ศิลปะดนตรีแห่งยุคกลาง. นักดนตรีชายขอบยุคกลาง

วัฒนธรรมดนตรีโบราณ ยุคกลาง ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

สมัยโบราณ

วัฒนธรรมดนตรีกรีกโบราณเป็นเวทีประวัติศาสตร์แห่งแรกในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรียุโรป ในเวลาเดียวกัน ถือเป็นการแสดงออกถึงวัฒนธรรมของโลกโบราณในระดับสูงสุด และเผยให้เห็นความเชื่อมโยงอย่างไม่ต้องสงสัยกับวัฒนธรรมโบราณของตะวันออกกลาง - อียิปต์ ซีเรีย ปาเลสไตน์ อย่างไรก็ตาม ด้วยการเชื่อมโยงทางประวัติศาสตร์ในลักษณะนี้ วัฒนธรรมทางดนตรีของกรีกโบราณไม่ได้ทำซ้ำเส้นทางที่ประเทศอื่น ๆ เดินทางไปเลย: มีรูปลักษณ์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเอง ความสำเร็จที่เถียงไม่ได้ของตัวเอง ซึ่งบางส่วนส่งต่อไปยังยุโรป ยุคกลาง และต่อมาจนถึงยุคเรอเนซองส์

แตกต่างจากศิลปะรูปแบบอื่นๆ ดนตรี โลกโบราณไม่ได้ทิ้งมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ใด ๆ ที่เทียบเท่ากับพวกเขาไว้ในประวัติศาสตร์ ตลอดช่วงประวัติศาสตร์อันยาวนานแปดศตวรรษ - ตั้งแต่ศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช โดย 111 ศตวรรษคริสตศักราช e.-scattered เป็นเพียงสิบเอ็ดตัวอย่างของดนตรีกรีกโบราณที่เก็บรักษาไว้ในสัญลักษณ์ของเวลานั้น จริงอยู่ นี่เป็นการบันทึกท่วงทำนองครั้งแรกในยุโรปที่มาถึงเรา

ทรัพย์สินที่สำคัญที่สุดวัฒนธรรมของกรีกโบราณซึ่งนอกนั้นแทบจะไม่ได้รับการยอมรับจากคนรุ่นราวคราวเดียวกันดังนั้นเราจึงไม่เข้าใจคือการมีอยู่ของดนตรีในความสามัคคีที่ประสานกับศิลปะอื่น ๆ - ในระยะแรกหรือในการสังเคราะห์กับพวกเขา - ในสมัยรุ่งเรือง เพลงเข้า การเชื่อมต่อที่ไม่แตกหักบทกวี (ดังนั้นเนื้อเพลง) ดนตรีในฐานะผู้มีส่วนร่วมที่ขาดไม่ได้ในโศกนาฏกรรม ดนตรีและการเต้นรำ - นี่คือปรากฏการณ์ที่เป็นลักษณะเฉพาะของชีวิตศิลปะกรีกโบราณ ตัวอย่างเช่น เพลโตพูดถึงดนตรีบรรเลงอย่างวิพากษ์วิจารณ์อย่างมาก โดยไม่ขึ้นอยู่กับการเต้นรำและการร้องเพลง โดยโต้แย้งว่ามันเหมาะสำหรับการเดินเร็วและไม่ลังเลใจเท่านั้น และสำหรับการแสดงภาพเสียงกรีดร้องของสัตว์:

“การใช้การเล่นฟลุตและซิธาราแยกกันมีบางสิ่งที่ไร้รสชาติอย่างมากและคู่ควรกับนักมายากลเท่านั้น” ต้นกำเนิดของโศกนาฏกรรมของชาวกรีก ซึ่งเป็นศิลปะชั้นสูงและซับซ้อน มาจากเทพนิยาย จากเวทมนตร์ และจากความเชื่อของผู้คน ต้นกำเนิดย้อนกลับไปในสมัยโบราณ ตำนานกรีกโบราณเกี่ยวกับนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ - Orpheus, Olympus, Marcia

ข้อมูลสำคัญเกี่ยวกับวัฒนธรรมดนตรียุคแรกในกรีซนั้นมอบให้เราโดยมหากาพย์ Homeric ที่เกี่ยวข้องกับตัวมันเอง การแสดงดนตรี: “อีเลียด”, “โอดิสซีย์”

พร้อมด้วยการแสดงเดี่ยวผลงานมหากาพย์ในศตวรรษที่ 11-6 สุดพิเศษ ประเภทการร้องประสานเสียง- เพลงบนเกาะครีตผสมผสานกับการเคลื่อนไหวแบบพลาสติกพร้อมการเต้นรำ (hyporhema); แนวเพลงประสานเสียงได้รับการปลูกฝังกันอย่างแพร่หลายในสปาร์ตาตั้งแต่ศตวรรษที่ 7 เป็นที่ทราบกันดีว่าชาวสปาร์ตันให้ความสำคัญกับรัฐและการศึกษาอย่างมากต่อดนตรี การฝึกอบรมด้านศิลปะดนตรีของพวกเขาไม่ได้มีลักษณะทางวิชาชีพ แต่เป็นเพียงส่วนหนึ่งของระบบการศึกษาทั่วไปของเยาวชน จากที่นี่ในที่สุดทฤษฎีจริยธรรมก็ได้ขยายออกไป ซึ่งได้รับการยืนยันโดยนักคิดชาวกรีก

ทิศทางใหม่ในศิลปะดนตรีและบทกวีของกรีกโบราณซึ่งหยิบยกขึ้นมาอย่างแท้จริง ธีมโคลงสั้น ๆและรูปภาพที่เกี่ยวข้องกับชื่อของ Ionian Archilochus (ศตวรรษที่ 7) และ "ตัวแทนโรงเรียนเลสเบี้ยน Alcaeus และ Sappho ที่ใหญ่ที่สุด (ช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 1 และ 6) อาจมีคนคิดว่าด้วยความเข้มแข็งของ จุดเริ่มต้นโคลงสั้น ๆบทบาทของทำนองในงานของพวกเขาก็เพิ่มขึ้นเช่นกัน คำว่า "เนื้อเพลง" นั้นมาจากพิณ

บทกวีบทกวีของศตวรรษที่ 6 มีหลายประเภท: บทสวดบทเพลงสวดเพลงงานแต่งงาน

ศตวรรษแห่งโศกนาฏกรรมคลาสสิกคือศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช e.: ผลงานของโศกนาฏกรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุด Aeschylus (ประมาณ 525-456), Sophocles (ประมาณ 496-, Euripides (ประมาณ 480-406) นี่เป็นช่วงเวลาแห่งวัฒนธรรมศิลปะกรีกที่เบ่งบานสูงสุดในรอบหลายศตวรรษ Phidias และ Polykleitos อนุสาวรีย์ดังกล่าว สถาปัตยกรรมคลาสสิกเช่นเดียวกับวิหารพาร์เธนอนในกรุงเอเธนส์ ศตวรรษที่ดีที่สุดในศิลปะของโลกยุคโบราณทั้งหมด การผลิตโศกนาฏกรรมถือเป็นการเฉลิมฉลองในที่สาธารณะและภายในขอบเขตของสังคมที่เป็นเจ้าของทาสนั้นมีลักษณะประชาธิปไตยที่ค่อนข้างกว้าง: ประชาชนทุกคนมาเยี่ยมชมโรงละครซึ่งได้รับผลประโยชน์จากรัฐจากเรื่องนี้ด้วยซ้ำ คณะนักร้องประสานเสียงซึ่งเป็นตัวแทนของศีลธรรมทั่วไป เป็นตัวแทนของประชาชนบนเวทีโศกนาฏกรรมและพูดในนามของพวกเขา

นักเขียนบทละครเป็นทั้งกวีและนักดนตรี เขาทำทุกอย่างด้วยตัวเอง ตัวอย่างเช่น เอสคิลุสเองก็มีส่วนร่วมในการแสดงบทละครของเขา ต่อมาหน้าที่ของกวี นักดนตรี นักแสดง และผู้กำกับก็แยกออกจากกันมากขึ้น นักแสดงก็เป็นนักร้องด้วย การร้องเพลงของคณะนักร้องประสานเสียงผสมผสานกับการเคลื่อนไหวแบบพลาสติก

ในยุคขนมผสมน้ำยา ศิลปะไม่ได้เติบโตมาจากอีกต่อไป กิจกรรมทางศิลปะพลเมือง: มีความเป็นมืออาชีพอย่างสมบูรณ์

ทุกสิ่งที่เขียนในสมัยกรีกโบราณเกี่ยวกับศิลปะดนตรีและสามารถตัดสินด้วยความมั่นใจจากสื่อที่ยังมีชีวิตรอดอยู่นั้นมีพื้นฐานมาจากแนวคิดเกี่ยวกับทำนองเพลง (ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับคำในบทกวี) สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนไม่เฉพาะจากเนื้อหาของงานทางทฤษฎีพิเศษเท่านั้น แต่ยังมาจากข้อความทางจริยธรรมและสุนทรียภาพทั่วไปของนักคิดชาวกรีกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดอีกด้วย ดังนั้นหลักการของเสียงเดียวซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะดนตรีกรีกโบราณจึงได้รับการยืนยันอย่างสมบูรณ์

คำตัดสินโบราณที่น่าสนใจที่สุดเกี่ยวกับศิลปะดนตรีคือสิ่งที่เรียกว่าหลักคำสอนเรื่องจริยธรรม ซึ่งเสนอโดยเพลโต ได้รับการพัฒนาและลึกซึ้งโดยอริสโตเติล ประเพณีโบราณเชื่อมโยงประเด็นทางการเมืองและดนตรีเข้ากับชื่อของโดมอนแห่งเอเธนส์ อาจารย์ของโสกราตีสและเพื่อนของเพอริเคิลส์ จากเขาเพลโตควรจะนำแนวคิดเรื่องผลประโยชน์ของดนตรีมาใช้ในการศึกษาของพลเมืองที่มีค่าควรซึ่งเขาพัฒนาขึ้นในหนังสือ "รัฐ" และ "กฎหมาย" ในสภาพอุดมคติของเขา เพลโตมอบหมายบทบาทแรก (ในบรรดาศิลปะอื่นๆ) ให้กับดนตรีในการให้ความรู้แก่ชายหนุ่มให้กลายเป็นบุคคลที่กล้าหาญ ฉลาด มีคุณธรรม และมีความสมดุล นั่นคือ พลเมืองในอุดมคติ ในเวลาเดียวกัน เพลโตเชื่อมโยงอิทธิพลของดนตรีกับอิทธิพลของยิมนาสติก ("การเคลื่อนไหวของร่างกายที่สวยงาม") และในอีกด้านหนึ่ง เขาให้เหตุผลว่าทำนองและจังหวะส่วนใหญ่จับจิตวิญญาณและกระตุ้นให้เกิด บุคคลที่จะเลียนแบบตัวอย่างความงามที่ศิลปะแห่งดนตรีมอบให้เขา

“จากนั้นเมื่อวิเคราะห์สิ่งที่สวยงามในเพลง เพลโตพบว่าสิ่งนี้ต้องตัดสินด้วยคำพูด รูปแบบ และจังหวะ ตามแนวคิดในยุคของเขา เขากวาดล้างทุกรูปแบบที่โศกเศร้าและผ่อนคลายในธรรมชาติ และเรียกร้องเท่านั้น ในทำนองเดียวกันนักปรัชญายอมรับเฉพาะซิทาราและพิณในบรรดาเครื่องดนตรีโดยปฏิเสธคุณสมบัติทางจริยธรรมของผู้อื่นทั้งหมด ดังนั้นจากมุมมองของเพลโตผู้ถือหลักจริยธรรมจึงไม่ใช่งานศิลปะ ภาพของมันหรือแม้แต่ระบบ หมายถึงการแสดงออกแต่มีเพียงรูปแบบหรือเสียงต่ำของเครื่องดนตรีที่ดูเหมือนว่าจะกำหนดคุณภาพทางจริยธรรมบางอย่างเท่านั้น

อริสโตเติลตัดสินจุดประสงค์ของดนตรีในวงกว้างมากขึ้น โดยให้เหตุผลว่าไม่ควรมีจุดประสงค์เดียว แต่มีหลายจุดประสงค์และนำไปใช้อย่างเป็นประโยชน์: I) เพื่อการศึกษา 2) เพื่อประโยชน์ในการทำให้บริสุทธิ์ 3) เพื่อประโยชน์ด้านความบันเทิงทางปัญญา นั่นคือเพื่อความสงบและผ่อนคลายจากกิจกรรมที่ต้องใช้กำลังมาก ... จากตรงนี้ก็ชัดเจนแล้ว” อริสโตเติลกล่าวต่อ "แม้ว่าคุณจะสามารถใช้โหมดทั้งหมดได้ แต่คุณไม่ควรใช้มันในลักษณะเดียวกัน" ลักษณะของผลกระทบของดนตรีต่อจิตใจในลักษณะนี้:

“จังหวะและทำนองประกอบด้วยภาพสะท้อนของความโกรธและความอ่อนโยน ความกล้าหาญและความพอประมาณ และคุณสมบัติทั้งหมดที่ตรงกันข้าม ตลอดจนคุณธรรมทางศีลธรรมอื่นๆ ที่ใกล้เคียงกับความเป็นจริงมากที่สุด สิ่งนี้ชัดเจนจากประสบการณ์: เมื่อเรารับรู้จังหวะและทำนองด้วยหู อารมณ์จิตของเราก็จะเปลี่ยนไปเช่นกัน นิสัยของการประสบกับอารมณ์เศร้าหรือสนุกสนานเมื่อรับรู้บางสิ่งที่เลียนแบบความเป็นจริงนำไปสู่ความจริงที่ว่าเราเริ่มประสบกับความรู้สึกเดียวกันเมื่อเผชิญหน้ากับความจริง [ทุกวัน]” 3. และสุดท้าย อริสโตเติล มาถึงข้อสรุปดังต่อไปนี้: “...ดนตรีสามารถมีผลกระทบต่อด้านจริยธรรมของจิตวิญญาณได้ และเนื่องจากดนตรีมีคุณสมบัติเช่นนี้ ดนตรีจึงควรรวมไว้ในวิชาการศึกษาของเยาวชนอย่างเห็นได้ชัด”

ตั้งแต่สมัยโบราณ นักปรัชญาและนักคณิตศาสตร์ พีทาโกรัส (ศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสต์ศักราช) ได้รับมอบหมายให้มีความสำคัญต่อนักคิดชาวกรีกคนแรกที่เขียนเกี่ยวกับดนตรี เขาได้รับเครดิตจากการพัฒนาเบื้องต้นของหลักคำสอนของ ช่วงเวลาดนตรี(ความสอดคล้องและความไม่สอดคล้องกัน) ขึ้นอยู่กับความสัมพันธ์ทางคณิตศาสตร์ล้วนๆ ที่ได้รับจากการหารสตริง โดยทั่วไปแล้วชาวพีทาโกรัส - ตามตัวอย่างของวัฒนธรรมตะวันออกโบราณ (โดยเฉพาะอียิปต์) - ให้ความสำคัญกับตัวเลขและสัดส่วนที่มีมนต์ขลังโดยเฉพาะอย่างยิ่งคุณสมบัติการรักษาที่มีมนต์ขลังของดนตรี ในที่สุดด้วยการก่อสร้างที่เป็นนามธรรมและการเก็งกำไรชาวพีทาโกรัสก็มาถึงแนวคิดของสิ่งที่เรียกว่า "ความสามัคคีของทรงกลม" โดยเชื่อว่าวัตถุท้องฟ้าซึ่งอยู่ในความสัมพันธ์เชิงตัวเลข (“ ฮาร์โมนิก”) ระหว่างกันควรจะฟังดูเมื่อ เคลื่อนตัวและก่อให้เกิด "ความสามัคคีแห่งสวรรค์"

สำหรับหลักคำสอนเรื่องจริยธรรมในเวลาต่อมา Neoplatonists โดยเฉพาะ Plotinus (ศตวรรษที่ 3) ได้คิดใหม่ด้วยจิตวิญญาณทางศาสนาและลึกลับโดยปราศจากความน่าสมเพชของพลเมืองที่ครั้งหนึ่งเคยมีอยู่ในกรีซ จากที่นี่มีหัวข้อที่ตรงไปยังมุมมองเชิงสุนทรีย์ของยุคกลาง การลดลงของวัฒนธรรมโบราณในยุคการสลายตัวของระบบทาสมีส่วนทำให้การพัฒนาศิลปะคริสเตียนประสบความสำเร็จอย่างแม่นยำซึ่งในหลาย ๆ ด้านซึ่งขัดแย้งกับสุนทรียศาสตร์และการปฏิบัติทางดนตรีของกรุงโรมในศตวรรษก่อน ๆ เป็นไปไม่ได้ที่จะปฏิเสธว่าความเชื่อมโยงบางอย่างเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนผ่านของสองยุคสมัยระหว่างมรดกแห่งสมัยโบราณและการพัฒนาความคิดด้านสุนทรียศาสตร์ในสมัยต่อ ๆ ไป

วัฒนธรรมดนตรีแห่งยุคกลาง

ในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของยุโรปตะวันตก ช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ที่ยาวนานและกว้างไกลของยุคกลางเป็นเรื่องยากที่จะพิจารณาว่าเป็นช่วงเวลาเดียว แม้ว่าจะเป็นยุคใหญ่ช่วงหนึ่งที่มีกรอบลำดับเหตุการณ์ทั่วไปก็ตาม ขอบเขตแรกเริ่มของยุคกลาง - หลังจากการล่มสลายของจักรวรรดิโรมันตะวันตกในปี 476 - มักจะถูกกำหนดให้เป็นศตวรรษที่ 6 ในขณะเดียวกันศิลปะดนตรีเพียงแห่งเดียวที่ทิ้งอนุสรณ์สถานที่เป็นลายลักษณ์อักษรคือดนตรีจนถึงศตวรรษที่ 12 โบสถ์คริสเตียน- ปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนเฉพาะตัวทั้งหมดที่เกี่ยวข้องกับมันพัฒนาขึ้นบนพื้นฐานของการเตรียมการทางประวัติศาสตร์ในระยะยาวเริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 2 และรวมถึงต้นกำเนิดที่ห่างไกลจากยุโรปตะวันตกไปทางตะวันออก - ไปยังปาเลสไตน์, ซีเรีย, อเล็กซานเดรีย นอกจากนี้ วัฒนธรรมดนตรีของคริสตจักรในยุคกลางไม่ทางใดก็ทางหนึ่งไม่ได้หนีรอดจากมรดกของกรีกโบราณและโรมโบราณ แม้ว่า "บรรพบุรุษของคริสตจักร" และนักทฤษฎีในเวลาต่อมาที่เขียนเกี่ยวกับดนตรีจะขัดแย้งกับศิลปะของคริสตจักรคริสเตียนเป็นส่วนใหญ่ กับโลกแห่งศิลปะนอกรีตแห่งยุคโบราณ

เหตุการณ์สำคัญที่สำคัญที่สุดอันดับสองซึ่งเป็นการเปลี่ยนผ่านจากยุคกลางไปสู่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่ได้เกิดขึ้นพร้อมกันในยุโรปตะวันตก: ในอิตาลี - ในศตวรรษที่ 15 ในฝรั่งเศส - ในศตวรรษที่ 16; ในประเทศอื่นๆ การต่อสู้ระหว่างแนวโน้มยุคกลางและเรอเนซองส์เกิดขึ้นในเวลาที่ต่างกัน พวกเขาทั้งหมดกำลังเข้าสู่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาด้วยมรดกที่แตกต่างกันของยุคกลาง พร้อมด้วยข้อสรุปที่เกิดขึ้นจากประสบการณ์ทางประวัติศาสตร์อันกว้างใหญ่ สิ่งนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากจากจุดเปลี่ยนที่สำคัญในการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะของยุคกลางซึ่งเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 11-12 และเกิดจากกระบวนการทางสังคมและประวัติศาสตร์ใหม่ (การเติบโตของเมือง สงครามครูเสด การเกิดขึ้นของสิ่งใหม่ ชนชั้นทางสังคม ศูนย์กลางที่แข็งแกร่งแห่งแรกของวัฒนธรรมทางโลก ฯลฯ)

