Povijest nastanka impresionizma u slikarstvu i glazbi. Francuski impresionizam: opće karakteristike, glavni majstori Impresionistički način

Impresionizam(impresionizam, franc. impression - dojam) je pravac u slikarstvu nastao u Francuskoj 1860-ih godina. i uvelike odredio razvoj umjetnosti u 19. stoljeću. Središnje figure ovog pokreta bile su Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir i Sisley, a doprinos svakog od njih njegovom razvoju je jedinstven. Impresionisti su se suprotstavljali konvencijama klasicizma, romantizma i akademizma, afirmirali ljepotu svakodnevne zbilje, jednostavne, demokratične motive, postizali živu autentičnost slike, nastojali uhvatiti “dojam” onoga što oko u određenom trenutku vidi.

Najtipičnija tema za impresioniste je krajolik, ali su se u svom radu dotakli i mnogih drugih tema. Degas je, primjerice, prikazivao konjske utrke, balerine i pralje, a Renoir šarmantne žene i djecu. U impresionističkim pejzažima nastalim na otvorenom, jednostavan, svakodnevni motiv često se transformira prožimajućim pokretnim svjetlom, unoseći u sliku osjećaj svečanosti. U pojedinim tehnikama impresionističkog građenja kompozicije i prostora primjetan je utjecaj japanskog graviranja i dijelom fotografije. Impresionisti su prvi put stvorili višestruku sliku Svakidašnjica modernog grada, uhvatio je izvornost njegova krajolika i izgled ljudi koji ga nastanjuju, njihov život, rad i zabavu.

Impresionisti nisu nastojali dotaknuti akutno socijalni problemi, filozofija ili šokantna kreativnost, fokusirajući se samo na na razne načine izražavanje dojmova okolne svakodnevice. Pokušavajući "vidjeti trenutak" i odražavati raspoloženje.

Ime " Impresionizam" nastao je nakon izložbe u Parizu 1874. godine, na kojoj je bila izložena Monetova slika "Impresija". Izlazeće sunce" (1872.; slika je 1985. ukradena iz muzeja Marmottan u Parizu i danas se nalazi na popisu Interpola).

Više od sedam impresionističkih izložbi održano je između 1876. i 1886.; nakon završetka potonjeg, samo je Monet nastavio striktno slijediti ideale impresionizma. "Impresionistima" se nazivaju i umjetnici izvan Francuske koji su pisali pod utjecajem francuskog impresionizma (primjerice, Englez F.W. Steer).

Impresionistički umjetnici

Poznate slike impresionističkih umjetnika:

Edgar Degas

Claude Monet

Smjer I. razvio se u Francuskoj u posljed. trećine 19. stoljeća – početak 20. stoljeće i prošao kroz 3 faze:

1860-70-ih – početak I.

1874-80-ih – zreli I.

90-ih godina 19. stoljeća. - kasno ja.

Naziv smjera dolazi od naziva slike C. Moneta „Impresija. Izlazeće sunce", napisano 1872.

Porijeklo: djelo "malih" Nizozemaca (Vermeer), E. Delacroixa, G. Courbeta, F. Milleta, C. Corota, umjetnika Barbizonske škole - svi su oni pokušavali uhvatiti najsuptilnije raspoloženje prirode i atmosfere, izvodeći male skice u prirodi.

Japanske grafike, izložene u Parizu 1867., gdje su po prvi put prikazane cijele serije slika istog predmeta drugačije vrijeme godina, dan itd. (“100 pogleda na planinu Fuji”, stanica Tokaido, itd.)

Estetska načela I.:

Odbijanje konvencija klasicizma; odbacivanje povijesnih, biblijskih, mitološke priče, obvezno za klasicizam;

Rad na otvorenom (osim E. Degasa);

Prijenos trenutnog dojma, koji uključuje promatranje i proučavanje okolne stvarnosti u različitim manifestacijama;

Impresionistički umjetnici izraženi u slikama ne samo ono što vide(kao u realizmu) ali i kako vide(subjektivni princip);

Impresionisti, kao umjetnici grada, nastojali su ga uhvatiti u svoj njegovoj raznolikosti, dinamici, brzini, raznolikosti odjeće, oglašavanja, pokreta (C. Monet “Boulevard des Capucines u Parizu”;

Impresionističko slikarstvo karakteriziraju demokratski motivi, koji afirmiraju ljepotu svakodnevnog života; subjekti su suvremeni grad, sa svojom zabavom: kavane, kazališta, restorani, cirkusi (E. Manet, O. Renoir, E. Degas). Važno je uočiti poeziju motiva slike;

Novi oblici slika: kadriranje, skicoznost, skicoznost, mala veličina radova za naglašavanje prolaznosti dojma, narušavanje cjelovitosti predmeta;

Tematika impresionističkih slika nije osnovna i tipična, kao u realističkom pokretu 19. stoljeća, nego slučajna (ne izvedba, proba - E. Degas: baletna serija);

- “miješanje žanrova”: pejzaž, svakodnevni žanr, portret i mrtva priroda (E. Manet – “Bar in Folies Bergère»;

Trenutna slika istog objekta u različito doba godine, dana (C. Monet - „Stogovi sijena“, „Topole“, niz slika katedrale u Rouenu, lopoča itd.)

