Art Deco je smer eklektického umenia, ktorý vznikol vo Francúzsku začiatkom 20. rokov 20. storočia. Dominuje v módnom dizajne, architektúre, úžitkovom umení, interiérovom dizajne. V 30. a 40. rokoch sa art deco stalo populárnym po celom svete.

Príbeh

Smer sa objavil na začiatku 20. storočia - v období 1907 - 1915. V tejto dobe sa fixujú prvé diela vyznačujúce sa charakteristickými znakmi štýlu. Niektorí vedci poznamenávajú, že diela tejto doby sú prvými pokusmi umelcov vytvoriť plátna v eklektickom štýle.

Termín sa objavil po Medzinárodnej výstave v Paríži v roku 1925. Na výstave boli luxusné predmety. Cieľom expozície je ukázať popredné miesto Paríža vo svete módy a štýlu. Do roku 1928 bol smer majetkom iba Európy, začiatkom 30. rokov sa objavila americká verzia art deco, ktorá mala svoje vlastné charakteristiky.

História gotického štýlu v maľbe

Charakteristický

Art Deco je umenie, ktoré odráža moderné technológie, vyznačujúce sa hladkými líniami, tvorbou obrazov z geometrických tvarov, použitím jasných, krikľavých farieb v interiéri a výtvarným umením. Smer vznikol ako reakcia na šetrenie zavedené počas prvej svetovej vojny. Diela boli plné luxusu, jasu, excesov, v interiéri boli použité drahé materiály a iné druhy kreativity (striebro, krištáľ, slonovina, nefrit). Po Veľkej hospodárskej kríze sa smer rozvinul, no začal sa koncentrovať na výrobu menej nákladných produktov so zameraním na masovú výrobu. Použitý chróm, plast, kov a iné priemyselné materiály pre strednú triedu. Art Deco sa vždy spájalo s pôvabom, leskom, ale neodmysliteľnou súčasťou je funkčnosť a praktickosť.

Od konca 40-tych rokov začalo byť art deco vnímané ako príliš farebné, náročné na vojnové časy a strohosť, takže postupne vyšlo z módy. Prudký nárast záujmu o art deco nastal v 60. rokoch minulého storočia – zhoduje sa s hnutím pop art. Ďalšou etapou vývoja sú 80. roky, kedy sa zvýšil záujem o grafický dizajn. Smer sa stal módnym v dizajne, oblečení.

Vlastnosti hyperrealizmu ako štýlu maľby

Vyznačuje sa stálym záujmom o estetiku 20. rokov 20. storočia, vníma sa výlučne v súvislosti s módou a trendmi tohto obdobia. Zvláštnosťou štýlu je, že predstavitelia neboli zjednotení v jednej komunite, skupine alebo škole maľby. Art Deco je eklektické hnutie, v ktorom sa miešalo veľké množstvo kultúrnych vplyvov.

Nápady

Kľúčové myšlienky a princípy práce prevzali umelci od modernistov a neoklasikov.

• Neoklasické ideály krásy s ich inherentnou prísnosťou boli vlastné dielam majstrov nového smeru.
• Použitie jasných, intenzívnych odtieňov podľa výskumníkov pramení z práce parížskych fauvistov.
• Niektoré nápady sú vypožičané z umenia Aztékov a egyptskej kultúry, klasickej antiky.
• Art Deco na rozdiel od secesie nemalo filozofický základ – išlo o čisto dekoratívny smer.
• Etnické ornamentálne kompozície v obrazoch umelcov, v interiéri;
• „Ruské ročné obdobia“ alebo ruský balet S. Diaghilev.

Surrealizmus ako štýl maľby

Vývoj štýlu v ťažkých ekonomických a politických podmienkach, v období aktívneho rozvoja vedy a techniky, sa premietol do námetu malieb. Diela umelcov slúžia na dekoratívne účely, potešia oko a rozveselia. Maliari sa nepokúšajú pôsobiť psychologicky alebo sprostredkovať svoje filozofické názory prostredníctvom obrazov. Cieľom Art Deco je spojiť najlepšie vlastnosti štýlov a vytvoriť niečo nové a krásne.

Hlavné črty štýlu

Minimalizmus ako štýl maľby

Použitím nových materiálov, ktoré boli použité v kombinácii, Art Deco zaviedlo vedecký pokrok, rast technológie. Luxusný vzhľad art deco maľby dokonale zapadne do interiéru bohatého bytu, výletnej lode, moderného kina. Štýl prežil niekoľko kríz, vďaka praktickosti, jednoduchosti, jasu a individualite.

Maliari

Pojem art deco sa v maľbe alebo sochárstve používa len zriedka, dominuje v architektúre a dizajne, ale v medzivojnovom období predstavilo svoje diela, zhotovené podľa všetkých štýlov, množstvo umelcov: Tamara Gorskaya alebo Tamara de Lempicka, maľba „Hudobník“ (1929), „Autoportrét v zelenom Bugatti (1925), francúzsky výtvarník plagátov Adolphe Jean-Marie Mouron, známy ako Cassander, bol jedným z najlepších grafikov, vyhral Grand Prix na súťaži plagátov v Paríži.

Art Deco, Art Nouveau, Art Nouveau - štýlové prvky, príklady - obrazy, vitráže, interiéry

V tomto článku sa pozrieme na štýl interiéru art deco, Secesia, moderné. Štýlové prvky - maľba, architektúra, prvky vnútorného priestoru - nábytok, závesy, lustre, obrazy atď.

Budova viedenskej secesie

Art Nouveau [secesia," tiffany"(pomenovaný po Louisovi Comfort Tiffanym) v Spojených štátoch," Secesia" a " fin de siecle" vo Francúzsku, " Secesia" v Nemecku, " Secesný štýl"v Rakúsku," moderný štýl" v Anglicku, " Liberty štýl" v Taliansku, " modernizmus" v Španielsku, " Nieuwe Kunst"v Holandsku," smrek štýl" (štýl sapin) vo Švajčiarsku.) sa rozšíril v rokoch 1918-1939 vo Francúzsku, čiastočne v iných európskych krajinách a USA. V architektonických formách a maľbách prevládajú kľukaté línie, nevšedná kombinácia drahých a exotických materiálov, obrazy fantastických tvorov, vlnovky, mušle, draky a pávy, labutie krky a malátne ženy. Vo formách - podčiarknutá asymetria. Listy, kvety, kmene a stonky, ako aj obrysy ľudského alebo zvieracieho tela s ich inherentnou asymetriou sú sprievodcom akcie a zdrojom inšpirácie. Štýl vychádza z tézy, že forma je v umení dôležitejšia ako obsah. Akýkoľvek najprozaickejší obsah môže byť prezentovaný vo vysoko umeleckej forme. Zdrojom tejto „novej formy“ bola príroda a žena. Tento štýl sa vyznačuje sofistikovanosťou, sofistikovanosťou, duchovnosťou, variabilitou. Z toho vyplývala určitá sada farieb - vyblednuté, tlmené; prevaha hladkých, zložitých línií. Súbor symbolov - náladové kvety, morské rarity, vlny. Štýlové vlastnosti secesie sa niekedy porovnávajú s plastickým systémom baroka, oprávnene medzi nimi vidia určitú podobnosť v túžbe umelcov používať formy organickej prírody ako výrazové prostriedky. Veľa secesie prevzalo aj umenie tábora Ázie.

