиналността на историческата ретроспективност на Беноа и изтънчеността на неговата стилизация. Първата Версайска серия се появява през 1896 - 1898 г. Тя получи името " Последни разходки Луи XIV " Включва такива известни произведения като „ Кралят ходеше при всяко време», « Хранене на рибите" Версай Беноазапочва в Петерхоф и Ораниенбаум, където прекарва детските си години.

Въпреки това първото впечатление от Версай, където той посети за първи път по време на медения си месец, беше зашеметяващо. Художникът е завладян от чувството, че „вече е преживял това веднъж“. Навсякъде във Версайските произведения може да се види леко унилата, но все пак изключителна личност на Луи XIV, Кралят Слънце. Усещането за упадъка на някога величествена култура беше изключително съзвучно с епохата от края на века, когато той живя Беноа.

В по-изтънчена форма тези идеи са въплътени във втората Версайска серия от 1906 г., в най-известните творби на художника: "", "", " Китайски павилион», « ревнив», « Фантазия на версайска тема" Грандиозното в тях съжителства с любопитното и изящно крехкото.

Накрая да се обърнем към най-значимото, което творецът създаде в театъра. Това е преди всичко постановка на балета "" по музика на Н. Черепнин през 1909 г. и балета " Магданоз„по музика на И. Стравински от 1911г.

В тези постановки Беноа се показа не само като блестящ театрален артист, но и като талантлив автор на либрето. Тези балети сякаш олицетворяват два идеала, живели в душата му. “” е въплъщение на европейската култура, бароковия стил, неговата пищност и величие, съчетани с презрялост и изсъхване. Либретото, което е свободна адаптация на известната творба на Торквато Тасо " Освободен Йерусалим“, разказва за известен млад мъж, виконт Рене дьо Божанси, който по време на лов се озовава в изгубен павилион на стар парк, където по чудодеен начин се пренася в света на живия гоблен – красивите градини на Армида. Но магията се разсейва и той, след като е видял най-висшата красота, се връща реалност. Остава зловещо впечатление от живота, завинаги отровен от смъртен копнеж по угаснала красота, по една фантастична реалност. В този великолепен спектакъл светът на ретроспективните картини сякаш оживява. Беноа.

В " Магданоз„Беше въплътена руската тема, търсенето на идеал душата на хората. Тази постановка звучеше още по-трогателно и носталгично, защото сепаретата и техният герой Петрушка, така обичаният от Беноа, вече бяха част от миналото. В пиесата куклите са оживени от злата воля на старец - магьосник: Петрушка е неодушевен персонаж, надарен с всички жизнени качества, които съществуват в страдащия и одухотворен човек; неговата дама Коломбина е символ на вечната женственост, а „черната мура” е груба и незаслужено тържествуваща. Но краят на тази куклена драма Беноавижда по различен начин, отколкото в обикновен фарсов театър.

През 1918 г. Беноа става ръководител на художествената галерия Ермитаж и прави много, за да гарантира, че музеят става най-големият в света. В края на 20-те години художникът напуска Русия и почти половин век живее в Париж. Умира през 1960 г. на 90-годишна възраст. Няколко години преди смъртта си Беноапише на своя приятел И.Е. Грабар, към Русия: „И как бих искал да бъда там, където очите ми се отвориха за красотата на живота и природата, където за първи път вкусих любовта. Защо не съм си в къщи?! Всеки помни някои части от най-скромния, но толкова сладък пейзаж.

СПб.: Комитет за популяризиране на художествените издания, 1923. 73, с.: цв. ил., 1л. отпред, (ил.). Тираж 1000 бр. Екземплярите са номерирани, изданието е отпечатано на лепена хартия. В илюстрована двуцветна издателска корица. 35х27 см. Наборът е направен през далечната 1917 г. на стария правопис със специален декоративен шрифт. Изданието е отпечатано в печатницата на името на Иван Федоров (бившата печатница на доставчиците на двора на Негово императорско величество Р. Голике и А. Вилборг - една от най-добрите руски печатници) под ръководството на най-авторитетния печатар от първата четвърт на ХХ век V.I. Анисимова. Изданието е на ръчна хартия, правена преди революцията. Филигран - „Печат на Императорската академия за живопис, скулптура и архитектура“ с двуглав орел. Библиофилско издание, превърнало се в произведение на печатното и художественото изкуство.

Изданието е оформено от изключителния акварелист, талантлив изкуствовед Александър Николаевич Беноа (1870-1960), създател и вдъхновител на известната художествена асоциация „Светът на изкуството“. Съвременниците виждат в художника живо въплъщение на духа на артистичността. В работата си А. Беноа се вдъхновява от естетиката на френския романтизъм от 18 век, архитектурата на Версай и стария Санкт Петербург. Тук е началото на смелата преоценка на изкуството на 18 век, което е една от най-големите заслуги на света на изкуството и лично на А. Беноа. Голямо значениевъв формирането на художествени идеи А. Беноа имаше страст към театъра и жанра на драмата, един от най-ярките изрази на които беше създаването на произведения на A.S. Пушкин. Първото издание на илюстрации към „Бронзовият конник“ е създадено през 1903 г. в Рим и Санкт Петербург. „Короната на петербургската илюстрация“, „най-забележителната книга на Комитета“, тази публикация е замислена от Кръга на любителите на руските изящни публикации: през 1903 г., по поръчка! Председателят на кръга V.A. Верещагина А.Н. Беноа завършва 33 рисунки с черно мастило, но те са отхвърлени като „декадентски“. Илюстрациите са закупени от S.P. Дягилев и ги публикува заедно със стихотворението в списание „Светът на изкуството! (1904. № 1). Рисунките на Беноа „създадоха сензация и бяха признати от всички книжни експерти за идеални графична работа" През 1905 г. художникът, докато е във Версай, преработва шест от предишните си илюстрации и завършва фронтисписа за „Бронзовият конник“ - за публикация, публикувана през 1912 г. от Петербургското общество за грамотност, а след това през 1916 г. - за Общността на Св. Евгения. През 1916 г., 1921-1922 г. цикълът е преработен за трети път и допълнен с нови рисунки и в този окончателен вид е издаден. В годината на издаване на книгата се навършиха 20 години от началото на работата по поредицата. През 1917 г. книгата е напечатана в печатницата на Р.Р. Golike и A.I. Вилборг, но предприятието е национализирано и книгата е публикувана едва през 1923 г. - под марката на Комитета за популяризиране на художествените публикации.