Stvaranje novog slikovnog sustava za očuvanje svježine trenutnog dojma: razlaganje složenih tonova u čiste boje - zasebni potezi čiste boje koji se u oku gledatelja miješaju sa svijetlim Shema boja. Impresionistička slika je niz poteza zarezom, koji sloju boje daje strepnju i reljefnost;

Posebna uloga vode u njenom prikazivanju: voda kao zrcalo, okruženje boja koje titraju (C. Monet “Stijene u Belle-Ileu”).

Od 1874. do 1886. godine impresionisti su priredili 8 izložbi;

Predstavnici francuskog impresionizma: Edouard Manet, Claude Monet – utemeljitelj I., Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro.

Karakterizira ruski impresionizam:

Ubrzaniji razvoj impresionizma u " čisti oblik", jer ovaj smjer u ruskom slikarstvu javlja se krajem 80-ih godina 19. stoljeća;

Velika produljenost u vremenu (I. se pojavljuje kao stilski kolorit u djelima velikih ruskih umjetnika: V. Serov, K. Korovin)

Veća kontemplacija i lirizam, “ruralna verzija” (u usporedbi s “urbanim” francuskim): I. Grabar - “Veljački azur”, “Ožujski snijeg”, “Rujanski snijeg”;

Prikaz čisto ruskih tema (V. Serov, I. Grabar);

Veći interes za ljude (V. Serov “Djevojka obasjana suncem” “Djevojka s breskvama”;

Manja dinamizacija percepcije;

Romantično bojanje.

Danas remek-djela impresionističkih umjetnika doživljavamo u kontekstu svjetske umjetnosti: za nas su ona davno postala klasika. Međutim, to nije uvijek bio slučaj. Događalo se da njihove slike nisu puštane na službene izložbe, bile su kritizirane u tisku, a nisu ih htjeli kupiti ni za simboličnu naknadu. Bile su godine očaja, potrebe i neimaštine. I borba za priliku da slikaju svijet kakvim su ga oni vidjeli. Trebala su proći mnoga desetljeća da bi većina mogla shvatiti i sagledati, vidjeti sebe svojim očima. Kakav je to bio svijet u koji je impresionizam prodro početkom 1860-ih, poput snažnog vjetra koji donosi preobrazbu?

Društveni potresi krajem XVIII stoljeća, revolucije u Francuskoj i Americi, transformirale su samu bit Zapadna kultura, što nije moglo ne utjecati na ulogu umjetnosti u društvu koje se brzo mijenja. Navikli na društvene naloge vladajuće dinastije ili crkve, umjetnici su iznenada otkrili da su ostali bez svojih naručitelja. Plemstvo i svećenstvo, glavni kupci umjetnina, doživljavali su ozbiljne poteškoće. Počelo je novo doba, doba kapitalizma, u cijelosti transformirajući pravila i prioritete.

Postupno je u uspostavljenim republikama i demokratski ustrojenim vlastima izrasla bogata srednja klasa, zbog čega se počela ubrzano razvijati novo tržište umjetnost. Nažalost, poduzetnicima i trgovcima u pravilu je nedostajala nasljedna kultura i odgoj, bez kojih je bilo nemoguće ispravno cijeniti raznolikost alegorija zapleta ili vješto izvođačko umijeće koje je dugo fasciniralo aristokraciju.

Ne odlikujući se aristokratskim odgojem i obrazovanjem, predstavnici srednje klase koji su postali konzumenti umjetnosti morali su se u početku usredotočiti na promišljanja novinskih kritičara i službenih stručnjaka. Stare umjetničke akademije, kao čuvari klasičnih temelja, postale su središnji arbitri u pitanjima umjetničke gravitacije. Nije paradoksalno da su se neki mladi i traženi slikari, zgroženi konformizmom, pobunili protiv formalne prevlasti akademizma u umjetnosti.

Jedno od značajnih uporišta akademizma tog vremena bile su izložbe suvremene umjetnosti, pod pokroviteljstvom vlasti. Takve izložbe nazivale su se Saloni - prema tradiciji, prema nazivu dvorane u Louvreu u kojoj su dvorski umjetnici nekoć izlagali svoja platna.