V takýchto interiéroch je vždy dobre, rovnako ako v interiéroch v štýle Art Deco vyzerajú dobre kópie Michaela Parkesa, Gustava Klimta, Tamary Lempicki, Alphonse Muchu, Vrubela, Bilibina či Vasnetsova, ale aj diela súčasných umelcov píšucich v tomto štýle. , ako aj americká grafika určitú tému. Mnoho umelcov tohto štýlu (alebo obdobia) bolo fascinovaných orientálnou maľbou - na obrazoch toho istého Gustava Klimta často vidíme postavy v čínskom alebo japonskom oblečení. Preto v takýchto interiéroch nebude čínska alebo japonská maľba zbytočná. Tu je niekoľko diel, podľa nášho názoru vhodných do interiérov v takýchto štýloch.

Art Deco (Art Deco)- populárny trend v medzinárodnom dekoratívnom umení rokov 1925-1939. Tento štýl historicky nasleduje bezprostredne po moderne. Dotkol sa takých oblastí umenia ako architektúra, interiérový dizajn, priemyselný dizajn, módny priemysel, maľba, grafika, kino. Toto hnutie do určitej miery spájalo mnoho rôznych štýlov a prúdov začiatku 20. storočia, vrátane neoklasicizmu, konštruktivizmu, kubizmu, modernizmu, Bauhausu, secesie a futurizmu. Ale vo väčšej miere je moderný s prímesou neoklasicizmu. Charakteristické znaky - prísna pravidelnosť, etnické geometrické vzory, luxusné, šik, drahé, moderné materiály (slonovina, krokodília koža alebo koža žraloka či zebry, vzácne dreviny, striebro). V Nemecku a ZSSR sa Art Deco mení zo secesie na „nový empírový štýl“.

Vrchol popularity hnutia padol na „huráckych dvadsiatych rokoch“, no v 30. rokoch minulého storočia bolo v USA dosť silné. Na rozdiel od iných oblastí, ktorých pôvod je zakorenený v politike alebo filozofii, mal art deco výlučne dekoratívny význam. Kedysi bol štýl vnímaný ako reakcia na Univerzálnu výstavu (Universal Exposure) z roku 1900. Po slávnej výstave niekoľko francúzskych umelcov vytvorilo oficiálne registrovanú organizáciu La Société des artistes décorateurs (Spoločnosť dekoratívnych architektov). Medzi jeho zakladateľov patril Hector Guimard (Hector Guimard).

Paríž v 30. rokoch 19. storočia zostal centrom štýlu Art Deco. Zhmotnil ho v nábytku Jacques-Emile Ruhlmann- najznámejší z dizajnérov nábytku tej doby a možno posledný z klasických parížskych ebeniste(skriňári). Okrem toho diela Jeana-Jacquesa Rateaua, výrobky spoločnosti „Süe et Mare“, obrazovky Eileen Grey (Eileen Grey), dielo kovaného kovu Edgara Brandta, kov a smalt švajčiarskych židovských pôvod Jean Dunant, sklo veľkých René Lalique a Maurice Marino a hodinky a šperky Cartier.

Bronzové a slonovinové sochy sa stali symbolom Art Deco v dekoratívnom a úžitkovom umení. Francúzski a nemeckí remeselníci, čiastočne inšpirovaní Ďagilevovými ruskými ročnými obdobiami, umením Egypta a východu a technologickým pokrokom „veku strojov“, vytvorili v 20. a 30. rokoch 20. storočia jedinečný štýl v malom plastikárskom umení, ktorý pozdvihol status dekoratívneho umenia. sochárstvo na úroveň „vysokého umenia“. Za klasických predstaviteľov art deco v sochárstve sú považovaní Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colin, Paul Philippe (Francúzsko), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Nemecko), Bruno Zach, J. Lorenzl (Rakúsko).

© «WM-PAINTING»

Secesia(francúzska výslovnosť: ​, po anglicky /ˈɑːrt nuːˈvoʊ/) je medzinárodný štýl umenia, architektúry a dekoratívneho umenia, najmä dekoratívneho umenia, ktorý bol najpopulárnejší v rokoch 1890 až 1910. Štýl, ktorý predstavuje reakciu na akademické umenie 19. storočia, bol inšpirovaný prírodnými formami a štruktúrami, najmä zakrivenými líniami rastlín a kvetov.

V angličtine sa používa francúzsky názov „Art Nouveau“ (nové umenie). Tento štýl je príbuzný, ale nie identický, so štýlmi, ktoré vznikli v mnohých európskych krajinách približne v tom istom čase: v Rakúsku je známy ako „štýl secesie“ podľa „viedenskej secesie“; v Španielsku ako "modernizmus"; v Katalánsku as "modernizmus"; v Českej republike as "secese"; v Dánsku as "skönvirke" alebo Secesia; v Nemecku as Secesia, "Secesia" alebo "reformný štýl"; v Maďarsku as "secessio"; v Taliansku ako "Secesia", "štýl slobody" alebo "kvetinový štýl"; v Nórsku as Secesia; v Poľsku ako "secesia"; na Slovensku as "seces"; v Rusku ako "moderný"; ako je to vo Švédsku "jugend".

Secesia je všeobecný umelecký štýl. Zahŕňa širokú škálu výtvarného a dekoratívneho umenia vrátane architektúry, maľby, grafiky, interiérového dizajnu, šperkov, nábytku, textilu, keramiky, skla a kovov.

V roku 1910 už secesia vyšla z módy. Ako dominantný architektonický a dekoratívny štýl Európy bol najskôr nahradený art deco a potom modernizmom.

Pôvod

Nové umelecké hnutie má svoje korene v Británii, v kvetinových vzoroch Williama Morrisa a v hnutí Arts and Crafts, ktoré založili Morrisovi študenti. Medzi rané príklady tohto štýlu patrí Morrisov Červený dom (1859) a Pávová izba Jamesa Abbota McNeila Whistlera. Nové hnutie bolo tiež silne ovplyvnené prerafaelskými umelcami vrátane, Dante Gabriel Rossetti a Edward Burne-Jones a najmä britskí grafici 80. rokov 19. storočia, medzi nimi Selwyn Images, Haywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert a predovšetkým Aubrey Beardsley.