Отпечатан е в Държавната печатница на името на. Иван Федоров под ръководството на неговия директор V.I. Анисимов и със съдействието на Петроградския клон на Държавното издателство. Книгата включваше 37 рисунки на Беноа: фронтиспис, 29 илюстрации на цяла страница (те придружаваха всяка страница с текст на разворота), 6 черно-бели заглавия и финали и сюжетна винетка на корицата. Всички те, с изключение на известния фронтиспис, направен за първото издание на цикъла през 1905 г., са създадени наново. Използвайки най-доброто от предишните рисунки, Беноа ги преработва, увеличавайки размера и очертавайки всяка с контурна линия. Изпълнени с туш и акварел, рисунките имитират цветни дърворезби. В книгата всички цветни изображения са възпроизведени чрез фотохромолитография, черните - чрез цинкография, а винетката на корицата - фототипно. В стремежа си да създаде композиционна хармония между рисунката и текста, художникът внимателно обмисля оформлението на книгата. чертежи различни размери, форми и пропорции, той ги подрежда хоризонтално или вертикално, като всеки път придава на разпространението визуално разнообразие.

И въпреки че мнението на критиците не беше единодушно, мнозинството все пак се съгласи, че „илюстрациите към „Бронзовият конник“ допълват работата на Пушкин до такава степен, че графиката и петербургската история са неразривно цяло и в момента са немислими без друго.” Текстът на „Бронзовият конник” е публикуван за първи път в окончателната редакция на поета, без цензурни изкривявания и според стария правопис (от набор, направен през 1917 г., за който издателството трябва да получи специално разрешение). Шрифтът на изданието е стилизиран така, че да наподобява шрифта от времето на Пушкин, което допълва усещането за органично единство на всички елементи на изданието и формира неговата уникална естетика. Уводната статия към публикацията е написана от известния пушкинист П.Е. Щеголев. В края на книгата имаше „Информация за илюстрациите към „Бронзовият конник““, която накратко очерта историята на създаването на тази графична серия. Изданието е издадено с илюстрована корица и прахово покритие. Заглавието, фамилията на автора на корицата, заглавната страница и заглавията, както и текстовете в книгата са набрани с типографски шрифт, стилизиран като шрифта от епохата на Пушкин. Тиражът включва препоръчани и номерирани копия.

По-голямата част от изданието е отпечатано на жълтеникава хартия, останалата част на бяла хартия с воден знак, изобразяващ двуглав орел, с надпис около него: „Печат от Ими. академик живопис, скулптура и архитектура“. Публикацията беше продадена доста скъпо - 15 рубли. Значение илюстрации от Беноакъм Бронзовия конник далеч не се ограничава до тяхното чисто графично качество. Художникът също влага своето в тази творба житейски опит. Именно „модерността“ на илюстрациите на Беноа е не по-малко значима в тази публикация от чувството за стил на художника, разбирането на епохата на Пушкин и способността за умело театрализиране на действието. В рисунките на Беноа образите на „Петербургската история“ на Пушкин са оцветени от размислите и преживяванията на човек от началото на 20 век, което прави „Бронзовият конник“ на KPHI исторически значимо издание. Публикуването на „Бронзовият конник” с илюстрации на А. Беноа се превърна в знаково събитие в историята на издателството и книжна графика.

ИЛЮСТРАЦИИ
БЕНУА Александър Николаевич. Комплект пощенски картички с илюстрации на художника към стихотворението на A.S. Пушкин "Бронзовият конник" (издание " съветски художник". Москва. 1966 г.)

Илюстрация от 1916 г

На брега на пустинните вълни
Той стоеше там, изпълнен с големи мисли,
И той погледна в далечината. Широко пред него
Реката забърза...

Илюстрация от 1903 г

Изминаха сто години и младият град,
Има красота и чудо в пълни страни,
От мрака на горите, от блатата на блата
Той се изкачи великолепно и гордо;
Къде беше финландският рибар преди?
Тъжният доведен син на природата
Сам по ниските брегове
Хвърлен в непознати води
Вашата стара мрежа, сега там
По оживени брегове
Стройните общности се тълпят заедно
Дворци и кули; кораби
Тълпа от цял ​​свят
Стремят се към богати марини;
Нева е облечена в гранит;
Над водите бяха надвиснали мостове;
Тъмнозелени градини
Острови го покриха...

Илюстрация от 1916 г

Обичам те, творението на Петра,
Обичам твоя строг, строен външен вид,
Невски суверенен ток,
Крайбрежният му гранит,
Вашите огради имат шарка от чугун,
от твоите замислени нощи
Прозрачен здрач, безлунен блясък,
Когато съм в стаята си
Пиша, чета без лампа,
И спящите общности са ясни
Пусти улици и светлина
Адмиралтейска игла,
И не позволявайки на тъмнината на нощта,
Към златните небеса
Една зора отстъпва място на друга
Той бърза, давайки на нощта половин час.

Илюстрация 1903 г

Над затъмнения Петроград
Ноември лъха от есенния хлад.
Плискане с шумна вълна
До ръбовете на тънката ти ограда,
Нева се мяташе като болна
Неспокойна в моето легло.
Беше вече късно и тъмно;
Дъждът биеше сърдито по прозореца,
И вятърът задуха, вие тъжно.
По това време от дома на гостите
Младият Евгений дойде...

Илюстрация 1903 г

Ужасен ден!
Нева цяла нощ
Копнеж за морето срещу бурята,
Без да преодолеят жестоката си глупост...
И тя не издържа да спори...
На сутринта над бреговете му
Имаше тълпи от хора, струпани заедно,
Възхищавайки се на пръските, планините
И пяната на гневни води

Илюстрация 1903 г

И Петропол изплува като Тритон,
До кръста във вода.
Обсада! Атака! Зли вълни
Като крадци се качват в прозорци. Челни
От бягането прозорците са разбити от кърмата.
Подноси под мокър воал,
Фрагменти от колиби, трупи, покриви,
Стоки за складова търговия,
Притежанията на бледа бедност,
Мостове, разрушени от гръмотевични бури,
Ковчези от измито гробище
Нося се по улиците!