Sudjelovanje na Salonu bila je jedina prilika da privuku interes tiska i naručitelja za svoje radove. Auguste Renoir u jednom od svojih pisama Durand-Ruelu ovako govori o sadašnjem stanju stvari: “U cijelom Parizu jedva da ima petnaest obožavatelja koji bi mogli prepoznati umjetnika bez pomoći Salona, ​​a osamdeset tisuća ljudi koji neće nabaviti ni kvadratni centimetar platna ako umjetnik ne bude primljen na Salon."

Mladim slikarima nije preostalo ništa drugo nego nastupiti u Salonima: na izložbi su se mogle čuti nimalo laskave riječi ne samo od članova žirija, već i od duboko cijenjenih slikara poput Eugenea Delacroixa, Gustavea Courbeta, Edouarda Maneta, koji su bili miljenici mladima, čime su dobili poticaj za daljnje stvaralaštvo. Osim toga, Salon je bio jedinstvena prilika pridobiti kupca, biti primijećen, izgraditi karijeru u umjetnosti. Nagrada Salona umjetniku je jamstvo strukovnog priznanja. Nasuprot tome, ako je žiri odbio prijavljeni rad, to je bilo jednako estetskom odbacivanju.

Često slika predložena za razmatranje nije odgovarala uobičajenim kanonima, zbog čega ju je žiri Salona odbio: u umjetničkoj zajednici ova je epizoda izazvala skandal i senzaciju.

Jedan od umjetnika čije je sudjelovanje u Salonu uvijek stvaralo skandal i izazivalo veliku zabrinutost akademika bio je Edouard Manet. Veliki skandal popratio je demonstracije njegovih slika “Ručak na travi” (1863.) i “Olimpija” (1865.), nastalih na neuobičajeno oštar način, sa estetikom stranom Salonu. A slika "Incident na koridi", predstavljena na Salonu 1864., odražavala je umjetnikovu strast za Goyin rad. U prvom planu Manet je naslikao ispruženu figuru toreadora. Pozadina slike bila je arena koja se protezala duboko u dubinu i redovi obeshrabrenih, otupjelih gledatelja. Tako oštra i prkosna kompozicija izazvala je mnoštvo sarkastičnih kritika i novinskih karikatura. Povrijeđen kritikama, Manet je svoju sliku poderao na dva dijela.

Valja napomenuti da se kritičari i karikaturisti nisu sramili birajući riječi i metode kako bi dodatno uvrijedili umjetnika i natjerali ga na neku vrstu odmazde. “Umjetnik kojeg je Salon odbacio” i kasnije “Impresionist” postali su omiljene mete novinara koji zarađuju na javnim skandalima. Neprekidni sukob Salona sa slikarima drugačijih koncepata i sklonosti, koji su bili umorni od strogih okvira zastarjelog akademizma, značajno je nagovijestio ozbiljno propadanje koje je do tada sazrelo u umjetnosti druge polovice 19. stoljeća. Konzervativni žiri Salona 1863. odbio je toliko slika da je car Napoleon III. smatrao potrebnim osobno podržati još jednu, paralelnu izložbu kako bi gledatelj mogao usporediti prihvaćene radove s odbijenima. Ova izložba, koja je dobila naziv "Salon odbačenih", postala je iznimno mondeno mjesto zabave - ljudi su dolazili nasmijati se i biti duhoviti.

Kako bi zaobišli akademski žiri, bogati slikari mogli su organizirati samostalne samostalne izložbe. Ideju za izložbu jednog umjetnika prvi je najavio umjetnik realist Gustave Courbet. Poslao je niz svojih radova na Svjetsku izložbu u Parizu 1855. Izborna komisija odobrila je njegove krajolike, ali je odbila tematske programske slike. Tada je Courbet, suprotno tradiciji, podigao osobni paviljon u blizini Svjetske izložbe. Iako je Courbetov širok slikarski stil impresionirao starijeg Delacroixa, u njegovom paviljonu bilo je malo gledatelja. Tijekom Svjetske izložbe 1867., Courbet je nastavio s ovim eksperimentom s velikim trijumfom - ovaj put je sva svoja djela objesio u zasebnoj prostoriji. Edouard Manet je, po uzoru na Courbeta, tijekom iste izložbe otvorio vlastitu galeriju za retrospektivni prikaz njegovih slika.

Stvaranje osobnih galerija i privatno izdavanje kataloga podrazumijevalo je značajan trošak sredstava - neusporedivo veći od onih koje su umjetnici često posjedovali. No, slučajevi Courbeta i Maneta potaknuli su mlade slikare da planiraju skupnu izložbu umjetnika novih pravaca koje službeni Salon nije prihvatio.