Vo Francúzsku tento štýl spájal niekoľko rôznych trendov. V architektúre ho ovplyvnil teoretik architektúry a historik Eugène Viollet-le-Duc, zaprisahaný nepriateľ historického architektonického štýlu Beaux Arts. Vo svojej knihe "Entretiens sur l "architektúra" V roku 1872 napísal: „Použite prostriedky a znalosti, ktoré nám dáva naša doba, bez medzičlánkov, ktoré dnes nie sú životaschopné, a tak môžeme objaviť novú architektúru. Každá funkcia má svoj vlastný materiál; každý materiál má svoj vlastný tvar a ornament. Táto kniha ovplyvnila generáciu architektov vrátane Louisa Sullivana, Victora Hortu, Hectora Guimarda a Antoniho Gaudího.

francúzskych maliarov Maurice Denis , Pierre Bonnard a Edouard Vuillard zohralo dôležitú úlohu pri spájaní výtvarného umenia maľby s dekoratívnym. „Verím, že maľba by mala predovšetkým zdobiť,“ napísal Denis v roku 1891. „Výber zápletiek alebo scén nie je ničím. Práve vyváženosťou tónov, maľovaným povrchom a harmóniou línií môžem dosiahnuť dušu a prebudiť emócie.“ Všetci títo umelci vytvorili tradičnú aj dekoratívnu maľbu na plátno, sklo a iné materiály.

Ďalším dôležitým vplyvom na nový štýl bol japonizmus: vlna záujmu o japonské drevoryty, najmä diela Hiroshige, Hokusai a Utagawa Kunisada, ktoré boli do Európy dovážané od 70. rokov 19. storočia. Podnikavý Siegfried Bing založil v roku 1888 mesačník Le Japon artistique a pred uzavretím v roku 1891 vydal tridsaťšesť čísel. Ovplyvnil zberateľov aj umelcov vrátane Gustava Klimta. Štylizované prvky japonských potlačí sa objavili v grafikách, porceláne, šperkoch a secesnom nábytku.

Nové technológie v tlači a vydavateľstve umožnili secesi rýchlo osloviť globálne publikum. Umelecké časopisy, ilustrované fotografiami a farebnými litografiami, boli nápomocné pri popularizácii nového štýlu. Štúdio v Anglicku, Arts et idèes a Art et décoration vo Francúzsku, Jugend v Nemecku umožnili, aby sa štýl rýchlo rozšíril do všetkých kútov Európy. Aubrey Beardsley v Anglicku a Eugene Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec a Felix Vallotton získal medzinárodné uznanie ako ilustrátor.

Vďaka plagátom Jules Cheret pre tanečnicu Loie Fuller v roku 1893 a Alfonz Mucha pre herečku Sarah Bernhardtovú sa v roku 1895 plagát stal nielen reklamou, ale aj formou umenia. Toulouse-Lautrec a ďalší umelci dosiahli štatút medzinárodnej celebrity.

Forma a charakter

Hoci secesia naberala s rastúcim geografickým rozmiestnením výrazne lokalizované tendencie, niektoré všeobecné charakteristiky poukazujú na jej podobu. Opis nástennej tapisérie Cyclamen (1894) od Hermanna Obrista uverejnený v časopise Pan, ktorý ju opisuje ako „nečakané silné krivky vytvorené úderom biča“, ktorý sa preslávil na začiatku šírenia secesie. Následne sa nielen samotné dielo stalo známejším ako „The Whiplash“, ale samotný výraz „whiplash“ sa často používa na charakteristické krivky, ktoré používajú secesní umelci. Takéto dekoratívne „bičové“ motívy, tvorené dynamickými, zvlnenými a plynulými líniami v synkopickom rytme a asymetrickej forme, sa nachádzajú v celej architektúre, maľbe, sochárstve a iných formách secesného dizajnu.

Počiatky secesie sú v zápase umelca William Morris s objemnými kompozíciami a trendmi oživenia 19. storočia a jeho teóriami, ktoré pomohli vytvoriť hnutie Arts and Crafts. Obálka Arthura Maccurda pre The City Churches of Wren (1883) s rytmickými kvetinovými vzormi sa však často považuje za prvú realizáciu secesie. Približne v rovnakom čase plochá perspektíva a svetlé farby japonských drevorezieb, najmä Katsushiki Hokusai, mal silný vplyv na vzorec secesného štýlu. Japonizmus, populárny v Európe v 80. a 90. rokoch 19. storočia, výrazne ovplyvnil mnohých umelcov svojimi organickými formami a príťažlivosťou k prírodnému svetu. Okrem toho, že si ich osvojili umenie a dizajn inšpirované Japonskom umelci ako Emile Galle a James Abbott McNeil Whistler, podporili ich aj podnikatelia Siegfried Bean a Arthur Lasenby Liberty vo svojich obchodoch v Paríži a Londýne.

V architektúre sú hyperboly a paraboly rozšírené v oknách, oblúkoch a dverách a dekoratívne zlomy sa premieňajú na rastlinné formy. Ako väčšina dizajnových štýlov, aj secesia sa snažila harmonizovať svoje formy. Text nad vchodom do parížskeho metra využíva znaky zvyšku kovovej konštrukcie.

Secesná architektúra a interiérový dizajn sa vyhýbajú eklektickým oživujúcim štýlom 19. storočia. Aj keď si secesní dizajnéri vybrali a „zmodernizovali“ niektoré abstraktnejšie prvky rokokového štýlu, ako sú textúry plameňov a mušlí, presadzovali aj použitie vysoko štylizovaných organických foriem ako zdroja inšpirácie, čím sa rozšírilo „prírodné“ rozmanitosť na využitie morských rias, bylín a hmyzu. Ďalším vplyvom boli mäkké zmiešané formy knorpelwerku zo 17. storočia, najlepšie zastúpené v holandskom striebre.

Vzťah k súčasným štýlom a pohybom

Ako umelecký štýl má secesia príbuzné s prerafaelitmi a symbolizmom a umelcami ako Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt a Jan Torop, možno pripísať viac ako jednému z týchto štýlov. Na rozdiel od symbolickej maľby má však secesný štýl osobitý vzhľad; a na rozdiel od hnutia Arts and Crafts orientovaného na remeselníkov, secesní umelci ochotne prijali nové materiály, hotové povrchy a abstrakciu v záujme čistého dizajnu.

Secesia neopustila používanie strojov, ako to urobilo hnutie Arts and Crafts. Pre sochárstvo boli hlavnými materiálmi sklo a kované železo, čo viedlo k sochárskym prvkom aj v architektúre. Keramika bola zapojená aj do série sôch umelcov ako Auguste Rodin.

Secesná architektúra využívala mnohé z technologických inovácií z konca 19. storočia, najmä exponované železo a veľké, zákazkové sklenené kusy. Na začiatku prvej svetovej vojny sa však štylizovaná povaha secesného dizajnu, ktorého výroba bola drahá, prestala používať v prospech efektívnejšieho, priamočiarejšieho modernizmu, ktorý bol lacnejší a vhodnejší pre jednoduchú industriálnu estetiku v štýle Art Deco. stal sa.

štýlové trendy Secesia infiltrovali aj miestne štýly. Napríklad v Dánsku bol tento trend jedným z aspektov skönvirke („estetická práca“), ktorá je sama osebe užšie spojená so štýlom Arts and Crafts. Okrem toho si umelci požičali mnohé kvetinové a organické motívy zo secesie do štýlu Młoda Polska ("Mladé Poľsko") v Poľsku. Młoda Polska však zahŕňala aj iné umelecké štýly a prijala širší trend v umení, literatúre a životnom štýle.