อย่างไรก็ตาม ด้วยทฤษฎีสัมพัทธภาพหรือการเคลื่อนตัวของขอบเขตตามลำดับเวลา ด้วยความเชื่อมโยงทางพันธุกรรมกับอดีตอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ และการเปลี่ยนแปลงไปสู่อนาคตที่ไม่สม่ำเสมอ สำหรับวัฒนธรรมดนตรี ยุคกลางของยุโรปตะวันตกมันโดดเด่นด้วยปรากฏการณ์และกระบวนการที่สำคัญซึ่งเป็นเอกลักษณ์และคิดไม่ถึงในเงื่อนไขอื่นและในเวลาอื่น ประการแรกคือการเคลื่อนไหวและการดำรงอยู่ในยุโรปตะวันตกของชนเผ่าและผู้คนจำนวนมากในระยะต่างๆ การพัฒนาทางประวัติศาสตร์วิถีชีวิตที่หลากหลายและระบบการเมืองที่แตกต่างกันและในขณะเดียวกันก็มีความปรารถนาอย่างต่อเนื่อง คริสตจักรคาทอลิกเพื่อรวมโลกอันกว้างใหญ่ที่ปั่นป่วนและมีหลายแง่มุมเข้าด้วยกัน ไม่เพียงแต่โดยหลักคำสอนทางอุดมการณ์ทั่วไปเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงหลักการทั่วไปของวัฒนธรรมดนตรีด้วย ประการที่สองคือความเป็นคู่ที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ของวัฒนธรรมดนตรีตลอดยุคกลาง: ศิลปะในคริสตจักรมีความแตกต่างกันอย่างคงเส้นคงวากับความหลากหลายของดนตรีพื้นบ้านทั่วยุโรป ในศตวรรษที่ 1-13 ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและบทกวีรูปแบบใหม่เกิดขึ้น และดนตรีของคริสตจักรก็เปลี่ยนแปลงไปอย่างมาก แต่กระบวนการใหม่เหล่านี้เกิดขึ้นแล้วภายใต้เงื่อนไขของระบบศักดินาที่พัฒนาแล้ว

ดังที่ทราบกันดีว่าลักษณะพิเศษของวัฒนธรรมยุคกลาง การศึกษาในยุคกลาง ศิลปะยุคกลางส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยการพึ่งพาคริสตจักรคริสเตียน

ดนตรีของคริสตจักรคริสเตียนกลับมาเป็นรูปเป็นร่างในรูปแบบดั้งเดิมอีกครั้ง สภาพทางประวัติศาสตร์อำนาจอันสูงส่งของจักรวรรดิโรมัน ความเชื่อในชีวิตหลังความตายในรางวัลสูงสุดสำหรับทุกสิ่งที่ทำบนโลกตลอดจนความคิดเรื่องการชดใช้บาปของมนุษยชาติผ่านการเสียสละของพระคริสต์ที่ถูกตรึงบนไม้กางเขนสามารถดึงดูดมวลชนได้

การเตรียมการร้องเพลงสวดแบบเกรโกเรียนทางประวัติศาสตร์เป็นการร้องเพลงพิธีกรรมของคริสตจักรคริสเตียนที่โดดเด่นนั้นยาวนานและหลากหลาย

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 4 ดังที่ทราบกันดีว่าจักรวรรดิโรมันถูกแบ่งออกเป็นตะวันตก (โรม) และตะวันออก (ไบแซนเทียม) ซึ่งชะตากรรมทางประวัติศาสตร์นั้นแตกต่างออกไป ดังนั้นคริสตจักรตะวันตกและตะวันออกจึงถูกโดดเดี่ยว เนื่องจากศาสนาคริสต์ได้กลายเป็นศาสนาประจำชาติในเวลานั้น

ด้วยการแบ่งแยกจักรวรรดิโรมันและการก่อตั้งศูนย์กลางสองแห่งของคริสตจักรคริสเตียน เส้นทางศิลปะของคริสตจักรซึ่งอยู่ในกระบวนการก่อตัวขั้นสุดท้าย ก็กลายเป็นความโดดเดี่ยวส่วนใหญ่ในตะวันตกและตะวันออก

โรมปรับปรุงทุกสิ่งทุกอย่างที่คริสตจักรคริสเตียนมีอยู่ตามแนวทางของตัวเองและบนพื้นฐานนี้จึงสร้างงานศิลปะที่ได้รับการยกย่องให้เป็นนักบุญ - บทสวดเกรโกเรียน

เป็นผลให้ท่วงทำนองของคริสตจักรที่ได้รับการคัดเลือกเป็นนักบุญและแจกจ่ายภายในปีคริสตจักรถูกรวบรวมภายใต้สมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรี (อย่างน้อยก็ในความคิดริเริ่มของเขา) ห้องนิรภัยอย่างเป็นทางการ - ต่อต้านเสียง ท่วงทำนองประสานเสียงที่รวมอยู่ในนั้นเรียกว่า บทสวดเกรโกเรียนและกลายเป็นพื้นฐานของการร้องเพลงพิธีกรรมของคริสตจักรคาทอลิก คอลเลกชันบทสวดเกรกอเรียนมีขนาดใหญ่มาก ..

การรวบรวมบทสวดเกรกอเรียนจากศตวรรษที่ 11-12 และในช่วงยุคเรอเนซองส์ ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานเบื้องต้นสำหรับการสร้างสรรค์งานโพลีโฟนิกซึ่งบทสวดลัทธิได้รับการพัฒนาที่หลากหลายที่สุด

ยิ่งคริสตจักรโรมันขยายขอบเขตอิทธิพลในยุโรปมากเท่าใด บทสวดเกรโกเรียนก็แผ่กระจายจากโรมไปทางเหนือและตะวันตกมากขึ้นเท่านั้น

การปฏิรูปโน้ตดนตรีดำเนินการโดยนักดนตรี นักทฤษฎี และอาจารย์ชาวอิตาลี Guido d'Arezzo ในไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 11

การปฏิรูปของ Guido มีความแข็งแกร่งในด้านความเรียบง่ายและเป็นธรรมชาติตามแนวคิดดั้งเดิม เขาวาดเส้นสี่เส้นและวาง neumas ไว้บนเส้นเหล่านั้นหรือระหว่างเส้นทั้งสองเส้น ทำให้เส้นเหล่านี้ทั้งหมดมีค่าความสูงที่แม่นยำ นวัตกรรมอีกอย่างหนึ่งของ Guido of Arezzo ซึ่งเป็นสิ่งประดิษฐ์ของเขาก็คือการเลือกสเกลหกขั้นตอนที่เฉพาะเจาะจง (โด-เร-มี-ฟา-ซอล-ลา).

ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 11 ในศตวรรษที่ 12 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในศตวรรษที่ 13 สัญญาณของการเคลื่อนไหวใหม่ปรากฏขึ้นในชีวิตทางดนตรีและความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของประเทศในยุโรปตะวันตกจำนวนหนึ่ง - ในตอนแรกจะสังเกตเห็นได้น้อยลงจากนั้นจึงสังเกตเห็นได้มากขึ้นเรื่อย ๆ จากรูปแบบวัฒนธรรมดนตรียุคกลางเริ่มแรก การพัฒนารสนิยมทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์ไปสู่การสร้างดนตรีประเภทอื่นที่ก้าวหน้ามากขึ้น ไปจนถึงหลักการอื่นๆ ของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรี

ในศตวรรษที่ 12-13 ข้อกำหนดเบื้องต้นทางประวัติศาสตร์ค่อยๆ เกิดขึ้นไม่เพียงแต่สำหรับการก่อตัวของขบวนการสร้างสรรค์ใหม่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการแพร่กระจายบางส่วนไปทั่วยุโรปตะวันตกด้วย ดังนั้นนวนิยายหรือเรื่องราวยุคกลางซึ่งพัฒนาขึ้นบนดินแดนฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 12-13 จึงไม่ได้เหลืออยู่เพียงปรากฏการณ์ของฝรั่งเศสเท่านั้น นอกเหนือจากนวนิยายเกี่ยวกับ Tristan และ Isolde และเรื่องราวเกี่ยวกับ Aucassin และ Nicolette แล้ว Parsifal และ Poor Henry ก็เข้าสู่ประวัติศาสตร์วรรณกรรม ใหม่, สไตล์โกธิคในสถาปัตยกรรมซึ่งแสดงโดยตัวอย่างคลาสสิกในฝรั่งเศส (มหาวิหารในปารีส, ชาตร์, แร็งส์) พบการแสดงออกในเมืองของเยอรมันและเช็กในอังกฤษ ฯลฯ

การออกดอกครั้งแรกของบทกวีทางดนตรีและบทกวีซึ่งเริ่มต้นในโพรวองซ์ในศตวรรษที่ 12 จากนั้นยึดครองฝรั่งเศสตอนเหนือ สะท้อนในสเปน และพบการแสดงออกในเวลาต่อมาในภาษามินเนซังของเยอรมัน ด้วยความคิดริเริ่มของแต่ละเทรนด์เหล่านี้ รูปแบบใหม่จึงเกิดขึ้น ซึ่งเป็นลักษณะของยุคในวงกว้าง ในทำนองเดียวกัน ต้นกำเนิดและการพัฒนาของพฤกษ์ในรูปแบบมืออาชีพ - บางทีอาจเป็นส่วนที่สำคัญที่สุดของวิวัฒนาการทางดนตรีในเวลานั้น - เกิดขึ้นพร้อมกับการมีส่วนร่วมไม่เพียง แต่โรงเรียนสร้างสรรค์ของฝรั่งเศสเท่านั้น และโดยเฉพาะอย่างยิ่งไม่ใช่แค่นักดนตรีกลุ่มเดียวจาก มหาวิหารน็อทร์-ดาม ไม่ว่าบุญจะยิ่งใหญ่แค่ไหนก็ตาม

น่าเสียดายที่เราตัดสินเส้นทางของดนตรียุคกลางโดยคัดเลือกมาในระดับหนึ่ง จากสถานะของแหล่งที่มา เป็นไปไม่ได้ที่จะติดตามความเชื่อมโยงที่เฉพาะเจาะจง เช่น ในการพัฒนาพฤกษ์ระหว่างแหล่งที่มาในเกาะอังกฤษและรูปแบบในทวีป โดยเฉพาะอย่างยิ่งในระยะแรก

ในที่สุดเมืองในยุคกลางก็กลายเป็นศูนย์กลางวัฒนธรรมที่สำคัญ ก่อตั้งมหาวิทยาลัยแห่งแรกในยุโรป (โบโลญญา ปารีส) การก่อสร้างในเมืองขยายตัวขึ้น มีการสร้างมหาวิหารอันอุดมสมบูรณ์ขึ้น และมีการบำเพ็ญกุศลอย่างเอิกเกริกด้วยการมีส่วนร่วมของนักร้องประสานเสียงที่เก่งที่สุด (พวกเขาได้รับการฝึกฝนในโรงเรียนพิเศษ - เมตริซา - ที่โบสถ์ขนาดใหญ่) ลักษณะการเรียนรู้ของสงฆ์ (และการเรียนรู้ดนตรีโดยเฉพาะ) ของยุคกลางไม่ได้กระจุกตัวอยู่ในอารามเท่านั้นอีกต่อไป รูปแบบใหม่ดนตรีคริสตจักรรูปแบบใหม่มีความเกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมของเมืองในยุคกลางอย่างไม่ต้องสงสัย หากบางส่วนได้รับการจัดเตรียมโดยกิจกรรมก่อนหน้านี้ของนักดนตรีสงฆ์ผู้รอบรู้ (เช่น Huccald of Saint-Amand และ Guido of Arezzo) หากตัวอย่างแรก ๆ ของพฤกษ์มาจากโรงเรียนสงฆ์ในฝรั่งเศส โดยเฉพาะจากอารามของ Chartres และ Limoges จากนั้นยังคงมีการพัฒนารูปแบบใหม่ของโพลีโฟนีอย่างต่อเนื่องซึ่งเริ่มต้นขึ้นในกรุงปารีสในศตวรรษที่ 12 และ 13

วัฒนธรรมดนตรียุคกลางอีกชั้นหนึ่งที่มีความสำคัญมากเช่นกันนั้นเริ่มแรกเกี่ยวข้องกับกิจกรรม ขอบเขตความสนใจ และอุดมการณ์ที่แปลกประหลาดของอัศวินชาวยุโรป สงครามครูเสดไปทางทิศตะวันออก, การเคลื่อนไหวครั้งใหญ่ในระยะทางไกล, การสู้รบ, การล้อมเมือง, ความขัดแย้งกลางเมือง, การผจญภัยที่กล้าหาญและเสี่ยง, การพิชิตดินแดนต่างประเทศ, การติดต่อกับผู้คนต่าง ๆ ในภาคตะวันออก, ประเพณี, วิถีชีวิต, วัฒนธรรม, ผิดปกติโดยสิ้นเชิง ความประทับใจ - ทั้งหมดนี้ทิ้งร่องรอยไว้สู่โลกทัศน์ใหม่ของอัศวินผู้ทำสงครามครูเสด เมื่อส่วนหนึ่งของตำแหน่งอัศวินสามารถดำรงอยู่ในสภาวะที่สงบสุขได้ แนวคิดที่มีอยู่ก่อนหน้านี้เกี่ยวกับเกียรติยศของอัศวิน (แน่นอนว่ามีข้อ จำกัด ในสังคม) ได้ถูกรวมเข้ากับลัทธิของหญิงสาวสวยและการบริการของอัศวินต่อเธอ ด้วยอุดมคติของความสุภาพ ความรักและบรรทัดฐานของพฤติกรรมที่เกี่ยวข้อง แล้วมันก็มาถูกทาง การพัฒนาในช่วงต้นศิลปะดนตรีและบทกวีของคณะละคร ซึ่งเป็นตัวอย่างแรกของเนื้อเพลงร้องทางโลกที่เป็นลายลักษณ์อักษรในยุโรป

วัฒนธรรมดนตรีชั้นอื่น ๆ ของยุคกลางยังคงมีอยู่ เกี่ยวข้องกับชีวิตพื้นบ้าน กับกิจกรรมของนักดนตรีเร่ร่อน พร้อมกับการเปลี่ยนแปลงในสภาพแวดล้อมและวิถีชีวิตของพวกเขาที่กำลังจะเกิดขึ้น

ข้อมูลเกี่ยวกับนักดนตรีพื้นบ้านที่เร่ร่อนในยุคกลางมีมากขึ้นและชัดเจนมากขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 9 ถึงศตวรรษที่ 14 นักเล่นปาหี่, นักดนตรี, shpilmans - ตามที่พวกเขาถูกเรียกในเวลาที่ต่างกันและในส่วนต่าง ๆ - เป็นเวลานานที่เป็นตัวแทนของวัฒนธรรมดนตรีทางโลกในยุคของพวกเขาและด้วยเหตุนี้จึงมีบทบาททางประวัติศาสตร์ที่สำคัญ โดยทั่วไปแล้ว บนพื้นฐานของการฝึกฝนดนตรีของพวกเขา ประเพณีการร้องเพลงของพวกเขาที่รูปแบบแรกของเนื้อเพลงฆราวาสของศตวรรษที่ 12 - 13 เป็นรูปเป็นร่าง พวกเขาซึ่งเป็นนักดนตรีเร่ร่อนเหล่านี้ไม่ได้มีส่วนร่วมกับเครื่องดนตรีในขณะที่คริสตจักรปฏิเสธการมีส่วนร่วมหรือยอมรับด้วยความยากลำบากอย่างยิ่ง นอกจากเครื่องดนตรีประเภทลมต่างๆ (ทรัมเป็ต, แตร, ฟลุต, ฟลุตแพน, ปี่สก็อต), เมื่อเวลาผ่านไป, พิณ (จากสมัยโบราณ), ตัวตุ่น (เครื่องดนตรีเซลติก), เครื่องดนตรีประเภทโค้งคำนับ, บรรพบุรุษของไวโอลินในอนาคต - rebab, viela, fidel (อาจเป็น , จากตะวันออก)

เป็นไปได้มากที่นักแสดง นักดนตรี นักเต้น นักกายกรรมในยุคกลาง (มักอยู่รวมกันเป็นกลุ่มเดียว) ที่เรียกว่านักเล่นกลหรือชื่ออื่นที่คล้ายคลึงกัน มีประเพณีทางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ของตนเองที่ย้อนกลับไปในสมัยโบราณ พวกเขาสามารถสืบทอดมรดกมาหลายชั่วอายุคน ศิลปะแบบซิงโครไนซ์นักแสดงชาวโรมันโบราณซึ่งมีลูกหลานเรียกว่าฮิสทรีและละครใบ้เร่ร่อนมาเป็นเวลานานโดยตระเวนไปทั่วยุโรปยุคกลาง ตัวแทนกึ่งตำนานที่เก่าแก่ที่สุดของเซลติก (กวี) และมหากาพย์ดั้งเดิมสามารถถ่ายทอดประเพณีของพวกเขาไปยังนักเล่นปาหี่ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งซึ่งแม้ว่าพวกเขาจะไม่สามารถรักษาความซื่อสัตย์ต่อพวกเขาได้ แต่ก็ยังเรียนรู้บางอย่างจากพวกเขาด้วยตนเอง ไม่ว่าในกรณีใด ภายในศตวรรษที่ 9 เมื่อการกล่าวถึงประวัติศาสตร์และการแสดงละครใบ้ก่อนหน้านี้ถูกแทนที่ด้วยรายงานของนักเล่นกล สิ่งเหล่านี้ส่วนหนึ่งยังเป็นที่รู้จักในฐานะนักแสดงในมหากาพย์อีกด้วย นักเล่นกลจะย้ายจากที่หนึ่งไปยังอีกที่หนึ่งเพื่อแสดงในงานเฉลิมฉลองที่ศาล (ซึ่งพวกเขาจะแห่กันไปในบางวัน) ที่ปราสาทในหมู่บ้าน และบางครั้งก็ได้รับอนุญาตให้เข้าไปในโบสถ์ด้วยซ้ำ ในบทกวีนวนิยายและเพลงในยุคกลางมีการกล่าวถึงการมีส่วนร่วมของนักเล่นกลในความสนุกสนานรื่นเริงและการจัดแว่นตาทุกประเภทในที่โล่ง ตราบใดที่การแสดงเหล่านี้ซึ่งจัดขึ้นในวันหยุดสำคัญๆ ในโบสถ์หรือสุสานนั้นแสดงเป็นภาษาละตินเท่านั้น นักเรียนของโรงเรียนอารามและนักบวชรุ่นเยาว์ก็สามารถมีส่วนร่วมในการแสดงได้ แต่เมื่อถึงศตวรรษที่ 13 ภาษาละตินถูกแทนที่ด้วยภาษาพื้นบ้านในท้องถิ่น - จากนั้นนักดนตรีที่เร่ร่อนโดยแสร้งทำเป็นแสดงบทบาทการ์ตูนและตอนในการแสดงทางจิตวิญญาณด้วยวิธีใดวิธีหนึ่งก็สามารถก้าวเข้าสู่อันดับนักแสดงได้และจากนั้นก็ประสบความสำเร็จด้วย เรื่องตลกของพวกเขาในหมู่ผู้ชมและผู้ฟัง เป็น​เช่น​นี้​ใน​มหาวิหาร​แห่ง​สตราสบูร์ก, รูอ็อง, แร็งส์, และ​กัมบราย. ในบรรดา "เรื่องราว" ที่นำเสนอในช่วงวันหยุด ได้แก่ "การกระทำ" ในวันคริสต์มาสและอีสเตอร์ "การคร่ำครวญของมารีย์" "เรื่องราวของหญิงพรหมจารีที่มีเหตุผลและหญิงพรหมจารีที่โง่เขลา" ฯลฯ เกือบทุกที่ในการแสดงเพื่อประโยชน์ของพวกเขา ผู้เยี่ยมชม การ์ตูนบางตอนหรือตอนอื่น ๆ ที่เกี่ยวข้องกับการมีส่วนร่วมของกองกำลังชั่วร้ายหรือการผจญภัยและคำพูดของคนรับใช้ ที่นี่ขอบเขตเปิดกว้างสำหรับความสามารถทางดนตรีของนักเล่นกลด้วยการแสดงตลกแบบดั้งเดิม