Osim socijalna promjena na umjetnost XIX stoljeća imale su opipljiv učinak i Znanstveno istraživanje. Godine 1839. Louis Daguerre u Parizu i Henry Fox Talbot u Londonu demonstrirali su fotografske uređaje koje su stvorili neovisno jedan o drugom. Ubrzo nakon ovog događaja, fotografija je umjetnike i grafičare oslobodila odgovornosti jednostavnog ovjekovječenja ljudi, mjesta i događaja. Oslobođeni dužnosti skiciranja predmeta, mnogi su slikari pohrlili u sferu prenošenja vlastitog, subjektivnog, izražaja emocija na platno.

Fotografija je dala povoda europska umjetnost drugi pogledi. Objektiv, s drugačijim kutom gledanja od ljudskog oka, formirao je fragmentarni prikaz kompozicije. Promjena kuta snimanja gurnula je umjetnike na nove kompozicijske vizije, koje su postale temelj estetike impresionizma. Jedno od glavnih načela ovog pokreta bila je spontanost.

Iste 1839. godine, kada je kamera nastala, kemičar iz laboratorija pariške manufakture Gobelin, Michel Eugene Chevreul, prvi je objavio logično tumačenje percepcije boje ljudskog oka. Stvarajući boje za tkanine, uvjerio se u postojanje tri osnovne boje - crvene, žute i plave, a kada se pomiješaju, pojavljuju se sve ostale boje. Uz pomoć kotača boja, Chevreul je dokazao kako se rađaju nijanse, što ne samo da je prekrasno ilustrirao složenu znanstvenu ideju, već je umjetnicima predstavio i radni koncept za miješanje boja. Američki fizičar Ogden Rood i njemački znanstvenik Hermann von Helmholli sa svoje strane dopunili su ovaj izum razvojem na polju optike.

Godine 1841. američki znanstvenik i slikar John Rand patentirao je limene tube koje je napravio za kvarljive boje. Ranije, kada je umjetnik odlazio slikati na plener, bio je prisiljen prvo pomiješati boje koje su mu bile potrebne u ateljeu, a zatim ih sipati u staklene posude koje su se često razbijale ili u mjehuriće napravljene od utrobe životinja koji su brzo iscurili. . S pojavom Randovih cijevi, umjetnici su imali prednost ponijeti sa sobom na plener svu raznolikost boja i nijansi. Ovo otkriće uvelike je utjecalo na bogatstvo boja umjetnika, a osim toga ih je uvjerilo da svoje radionice ostave prirodi. Ubrzo je, kako je primijetio jedan pametnjaković, na selu bilo više pejzažista nego seljaka.

Pioniri plenerističkog slikarstva bili su umjetnici barbizonske škole, koja je dobila ime po selu Barbizon u blizini šume Fontainebleau, gdje su stvorili većinu krajolika.

Ako su se stariji slikari barbizonske škole (T. Rousseau, J. Dupre) u svom stvaralaštvu još uvijek temeljili na baštini herojskog krajolika, onda su predstavnici mlađe generacije (C. Daubigny, C. Corot) ovom žanru dali značajke realizma. Njihova platna prikazuju krajolike kojima je strana akademska idealizacija.

U svojim su slikama Barbizonci pokušali ponovno stvoriti raznolikost stanja prirode. Zato su slikali iz života, pokušavajući uhvatiti spontanost svoje percepcije. Međutim, korištenje zastarjelih akademskih metoda i sredstava u slikarstvu nije im pomoglo da postignu ono što su kasnije uspjeli impresionisti. Nasuprot tome, doprinos umjetnika Barbizonske škole formiranju žanra je neosporan: napustivši radionice za plener, ponudili su pejzažnom slikarstvu nove načine razvoja.

Jedan od pobornika slikanja na licu mjesta, Eugene Boudin, uputio je svog mladog učenika Claudea Moneta da je potrebno stvarati na otvorenom – među svjetlom i zrakom, slikati ono o čemu razmišljate. To je pravilo postalo temeljem plenerističkog slikarstva. Monet je ubrzo predstavio svojim prijateljima, Augusteu Renoiru, Alfredu Sisleyu i Fredericu Basilu, novu teoriju: slikati samo ono što promatrate na određenoj udaljenosti i pod određenim osvjetljenjem. Navečer su u pariškim kavanama mladi slikari rado dijelili svoja razmišljanja i strastveno raspravljali o svojim novim otkrićima.

Tako se pojavio impresionizam - revolucionarni pokret u umjetnosti prošlih vremena trećine XIX- početak 20. stoljeća. Slikari koji su krenuli putem impresionizma nastojali su u svojim djelima uhvatiti prirodnije i istinitije svijet i svakodnevnu stvarnost u njihovoj beskrajnoj pokretljivosti i nepostojanosti, da izraze svoje prolazne osjećaje.