Publikácie sekcie múzeí

Art Deco pre figuríny

Kde a ako vznikol štýl Art Deco, kto ho založil, či už v mladom Sovietskom zväze – zložitosti štýlu rozumieme spolu so Sofiou Bagdasarovou.

Čo je Art Deco?

List z albumu Feuillets d "Art. 1919

List z albumu Les si vybral de Paul Poiret vues par Georges Lepape. 1911

List z albumu Modes et Manières d "Aujourd" hui. 1914

Art Deco, čo vo francúzštine znamená „dekoratívne umenie“, je názov umeleckého štýlu, ktorý vládol v Európe a Amerike po secese, medzi dvoma svetovými vojnami. Navyše kraľoval najmä v priemyselnom dizajne - móda, šperky, plagáty, fasády, interiéry, nábytok. Stalo sa to vtedy, keď „veľké umenie“ tej doby experimentovalo s expresionizmom, abstrakcionizmom, konštruktivizmom a inými izmami, ktoré sú, samozrejme, skvelé, len nie každý ich môže neustále vidieť vo svojom byte. A predmety v štýle Art Deco sú navrhnuté špeciálne pre každodenný život - veľmi bohaté, luxusné a impozantné, ale stále každodenné.

Ako rozpoznať art deco artikel?

Puzdrá na cigarety, krabičky na prášok. 30. roky 20. storočia Kjótsky módny inštitút

Obálka magazínu Vogue s „optickými“ šatami od S. Delaunaya. 1925. Tlačová služba Kremeľských múzeí

Kabelky. OK. 1910. Kjótsky módny inštitút

Táto vec bude určite krásna - štýlová, elegantná. Je vyrobený z materiálu s drahou textúrou, ale nie okázalým luxusom, ale jednoducho hodnotným. Farby budú zložité odtiene, čierne - veľa. Často autor jednoznačne použil pravítko – no zároveň sa mu podarilo veľmi elegantne zaobliť všetky rohy. Geometrické vzory sú zostavené podľa starostlivých proporcií a dokážu hypnotizovať. Často sa tam tiež prelína niečo staroegyptské alebo japonské, ale v nejakom zvláštnom dizajne: Art Deco rád reinterpretoval exotické kultúry. (Mimochodom, cenila sa aj „ruská exotika“.) Štýl a technický pokrok sa páčili – preto sú tu štylizované vlaky lietajúce vysokou rýchlosťou, vrtule lietadiel a parníkov.

Štýl v móde

Večerná róba. Módna návrhárka Madeleine Vionnet. 1927. Tlačová služba Kremeľských múzeí

Večerná róba. Módny dom Lanwen. Okolo 1925. Tlačová služba Kremeľských múzeí

Šaty. Francúzsko. Zima 1922. Módny dom "Sisters Kallo"

Art Deco je najvýraznejšie v dámskej móde. V dobe, keď vládol tento štýl, si ženy začali strihať vlasy nakrátko, konečne sa oslobodili od tesných korzetov a krinolín, pás skĺzol k bokom, potom vytiahol až po hruď a sukňu skrátili na výšku úplne neslušné, podľa tých, ktorí si pamätali viktoriánsku morálku.

Tvorcovia štýlu - veľkí módni návrhári Paul Poiret, Mariano Fortuny - citovali kimoná, arabské turbany a bloomery, starožitné chitóny a stolíky, stredoveké pršiplášte. Objavili sa jednodielne veci, všade boli závesy, ťažké látky, šik a lesk. V takýchto voľných veciach, vyšívaných dúhovými perlami, sklenenými korálkami, kamienkami, korálkami, sa skvele tancovali nové živé tance - foxtrot, charleston, tango. Vo všeobecnosti si pamätajte na éru "Veľkého Gatsbyho".

Štýl v šperkoch

Brošňa Van Cleef a Arpels. 1930

Náhrdelník s golierom Van Cleef and Arpels. 1929

Brošňa v egyptskom štýle Van Cleef and Arpels. 1924

Firmy Cartier a Van Cleef & Arpels, ako aj ďalšie klenotnícke domy vo svojej tvorbe cieľavedome pracovali na princípoch Art Deco. Po tekutých formách a poetických kvetoch secesie (alias secesie) pôsobili ich šperky honosne a šokujúco.

Svetlá platina pre nastavenie umožnila šperkom opustiť „ťažké brnenie“ - zlato. Čisté geometrické tvary, abstraktné vzory, inovatívna kombinácia zelenej a modrej, kontrastný výber kameňov, ako je čierny ónyx a červený rubín, použitie skôr vyrezávaných ako fazetovaných kameňov, ako aj prelínanie pravých starovekých artefaktov (egyptskí skarabi atď. .) - to sú rozpoznateľné vlastnosti. Čierny ónyx sa všeobecne stal obľúbeným kameňom tohto obdobia, najmä v kombinácii s diamantmi. Sprevádzali ich svetlé akordy koralov, lapis lazuli, nefrit, smalt.

Bolo v Rusku art deco?

Výšková budova na nábreží Kotelnicheskaya. Štátne výskumné múzeum architektúry pomenované po A.V. Shchusev: webová stránka/inštitúty/7985

Stanica metra Mayakovskaya

Pavilón ZSSR na medzinárodnej výstave v Paríži. 1937. Štátne výskumné múzeum architektúry pomenované po A.V. Shchusev: webová stránka/inštitúty/7985

Brilantný štýl Art Deco je, samozrejme, hlboko „buržoázny“. Toto je symbol stratenej generácie, móda postáv Fitzgeralda, Hemingwaya (rovnako ako Wodehouse a predvojnové knihy od Agathy Christie). Mladý sovietsky štát v tej dobe nedosahoval túto vonkajšiu brilantnosť. Mali však „hučajúce dvadsiate roky“ a my máme Novú hospodársku politiku. Spomeňte si na kanibalku Ellochku: „... iskrivá fotografia zachytávala dcéru amerického miliardára Vanderbilta vo večerných šatách. Nechýbali kožušiny a pierka, hodváb a perly, ľahkosť strihu, nezvyčajný a úchvatný účes. Sovietski Nepmeni vo svojich zvykoch samozrejme napodobňovali svojho slobodného západného suseda, hoci to nebolo oficiálne schválené.

Na druhej strane, odtlačok Art Deco je viditeľný v jednom z najformálnejších umení – architektúre. Vplyv importovaného štýlu v stalinistickom klasicizme ľahko nájdeme: fotografie fragmentov moskovských mrakodrapov z niektorých uhlov je ťažké odlíšiť od pohľadov na predvojnové mrakodrapy na Manhattane. Láska Art Deco ku geometrizmu, používanie abstrakcií - to všetko ľahko absorbovali ruskí majstri vo vlasti suprematizmu. Bolo vhodné glorifikovať aj technické výdobytky ľudstva. Existujú ešte zábavnejšie znaky – pamätáte, hovorili sme o premene Art Deco na egyptské motívy? Je to vďaka nemu pred Tamarou Lempickou. Autoportrét v zelenom bugatti. 1929. Súkromná zbierka

Oveľa významnejší je však príspevok ruských emigrantov k rozvoju Art Deco. Módne časopisy Vogue a Harper's Bazaar už roky vychádzajú pod titulkami Erte, vlastným menom Roman Petrovič Tyrtov, ktorého „Symfónia v čiernom“ je jedným z kľúčových diel štýlu.

