อิมเพรสชันนิสม์ในจิตรกรรมฝรั่งเศส อิมเพรสชั่นนิสต์ของรัสเซียในการวาดภาพแตกต่างจากภาษาฝรั่งเศสอย่างไร อิมเพรสชั่นนิสม์เป็นขบวนการทางศิลปะ

อิมเพรสชันนิสม์เป็นความเคลื่อนไหวในการวาดภาพที่มีต้นกำเนิดในประเทศฝรั่งเศส ศตวรรษที่ XIX-XXซึ่งเป็นความพยายามทางศิลปะในการจับภาพช่วงเวลาของชีวิตในทุกความแปรปรวนและความคล่องตัว ภาพวาดอิมเพรสชั่นนิสต์เปรียบเสมือนภาพถ่ายที่ได้รับการชำระล้างอย่างดี ฟื้นคืนความต่อเนื่องของเรื่องราวที่เห็นในจินตนาการ ในบทความนี้เราจะดู 10 อันดับมากที่สุด อิมเพรสชั่นนิสต์ที่มีชื่อเสียงความสงบ. โชคดีที่มีศิลปินที่มีความสามารถมากกว่าสิบ ยี่สิบ หรือแม้แต่ร้อยคน ดังนั้นเรามาดูชื่อเหล่านั้นที่คุณจำเป็นต้องรู้อย่างแน่นอน

เพื่อไม่ให้ศิลปินหรือผู้ชื่นชมขุ่นเคือง รายการจะเรียงลำดับตามตัวอักษรภาษารัสเซีย

1. อัลเฟรด ซิสลีย์

จิตรกรชาวฝรั่งเศสคนนี้ ต้นกำเนิดภาษาอังกฤษถือว่ามากที่สุด จิตรกรทิวทัศน์ชื่อดังที่สอง ครึ่งหนึ่งของศตวรรษที่ 19ศตวรรษ. คอลเลกชันของเขามีภาพวาดมากกว่า 900 ชิ้น ซึ่งภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "Rural Alley", "Frost in Louveciennes", "Bridge in Argenteuil", "Early Snow in Louveciennes", "Lawns in Spring" และอื่นๆ อีกมากมาย

2. แวนโก๊ะ

เป็นที่รู้จักไปทั่วโลก เรื่องเศร้าเกี่ยวกับหูของเขา (โดยวิธีการที่เขาไม่ได้ตัดหูทั้งหมดของเขา แต่ตัดเฉพาะกลีบ) วังกอนก็ได้รับความนิยมหลังจากการตายของเขาเท่านั้น และในช่วงชีวิตของเขา เขาสามารถขายภาพวาดได้เพียงภาพเดียว 4 เดือนก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ว่ากันว่าเขาเป็นทั้งผู้ประกอบการและนักบวช แต่มักต้องเข้าโรงพยาบาลจิตเวชเนื่องจากภาวะซึมเศร้า ดังนั้นการกบฏของการดำรงอยู่ของเขาทั้งหมดจึงส่งผลให้เกิดผลงานในตำนาน

3. คามิลล์ ปิสซาโร

ปิสซาร์โรเกิดบนเกาะเซนต์โธมัส ในครอบครัวชาวยิวกระฎุมพี และเป็นหนึ่งในอิมเพรสชันนิสต์ไม่กี่คนที่พ่อแม่สนับสนุนความหลงใหลของเขา และในไม่ช้าก็ส่งเขาไปปารีสเพื่อศึกษา ที่สำคัญที่สุด ศิลปินชอบธรรมชาติ เขาพรรณนามันในทุกสี และเพื่อให้แม่นยำยิ่งขึ้น Pissarro มีความสามารถพิเศษในการเลือกความนุ่มนวลของสี ความเข้ากันได้ หลังจากนั้นอากาศดูเหมือนจะปรากฏในภาพวาด

4. คล็อด โมเนต์

ตั้งแต่วัยเด็กเด็กชายตัดสินใจว่าเขาจะเป็นศิลปินแม้จะมีข้อห้ามทางครอบครัวก็ตาม หลังจากย้ายไปปารีสด้วยตัวเอง Claude Monet กระโจนเข้าสู่ชีวิตประจำวันสีเทาของชีวิตที่ยากลำบาก: สองปีของการรับใช้ในกองทัพในแอลจีเรียการดำเนินคดีกับเจ้าหนี้เนื่องจากความยากจนและความเจ็บป่วย อย่างไรก็ตาม เรารู้สึกว่าความยากลำบากไม่ได้กดขี่ แต่ในทางกลับกัน เป็นแรงบันดาลใจให้ศิลปินสร้างสิ่งนี้ขึ้นมา ภาพที่สดใสเช่น "ความประทับใจ พระอาทิตย์ขึ้น" "รัฐสภาในลอนดอน" "สะพานสู่ยุโรป" "ฤดูใบไม้ร่วงในอาร์เจนเตย" "บนชายฝั่งของทรูวิลล์" และอื่นๆ อีกมากมาย

5. คอนสแตนติน โคโรวิน

เป็นเรื่องดีที่รู้ว่าในหมู่ชาวฝรั่งเศส ซึ่งเป็นผู้ปกครองของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ เราสามารถวางตำแหน่ง Konstantin Korovin เพื่อนร่วมชาติของเราได้อย่างภาคภูมิใจ ความรักที่หลงใหลในธรรมชาติช่วยให้เขามอบความมีชีวิตชีวาที่ไม่อาจจินตนาการได้ให้กับภาพนิ่งโดยสังหรณ์ใจด้วยการผสมผสานสีที่เหมาะสม ความกว้างของลายเส้น และการเลือกธีม เป็นไปไม่ได้ที่จะผ่านภาพวาดของเขา "ท่าเรือใน Gurzuf", "ปลา, ไวน์และผลไม้", " ภูมิทัศน์ฤดูใบไม้ร่วง», « คืนแสงจันทร์- Winter" และผลงานชุดของเขาที่อุทิศให้กับปารีส

6. พอล โกแกง

จนกระทั่งอายุ 26 ปี Paul Gauguin ไม่ได้คิดถึงการวาดภาพด้วยซ้ำ เขาเป็นผู้ประกอบการและมีครอบครัวใหญ่ อย่างไรก็ตาม เมื่อฉันเห็นภาพวาดของ Camille Pissarro เป็นครั้งแรก ฉันตัดสินใจว่าจะเริ่มวาดภาพอย่างแน่นอน เมื่อเวลาผ่านไปสไตล์ของศิลปินเปลี่ยนไป แต่ภาพวาดอิมเพรสชั่นนิสต์ที่โด่งดังที่สุดคือ "Garden in the Snow", "At the Cliff", "On the Beach in Dieppe", "Nude", "Palm Trees in Martinique" และอื่น ๆ

7. ปอล เซซาน

Cezanne มีชื่อเสียงในช่วงชีวิตของเขาซึ่งแตกต่างจากเพื่อนร่วมงานส่วนใหญ่ของเขา เขาจัดการจัดนิทรรศการของตัวเองและสร้างรายได้มหาศาลจากมัน ผู้คนรู้มากเกี่ยวกับภาพวาดของเขา - เขาเรียนรู้ที่จะผสมผสานการเล่นของแสงและเงาไม่เหมือนใครโดยเน้นที่รูปทรงเรขาคณิตปกติและผิดปกติความรุนแรงของธีมของภาพวาดของเขาสอดคล้องกับความโรแมนติก

8. ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์

เรอนัวร์ทำงานเป็นมัณฑนากรให้กับพี่ชายของเขา จนกระทั่งอายุ 20 ปี จากนั้นจึงย้ายไปปารีส ซึ่งเขาได้พบกับโมเนต์, เบซิล และซิสลีย์ คนรู้จักนี้ช่วยให้เขาก้าวไปสู่เส้นทางแห่งอิมเพรสชันนิสม์และมีชื่อเสียงในอนาคต เรอนัวร์เป็นที่รู้จักในฐานะนักเขียนภาพบุคคลที่ซาบซึ้งที่สุดในบรรดาผลงานของเขา ผลงานที่โดดเด่น- "บนระเบียง", "เดิน", "ภาพเหมือนของนักแสดงหญิง Jeanne Samary", "The Lodge", "Alfred Sisley และภรรยาของเขา", "บนชิงช้า", "Splash Pool" และอื่นๆ อีกมากมาย

9. เอ็ดการ์ เดอกาส์

หากคุณไม่เคยได้ยินอะไรเกี่ยวกับ " นักเต้นสีฟ้า", "การซ้อมบัลเล่ต์", "โรงเรียนบัลเล่ต์" และ "แอบซินธ์" - รีบมาเรียนรู้เกี่ยวกับผลงานของเอ็ดการ์ เดอกาส์ การเลือกสีดั้งเดิม ธีมที่เป็นเอกลักษณ์สำหรับภาพวาด ความรู้สึกของการเคลื่อนไหวของภาพ ทั้งหมดนี้และอีกมากมายทำให้ Degas เป็นหนึ่งในที่สุด ศิลปินชื่อดังความสงบ.

10. เอดูอาร์ด มาเน็ต

อย่าสับสนระหว่าง Manet กับ Monet - ทั้งสองคน ผู้คนที่หลากหลายซึ่งทำงานไปพร้อมๆ กันและอยู่ในทิศทางศิลปะเดียวกัน มาเนตรมักจะสนใจฉากในชีวิตประจำวัน ลักษณะที่ผิดปกติและประเภทราวกับว่า "จับ" ช่วงเวลาโดยไม่ได้ตั้งใจซึ่งต่อมาถูกบันทึกไว้เป็นเวลาหลายศตวรรษ ในบรรดาภาพวาดที่มีชื่อเสียงของ Manet: "Olympia", "Luncheon on the Grass", "Bar at the Folies Bergere", "The Flutist", "Nana" และอื่นๆ

หากคุณมีโอกาสแม้แต่น้อยที่จะได้เห็นภาพวาดของปรมาจารย์เหล่านี้คุณจะหลงรักอิมเพรสชั่นนิสม์ตลอดไป!