นักดนตรีหลายคนมีบทบาทพิเศษเมื่อพวกเขาเริ่มร่วมมือกับคณะละคร โดยร่วมกับอัศวินผู้อุปถัมภ์ทุกที่ เข้าร่วมในการแสดงเพลงของพวกเขา และเข้าร่วมงานศิลปะรูปแบบใหม่

เป็นผลให้สภาพแวดล้อมของ "ผู้คนพเนจร" นักเล่นปาหี่ shpilmans นักดนตรีที่ประสบการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญเมื่อเวลาผ่านไปจึงไม่คงองค์ประกอบที่สม่ำเสมอ สิ่งนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยการไหลเข้าของกองกำลังใหม่ - ผู้รู้หนังสือ แต่ผู้ที่สูญเสียตำแหน่งที่มั่นคงในสังคมนั่นคือผู้แพ้ที่ถูกแยกประเภทจากนักบวชเล็ก ๆ นักเรียนพเนจรพระผู้ลี้ภัย ปรากฏตัวในหมู่นักแสดงและนักดนตรีนักเดินทางในศตวรรษที่ 11 - 12 ในฝรั่งเศส (และในประเทศอื่น ๆ ) พวกเขาได้รับชื่อคนจรจัดและโกลิอาร์ด แนวคิดและนิสัยชีวิตใหม่ การอ่านออกเขียนได้ และบางครั้งแม้แต่ความรู้บางอย่างก็มาถึงชั้นของการเล่นปาหี่

ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 13 สมาคม shpilmans นักเล่นกล และนักดนตรีได้ก่อตั้งขึ้นในศูนย์ต่างๆ ของยุโรปเพื่อปกป้องสิทธิของพวกเขา กำหนดสถานที่ของพวกเขาในสังคม อนุรักษ์ประเพณีทางวิชาชีพ และส่งต่อให้กับนักเรียน ในปี 1288 Brotherhood of St. ก่อตั้งขึ้นในกรุงเวียนนา Nicholas" ซึ่งรวมนักดนตรีเข้าด้วยกันในปี 1321 "ภราดรภาพแห่งนักบุญ Julien" ในปารีสเป็นองค์กรกิลด์ของนักร้องท้องถิ่น ต่อจากนั้น ได้มีการก่อตั้งกิลด์ "นักร้องหลวง" ในอังกฤษ การเปลี่ยนผ่านสู่วิถีชีวิตแบบกิลด์ทำให้ประวัติศาสตร์การเล่นกลในยุคกลางสิ้นสุดลง แต่นักดนตรีที่เร่ร่อนไม่ได้ปักหลักอยู่ในภราดรภาพ กิลด์ และโรงปฏิบัติงานของตนอย่างสมบูรณ์ การเดินทางของพวกเขาดำเนินต่อไปในศตวรรษที่ 14, 15 และ 16 ครอบคลุมดินแดนอันกว้างใหญ่และท้ายที่สุดก็ทำให้เกิดการเชื่อมต่อทางดนตรีใหม่และทุกวันระหว่างภูมิภาคห่างไกล

ทรูบาดูร์, ทรูแวร์, มินเนซิงเกอร์

โดยพื้นฐานแล้วศิลปะของคณะละครซึ่งมีต้นกำเนิดในโพรวองซ์ในศตวรรษที่ 12 เป็นเพียงจุดเริ่มต้นของขบวนการสร้างสรรค์พิเศษลักษณะของเวลาและเกือบทั้งหมดเกี่ยวข้องกับการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะรูปแบบใหม่ทางโลก จากนั้นส่วนใหญ่นิยมการออกดอกของวัฒนธรรมศิลปะทางโลกในโพรวองซ์ในช่วงแรก โดยมีความหายนะและภัยพิบัติในอดีตค่อนข้างน้อย ระหว่างการอพยพของผู้คน ประเพณีงานฝีมือเก่าแก่ และความสัมพันธ์ทางการค้าที่อนุรักษ์ไว้ยาวนาน ในสภาพทางประวัติศาสตร์เช่นนี้ วัฒนธรรมของอัศวินก็เริ่มเป็นรูปเป็นร่าง

กระบวนการพัฒนาศิลปะฆราวาสยุคแรกอันแปลกประหลาดซึ่งเกิดขึ้นจากความคิดริเริ่มทางศิลปะของอัศวินแห่งโพรวองซาล ได้รับการบำรุงเลี้ยงโดยส่วนใหญ่จากต้นกำเนิดอันไพเราะของเพลงพื้นบ้านและแพร่กระจายไปในวงกว้างของชาวเมือง โดยมีการพัฒนาตามเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างเฉพาะเรื่อง

ศิลปะการแสดงเร่ร่อนได้รับการพัฒนามาเกือบสองศตวรรษนับตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 11 ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 12 ชื่อของทรูแวร์เป็นที่รู้จักในฐานะกวีและนักดนตรีทางตอนเหนือของฝรั่งเศส ในชองปาญ และในอาร์ราส ในศตวรรษที่ 13 กิจกรรมของคณะละครเริ่มเข้มข้นขึ้น ในขณะที่ศิลปะของคณะละครจากแคว้นโพรวองซ์ยุติประวัติศาสตร์ลง

คณะละครได้สืบทอดประเพณีการสร้างสรรค์ของคณะละครในระดับหนึ่ง แต่ในขณะเดียวกันงานของพวกเขาก็มีความเชื่อมโยงที่ชัดเจนมากขึ้นไม่ใช่กับอัศวิน แต่กับวัฒนธรรมเมืองในยุคนั้น อย่างไรก็ตาม ในบรรดานักแสดงก็มีตัวแทนจากแวดวงสังคมต่างๆ ดังนั้นคณะแรกคือ: Guillaume VII, เคานต์แห่งปัวตีเย, Duke of Aquitaine (1071 - 1127) - และ Gascon Marabrun ที่น่าสงสาร

ดังที่เราทราบ คณะนักร้องชาวโปรวองซ์มักจะร่วมมือกับนักเล่นกลที่เดินทางไปกับพวกเขา แสดงเพลงหรือร้องเพลงร่วมกับพวกเขา ราวกับรวมหน้าที่ของคนรับใช้และผู้ช่วยไปพร้อมๆ กัน นักร้องทำหน้าที่เป็นผู้อุปถัมภ์ผู้แต่งผลงานดนตรีและนักเล่นปาหี่ทำหน้าที่เป็นนักแสดง

ในศิลปะดนตรีและบทกวีของคณะนักร้องประสานเสียงมีเพลงบทกวีหลากหลายประเภทที่มีลักษณะเฉพาะ: อัลบา (เพลงแห่งรุ่งอรุณ), ปาสตูเรล, Sirventa, เพลงของพวกครูเสด, เพลงบทสนทนา, เพลงคร่ำครวญ, เพลงเต้นรำ รายการนี้ไม่ใช่การจำแนกประเภทที่เข้มงวด เนื้อเพลงรักรวมอยู่ในอัลบั้ม เพลงพาสทูเรล และเพลงเต้นรำ

Sirventa - การกำหนดไม่ชัดเจนมาก ไม่ว่าในกรณีใด นี่ไม่ใช่เพลงโคลงสั้น ๆ ฟังดูในนามของอัศวินนักรบนักรบผู้กล้าหาญอาจเป็นการเสียดสีกล่าวหามุ่งเป้าไปที่ทั้งชั้นเรียนในบางรุ่นหรือเหตุการณ์บางอย่าง ต่อมาแนวเพลงบัลลาดและรอนโด้ก็เกิดขึ้น

ดังที่สามารถตัดสินได้บนพื้นฐานของสื่อการวิจัยพิเศษ ศิลปะของนักร้องเร่ร่อนไม่ได้ถูกแยกออกจากประเพณีในอดีตหรือจากความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและบทกวีในรูปแบบร่วมสมัยอื่น ๆ

ศิลปะของคณะนักร้องประสานเสียงเป็นจุดเชื่อมโยงที่สำคัญระหว่างเนื้อเพลงและบทกวีรูปแบบแรกๆ ในยุโรปตะวันตก ระหว่างดนตรีและประเพณีในชีวิตประจำวัน และความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีที่มีความเป็นมืออาชีพสูงในศตวรรษที่ 13 ศตวรรษที่สิบสี่ ตัวแทนของศิลปะในเวลาต่อมาต่างก็มุ่งสู่ความเป็นมืออาชีพทางดนตรีและเชี่ยวชาญรากฐานของทักษะทางดนตรีใหม่

นั่นเป็นวิธีที่มันเป็น อดัม เดอ ลา อัล (ค.ศ. 1237-1238 - 1287) หนึ่งในคณะสุดท้ายซึ่งเป็นชาวอาร์ราส กวีชาวฝรั่งเศส นักแต่งเพลง และนักเขียนบทละครในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 13 ตั้งแต่ปี 1271 เขารับราชการในราชสำนักของเคานต์ Robert d'Artois ซึ่งในปี 1282 เขาได้ไปพบ Charles of Anjou กษัตริย์แห่งซิซิลีในเนเปิลส์ ระหว่างที่เขาอยู่ในเนเปิลส์ "เกมของโรบินและแมเรียน" ได้ถูกสร้างขึ้น - ผลงานที่ใหญ่ที่สุดและสำคัญที่สุดของนักกวีและนักแต่งเพลง

ผลงานดังกล่าวถือเป็นยุคก่อนประวัติศาสตร์ของการกำเนิดละครเพลงฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 และบทละครแห่งศตวรรษที่ 19

ตัวอย่างของศิลปะของคณะละครมาที่เยอรมนีในศตวรรษที่ 12 และ 13 และดึงดูดความสนใจจากความสนใจที่นั่น เนื้อเพลงของเพลงได้รับการแปลเป็นภาษาเยอรมัน แม้แต่เพลงบางครั้งก็มีคำศัพท์ใหม่มาแทนที่อีกด้วย การพัฒนาตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 12 (จนถึงต้นศตวรรษที่ 15) ของมินเนซังชาวเยอรมันในฐานะศูนย์รวมทางศิลปะของวัฒนธรรมอัศวินในท้องถิ่น ทำให้ความสนใจในศิลปะดนตรีและบทกวีของคณะละครชาวฝรั่งเศส - โดยเฉพาะในหมู่ คนงานเหมืองยุคแรก - ค่อนข้างเข้าใจได้

ศิลปะของ Minnesingers พัฒนาขึ้นมาเกือบหนึ่งศตวรรษหลังจากศิลปะของนักร้องเร่ร่อน ในสถานการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่แตกต่างกันเล็กน้อย ในประเทศที่ในตอนแรกไม่มีรากฐานที่แข็งแกร่งเช่นนี้สำหรับการสร้างโลกทัศน์ใหม่ทางโลกล้วนๆ

ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของ Minnesang คือ Walter von der Vogelweide กวี ผู้แต่ง "Parsifal" Wolfram von Eschenbach ดังนั้นตำนานที่เป็นรากฐานของ Tannhäuser ของ Wagner จึงอิงจากข้อเท็จจริงทางประวัติศาสตร์

อย่างไรก็ตาม กิจกรรมของคนงานเหมืองชาวเยอรมันไม่ได้จำกัดอยู่เพียงการให้บริการและการแสดงในศาลเท่านั้น แต่เป็นกิจกรรมที่โดดเด่นที่สุดในบรรดาพวกเขาที่ใช้เวลาส่วนสำคัญในชีวิตในการเดินทางไกล

ดังนั้น ศิลปะของมินเนซังจึงไม่ใช่มิติเดียว แต่เป็นการผสมผสานแนวโน้มต่างๆ เข้าด้วยกัน และโดยทั่วไปด้านทำนองจะก้าวหน้ามากกว่าบทกวี ประเภทของเพลงที่หลากหลายในหมู่ Minnesingers นั้นคล้ายคลึงกับเพลงที่ปลูกโดยคณะนักร้องประสานเสียงProvençalในหลาย ๆ ด้าน: เพลงของพวกครูเสด เพลงรักโคลงสั้น ๆ หลากหลายชนิด,เพลงแดนซ์.

ดนตรีศักดิ์สิทธิ์ของยุคกลางตอนปลายยังคงพัฒนาต่อไป การนำเสนอดนตรีแบบโพลีโฟนิกได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวาง

พัฒนาการของการเขียนโพลีโฟนิกซึ่งเริ่มแรกมีลักษณะเฉพาะของศิลปะคริสตจักร ยังนำไปสู่การก่อตัวของแนวดนตรีใหม่ทั้งเนื้อหาทางจิตวิญญาณและทางโลก ประเภทของโพลีโฟนีที่พบบ่อยที่สุดกำลังกลายเป็น โมเท็ต

โมเตตซึ่งมีอนาคตอันยิ่งใหญ่รออยู่ข้างหน้า ได้รับการพัฒนาอย่างเข้มข้นมากในศตวรรษที่ 13 ต้นกำเนิดของมันย้อนกลับไปในศตวรรษก่อน โดยเกิดขึ้นจากกิจกรรมสร้างสรรค์ของโรงเรียนน็อทร์-ดาม และในตอนแรกมีวัตถุประสงค์ในพิธีกรรม

โมเตตในคริสต์ศตวรรษที่ 13 เป็นงานโพลีโฟนิก (ปกติจะเป็นเสียงสามเสียง) ขนาดเล็กหรือขนาดกลาง คุณลักษณะประเภทของโมเท็ตคือการพึ่งพาตัวอย่างทำนองเพลงสำเร็จรูป (จากเพลงของคริสตจักรจากเพลงฆราวาส) ซึ่งมีเสียงอื่น ๆ ของตัวละครต่าง ๆ ซ้อนกันและบางครั้ง ของต้นกำเนิดต่างๆ- ผลลัพธ์ที่ได้คือการผสมผสานระหว่างท่วงทำนองที่แตกต่างกันและเนื้อเพลงที่แตกต่างกัน

เครื่องดนตรี (vielas, psalterium, อวัยวะ) สามารถมีส่วนร่วมในการแสดงของโมเท็ตบางชนิดได้ ในที่สุดในศตวรรษที่ 13 รูปแบบที่เป็นเอกลักษณ์ของพฤกษ์โพลีโฟนีในชีวิตประจำวันที่เรียกว่า rondel, rota, ru (wheel) ก็ได้รับความนิยมเช่นกัน นี่คือหลักการการ์ตูนที่ชาวเรือในยุคกลางรู้จักเช่นกัน

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 13 ศิลปะทางดนตรีของฝรั่งเศสได้เข้ามามีบทบาทในยุโรปตะวันตกเป็นส่วนใหญ่ วัฒนธรรมทางดนตรีและบทกวีของคณะละครและคณะละครตลอดจน ขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาโพลีโฟนีส่วนหนึ่งมีอิทธิพลต่อศิลปะดนตรีของประเทศอื่น ในประวัติศาสตร์ดนตรี ศตวรรษที่ 13 (ตั้งแต่ประมาณทศวรรษที่ 1230) ได้รับการขนานนามว่า "Ars antiqua" ("ศิลปะเก่า")

อาท โนวา ในฝรั่งเศส กิลโลม มาชอต

ประมาณปี 1320 งานดนตรี-ทฤษฎีของ Philippe de Vitry ชื่อ "Ars nova" ถูกสร้างขึ้นในกรุงปารีส คำเหล่านี้ - "ศิลปะใหม่" - กลายเป็นบทกลอน: จากนั้นคำจำกัดความของ "ยุคของ Ars nova" ก็มาถึงซึ่งจนถึงทุกวันนี้มักจะนำมาประกอบกับดนตรีฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 14 สำนวน "ศิลปะใหม่", "โรงเรียนใหม่", "นักร้องใหม่" มักพบเห็นในช่วงเวลาของ Philippe de Vitry ไม่เพียงแต่ในงานทางทฤษฎีเท่านั้น ไม่ว่านักทฤษฎีจะสนับสนุนกระแสใหม่ๆ หรือประณามกระแสดังกล่าว ไม่ว่าสมเด็จพระสันตะปาปาจะทรงประณามกระแสเหล่านี้ ทุกที่ล้วนนึกถึงสิ่งใหม่ๆ ในการพัฒนาศิลปะดนตรีที่ไม่เคยมีมาก่อนการมาถึงของรูปแบบพหุโฟนีที่พัฒนาแล้ว

ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของ Ags nova ในฝรั่งเศส คือ กิโยม เดอ มาโชต์-กวีและนักแต่งเพลงชื่อดังในสมัยของเขาซึ่งมีการศึกษามรดกทางความคิดสร้างสรรค์ในประวัติศาสตร์วรรณคดีด้วย

ไม่ว่ามันจะซับซ้อนแค่ไหนในศตวรรษที่ 14 การพัฒนาต่อไปรูปแบบโพลีโฟนิก แนวดนตรีและบทกวีที่มาจากคณะละครและคณะไม่ได้สูญหายไปอย่างสิ้นเชิงในบรรยากาศของ Аrs nova ของฝรั่งเศส หาก Philippe de Vitry เป็นนักดนตรีผู้รอบรู้เป็นหลัก และ Guillaume de Machaut ก็กลายมาเป็น ปรมาจารย์กวีชาวฝรั่งเศสอย่างไรก็ตาม ทั้งคู่ยังเป็นกวี-นักดนตรี นั่นคือในแง่นี้ ดูเหมือนว่าพวกเขาจะสานต่อประเพณีของคณะนักร้องประสานเสียงแห่งศตวรรษที่ 13 ในท้ายที่สุด กิจกรรมสร้างสรรค์ของ Philippe de Vitry ซึ่งเริ่มแต่งเพลงในช่วงปี 1313-1314 และแม้แต่กิจกรรมของ Machaut (ตั้งแต่ปี 1320-1330) ก็แยกออกจากกันในเวลาไม่นานนัก ชีวิตที่สร้างสรรค์อาดามา เด ลา อัล (สวรรคต ค.ศ. 1286 หรือ ค.ศ. 1287)

บทบาททางประวัติศาสตร์ Guillaume d'Machau มีความสำคัญมากกว่ามาก หากไม่มีเขา ก็จะไม่มี Ars nova ในฝรั่งเศสเลย มันเป็นความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและบทกวีของเขาที่มีมากมายต้นฉบับหลากหลายแนวที่เน้นไปที่คุณสมบัติหลักของยุคนี้ ศิลปะของเขาดูเหมือนจะผสมผสานแนวที่ถ่ายทอดจากวัฒนธรรมทางดนตรีและบทกวีของคณะนักร้องประสานเสียงและคณะนักร้องประสานเสียงในพื้นฐานของเพลงโบราณ และอีกด้านหนึ่งจากโรงเรียนพหูพจน์ของฝรั่งเศสในช่วงศตวรรษที่ 11-111