Abstraktná umelkyňa Sonia Delaunay, ktorá pôsobila v módnom priemysle, obohatila Art Deco o farbu a energiu, akú sme videli u iných „avantgardných Amazoniek“. Hlavnou maliarkou portrétov v štýle art deco, ktorá ako jedna z mála umelcov dokázala použiť tento štýl na maliarske stojany, je Tamara Lempicka, rodáčka z Ruského kráľovstva Poľska, ktorá pred revolúciou žila v Petrohrade. (Ale hlavný sochár tej doby, Dmitrij Chiparus, je napriek nám takému známemu menu Rumun.) Napokon Leon Bakst, ktorý bol v exile, sa okrem divadla dokázal uplatniť aj v módnom priemysle - zrejme v r. v štýle Art Deco.

Historici umenia vo všeobecnosti píšu, že štýl Art Deco bol pôvodne inšpirovaný ruskými ročnými obdobiami, ktoré otriasli svetom parížskeho umenia v 20. storočí. Takže - vďaka Diaghilevovi a za art deco!

pred 10 mesiacmi Enottt Komentáre o Art Deco čl. Regionálne vlastnosti (Francúzsko, USA) zdravotne postihnutých

Prezretí: 2 776

Art Deco (dekoratívne umenie) je vplyvný trend vo výtvarnom a dekoratívnom umení prvej polovice 20. storočia, ktorý sa prvýkrát objavil vo Francúzsku v 20. rokoch 20. storočia a následne sa stal populárnym v 30. – 40. rokoch 20. storočia v medzinárodnom meradle, prejavoval sa najmä v architektúre, móde a maľbe. Ide o eklektický štýl, ktorý je syntézou modernizmu a neoklasicizmu. Štýl art deco výrazne ovplyvnili aj také umelecké smery ako kubizmus, konštruktivizmus a futurizmus.

Charakteristické znaky - prísna pravidelnosť, výrazné geometrické tvary, etnické geometrické vzory, zdobenie v poltónoch, nedostatok jasných farieb v dizajne, zatiaľ čo farebné ornamenty, luxusné, šik, drahé, moderné materiály (slonovina, krokodília koža, hliník, vzácne drevá, striebro ).

• Formy: zjednodušené, ale jasné a grafické. Siluety majú stupňovitejšie formy, hlavnou vecou je milosť a určitá hravosť.
• Línie: energické, jasné, geometrické.
• Prvky: veľa ozdôb vo forme kučier, špirál, vĺn, cikcakov.
• Farby: kontrast. Tkanie jemné a pastelové s honosným a šťavnatým.
• Materiály: drahé, exotické, nasýtené. Drevo, koža, bronz, mramor, keramika, sklo.
• Okná: Obdĺžnikové, využívajúce veľký priestor skla. Menej často klenuté alebo s farebným sklom.
• Dvere: obohnané pilastrami, štíty.

V USA, Holandsku, Francúzsku a niektorých ďalších krajinách sa Art Deco postupne vyvíjalo smerom k funkcionalizmu.

Príbeh

Medzinárodná výstava, ktorá sa konala v roku 1925 v Paríži a oficiálne sa volala „Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes“, dala život pojmu „Art Deco“. Táto výstava ukázala svetu luxusný tovar francúzskej výroby, čo dokazuje, že Paríž zostal po prvej svetovej vojne medzinárodným centrom štýlu.

Medzinárodná výstava súčasného dekoratívneho a priemyselného umenia

Udalosťou, ktorá označila a pomenovala vrchol tohto štýlu, bola Medzinárodná výstava moderného dekoratívneho a priemyselného umenia, ktorá sa konala v Paríži od apríla do októbra 1925. Oficiálne ju zorganizovala francúzska vláda a pokrývala oblasť 55 akrov v Paríži, ktorá sa tiahla od Grand Palais na pravom brehu po Invalidovňu na ľavom brehu a pozdĺž brehov Seiny. Grand Palais, najväčšia sála v meste, bola plná dekoratívneho umenia zo zúčastnených krajín. Zúčastnilo sa 15 000 vystavovateľov z dvadsiatich rôznych krajín vrátane Anglicka, Talianska, Španielska, Poľska, Československa, Belgicka, Japonska a nového Sovietskeho zväzu; Nemecko nebolo pozvané pre povojnové napätie a Spojené štáty, ktoré nepochopili účel výstavy, sa stiahli. Za sedem mesiacov výstavu navštívilo šestnásť miliónov ľudí. Pravidlá výstavy vyžadovali, aby všetky práce boli súčasné; historické štýly neboli povolené. Hlavným zámerom výstavy bola propagácia francúzskych výrobcov luxusného nábytku, porcelánu, skla, kovových výrobkov, textílií a iných dekoratívnych výrobkov. Na ďalšiu propagáciu produktov mali všetky hlavné parížske obchodné domy a významní dizajnéri svoje vlastné pavilóny. Expozícia mala sekundárny účel propagovať výrobky z francúzskych kolónií v Afrike a Ázii, vrátane slonoviny a exotických drevín.

Hôtel du Riche Collectionneur bol obľúbenou atrakciou výstavy; obsahoval nové dizajnérske projekty Emile-Jacquesa Ruhlmanna, ako aj látky v štýle Art Deco, koberce a obrazy Jeana Dupasa. Dizajn interiéru bol založený na rovnakých princípoch symetrie a geometrických tvarov, ktoré ho odlišujú od secesie a jasných farieb, vynikajúceho remeselného spracovania vzácnych a drahých materiálov, ktoré ho odlišujú od strohej funkčnosti modernistického štýlu. Zatiaľ čo väčšina pavilónov bola bohato zdobená a zaplnená luxusným ručne vyrobeným nábytkom, dva pavilóny – Sovietsky zväz a pavilón du Nouveau Esprit, postavené časopisom tohto mena pod vedením Le Corbusiera, boli postavené v strohom štýle. biele steny a žiadna dekorácia; patrili medzi prvé príklady modernistickej architektúry

Výstava dekoratívneho umenia, demonštrujúca víťazstvo konštruktivizmu, zároveň dala život hnutiu Art Deco, ktoré sa stalo exotickou zmesou kubizmu a moderného štýlu, inými slovami lineárnej štylizácie a nádhernej ornamentiky. Móda pre turbany a činy štylizované ako „Egypt“ a „Čína“ sa fantazijne miešala s rytmami geometrickej planimetrie.

Samotný trend Art Deco existoval už pred otvorením výstavy v roku 1925 – bol to badateľný trend v európskom umení 20. rokov. K americkým brehom sa dostala až v roku 1928, kde sa v 30. rokoch minulého storočia vyvinula do Streamline Moderne, amerikanizovanej odnože Art Deco, ktorá sa stala charakteristickým znakom tohto desaťročia.