Илюстрация 1916 г

След това на площад "Петрова"
Където нова къща се издига в ъгъла,
Където над повдигнатата веранда
С вдигната лапа, сякаш жив,
Два лъва стражи стоят,
Яздейки мраморен звяр,
Без шапка, кръстосано свити ръце
Седеше неподвижен, ужасно блед
Юджийн….

Илюстрация 1916 г

Водата е спаднала и настилката
Отвори се и Евгений е мой
Той бърза, душата му потъва,
В надежда, страх и копнеж
Към едва притихналата река.
Но победите са пълни с триумф,
Вълните още кипяха сърдито,
Сякаш под тях тлееше огън,
Пяната все още ги покриваше,
И Нева дишаше тежко,
Като кон, който бяга от битка.
Евгений гледа: вижда лодка;
Той тича към нея като към находка;
Обажда се на превозвача...

Илюстрация 1903 г

И дълги с бурни вълни
Един опитен гребец се бори
И се скрий дълбоко между техните редици
На всеки час с дръзки плувци
Лодката беше готова...

Илюстрация 1903 г

Какво е това?...
Той спря.
Върнах се и се върнах.
Той гледа... върви... все още гледа.
Това е мястото, където стои къщата им;
Ето я и върбата. Тук имаше порта -
Явно са ги издухали. Къде е домът?
И изпълнен с мрачна грижа,
Той продължава да се разхожда и обикаля...

Илюстрация 1903 г

Но бедният ми, бедният Евгений...
Уви, тревожният му ум
Срещу ужасни удари
Не можах да устоя. Бунтарски шум
Чуха се Нева и ветровете
В ушите му. Ужасни мисли
Мълчаливо пълен, той се луташе.
...Скоро ще излезе
Станах извънземен. Цял ден се скитах пеша,
И той заспа на кея; яде
На витрината поднесено на парче.
Дрехите му са опърпани
Разкъса се и тлееше. Сърдити деца
Хвърляха камъни след него.

Илюстрация 1903 г

Озова се под колоните
Голяма къща. На верандата
С вдигната лапа, сякаш жив,
Лъвовете стояха на стража,
И точно в тъмните висини
Над оградената скала
Идол с протегната ръка
Седнал на бронзов кон.
Евгений потръпна. почистен
Мислите в него са страшни. Той разбра
И мястото, където потопът игра,
Където се тълпят вълните от хищници,
Бунтува се гневно около него,
И лъвове, и площад, и това,
Който стоеше неподвижно
В тъмнината с медна глава,
Този, чиято воля е фатална
Под морето е основан град...

Илюстрация 1903 г

Около подножието на идола
Горкият луд се разхождаше
И носеше диви погледи
Лицето на владетеля на половината свят.
Гърдите му се стегнаха...

Илюстрация 1903 г

И площта му е празна
Той бяга и чува зад себе си -
Това е като гръм,
Тежко звънене в галоп
По разклатената настилка...
И огрян от бледата луна,
Протягайки ръката си нависоко,
Бронзовият конник се втурва след него
На силен галопиращ кон...

Илюстрация 1903 г

И цяла нощ горкият луд
Накъдето и да обърнеш краката си,
Зад него навсякъде е Бронзовият конник
Той препусна в галоп с тежко тропане.

Илюстрация 1903 г

И от времето, когато се случи
Отидете до този площад за него
Лицето му се показа
объркване Към твоето сърце
Той припряно стисна ръката си
Сякаш го покорява с мъка
Изтъркана шапка,
Не вдигаше смутени очи
И той тръгна встрани.

През първите десетилетия на ХХ век са направени рисунки на Александър Николаевич Беноа (1870 - 1960) за "Бронзовия конник" - най-доброто, създадено в цялата история на илюстрациите на Пушкин. В рисунките на А. Н. Беноа изображенията на „Петербургската приказка" на А. С. Пушкин са сякаш оцветени от размишленията и преживяванията на човек в началото на 20 век. Следователно това е „модерността" на илюстрациите на Беноа който привлече вниманието на ценителите на изкуството в началото на 20 век; изглеждаше им не по-малко важно от присъщото на художника усещане за стил, разбиране на епохата на Пушкин и умението умело да театрализира действието, развивайки серия от „майсторски хореографирани мизансцени”.

Бронзовият конник (прочетено от И. Смоктуновски)

Светът на изкуството

Б. М. Кустодиев.

История

Характеристика

- "СВЕТЪТ НА ИЗКУСТВОТО"

Александър Николаевич Беноа

Руски сериал (1907-1910)

„Ехото на миналото време“ се чува в изображението на панорамата на Санкт Петербург в края на 18 век. На зрителя се представя все още незавършеният замък Михайловски, в който по-късно ще бъде убит императорът. Междувременно Павел I, седнал на бял кон, командва парада на войските. Страстта на царя към военните учения и организирането на армии за самодейни паради и формирования, задоволяващи суетата му, са осмивани от художника. Сковаността и дисциплината на атмосферата на парада се усеща в графичността и линейността, посочени в детайлите - излъсканите маршови стъпки с вдигнати по команда крака на войниците, равномерният ритъм на вертикалите на оръжията и скелето на заден план.

Композиционното решение на произведението е интересно - Беноа отдалечава действието на парада от зрителя с рамката на бариерата, като по този начин придава на произведението „живописен“ звук, вместо да го потапя в случващото се. Летящите снежинки внасят анимация и вид комфорт в изобразяването на събитие от една отминала епоха.

Книжна графика

Художникът влиза в историята на руската книжна графика с книгата си „Азбуката в картините на Александър Беноа” (1905 г.) и илюстрациите към „Дамата пика” на А. С. Пушкин, изпълнени в два варианта (1899, 1910 г.), както и като прекрасни илюстрации за „Бронзовият конник“, на три версии на които той посвети почти двадесет години работа (1903-22).

ABC в снимки (1905)

Близо до повече ранни творбиПоленова, Малютин и Билибин „Азбуката в картинки“ може да се постави в началото на ново разнообразие от руска графика: оттук датира историята на илюстрованите издания за деца.