Impresionizam je postao odgovor na stagnaciju akademizma koji je tih godina dominirao umjetnošću, želja da se slikarstvo oslobodi bezizlazne situacije u koju je zapalo krivnjom salonskih umjetnika. Da Moderna umjetnost je u padu, rekli su mnogi progresivni ljudi: Eugene Delacroix, Gustav Courbet, Charles Baudelaire. Impresionizam je bio svojevrsna šok terapija za “napaćeni organizam”.

Pojavom mladih žanrovskih slikara Edouarda Maneta, Augustea Renoira, Edgara Degasa, vjetar promjena provalio je u francusko slikarstvo dajući spontanost promišljanja života, prikaz prolaznih, naizgled neočekivanih situacija i pokreta, iluzornu nestabilnost i neuravnoteženost oblika, fragmentarnost. kompozicija, nepredvidive točke gledišta i kutovi.

U večernjim satima, kada umjetnici zbog loše rasvjete više nisu mogli slikati svoja platna, napuštali su svoje ateljee i strastveno raspravljali u pariškim kafićima. Tako je kavana Guerbois postala jedno od stalnih sastajališta šačice umjetnika okupljenih oko Edouarda Maneta. Redoviti sastanci održavali su se četvrtkom, a ostalim danima moglo se zateći skupinu umjetnika kako živo razgovaraju ili se svađaju. Claude Monet ovako je opisao sastanke u kavani Guerbois: „Ne može biti ništa uzbudljivije od ovih susreta i beskrajnog sukoba gledišta. Izoštrili su naše umove, potaknuli naše plemenite i iskrene težnje, dali nam naboj entuzijazma koji nas je održavao mnogo tjedana dok ideja nije bila potpuno oblikovana. Otišli smo s ovih susreta raspoloženi, ojačane volje, jasnijih i jasnijih misli.”

Uoči 1870-ih impresionizam se ustalio u francuskom krajoliku: Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley prvi su razvili dosljedan pleneristički sustav. Slikali su svoja platna bez skica i skica na otvorenom izravno na platnu, utjelovljujući u svojim slikama svjetlucavo sunčeva svjetlost, nevjerojatno obilje boja prirode, rastvaranje prikazanih predmeta u okolišu, vibracije svjetla i zraka, pobuna refleksa. Za postizanje tog cilja uvelike su pridonijeli do detalja proučeni koloristički sustav u kojem je prirodna boja razložena na boje sunčevog spektra. Kako bi stvorili neobično svijetlu, nježnu šarenu teksturu, umjetnici su nanosili čistu boju na platno u zasebnim potezima, dok se optičko miješanje očekivalo u ljudskom oku. Ova tehnika, kasnije transformirana i teorijski argumentirana, postala je središnja za još jednu istaknutu umjetničku težnju - poentilizam, nazvan "divizionizam" (od francuskog "diviser" - dijeliti).

Impresionisti su pokazali povećani interes za veze između predmeta i okoline. Predmet njihove skrupulozne kreativna analiza bila je transformacija boje i karaktera predmeta u promjenjivom okruženju. Da bi se postigla ova zamisao, isti je predmet prikazivan više puta. S dodatkom čiste boje u sjenama i refleksijama, crna boja gotovo je napustila paletu.

Kritičar Jules Laforgue ovako je govorio o fenomenu impresionizma: „Impresionist vidi i prenosi prirodu onakvu kakva jest, dakle samo s očaravajućim titrajima. Crtež, svjetlo, volumen, perspektiva, chiaroscuro - sve je to klasifikacija koja blijedi u stvarnosti. Ispada da je sve određeno vibracijama boje i mora biti utisnuto na platnu vibracijama boje.”

Zahvaljujući aktivnostima na otvorenom i sastancima u kavanama, 27. prosinca 1873. “Anonimni, kipari, graveri itd.” - tako su se impresionisti prvi nazivali. Prva izložba društva održana je u proljeće godine kasnije u Komercijalnoj galeriji Nadara, eksperimentalnog fotografa koji je uz to prodavao i kreacije moderne umjetnosti.

Debi je bio 15. travnja 1874. Predviđeno je da izložba traje mjesec dana, vrijeme posjeta bilo je od deset do šest i, što je također bila novina, od osam do deset navečer. Ulaznica je koštala jedan franak, katalozi su se mogli kupiti za pedeset centima. U početku se činilo da je izložba bila puna posjetitelja, no gomila se nije više od rugala. Neki su se šalili da bi se zadatak ovih umjetnika mogao ostvariti ako se pištolj napuni različitim tubama boje, zatim puca u platno i završi potpisom.