Symbolom art deco v dekoratívnom a úžitkovom umení bola socha z bronzu a slonoviny. Francúzski a nemeckí remeselníci, inšpirovaní Diaghilevovými „ruskými ročnými obdobiami“, umením Egypta a východu, ako aj technologickými výdobytkami „veku strojov“, vytvorili jedinečný štýl z malých plastov 20. – 30. rokov 20. storočia, ktorý zvýšil status dekoratívneho sochárstva na úroveň „vysokého umenia“. Za klasických predstaviteľov art deco v sochárstve sú považovaní Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colin, Paul Philippe (Francúzsko), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Nemecko), Bruno Zack, J. Lorenzl (Rakúsko).

Vznik Art Deco úzko súvisel so vzostupom postavenia dekoratívnych umelcov, ktorí boli až do konca 19. storočia považovaní za obyčajných remeselníkov. Termín "dekoratívne scenérie" bol vytvorený v roku 1875 pre dizajnérov nábytku, textílií a iných dekorácií. V roku 1901 vznikol Commonwealth of Decorators (Spoločnosť dekoratívnych umelcov) alebo SAD a dekoratívnym umelcom boli udelené rovnaké autorské práva ako maliarom a sochárom. Podobné hnutie sa vyvinulo v Taliansku. V roku 1902 sa v Turíne konala prvá medzinárodná výstava venovaná výlučne dekoratívnemu umeniu Esposizione international d'Arte.

V Paríži bolo založených niekoľko nových časopisov venovaných dekoratívnemu umeniu, vrátane Art and Decoration a L'Art décoratif moderne. Sekcie dekoratívneho umenia boli prezentované na výročných Salónoch francúzskej Sociéte des artistes a neskôr na Salon d'automne. Francúzsky nacionalizmus tiež zohral úlohu pri oživení dekoratívneho umenia, pričom francúzski dizajnéri sa cítili znevýhodnení nárastom exportu lacného nemeckého nábytku. V roku 1911 SAD navrhla v roku 1912 veľkú novú medzinárodnú výstavu dekoratívneho umenia. Žiadne kópie starších štýlov neboli povolené; len súčasná tvorba. Výstava bola odložená až do roku 1914 a potom kvôli vojne až do roku 1925, kedy dala meno celej rodine štýlov známej ako Deco.

Hoci termín Art Deco vznikol v roku 1925, bežne sa nepoužíval až do zmeny postoja k ére v 60. rokoch. Art Deco majstri neboli súčasťou jednej komunity. Hnutie bolo považované za eklektické, ovplyvnené niekoľkými zdrojmi:

• „viedenská secesia“ raného obdobia (viedenské dielne); funkčný priemyselný dizajn.
• Primitívne umenie Afriky, Egypta a Indiánov Strednej Ameriky.
• Staroveké grécke umenie (archaické obdobie) je najmenej naturalistické zo všetkých.
• "Ruské ročné obdobia" od Sergeja Diaghileva v Paríži - náčrty kostýmov a kulís od Léona Baksta.
• Fazetované, krištáľové, fazetované formy kubizmu a futurizmu.
• Koloristická paleta fauvizmu.
• Prísne formy neoklasicizmu: Boulet a Karl Schinkel.
• Vek jazzu.
• Rastlinné a zvieracie motívy a formy; tropická vegetácia; zikkuraty; kryštály; koloristická čiernobiela škála kláves klavíra, motív Slnka.
• Flexibilné a atletické formy športovkýň, ktorých je veľa; ostré rohy krátkych strihov pre predstaviteľov klubového života - klapky.
• Technologické výdobytky „veku strojov“ – ako rádio a mrakodrapy.

Majstri v štýle Art Deco radi používali materiály ako hliník, nehrdzavejúcu oceľ, smalt, drevené intarzie, kožu žraloka a zebry. Aktívne využívali cik-cak a stupňovité formy, široké a energické zakrivené línie (na rozdiel od jemne plynulých kriviek secesie), motívy chevron a klávesy klavíra. Niektoré z týchto dekoratívnych motívov sa stali všadeprítomnými, ako napríklad kľúčový vzor na dámskych topánkach, radiátoroch, prednáškových sálach Radio City a veži Chrysler Building. V tomto štýle boli ochotne zariadené interiéry kín a zaoceánskych lodí, ako Ile de France a Normandie. Art Deco bolo luxusné a verí sa, že tento luxus je psychologickou reakciou na asketizmus a obmedzenia počas rokov prvej svetovej vojny.

Francúzsko

Parížske obchodné domy a módni návrhári sa podieľali na vzostupe Art Déco. Zavedené firmy, vrátane výrobcu kabeliek Louis Vuitton, striebornej firmy Christofle, sklárskeho dizajnéra Reného Laliqueho a klenotníkov Louis Cartier a Boucheron, začali navrhovať produkty v modernejších štýloch. Od roku 1900 si obchodné domy najímali dekoratérov, aby pracovali vo svojich dizajnérskych štúdiách. Výzdoba Salon d'Automne z roku 1912 bola zverená obchodnému domu Printemps. V tom istom roku Printemps vytvoril vlastnú dielňu s názvom „Primavera“. Do roku 1920 obývalo Primaveru viac ako tristo umelcov. Štýly siahali od aktualizovaných verzií nábytku Ľudovíta XIV., Ľudovíta XVI. a najmä Ľudovíta Filipa vyrobeného Louisom Süe a dielňou Primavera až po modernejšie formy z dielne obchodného domu Au Louvre. Iní dizajnéri, vrátane Emile Jacques Ruhlmann a Paul Folio, odmietli použiť masovú výrobu a trvali na tom, aby bol každý kus individuálne ručne vyrobený. Raný štýl art deco predstavoval luxusné a exotické materiály ako eben, slonovina a hodváb, veľmi svetlé farby a štylizované motívy, najmä koše a kytice kvetov vo všetkých farbách, čo dodávalo modernistický vzhľad.

Živé farby Art Deco pochádzali z mnohých zdrojov, vrátane exotických produkcií Léona Baksta pre Ballets Russes, ktoré spôsobili v Paríži senzáciu tesne pred prvou svetovou vojnou. Niektoré farby boli inšpirované skorším fauvistickým hnutím, ktoré viedol Henri Matisse; iní sú orfisti ako Sonia Delaunay; iné hnutím známym ako nabis a dielom symbolistického maliara Odilona Redona, ktorý navrhoval krbové rímsy a iné dekoratívne predmety. Jasné farby boli charakteristickým znakom práce módneho návrhára Paula Poireta, ktorého tvorba ovplyvnila dizajn aj interiérový dizajn v štýle Art Deco.

Paríž zostal centrom štýlu Art Deco. V nábytku ho stelesnil Jacques-Émile Ruhlmann, najslávnejší z nábytkových dizajnérov tej doby a možno posledný z klasických parížskych ébéniste (skriniarov). Okrem toho diela Jeana-Jacquesa Rateaua, výrobky firmy Süe et Mare, paravány Eileen Gray, práce z kovaného kovu Edgara Brandta, kov a smalt Švajčiara židovského pôvodu Jeana Dunanta, sklo veľkých René Lalique a Maurice Marina, ako aj hodinky a šperky Cartier.