อเล็กซานดรา สคริปคินา

คำว่า "อิมเพรสชั่นนิสม์" มาจากภาษาฝรั่งเศส "อิมเพรสชั่น" - อิมเพรสชัน นี่คือขบวนการจิตรกรรมที่มีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษที่ 1860 และกำหนดพัฒนาการทางศิลปะเป็นส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 19 บุคคลสำคัญของการเคลื่อนไหวนี้คือ Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir และ Sisley และการมีส่วนร่วมของแต่ละคนในการพัฒนานั้นมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว อิมเพรสชั่นนิสต์ต่อต้านแบบแผนของลัทธิคลาสสิก แนวโรแมนติก และวิชาการ ยืนยันความงามของความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน แรงจูงใจที่เรียบง่ายและเป็นประชาธิปไตย บรรลุความถูกต้องของภาพ พยายามจับภาพ "ความประทับใจ" ของสิ่งที่ตามองเห็นในช่วงเวลาใดเวลาหนึ่งโดยไม่ต้องเพ่งความสนใจไปที่ ในการวาดรายละเอียดเฉพาะ

ในฤดูใบไม้ผลิปี พ.ศ. 2417 จิตรกรรุ่นเยาว์กลุ่มหนึ่ง ได้แก่ Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Degas, Cezanne และ Berthe Morisot ละเลย Salon อย่างเป็นทางการและจัดนิทรรศการของตนเอง การกระทำดังกล่าวถือเป็นการปฏิวัติและทำลายรากฐานที่มีอายุหลายศตวรรษ แต่ภาพวาดของศิลปินเหล่านี้เมื่อมองแวบแรกดูเหมือนจะเป็นศัตรูกับประเพณีมากกว่า ปฏิกิริยาต่อนวัตกรรมนี้จากผู้เยี่ยมชมและนักวิจารณ์นั้นยังห่างไกลจากความเป็นมิตร พวกเขากล่าวหาว่าศิลปินวาดภาพเพียงเพื่อดึงดูดความสนใจของสาธารณชนและไม่เหมือนปรมาจารย์ที่ได้รับการยอมรับ คนที่ตามใจชอบที่สุดมองว่างานของตนเป็นการเยาะเย้ยและพยายามล้อเลียน คนที่ซื่อสัตย์- ต้องใช้เวลาหลายปีในการต่อสู้อย่างดุเดือดก่อนที่ภาพวาดคลาสสิกที่ได้รับการยอมรับในเวลาต่อมาจะสามารถโน้มน้าวให้สาธารณชนไม่เพียง แต่ความจริงใจเท่านั้น แต่ยังรวมถึงพรสวรรค์ของพวกเขาด้วย

ด้วยความพยายามที่จะแสดงความประทับใจโดยตรงต่อสิ่งต่าง ๆ อย่างถูกต้องที่สุด อิมเพรสชั่นนิสต์จึงสร้างวิธีการวาดภาพแบบใหม่ สิ่งสำคัญคือการถ่ายทอดความรู้สึกภายนอกของแสง เงา การสะท้อนกลับบนพื้นผิวของวัตถุด้วยลายเส้นสีบริสุทธิ์ที่แยกจากกัน ซึ่งทำให้รูปร่างละลายด้วยสายตาในสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศโดยรอบ ในแนวที่เขาชอบ (ทิวทัศน์ ภาพบุคคล องค์ประกอบหลายร่าง) พวกเขาพยายามถ่ายทอดความประทับใจชั่วขณะของโลกรอบตัวพวกเขา (ฉากบนท้องถนน ในร้านกาแฟ ภาพร่างของการเดินเล่นในวันอาทิตย์ ฯลฯ) อิมเพรสชั่นนิสต์บรรยายถึงชีวิตที่เต็มไปด้วยบทกวีตามธรรมชาติ ที่ซึ่งมนุษย์เป็นหนึ่งเดียวกัน สิ่งแวดล้อมเปลี่ยนแปลงตลอดเวลา ตื่นตาตื่นใจกับความมั่งคั่งและประกายแห่งความบริสุทธิ์ สีสว่าง.

หลังจากนิทรรศการครั้งแรกในปารีส ศิลปินเหล่านี้เริ่มถูกเรียกว่าอิมเพรสชั่นนิสต์ คำภาษาฝรั่งเศส"ความประทับใจ" - "ความประทับใจ" คำนี้เหมาะสมกับผลงานของพวกเขาเพราะศิลปินได้ถ่ายทอดความประทับใจโดยตรงต่อสิ่งที่พวกเขาเห็นในตัวพวกเขา ศิลปินใช้แนวทางใหม่ในการวาดภาพโลก หัวข้อหลักสำหรับพวกเขา มันกลายเป็นแสงที่สั่นสะเทือน เป็นอากาศที่ผู้คนและสิ่งของดูเหมือนจะจมอยู่ใต้น้ำ ในภาพวาดของพวกเขา เราสัมผัสได้ถึงลม ดินเปียกที่ได้รับความร้อนจากดวงอาทิตย์ พวกเขาพยายามแสดงสีสันอันน่าทึ่งในธรรมชาติ อิมเพรสชันนิสม์เป็นขบวนการศิลปะสำคัญครั้งสุดท้ายในฝรั่งเศสศตวรรษที่ 19

ไม่อาจกล่าวได้ว่าเส้นทางของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์นั้นง่ายดาย ในตอนแรกพวกเขาไม่เป็นที่รู้จัก ภาพวาดของพวกเขาดูโดดเด่นและแปลกตาเกินไป พวกเขาจึงถูกหัวเราะเยาะ ไม่มีใครอยากซื้อภาพวาดของพวกเขา แต่พวกเขาก็เดินตามทางของตัวเองอย่างดื้อรั้น ความยากจนและความหิวโหยไม่สามารถบังคับให้พวกเขาละทิ้งความเชื่อของตนได้ หลายปีผ่านไป ศิลปินแนวอิมเพรสชั่นนิสต์หลายคนไม่ได้มีชีวิตอยู่อีกต่อไปเมื่องานศิลปะของพวกเขาได้รับการยอมรับในที่สุด

ทั้งหมดนี้เป็นอย่างมาก ศิลปินที่แตกต่างกันรวมเป็นหนึ่งเดียวกันโดยการต่อสู้ร่วมกันกับนักอนุรักษ์นิยมและนักวิชาการในงานศิลปะ อิมเพรสชั่นนิสต์จัดนิทรรศการแปดครั้ง ครั้งสุดท้ายในปี พ.ศ. 2429 นี่เป็นการยุติประวัติศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ในฐานะการเคลื่อนไหวในการวาดภาพ หลังจากนั้นศิลปินแต่ละคนก็ไปตามทางของตัวเอง

ภาพวาดชิ้นหนึ่งที่นำเสนอในนิทรรศการครั้งแรกของ "อิสระ" ซึ่งศิลปินเองก็ชอบที่จะเรียกตัวเองว่าเป็นของ Claude Monet และถูกเรียกว่า "ความประทับใจ" พระอาทิตย์ขึ้น". ในสิ่งที่ปรากฏในวันรุ่งขึ้น บทวิจารณ์หนังสือพิมพ์ในนิทรรศการนักวิจารณ์แอล. เลอรอยเยาะเย้ยการขาด "รูปแบบ" ในภาพวาดในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้โดยเอียงคำว่า "ความประทับใจ" (ความประทับใจ) ในทุกวิถีทางอย่างแดกดันราวกับว่าแทนที่งานศิลปะของแท้ในผลงานของคนหนุ่มสาว ศิลปิน ตรงกันข้ามกับความคาดหวัง คำใหม่ซึ่งกล่าวเยาะเย้ยถือเป็นชื่อของการเคลื่อนไหวทั้งหมด เนื่องจากเป็นการแสดงออกถึงสิ่งทั่วไปที่รวมผู้เข้าร่วมทั้งหมดในนิทรรศการเข้าด้วยกันได้อย่างสมบูรณ์แบบ - ประสบการณ์ส่วนตัวของสี แสง พื้นที่ ด้วยความพยายามที่จะแสดงความประทับใจโดยตรงต่อสิ่งต่าง ๆ อย่างถูกต้องที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ศิลปินได้ปลดปล่อยตัวเองจากกฎเกณฑ์แบบเดิมๆ และสร้างวิธีการวาดภาพแบบใหม่

อิมเพรสชั่นนิสต์หยิบยกหลักการรับรู้และการแสดงโลกรอบตัวของตนเองขึ้นมา พวกเขาลบเส้นแบ่งระหว่างวิชาหลักที่คู่ควร ศิลปะชั้นสูงและวัตถุทุติยภูมิสร้างเส้นตรงระหว่างพวกมันและ ข้อเสนอแนะ- วิธีอิมเพรสชั่นนิสม์จึงกลายเป็นการแสดงออกถึงหลักการของความงดงามอย่างแท้จริง วิธีการแสดงภาพนั้นเกี่ยวข้องกับการระบุความเชื่อมโยงของวัตถุกับโลกรอบตัวอย่างแม่นยำ วิธีการใหม่บังคับให้ผู้ชมถอดรหัสการบิดและเปลี่ยนของพล็อตไม่มากนัก แต่ต้องเป็นความลับของภาพวาดด้วย

แก่นแท้ของการมองเห็นแบบอิมเพรสชั่นนิสต์ของธรรมชาติและการพรรณนาของมันอยู่ที่ความอ่อนแอของการรับรู้เชิงวิเคราะห์เชิงรุกของพื้นที่สามมิติที่อ่อนแอลงและการลดลงไปสู่ความเป็นสองมิติดั้งเดิมของผืนผ้าใบซึ่งกำหนดโดยทัศนคติที่มองเห็นได้แบนในคำพูดของ A. Hildebrand “การมองดูธรรมชาติในระยะไกล” ซึ่งนำไปสู่การหันเหความสนใจของวัตถุที่ปรากฎจากคุณสมบัติของวัตถุ ผสานเข้ากับสภาพแวดล้อม แทบจะเปลี่ยนมันให้กลายเป็น “รูปลักษณ์” รูปลักษณ์ที่สลายไปในแสงและอากาศเกือบทั้งหมด ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ P. Cezanne เรียกผู้นำในภายหลัง อิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส Claude Monet "ด้วยตาเท่านั้น" "การละทิ้ง" ของการรับรู้ทางสายตายังนำไปสู่การปราบปราม "สีแห่งความทรงจำ" นั่นคือการเชื่อมโยงของสีกับแนวคิดและการเชื่อมโยงวัตถุที่เป็นนิสัย ตามที่ท้องฟ้าเป็นสีฟ้าเสมอและหญ้าเป็นสีเขียว อิมเพรสชั่นนิสต์สามารถวาดภาพท้องฟ้าสีเขียวและหญ้าเป็นสีฟ้าได้ ขึ้นอยู่กับวิสัยทัศน์ของพวกเขา “ความเป็นไปได้ตามวัตถุประสงค์” เสียสละให้กับกฎแห่งการรับรู้ทางสายตา ตัวอย่างเช่น J. Seurat เล่าให้ทุกคนฟังอย่างกระตือรือร้นว่าเขาค้นพบได้อย่างไรว่าทรายชายฝั่งสีส้มในร่มเงาเป็นสีฟ้าสดใส ดังนั้นหลักการของการรับรู้เชิงเปรียบเทียบจึงถูกนำมาใช้เป็นพื้นฐานสำหรับวิธีการวาดภาพ สีเพิ่มเติม.

สำหรับศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ โดยส่วนใหญ่แล้วสิ่งสำคัญไม่ใช่สิ่งที่เขาพรรณนาออกมา แต่สิ่งสำคัญคือ "อย่างไร" วัตถุนั้นกลายเป็นเพียงข้ออ้างในการแก้ปัญหา "ภาพ" ที่เป็นภาพล้วนๆ ดังนั้นในตอนแรกอิมเพรสชั่นนิสต์จึงมีชื่ออีกชื่อหนึ่งซึ่งต่อมาถูกลืม - "ลัทธิรงค์นิยม" (จากภาษากรีกโครมา - สี) อิมเพรสชั่นนิสต์ได้ปรับปรุงโทนสีของพวกเขา โดยละทิ้งสีเข้มที่เป็นสีเอิร์ธโทน และใช้สีสเปกตรัมที่บริสุทธิ์บนผืนผ้าใบ โดยแทบไม่ต้องผสมสีเหล่านี้บนจานสีก่อน ธรรมชาตินิยมของอิมเพรสชั่นนิสต์ประกอบด้วยความจริงที่ว่าสิ่งที่ธรรมดาสามัญที่ไม่น่าสนใจที่สุดกลายเป็นสิ่งสวยงามทันทีที่ศิลปินเห็นความแตกต่างอันละเอียดอ่อนของสีเทาและสีน้ำเงิน

โดดเด่นด้วยความกะทัดรัดและ Etude วิธีการสร้างสรรค์อิมเพรสชันนิสม์ ท้ายที่สุดแล้ว มีเพียงภาพร่างสั้นๆ เท่านั้นที่ทำให้สามารถบันทึกสภาวะของธรรมชาติแต่ละอย่างได้อย่างแม่นยำ อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นกลุ่มแรกที่ฝ่าฝืนหลักการดั้งเดิมของการสร้างภาพเขียนเชิงพื้นที่ ซึ่งมีอายุย้อนไปถึงยุคเรอเนซองส์และบาโรก พวกเขาใช้องค์ประกอบที่ไม่สมมาตรเพื่อเน้นตัวละครและสิ่งของที่พวกเขาสนใจให้ดียิ่งขึ้น แต่สิ่งที่ขัดแย้งกันก็คือ เมื่อละทิ้งความเป็นธรรมชาตินิยมของศิลปะเชิงวิชาการแล้ว ได้ทำลายหลักการและประกาศ คุณค่าทางสุนทรียภาพบันทึกทุกสิ่งที่หายวับไปแบบสุ่มอิมเพรสชั่นนิสต์ยังคงถูกกักขังอยู่ในความคิดที่เป็นธรรมชาติและยิ่งกว่านั้นในหลาย ๆ ด้านนี่เป็นการถอยหลัง อาจมีคนนึกถึงคำพูดของ O. Spengler ที่ว่า “ภูมิทัศน์ของ Rembrandt อยู่ที่ไหนสักแห่งในอวกาศอันไม่มีที่สิ้นสุดของโลก ในขณะที่ภูมิทัศน์ของ Claude Monet ตั้งอยู่ใกล้สถานีรถไฟ”

เพียงหนึ่งปีที่แล้ว วลี "ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์รัสเซีย" เสียดสีหูของพลเมืองทั่วไปในประเทศอันกว้างใหญ่ของเรา ทั้งหมด ผู้มีการศึกษารู้เรื่องแสง แสงสว่าง และอิมเพรสชันนิสม์แบบฝรั่งเศสที่เคลื่อนไหวรวดเร็ว สามารถแยกแยะโมเนต์จากมาเนต์ และรู้จักดอกทานตะวันของแวนโก๊ะจากหุ่นนิ่งทั้งหมด มีคนได้ยินบางอย่างเกี่ยวกับสาขาอเมริกันในการพัฒนาทิศทางการวาดภาพนี้ - ภูมิทัศน์เมืองฮัสซัมและมากขึ้น ภาพแนวตั้งไล่ล่า. แต่นักวิจัยยังคงโต้เถียงเกี่ยวกับการดำรงอยู่ของลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์ของรัสเซีย

คอนสแตนติน โคโรวิน

ประวัติศาสตร์อิมเพรสชั่นนิสม์ของรัสเซียเริ่มต้นด้วยภาพวาด "Portrait of a Chorus Girl" โดย Konstantin Korovin รวมถึงความเข้าใจผิดและการลงโทษของสาธารณชน เมื่อเห็นงานนี้เป็นครั้งแรก I. E. Repin ไม่เชื่อในทันทีว่างานนี้ดำเนินการโดยจิตรกรชาวรัสเซีย: “ ชาวสเปน! ฉันเห็น. เขาเขียนอย่างกล้าหาญและร่าเริง มหัศจรรย์. แต่นี่เป็นเพียงการวาดภาพเพื่อประโยชน์ในการวาดภาพเท่านั้น แต่เป็นคนสเปนที่มีนิสัย...” Konstantin Alekseevich เองก็เริ่มวาดภาพผืนผ้าใบของเขาในลักษณะอิมเพรสชั่นนิสม์กลับเข้ามา ปีนักศึกษาเนื่องจากไม่คุ้นเคยกับภาพวาดของ Cezanne, Monet และ Renoir มานานก่อนที่เขาจะเดินทางไปฝรั่งเศส ต้องขอบคุณสายตาที่มีประสบการณ์ของ Polenov เท่านั้น Korovin จึงได้เรียนรู้ว่าเขาใช้เทคนิคฝรั่งเศสในเวลานั้นซึ่งเขาเข้าใจโดยสัญชาตญาณ ในเวลาเดียวกัน ศิลปินชาวรัสเซียก็ได้รับอาสาสมัครที่เขาใช้สำหรับภาพวาดของเขา - ผลงานชิ้นเอกที่ได้รับการยอมรับ "ไอดิลล์ทางตอนเหนือ" ซึ่งวาดในปี พ.ศ. 2435 และเก็บไว้ใน หอศิลป์ Tretyakovแสดงให้เห็นถึงความรักของ Korovin ที่มีต่อประเพณีและคติชนของรัสเซีย ความรักนี้ปลูกฝังให้ศิลปินโดย “วงแมมมอธ” - ชุมชน ปัญญาชนที่สร้างสรรค์ซึ่งรวมถึง Repin, Polenov, Vasnetsov, Vrubel และเพื่อนอีกหลายคน ผู้ใจบุญที่มีชื่อเสียงซาวา มามอนตอฟ. ในเมือง Abramtsevo ซึ่งเป็นที่ตั้งของที่ดินของ Mamontov และเป็นที่ซึ่งสมาชิกของแวดวงศิลปะมารวมตัวกัน Korovin โชคดีที่ได้พบและทำงานร่วมกับ Valentin Serov ด้วยความคุ้นเคยนี้ผลงานของศิลปิน Serov ที่ประสบความสำเร็จอยู่แล้วจึงได้รับคุณสมบัติของแสงอิมเพรสชันนิสม์ที่สว่างสดใสและรวดเร็วซึ่งเราเห็นในผลงานแรก ๆ ของเขา - "เปิดหน้าต่าง" ไลแลค".

ภาพเหมือนของนักร้องสาว พ.ศ. 2426

ไอดีลทางตอนเหนือ พ.ศ. 2429

เบิร์ดเชอร์รี่ 2455

กูร์ซูฟ 2, 1915

ท่าเรือใน Gurzuf, 2457

ปารีส 2476

วาเลนติน เซรอฟ

ภาพวาดของ Serov เต็มไปด้วยคุณลักษณะที่มีอยู่ในอิมเพรสชั่นนิสม์ของรัสเซียเท่านั้น - ภาพวาดของเขาไม่เพียงสะท้อนถึงความประทับใจในสิ่งที่ศิลปินเห็นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสภาพจิตวิญญาณของเขาด้วย ช่วงเวลานี้- ตัวอย่างเช่นในภาพวาด "จัตุรัสเซนต์มาร์กในเวนิส" ที่วาดในอิตาลีที่ Serov ไปในปี 1887 เนื่องจากอาการป่วยหนัก โทนสีเทาเย็นจึงมีอิทธิพลเหนือกว่าซึ่งทำให้เราทราบถึงสภาพของศิลปิน แต่ถึงแม้จะมีจานสีที่ค่อนข้างมืดมน แต่ภาพวาดก็เป็นงานอิมเพรสชั่นนิสม์มาตรฐานเนื่องจาก Serov สามารถจับภาพได้ โลกแห่งความจริงในความคล่องตัวและความแปรปรวน เพื่อถ่ายทอดความประทับใจที่เกิดขึ้นชั่วขณะของคุณ ในจดหมายถึงเจ้าสาวของเขาจากเวนิส Serov เขียนว่า: "ใน ศตวรรษนี้พวกเขาเขียนทุกสิ่งที่ยาก ไม่มีอะไรน่ายินดี ฉันต้องการ ฉันต้องการสิ่งที่น่ายินดี และฉันจะเขียนเฉพาะสิ่งที่น่ายินดีเท่านั้น”

เปิดหน้าต่าง ไลแลค 2429

จัตุรัสเซนต์มาร์กในเมืองเวนิส พ.ศ. 2430

หญิงสาวกับลูกพีช (ภาพเหมือนของ V. S. Mamontova)

ฉัตรมงคล. การยืนยันของนิโคลัสที่ 2 ในอาสนวิหารอัสสัมชัญ พ.ศ. 2439

เด็กผู้หญิงที่ส่องสว่างด้วยแสงอาทิตย์ พ.ศ. 2431

อาบน้ำม้า 2448

อเล็กซานเดอร์ เกราซิมอฟ

Alexander Mikhailovich Gerasimov หนึ่งในนักเรียนของ Korovin และ Serov ที่ใช้พู่กันที่แสดงออก จานสีสดใส และรูปแบบการวาดภาพแบบร่าง ความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินเฟื่องฟูในช่วงการปฏิวัติซึ่งอดไม่ได้ที่จะสะท้อนให้เห็นในหัวข้อภาพวาดของเขา แม้ว่า Gerasimov จะมอบพู่กันให้กับงานปาร์ตี้และมีชื่อเสียงด้วยภาพวาดที่โดดเด่นของเลนินและสตาลิน แต่เขายังคงทำงานในภูมิประเทศแบบอิมเพรสชั่นนิสต์ที่ใกล้ชิดกับจิตวิญญาณของเขา ผลงานของ Alexander Mikhailovich“ After the Rain” เผยให้เราเห็นศิลปินในฐานะผู้เชี่ยวชาญด้านการถ่ายทอดอากาศและแสงในภาพวาดซึ่ง Gerasimov เป็นหนี้อิทธิพลของที่ปรึกษาที่มีชื่อเสียงของเขา