น่าเสียดายที่เราไม่รู้อะไรเลยเกี่ยวกับเส้นทางชีวิตของ Masho จนถึงปี 1323 เป็นที่ทราบกันเพียงว่าเขาเกิดประมาณปี 1300 ในเมือง Machaut เขาเป็นกวีที่มีการศึกษาสูงและมีความรู้กว้างขวางและเป็นปรมาจารย์ด้านฝีมือการประพันธ์เพลงอย่างแท้จริง ด้วยความสามารถที่สูงอย่างไม่อาจปฏิเสธได้ แน่นอนว่าเขาควรได้รับการเตรียมตัวอย่างละเอียดสำหรับกิจกรรมด้านวรรณกรรมและดนตรี วันแรกที่เกี่ยวข้องกับข้อเท็จจริงของชีวประวัติของ Machaut คือปี 1322 - 1323 เมื่อการรับราชการของเขาเริ่มต้นที่ราชสำนักของกษัตริย์จอห์นแห่ง ลักเซมเบิร์กแห่งโบฮีเมีย (คนแรกในตำแหน่งเสมียน จากนั้นเป็นเลขานุการของกษัตริย์) เป็นเวลากว่ายี่สิบปีที่ Machaut อยู่ที่ราชสำนักของกษัตริย์แห่งโบฮีเมีย บางครั้งอยู่ในปราก บางครั้งก็มีส่วนร่วมในการรณรงค์ การเดินทาง งานเทศกาล การล่าสัตว์ ฯลฯ อย่างต่อเนื่อง ในการติดตามของจอห์นแห่งลักเซมเบิร์ก เขามีโอกาสไปเยี่ยมเยียน ศูนย์กลางสำคัญของอิตาลี เยอรมนี และโปแลนด์ ทั้งหมดนี้ทำให้ Guillaume de Machaut มีความประทับใจมากมายและทำให้ประสบการณ์ชีวิตของเขาสมบูรณ์ยิ่งขึ้น หลังจากการสิ้นพระชนม์ของกษัตริย์แห่งโบฮีเมียในปี 1346 พระองค์ทรงเข้ารับราชการของกษัตริย์ฝรั่งเศส จอห์นเดอะกู๊ด และชาร์ลส์ที่ 5 และยังได้รับการแต่งตั้งให้เป็นนักบุญในอาสนวิหารน็อทร์-ดามในเมืองแร็งส์ สิ่งนี้มีส่วนทำให้เขามีชื่อเสียงในฐานะกวี Machaut มีคุณค่าอย่างสูงในช่วงชีวิตของเขา และหลังจากที่เขาเสียชีวิตในปี 1377 เขาก็ได้รับการยกย่องจากคนรุ่นราวคราวเดียวกับเขาด้วยคำจารึกอันงดงาม Machaut มีอิทธิพลสำคัญต่อกวีนิพนธ์ฝรั่งเศสและสร้างโรงเรียนทั้งหมดซึ่งมีลักษณะของบทกวีบทกวีที่เขาพัฒนาขึ้น

ขนาดของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและบทกวีของ Machaut พร้อมการพัฒนาแนวเพลงพหุภาคี ความเป็นอิสระของตำแหน่งของเขา ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อกวีชาวฝรั่งเศส ทักษะระดับสูงของนักดนตรี - ทั้งหมดนี้ทำให้เขาเป็นบุคคลสำคัญคนแรกในประวัติศาสตร์ของ ศิลปะดนตรี

มรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของ Masho นั้นกว้างขวางและหลากหลาย เขาสร้างโมเท็ต บัลลาด รอนโด แคนนอน ฯลฯ

หลังจาก Machaut เมื่อชื่อของเขาได้รับความเคารพอย่างสูงจากกวีและนักดนตรี และอิทธิพลของเขาได้รับการสัมผัสไม่ทางใดก็ทางหนึ่งจากทั้งสองอย่าง เขาไม่มีผู้สืบทอดที่สำคัญอย่างแท้จริงในหมู่ นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส- พวกเขาเรียนรู้มากมายจากประสบการณ์ของเขาในฐานะนักโพลีโฟนิสต์ เชี่ยวชาญเทคนิคของเขา และยังคงปลูกฝังแนวเพลงเดียวกันกับเขา แต่ได้ขัดเกลางานศิลปะของพวกเขาบ้างโดยทำให้รายละเอียดซับซ้อนเกินไป

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ความสำคัญที่ยั่งยืนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสำหรับวัฒนธรรมและศิลปะของยุโรปตะวันตกได้รับการยอมรับจากนักประวัติศาสตร์มายาวนานและเป็นที่รู้จักโดยทั่วไป ดนตรีในยุคเรอเนซองส์นำเสนอโดยโรงเรียนสร้างสรรค์ใหม่และมีอิทธิพลหลายแห่ง ได้แก่ Francesco Landini ในฟลอเรนซ์ในศตวรรษที่ 14 ชื่ออันรุ่งโรจน์ของ Guillaume Dufay และ Johannes Ockeghem ในศตวรรษที่ 15 Josquin Despres ใน ต้นเจ้าพระยาศตวรรษและกาแล็กซีของสไตล์คลาสสิกที่เข้มงวดในช่วงปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - Palestrina, Orlando Lasso

มันเป็นจุดเริ่มต้นในอิตาลี ยุคใหม่มาเพื่อศิลปะดนตรีในศตวรรษที่ 14 โรงเรียนภาษาดัตช์เริ่มเป็นรูปเป็นร่างและถึงจุดสูงสุดครั้งแรกในศตวรรษที่ 15 หลังจากนั้นการพัฒนาก็ขยายออกไป และอิทธิพลของโรงเรียนก็ครอบงำอาจารย์ของโรงเรียนระดับชาติอื่นๆ ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง สัญญาณของยุคเรอเนซองส์ปรากฏอย่างชัดเจนในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 แม้ว่าความสำเร็จเชิงสร้างสรรค์จะยิ่งใหญ่และไม่อาจปฏิเสธได้แม้กระทั่งในศตวรรษก่อนๆ ความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะในเยอรมนี อังกฤษ และประเทศอื่นๆ บางประเทศที่รวมอยู่ในวงโคจรของยุคเรอเนซองส์มีขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 16

ดังนั้นในศิลปะดนตรีของประเทศในยุโรปตะวันตก ลักษณะที่ชัดเจนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาจึงปรากฏขึ้น แม้ว่าจะมีความไม่สม่ำเสมอบ้างก็ตาม ภายในศตวรรษที่ XIV-XVI วัฒนธรรมทางศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยเฉพาะอย่างยิ่งวัฒนธรรมทางดนตรีไม่ได้หันเหไปจากสิ่งที่ดีที่สุดอย่างไม่ต้องสงสัย ความสำเร็จที่สร้างสรรค์ยุคกลางตอนปลาย ความซับซ้อนทางประวัติศาสตร์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีรากฐานมาจากความจริงที่ว่าระบบศักดินายังคงได้รับการอนุรักษ์ไว้เกือบทุกที่ในยุโรป และการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเกิดขึ้นในการพัฒนาสังคม ซึ่งในหลาย ๆ ด้านได้เตรียมการเริ่มของยุคใหม่ สิ่งนี้แสดงออกมาในขอบเขตทางสังคมและเศรษฐกิจ ชีวิตทางการเมืองในการขยายขอบเขตอันไกลโพ้นของผู้ร่วมสมัย - ทางภูมิศาสตร์, วิทยาศาสตร์, ศิลปะในการเอาชนะเผด็จการทางจิตวิญญาณของคริสตจักร, ในการเพิ่มขึ้นของมนุษยนิยม, การเติบโตของการตระหนักรู้ในตนเองของบุคลิกภาพที่สำคัญ ด้วยความสว่างเป็นพิเศษ สัญญาณของโลกทัศน์ใหม่จึงปรากฏขึ้นและเป็นที่ยอมรับในขณะนั้นในการสร้างสรรค์ทางศิลปะ ในการเคลื่อนไหวไปข้างหน้าของศิลปะต่างๆ ซึ่ง "การปฏิวัติทางจิตใจ" ที่ยุคเรอเนซองส์สร้างขึ้นมีความสำคัญอย่างยิ่ง

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าความเข้าใจใน "ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" ของลัทธิมนุษยนิยมได้อัดฉีดพลังใหม่ๆ มหาศาลให้กับงานศิลปะในยุคนั้น เป็นแรงบันดาลใจให้ศิลปินค้นหาธีมใหม่ๆ และกำหนดลักษณะของภาพและเนื้อหาของผลงานเป็นส่วนใหญ่ สำหรับศิลปะแห่งดนตรี มนุษยนิยมหมายถึงการลึกซึ้งถึงความรู้สึกของมนุษย์เป็นอันดับแรก โดยยอมรับว่าเป็นสิ่งใหม่ คุณค่าทางสุนทรียะ- สิ่งนี้มีส่วนช่วยในการระบุและการนำคุณสมบัติที่แข็งแกร่งที่สุดของความจำเพาะทางดนตรีไปใช้

ยุคสมัยโดยรวมมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความโดดเด่นที่ชัดเจนของแนวเสียงร้อง โดยเฉพาะเสียงประสาน ดนตรีบรรเลงอย่างช้าๆ ทีละน้อยเท่านั้นที่จะได้รับความเป็นอิสระ แต่การพึ่งพาโดยตรงต่อรูปแบบเสียงร้องและแหล่งที่มาในชีวิตประจำวัน (การเต้นรำ เพลง) จะเอาชนะได้ในภายหลังเล็กน้อย แนวดนตรีหลักยังคงเกี่ยวข้องกับข้อความด้วยวาจา

ทางใหญ่พัฒนาการของศิลปะดนตรีตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 จนถึงปลายศตวรรษที่ 16 ไม่ได้เรียบง่ายและตรงไปตรงมา เช่นเดียวกับที่วัฒนธรรมทางจิตวิญญาณทั้งหมดของยุคเรอเนซองส์ไม่ได้พัฒนาเพียงอย่างเดียวและเฉพาะในเส้นตรงจากน้อยไปมาก ในศิลปะดนตรีเช่นเดียวกับในสาขาที่เกี่ยวข้องมีทั้ง "แนวโกธิค" ของตัวเองและมรดกที่มั่นคงและเหนียวแน่นของยุคกลาง

ศิลปะดนตรีของประเทศในยุโรปตะวันตกได้ก้าวไปสู่หลักชัยใหม่ในความหลากหลายของโรงเรียนภาษาอิตาลี ดัตช์ ฝรั่งเศส เยอรมัน สเปน อังกฤษ และโรงเรียนสร้างสรรค์อื่น ๆ และในขณะเดียวกันก็มีการแสดงแนวโน้มทั่วไปอย่างชัดเจน สไตล์คลาสสิกที่เข้มงวดได้ถูกสร้างขึ้นแล้ว "การประสานกัน" ของโพลีโฟนีกำลังดำเนินอยู่ การเคลื่อนไหวไปสู่การเขียนโฮโมโฟนิกทวีความรุนแรงมากขึ้น บทบาทของบุคลิกลักษณะเฉพาะที่สร้างสรรค์ของศิลปินเพิ่มขึ้น ความสำคัญของดนตรีในชีวิตประจำวันและผลกระทบต่อเสียงสูง ระดับศิลปะระดับมืออาชีพกำลังแข็งแกร่งขึ้น แนวดนตรีฆราวาสได้รับการเสริมคุณค่าและเป็นรายบุคคล (โดยเฉพาะเพลงมาดริกัลของอิตาลี) ดนตรีบรรเลงรุ่นเยาว์กำลังเข้าใกล้เกณฑ์แห่งความเป็นอิสระ ศตวรรษที่ 17 ได้รับทั้งหมดนี้โดยตรงจากศตวรรษที่ 16 - ในฐานะมรดกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

อาท โนวา ในอิตาลี ฟรานเชสโก ลันดินี

ศิลปะดนตรีอิตาเลียนแห่งศตวรรษที่ 14 (Trecento) โดยทั่วไปแล้วจะสร้างความประทับใจอันน่าทึ่งของความสดใหม่ ราวกับว่าเป็นเยาวชนที่มีสไตล์ใหม่ที่เพิ่งเกิดขึ้น ดนตรีของ Ars เป็นดนตรีแนวใหม่ในอิตาลีและมีความน่าดึงดูดและแข็งแกร่งเนื่องจากมีลักษณะความเป็นอิตาลีล้วนๆ และความแตกต่างจากศิลปะฝรั่งเศสในเวลาเดียวกัน Ars เป็นสิ่งใหม่ในอิตาลี - เป็นรุ่งอรุณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งเป็นลางสังหรณ์ที่สำคัญ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ฟลอเรนซ์กลายเป็นศูนย์กลางของกิจกรรมสร้างสรรค์ของตัวแทนชาวอิตาลีของ Ars nova ซึ่งความสำคัญเป็นสิ่งสำคัญยิ่งสำหรับวรรณกรรมแนวใหม่ที่มีทิศทางเห็นอกเห็นใจและในระดับสูงสำหรับวิจิตรศิลป์

ยุค Ars nova ครอบคลุมช่วงศตวรรษที่ 14 ตั้งแต่ประมาณคริสต์ทศวรรษที่ 20 ถึงคริสต์ทศวรรษที่ 80 และโดดเด่นด้วยความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีฆราวาสที่เบ่งบานอย่างแท้จริงครั้งแรกในอิตาลี Ars nova ของอิตาลีมีลักษณะเด่นที่ไม่อาจปฏิเสธได้ งานฆราวาสเหนือจิตวิญญาณ ในกรณีส่วนใหญ่ นี่คือตัวอย่างเนื้อเพลงหรือแนวเพลงบางประเภท

ที่ศูนย์กลางของขบวนการ Ars nova ร่างของ Francesco Landini กลายเป็นศิลปินผู้มั่งคั่งและมีความสามารถหลากหลาย ซึ่งสร้างความประทับใจอย่างมากต่อศิลปินร่วมสมัยที่ก้าวหน้าของเขา

Landini เกิดที่เมือง Fiesole ใกล้เมืองฟลอเรนซ์ ในครอบครัวของจิตรกร หลังจากป่วยไข้ทรพิษในวัยเด็ก เขาก็ตาบอดถาวร ตามที่วิลลานีกล่าว เขาเริ่มเรียนดนตรีตั้งแต่เนิ่นๆ (ร้องเพลงครั้งแรกจากนั้นจึงเล่นเครื่องสายและออร์แกน) การพัฒนาทางดนตรีของเขาดำเนินไปอย่างรวดเร็วและทำให้คนรอบข้างประหลาดใจ เขาศึกษาการออกแบบเครื่องดนตรีหลายอย่างอย่างดีเยี่ยม ปรับปรุงและคิดค้นการออกแบบใหม่ๆ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Francesco Landini แซงหน้านักดนตรีชาวอิตาลีในยุคของเขาทั้งหมด

เขามีชื่อเสียงเป็นพิเศษจากการเล่นออร์แกน ซึ่งเขาได้รับมงกุฎเกียรติยศในเมืองเวนิสต่อหน้าเพทราร์กในปี 1364 นักวิจัยสมัยใหม่เชื่อว่าสิ่งนี้ งานยุคแรกภายในปี 1365-1370 ในช่วงทศวรรษที่ 1380 ชื่อเสียงของ Landini ในฐานะนักแต่งเพลงได้บดบังความสำเร็จของศิลปินชาวอิตาลีในยุคเดียวกันทั้งหมดแล้ว Landini เสียชีวิตในฟลอเรนซ์และถูกฝังอยู่ในโบสถ์ San Lorenzo; วันที่บนป้ายหลุมศพของเขาคือวันที่ 2 กันยายน ค.ศ. 1397

ปัจจุบันมีการรู้จักการแต่งเพลงของ Landini 154 รายการ เพลงบัลลาดมีอิทธิพลเหนือกว่าในหมู่พวกเขา

งานของ Landini เป็นการยุติยุค Ars nova ของอิตาลีโดยพื้นฐานแล้ว ไม่ต้องสงสัยเลยว่าระดับทั่วไปของงานศิลปะของ Landini และคุณลักษณะเฉพาะของงานศิลปะนั้นไม่อนุญาตให้เราพิจารณาว่ามันเป็นแบบจังหวัด ดั้งเดิม หรือแบบ hedonistic ล้วนๆ

ในช่วงสองทศวรรษที่ผ่านมาของศตวรรษที่ 19 มีการเปลี่ยนแปลงในศิลปะดนตรีของอิตาลี ซึ่งเป็นครั้งแรกที่ละเมิดความสมบูรณ์ของตำแหน่งของ Ars Nova และจากนั้นก็นำไปสู่การสิ้นสุดของยุคของมัน ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 10 เป็นของยุคประวัติศาสตร์ใหม่แล้ว

บทคัดย่อเรื่อง “ดนตรี” ชั้นประถมศึกษาปีที่ 7

ในช่วงยุคกลาง วัฒนธรรมดนตรีรูปแบบใหม่เกิดขึ้นในยุโรป - ระบบศักดินา ผสมผสานศิลปะระดับมืออาชีพ การทำดนตรีสมัครเล่น และนิทานพื้นบ้าน เนื่องจากคริสตจักรครอบงำชีวิตฝ่ายวิญญาณทุกด้าน พื้นฐานของศิลปะดนตรีมืออาชีพจึงเป็นกิจกรรมของนักดนตรีในโบสถ์และอาราม ศิลปะอาชีพทางโลกในตอนแรกมีเพียงนักร้องที่สร้างและแสดงนิทานมหากาพย์ที่ศาล ในบ้านของชนชั้นสูง ในหมู่นักรบ ฯลฯ (กวี สกัลล์ ฯลฯ) เมื่อเวลาผ่านไป รูปแบบการทำดนตรีของอัศวินทั้งมือสมัครเล่นและกึ่งมืออาชีพพัฒนาขึ้น: ในฝรั่งเศส - ศิลปะของนักร้องและนักร้อง (Adam de la Halle ศตวรรษที่ 13) ในเยอรมนี - นักร้องนำ (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, ศตวรรษที่ XII-XIII) เช่นเดียวกับช่างฝีมือในเมือง ในปราสาทและเมืองศักดินาทุกประเภทแนวเพลงและรูปแบบของเพลงได้รับการปลูกฝัง (มหากาพย์ "รุ่งอรุณ" รอนโดเพลงบัลลาด ฯลฯ )

เครื่องดนตรีใหม่ๆ กำลังเข้ามาในชีวิตประจำวัน รวมถึงเครื่องดนตรีที่มาจากตะวันออก (ไวโอลิน พิณ ฯลฯ) และวงดนตรี (ที่มีองค์ประกอบที่ไม่แน่นอน) กำลังเกิดขึ้น นิทานพื้นบ้านเจริญรุ่งเรืองในหมู่ชาวนา นอกจากนี้ยังมี "มืออาชีพพื้นบ้าน": นักเล่าเรื่องศิลปินนักเดินทาง (นักเล่นปาหี่ละครใบ้นักร้องนักดนตรี shpilmans ตัวตลก) ดนตรีทำหน้าที่หลักในการประยุกต์และการปฏิบัติทางจิตวิญญาณ ความคิดสร้างสรรค์ปรากฏเป็นหนึ่งเดียวกับการแสดง (โดยปกติจะเกิดในคนๆ เดียว) และด้วยการรับรู้ การรวมกลุ่มมีอิทธิพลเหนือทั้งเนื้อหาของดนตรีและในรูปแบบของดนตรี หลักการของปัจเจกบุคคลนั้นอยู่ภายใต้หลักการของบุคคลทั่วไปโดยไม่โดดเด่น (นักดนตรีระดับปรมาจารย์คือตัวแทนที่ดีที่สุดของชุมชน) ประเพณีอันเข้มงวดและความเป็นที่ยอมรับในทุกสิ่ง การรวม การอนุรักษ์ และการเผยแพร่ประเพณีและมาตรฐาน (แต่ยังมีการปรับปรุงอย่างค่อยเป็นค่อยไป) ได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการเปลี่ยนจาก neumas ซึ่งระบุเพียงธรรมชาติของการเคลื่อนไหวอันไพเราะโดยประมาณไปเป็นสัญกรณ์เชิงเส้น (Guido d'Arezzo, ศตวรรษที่ XI) ซึ่ง ทำให้สามารถบันทึกเสียงและระยะเวลาได้อย่างแม่นยำ