V roku 1925 v Art Deco koexistovali dve rôzne konkurenčné školy: tradicionalisti, ktorí založili Spoločnosť dekoratívnych umelcov; vrátane návrhára nábytku Emile-Jacquesa Ruhlmanna, Jeana Dunarda, sochára Antoina Bourdella a dizajnéra Paula Poireta; kombinovali moderné formy s tradičným remeslom a drahými materiálmi. Na druhej strane modernisti, ktorí čoraz viac odmietali minulosť a chceli štýl založený na pokrokoch v novej technológii, jednoduchosti, nedostatočnej povrchovej úprave, lacných materiáloch a hromadnej výrobe.

V roku 1929 si modernisti založili vlastnú organizáciu Francúzsky zväz súčasných umelcov. Patrili sem architekti Pierre Charo, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier a v Sovietskom zväze - Konstantin Melnikov; Írska dizajnérka Eileen Gray a francúzska dizajnérka Sonia Delaunay, klenotníci Jean Fouquet a Jean Pouyforcat. Vehementne útočili na tradičný štýl Art Deco, ktorý bol podľa nich vyrobený len pre bohatých, a trvali na tom, že dobre postavené budovy by mali byť prístupné všetkým a forma by mala fungovať. Krása objektu alebo budovy spočívala v tom, či boli dokonale prispôsobené na splnenie svojej funkcie. Moderné priemyselné metódy znamenali, že nábytok a budovy mohli byť vyrábané hromadne a nie ručne.

Maľovanie

Expozícii z roku 1925 nebola pridelená ani jedna sekcia. Art Deco maľba bola podľa definície dekoratívna, určená na skrášlenie miestnosti alebo časti architektúry, takže len málo umelcov pracovalo výlučne v tomto štýle, ale dvaja umelci sú úzko spojení s Art Deco. Jean Dupas namaľoval fresky v štýle Art Deco pre pavilón v Bordeaux na výstave dekoratívneho umenia v roku 1925 v Paríži a tiež namaľoval obraz nad krbom v Maison de la Collectioneur na výstave v roku 1925, na ktorej vystupovali Ruhlmann a ďalší významní výtvarní dizajnéri. Jeho obrazy boli aj v dekorácii francúzskej zaoceánskej lode Normandie. Jeho tvorba bola čisto dekoratívna, navrhnutá ako pozadie alebo sprievod k iným dekoratívnym prvkom. Ďalšou umelkyňou úzko spojenou so štýlom je Tamara de Lempicka. Narodila sa v Poľsku v aristokratickej rodine a po ruskej revolúcii emigrovala do Paríža. Tam sa stala žiačkou maliara Mauricea Denisa z hnutia zvaného „Nabis“ a kubistu André Lhoteho a z ich štýlov prevzala mnoho štýlov. Maľovala takmer výlučne portréty v realistickom, dynamickom a farebnom štýle Art Deco.

Grafické umenie

Štýl Art Deco sa objavil v raných štádiách grafiky, v rokoch krátko pred prvou svetovou vojnou.

vojna. V Paríži sa objavil na plagátoch a kostýmoch Léona Baksta pre Ballet Russes a v katalógoch módnych návrhárov Paula Poireta. Ilustrácie Georgesa Barbiera a Georgesa Lepepa a obrázky v módnom časopise La Gazette du bon ton dokonale vystihli eleganciu a zmyselnosť tohto štýlu. Vzhľad sa zmenil v 20. rokoch 20. storočia; zvýraznené módy boli ležérnejšie, športovejšie a odvážnejšie a ženské modelky typicky fajčili cigarety. V Nemecku bol najznámejším umelcom plagátov tohto obdobia Ludwig Hohlwein, ktorý vytvoril farebné a dramatické plagáty pre hudobné festivaly, pivo a koncom svojej kariéry aj pre nacistickú stranu.

Počas secesie plagáty zvyčajne propagovali divadelný tovar alebo kabarety. V 20. rokoch 20. storočia sa stali mimoriadne populárne cestovné plagáty vyrobené pre parníky a letecké spoločnosti. Štýl sa výrazne zmenil v 20. rokoch 20. storočia so zameraním na reklamu produktov. Obrázky sa stali jednoduchšie, presnejšie, lineárnejšie, dynamickejšie a často umiestnené na jednofarebnom pozadí. Vo Francúzsku boli dizajnéri v štýle Art Deco Charles Lupo a Paul Colin, ktorí sa preslávili svojimi plagátmi pre americkú speváčku a tanečnicu Josephine Baker, Jean Carlou navrhoval plagáty pre filmy Charlieho Chaplina, mydlá a divadlá; koncom 30. rokov emigroval do USA, kde počas svetovej vojny navrhoval plagáty na podporu vojnovej produkcie. Dizajnér Charles Gesmar sa stal známym dizajnérom plagátov pre speváčku Mistinguett a pre Air France. Medzi najznámejších francúzskych dizajnérov

Amerike. Moderne zjednodušiť

Štýlový smer, ktorý sa vyvíjal súbežne s Art Deco a tesne k nemu priliehal, bol „Streamline Moderne“ (názov je z anglického streamline – „streamline“ – výraz z oblasti aerodynamiky). V „streamline moderne“ je cítiť vplyv priemyselného razenia a aerodynamických technológií. V dôsledku toho sa v dielach tohto štýlu objavili obrysy guľôčok lietadiel alebo revolverov. Keď sa dizajn prvého sériovo vyrábaného automobilu Chrysler, „Chrysler Airflow“, ukázal ako populárny, efektívne tvary sa dokonca použili na strúhadlá, budovy a chladničky.

Tento architektonický štýl hľadá uhladené formy, zachováva dlhé horizontálne línie, ktoré často kontrastujú s vertikálnymi zakrivenými plochami, a ochotne zavádza prvky požičané z námorného priemyslu (zábradlia a svetlíky). Jeho vrchol bol dosiahnutý okolo roku 1937.

Tento štýl ako prvý začlenil elektrické svetlo do architektonickej štruktúry.

Nástenné umenie

V Spojených štátoch neexistoval zreteľný štýl Art Deco, hoci obrazy sa často používali ako dekorácia, najmä vo vládnych budovách a kancelárskych budovách. V roku 1932 vznikol projekt Public Works in Art, ktorý umožnil umelcom pracovať bez práce, pretože krajina bola vo veľkej hospodárskej kríze. O rok neskôr projekt objednal viac ako pätnásťtisíc umeleckých diel. Známi americkí umelci boli prijatí do Federal Art Project, aby maľovali a zdobili steny vo vládnych budovách, nemocniciach, letiskách, školách a univerzitách. Programu sa zúčastnili niektorí z najznámejších amerických umelcov vrátane Granta Wooda, Reginalda Marsha, Georgia O'Keeffe a Maxine Albro. Do programu sa zapojil aj uznávaný mexický umelec Diego Rivera, ktorý zdobil steny. Obrazy boli v rôznych štýloch, vrátane regionalizmu, sociálneho realizmu a americkej maľby.