Mišljenja su bila podijeljena: ili izložba uopće nije shvaćena ozbiljno ili je kritizirana u paramparčad. Opću percepciju može izraziti sljedeći članak sarkastične težnje “Izložba impresionista”, koji potpisuje Louis Leroy, objavljen u formi feljtona. Evo dijaloga između autora i akademskog slikara pejzaža koji je nagrađen medaljama i zajedno šetaju holovima izložbe:

“...Nepromišljeni umjetnik došao je tamo ne očekujući ništa loše, očekivao je da će ondje vidjeti platna kakvih ima posvuda, pokazna i beskorisna, beskorisnija od demonstrativnog, ali nedaleko od nekih umjetničkih standarda, kulture oblika i poštovanje prema starim majstorima.

Jao, forma! Jao, stari majstore! Nećemo ih više poštovati, jadni moj prijatelju! Sve smo promijenili!”

Na izložbi je bio i krajolik Claudea Moneta koji prikazuje jutarnju zoru u zaljevu obavijenom maglom - slikar ga je nazvao “Impresija. Izlazak sunca" (Dojam). Evo komentara jednog od likova u satiričnom članku Louisa Leroya o ovoj slici, koja je dala ime najsenzacionalnijem i najpoznatijem pokretu u umjetnosti 19. stoljeća:

“...- Što je ovdje nacrtano? Bacite pogled na katalog. - "Dojam. Izlazak sunca". - Dojam - to sam i očekivao. Baš sam si mislio, budući da sam pod dojmom, onda se nekakav dojam mora prenijeti u to... i kakva labavost, kakva glatka izvedba! Tapete u izvornom stanju obrade savršenije su od ovog morskog pejzaža...”

Osobno, Monet nije bio nimalo protiv tog naziva za umjetničku tehniku ​​koju je koristio u praksi. Glavna bit njegova rada je upravo hvatanje i hvatanje prolaznih životnih trenutaka, na čemu je i radio, iznjedrivši njegove bezbrojne serije platna: “Stogovi sijena”, “Topole”, “Katedrala u Rouenu”, “Gare Saint- Lazare”, “Jezerce u Givernyju” , “London. Zgrada parlamenta" i drugi. Drugi slučaj je Edgar Degas, koji je sebe volio nazivati ​​"neovisnim" jer nije sudjelovao na Salonu. Njegov oštar, groteskni stil pisanja, koji je služio kao primjer mnogim pristašama (među kojima se posebno istaknuo Toulouse-Lautrec), bio je neprihvatljiv za akademski žiri. Obojica ovih slikara postali su najaktivniji organizatori kasnijih impresionističkih izložbi, kako u Francuskoj tako iu inozemstvu - u Engleskoj, Njemačkoj i SAD-u.

Auguste Renoir, naprotiv, pojavljujući se na prvim izložbama impresionista, nije gubio nadu da će osvojiti Salon, šaljući dvije slike svake godine na svoje izložbe. Karakterističnu dvojnost svojih postupaka objašnjava u dopisivanju sa svojim suborcem i mecenom Durand-Ruelom: “...Ne podržavam bolna mišljenja da je djelo vrijedno ili nedostojno ovisno o mjestu na kojem se prikazuje. Ukratko, ne želim gubiti vrijeme i ljutiti se na Salon. Ne želim se ni pretvarati da sam ljuta. Samo mislim da trebaš crtati najbolje što znaš, to je sve. Kad bi me optužili da sam beskrupulozan u svojoj umjetnosti ili da se odričem svojih stavova iz apsurdne ambicije, prihvatio bih takve optužbe. Ali kako ništa slično nema ni blizu, ne treba mi zamjerati.”

Iako se nije smatrao službenim dijelom impresionističkog pokreta, Edouard Manet se smatrao slikarom realistom. No stalna bliska veza s impresionistima, posjećivanje njihovih izložbi, neprimjetno je transformirala slikarev stil, približavajući ga impresionizmu. U posljednjim godinama njegova života boje na njegovim slikama postaju svjetlije, potezi brišući, kompozicija fragmentarna. Poput Renoira, Manet je očekivao naklonost službenih stručnjaka na području umjetnosti i žarko je sudjelovao u izložbama Salona. No, suprotno svojim željama, postao je idol pariških avangardnih umjetnika, njihov neokrunjeni kralj. Unatoč svemu, tvrdoglavo je jurišao na Salon svojim platnima. Tek prije smrti posrećilo mu se da dobije službenu lokaciju Salona. Pronašao ga je i Auguste Renoir.