เนื้อหาของดนตรี แนวเพลง รูปแบบ และวิธีการแสดงออกก็ค่อยๆ เข้มข้นขึ้นทีละน้อย ในยุโรปตะวันตกตั้งแต่ศตวรรษที่ 6-7 ระบบดนตรีคริสตจักรแบบเสียงเดียว (โมโนดิก) ที่มีการควบคุมอย่างเข้มงวดขึ้นอยู่กับโหมดไดโทนิก (บทสวดเกรกอเรียน) กำลังเกิดขึ้น ผสมผสานการบรรยาย (สดุดี) และการร้องเพลง (เพลงสวด) ในช่วงเปลี่ยนผ่านของสหัสวรรษที่ 1 และ 2 พฤกษ์เริ่มปรากฏให้เห็น แนวเสียงร้องใหม่ (นักร้องประสานเสียง) และเสียงร้อง-เครื่องดนตรี (นักร้องประสานเสียงและออร์แกน) กำลังถูกสร้างขึ้น: ออร์แกนัม โมเท็ต การนำเพลง และมวล ในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 12 โรงเรียนนักแต่งเพลง (สร้างสรรค์) แห่งแรกก่อตั้งขึ้นที่มหาวิหารน็อทร์-ดาม (Leonin, Perotin) ในช่วงเปลี่ยนผ่านของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (สไตล์ ars nova ในฝรั่งเศสและอิตาลี ศตวรรษที่ 14) ในดนตรีมืออาชีพ เสียงโมโนโฟนีถูกแทนที่ด้วยพฤกษ์ ดนตรีเริ่มค่อยๆ ปลดปล่อยตัวเองจากการใช้งานจริงอย่างหมดจด (บริการพิธีกรรมในโบสถ์) ความสำคัญของแนวเพลงฆราวาส รวมถึงเพลงที่เพิ่มขึ้นในนั้น (Guillaume de Masho) นักดนตรีหลายคน (รวมถึง Pierre Aubry) อุทิศผลงานของตนให้กับดนตรียุคกลางในยุโรป

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 ในงานศิลปะลักษณะที่ตรงกันข้ามกับสุนทรียศาสตร์ของยุคกลางสะท้อนให้เห็นเมื่อดนตรีศักดิ์สิทธิ์ - “ เพลงใหม่“ตรงกันข้ามกับ “เก่า” นั่นก็คือดนตรีนอกรีต ขณะเดียวกันดนตรีบรรเลงทั้งในประเพณีคริสเตียนตะวันตกและตะวันออกถือเป็นปรากฏการณ์ที่มีค่าน้อยกว่าการร้องเพลง

"หนังสือแห่งชั่วโมงมาสทริชต์" พิธีกรรมมาสทริชต์ ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 14 เนเธอร์แลนด์, ลีแอช หอสมุดอังกฤษ. Stowe MS 17, f.160r / รายละเอียดของจิ๋วจาก Maastricht Hours, เนเธอร์แลนด์ (Liège), ไตรมาสที่ 1 ของศตวรรษที่ 14, Stowe MS 17, f.160r

ดนตรีแยกออกจากวันหยุดไม่ได้ นักแสดงท่องเที่ยว—ผู้ให้ความบันเทิงและผู้ให้ความบันเทิงมืออาชีพ—เกี่ยวข้องกับวันหยุดในสังคมยุคกลาง ผู้คนในงานฝีมือนี้ซึ่งได้รับความรักอย่างล้นหลามถูกเรียกต่างกันในอนุสรณ์สถานที่เป็นลายลักษณ์อักษร ผู้เขียนคริสตจักรมักใช้ชื่อโรมันโบราณคลาสสิก: mime / mimus, โขน / โขน, ฮิสทริออน / ฮิสทริโอ คำว่า joculator ในภาษาละตินเป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป - โจ๊กเกอร์, โจ๊กเกอร์, โจ๊กเกอร์ ตัวแทนของชั้นเรียนบันเทิงเรียกว่านักเต้น /เกลือ ตัวตลก /balatro, scurra; นักดนตรี / ดนตรี. นักดนตรีมีความโดดเด่นด้วยประเภทของเครื่องดนตรี: citharista, cymbalista ฯลฯ ชื่อภาษาฝรั่งเศส "jongler" /jongleur เริ่มแพร่หลายเป็นพิเศษ ในสเปน คำนี้ตรงกับคำว่า "huglar" /junglar; ในเยอรมนี - "Spielmann" ใน Rus ' - "ตัวตลก" ชื่อทั้งหมดนี้มีความหมายเหมือนกันในทางปฏิบัติ

เกี่ยวกับนักดนตรีและดนตรียุคกลาง - สั้น ๆ และไม่เป็นชิ้นเป็นอัน

2.

Maastricht Book of Hours, BL Stowe MS 17, f.269v

ภาพประกอบ - จากต้นฉบับภาษาดัตช์ในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 14 - "Maastricht Book of Hours" ในหอสมุดแห่งชาติอังกฤษ รูปภาพของเส้นขอบทำให้เราสามารถตัดสินโครงสร้างของเครื่องดนตรีและสถานที่แห่งดนตรีในชีวิตได้

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 นักดนตรีเร่ร่อนได้แห่กันไปที่ปราสาทและเมืองต่างๆ มากขึ้น ร่วมกับอัศวินและตัวแทนของนักบวช นักดนตรีประจำศาลล้อมรอบผู้อุปถัมภ์ที่สวมมงกุฎ นักดนตรีและนักร้องเป็นผู้เข้าร่วมที่ขาดไม่ได้ในความสนุกสนานของชาวปราสาทอัศวิน สหายของสุภาพบุรุษและสุภาพสตรีที่มีความรัก

3.

ฉ.192v

ที่นั่นแตรและทรอมโบนคำรามเหมือนฟ้าร้อง
และขลุ่ยและปี่ก็ดังเหมือนเงิน
เสียงพิณและไวโอลินพร้อมขับร้อง
และนักร้องก็ได้รับชุดใหม่มากมายเพื่อความกระตือรือร้น

[คุดรูนา บทกวีมหากาพย์เยอรมันแห่งศตวรรษที่ 13]

4.

f.61v

เชิงทฤษฎีและ ดนตรีที่เป็นประโยชน์รวมอยู่ในโปรแกรมการฝึกอบรมของอัศวินในอุดมคติ มันได้รับการยกย่องว่าเป็นงานอดิเรกอันสูงส่งและประณีต พวกเขาชอบไวโอลินที่ไพเราะเป็นพิเศษด้วยคอร์ดที่ละเอียดอ่อนและพิณอันไพเราะ นักร้องเดี่ยวมาพร้อมกับการเล่นไวโอลินและพิณไม่เพียง แต่โดยนักเล่นกลมืออาชีพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงกวีและนักร้องชื่อดังด้วย:

“ทริสแทรมเป็นนักเรียนที่มีความสามารถมากและในไม่ช้าก็เชี่ยวชาญศิลปะหลักทั้งเจ็ดและภาษาหลายภาษาจนสมบูรณ์แบบ แล้วทรงศึกษาดนตรีเจ็ดประเภทจึงมีชื่อเสียงเป็นนักดนตรีผู้มีชื่อเสียงไม่เท่าเทียม”

["ตำนานแห่งทริสแทรมและยซอนดา", 1226]

5.


ฉ.173v

ในตำนานวรรณกรรมทุกฉบับ Tristan และ Isolde เป็นนักฮาร์เปอร์ผู้ชำนาญ:

เมื่อเขาร้องเพลงเธอก็เล่น
แล้วเธอก็เข้ามาแทนที่เขา...
และถ้าคนหนึ่งร้องเพลงอีกคนหนึ่ง
เขาตีพิณด้วยมือของเขา
และร้องเพลงเต็มไปด้วยความเศร้าโศก
และเสียงเชือกจากใต้มือของคุณ
พวกเขามาบรรจบกันในอากาศและที่นั่น
พวกเขาบินขึ้นไปบนท้องฟ้าด้วยกัน

[กอตต์ฟรีดแห่งสตราสบูร์ก ทริสตัน. ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 13]

6.


ฉ.134r

จาก "ชีวประวัติ" ของคณะนักร้องประสานเสียงชาวProvençal เป็นที่ทราบกันว่าบางส่วนใช้เครื่องดนตรีแบบด้นสดและต่อมาถูกเรียกว่า "ไวโอลิน"

7.


f.46r

จักรพรรดิแห่งโรมันอันศักดิ์สิทธิ์แห่งประชาชาติเยอรมัน เฟรดเดอริกที่ 2 สตาฟเฟิน (ค.ศ. 1194-1250) “ทรงเล่นเครื่องดนตรีหลายชนิดและได้รับการฝึกร้องเพลง”

8.

ฉ.103r

ผู้หญิงยังเล่นพิณ ไวโอลิน และเครื่องดนตรีอื่นๆ ซึ่งมักจะเล่นกล และบางครั้งก็เป็นเด็กผู้หญิงจากตระกูลขุนนางและแม้แต่บุคคลระดับสูง

ดังนั้นกวีราชสำนักชาวฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 12 ร้องเพลงราชินีนักไวโอลิน: “ราชินีร้องเพลงไพเราะเพลงของเธอผสานกับเครื่องดนตรี เพลงก็ดี มือก็สวย น้ำเสียงก็นุ่มนวล เสียงก็เงียบ”

9.


ฉ.169v

เครื่องดนตรีมีความหลากหลายและค่อยๆ ดีขึ้น เครื่องดนตรีตระกูลเดียวกันมีหลายประเภท ไม่มีการรวมกลุ่มที่เข้มงวด รูปร่างและขนาดส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับความต้องการของผู้ผลิตหลัก ในแหล่งข้อมูลที่เป็นลายลักษณ์อักษร เครื่องดนตรีที่เหมือนกันมักมีชื่อต่างกัน หรือในทางกลับกัน เครื่องดนตรีประเภทต่างๆ จะถูกซ่อนไว้ภายใต้ชื่อเดียวกัน

รูปภาพเครื่องดนตรีไม่เกี่ยวข้องกับข้อความ - ฉันไม่ใช่ผู้เชี่ยวชาญในเรื่องนี้

10.


ฉ.178v

กลุ่มเครื่องสายแบ่งออกเป็นตระกูลเครื่องดนตรีประเภทโค้ง ลูต และพิณ เชือกทำจากลำไส้แกะบิดเกลียว ผมม้า หรือเส้นไหม ตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 พวกมันถูกสร้างขึ้นจากทองแดง เหล็ก และแม้แต่เงินมากขึ้นเรื่อยๆ

เครื่องสายแบบโค้งซึ่งมีข้อดีคือมีเสียงเลื่อนพร้อมเซมิโทนทั้งหมด เหมาะที่สุดสำหรับการประกอบเสียง

John de Grocheo/Grocheio ปรมาจารย์ด้านดนตรีชาวปารีสแห่งศตวรรษที่ 13 ให้ความสำคัญกับการละเมิดเป็นอันดับแรกในบรรดาเครื่องสาย: "รูปแบบดนตรีทั้งหมด" ได้รับการถ่ายทอดอย่างละเอียดมากขึ้นรวมถึงการเต้นรำด้วย

11.

ฉ.172r

การวาดภาพการเฉลิมฉลองในราชสำนักในมหากาพย์ "วิลเฮล์ม ฟอน เวนเดน" (1290) กวีชาวเยอรมัน อุลริช ฟอน เอสเชนบาค เน้นย้ำถึงวีลาเป็นพิเศษ:

จากทั้งหมดที่ฉันได้ยินมาจนถึงตอนนี้
วิเอลามีค่าควรแก่การสรรเสริญเท่านั้น
มันดีสำหรับทุกคนที่ได้ฟังมัน
หากหัวใจของคุณมีบาดแผล
แล้วความทุกข์ทรมานนี้ก็จะหาย
จากความอ่อนหวานของเสียง

สารานุกรมดนตรี [M.: สารานุกรมโซเวียต, นักแต่งเพลงชาวโซเวียต. เอ็ด ยู. วี. เคลดิช. พ.ศ. 2516-2525]รายงานว่าวิเอลาเป็นหนึ่งในชื่อสามัญของเครื่องดนตรีโค้งคำนับแบบเครื่องสายในยุคกลาง ฉันไม่รู้ว่า Ulrich von Eschenbach หมายถึงอะไร

12.

ฉ.219v. คลิกที่ภาพเพื่อดูเครื่องมือขนาดใหญ่

14.

ฉ.216v

ตามแนวคิดของผู้คนในยุคกลาง ดนตรีบรรเลงมีความหมายหลากหลาย มีคุณสมบัติขั้วโลก และทำให้เกิดอารมณ์ที่ตรงกันข้ามโดยตรง

“มันกระตุ้นบางคนไปสู่ความสนุกสนานที่ว่างเปล่า บ้างก็ไปสู่ความยินดีอันบริสุทธิ์และอ่อนโยน และบ่อยครั้งไปสู่น้ำตาอันศักดิ์สิทธิ์” [เพทราร์ช].

15.

ฉ.211v

พวกเขาเชื่อว่าดนตรีที่ประพฤติดีและยับยั้งชั่งใจทำให้ศีลธรรมอ่อนลงแนะนำจิตวิญญาณ ความสามัคคีอันศักดิ์สิทธิ์ช่วยให้เข้าใจถึงความลี้ลับแห่งศรัทธา

16.


ฉ.236v

ในทางตรงกันข้าม ท่วงทำนองอันน่าตื่นเต้นเร้าใจทำหน้าที่ทำลายล้างเผ่าพันธุ์มนุษย์ ซึ่งนำไปสู่การละเมิดพระบัญญัติของพระคริสต์และการประณามขั้นสูงสุด ผ่านบทเพลงที่ไร้การควบคุม ความชั่วร้ายมากมายแทรกซึมเข้าไปในหัวใจ

17.


ฉ.144v

ลำดับชั้นของคริสตจักรปฏิบัติตามคำสอนของเพลโตและโบธีอุส ผู้ซึ่งแยกแยะความแตกต่างอย่างชัดเจนระหว่าง "ความกลมกลืนแห่งสวรรค์" ในอุดมคติและประเสริฐกับดนตรีที่หยาบคายและลามกอนาจาร

18.


f.58r

นักดนตรีที่ชั่วร้ายซึ่งมีอยู่มากมายในสาขาต้นฉบับแบบโกธิก รวมถึง Maastricht Book of Hours นั้นเป็นศูนย์รวมของความบาปของงานฝีมือแห่งประวัติศาสตร์ ซึ่งในขณะเดียวกันก็เป็นนักดนตรี นักเต้น นักร้อง ผู้ฝึกสัตว์ นักเล่าเรื่อง ฯลฯ ฮิสทรีออนถูกประกาศว่าเป็น “ผู้รับใช้ของซาตาน”

19.


ฉ.116r

สิ่งมีชีวิตพิสดารเล่นเครื่องดนตรีจริงหรือพิสดาร โลกที่ไร้เหตุผลของการเล่นดนตรีลูกผสมอย่างกระตือรือร้นนั้นทั้งน่ากลัวและตลกในเวลาเดียวกัน วิญญาณชั่วร้าย "เหนือจริง" สวมหน้ากากนับไม่ถ้วน สะกดจิตและหลอกลวงด้วยเสียงเพลงที่หลอกลวง

20.


ฉ.208v

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 11 Notker Gubasty ตาม Aristotle และ Boethius ชี้ให้เห็นคุณสมบัติสามประการของบุคคล: การมีเหตุผล สิ่งมีชีวิตที่ต้องตาย ผู้ที่รู้วิธีหัวเราะ นอคเกอร์ถือว่าบุคคลที่สามารถหัวเราะและทำให้เกิดเสียงหัวเราะได้

21.


ฉ.241r

ในช่วงวันหยุด ผู้ชมและผู้ฟังได้รับความบันเทิงจากนักดนตรีที่แปลกประหลาดซึ่งล้อเลียนและทำให้ตัวเลขที่ "จริงจัง" หายไป

ในมือของเสียงหัวเราะยืนอยู่ใน "โลกจากในสู่ภายนอก" ซึ่งความสัมพันธ์ที่เป็นนิสัยกลับหัวกลับหาง วัตถุที่ดูเหมือนจะไม่เหมาะสมที่สุดสำหรับการเล่นดนตรีเริ่ม "ส่งเสียง" เสมือนเครื่องดนตรี

22.


ฉ.92v. ร่างของมังกรโผล่ออกมาจากใต้เสื้อผ้าของนักดนตรีที่เล่นไก่ตัวผู้

การใช้วัตถุในบทบาทที่ไม่ธรรมดาสำหรับพวกเขาเป็นหนึ่งในเทคนิคของการแสดงตลกหวัว

23.


ฉ.145v

การทำดนตรีที่ยอดเยี่ยมนั้นสอดคล้องกับโลกทัศน์ของเทศกาลในจัตุรัส เมื่อขอบเขตปกติระหว่างวัตถุถูกลบออก ทุกอย่างก็เริ่มไม่เสถียรและสัมพันธ์กัน

24.

ฉ.105v

ในมุมมองของปัญญาชนจากศตวรรษที่ 12-13 ความกลมกลืนบางอย่างเกิดขึ้นระหว่างวิญญาณศักดิ์สิทธิ์ที่ถูกปลดออกจากร่างกายและความร่าเริงที่ไม่ถูกยับยั้ง “ความยินดีฝ่ายวิญญาณ” อันเงียบสงบและกระจ่างแจ้ง พระบัญญัติให้ “ชื่นชมยินดีในพระคริสต์” อย่างไม่หยุดยั้งเป็นลักษณะเฉพาะของผู้ติดตามฟรานซิสแห่งอัสซีซี ฟรานซิสเชื่อว่าความโศกเศร้าตลอดเวลาไม่ได้ทำให้พระเจ้าพอพระทัย แต่เป็นมารร้าย ในบทกวี Old Provençal ความปิติเป็นหนึ่งในคุณธรรมสูงสุดในราชสำนัก ลัทธิของเธอถูกสร้างขึ้นจากโลกทัศน์ที่เห็นพ้องต้องกันของชีวิตของผู้เร่ร่อน “ในวัฒนธรรมที่มีหลากหลาย น้ำเสียงที่จริงจังฟังดูแตกต่างออกไป: พวกเขาได้รับผลกระทบจากเสียงหัวเราะที่สะท้อนกลับ พวกเขาสูญเสียความพิเศษและเอกลักษณ์เฉพาะตัว และเสริมด้วยแง่มุมของเสียงหัวเราะ”

25.

ฉ.124v

ความจำเป็นที่จะทำให้การหัวเราะและเรื่องตลกถูกกฎหมายไม่ได้ขัดขวางการต่อสู้กับพวกเขา ผู้ศรัทธาจำนวนมากตราหน้านักเล่นปาหี่ว่าเป็น "สมาชิกของชุมชนปีศาจ" ในเวลาเดียวกัน พวกเขาตระหนักดีว่าแม้ว่าการเล่นกลจะเป็นงานฝีมือที่น่าเศร้า แต่เนื่องจากทุกคนจำเป็นต้องมีชีวิตอยู่ มันก็จะอยู่ได้ โดยมีเงื่อนไขว่าจะต้องปฏิบัติตามความเหมาะสม

26.

f.220r

“ดนตรีก็มี. พลังอันยิ่งใหญ่และอิทธิพลต่อตัณหาของจิตวิญญาณและร่างกาย ตามนี้เพลงหรือโหมดดนตรีจึงมีความโดดเด่น ที่จริง บางคนก็สนับสนุนคนที่ฟังให้ดำเนินชีวิตอย่างซื่อสัตย์ ไร้ข้อตำหนิ ถ่อมตัว และเคร่งศาสนา โดยความสม่ำเสมอของพวกเขา”

[นิโคไล โอเรม. บทความเรื่องการกำหนดคุณสมบัติ ศตวรรษที่สิบสี่]

27.