Niekoľko obrázkov bolo vytvorených aj pre mrakodrapy v štýle Art Deco, najmä Rockefellerovo centrum v

New York. Foyer si objednal dva obrázky od Johna Stewarta Curryho a Diega Riveru. Majitelia budovy, rodina Rockefellerovcov, zistili, že komunista Rivera umiestnil do davu obraz Lenina a zničil ho. Obraz nahradil ďalší španielsky umelec José Maria Sert.

Grafické umenie

Štýl Art Deco sa objavil v raných štádiách grafiky, v rokoch tesne pred prvou svetovou vojnou. V Paríži sa objavil na plagátoch a kostýmoch Léona Baksta pre Ballet Russes a v katalógoch módnych návrhárov Paula Poireta. Ilustrácie Georgesa Barbiera a Georgesa Lepepa a obrázky v módnom časopise La Gazette du bon ton dokonale zachytávajú eleganciu a zmyselnosť štýlu. Vzhľad sa zmenil v 20. rokoch 20. storočia; zvýraznené módy boli ležérnejšie, športovejšie a odvážnejšie a ženské modelky typicky fajčili cigarety. Americké módne časopisy ako Vogue, Vanity Fair a Harper's Bazaar rýchlo prevzali nový štýl a spopularizovali ho v Spojených štátoch. Ovplyvnila aj tvorbu amerických knižných ilustrátorov ako Rockwell Kent.

V 30. rokoch 20. storočia sa v USA počas Veľkej hospodárskej krízy objavil nový žáner plagátov. Umelecký projekt Federálnej agentúry si najal amerických umelcov, aby vytvorili plagáty na propagáciu cestovného ruchu a kultúrnych podujatí.

Vyblednutie štýlu

Art Deco ticho zmizlo po rozmachu masovej výroby, keď sa s ním zaobchádzalo ako s honosným, krikľavým a falošne luxusným. Definitívny koniec tomuto štýlu dali útrapy druhej svetovej vojny. V koloniálnych krajinách ako India sa art deco stalo vstupnou bránou k modernizmu a vytratilo sa až v 60. rokoch. Oživenie záujmu o Art Deco v 80. rokoch bolo spojené s grafickým dizajnom a asociácie Art Deco s filmom noir a šarmom 30. rokov viedli k jeho opätovnému použitiu v šperkoch a móde.

Pohľad: Časť „California“, Maxine Albro, interiér Coit Tower v San Franciscu (1934)

V kontakte s

art deco

Art Deco, (francúzsky art déco, lit. „dekoratívne umenie“, z názvu parížskej výstavy z roku 1925, French Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, Ruská medzinárodná výstava moderného dekoratívneho a priemyselného umenia) je vplyvným trendom v výtvarné a dekoratívne umenie prvej polovice 20. storočia, ktoré sa prvýkrát objavilo vo Francúzsku v 20. rokoch 20. storočia, v 30. – 40. rokoch 20. storočia sa stalo populárnym v medzinárodnom meradle, prejavilo sa najmä v architektúre, móde, maľbe a prestalo relevantné v období po druhej svetovej vojne. Ide o eklektický štýl, ktorý je syntézou modernizmu a neoklasicizmu. Štýl Art Deco má tiež významné vplyvy z umeleckých hnutí, ako je kubizmus, konštruktivizmus a futurizmus.

Charakteristické znaky - prísna pravidelnosť, výrazné geometrické tvary, etnické geometrické vzory, zdobenie v poltónoch, nedostatok jasných farieb v dizajne, zatiaľ čo farebné ornamenty, luxusné, šik, drahé, moderné materiály (slonovina, krokodília koža, hliník, vzácne drevá, striebro ). V USA, Holandsku, Francúzsku a niektorých ďalších krajinách sa Art Deco postupne vyvíjalo smerom k funkcionalizmu.

Medzinárodná výstava, ktorá sa konala v roku 1925 v Paríži a oficiálne sa volala „Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes“, dala život pojmu „Art Deco“. Táto výstava ukázala svetu luxusný tovar francúzskej výroby, čo dokazuje, že Paríž zostal po prvej svetovej vojne medzinárodným centrom štýlu.

Samotný trend art deco existoval už pred otvorením výstavy v roku 1925 – bol to badateľný trend v európskom umení 20. rokov. K americkým brehom sa dostala až v roku 1928, kde sa v 30. rokoch minulého storočia vyvinula do Streamline Moderne, amerikanizovanej odnože Art Deco, ktorá sa stala charakteristickým znakom tohto desaťročia.

Paríž zostal centrom štýlu Art Deco. V nábytku ho stelesnil Jacques-Émile Ruhlmann, najslávnejší z nábytkových dizajnérov tej doby a možno posledný z klasických parížskych ébéniste (skriniarov). K tomu dielo Jean-Jacquesa Rateaua, výrobky firmy „Süe et Mare“, paravány Eileen Gray, dielo kovaného kovu Edgara Brandta, kov a smalt Švajčiara židovského pôvodu Jeana Dunanta, sklo skvelých René Lalique a Maurice Marino, ako aj hodinky a šperky Cartier.

Symbolom art deco v dekoratívnom a úžitkovom umení bola socha z bronzu a slonoviny. Francúzski a nemeckí remeselníci, inšpirovaní Diaghilevovými „ruskými ročnými obdobiami“, umením Egypta a východu, ako aj technologickými výdobytkami „veku strojov“, vytvorili jedinečný štýl z malých plastov 20. – 30. rokov 20. storočia, ktorý zvýšil status dekoratívneho sochárstva na úroveň „vysokého umenia“. Za klasických predstaviteľov art deco v sochárstve sú považovaní Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colin, Paul Philippe (Francúzsko), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Nemecko), Bruno Zack, J. Lorenzl (Rakúsko).

Hoci termín Art Deco vznikol v roku 1925, bežne sa nepoužíval až do zmeny postoja k ére v 60. rokoch. Art Deco majstri neboli súčasťou jednej komunity. Hnutie bolo považované za eklektické, ovplyvnené viacerými zdrojmi.

Majstri v štýle Art Deco radi používali materiály ako hliník, nehrdzavejúcu oceľ, smalt, drevené intarzie, kožu žraloka a zebry. Aktívne využívali cik-cak a stupňovité formy, široké a energické zakrivené línie (na rozdiel od jemne plynulých kriviek secesie), motívy chevron a klávesy klavíra. Niektoré z týchto dekoratívnych motívov sa stali všadeprítomnými, ako napríklad kľúčový vzor na dámskych topánkach, radiátoroch, prednáškových sálach Radio City a veži Chrysler Building. V tomto štýle boli ochotne zariadené interiéry kín a zaoceánskych lodí, ako Ile de France a Normandie. Art Deco bolo luxusné a predpokladá sa [zdroj neuvedený 1667 dní], že tento luxus je psychologickou reakciou na asketizmus a obmedzenia počas prvej svetovej vojny.

Toto je časť článku na Wikipédii používaného pod licenciou CC-BY-SA. Celé znenie článku tu →