И в „Играчки“, и в „АБВ“ сюжетната система от илюстрации е лишена от назидателност: нейната основа трябва да се търси в лирическото поле, в спомените на художника за собственото детство, за детските игри, радости и празници. Това е един вид графичен мемоар - неслучайно Беноа тук е едновременно автор на общата концепция, текст и рисунки. От друга страна, стремежът към съчетаване на различни творчески функции в името на естетическата цялост на произведението трябва да се отбележи като тенденция, характерна за Беноа като цяло (тя ще се прояви с особена сила по-късно в неговите театрални произведения). Нека обърнем внимание и на традициите, използвани от автора. Те не трябва да се търсят в западноевропейската графика, както може да изглежда, ако вярвате на легендата за „прозападната“ ориентация на майстора, а в руската Народно изкуство- в народни играчки и народни щампи, в представления на панаирния театър и куклен театър "Петрушки". Графичният език на съвременната руска книга, както си го представя художникът, трябва да бъде преди всичко национален.

Театър

Днес скиците на декори и костюми за представленията на Александър Беноа са класика. Беноа дълго време работи в тясно сътрудничество със Станиславски и Немирович-Данченко и работи като първи художник-постановчик на Московския художествен театър. Беноа е първият, който дава идеята, че артистът, когато поставя пиеса, трябва да има същата власт като режисьора.

При анализ на много произведения на А. Беноа: „Арлекинада. Фантазия на тема италианска комедия (1906, Руски руски музей), „Италианска комедия“ (1901, Руски руски музей. Две скици), „Фигури за италиански комедии“ (1901, Руски руски музей), „Арлекинада“ (1906, Третяковска галерия), „Италианска комедия. Любовна бележка" (1905, Третяковска галерия), "Италианска комедия" (1919, Национален художествен музей), "Италианска комедия" (1905, Ikhm), "Арлекинада" (Музей на Пушкин) и др. Струва си да се обърне внимание на повтарящите се мотив, включващ герои от италианския театър на маските, с помощта на които художникът предава ефектен танц с огромна роля на мимиките и жестовете. Актьорите живеят тук, изцяло потопени в представлението си. Действието е открито театрално и насочено към публиката. Героите не са психологически развити персонажи, а по-скоро маски, конвенционални фигури, издигнати до нивото на символ. Вероятно Беноа не се е опитвал да направи героите си от Commedia del Arte да изглеждат като балетисти, но самите те изразни средстваИталианската комедия има много допирни точки с хореографския театър.

Впоследствие, с участието си в подготовката на представления за руските сезони, новият подход на Беноа към развитието театрална декорацияи костюмите помогнаха на трупата на Дягилев да се представи триумфално на сцените на европейските театри.

Магданоз

Скици на декори, костюми и реквизит: „Скица на декори за първа, втора, трета сцени от балета „Петрушка“ (всички - Държавен руски музей), скици на реквизит: „Кон“, „Самовар“, „Люлка“, „Въртележка“ (изцяло Държавен руски музей), както и скици на костюми (GRM, GCTM) пораждат контрасти на цвят, емоции и образи. Дори бърз поглед към скиците на костюмите: „Уличен танцьор“, „Циганин“, „Маска-маска“, „Медицинска сестра“, „Кочияш“, „Съпругата на търговеца“, „Мелачка за органи“, „Магазин“, „Търговец“, „Магьосник“ и т.н. ... рисува видовете разнообразна тълпа, суматохата на шумен панаирен фестивал, където куклено шоуМагданоз, Балерини и Араба. Тук любовта на А. Беноа се проявява не само към древния живот, но и бдителността на погледа на художника, който знае как да забележи характерните му удари в живия живот. Специално развитиеполучава кукерската тема - разкрива жаждата за разнообразие, влечението към многообразието на човешките прояви. Конкретиката на ежедневието тук съжителства с абстрактността на символа, макар и с фантазията, народен празникс мятането на самотна душа, наивен популярен печат със светска изтънченост.

Магданоз Балерина Араб

Константин Сомов

Константин Сомов е роден в семейството на известен музеен деец, уредник на Ермитажа Андрей Иванович Сомов. Майка му е Надежда Константиновна (по баща Лобанова). добър музикант, широко образован човек. През 1879-1888 г. учи в гимназията К. Май. От септември 1888 г. до март 1897 г. учи в Академията на изкуствата в Санкт Петербург: основният курс - до 1892 г., след това, от октомври 1894 г., класове в работилницата на И. Репин. През 1894 г. за първи път участва в изложбата на Обществото на руските акварелисти. През 1897 и 1898 г. учи в Académie Colarossi в Париж. От 1899 г. живее в Санкт Петербург.

Още в гимназията Сомов се запознава с А. Беноа, В. Нувел, Д. Философов, с които по-късно участва в създаването на обществото "Светът на изкуството". Сомов участва активно в дизайна на списание „Светът на изкуството“, както и периодичното издание „ Художествени съкровищаРусия" (1901-1907), издадена под редакцията на А. Беноа, създава илюстрации към "Граф Нулин" от А. Пушкин (1899), разказите на Н. Гогол "Носът" и "Невски проспект" (1901), рисува кориците на стихосбирките на Балмонт „Жар птица. Лавката на славяните“, „Cor Ardens“ на В. Иванов, заглавната страница на книгата на А. Блок „Театър“ и др.

Първата лична изложба на картини, скици и рисунки (162 творби) се състоя в Санкт Петербург през 1903 г.; През същата година в Хамбург и Берлин са показани 95 творби. През 1905 г. започва да сътрудничи на сп. „Златно руно“.

Заедно с пейзаж и портретна живописи графика, Сомов работи в областта на малката пластика, създавайки изящни порцеланови композиции „Граф Нулин” (1899), „Любовници” (1905) и др.

През януари 1914 г. получава статут на редовен член на Академията на изкуствата.

През 1918 г. издателството Golike and Wilborg (Санкт Петербург) публикува най-известното и пълно издание с еротични рисунки и илюстрации на Сомов: „Книгата на маркизата“ („Le livre de la Marquise“), където художникът създава не само всички дизайнерски елементи на книгата, но и избрани текстове за Френски. Има рядка версия на това издание, така наречената „Голяма книга на маркизата“, допълнена с още по-фриволни илюстрации.

През 1918 г. става професор в Петроградските държавни безплатни художествени учебни работилници; работи в училището на Е. Н. Званцева.

През 1919 г. в Третяковската галерия се провежда неговата юбилейна персонална изложба.