ฉ.249v

“กลอง กลอง พิณ และซิธารา
พวกเขาได้รับความอบอุ่นและคู่รักก็สานสัมพันธ์กัน
ในการเต้นรำบาป
มันเป็นเกมทั้งคืน
กินดื่มจนเช้า
นี่คือวิธีที่พวกเขาให้ความบันเทิงกับทรัพย์สมบัติในรูปของสุกร
และพวกเขาก็ขี่ม้าเข้าไปในวิหารของซาตาน”

[ชอเซอร์. นิทานแคนเทอร์เบอรี]

28.


ฉ.245v

ท่วงทำนองฆราวาสที่ “จั๊กจี้หู ลวงจิต ชักพาเราให้พ้นจากความดี” [จอห์น คริสซอสตอม]ถือเป็นผลผลิตของกายภาพบาปอันเป็นการสร้างสรรค์อันชาญฉลาดของมาร อิทธิพลที่ทุจริตของพวกเขาจะต้องได้รับการต่อสู้กับข้อจำกัดและข้อห้ามที่เข้มงวด เพลงที่วุ่นวายวุ่นวายขององค์ประกอบที่ชั่วร้ายเป็นส่วนหนึ่งของ "พิธีกรรมจากภายในสู่ภายนอก" "การบูชารูปเคารพ" ของโลก

29.


f.209r

คุซมา เปตรอฟ-วอดคิน (1878-1939) เป็นพยานถึงความดื้อรั้นของมุมมองดังกล่าว เมื่อเขานึกถึงอัครบาทหลวงประจำอาสนวิหารแห่งคลีนอฟสค์ เมืองเล็กๆ ในจังหวัดซาราตอฟ

“ สำหรับเราผู้สำเร็จการศึกษาเขาได้ไปทัศนศึกษาในสาขาศิลปะโดยเฉพาะด้านดนตรี: “ แต่เมื่อมันเริ่มเล่น ปีศาจจะเริ่มกวนอยู่ใต้เท้าของคุณ... และถ้าคุณเริ่มร้องเพลงก้อยก็เช่นกัน ปีศาจจะออกมาจากลำคอของเจ้า และพวกมันจะปีนขึ้นไป”

30.


ฉ.129r

และอีกขั้วหนึ่ง ดนตรีของทรงกลมมีต้นกำเนิดมาจากพระวิญญาณบริสุทธิ์ ดนตรีอันน่าตื่นเต้นในอุดมคติอันสูงส่ง ถือเป็นศูนย์รวมของความกลมกลืนที่แปลกประหลาดของจักรวาลที่ผู้สร้างสร้างขึ้น - ดังนั้นเสียงทั้งแปดของบทสวดเกรกอเรียนและเป็นภาพ ความสามัคคีในคริสตจักรคริสเตียน การผสมผสานเสียงต่างๆ ที่สมเหตุสมผลและได้สัดส่วนเป็นพยานถึงความสามัคคีของเมืองของพระเจ้าที่มีระเบียบเรียบร้อย การเชื่อมโยงกันอย่างกลมกลืนของความสอดคล้องเป็นสัญลักษณ์ของความสัมพันธ์ที่กลมกลืนกันขององค์ประกอบ ฤดูกาล ฯลฯ

ท่วงทำนองที่ถูกต้องทำให้จิตใจเบิกบานและเป็น “การเรียกไปสู่วิถีชีวิตอันสูงส่ง สั่งสอนผู้อุทิศตนในคุณธรรม ไม่ให้มีสิ่งผิดทางดนตรี ไม่ลงรอยกัน ไม่ลงรอยกันในศีลธรรมของตน” [เกรกอรีแห่งนิสซา ศตวรรษที่ 4]

เชิงอรรถ/วรรณกรรม:
คุดรูนา / เอ็ด เตรียมไว้ อาร์.วี. เฟรนเคิล. ม., 2526. หน้า 12.
ตำนานของทริสตันและอิโซลเด / เอ็ด เตรียมไว้ อ.ดี. มิคาอิลอฟ ม. , 2519 หน้า 223; หน้า 197, 217.
บทเพลงแห่ง Nibelungs / การแปล ยู. บี. คอร์นีวา. L. , 1972. P. 212. “ บทเพลงที่ไพเราะที่สุด” ของนักดนตรีที่ฟังในสวนและห้องโถงของปราสาท
สุนทรียภาพทางดนตรีของยุคกลางยุโรปตะวันตกและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา / คอมพ์ ข้อความโดย V. P. Shestakov ม., 2509. หน้า 242
Struve B. A. กระบวนการสร้างการละเมิดและไวโอลิน อ., 1959, หน้า. 48.
CülkeP. มอนเช่, เบอร์เกอร์, มินเนซองเกอร์. ไลพ์ซิก 1975 ส. 131
Darkevich V.P. วัฒนธรรมพื้นบ้านในยุคกลาง: ชีวิตรื่นเริงทางโลกในศิลปะของศตวรรษที่ 9-16 - อ.: เนากา, 2531 หน้า 217; 218; 223.
สุนทรียศาสตร์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา / คอมพ์ วี.พี. เชสตาคอฟ ม., 2524 ต. 1. หน้า 28.
Gurevich A. Ya. ปัญหาวัฒนธรรมพื้นบ้านในยุคกลาง ป.281.
Bakhtin M. สุนทรียศาสตร์ของความคิดสร้างสรรค์ทางวาจา ม., 2522. หน้า 339.
เปตรอฟ-วอดกิน เค.เอส. คลินอฟสค์ อวกาศแบบยุคลิด ซามาร์คันด์. ล., 1970. หน้า 41.
Averintsev S.S. บทกวีของวรรณคดีไบเซนไทน์ยุคแรก ม., 2520 ส. 24, 25.

แหล่งที่มาของข้อความ:
ดาร์เควิช วลาดิสลาฟ เปโตรวิช ชีวิตรื่นเริงทางโลกของยุคกลาง IX-XVI ศตวรรษ ฉบับพิมพ์ครั้งที่สอง ขยาย; อ.: สำนักพิมพ์ "อินดริก", 2549.
ดาร์เควิช วลาดิสลาฟ เปโตรวิช วัฒนธรรมพื้นบ้านในยุคกลาง ชีวิตรื่นเริงทางโลกในศิลปะของศตวรรษที่ 9-16 - ม.: เนากา, 2531.
วี.พี. ดาร์เควิช นักดนตรีล้อเลียนในต้นฉบับแบบโกธิกขนาดเล็ก // "ภาษาศิลปะแห่งยุคกลาง", M. , "วิทยาศาสตร์", 1982
โบติอุส. คำแนะนำด้านดนตรี (ข้อความที่ตัดตอนมา) // "สุนทรียศาสตร์ทางดนตรีของยุคกลางยุโรปตะวันตกและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" M .: "ดนตรี", 2509
+ ลิงก์ภายในข้อความ

รายการอื่น ๆพร้อมภาพประกอบจาก Maastricht Book of Hours:

ป.ล. Marginalia - ภาพวาดในระยะขอบ มันอาจจะแม่นยำกว่าถ้าเรียกภาพประกอบบางส่วนเป็นภาพย่อหน้า

ศิลปะดนตรีแห่งยุคกลางได้รับการพัฒนามานานกว่า 1,000 ปี นี่เป็นขั้นตอนที่ตึงเครียดและขัดแย้งกันในวิวัฒนาการของการคิดทางดนตรีตั้งแต่โมโนดี้ (เสียงเดียว) ไปจนถึงโพลีโฟนีที่ซับซ้อนที่สุด ในช่วงยุคกลาง เครื่องดนตรีของยุโรปจำนวนมากได้รับการปรับปรุง และแนวเพลงของทั้งเพลงในโบสถ์และในโบสถ์ก็ได้เกิดขึ้น เพลงฆราวาส, โรงเรียนดนตรีที่มีชื่อเสียงในยุโรปได้เกิดขึ้น: ดัตช์, ฝรั่งเศส, เยอรมัน, อิตาลี, สเปน ฯลฯ

ในยุคกลาง มีสองทิศทางหลักในการพัฒนาดนตรี: ดนตรีศักดิ์สิทธิ์และฆราวาสและความบันเทิง ในเวลาเดียวกัน ดนตรีฆราวาสถูกศาสนาประณามและถือเป็น "ความหลงใหลที่ชั่วร้าย"

ดนตรีเป็นหนึ่งในเครื่องมือของศาสนา ซึ่งเป็นความหมายแบบ "ด้นสด" ที่ตอบสนองวัตถุประสงค์ของคริสตจักร เช่นเดียวกับวิทยาศาสตร์ที่แน่นอนประการหนึ่ง ดนตรีถูกวางควบคู่ไปกับคณิตศาสตร์ วาทศาสตร์ ตรรกะ เรขาคณิต ดาราศาสตร์ และไวยากรณ์ คริสตจักรพัฒนาการร้องเพลงและ โรงเรียนนักแต่งเพลงโดยเน้นสุนทรียภาพทางดนตรีเชิงตัวเลข (สำหรับนักวิชาการในยุคนั้น ดนตรีเป็นการฉายภาพตัวเลขลงบนสสารเสียง) สิ่งนี้ยังได้รับอิทธิพลจากลัทธิกรีกโบราณซึ่งเป็นแนวคิดของพีธากอรัสและเพลโตด้วย ด้วยแนวทางนี้ ดนตรีจึงไม่มีความหมายที่เป็นอิสระ มันเป็นสัญลักษณ์เปรียบเทียบของดนตรีที่สูงกว่าและศักดิ์สิทธิ์

ดังนั้นดนตรีจึงแบ่งออกเป็น 3 ประเภท คือ

• ดนตรีโลกเป็นดนตรีของทรงกลมและดาวเคราะห์ ตามสุนทรียภาพทางดนตรี-ตัวเลขของยุคกลางแต่ละดาวเคราะห์ ระบบสุริยะกอปรด้วยเสียง น้ำเสียง และการเคลื่อนที่ของดาวเคราะห์ทำให้เกิดดนตรีแห่งสวรรค์ นอกจากดาวเคราะห์แล้ว ฤดูกาลยังได้รับโทนเสียงของตัวเองด้วย
• ดนตรีของมนุษย์ - ทุกอวัยวะ ส่วนหนึ่งของร่างกาย จิตวิญญาณของบุคคลนั้นเต็มไปด้วยเสียงของมันเอง ซึ่งก่อให้เกิดความสอดคล้องที่กลมกลืนกัน
• เพลงบรรเลง- ศิลปะการเล่นเครื่องดนตรี ดนตรีเพื่อความบันเทิง ลำดับชั้นต่ำสุด

ดนตรีศักดิ์สิทธิ์เป็นเสียงร้อง การร้องประสานเสียง และดนตรีฆราวาสเป็นดนตรีบรรเลง-ร้อง ดนตรีบรรเลงถือเป็นดนตรีที่เบา ไร้สาระ และนักทฤษฎีดนตรีในยุคนั้นไม่ได้ให้ความสำคัญกับเรื่องนี้มากนัก แม้ว่างานฝีมือของนักร้องจะต้องอาศัยทักษะการแสดงที่ยอดเยี่ยมจากนักดนตรี

ช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนผ่านจากยุคกลางสู่ยุคใหม่ในยุโรปซึ่งกินเวลาเกือบสองศตวรรษครึ่ง ในช่วงเวลานี้ มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเกิดขึ้นในหลายด้านของชีวิต วิทยาศาสตร์และศิลปะมีความเจริญรุ่งเรืองอย่างรวดเร็ว ยุคเรอเนซองส์แบ่งออกเป็นหลายยุค ส่วนประกอบและขั้นตอนการพัฒนา ความเชื่อโชคลางต่าง ๆ ก็เกี่ยวข้องกับมันเช่นกันซึ่งมีรากฐานมาอย่างมั่นคงจนทุกวันนี้ก็ยังต้องใช้ความพยายามอย่างมากในการหักล้างสิ่งเหล่านี้

• ความเข้าใจผิดประการแรกและที่อาจเป็นไปได้หลักคือการพิจารณาว่า (เช่นเดียวกับนักอุดมการณ์ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหลายคน) ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาว่าเป็นการฟื้นฟูอย่างแม่นยำการฟื้นคืนชีพของวัฒนธรรมและอารยธรรมซึ่งเกิดขึ้นหลังจาก "ยุคกลาง" ป่าเถื่อนอันยาวนานซึ่งเป็นยุคมืด ช่วงเวลาแห่งความแตกแยกในการพัฒนาวัฒนธรรม อคตินี้มีพื้นฐานอยู่บนความไม่รู้โดยสิ้นเชิงของยุคกลางและความสัมพันธ์ที่ใกล้ชิดระหว่างยุคกลางกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เป็นตัวอย่าง ก็เพียงพอแล้วที่จะตั้งชื่อสองชื่อให้สมบูรณ์ พื้นที่ต่างๆ- บทกวีและชีวิตทางเศรษฐกิจ ดันเต้อาศัยอยู่ในศตวรรษที่ 13 เช่น วี จุดสำคัญยุคกลาง Petrarch - ในศตวรรษที่สิบสี่ ในด้านเศรษฐกิจ การฟื้นฟูที่แท้จริงเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 13 ซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งการพัฒนาอย่างรวดเร็วของการค้าและการธนาคาร พวกเขาบอกว่าเราเป็นหนี้ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในการค้นพบนักเขียนโบราณอีกครั้ง แต่นี่ก็เป็นความเชื่อโชคลางเช่นกัน เป็นที่ทราบกันว่าในช่วงเวลานี้มีเพียงต้นฉบับกรีกโบราณเพียงสองฉบับเท่านั้นที่ถูกค้นพบ ส่วนที่เหลืออยู่ในตะวันตกแล้ว (ส่วนใหญ่ในฝรั่งเศส) เนื่องจากยุโรปตะวันตกมีประสบการณ์ในการกลับไปสู่สมัยโบราณที่เกี่ยวข้องกับความสนใจในมนุษย์และธรรมชาติในศตวรรษที่ 12 และ 13 .
• ความเชื่อโชคลางประการที่สองเกี่ยวข้องกับความสับสนของสององค์ประกอบของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งอยู่ตรงข้ามกัน คือสิ่งที่เรียกว่ามนุษยนิยมและวิทยาศาสตร์ธรรมชาติใหม่ ลัทธิมนุษยนิยมเป็นศัตรูกับตรรกะทั้งหมด เหตุผลทั้งหมด และวิทยาศาสตร์ธรรมชาติทั้งหมด ซึ่งถือว่าเป็นงาน "เชิงกลไก" ซึ่งไม่คู่ควรกับบุคคลที่มีวัฒนธรรมที่ได้รับเรียกให้เป็นนักเขียน นักวาทศิลป์ และนักการเมือง ร่างของชายยุคเรอเนซองส์ซึ่งผสมผสานทั้งอีราสมุสแห่งรอตเตอร์ดัมและกาลิเลโอเข้าด้วยกันนั้นเป็นตำนาน และความเชื่อในภาพลักษณ์เดียวของโลกที่มีอยู่ในยุคเรอเนซองส์นั้นไม่มีอะไรมากไปกว่าความเชื่อทางไสยศาสตร์
• อคติประการที่สามคือการยกย่องปรัชญายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาว่า "ยิ่งใหญ่" เมื่อเปรียบเทียบกับลัทธินักวิชาการที่นำหน้ามา

ในความเป็นจริง ยกเว้นนิโคลัสแห่งคูซา (ห่างไกลจากจิตวิญญาณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) และกาลิเลโอ (ซึ่งอาศัยอยู่ในตอนท้ายของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) นักปรัชญาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตามที่คริสเทลเลอร์กล่าวไว้ก็ไม่ได้ดีหรือไม่ดี - พวกเขาเป็น ไม่ใช่นักปรัชญาเลย หลายคนเป็นนักเขียน นักวิทยาศาสตร์ ผู้เชี่ยวชาญด้านตำราโบราณที่โดดเด่น มีชื่อเสียงในด้านความเยาะเย้ย ความคิดที่เฉียบแหลม และทักษะด้านวรรณกรรม แต่พวกเขาแทบไม่เกี่ยวข้องกับปรัชญาเลย ดังนั้น การที่จะเปรียบเทียบพวกเขากับนักคิดในยุคกลางถือเป็นความเชื่อทางไสยศาสตร์ล้วนๆ

• • ความเข้าใจผิดอีกประการหนึ่งคือการพิจารณาว่ายุคเรอเนซองส์เป็นการปฏิวัติที่รุนแรง ซึ่งเป็นการทำลายอดีตโดยสิ้นเชิง แท้จริงแล้ว การเปลี่ยนแปลงที่ลึกซึ้งเกิดขึ้นในช่วงเวลานี้ แต่ทั้งหมดล้วนเชื่อมโยงกับอดีตอย่างเป็นธรรมชาติ และไม่ว่าในกรณีใด ต้นกำเนิดของสิ่งเหล่านี้สามารถพบได้ในยุคกลาง การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้หยั่งรากลึกในอดีตจน Huizinga ผู้เชี่ยวชาญที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา มีเหตุผลทุกประการที่จะเรียกยุคนี้ว่า "ฤดูใบไม้ร่วงของยุคกลาง"

ในที่สุด ความคิดเห็นที่ว่าผู้คนที่มีชีวิตอยู่ในช่วงยุคเรอเนซองส์ อย่างน้อยส่วนใหญ่เป็นพวกโปรเตสแตนต์ นักบวช ผู้ไม่เชื่อพระเจ้า หรือผู้มีเหตุผลทางจิตวิญญาณ ก็เป็นความเชื่อทางไสยศาสตร์เช่นกัน ที่จริงแล้วคนส่วนใหญ่ ตัวแทนที่มีชื่อเสียงยุคเรอเนซองส์และในสาขาปรัชญาเกือบทุกคน ตั้งแต่เลโอนาร์โดและฟิชิโนไปจนถึงกาลิเลโอและคัมปาเนลลา เป็นชาวคาทอลิก ซึ่งมักจะเป็นผู้สนับสนุนและปกป้องศรัทธาคาทอลิกอย่างกระตือรือร้น ดังนั้น Marsilio Ficino เมื่ออายุ 40 ปีจึงยอมรับความเชื่อของคริสเตียนและสร้างการขอโทษแบบคาทอลิกในยุคใหม่

นักทฤษฎีดนตรียุคกลาง Guido Aretinsky (ปลายศตวรรษที่ 10) ให้คำจำกัดความของดนตรีดังต่อไปนี้:

“ดนตรีคือการเคลื่อนไหวของเสียงร้อง”

ในคำจำกัดความนี้ นักทฤษฎีดนตรียุคกลางได้แสดงทัศนคติต่อดนตรีของวัฒนธรรมดนตรียุโรปทั้งหมดในยุคนั้น

แนวดนตรีของดนตรีคริสตจักรและดนตรีฆราวาส

แหล่งที่มาของดนตรีศักดิ์สิทธิ์ในยุคกลางคือสภาพแวดล้อมของอาราม บทสวดนี้เรียนโดยใช้หูในโรงเรียนสอนร้องเพลงและเผยแพร่ในชุมชนคริสตจักร เมื่อพิจารณาถึงการเกิดขึ้นของบทสวดที่หลากหลาย คริสตจักรคาทอลิกจึงตัดสินใจบัญญัติบทสวดและควบคุมบทสวดที่สะท้อนถึงเอกภาพของหลักคำสอนของคริสเตียน

ดังนั้นการร้องเพลงประสานเสียงจึงปรากฏขึ้นซึ่งต่อมาได้กลายเป็นตัวตนของประเพณีดนตรีของคริสตจักร โดยพื้นฐานแล้ว มีประเภทอื่น ๆ เกิดขึ้น สร้างขึ้นโดยเฉพาะสำหรับวันหยุดและบริการบางประเภท

ดนตรีศักดิ์สิทธิ์แห่งยุคกลางมีหลายประเภทดังต่อไปนี้: Chorale, Gregorian chant - บทสวดทางศาสนาที่มีเสียงเดียวในภาษาละติน, ควบคุมอย่างชัดเจน, ดำเนินการโดยคณะนักร้องประสานเสียง, บางส่วนโดยศิลปินเดี่ยว