ศิลปิน ที่เดชาของสตาลิน 2494

สตาลินและโวโรชิลอฟในเครมลิน คริสต์ทศวรรษ 1950

หลังฝน. ระเบียงเปียก, 1935

ยังมีชีวิตอยู่. ช่อดอกไม้สนาม 2495

อิกอร์ กราบาร์

เมื่อพูดถึงอิมเพรสชั่นนิสต์ของรัสเซียตอนปลาย เราอดไม่ได้ที่จะหันไปหาผลงานของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ Igor Emmanuilovich Grabar ผู้ซึ่งนำเทคนิคหลายอย่างของจิตรกรชาวฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มาใช้เนื่องจากการเดินทางไปยุโรปหลายครั้ง การใช้เทคนิคของอิมเพรสชั่นนิสต์คลาสสิกในภาพวาดของเขา Grabar พรรณนาถึงภาษารัสเซียอย่างแท้จริง ลวดลายแนวนอนและเรื่องราวในชีวิตประจำวัน ในขณะที่โมเน่ต์กำลังวาดภาพอยู่ สวนบาน Giverny และ Degas - นักบัลเล่ต์ที่สวยงาม Grabar พรรณนาถึงฤดูหนาวอันโหดร้ายของรัสเซียและชีวิตหมู่บ้านด้วยสีพาสเทลเดียวกัน เหนือสิ่งอื่นใด Grabar ชอบวาดภาพน้ำค้างแข็งบนผืนผ้าใบของเขาและอุทิศผลงานทั้งหมดให้กับเขาซึ่งประกอบด้วยภาพร่างหลากสีขนาดเล็กมากกว่าร้อยภาพที่สร้างขึ้นใน เวลาที่แตกต่างกันวันและในสภาพอากาศที่แตกต่างกัน ความยากในการทำงานกับภาพวาดดังกล่าวคือสีแข็งตัวในความเย็น ดังนั้นเราจึงต้องทำงานอย่างรวดเร็ว แต่นี่คือสิ่งที่ทำให้ศิลปินสามารถสร้าง "ช่วงเวลานั้น" ขึ้นมาใหม่และถ่ายทอดความประทับใจของเขาซึ่งเป็นแนวคิดหลักของอิมเพรสชั่นนิสต์คลาสสิก สไตล์การวาดภาพของ Igor Emmanuilovich มักเรียกว่าอิมเพรสชันนิสม์ทางวิทยาศาสตร์เพราะมันให้ ความสำคัญอย่างยิ่งแสงและอากาศบนผืนผ้าใบ และได้สร้างงานวิจัยมากมายเกี่ยวกับการถ่ายทอดสี ยิ่งไปกว่านั้น สำหรับเขาแล้วเราเป็นหนี้การจัดเรียงภาพวาดตามลำดับเวลาใน Tretyakov Gallery ซึ่งเขาดำรงตำแหน่งผู้อำนวยการในปี 2463-2468

ตรอกเบิร์ช 2483

ภูมิทัศน์ฤดูหนาว พ.ศ. 2497

ฟรอสต์, 1905

ลูกแพร์บนผ้าปูโต๊ะสีน้ำเงิน 2458

มุมหนึ่งของที่ดิน (รังสีแห่งดวงอาทิตย์) พ.ศ. 2444

ยูริ ปิเมนอฟ

ไม่ใช่คลาสสิกโดยสิ้นเชิง แต่ยังคงอิมเพรสชั่นนิสม์ที่พัฒนาในสมัยโซเวียต ตัวแทนที่โดดเด่นคือ ยูริ อิวาโนวิช ปิเมนอฟ ผู้ที่มาบรรยาย “ความประทับใจชั่วขณะในสีเตียง” หลังจากทำงานสไตล์การแสดงออก ผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของ Pimenov คือภาพวาด "New Moscow" จากช่วงทศวรรษที่ 1930 - สว่างอบอุ่นราวกับวาดด้วยฝีแปรงที่โปร่งสบายของ Renoir แต่ในขณะเดียวกันโครงเรื่องของงานนี้เข้ากันไม่ได้กับแนวคิดหลักประการหนึ่งของอิมเพรสชั่นนิสม์โดยสิ้นเชิงนั่นคือการปฏิเสธที่จะใช้ธีมทางสังคมและการเมือง “New Moscow” ของ Pimenov สะท้อนการเปลี่ยนแปลงทางสังคมในชีวิตของเมืองได้อย่างสมบูรณ์แบบ ซึ่งเป็นแรงบันดาลใจให้กับศิลปินมาโดยตลอด “ Pimenov รักมอสโก เมืองใหม่ และผู้คนในเมือง จิตรกรให้ความรู้สึกนี้แก่ผู้ชมอย่างไม่เห็นแก่ตัว” ศิลปินและนักวิจัย Igor Dolgopolov เขียนในปี 1973 และแน่นอนว่าเมื่อดูภาพเขียนของยูริอิวาโนวิชเราก็ตื้นตันใจด้วยความรัก ชีวิตโซเวียตละแวกใกล้เคียงใหม่ พิธีขึ้นบ้านใหม่ที่เป็นโคลงสั้น ๆ และวิถีชีวิตเมือง ถูกจับได้ด้วยเทคนิคอิมเพรสชันนิสม์

ความคิดสร้างสรรค์ของ Pimenov พิสูจน์ให้เห็นอีกครั้งว่าทุกสิ่งที่ "รัสเซีย" นำมาจากประเทศอื่นมีเส้นทางการพัฒนาที่พิเศษและเป็นเอกลักษณ์ของตัวเอง อิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศสก็เช่นกัน จักรวรรดิรัสเซียและสหภาพโซเวียตได้ซึมซับคุณลักษณะของโลกทัศน์ของรัสเซีย ลักษณะประจำชาติ และวิถีชีวิต อิมเพรสชันนิสม์เป็นวิธีการถ่ายทอดเพียงการรับรู้ถึงความเป็นจริงเท่านั้น รูปแบบบริสุทธิ์ยังคงแปลกแยกสำหรับศิลปะรัสเซีย เพราะภาพวาดทุกภาพของศิลปินชาวรัสเซียเต็มไปด้วยความหมาย ความตระหนักรู้ สถานะของจิตวิญญาณรัสเซียที่เปลี่ยนแปลงได้ และไม่ใช่แค่ความประทับใจเพียงชั่วครู่เท่านั้น ดังนั้นในสุดสัปดาห์หน้า เมื่อ Museum of Russian Impressionism นำเสนอนิทรรศการหลักอีกครั้งแก่ชาว Muscovites และแขกของเมืองหลวง ทุกคนจะได้พบกับบางสิ่งบางอย่างสำหรับตัวเองท่ามกลางภาพวาดที่เย้ายวนใจของ Serov วิถีชีวิตของเมือง Pimenov และภูมิทัศน์ที่ไม่ปกติสำหรับ Kustodiev

นิวมอสโก

พิธีขึ้นบ้านใหม่โคลงสั้น ๆ 2508

ห้องแต่งตัว โรงละครบอลชอย, 1972

เช้าตรู่ในกรุงมอสโก ปี 2504

ปารีส. ถนนแซงต์-โดมินิก 2501

พนักงานเสิร์ฟ 2507

บางทีสำหรับคนส่วนใหญ่ชื่อ Korovin, Serov, Gerasimov และ Pimenov ยังคงไม่เกี่ยวข้องกับรูปแบบศิลปะที่เฉพาะเจาะจง แต่พิพิธภัณฑ์ศิลปะอิมเพรสชันนิสม์รัสเซียซึ่งเปิดในเดือนพฤษภาคม 2559 ในมอสโกวยังคงรวบรวมผลงานของศิลปินเหล่านี้ไว้ใต้หลังคาเดียวกัน

อิมเพรสชันนิสม์ (อิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศส จากอิมเพรสชั่นนิสม์ - อิมเพรสชันนิสม์) การเคลื่อนไหวในงานศิลปะในช่วงสามส่วนสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งปรมาจารย์ได้บันทึกความประทับใจชั่วครู่ของพวกเขา พยายามที่จะจับภาพโลกแห่งความเป็นจริงอย่างเป็นธรรมชาติและเป็นกลางมากที่สุดด้วยความคล่องตัวและความแปรปรวน . อิมเพรสชันนิสม์มีต้นกำเนิดในภาพวาดฝรั่งเศสในช่วงปลายทศวรรษที่ 1860 Edouard Manet (อย่างเป็นทางการไม่ใช่สมาชิกของกลุ่มอิมเพรสชั่นนิสต์), Degas, Renoir และ Monet นำความสดชื่นและความเป็นธรรมชาติของการรับรู้ชีวิตมาสู่งานศิลปะ

ศิลปินชาวฝรั่งเศสหันมาใช้การพรรณนาถึงสถานการณ์ที่เกิดขึ้นทันทีทันใดซึ่งแย่งชิงมาจากกระแสความเป็นจริงชีวิตทางจิตวิญญาณของบุคคลการพรรณนาถึงความหลงใหลอันแรงกล้าการทำให้ธรรมชาติกลายเป็นจิตวิญญาณความสนใจในอดีตชาติความปรารถนาในงานศิลปะรูปแบบสังเคราะห์ผสมผสานกัน ด้วยแรงจูงใจของความเศร้าโศกของโลก ความปรารถนาที่จะสำรวจและสร้างด้าน "เงา" "กลางคืน" ของจิตวิญญาณมนุษย์ขึ้นมาใหม่ พร้อมด้วย "การประชดโรแมนติก" ที่มีชื่อเสียงซึ่งทำให้โรแมนติกสามารถเปรียบเทียบและเทียบเคียงความสูงและต่ำได้อย่างกล้าหาญ โศกนาฏกรรมและการ์ตูน เรื่องจริงและมหัศจรรย์ ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ใช้ความเป็นจริงที่ไม่เป็นชิ้นเป็นอันของสถานการณ์ ใช้โครงสร้างการจัดองค์ประกอบที่ดูเหมือนไม่สมดุล มุมที่ไม่คาดคิด มุมมอง และภาพตัดขวางของภาพ

ในช่วงทศวรรษที่ 1870–1880 ภูมิทัศน์ของอิมเพรสชั่นนิสต์ของฝรั่งเศสได้ก่อตั้งขึ้น: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley พัฒนาระบบอากาศที่สม่ำเสมอทำให้ภาพวาดของพวกเขามีความรู้สึกของแสงแดดที่ส่องประกายความมีชีวิตชีวาของสีสันของธรรมชาติ การละลายของรูปแบบในการสั่นของแสงและอากาศ ชื่อของการเคลื่อนไหวนี้มาจากชื่อของภาพวาด "Impression. Rising Sun" ของ Claude Monet (“Impression. Soleil levant” ซึ่งจัดแสดงในปี 1874 ปัจจุบันอยู่ที่พิพิธภัณฑ์ Marmottan ในปารีส) การสลายตัวของสีที่ซับซ้อนเป็นองค์ประกอบบริสุทธิ์ซึ่งถูกนำไปใช้กับผืนผ้าใบในจังหวะที่แยกจากกัน เงาสี ปฏิกิริยาตอบสนองและค่านิยมทำให้เกิดภาพวาดอิมเพรสชั่นนิสต์ที่เบาและสดใสอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน

จิตรกรจากเยอรมนี (M. Lieberman, L. Corinth), สหรัฐอเมริกา (J. Whistler), สวีเดน (A.L. Zorn), รัสเซีย (K.A. Korovin, I.E. Grabar) นำไปใช้และเทคนิคบางประการของแนวโน้มการวาดภาพนี้ โรงเรียนศิลปะ แนวคิดของอิมเพรสชั่นนิสม์ยังนำไปใช้กับประติมากรรมในช่วงทศวรรษที่ 1880–1910 ซึ่งมีคุณสมบัติอิมเพรสชั่นนิสต์บางประการ - ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดการเคลื่อนไหวในทันที ความลื่นไหลและความนุ่มนวลของรูปแบบ ความร่างของพลาสติก (ผลงานของ O. Rodin, ตุ๊กตาทองสัมฤทธิ์ของ Degas เป็นต้น ). อิมเพรสชันนิสม์ในวิจิตรศิลป์มีอิทธิพลต่อการพัฒนาวิธีแสดงออกของวรรณกรรม ดนตรี และละครร่วมสมัย ในการโต้ตอบและการโต้เถียงกับระบบภาพของสไตล์นี้ค่ะ วัฒนธรรมทางศิลปะในฝรั่งเศสเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 การเคลื่อนไหวของนีโออิมเพรสชันนิสม์และโพสต์อิมเพรสชันนิสม์เกิดขึ้น

นีโออิมเพรสชั่นนิสม์(neo-impressionnisme ของฝรั่งเศส) คือขบวนการในการวาดภาพที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสราวปี พ.ศ. 2428 เมื่อปรมาจารย์หลักคือ J. Seurat และ P. Signac ได้พัฒนาเทคนิคการวาดภาพแบบใหม่แห่งการแบ่งแยก นีโออิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสและผู้ติดตามพวกเขา (T. van Rijselberghe ในเบลเยียม, G. Segantini ในอิตาลีและคนอื่นๆ) ซึ่งพัฒนาแนวโน้มของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ตอนปลาย พยายามนำการค้นพบสมัยใหม่ในสาขาทัศนศาสตร์มาประยุกต์ใช้กับงานศิลปะ ทำให้มีลักษณะนิสัยที่มีระเบียบวิธีใน วิธีสลายโทนสีให้เป็นสีบริสุทธิ์ ในเวลาเดียวกัน พวกเขาเอาชนะความสุ่มและการกระจายตัวขององค์ประกอบอิมเพรสชั่นนิสต์ และใช้วิธีแก้ปัญหาการตกแต่งแบบระนาบในทิวทัศน์และภาพวาดแผงหลายร่าง

โพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์(จากภาษาละตินโพสต์ - หลังและอิมเพรสชั่นนิสม์) - ชื่อรวมของการเคลื่อนไหวหลักของภาพวาดฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 1880 ปรมาจารย์ยุคโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์กำลังมองหาสิ่งใหม่ๆ วิธีการแสดงออกสามารถเอาชนะประสบการณ์นิยมของการคิดเชิงศิลปะ และช่วยให้เราสามารถย้ายจากการตรึงอารมณ์ประทับใจของแต่ละช่วงเวลาของชีวิต ไปสู่ศูนย์รวมของสภาวะระยะยาว วัตถุ และจิตวิญญาณที่คงที่ ยุคหลังอิมเพรสชั่นนิสต์มีลักษณะเฉพาะคือ ปฏิสัมพันธ์ที่ใช้งานอยู่ทิศทางส่วนบุคคลและระบบการสร้างสรรค์ของแต่ละบุคคล โพสต์อิมเพรสชันนิสม์มักจะรวมถึงผลงานของปรมาจารย์แห่งนีโออิมเพรสชั่นนิสม์กลุ่ม Nabi รวมถึง V. van Gogh, P. Cezanne, P. Gauguin

ข้อมูลอ้างอิงและชีวประวัติสำหรับ "Planet Small Bay Art Galleries" จัดทำขึ้นโดยอิงจากวัสดุจาก "History" ศิลปะต่างประเทศ"(ed. M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), "สารานุกรมศิลปะแห่งศิลปะคลาสสิกต่างประเทศ", "สารานุกรมรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่"