През 1923 г. Сомов напуска Русия за Америка като комисар на „Руската изложба“; през януари 1924 г. на изложба в Ню Йорк Сомов е представен с 38 творби. Той не се върна в Русия. От 1925 г. живее във Франция; през януари 1928 г. той купува апартамент на булевард Екселманс в Париж.

Умира внезапно на 6 май 1939 г. в Париж. Погребан е в гробището Sainte-Genevieve-des-Bois, на 30 км от Париж.

Сомов става особено близък с Беноа, който написва първата статия за него, която се появява в списание „Светът на изкуството“ през 1898 г. В тази статия изкуствоведът подчертава влиянието на немската графика върху творчеството на Сомов (О. Биърдсли, С. Кондер, Т. Хайне), както и влиянието на френския живопис XVIII V. (A. Watteau, N. de Largilliere), „малката холандска“ и руската живопис от първата половина на 19 век.

Връщайки се в Русия, Сомов отдаде почит на портретния жанр. Създава портрети на баща си (1897), Н. Ф. Обер (1896), А. Н. Беноа (1896) и А. П. Остроумова (1901)

.

Портрет на Остроумова Портрет на Н.Ф. Обер

Върхът на творчеството през този период е портретът на художника Е. М. Мартинова („ Дама в синьо", 1897-1900), изобразен на фона на пейзаж с флейтисти. Изтънчеността и разчупеността, одухотвореността и поезията на образа напълно съответстват на естетическото кредо на "МирИскусниците", въплъщаващи хармонията на мечтите и реалността. Специален място се заема от Сомова графични портрети творческа интелигенция. Те са чисто реални - със своята интелектуална енергия - създадените от него образи на творчески хора (портрети на поетите А. А. Блок, М. А. Кузмин, В. И. Иванов, рисувани в смесена техника), художниците Е. Е. Лансере (1907), М. В. Добужински (1910) и др. , с право смятан за изключително обективен. Изработени с молив с оцветяване в акварел, гваш, цветни моливи или бяло, те се отличават с виртуозна техника, лаконична композиция и финес на цветовото решение.

Портрет на А. А. Блок (1907)

Портрет на М. А. Кузмин (1909)

Освен портретна графика, Сомов работи и в областта на книжната илюстрация. В началото на 20в. Художниците от "Светът на изкуството", сред които беше и Сомов, възродиха този вид изкуство след дълго забрава. Дизайнът на книгата, всички нейни елементи - шрифт, формат, обшивка, корица, ленти за глава и винетки - трябваше да образуват едно цяло.

Леон Бакст (1866 – 1924)

Лев Розенберг е роден на 8 февруари (27 януари) 1866 г. в Гродно в бедно еврейско семейство на талмудист. След като завършва гимназия, учи като доброволец в Художествената академия, работи като илюстратор на книги.

На първата си изложба (1889) той приема псевдонима Бакст - съкратено фамилно име на баба му (Бакстър). В началото на 1890 г. той излага в Акварелното дружество. През 1893-1897 г. живее в Париж, често се връща в Санкт Петербург. От средата на 90-те години той се присъединява към кръга от писатели и художници, сформиран около Дягилев и Александър Беноа, който по-късно се превръща в сдружение „Светът на изкуството“. През 1898 г. заедно с Дягилев участва в основаването на едноименното издание. Графиките, публикувани в това списание, донесоха слава на Бакст.

Продължава да се занимава със станкова живопис, създавайки портрети на Малявин (1899), Розанов (1901), Андрей Бели (1905), Зинаида Гипиус (1906). Той също така преподава рисуване на децата на великия княз Владимир. През 1902 г. в Париж той получава заповед от Николай II за Среща на руските моряци.

През 1898 г. Бакст показва творби на „Първата изложба на руски и финландски художници“, организирана от Дягилев; в изложбите „Светът на изкуството“, в изложбата „Сецесион“ в Мюнхен, изложбите на Артела на руските художници и др.

През 1903 г. той преминава в лутеранството заради брака с дъщерята на П. М. Третяков, Л. П. Гриценко.

По време на революцията от 1905 г. Бакст работи за списанията "Жупел", "Адска поща", "Сатирикон", а по-късно и за списанието за изкуство "Аполо".

През 1907 г. заедно със Серов прави пътуване до Гърция, където учи археологически находкиКрито-микенски период. Бакст откри за себе си (а след това и за цяла Европа), че архаичната Гърция не е белият цвят, който всички са популяризирали от векове, а бунт от цветове. Тогава бяха определени основите на стила на Бакст: архаичната гръцка свобода на костюма, съчетана с лукса на Изтока.

От 1907 г. Бакст живее главно в Париж и работи върху театрални декори, в които прави истинска революция. Той създаде декора за Гръцки трагедии, а от 1908 г. влиза в историята като автор на декорите за „Руски балети“ на Дягилев („Клеопатра“ 1909, „Шехерезада“ 1910, „Карнавал“ 1910, „Нарцис“ 1911, „Дафнис и Хлоя“ 1912). През 1910 г. се развежда с Гриценко и се връща към юдаизма. През цялото това време той живееше в Европа, тъй като, тъй като е евреин, той нямаше разрешение за пребиваване извън пределите на заселването.

По време на посещенията си в Санкт Петербург той преподава в училището на Званцева. В периода 1908-1910 г. един от неговите ученици е Марк Шагал, но през 1910 г. двамата прекъсват отношенията си. Бакст забранява на Шагал да отиде в Париж, тъй като според него това би било пагубно за изкуството на Шагал и финансово би довело младия художник до глад (Шагал не рисува театрални декори). Въпреки това Шагал отиде, не гладува и намери свой собствен стил на рисуване.

През 1914 г. Бакст е избран за член на Академията на изкуствата.

През 1918 г. Бакст окончателно прекъсва отношенията си с Дягилев и Руския балет. На 27 декември 1924 г. той умира в Париж от белодробен оток.

Terror Antiquus (1908)

В езическия мироглед „древният ужас” е ужасът от живота в свят под властта на мрачна и нечовешка Съдба, ужасът от безсилието на човек, поробен от нея и безнадеждно покорен (Съдба); както и ужас от хаоса като бездна на несъществуването, потапянето в която е пагубно. Те посочват, че християнството с новата си концепция за съдбата освободи човека от властта на античния ужас, но дехристиянизирането на културата означава нейното завръщане.