• • • พิธีมิสซาเป็นพิธีศักดิ์สิทธิ์หลักของคริสตจักรคาทอลิกประกอบด้วย 5 ส่วนที่มั่นคง (ธรรมดา) - I. Kyrie eleison (ข้าแต่พระเจ้า ขอทรงเมตตา) II. กลอเรีย (สง่าราศี), III. เครโด (ฉันเชื่อว่า), IV. Sanctus (ศักดิ์สิทธิ์), V. Agnus Dei (ลูกแกะของพระเจ้า)
    • พิธีสวดละครพิธีกรรม - บริการอีสเตอร์หรือคริสต์มาสที่บทสวดเกรกอเรียนสลับกับท่วงทำนองที่ไม่เป็นที่ยอมรับพิธีกรรมทำโดยคณะนักร้องประสานเสียงส่วนของตัวละคร (แมรี่ผู้เผยแพร่ศาสนา) ดำเนินการโดยศิลปินเดี่ยวบางครั้งก็มีรูปร่างหน้าตาคล้ายคลึงกัน ของเครื่องแต่งกายก็ปรากฏขึ้น
    • เรื่องลึกลับ - ละครพิธีกรรมที่มีการแสดงบนเวทีและเครื่องแต่งกายมากมาย
    • Rondel (rondo, ru) - แนวโพลีโฟนิกของยุคกลางที่เป็นผู้ใหญ่และตอนปลายมีพื้นฐานมาจากทำนองของผู้แต่ง (ตรงข้ามกับการร้องประสานเสียงที่เป็นที่ยอมรับ) ซึ่งแสดงในลักษณะด้นสดโดยศิลปินเดี่ยวที่ผลัดกัน ( ฟอร์มต้นแคนนอน)
    • Proprium - ส่วนหนึ่งของประเภทของมวล การเปลี่ยนแปลงขึ้นอยู่กับปฏิทินของคริสตจักร (ตรงกันข้ามกับส่วนที่ไม่เปลี่ยนแปลงของมวล - ordinarium)
    • Antiphon เป็นแนวเพลงประสานเสียงคริสตจักรที่เก่าแก่ที่สุด โดยอาศัยการสลับท่อนโดยกลุ่มนักร้องประสานเสียงสองกลุ่ม

ตัวอย่างเพลงคริสตจักร:

1) ร้องโดย ไครี่ เอลีย์สัน

2) ลำดับเหยื่อ Pashali

ดนตรีฆราวาสในยุคกลางส่วนใหญ่เป็นดนตรีของนักดนตรีเดินทางและมีลักษณะเฉพาะคืออิสรภาพ ความเป็นปัจเจก และอารมณ์ความรู้สึก นอกจากนี้ ดนตรีฆราวาสยังเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมราชสำนักและอัศวินของขุนนางศักดินา เนื่องจากรหัสได้กำหนดมารยาทที่ประณีต ความมีน้ำใจ ความเอื้อเฟื้อเผื่อแผ่ หน้าที่ในการรับใช้ให้กับอัศวิน ถึงนางงามฝ่ายเหล่านี้อดไม่ได้ที่จะพบภาพสะท้อนของพวกเขาในบทเพลงของคณะนักร้องและนักขุดแร่

ดนตรีฆราวาสแสดงโดยละครใบ้ นักเล่นกล นักร้องเร่ร่อนหรือคณะนักร้องประสานเสียง นักดนตรี (ในฝรั่งเศส) นักร้องนักดนตรี shpilmans (ในประเทศเยอรมัน) ฮอกลาร์ (ในสเปน) ตัวตลก (ในมาตุภูมิ) ศิลปินเหล่านี้ไม่เพียงแต่ต้องสามารถร้องเพลง การแสดง และเต้นรำได้เท่านั้น แต่ยังต้องสามารถแสดงละครสัตว์ การแสดงมายากล ฉากละครและต้องสร้างความบันเทิงแก่ประชาชนด้วยวิธีอื่น
เนื่องจากดนตรีเป็นหนึ่งในวิทยาศาสตร์และมีการสอนในมหาวิทยาลัย ขุนนางศักดินาและขุนนางที่ได้รับการศึกษาจึงสามารถประยุกต์ความรู้ในงานศิลปะได้
ดังนั้นดนตรีจึงได้รับการพัฒนาในสภาพแวดล้อมของศาลด้วย ตรงกันข้ามกับการบำเพ็ญตบะของคริสเตียน ดนตรีอัศวินยกย่องความรักที่เย้ายวนและอุดมคติของหญิงสาวสวย ในบรรดาขุนนางต่อไปนี้เป็นที่รู้จักในฐานะนักดนตรี: Guillaume VII, เคานต์แห่งปัวติเยร์, Duke of Aquitaine, Jean of Brienne - ราชาแห่งเยรูซาเลม, Pierre Moclair - Duke of Brittany, Thibault of Champagne - ราชาแห่งนาวาร์

คุณสมบัติหลักและลักษณะของดนตรีฆราวาสในยุคกลาง:

• • • มีพื้นฐานมาจากคติชน ซึ่งไม่ได้แสดงเป็นภาษาละติน แต่เป็นภาษาพื้นเมือง ภาษาถิ่น
    • ไม่ใช้สัญลักษณ์ในหมู่ศิลปินที่เดินทาง ดนตรีเป็นประเพณีปากเปล่า (ต่อมา การเขียนดนตรีพัฒนาขึ้นในสภาพแวดล้อมของศาล)
    • ธีมหลักคือภาพลักษณ์ของมนุษย์ในความหลากหลายของชีวิตบนโลกของเขาซึ่งเป็นความรักทางราคะในอุดมคติ
    • monophony - เป็นวิธีการแสดงความรู้สึกของแต่ละบุคคลในรูปแบบบทกวีและเพลง
    • การแสดงดนตรีและเสียงร้อง บทบาทของเครื่องดนตรียังไม่สูงมาก บทนำเป็นหลัก การแสดงสลับฉากและบทเพลงเป็นเครื่องดนตรี
    • ทำนองมีความหลากหลาย แต่จังหวะได้รับการยอมรับ - สิ่งนี้ได้รับอิทธิพลจากดนตรีของคริสตจักร มีจังหวะเพียง 6 แบบ (โหมดจังหวะ) และแต่ละแบบมีเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างอย่างเคร่งครัด

Trouvères คณะนักร้องประสานเสียง และนักร้องนักดนตรี บรรเลงดนตรีอัศวินในราชสำนัก สร้างสรรค์แนวเพลงดั้งเดิมของตนเอง:

• • • เพลง "ทอผ้า" และ "เมย์"
    • Rondo - รูปแบบที่มีพื้นฐานมาจากการละเว้นซ้ำ
    • Ballad - รูปแบบเพลงข้อความและดนตรี
    • Virele เป็นรูปแบบบทกวีฝรั่งเศสเก่าแก่ที่มีบทสามบรรทัด (บรรทัดที่สามย่อลง) ซึ่งเป็นสัมผัสและคอรัสเดียวกัน
    • มหากาพย์วีรชน (“ The Song of Roland”, “ The Song of the Nibelungs”)
    • บทเพลงแห่งสงครามครูเสด (บทเพลงของปาเลสไตน์)
    • Canzona (Minnesingers เรียกมันว่าอัลบา) - เพลงรักและโคลงสั้น ๆ

ต้องขอบคุณการพัฒนาวัฒนธรรมเมืองในศตวรรษที่ X - XI ศิลปะฆราวาสเริ่มพัฒนาอย่างแข็งขันมากขึ้น นักดนตรีที่เดินทางท่องเที่ยวต่างเลือกวิถีชีวิตแบบอยู่ประจำที่มากขึ้นเรื่อยๆ และอาศัยอยู่ในช่วงตึกทั้งเมือง

ที่น่าสนใจคือนักดนตรีเร่ร่อนในช่วงศตวรรษที่ 12-13 กลับไปสู่หัวข้อทางจิตวิญญาณ การเปลี่ยนจากภาษาละตินเป็นภาษาท้องถิ่นและความนิยมอย่างมากของนักแสดงเหล่านี้ทำให้พวกเขามีส่วนร่วมในการแสดงทางจิตวิญญาณในมหาวิหารแห่งสตราสบูร์ก, รูอ็องและแร็งส์ คัมบราย. เมื่อเวลาผ่านไป นักดนตรีเดินทางบางคนได้รับสิทธิ์ในการจัดแสดงในปราสาทของขุนนางและที่ราชสำนักของฝรั่งเศส อังกฤษ ซิซิลี และประเทศอื่น ๆ

ในช่วงศตวรรษที่ 12 - 13 ในบรรดานักดนตรีที่เร่ร่อนมีพระสงฆ์ผู้ลี้ภัยนักเรียนเร่ร่อนผู้คนจากชั้นล่างของนักบวช - คนจรจัดและโกลิอาร์ด

นักดนตรีที่อยู่ประจำได้ก่อตั้งสมาคมดนตรีทั้งหมดในเมืองในยุคกลาง - ภราดรภาพแห่งเซนต์จูเลียน (ปารีส, 1321), ภราดรภาพของเซนต์นิโคลัส (เวียนนา, 1288) เป้าหมายของสมาคมเหล่านี้คือการปกป้องสิทธิของนักดนตรี อนุรักษ์และถ่ายทอดประเพณีทางวิชาชีพ

ในศตวรรษที่สิบสาม - สิบหก มีการสร้างแนวเพลงใหม่ซึ่งพัฒนาต่อไปในยุคของ Ars Nova:

• • • Motet (จากภาษาฝรั่งเศส - "คำ") เป็นประเภทโพลีโฟนิกที่โดดเด่นด้วยความแตกต่างของเสียงอันไพเราะที่เข้ากับข้อความที่แตกต่างกันไปพร้อม ๆ กันบางครั้งก็แม้แต่ใน ภาษาที่แตกต่างกันอาจเป็นได้ทั้งทางโลกและทางจิตวิญญาณ
    • Madrigal (จากภาษาอิตาลี - "เพลงในภาษาพื้นเมือง" เช่นภาษาอิตาลี) - เพลงโคลงสั้น ๆ รักเพลงอภิบาล
    • Caccia (จากภาษาอิตาลี - "การล่าสัตว์") เป็นท่อนร้องในหัวข้อการล่าสัตว์

เพลงฆราวาสของคณะนักร้องและนักประพันธ์เพลงมืออาชีพ

ข้อมูลเพิ่มเติม:

ในยุคข้อมูลข่าวสารของเรา ยุคแห่งเทคโนโลยีชั้นสูง เรามักลืมการยืนหยัดต่อคุณค่าทางจิตวิญญาณ หนึ่งในคุณค่าเหล่านี้คือดนตรีคลาสสิก - มรดกทางจิตวิญญาณของบรรพบุรุษของเรา ดนตรีคลาสสิกคืออะไร ทำไมถึงต้องมี? สู่คนยุคใหม่- ทำไมหลายคนถึงคิดว่ามันน่าเบื่อมาก? ลองมาทำความเข้าใจกับประเด็นยากๆ เหล่านี้ดู บ่อยครั้งคุณมักจะได้ยินความคิดเห็นที่ว่าดนตรีคลาสสิกน่าจะเป็นดนตรีที่แต่งขึ้นเมื่อนานมาแล้ว สิ่งนี้ไม่เป็นเช่นนั้น เนื่องจากแนวคิดนี้หมายถึงสิ่งที่ดีที่สุดทั้งหมดที่ถูกสร้างขึ้นในโลกแห่งดนตรีตลอดการดำรงอยู่ของอารยธรรมมนุษย์ โซนาตาของ Beethoven ที่สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 18 และความโรแมนติกของ Sviridov ที่เขียนเมื่อ 40 ปีที่แล้วล้วนเป็นเพลงคลาสสิก! สิ่งสำคัญคือเพลงนี้ได้ยืนหยัดผ่านการทดสอบของกาลเวลา ทั้งในยุคของเบโธเฟนและปัจจุบันมีผู้ค้างานศิลปะที่ผลิตผลงานดนตรีคุณภาพต่ำ สินค้าชิ้นนี้เสื่อมสภาพเร็วมาก แต่งานศิลปะที่แท้จริงกลับสวยงามมากขึ้นทุกวัน

การปรากฏตัวของบันทึกย่อ

การเขียนซึ่งเป็นสิ่งประดิษฐ์อันยิ่งใหญ่ของมนุษยชาติทำให้สามารถสั่งสมและถ่ายทอดความคิด แนวความคิด และความประทับใจไปยังคนรุ่นอนาคตได้ สิ่งประดิษฐ์อีกอย่างหนึ่งที่มีโน้ตดนตรีที่ยอดเยี่ยมไม่แพ้กันทำให้สามารถส่งเสียงและดนตรีไปยังลูกหลานได้ ก่อนบันทึกย่อ ดนตรียุโรปใช้สัญลักษณ์พิเศษ - นิวส์

นักประดิษฐ์ ระบบที่ทันสมัยโน้ตดนตรี - พระภิกษุเบเนดิกติน Guido Aretino (Guido d'Arezzo) (990-1050) Arezzo เป็นเมืองเล็กๆ ในทัสคานี ซึ่งอยู่ไม่ไกลจากฟลอเรนซ์ ในอารามท้องถิ่น บราเดอร์กุยโดสอนนักร้องให้แสดง เพลงสวดของคริสตจักร- นี่ไม่ใช่งานที่ง่ายและยาวนาน ความรู้และทักษะทั้งหมดถูกส่งผ่านวาจาในการสื่อสารโดยตรง นักร้องได้เรียนรู้เพลงสวดและเพลงสวดแต่ละเพลงของพิธีมิสซาคาทอลิกตามลำดับภายใต้การแนะนำของครูและเสียงของเขา ดังนั้น “หลักสูตรการฝึกอบรม” ทั้งหมดจึงใช้เวลาประมาณ 10 ปี

Guido Arettini เริ่มทำเครื่องหมายเสียงด้วยโน้ต (จากคำภาษาละติน nota - sign) บันทึกย่อสี่เหลี่ยมสีเทาถูกวางไว้บนไม้เท้าที่ประกอบด้วยสี่อัน เส้นขนาน- ขณะนี้มีบรรทัดเหล่านี้อยู่ห้าบรรทัด และบันทึกย่อจะแสดงเป็นวงกลม แต่หลักการที่ Guido แนะนำยังคงไม่เปลี่ยนแปลง โน้ตที่สูงกว่าจะแสดงบนไม้บรรทัดที่สูงกว่า มีโน้ตเจ็ดตัว ซึ่งประกอบเป็นอ็อกเทฟ

กุยโดตั้งชื่อโน้ตทั้งเจ็ดของอ็อกเทฟแต่ละอัน ได้แก่ ut, re, mi, fa, sol, la, si เหล่านี้เป็นพยางค์แรกของเพลงสวดของนักบุญ จอห์น. เพลงสวดแต่ละบรรทัดร้องด้วยโทนเสียงที่สูงกว่าเพลงก่อนหน้า

โน้ตของอ็อกเทฟถัดไปจะเรียกว่าเหมือนกัน แต่จะร้องด้วยเสียงสูงหรือต่ำ เมื่อย้ายจากอ็อกเทฟหนึ่งไปอีกอ็อกเทฟ ความถี่ของเสียงที่แสดงด้วยโน้ตเดียวกันจะเพิ่มขึ้นหรือลดลงครึ่งหนึ่ง ตัวอย่างเช่น เครื่องดนตรีได้รับการปรับให้เข้ากับโน้ต A ของอ็อกเทฟแรก โน้ตนี้มีความถี่ 440 Hz โน้ต A ของอ็อกเทฟถัดไป วินาที จะสอดคล้องกับความถี่ 880 เฮิรตซ์

ชื่อของโน้ตทั้งหมด ยกเว้นอันแรก จะลงท้ายด้วยเสียงสระทำให้ร้องได้ง่าย พยางค์ ut ปิดและไม่สามารถร้องได้เหมือนคนอื่นๆ ดังนั้นชื่อของโน้ตตัวแรกของอ็อกเทฟ ut จึงถูกแทนที่ด้วย do (น่าจะมาจากคำภาษาละติน Dominus - Lord) โน้ตตัวสุดท้ายของอ็อกเทฟ si เป็นตัวย่อของสองคำในบรรทัดสุดท้ายของเพลงสวด Sancte Ioannes ในประเทศที่พูดภาษาอังกฤษ ชื่อของโน้ต "B" จะถูกแทนที่ด้วย "Ti" เพื่อหลีกเลี่ยงความสับสนกับตัวอักษร C ซึ่งใช้ในโน้ตดนตรีด้วย

กุยโดได้ประดิษฐ์โน้ตขึ้นมาจึงได้สอนตัวอักษรที่เป็นเอกลักษณ์นี้แก่นักร้อง และยังสอนให้พวกเขาร้องเพลงจากโน้ตอีกด้วย นั่นคือสิ่งที่เรียกว่า solfeggio ในโรงเรียนดนตรีสมัยใหม่ ตอนนี้ก็เพียงพอแล้วที่จะเขียนบันทึกทั้งหมดลงในบันทึกและนักร้องก็สามารถร้องเพลงทำนองที่ต้องการได้ด้วยตัวเอง ไม่จำเป็นต้องสอนทุกเพลงเป็นการส่วนตัวอีกต่อไป กุยโดต้องควบคุมกระบวนการเท่านั้น เวลาฝึกนักร้องลดลงห้าเท่า แทนที่จะเป็นสิบปี - สองปี!

แผ่นจารึกอนุสรณ์ในอาเรสโซ บนถนน Via Ricasolli บนบ้านที่กุยโดเกิด มันแสดงให้เห็นบันทึกย่อสี่เหลี่ยม

ต้องบอกว่าพระกุยโดจากอาเรซโซไม่ใช่คนแรกที่มีแนวคิดในการบันทึกเพลงโดยใช้ป้าย ก่อนหน้าเขาในยุโรปตะวันตกมีระบบของ neumes อยู่แล้ว (จากคำภาษากรีก "pneumo" - ลมหายใจ) ไอคอนที่วางอยู่เหนือข้อความของเพลงสดุดีเพื่อบ่งบอกถึงการขึ้นหรือลงของน้ำเสียงของเพลง ในรัสเซียเพื่อจุดประสงค์เดียวกันพวกเขาใช้ระบบ "ตะขอ" หรือ "แบนเนอร์" ของตนเอง

โน้ตสี่เหลี่ยมของ Guido Aretinsky ซึ่งวางอยู่บนไม้เท้าสี่แถวกลายเป็นระบบที่ง่ายและสะดวกที่สุดสำหรับการบันทึกเพลง ขอบคุณเธอ โน้ตดนตรีแพร่กระจายไปทั่วโลก ดนตรีออกจากขอบเขตของคริสตจักรและไปที่พระราชวังของผู้ปกครองและขุนนางก่อน จากนั้นจึงไปที่โรงละคร หอแสดงคอนเสิร์ต และจัตุรัสกลางเมือง กลายเป็นสมบัติของทุกคน

หงุดหงิดคืออะไร?