ภารกิจหลายชิ้นของ Manet ได้รับและพัฒนาโดยกลุ่มศิลปินที่เข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะภายใต้ชื่ออิมเพรสชั่นนิสต์ อิมเพรสชันนิสม์ ซึ่งเป็นขบวนการทางศิลปะที่สำคัญครั้งสุดท้ายในงานศิลปะสมัยศตวรรษที่ 19 มีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษที่ 1860 ชื่อของมันมาจากภาษาฝรั่งเศสคำว่า Impression - Impression นี่คือชื่อภูมิทัศน์ของโกลด โมเนต์ (“Impression. Sunrise”, 1872) ซึ่งแสดงในปี พ.ศ. 2417 ร่วมกับผลงานของเยาวชนคนอื่นๆ ศิลปินชาวฝรั่งเศสในนิทรรศการ "อิสระ" ในสตูดิโอถ่ายภาพของ Nadar ในกรุงปารีส นี่เป็นนิทรรศการครั้งแรกของอิมเพรสชั่นนิสต์ แม้ว่าในเวลานั้นตัวแทนชั้นนำของอิมเพรสชันนิสม์จะเป็นศิลปินที่ก่อตั้งโดยสมบูรณ์แล้วก็ตาม
อิมเพรสชันนิสม์เป็นปรากฏการณ์ทางศิลปะที่ซับซ้อน ซึ่งจนถึงทุกวันนี้มักกระตุ้นให้เกิดการประเมินที่ขัดแย้งกัน สิ่งนี้อธิบายได้บางส่วนจากข้อเท็จจริงที่ว่าศิลปินที่มีความเฉพาะตัวเด่นชัดซึ่งมักมีภารกิจสร้างสรรค์ที่แตกต่างกันมากเกี่ยวข้องกับเขา อย่างไรก็ตาม คุณสมบัติทั่วไปที่สำคัญบางประการทำให้สามารถรวมปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสจำนวนหนึ่งเข้าด้วยกันได้ ทัศนศิลป์(ตลอดจนวรรณกรรมและดนตรี) ให้เป็นหนึ่งเดียว
อิมเพรสชันนิสม์เกิดขึ้นในส่วนลึกของศิลปะสมจริงของฝรั่งเศส ตัวแทนรุ่นเยาว์ของขบวนการนี้เรียกตนเองว่าสาวกของ Courbet เช่นเดียวกับความสมจริงในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 อิมเพรสชันนิสม์โดยเฉพาะอย่างยิ่งในระยะแรกของการพัฒนา ถูกต่อต้านอย่างไม่เป็นมิตรต่อศิลปะเชิงวิชาการอย่างเป็นทางการ ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ถูก Salon ปฏิเสธ และงานศิลปะของพวกเขาเผชิญกับการโจมตีที่รุนแรงจากการวิพากษ์วิจารณ์อย่างเป็นทางการ
ตามรอยปรมาจารย์ด้านสัจนิยมในช่วงกลางศตวรรษ อิมเพรสชันนิสต์ต่อต้านความตาย ซึ่งแยกตัวออกจากชีวิตของศิลปะเชิงวิชาการ พวกเขาถือว่างานหลักของพวกเขาคือการพรรณนาความเป็นจริงสมัยใหม่ในรูปแบบต่างๆ ของแต่ละบุคคล พวกเขาพยายามจับจุดประสงค์ที่ง่ายที่สุด ชีวิตที่ทันสมัยและธรรมชาติซึ่งแต่ก่อนไม่ค่อยได้รับความสนใจจากศิลปินมากนัก เป็นการประท้วงต่อต้านความแห้งแล้งและเป็นนามธรรมของศิลปะเชิงวิชาการ โดยต่อต้านความคิดโบราณและแผนงานทั่วไป อิมเพรสชันนิสต์พยายามถ่ายทอดความสดใหม่ของความประทับใจในทันทีต่อความเป็นจริง ความมีชีวิตชีวาที่เต็มไปด้วยสีสันของโลกที่มองเห็นได้ ความหลากหลายและความแปรปรวนของมัน ดังนั้นการค้นหาวิธีการสร้างสรรค์แบบใหม่ ลักษณะของอิมเพรสชั่นนิสม์ การพัฒนาวิธีการใหม่บางอย่าง การแสดงออกทางศิลปะ- ประการแรกคือความเข้าใจที่เป็นเอกลักษณ์เกี่ยวกับการจัดองค์ประกอบภาพ เป็นอิสระ เกิดขึ้นเองได้ ราวกับเป็นการสุ่ม เป็นความสนใจในการถ่ายทอดพลวัตของโลกรอบตัว และสุดท้ายคือความสนใจเป็นพิเศษต่อปัญหาเกี่ยวกับภาพ ต่อการถ่ายทอดแสงและอากาศ ด้วยการทำให้เป็นข้อกำหนดบังคับในการทำงานกับผู้เล่น อิมเพรสชั่นนิสต์ได้เพิ่มสีสันให้กับการวาดภาพด้วยความสำเร็จด้านสีสันมากมาย เอาชนะแบบแผนของลักษณะเฉพาะของช่วงสีสันของรุ่นก่อนๆ ส่วนใหญ่ และประสบความสำเร็จอย่างมากในการถ่ายทอดสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศและผลกระทบของ แสงสี ทั้งหมดนี้ทำให้ภาพวาดอิมเพรสชั่นนิสต์มีความสดชื่นและเต็มไปด้วยสีสัน
อย่างไรก็ตาม ในขณะที่แสดงความเคารพต่อความสำเร็จที่เป็นจริงอย่างไม่อาจโต้แย้งได้ของอิมเพรสชั่นนิสต์ สิ่งหนึ่งที่ไม่อาจมองข้ามข้อจำกัดของโลกทัศน์และวิธีการของพวกเขาได้ แนวทางของอิมเพรสชั่นนิสต์ในการพรรณนาถึงความเป็นจริงนั้นเต็มไปด้วยอันตรายจากการเลื่อนไปตามพื้นผิวของปรากฏการณ์ การละทิ้งชีวิตอันยิ่งใหญ่ และโดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพรวมทางสังคม ประการแรกมุ่งมั่นที่จะถ่ายทอดโลกรอบตัวพวกเขาโดยตรงมากที่สุด อิมเพรสชั่นนิสต์ให้ความสำคัญกับการถ่ายทอดภาพ การบันทึกความรู้สึกทางการมองเห็นที่หายวับไปชั่วครู่ในงานของพวกเขาทำให้เกิดความถูกต้องอันน่าทึ่ง แต่บางครั้งก็เข้ามาแทนที่ความรู้ที่ลึกซึ้งและครอบคลุมของโลก ดังนั้น แม้ว่าศิลปะแห่งอิมเพรสชันนิสม์จะเต็มไปด้วยหัวข้อและลวดลายใหม่ๆ แต่ก็ไม่ได้แก้ปัญหาหัวข้อใหญ่ๆ ที่มีความสำคัญทางสังคมในระดับสูงอีกต่อไป อิมเพรสชั่นนิสต์ถ่ายทอดธรรมชาติได้อย่างสมบูรณ์แบบ เต็มไปด้วยแสงแดดและอากาศ รุ้งระยิบระยับของสี และการเล่นของแสง พวกเขาจับภาพสีสันอันน่าหลงใหลและพลวัตของชีวิตสมัยใหม่บนผืนผ้าใบ พวกเขาค้นพบคุณค่าทางศิลปะของแรงจูงใจหลายประการของความเป็นจริง แต่พวกเขาพิสูจน์แล้วว่าไม่สามารถแสดงอุดมการณ์ประชาธิปไตยขั้นสูงในยุคนั้นได้ ปัญหาทางสังคมและจิตใจบางครั้งไม่สนใจศิลปินเหล่านี้และงานศิลปะของพวกเขาก็สูญเสียความกระตือรือร้นไป ความสำคัญของสาธารณะซึ่งแนวโรแมนติกที่ก้าวหน้าและความสมจริงแบบประชาธิปไตยมีในฝรั่งเศส ดังนั้นในการเชื่อมต่อกับอิมเพรสชั่นนิสต์แล้วเราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับองค์ประกอบของวิกฤตของงานศิลปะที่สมจริงซึ่งปราศจากเนื้อหาที่เป็นประชาธิปไตยอย่างแท้จริงและความรุนแรงเชิงวิพากษ์วิจารณ์
ข้อจำกัดทางอุดมการณ์ของขบวนการนี้คือ เหตุผลหลักช่วงรุ่งเรืองอันแสนสั้น การเพิ่มขึ้นของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์เกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1870 และต้นทศวรรษที่ 1880 ในปี พ.ศ. 2429 มีการจัดนิทรรศการครั้งสุดท้ายของอิมเพรสชั่นนิสต์ แต่ก่อนหน้านั้นมีความแตกต่างที่สำคัญในกลุ่ม และแม้ว่าในอนาคตปรมาจารย์ด้านอิมเพรสชั่นนิสต์ที่มีชื่อเสียงหลายคนยังคงทำงานต่อไป แต่พวกเขาก็ถอยห่างจากหลักการของการเคลื่อนไหวนี้โดยประสบกับความไม่พอใจกับข้อ จำกัด ของมัน (เรอนัวร์) หรือไม่สร้างสิ่งใหม่โดยพื้นฐานอีกต่อไป สำหรับวิกฤตที่อิมเพรสชั่นนิสต์กำลังประสบมาตั้งแต่กลางทศวรรษ 1880 เป็นการบ่งชี้โดยเฉพาะอย่างยิ่งว่าความสำเร็จหลายประการของขบวนการนี้ซึ่งถูกนำไปสู่สุดขั้วกลับกลายเป็นสิ่งที่ตรงกันข้าม ในเวลานี้ ศิลปินบางคนซึ่งไม่แยแสกับเนื้อหาของงานศิลปะมากขึ้นเรื่อยๆ ได้ทุ่มเทความพยายามทั้งหมดไปกับการค้นหาภาพและเทคนิค โดยมักจะรวมสิ่งเหล่านี้เข้ากับเทรนด์การตกแต่ง (C. Monet) ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดให้ถูกต้องที่สุด แสงแดดนำพวกเขาไปสู่การลดน้ำหนักของจานสีมากเกินไปความปรารถนาที่จะจับการสั่นสะเทือนของอากาศ - ไปสู่การใช้ระบบจังหวะที่แยกจากกันในทางที่ผิด การวิจัยทางเทคนิคอย่างต่อเนื่องในด้านแสงและสีมักทำให้รูปแบบและการออกแบบพลาสติกเสียหาย อิมเพรสชั่นนิสต์จำนวนมากละทิ้งการวาดภาพตามหัวข้อเรื่อง หันมาสนใจ Etude โดยละเลยการจัดองค์ประกอบแบบองค์รวมที่เสร็จสิ้นแล้วและรอบคอบ
ภายในปี 1886 ปัญหาทั้งหมดที่เกิดจากอิมเพรสชันนิสม์ได้รับการแก้ไขแล้ว การพัฒนาต่อไปในขอบเขตของงานแคบ ๆ ทิศทางนี้เป็นไปไม่ได้ จำเป็นต้องมีการกำหนดหัวข้อใหญ่ใหม่ปัญหาที่ลึกกว่าตลอดจนวิธีการสร้างสรรค์ที่กว้างและหลากหลายมากขึ้น
นับตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 1880 ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ได้ถือกำเนิดและบานสะพรั่งอย่างเต็มที่ในฝรั่งเศส และเริ่มแพร่หลายในประเทศอื่นๆ ซึ่งมีศิลปินที่มีชื่อเสียงหลายคนเข้าร่วมขบวนการนี้
เอ็ดการ์ เดอกาส์. ศิลปินชาวฝรั่งเศสที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนี้ Edgar Degas (1834-1917) มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ เขาเป็นหนึ่งในผู้จัดงานและผู้เข้าร่วมนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์เกือบทั้งหมด อย่างไรก็ตาม เดกาส์ครอบครองสถานที่พิเศษในขบวนการนี้ มันเกี่ยวข้องกับอิมเพรสชั่นนิสม์โดยความปรารถนาที่จะจับภาพพลวัตของชีวิตสมัยใหม่ ความสนใจในการถ่ายทอดแสง และภารกิจบางอย่างเกี่ยวกับภาพและสีสัน ในเวลาเดียวกัน วิธีการแบบอิมเพรสชั่นนิสต์ส่วนใหญ่มีความแปลกใหม่สำหรับเขาอย่างมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เขาไม่เห็นด้วยกับความมุ่งมั่นของพวกเขาในการแสดงภาพ โดยพิจารณาว่าแนวทางของพวกเขาสู่ความเป็นจริงนั้นเฉยๆ เกินไป เดอกาส์ปฏิเสธการทำงานกับเครื่องเล่นและสร้างภาพวาดเกือบทั้งหมดของเขาในสตูดิโอ โดยสรุปการสังเกตธรรมชาติของเขา ศิลปินพยายามถ่ายทอดแก่นแท้และลักษณะของธรรมชาติอยู่เสมอ “เป็นไปไม่ได้ที่จะจินตนาการถึงงานศิลปะโดยตรงน้อยกว่าของฉัน” เดอกาส์กล่าว “งานของฉันเป็นผลจากการไตร่ตรอง การศึกษาของปรมาจารย์ มันเป็นเรื่องของแรงบันดาลใจ อุปนิสัย การสังเกตผู้ป่วย”