Голямо платно с почти квадратен формат е заето от панорама на рисуван пейзаж висока точкавизия. Пейзажът е осветен от светкавица. Основното пространство на платното е заето от бушуващото море, което унищожава кораби и се удря в стените на крепости. На преден план е фигура на архаична статуя в полуръб. Контрастът на спокойното, усмихнато лице на статуята е особено поразителен в сравнение с бунта на стихиите зад нея. Може би е изобразено унищожаването на Атлантида.

Изобразената женска статуя е вид архаична кора, която се усмихва със загадъчна архаична усмивка и държи в ръцете си синя птица (или гълъб - символ на Афродита). Традиционно статуята, изобразена от Бакст, се нарича Афродита, въпреки че все още не е установено кои богини са изобразени на корса. Прототипът на статуята е статуя, намерена по време на разкопки на Акропола. Съпругата на Бакст позира за липсващата ръка. Любопитно е, че Максимилиан Волошин посочва сходството на лицето на архаичната Афродита в картината с лицето на самия Бакст.

Островният пейзаж, разкриващ се зад богинята, е изглед от атинския Акропол. В подножието на планината от дясната страна на снимката на преден план има сгради, според Пружан - микенската Лъвска порта и останките от двореца в Тиринт. Това са сгради, датиращи от ранния критско-микенски период от гръцката история. Отляво има група хора, тичащи в ужас сред сгради, характерни за класическа Гърция - очевидно това е Акрополът с неговите пропилеи и огромни статуи. Зад Акропола има долина, осветена от светкавици, покрита със сребърни маслини.

През 1907 г. Бакст проектира „Руските концерти“, организирани от Шаляпин и Дягилев в Париж. През 1908 г. Бакст завършва работата по картината „Древен терор“ (награда на Международното изложение в Брюксел през 1910 г.).

През 1909 г. Бакст, изгонен от Санкт Петербург, се присъединява към балетната трупа на С. П. Дягилев „Руски балет“. Заедно с А. Н. Беноа и М. М. Фокин, той е най-близкият сътрудник на Дягилев, а от 1911 г. е художествен ръководител на предприятието. Талантът му на сценограф е напълно развит в спектаклите: „Клеопатра” („Египетски нощи”) по музика на Аренски, С. И. Танеев и М. И. Глинка (1909), „Шехерезада” по музика на Римски-Корсаков (1910) , „Жар птица” от Стравински (1910), „Към карнавала” (1910), „Нарцис” от Черепнин (1910), „Видението за една роза” от К. М. Вебер (1911) ), „Дафнис и Хлоя” от Равел (1912), „Синият бог“ от Р. Хан (1912), „ Следобедна почивкаФавн" по музика на К. Дебюси (1912 г.), "Тамара" по музика на М. А. Балакирев (1912 г.), "Пери" (това представление не беше предопределено да види бял свят), "Пеперуди" (1914 г.), „Игри“ (1913), „Легендата за Йосиф“ от Р. Щраус (1914), „Шегаджиите“ по музика на Д. Скарлати (1917), „Спящата красавица“ от П. И. Чайковски (1921).

Сценография за първата постановка на Дафнис и Хлое (сцена 2).

Именно той измисля фойерверките, които заслепиха публиката на Опера Гарние по случай премиерата на балета Шехерезада. Руските сезони в Париж оставиха незабравимо впечатление не само с майсторството на балетистите, но и с размаха и колорита, екзотиката и изразността на костюмите и декорите, създадени от Бакст. Костюмите, базирани на скиците на Бакст, които насочват публиката към цветовете и формите на ориентализма и „великия стил“ на Луис, са толкова удивителни, че започват да надхвърлят границите на театъра и балета. „Парис беше наистина пиян с Бакст“, пише Левинсън по-късно. Мстислав Добужински пише за този период: „Проникването на изкуството в живота през рампата, отражението на театъра в Ежедневието, неговото влияние в областта на модата се отразява в дълбокото впечатление, което съпътства блестящите триумфи на „Руските сезони“ на Дягилев в Париж. Социалният обрат на вкуса, който последва тези триумфи, се дължи в най-голяма степен на Бакст, на новите откровения, които той даде в своите продукции с изключителна красота и чар, които удивиха не само Париж, но и целия културен свят на Запада.

Сценография за балета „Следобедът на един фавн“. 1911 г

Дизайнерските техники, разработени от Бакст, бележи началото на нова ера в балетната сценография. Името на Бакст, водещият артист на Руските сезони, гръмна заедно с имената на най-добрите изпълнители и известни хореографи. От всички страни заваляха поръчки от театрите.

Нижински. 1912 г

Активно си сътрудничи с Ида Рубинщайн: декори и костюми за „Мъченичеството на Свети Себастиан” от К. Дебюси (1911), „Тамар” (1912), „Синият бог” (1912), „Следобедът на един фавн” (1912). ) ж.), „Елена от Спарта“ на Д. де Северак (1912), „Пизанела“ (1913), „Объркана Артемида“ (1922), „Федра“ (1923), „Истар“ (1924 г.).

Дизайн на костюми на Ида Рубинщайн за балета „Елена от Спарта“

За Анна Павлова Бакст проектира декори и костюми за пиесите „Ориенталска фантазия“ (по музика на М. М. Иполитов-Иванов и М. П. Мусоргски, 1913) и „The Голямо шоу“, поставена през 1916 г. в театър Хиподрум в Ню Йорк.