โหมดเป็นหนึ่งในคำศัพท์กลางในทฤษฎีดนตรี การทำความเข้าใจวิธีการสร้างและใช้งานอย่างเชี่ยวชาญจะเปิดโอกาสให้นักดนตรีมีความเป็นไปได้อย่างไม่จำกัด และมักจะเป็นไปไม่ได้ที่จะอธิบายได้อย่างแน่ชัดว่าการเปลี่ยนแปลงที่น่าสนใจนั้นถูกสร้างขึ้นในองค์ประกอบใดองค์ประกอบหนึ่งได้อย่างไร - หากบุคคลไม่เข้าใจว่าโหมดคืออะไร แต่มีข้อเสียคือ นักดนตรีใช้คำว่า "โหมด" เอง ซึ่งมักมีความหมายไม่เหมือนกัน ทำไมเป็นเช่นนั้น? แล้วอะไรล่ะที่โอเคล่ะ? ความสับสนเกิดจากการที่คำนี้มีความหมายที่แตกต่างกันมากในแต่ละยุคสมัย

เราไม่ได้ตระหนักว่าการรับรู้ของเราได้รับการศึกษาและเชื่อมโยงกับดนตรีคลาสสิกมากน้อยเพียงใด (ในขณะที่แนวคิดของ “ดนตรีสมัยใหม่” แตกต่างจากหลักการคลาสสิก) ยุคของลัทธิคลาสสิกถือเป็นการแตกหักครั้งสำคัญทางประวัติศาสตร์ในการรับรู้ของมนุษย์ต่อโลก หลังจากยุคกลาง ผู้คนค้นพบศิลปะโบราณและหลงใหลในศิลปะโบราณ งานคลาสสิกใด ๆ ถูกสร้างขึ้นจากหลักการที่เข้มงวดซึ่งเผยให้เห็นถึงความกลมกลืนและตรรกะของจักรวาลเอง ลัทธิคลาสสิกสร้างลำดับโครงสร้าง - ลำดับชั้นที่ชัดเจนของระดับสูงและต่ำ หลักและรอง ส่วนกลางและผู้ใต้บังคับบัญชา ดังนั้น ตัวอย่างเช่น เริ่มต้นด้วยดนตรีคลาสสิกของเวียนนาและดนตรีโรแมนติก เราคิดในระบบ "เมเจอร์-ไมเนอร์" มันคืออะไรและมันส่งผลต่อการรับรู้ของเราอย่างไร?

หลักและรองเป็นโหมดวรรณยุกต์ โหมดวรรณยุกต์คือระบบความสัมพันธ์ระหว่างโทนเสียง มันหมายความว่าอะไร? โทนคืออะไร? ลองคิดดูสิ สมมติว่าคุณมีเปียโนอยู่ตรงหน้า: ดูที่คีย์บอร์ด: do-re-mi-fa-sol-la-si ปกติ, คีย์สีขาว 7 คีย์ และระหว่างคีย์สีดำอีก 5 อัน รวมระยะทางระหว่างแต่ละอัน 12 สองในนั้นคือเซมิโทน ระหว่างขาวดำที่อยู่ติดกันจะมีฮาล์ฟโทนเสมอ ระหว่างคนผิวขาวที่อยู่ติดกันจะมีโทนเสียง (มีข้อยกเว้นของ mi-fa และ si-do คือเซมิโทน)

ชุดโทนเสียงและเซมิโทนใดๆ ถือเป็นสเกล ในยุคแห่งความคลาสสิกพวกเขาเริ่มสร้างมันขึ้นมาโดยยึดโทนสีทั้งหมดกับโทนิคซึ่งเป็นโทนหลักอย่างเข้มงวด นี่คือโหมดหลักหรือโหมดรอง ดนตรีโทนทั้งหมด (ดนตรีคลาสสิกทั้งหมด) สร้างขึ้นจากความสัมพันธ์ระหว่างฮาร์โมนีหลักและรองโดยตรง ด้วยหู เราแยกแยะความแตกต่างระหว่างผู้หลักและผู้เยาว์โดยสัญชาตญาณด้วยการใช้สี - "สนุกสนาน" หรือ "เศร้า" โหมดสลับกันคือเมื่อชิ้นส่วนหนึ่งชิ้นมีทั้งคุณสมบัติหลักและคุณสมบัติรองพร้อมกัน แต่พวกเขามีหลักการร่วมกันคือวรรณยุกต์

อย่างไรก็ตาม หลักการนี้ไม่ใช่หลักการเดียวที่เป็นไปได้ ก่อนยุคของลัทธิคลาสสิก เมื่อทุกอย่างถูกจัดวางให้อยู่ในระบบโทนเสียงที่กลมกลืนกันในที่สุด การคิดทางดนตรีก็แตกต่างออกไป Ionian, Dorian, Phrygian, Lydian, Mixolydian, Aeolian, Locrian... นี่คือโหมดอ็อกเทฟของชาวกรีก นอกจากนี้ยังมีโหมดคริสตจักรของดนตรีเกรกอเรียน ทั้งหมดนี้เป็นโหมดกิริยา พวกเขาแต่งดนตรีในสมัยโบราณ ยุคกลาง และประเพณีดนตรีตะวันออกแบบกิริยา (เช่น ragas ของอินเดียหรือ maqam อาหรับ เป็นต้น) ในดนตรีของยุคเรอเนซองส์ยุโรป กิริยาก็มีชัยเช่นกัน

อะไรคือความแตกต่างที่สำคัญจากลุคโทนสีที่เราคุ้นเคย? ในโหมดโทนเสียงมีความแตกต่างที่เข้มงวดระหว่างหน้าที่ของฮาร์โมนีหลักและคอร์ด แต่ในดนตรีโมดัลจะเบลอมากกว่ามาก สำหรับโหมดโมดอล การปรับขนาดโดยรวมเป็นสิ่งสำคัญ รวมถึงความหมายและสีสันที่โหมดนี้สามารถนำมาสู่ดนตรีได้ นั่นคือเหตุผลที่เราแยกแยะดนตรีอินเดียจากการร้องประสานเสียงในยุคกลางได้อย่างง่ายดายด้วยหู - ด้วยเสียงประสานและการเคลื่อนไหวทางดนตรี

เมื่อถึงศตวรรษที่ 20 ดูเหมือนว่าผู้แต่งได้ลองใช้ตัวเลือกเสียงทุกรูปแบบในดนตรีประเภทโทนเสียงแล้ว “ ฉันเบื่อแล้วปีศาจ!” พวกเขาพูดและเพื่อค้นหาสีใหม่พวกเขาหันไปหาสีเก่า - การเปลี่ยนกิริยาช่วย ลัทธิใหม่จึงเกิดขึ้น โหมดใหม่ๆ ปรากฏในดนตรีสมัยใหม่ เช่น เพลงบลูส์ ยิ่งไปกว่านั้น แนวเพลงพิเศษก็เกิดขึ้น - แจ๊สแบบโมดัล ตัวอย่างเช่น ไมลส์ เดวิส เรียกดนตรีโมดอลว่า "การเบี่ยงเบนไปจากโน้ต 7 ตัวปกติ โดยโน้ตแต่ละตัวดูเหมือนจะไม่อยู่ในโฟกัส" และพระองค์ตรัสว่า “เมื่อไปทางนี้ ก็จะถึงอนันต์” ประเด็นก็คือหลักการของวรรณยุกต์และกิริยาไม่แยกจากกัน ในการเล่นครั้งหนึ่งลักษณะของพวกเขาอาจจะผสมกัน Modality ก็เหมือนกับอีกเลเยอร์หนึ่งที่ซ้อนทับบน "หลัก/รอง" ที่เราคุ้นเคย และการใช้โหมดโมดอลที่แตกต่างกันจะทำให้สีของเพลงเปลี่ยนไป ตัวอย่างเช่น การหมุนของโหมด Phrygian นั้นมืดมน เนื่องจากสเกลของมันส่วนใหญ่ประกอบด้วยองศาที่ต่ำกว่า การรู้คุณสมบัติโมดอลเหล่านี้สามารถช่วยให้คุณได้เสียงที่น่าสนใจหากคุณแต่งเพลง

สี อารมณ์ ลักษณะนิสัย สิ่งเหล่านี้เป็นสัญญาณของความสามัคคีที่เราได้ยิน แต่มักไม่ตระหนักรู้ บ่อยครั้งในเพลงมันเป็นวลีกิริยาที่ดึงดูดความสนใจของเรา - เพราะมันไม่ธรรมดา ผู้ที่ได้รับการฝึกดนตรีคลาสสิกจะรับรู้ถึงการจากไปของชีวิตประจำวัน ทั้งหมดนี้และอีกมากมายจะเปิดขึ้นเมื่อคุณเข้าใจภาษาของดนตรี

วัฒนธรรมดนตรีมืออาชีพของยุคกลางในยุโรปมีความเกี่ยวข้องเป็นหลักกับคริสตจักรนั่นคือกับขอบเขตของดนตรีลัทธิ ศิลปะเต็มไปด้วยความนับถือศาสนาและเป็นที่ยอมรับ แต่ถึงกระนั้น ศิลปะก็ไม่ได้ถูกแช่แข็ง มันถูกเปลี่ยนจากความไร้สาระทางโลกไปสู่โลกแห่งการรับใช้พระเจ้าที่แยกจากกัน อย่างไรก็ตาม นอกจากดนตรีที่ "สูงกว่า" แล้ว ยังมีนิทานพื้นบ้าน งานของนักดนตรีเร่ร่อน ตลอดจนวัฒนธรรมอัศวินผู้สูงศักดิ์อีกด้วย

วัฒนธรรมดนตรีอันศักดิ์สิทธิ์ของยุคกลางตอนต้น

ในยุคนั้น ยุคกลางตอนต้น ดนตรีมืออาชีพฟังเฉพาะในมหาวิหารและโรงเรียนสอนร้องเพลงที่อยู่ติดกับพวกเขาเท่านั้น ศูนย์กลางของวัฒนธรรมดนตรีในยุคกลางในยุโรปตะวันตกคือเมืองหลวงของอิตาลี - โรม - เมืองเดียวกับที่ "หน่วยงานสูงสุดของคริสตจักร" ตั้งอยู่

ในปี 590-604 สมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่ 1 ทรงดำเนินการปฏิรูปการร้องเพลงทางศาสนา เขารวบรวมและรวบรวมบทสวดต่าง ๆ ในคอลเลกชัน "Gregorian Antiphonary" ต้องขอบคุณ Gregory I ทิศทางที่เรียกว่าบทสวดเกรกอเรียนจึงถูกสร้างขึ้นในดนตรีศักดิ์สิทธิ์ของยุโรปตะวันตก

การร้องประสานเสียง- ตามกฎแล้วนี่คือบทสวดเสียงเดียวซึ่งสะท้อนถึงประเพณีเก่าแก่หลายศตวรรษของชาวยุโรปและตะวันออกกลาง มันเป็นทำนองโมโนโฟนิกที่นุ่มนวลซึ่งมีจุดประสงค์เพื่อชี้แนะนักบวชให้เข้าใจรากฐานของนิกายโรมันคาทอลิกและยอมรับเจตจำนงเดียว การร้องประสานเสียงส่วนใหญ่ดำเนินการโดยคณะนักร้องประสานเสียง และมีเพียงบางส่วนเท่านั้นโดยศิลปินเดี่ยว

พื้นฐานของการร้องเพลงเกรกอเรียนคือการเคลื่อนไหวที่ก้าวหน้าไปตามเสียงของโหมดไดโทนิก แต่บางครั้งในการร้องเพลงประสานเสียงเดียวกันก็มีเพลงสดุดีที่ช้าและรุนแรงและการสวดมนต์แบบ Melismatic ของแต่ละพยางค์

การแสดงท่วงทำนองดังกล่าวไม่ได้รับความไว้วางใจจากใครเลย เนื่องจากต้องใช้ทักษะการร้องแบบมืออาชีพจากนักร้อง เช่นเดียวกับดนตรี ข้อความของบทสวดในภาษาละตินที่นักบวชจำนวนมากไม่สามารถเข้าใจได้ กระตุ้นให้เกิดความอ่อนน้อมถ่อมตน การหลุดพ้นจากความเป็นจริง และการใคร่ครวญ บ่อยครั้งที่การพึ่งพาข้อความยังกำหนดการออกแบบจังหวะของดนตรีด้วย บทสวดเกรกอเรียนไม่สามารถถือเป็นดนตรีในอุดมคติได้ แต่เป็นบทสวดบทสวดมนต์

มวล – ประเภทหลักนักแต่งเพลงในยุคกลาง

มิสซาคาทอลิก - พิธีบูชาหลักของโบสถ์ มันรวมบทสวดเกรกอเรียนประเภทต่าง ๆ เช่น:

• antiphonal (เมื่อนักร้องประสานเสียงสองคนร้องเพลงสลับกัน);
• ผู้รับผิดชอบ (สลับกันร้องเพลงเดี่ยวและคณะนักร้องประสานเสียง)

ชุมชนมีส่วนร่วมในการร้องเพลงสวดภาวนาเท่านั้น
ต่อมาในศตวรรษที่ 12 เพลงสดุดี (เพลงสดุดี) ลำดับ และเส้นทางปรากฏในพิธีมิสซา เป็นข้อความเพิ่มเติมที่มีสัมผัส (ตรงข้ามกับการร้องประสานเสียงหลัก) และทำนองพิเศษ ตำราบทคล้องจองทางศาสนาเหล่านี้เป็นที่จดจำของนักบวชได้ดีกว่ามาก พวกเขาร้องเพลงร่วมกับพระภิกษุ พวกเขาเปลี่ยนทำนอง และองค์ประกอบพื้นบ้านเริ่มซึมเข้าสู่ดนตรีศักดิ์สิทธิ์และเป็นโอกาสสำหรับความคิดสร้างสรรค์ดั้งเดิม (พระ Notker Zaika และ Tokelon - อาราม St. Golen) ต่อมาเพลงเหล่านี้เข้ามาแทนที่ท่อนสลโมดิกอย่างสมบูรณ์และทำให้เสียงบทสวดเกรกอเรียนสมบูรณ์ยิ่งขึ้น

ตัวอย่างแรกของโพลีโฟนีมาจากอาราม เช่น Organum - การเคลื่อนไหวในสี่หรือห้าคู่ขนาน, Gimel, Fauburdon - การเคลื่อนไหวในคอร์ดที่หก, การนำ ตัวแทนของดนตรีดังกล่าวคือนักแต่งเพลง Leonin และ Perotin (มหาวิหาร Notre Dame - ศตวรรษที่ XII-XIII)

วัฒนธรรมดนตรีฆราวาสในยุคกลาง

ด้านฆราวาสของวัฒนธรรมดนตรีในยุคกลางเป็นตัวแทนโดย: ในฝรั่งเศส - นักเล่นกล ละครใบ้ นักดนตรี ในประเทศเยอรมนี - รองเท้าส้นเข็ม, ในประเทศสเปน - ฮอกลาร์สในภาษารัสเซีย '- หนังควาย- พวกเขาทั้งหมดเป็นศิลปินท่องเที่ยวและผสมผสานการเล่นเครื่องดนตรี ร้องเพลง เต้นรำ มายากล การแสดงหุ่นกระบอก, ศิลปะละครสัตว์

องค์ประกอบอีกประการหนึ่งของดนตรีฆราวาสคือดนตรีอัศวินหรือที่เรียกว่า วัฒนธรรมในราชสำนัก - รหัสอัศวินพิเศษที่กำหนดขึ้นระบุว่าอัศวินแต่ละคนไม่เพียงแต่จะต้องมีความกล้าหาญและความกล้าหาญเท่านั้น แต่ยังต้องมีมารยาทที่ดี มีการศึกษา และอุทิศตนให้กับหญิงสาวสวยด้วย ทุกแง่มุมของชีวิตอัศวินสะท้อนให้เห็นในผลงาน เร่ร่อน(ฝรั่งเศสตอนใต้ - โปรวองซ์) ทรูแวร์(ทางตอนเหนือของฝรั่งเศส) มินเนซิงเกอร์(เยอรมนี).

ผลงานของพวกเขานำเสนอเป็นเนื้อเพลงรักเป็นหลัก ซึ่งเป็นประเภทที่พบมากที่สุดคือ canzona (albs - "Morning Songs" ในหมู่ Minnesingers) ทรูแวร์สร้างแนวเพลงของตัวเองโดยใช้ประสบการณ์ของคณะนักร้องอย่างกว้างขวาง ได้แก่ "เพลงเดือนพฤษภาคม" "เพลงทอผ้า"

ขอบเขตที่สำคัญที่สุดของแนวดนตรีของตัวแทนของวัฒนธรรมในราชสำนักคือแนวเพลงและการเต้นรำเช่น rondo, virele, ballad, มหากาพย์วีรชน- บทบาทของเครื่องดนตรีไม่มีนัยสำคัญมากนัก ลดเหลือเพียงการวางกรอบท่วงทำนองเสียงร้องด้วยบทนำ การแสดงสลับฉาก และบทหลัง

ยุคกลางที่เป็นผู้ใหญ่ ศตวรรษที่ XI-XIII

ลักษณะเฉพาะของยุคกลางที่เป็นผู้ใหญ่คือการพัฒนา วัฒนธรรมชาวเมือง - แนวความคิดคือการต่อต้านคริสตจักร การคิดอย่างอิสระ และการเชื่อมโยงกับนิทานพื้นบ้านที่มีอารมณ์ขันและงานรื่นเริง แนวเพลงใหม่ ๆ ของพฤกษ์กำลังปรากฏขึ้น: โมเท็ต ซึ่งมีลักษณะเสียงที่ไพเราะไม่เหมือนกัน ยิ่งไปกว่านั้น ในข้อความต่าง ๆ ก็ร้องพร้อมกันและแม้แต่ในภาษาต่าง ๆ ; madrigal เป็นเพลงในภาษาท้องถิ่น (ภาษาอิตาลี) caccia เป็นท่อนร้องที่มีข้อความบรรยายถึงการตามล่า

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 คนเร่ร่อนและโกลิอาร์ดได้เข้าร่วมงานศิลปะพื้นบ้าน ซึ่งต่างจากคนอื่นๆ ที่มีความรู้ มหาวิทยาลัยกลายเป็นผู้ให้บริการวัฒนธรรมดนตรีในยุคกลาง เนื่องจากระบบโหมดของยุคกลางได้รับการพัฒนาโดยตัวแทนของดนตรีศักดิ์สิทธิ์ พวกเขาจึงถูกเรียกว่าโหมดคริสตจักร (โหมดไอโอเนียน โหมดเอโอเลียน)

หลักคำสอนของเฮกซาคอร์ดก็ถูกหยิบยกขึ้นมาเช่นกัน - มีเพียง 6 ขั้นตอนเท่านั้นที่ใช้ในโหมด พระ Guido Aretinsky ได้สร้างระบบบันทึกย่อขั้นสูงขึ้นซึ่งประกอบด้วย 4 บรรทัดซึ่งระหว่างนั้นจะมีอัตราส่วนที่สามและเครื่องหมายสำคัญหรือการระบายสีของเส้น นอกจากนี้เขายังแนะนำชื่อพยางค์สำหรับขั้นตอนนั่นคือความสูงของขั้นตอนเริ่มระบุด้วยเครื่องหมายตัวอักษร

ศตวรรษ Ars Nova XIII-XV

ช่วงเวลาเปลี่ยนผ่านระหว่างยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือศตวรรษที่ 14 ช่วงเวลานี้ในฝรั่งเศสและอิตาลีเรียกว่า Ars Nova ซึ่งก็คือ "ศิลปะใหม่" ถึงเวลาแล้วสำหรับการทดลองทางศิลปะครั้งใหม่ นักแต่งเพลงเริ่มแต่งผลงานที่มีจังหวะซับซ้อนกว่างานก่อน ๆ (Philippe de Vitry)

นอกจากนี้ซึ่งแตกต่างจากดนตรีศักดิ์สิทธิ์ตรงที่มีการแนะนำเซมิโทนที่นี่ซึ่งเป็นผลมาจากการเพิ่มขึ้นและลดโทนเสียงแบบสุ่ม แต่นี่ยังไม่ใช่การมอดูเลต จากการทดลองดังกล่าวทำให้ได้ผลงานที่น่าสนใจ แต่ก็ไม่สอดคล้องกันเสมอไป นักดนตรีทดลองที่เก่งที่สุดในยุคนั้นคือโซลาซ วัฒนธรรมทางดนตรีในยุคกลางได้รับการพัฒนามากขึ้นเมื่อเปรียบเทียบกับวัฒนธรรมของโลกยุคโบราณ แม้ว่าจะมีข้อจำกัดด้านวิธีการ และมีข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการเฟื่องฟูของดนตรีในยุคเรอเนซองส์