เดอกาส์เข้าเรียนในโรงเรียนวิชาการในเวิร์คช็อปของลามอตต์ ความหลงใหลใน Ingres และ Poussin ส่งผลกระทบต่อผู้คนมากมาย งานยุคแรกศิลปินแก้ไขด้วยจิตวิญญาณคลาสสิก (“ การแข่งขันของเยาวชนและเด็กผู้หญิงชาวสปาร์ตัน”, พ.ศ. 2403, ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ) ในภาพเขียนเหล่านี้ ทักษะการวาดภาพที่ประณีตของเดกาส์ ความสนใจในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหว ตลอดจนความปรารถนาที่จะปรับปรุงการวาดภาพเชิงวิชาการด้วยการสังเกตธรรมชาติอย่างกระตือรือร้นเป็นที่ประจักษ์ชัด ต่อจากนั้นเดกาส์หันไปหาการพรรณนาถึงชีวิตสมัยใหม่โดยเฉพาะ ลักษณะเฉพาะของความเชี่ยวชาญของเดกาส์ปรากฏให้เห็นครั้งแรกในภาพบุคคลของเขา ซึ่งหลายภาพสามารถเรียกได้ว่าเป็นตัวอย่างที่ดีที่สุดของการวาดภาพเหมือนจริงในยุคปัจจุบัน พวกเขาถ่ายทอดแบบจำลองตามความเป็นจริงและถูกต้อง โดยโดดเด่นด้วยความจริงจังและความละเอียดอ่อนของลักษณะทางจิตวิทยา ความคิดริเริ่มของการแก้ปัญหาการจัดองค์ประกอบ ความเข้มงวดในการวาดภาพแบบคลาสสิก และความเชี่ยวชาญด้านสีที่ประณีต ในบรรดาพวกเขามีภาพเหมือนของครอบครัว Bellely (พ.ศ. 2403-2405 พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ภาพผู้หญิง(พ.ศ. 2410, ปารีส, ลูฟร์) ภาพเหมือนของพ่อของศิลปินและนักกีตาร์ Pagan (ประมาณปี พ.ศ. 2415, ชิคาโก, ของสะสมส่วนตัว) และภาพเหมือนของ Lepic กับลูกสาวของเขา (Place de la Concorde, 2416) โดดเด่นด้วยความกล้าหาญและความมีชีวิตชีวา และความเป็นธรรมชาติของการแก้ปัญหา
ผลงานประเภทต่างๆ ของเดอกาส์ให้ภาพอันยอดเยี่ยมเกี่ยวกับคุณธรรมของปารีสยุคใหม่ หัวข้อของพวกเขามีความหลากหลายและครอบคลุมปรากฏการณ์มากมายของความเป็นจริงสมัยใหม่ ความกระตือรือร้นในการสังเกตและการศึกษาธรรมชาติอย่างรอบคอบมักจะรวมเข้ากับการประชดที่กัดกร่อนและทัศนคติในแง่ร้ายต่อภาพ เดกาส์มักจะเพ่งความสนใจไปที่แง่มุมที่ไม่น่าดึงดูดของความเป็นจริง และสื่อถึงสิ่งเหล่านี้ด้วยความโหดเหี้ยมเย็นชาที่มีอยู่ในจิตใจที่สงสัยของเขา นี่เป็นเรื่องปกติของภาพวาดของเขาที่บรรยายถึงชีวิตของชาวโบฮีเมียน ผู้มาเยี่ยมชมร้านกาแฟ และนักร้องที่แสดงในคอนเสิร์ตในร้านกาแฟ ดังนั้นใน ภาพวาดที่มีชื่อเสียง“Absinthe” 1876, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) เดอกาส์สามารถจับภาพฉากที่มีลักษณะเฉพาะของชีวิตสมัยใหม่ด้วยความเชื่อมั่นและความฉุนเฉียวที่สมจริงและสร้างภาพที่แสดงออกของคนเสื่อมทรามสองคน
ธีมโปรดของเดกาส์คือโรงละครและบัลเล่ต์ ศิลปินวาดภาพชีวิตประจำวันที่น่าเบื่อและน่าเบื่อของนักบัลเล่ต์ด้วยทักษะที่เท่าเทียมกัน - บทเรียน การซ้อม ฉากในห้องน้ำ และมหกรรมรื่นเริงที่เต็มไปด้วยสีสัน การแสดงบัลเล่ต์- ผลงานเหล่านี้สะท้อนให้เห็นถึงความสามารถโดยธรรมชาติของเดอกาส์ในการจับภาพและถ่ายทอดท่าทางและการเคลื่อนไหวของตัวเลขและการแสดงออกทางสีหน้าที่มักจะเกิดขึ้นชั่วคราว ฉับพลัน แต่มีลักษณะเฉพาะเสมอ
ความสนใจของเดกาส์ก็ถูกดึงดูดด้วยฉากการทำงานเช่นกัน ในภาพร้านซักผ้าจำนวนมาก (ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์, นิวยอร์ก, คอลเลกชันส่วนตัว) ศิลปินสามารถถ่ายทอดทั้งความรุนแรงของแรงงานและความน่าเบื่อหน่ายที่น่าเบื่อของมัน ในงานเหล่านี้ เดอกาส์มักจะพูดถึงลักษณะทั่วไปทางสังคมในลักษณะเฉพาะและถ่ายทอดภาพลักษณ์ของผู้หญิงจากประชาชนได้อย่างคมชัด จริงอยู่ซึ่งแตกต่างจาก Daumier เขาไม่มีแนวโน้มที่จะเน้นย้ำถึงความเข้มแข็งทางศีลธรรมและศักดิ์ศรีของคนทั่วไป
สไตล์การวาดภาพของเดอกาส์พัฒนาจากการดำเนินการอย่างระมัดระวังในผลงานช่วงแรกๆ ของเขา ไปสู่การเพิ่มอิสรภาพและความกว้าง ในภารกิจด้านการถ่ายภาพของเขา เขามีความใกล้ชิดกับอิมเพรสชั่นนิสต์หลายประการ จานสีของเขาสว่างขึ้นเขาใช้สีบริสุทธิ์โดยทาเป็นลายเส้นหรือลายเส้นแยกกัน (เป็นสีพาสเทล) ศิลปินแสดงความสนใจอย่างมากในการส่งผ่านแสง (ส่วนใหญ่เป็นแสงเทียม) และอากาศ อย่างหลังนี้เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในการพรรณนาถึงการแข่งม้าหลายภาพ อย่างไรก็ตาม ท่าทางของอิมเพรสชั่นนิสต์โดยประมาณ ซ้ำซากจำเจ และจำกัดนั้นถือเป็นเรื่องปกติสำหรับเขา เดอกาส์ผสมผสานการค้นหารูปภาพ การทดลองทางเทคนิค และการพัฒนาโซลูชันสีที่คมชัดและหลากหลาย พร้อมการวาดภาพที่เข้มงวดและการใส่ใจในองค์ประกอบอย่างมาก เพื่อความมีชีวิตชีวา ความประหลาดใจ และความเป็นธรรมชาติ ผลงานของ Degas ได้รับการคิดอย่างรอบคอบและสร้างสรรค์อย่างเชี่ยวชาญอยู่เสมอ
ในช่วงปลายของความคิดสร้างสรรค์ของเขา เดอกาส์ทำงานโดยใช้สีพาสเทลเป็นหลัก ซึ่งมักวาดภาพเปลือย โดยปกติแล้วผู้หญิงเหล่านี้ยุ่งกับการซักผ้า หวีผม ออกจากอ่างอาบน้ำ และแต่งตัว ศิลปินจับภาพการเคลื่อนไหวต่างๆ ที่น่าอึดอัดและน่าเกลียดในงานเหล่านี้ได้อย่างดีเยี่ยม ร่างกายมนุษย์ผลงานทั้งหมดนี้โดดเด่นด้วยงานฝีมือระดับสูงและเป็นต้นฉบับ อย่างไรก็ตาม การใช้ภาพเปลือยเกือบทั้งหมดของเดอกาส์แสดงให้เห็นถึงข้อจำกัดทางอุดมการณ์และสาระสำคัญที่รู้จักกันดีของงานชิ้นสุดท้ายของเขา
นอกจากภาพวาดสีน้ำมันและสีพาสเทลแล้ว เดอกาส์ยังมีผลงานกราฟิกอีกมากมาย นอกจากนี้เขายังสร้างงานประติมากรรมจำนวนหนึ่งสำเร็จ (นักบัลเล่ต์, จ๊อกกี้กับม้า, ภาพเปลือย) ส่วนใหญ่ในช่วงบั้นปลายของชีวิตเมื่อเขาสูญเสียโอกาสในการทำงานด้านการวาดภาพเนื่องจากสูญเสียการมองเห็นเกือบทั้งหมด
เดอกาส์มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินชาวฝรั่งเศสหลายคนในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 โดยเฉพาะผู้ที่เรียกกันว่า "จิตรกรแห่งมงต์มาตร์" ผู้ติดตามที่สำคัญที่สุดของ Degas คือ Henri Toulouse-Lautrec (พ.ศ. 2407-2444) ช่างเขียนแบบที่เฉียบแหลมและนักวาดภาพสีที่ละเอียดอ่อนซึ่งทำงานด้านโปสเตอร์เป็นจำนวนมากและสร้างสรรค์ผลงานที่สื่ออารมณ์ มักจะเสียดสี โดยไม่ต้องปราศจากภาพวิจารณ์โบฮีเมียนของชาวปารีสในการพิมพ์หินจำนวนหนึ่ง
ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์. ผลงานของ Renoir (พ.ศ. 2384-2462) ซึ่งเป็นหนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของอิมเพรสชั่นนิสม์มีลักษณะที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง แตกต่างจากเดกาส์ เขาเป็นศิลปินร่าเริงที่ถ่ายภาพสตรีชาวปารีสสมัยใหม่และฉากหลากสีสันบนผืนผ้าใบของเขา ชีวิตชาวปารีส- Renoir เริ่มต้นของเขา กิจกรรมทางศิลปะในฐานะจิตรกรเครื่องเคลือบ ในสตูดิโอของ Gleyre ที่เขาศึกษาการวาดภาพอยู่ช่วงระยะเวลาสั้นๆ เรอนัวร์เริ่มสนิทสนมกับซี. โมเนต์และซิสลีย์ โดยเล่าให้พวกเขาฟังถึงการปฏิเสธกิจวัตรทางวิชาการและความหลงใหลในกูร์เบต์ อิทธิพลของยุคหลังนี้ทำให้ผลงานของเรอนัวร์หลายชิ้นถูกดำเนินการในช่วงทศวรรษที่ 1860 เช่น “บวบของป้าอันโทเนีย” (พ.ศ. 2408, สตอกโฮล์ม, พิพิธภัณฑ์แห่งชาติ), ภาพเหมือนของซิสลีย์กับภรรยาของเขา (พ.ศ. 2411, โคโลญ, พิพิธภัณฑ์ Wallraf-Richart), “Lisa” (พ.ศ. 2410, Essen, พิพิธภัณฑ์ Folkwang) ในงานแรกๆ เหล่านี้ เรอนัวร์ให้ความสนใจอย่างมากกับการถ่ายทอดแสง ปัญหาเกี่ยวกับภาพและสีสัน
ภาพวาดที่สร้างขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1860 โดยเฉพาะ "The Paddling Pool" (พ.ศ. 2411-2412, มอสโก, พิพิธภัณฑ์พุชกิน) ถือเป็นจุดเริ่มต้นของยุคอิมเพรสชั่นนิสม์ในผลงานของศิลปินเมื่อเขาแสดงอย่างเต็มที่ ผลงานที่มีชื่อเสียง- ในเวลานี้ (ปลายทศวรรษที่ 1860 และ 1870) เขาวาดภาพบุคคลและภาพบุคคลเป็นหลัก ภาพวาดประเภทโดยให้ความสนใจกับภูมิทัศน์บ้าง
ในบรรดาภาพวาดของเรอนัวร์ ภาพที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดคือภาพเด็กและผู้หญิง ผลงานของเขาเช่น "The Lodge" (พ.ศ. 2417, ลอนดอน, สถาบัน Courtauld), "Girl with a Fan" (อาศรม), "Portrait of Madame Charpentier with Children" (พ.ศ. 2421, นิวยอร์ก, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิตัน), ภาพเหมือนของ ศิลปิน Samari (พ.ศ. 2420, มอสโก, พิพิธภัณฑ์พุชกิน) สร้างภาพที่มีลักษณะเฉพาะของชาวปารีสร่วมสมัยขึ้นมาใหม่ซึ่งมีเสน่ห์ที่แปลกประหลาดและเป็นเอกลักษณ์ ภาพบุคคลเหล่านี้ไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นภาพทางจิตวิทยา แต่ดึงดูดด้วยทักษะการวาดภาพและการเรนเดอร์แบบจำลองที่น่าเชื่อ การแสดงออกที่มีชีวิตชีวา บทกวีที่แปลกประหลาด และความรู้สึกเติมเต็มของชีวิตที่มีอยู่ในผลงานส่วนใหญ่ของเรอนัวร์