Докато работи върху скици на театрални костюми, Леон Бакст неволно започва да влияе на парижката, а след това и на европейската мода. Това го навежда на идеята да опита ръката си в изкуството на "висшата мода". През 1912 г. той създава "Фантазия на тема модерен костюм" за Paquin, която получава голям отзвук в света на парижката мода. „Разбирайки и усещайки, както рядко някой стилист, цялата магия на орнамента и очарованието на цветните комбинации, той създава свой специален, бакстиански стил. Този пикантен, приказен Изток плени с изключителния си размах на въображение. Изтънченост ярки цветове, луксът на тюрбани с пера и тъкани, изтъкани със злато, великолепното изобилие от орнаменти и декорации - всичко това толкова удиви въображението, така отговори на жаждата за нещо ново, че беше прието от живота. Уърт и Пакин, законодателите на парижката мода, започнаха да рекламират Бакст” (М. Добужински). „Бакст успя да улови онзи неуловим нерв на Париж, който управлява модата, и неговото влияние сега се усеща навсякъде в Париж – както в дамските рокли, така и в художествените изложби“ (Максимилиан Волошин). Мотивите на Bakst се виждат в творбите на парижките модни къщи Paquin, Callot Soeurs, Drecoll и Babani - това са цветя, тюрбани, дамски корсажи, ориенталски възглавници. Тоалетите, направени по негови скици, учудват с яркостта на цветовете, хармонията на цветовете и изтънчеността на декорацията, драперията и сполучливия подбор на мъниста и перли.

Скица на костюми за еврейски танц с тамбура. 1910 г

Творчеството на Бакст оказва значително влияние върху сценографското изкуство на Русия и Франция.

Работата му показва желание за изтънченост и стилизация. Творбите на художника се характеризират със смела композиция, ярки цветове и чувство за ритъм.

Майстор на сценичния костюм, Бакст в своите скици подрежда редове от ритмично повтарящи се цветови мотиви, така че те не само характеризират сценичния образ, но и подчертават динамиката на танца и движенията на актьора.

Евгений Евгениевич Лансере (1875-1946)

Евгений Евгениевич Лансере е многостранен художник. Автор на монументални картини и пана, украсяващи московските метростанции, гара Казански, хотел Москва, пейзажи, картини на руски теми история XVIIIвек, той беше и прекрасен илюстратор класически произведенияРуска литература („Дубровски“ и „Изстрелът“ от А. С. Пушкин, „Хаджи Мурат“ от Л. Н. Толстой), създател на остри политически карикатури в сатиричните списания от 1905 г., театрален и сценограф.

Императрица Елизавета Петровна в Царское село - Евгений Евгениевич Лансере. 1905 г. Хартия лепена върху картон, гваш. 43.5x62

Картината свидетелства за самото разбиране историческа живописв изкуството от началото на 20 век. Така атмосферата на епохата се разкрива тук чрез образи на изкуството, въплътени в архитектурни и паркови ансамбли, костюми и прически на хора, чрез пейзаж, показващ придворен живот и ритуали. Темата за кралските процесии стана особено любима. Lanseray изобразява церемониалния вход на двора на Елизабет Петровна в нейната селска резиденция. Сякаш на сцената на театър пред очите на зрителя тече шествие. Корпулентната императрица се носи царствено и величествено, облечена в тъкани дрехи с удивителна красота. Следват дамите и господата с пищни рокли и напудрени перуки. В техните лица, пози и жестове художникът разкрива различни темпераментии видове. Виждаме или унизително плахи, или арогантни и първични придворни. В експозицията на Елизабет и нейния двор не може да не се забележи иронията на художника и дори известна гротеска. Лансере противопоставя хората, които изобразява, с благородната строгост на бялата мраморна статуя и истинското величие, въплътено във великолепната архитектура на двореца на Растрели и красотата на редовния парк.

Светът на изкуството

„Групов портрет на членове на сдружение Светът на изкуството.” 1916-1920.
Б. М. Кустодиев.

Светът на изкуството (1890-1924) - художествена асоциация, създадена в Русия в края на 1890 г. Под същото име имаше списание, издавано от 1898 г. от членове на групата.

История

Основателите на „Светът на изкуството” са художникът от Санкт Петербург А. Н. Беноа и театрална фигураС. П. Дягилев.

Той шумно се обяви, като организира „Изложба на руски и финландски художници“ през 1898 г. в Музея на централното училище технически чертежБарон А. Л. Щиглиц.

Класически периодв живота на сдружението настъпили през 1900-1904г. - по това време групата се характеризира със специално единство на естетически и идеологически принципи. Художниците организираха изложби под егидата на списание „Светът на изкуството“.

След 1904 г. сдружението се разширява и губи идейното си единство. През 1904-1910 г. повечето от членовете на Света на изкуството са членове на Съюза на руските художници. На учредителното събрание на 19 октомври 1910 г. художественото дружество „Светът на изкуството“ е възстановено (за председател е избран Н. К. Рьорих). След революцията много от нейните лидери са принудени да емигрират. Сдружението фактически престава да съществува през 1924г.

Характеристика

Художниците от „Светът на изкуството” смятат естетическия принцип в изкуството за приоритет и се стремят към модерност и символизъм, противопоставяйки се на идеите на скитниците. Изкуството, според тях, трябва да изразява личността на твореца.

С. Дягилев пише в един от изданията на списанието:

„Произведението на изкуството е важно не само по себе си, а само като израз на личността на твореца“

- "СВЕТЪТ НА ИЗКУСТВОТО"

Александър Николаевич Беноа

Александър Николаевич Беноа (21 април (3 май) 1870 г., Санкт Петербург - 9 февруари 1960 г., Париж) - руски художник, историк на изкуството, изкуствовед, основател и главен идеолог на асоциацията "Светът на изкуството". От семейството известни архитектиБеноа: син на Н. Л. Беноа, брат на Л. Н. Беноа и А. Н. Беноа и братовчед на Й. Й. Беноа.

Александър Беноа(Александр Беноа) е роден на 21 април (3 май) 1870 г. в Санкт Петербург, в семейството на руския архитект Николай Леонтиевич Беноа и Камила Албертовна Беноа (дъщеря на архитекта А. К. Кавос). Завършва престижната 2-ра петербургска гимназия. Учи известно време в Художествената академия, също учи изящни изкуствасамостоятелно и под ръководството на по-големия си брат Алберт.

През 1894 г. започва кариерата си като теоретик и историк на изкуството, като пише глава за руските художници за немската колекция „История картини от 19 веквек." През 1896-1898 г. и 1905-1907 г. работи във Франция.

Става един от организаторите и идеолозите на арт асоциацията „Светът на изкуството” и основава едноименното списание.

През 1916-1918 г. художникът създава илюстрации към поемата на А. С. Пушкин „Бронзовият конник“. През 1918 г. Беноа оглавява Художествената галерия Ермитаж и издава новия й каталог. Продължава да работи като художник на книги и театър, по-специално работи върху дизайна на представления на BDT. През 1925 г. участва в Международна изложбамодерни декоративни и индустриални изкуства в Париж.