Opisujući ključne figure impresionizma, bilo bi grubo ne prisjetiti se barem fragmentarno osobe uz čiju su pomoć višestruko osramoćeni umjetnički smjer postala značajna umjetnička tekovina 19. stoljeća i osvojila cijeli svijet. Ime tog čovjeka je Paul Durand-Ruel, kolekcionar, trgovac umjetninama, koji se više puta nalazio na rubu bankrota, ali nije odustajao od pokušaja da impresionizam etablira kao novu umjetnost koja će tek dosegnuti svoj vrhunac. Organizirao je izložbe impresionista u Parizu i Londonu, priređivao osobne izložbe slikare u svojoj galeriji, organizirao aukcije i jednostavno financijski pomagao umjetnike: nekada mnogi od njih nisu imali sredstava za boje i platna. Dokaz žarke zahvalnosti i poštovanja umjetnika su njihova pisma Durand-Ruelu, kojih je ostalo dosta. Durand-Ruelova osobnost primjer je inteligentnog kolekcionara i dobročinitelja.

“Impresionizam” je relativan pojam. Svi slikari koje smatramo dijelom ovog pokreta prošli su akademsku obuku koja je zahtijevala minucioznu pažnju na detalje i glatku, sjajnu površinu slikanja. No, ubrzo su dale prednost slikama realističkog smjera, koje odražavaju stvarnu stvarnost i svakodnevni život, od uobičajenih tema i sižea koje propisuje Salon. Naknadno, svaki od njih Određeno vrijeme slikao je u stilu impresionizma, nastojeći objektivno dočarati predmete na svojim slikama pod različitim svjetlosnim uvjetima. Nakon ove impresionističke faze, većina ovih avangardnih umjetnika prešla je na samostalno istraživanje, stječući zajednički naziv "postimpresionizam"; Kasnije su svojim radom pridonijeli nastanku apstraktne umjetnosti u 20. stoljeću.

Sedamdesetih godina 19. stoljeća Europa je postala ovisna o japanskoj umjetnosti. Edmond de Goncourt u svojim bilješkama piše: “...Strast japanska umjetnost... prigrlio sve - od slikarstva do mode. U početku je to bila manija za ekscentricima poput mog brata i mene... kasnije su nam se pridružili umjetnici impresionisti.” Doista, slike impresionista tog vremena često su prikazivale atribute japanske kulture: obožavatelje, kimona, paravane. Stilske metode i plastična rješenja učili su i od japanskog gravira. Mnogi impresionisti bili su strastveni kolekcionari Japanski printovi. Na primjer, Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas.

Općenito, takozvani impresionisti priredili su 8 izložbi u neredovitim razmacima od 1874. do 1886.; polovica od 55 slikara koji su pripadali Anonimnom društvu, stjecajem raznih okolnosti, pojavila se tek u 1. Izuzetan sudionik svih 8 izložbi bio je Camille Pissarro, koji je imao miran, miroljubiv karakter.

Godine 1886. održana je završna izložba impresionista, no kao umjetnička metoda nastavila je postojati. Slikari nisu odustajali od teškog rada. Iako nekadašnjeg druženja i jedinstva više nije bilo. Svatko je utabao svoj put. Povijesna sučeljavanja su završena, završila su pobjedom novih pogleda i nije bilo potrebe za ujedinjenjem snaga. Slavno jedinstvo impresionističkih umjetnika razišlo se, i nije moglo ne razdvojiti se: svi su bili previše različiti, ne samo po temperamentu, nego i po svojim pogledima i umjetničkim uvjerenjima.

Impresionizam, kao pokret dosljedan svom vremenu, nije propustio napustiti granice Francuske. Slično su se pitali i slikari u drugim zemljama (James Whistler u Engleskoj i SAD-u, Max Lieberman i Lovis Corinth u Njemačkoj, Konstantin Korovin i Igor Grabar u Rusiji). Strast impresionizma za trenutačnim pokretom i fluidnom formom također su usvojili kipari (Auguste Rodin u Francuskoj, Paolo Trubetskoy i Anna Golubkina u Rusiji).

Izvršivši revoluciju u pogledima svojih suvremenika, proširivši njihov svjetonazor, impresionisti su time pripremili teren za kasniji razvoj umjetnosti i pojavu novih estetskih težnji i ideja, novih oblika koji se nisu dugo čekali. Izrastajući iz impresionizma, neoimpresionizma, postimpresionizma, fovizma, kasnije je također potaknuo formiranje i pojavu novih estetskih struja i pravaca.

Impresionizam- pokret u umjetnosti posljednje trećine 19. - početka 20. stoljeća, koji je nastao u Francuskoj, a potom se proširio svijetom, čiji su predstavnici nastojali uhvatiti najprirodnije i nepristranije stvarni svijet u svojoj mobilnosti i promjenjivosti, prenijeti svoje prolazne dojmove. Obično se izraz "impresionizam" odnosi na pokret u slikarstvu, iako su njegove ideje također našle svoje utjelovljenje u književnosti i glazbi.