ภาพวาดประเภทต่างๆ ของเรอนัวร์ไม่ได้จำแนกตามความหลากหลายหรือความสำคัญของธีม การเดินเล่นในชนบทของชาวปารีส วันหยุดกลางแจ้ง - สิ่งเหล่านี้เป็นหัวข้อของภาพวาดหลายชิ้นของเขา เช่นเดียวกับในงานทั้งหมดของศิลปิน ทัศนคติที่ร่าเริงของเขาและทัศนคติที่ค่อนข้างผิวเผินและไร้ความคิดต่อความเป็นจริงนั้นสะท้อนให้เห็นในตัวพวกเขา แต่ข้อดีอยู่ที่ความสดใหม่และความเป็นธรรมชาติของการตีความ ความสามารถในการสัมผัสถึงเสน่ห์แห่งบทกวีของลวดลายเรียบง่าย และเผยให้เห็นความสมบูรณ์อันงดงามของความเป็นจริง สีของเขากลายเป็นเสียงดังมีความหลากหลายและมีสีรุ้งแสงแดดจ้าสาดส่องผืนผ้าใบของเขาฝูงชนชาวปารีสที่มีเสียงดังหลากหลายถูกนำเสนออย่างเป็นเอกภาพกับสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศโดยรอบลบรูปทรงของตัวเลขและกีดกันวัตถุของคำจำกัดความพลาสติก (“ Moulin de la Galette” ”, พ.ศ. 2419, ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ; “ อาหารเช้าของชาวเรือ”, พ.ศ. 2424, วอชิงตัน, หอศิลป์ฟิลลิปส์) การนำหลักการและวิธีการของอิมเพรสชั่นนิสม์มาใช้ในช่วงเวลานี้ Renoir ยังคงรักษาโลกทัศน์และเทคนิคส่วนบุคคลของเขาไว้อย่างเต็มที่ เทคนิคการวาดภาพของเขาผสมผสานฝีแปรงแบบเศษส่วนและการเคลือบแบบอิมเพรสชั่นนิสต์ ซึ่งทำให้ผืนผ้าใบของเรอนัวร์ไม่เพียงแต่มีสีสันที่หายาก แต่ยังรวมถึงความสามัคคีของสีสันด้วย
ในช่วงท้ายของงาน Renoir ได้ย้ายออกจากลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ “ฉันมาถึงขีดจำกัดของอิมเพรสชันนิสม์และบอกว่าฉันไม่สามารถเขียนหรือวาดได้” ศิลปินเขียนไว้ในช่วงต้นทศวรรษ 1880 ปัญหาในการส่งแสงและอากาศทำให้เขาน้อยลงมากในเวลานี้ เขาให้ความสำคัญกับองค์ประกอบมากขึ้น มุ่งมั่นในเรื่องทั่วไป ความยิ่งใหญ่ และความมั่นใจแบบพลาสติกในการตีความตัวเลข อย่างไรก็ตาม การเปลี่ยนแปลงทั้งหมดที่เกิดขึ้นในผลงานของศิลปินเกี่ยวข้องเฉพาะกับงานศิลปะที่เป็นทางการของเขาเท่านั้น ในเวลานี้ เรอนัวร์จำกัดธีมงานของเขาเพิ่มเติม โดยให้ความสำคัญกับการวาดภาพเปลือยเป็นหลัก ความหลงใหลในปัญหาที่เป็นทางการผสมผสานกับแนวโน้มการตกแต่งอย่างหมดจด ซึ่งท้ายที่สุดก็นำไปสู่ลัทธิดั้งเดิมที่มีนัยสำคัญในการตีความรูปแบบและสีสันในผลงานหลายชิ้นในช่วงหลังของศิลปิน
คล็อด โมเน่ต์. คุณลักษณะทั้งหมดของอิมเพรสชั่นนิสต์พบการแสดงออกที่สมบูรณ์แบบที่สุดในงานของ Claude Monet (1840-1926) เขาเป็นผู้นำของขบวนการนี้ เขาเป็นคนแรกที่กำหนดหลักการ พัฒนาโปรแกรมผู้เล่น และเทคนิคการวาดภาพที่เป็นลักษณะเฉพาะของอิมเพรสชั่นนิสม์ ความสำเร็จมากมายของขบวนการนี้เกี่ยวข้องกับชื่อของเขา และในเวลาเดียวกัน ในงานศิลปะของโมเนต์นั้น ข้อจำกัดของอิมเพรสชันนิสม์และวิกฤติที่เกิดขึ้นมาตั้งแต่กลางทศวรรษปี 1880 ได้รับการแสดงออกมาอย่างชัดเจนเป็นพิเศษ
ผลงานในช่วงแรกๆ ของโมเนต์เชื่อมโยงอิมเพรสชันนิสม์กับงานศิลปะที่สมจริงของ Courbet, Corot และ Daubigny และยังบ่งบอกถึงอิทธิพลของ E. Manet สิ่งเหล่านี้ส่วนใหญ่เป็นทิวทัศน์ภาพบุคคลและการจัดองค์ประกอบภาพในที่โล่ง: "อาหารเช้าบนพื้นหญ้า" (2409, มอสโก, พิพิธภัณฑ์พุชกิน), "คามิลล่า" (2409, เบรเมิน, พิพิธภัณฑ์), "ผู้หญิงในสวน" (2408-2409) , อาศรม). หลายคนถูกทาสีในที่โล่งศิลปินให้ความสนใจอย่างมากกับการส่งผ่านแสงในตัวพวกเขา นับตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษที่ 1860 โมเนต์ทำงานเกือบเฉพาะในด้านภูมิทัศน์ โดยถ่ายทอดความประทับใจโดยตรงต่อธรรมชาติหรือวิวเมืองบนผืนผ้าใบ โดยให้ความสำคัญกับการแสดงแสงและอากาศมากขึ้น ช่วงที่ดีที่สุดผลงานของเขาย้อนกลับไปในทศวรรษที่ 1870 เมื่อเขาสร้างสรรค์ภาพวาดธรรมชาติของฝรั่งเศสที่น่าเชื่อและน่าเศร้า โดยโดดเด่นด้วยความสดชื่นและอิสระแห่งสีสัน ในเวลานี้ เขาค้นพบลวดลายภูมิทัศน์ใหม่ๆ มากมาย เรียบง่ายแต่น่าดึงดูด และนำภาพลักษณ์ของเมือง จัตุรัส และถนนต่างๆ เข้ามาสู่งานศิลปะ ซึ่งเคลื่อนไหวด้วยรถม้าที่กระพริบตาและฝูงชนที่เร่งรีบ เพื่อแสดงแรงจูงใจเหล่านี้ ศิลปินกำลังมองหาเทคนิคการวาดภาพที่เหมาะสม - สีที่สดใส บริสุทธิ์ การแสดงความเคารพ จังหวะที่แยกจากกัน (“Boulevard of the Capuchines in Paris”, 1873, มอสโก, พิพิธภัณฑ์พุชกิน, ทิวทัศน์ที่ดำเนินการใน Argenteuil) อย่างไรก็ตาม ในอนาคต การถ่ายภาพแสงชั่วคราวและเอฟเฟ็กต์บรรยากาศมักจะกลายเป็นจุดจบของ Monet รูปร่างและโครงร่างของวัตถุจะละลายไปในสภาพแวดล้อมที่มีแสงน้อย สูญเสียความหนาแน่นและความเป็นวัตถุ กลายเป็นจุดที่มีสีสันที่ไม่มั่นคง โมเนต์พยายามอย่างหนักเพื่อความแม่นยำทางวิทยาศาสตร์ในการถ่ายทอดผลกระทบของแสงและอากาศที่มีต่อสีของวัตถุในท้องถิ่น ศึกษากฎของสีเสริม ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการส่งผ่านปฏิกิริยาตอบสนอง และตามเส้นทางการวิจัยทางเทคนิคนี้ เขาบรรลุการพูดเกินจริงที่สำคัญ ฝ่ายที่เป็นทางการและด้านเทคนิคเข้ามาแทนที่ความรู้เชิงลึกและการเปิดเผยความเป็นจริงในงานของเขา และบดบังภาพลักษณ์ทางศิลปะแบบองค์รวมในผลงานหลายชิ้นในเวลาต่อมาของเขา หลักการของธรรมชาติหมดความสนใจของศิลปินและกลายเป็นเพียงข้อแก้ตัวในการถ่ายทอดเอฟเฟกต์สีและแสงและอากาศ นี่เป็นข้อบ่งชี้โดยเฉพาะถึงผลงานของโมเนต์ที่เริ่มต้นในปลายทศวรรษที่ 1880 เมื่อเขาสร้างชุดทิวทัศน์ที่มีแนวคิดเดียวกันในช่วงเวลาต่างๆ ของวัน: ชุดกองหญ้า มหาวิหารรูอ็อง วิวแม่น้ำเทมส์ เมืองเวนิส การรับรู้ของธรรมชาติในงานเหล่านี้กลายเป็นเรื่องส่วนตัวมากขึ้นเรื่อย ๆ และความปรารถนาที่จะถ่ายทอดความประทับใจทางสายตานำไปสู่การละทิ้งภาพที่สร้างขึ้นโดยเรียงความและแทนที่ด้วยภาพร่างแบบสุ่ม ผลงานหลายชิ้นในช่วงหลังๆ ของโมเนต์ไม่เพียงแต่มีลักษณะที่เป็นทางการและทางเทคนิคเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภารกิจการตกแต่งอีกด้วย สิ่งนี้กำหนดในหลายกรณีถึงความธรรมดาและความรอบคอบที่สำคัญของสารละลายองค์ประกอบและสี (ซีรีส์ "Water Lily")
ในฐานะหัวหน้าฝ่ายอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศส โมเนต์มีอิทธิพลอย่างมากต่อ ทั้งบรรทัดศิลปินที่เข้าร่วมขบวนการนี้และทำงานด้านภูมิทัศน์เป็นหลัก ในบรรดาพวกเขา Pissarro และ Sisley สมควรได้รับการกล่าวถึงเป็นอันดับแรก
คามิลล์ ปิสซาโร. Camille Pissarro (1830-1903) ในงานแรก ๆ ของเขาได้พัฒนาประเพณีของภูมิทัศน์ที่สมจริงของฝรั่งเศส (Courbet, Corot, Barbizons) จากนั้น ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1860 จากการได้ใกล้ชิดกับ E. Manet และศิลปินรุ่นเยาว์ที่อยู่รายล้อมเขา Pissarro หันมาหาผู้เล่นคนนั้นโดยใช้จานสีรุ้งที่สว่างสดใส และกลายเป็นหนึ่งในตัวแทนที่มีลักษณะเฉพาะของอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศส ในภาพวาดของเขา Pissarro บรรยายถึงถนนในรูอ็องและปารีส ชานเมืองและบริเวณโดยรอบ ริมฝั่งแม่น้ำแซน ทุ่งหญ้า และถนนในชนบท ซึ่งแตกต่างจากอิมเพรสชั่นนิสต์อื่น ๆ เขามักจะแนะนำร่างของชาวนาในภูมิประเทศในชนบทของเขา เช่นเดียวกับอิมเพรสชั่นนิสต์ทุกคน Pissarro ให้ความสนใจอย่างมากกับการค้นหารูปภาพ การถ่ายโอนแสงและอากาศ อย่างไรก็ตาม เอฟเฟกต์แสงและอากาศแทบจะไม่กลายเป็นแรงจูงใจหลักในภาพวาดของเขา ในภูมิประเทศที่ดีที่สุดของเขา ปิซาโรรับรู้ธรรมชาติได้อย่างเต็มที่ ถ่ายทอดความสมบูรณ์และความหลากหลายของชีวิต เมื่อสรุปความประทับใจในทันที ศิลปินมักจะคิดอย่างรอบคอบเกี่ยวกับโครงสร้างการจัดองค์ประกอบของภูมิทัศน์และรู้วิธีที่จะมอบความยิ่งใหญ่ให้กับลวดลายที่ธรรมดาที่สุด
อัลเฟรด สเปลีย์. ผลงานของ Alfred Sysley (1839-1899) มีเนื้อหาโคลงสั้น ๆ มากกว่า เพื่อนร่วมงานของ Monet ในเวิร์คช็อปของ Gleyre ในงานแรก ๆ ของเขาเขาได้เข้าร่วมกับ Corot และ Daubigny จากนั้นก็กลายเป็นหนึ่งในผู้เข้าร่วมกลุ่มแรก ๆ ในนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ ซิสลีย์ทำงานเฉพาะในสาขาจิตรกรรมภูมิทัศน์ โดยมักจะวาดภาพธรรมชาติของอิลเดอฟรองซ์ เขาสนใจแรงจูงใจที่ใกล้ชิดและรวดเร็ว เช่น ทุ่งนา หมู่บ้าน ริมฝั่งแม่น้ำและลำคลอง และเขารู้วิธีที่จะเปิดเผยความคิดริเริ่มและความน่าดึงดูดของสิ่งเหล่านั้น ซิสเล่ย์มีสัมผัสแห่งสีที่ละเอียดอ่อน โดยจับภาพความแปรปรวนของธรรมชาติและสภาวะของสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศได้อย่างละเอียดอ่อน แต่ด้วยการยอมรับวิธีการอิมเพรสชันนิสม์ เขาจึงถูกควบคุมในการค้นหาอย่างเป็นทางการและทางเทคนิคมากกว่าอิมเพรสชั่นนิสต์คนอื่นๆ โดยเฉพาะโมเนต์