През 1926 г. Беноа напуска СССР, без да се върне от задгранична командировка. Живее в Париж, работи главно върху скици на театрални декори и костюми. Александър Беноа играе значителна роля в постановките на балетната антреприза. Дягилев „Руски балети”, като художник и автор – режисьор на спектакли. Беноа умира на 9 февруари 1960 г. в Париж.

Серия Версай (1905-1906)

Кралската разходка - Александър Николаевич Беноа. 1906 г. Хартия върху платно, акварел, гваш, бронзова боя, сребърна боя, графитен молив, химикал, четка. 48x62

В района станкова живописБеноа продължава да работи в два жанра - пейзаж и историческа композиция, която в неговата интерпретация придобива характера на своеобразна "историческа фантазия". Все още увлечен от акварелите, той обаче с особено упоритост и за първи път (и, добавяме, единствен път през цялата си дълга кариера) творчески път) се насочва към маслената живопис.

Многобройните му студии от 1905 и 1906 г., направени в крайморския град Примел, са написани енергично, със свободни щрихи, прости и реалистични в целия си дух.

Истинският пейзаж на Версайския парк тук става основата, в която въображението на художника „инкрустира“ резки, нервни силуети: крал, придворни, слуги. В тези уникални „скици-картини“ малките фигури иронично допълват, оживяват пейзажа и правят водещата му тема по-ясна и визуална. В други случаи куклените герои на композициите на Беноа порастват, обръщат се към зрителя и, потискайки пейзажа, започват да играят доминираща роля в картината („Кралят“). Майсторът се опитва да види във величествения образ на стария Версай идиличен паметник на просперитета на изкуствата. Всички хора са смъртни. Само едно изкуство е вечно. Картините „Фантазия на Версайска тема“ и „Походът на краля“ са за това.

Във Версайската поредица животът се разбира като празна и безсмислена игра, до която властва изкуството. Всемогъщ, всепроникващ и могъщ. Но то също е погрешно: по времето на Луи изкуството, „въпреки цялата си сила и красота, носеше оттенък на надутост и помпозност – то беше фалшиво“. Нищо чудно, че животът тук е като представление („Китайски павилион“, „Банята на маркизата“).

Размиват се границите на театъра и реалността. Художникът гледа героите си с оценяващия, леко ироничен поглед на режисьор, режисиращ следващия епизод голяма производителност, където старият парк се явява като сцена, на която някога се е разигравало едно от действията на „голямата човешка комедия”.

Руски сериал (1907-1910)

Акварели и гвашове на историческа тема, както винаги при Беноа, са обединени в серия, но посветена изключително национална история; "чувството за родина звучи в тях по-силно от преди." Те са направени през годините 1907-1910 г. по поръчка на книгоиздателя И. П. Кнебел, който издава най-интересното издание „Руска история в снимки“ с участието на Серов, С. Иванов, Лансере, Кустодиев, Добужински, Кардовски, Рьорих. Това определя уникалността на жанра: говорим за строго документирани картини-илюстрации, „картини за печат“.

— нареди Кнебел Картини на Беноаоколо 18 век - „от Петър до Павел“.

В „Руската серия“ на Беноа три композиции са посветени на Петър и неговата епоха („В немското селище“, „Петербургска улица при Петър I“ и „Петър I в лятна градина“), други четири разказват за края на 18 век („Утрото на земевладелеца“, „Лагерът на Суворов“, „Изходът на Екатерина II в двореца Царско село“ и „Парадът при Павел I“). Изобразените тук жанрови епизоди са интерпретирани от гледна точка на очевидец, а живото и изострено усещане за историческа достоверност възниква на основата на внимателната реконструктивна работа на художника - от изследването на гравюрен материал, костюми, архитектура и елементи от ежедневието. Авторът е привърженик на повествователния принцип на композицията

Парад по време на управлението на Павел I - Александър Николаевич Беноа. 1907. Гваш, хартия. 59.6x82

През първите десетилетия на ХХ век са направени рисунки на Александър Николаевич Беноа (1870 - 1960) за "Бронзовия конник" - най-доброто, създадено в цялата история на илюстрациите на Пушкин.
Беноа започва работа по „Бронзовият конник“ през 1903 г. През следващите 20 години той създава серия от рисунки, заглавия и завършеци, както и голяма сумаопции и скици. Първото издание на тези илюстрации, подготвени за джобно издание, е създадено през 1903 г. в Рим и Санкт Петербург. Дягилев ги публикува в различен формат в първия брой на списание „Светът на изкуството“ през 1904 г. Първият цикъл от илюстрации се състои от 32 рисунки, направени с мастило и акварел.
През 1905 г. А. Н. Беноа, докато е във Версай, преработва шест от предишните си илюстрации и завършва фронтисписа за „Бронзовият конник“. В новите рисунки за „Бронзовият конник” темата за преследването от Конника малък човексе превръща в основен: черният конник над беглеца е не толкова шедьовърът на Фалконет, колкото олицетворение на брутална сила и власт. И Петербург не е този, който пленява с художествено съвършенство и размах на строителни идеи, а мрачен град - струпване на мрачни къщи, търговски пасажи, огради. Тревогата и загрижеността, обзели художника през този период, тук се превръщат в истински вик за съдбата на човека в Русия.
През 1916 г. 1921–1922 г. цикълът е преработен за трети път и допълнен с нови рисунки.

В рисунките на А. Н. Беноа образите на „Петербургската приказка“ на А. С. Пушкин са сякаш оцветени от размислите и преживяванията на човек в началото на 20 век.
Следователно „модерността“ на илюстрациите на Беноа привлече вниманието на ценителите на изкуството в началото на ХХ век; тя им се струваше не по-малко значима от чувството за стил на художника, разбирането на епохата на Пушкин и способността за умело театрализиране действието, развивайки редица „майсторски хореографирани мизансцени“. Художникът и изкуствоведът Игор Емануилович Грабар по това време пише на Беноа за тези негови илюстрации: "Те са толкова добри, че все още не мога да дойда на себе си от новостта на впечатленията. Епохата и Пушкин са предадени дяволски добре и няма никаква миризма на материал за гравиране, няма патина. Страшно модерни са - и това е важно..."