Slika.

Impresionizam je nastao u Francuskoj u drugoj polovici 19. stoljeća. Mladi umjetnici htjeli su izaći iz okvira klasičnog slikarstva. Što nije bilo lako: ni kritika ni publika nisu htjeli prihvatiti slike koje su se toliko razlikovale od uobičajenog akademskog slikarstva u “antičkom” stilu.

Slike umjetnika novog pokreta nisu se ni smatrale slikama, toliko su bile slične brzim skicama.

Ali to je bila bit novog smjera - uhvatiti trenutak, prikazati život onakvim kakav jest. Impresionisti ne izmišljaju teme, oni ih uzimaju iz svakodnevnog života: sve su to stvari koje svatko može vidjeti kad izađe van.

Umjetnici su počeli koristiti potpuno novu tehniku ​​slikanja. Boje se nisu miješale na štafelaju, već su se nanosile na platno u zasebnim potezima. Stoga, da biste dobili potpunu sliku slike, treba ih promatrati s male udaljenosti, a ne izbliza. Ovom percepcijom jasni odvojeni potezi glatko se pretvaraju jedan u drugi i formira se ideja o slici.

Za razliku od prošlih majstora, impresionisti nisu radili u radionicama, tamo dovršavajući i usavršavajući svoje skice. Upravo među njima postaje popularna plener tehnika, odnosno rad na otvorenom. Umjetnici su putovali u predgrađa (šuma Fontainebleau bila je posebno popularna), gdje su skicirali piknike ili prikazivali scene iz pariškog života: Monet i Renoir često su prikazivali scene na nasipima Seine, a serija Renoirovih slika iz Moulina poznat je i de la Gallette.

Ali impresioniste nisu uvijek zanimali ljudi ili priroda. Bilo je mnogo zanimljivije prenijeti, na primjer, kretanje zraka ili pad sunčeve svjetlosti. Na primjer, na Monetovoj slici "Gare Saint-Lazare" glavni predmet slike nije čak ni sam kolodvor ili vlak, već dim koji se u oblacima diže iz dimnjaka koji se dimi.

Novi se pokret razlikovao od akademskog slikarstva, tehnički i ideološki. Prije svega, impresionisti su napustili konturu, zamijenivši je malim, zasebnim i kontrastnim potezima. Sunčeva zraka je podijeljena na komponente: ljubičastu, plavu, cijan, zelenu, žutu, narančastu, crvenu, ali kako je plava vrsta plave, njihov broj je smanjen na šest. Dvije boje postavljene jedna pored druge pojačavaju jedna drugu i, obrnuto, kada se miješaju gube intenzitet. Osim toga, sve se boje dijele na primarne, ili osnovne, i dvojne, ili izvedene, pri čemu je svaka dvostruka boja komplementarna prvoj:

Plavo - narančasto

Crvena Zelena

Žuta - ljubičasta

Općenito, mnogi su majstori radili u stilu impresionizma, ali osnova pokreta bili su Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir i Degas. Međutim, Manet je sebe uvijek nazivao "nezavisnim umjetnikom" i nikada nije sudjelovao na izložbama, a iako je Degas sudjelovao, nikada nije slikao svoja djela plein air.

Umjetnici. (Puno, ali dovoljno da se ukratko upoznamo s njihovim radom)

Koliko su se tradicija i inovativnost organski spojile u umjetnosti impresionista, svjedoči, prije svega, djelo izvanrednog slikara 19. stoljeća. Edouarda Maneta. U međuvremenu, u ovim djelima, kao iu svom kasnijem radu, umjetnik se oslanja na iskustvo klasične umjetnosti. U nastojanju da estetski shvati suvremeni život, Manet se služi veličanstvenim kompozicijskim shemama renesansnih slikara, od Giorgionea i Tiziana do Velazqueza i Goye. Njegove slike, brojni portreti i druga djela šezdesetih godina 19. stoljeća napisani su u tradicionalnoj slikarskoj maniri koja još nije bila posve prevladana, iako se i ovdje već osjeća želja za otvorenim koloritom i prirodnim svjetlom. Kasnije, Manetova paleta postaje osjetno svjetlija. Bio je jedan od prvih koji je počeo slikati na čistoj bijeloj podlozi, bilo da ju je "opteretio" bogatim potezima jarkih sunčanih boja, bilo da ju je prekrio najfinijim polutonovima plemenitih ružičastih i sivo-sivih nijansi. Imao je dar prenošenja beskrajnog bogatstva boja i žive strepnje objektivnog svijeta, što se posebno jasno očitovalo u mrtvoj prirodi - "nitko od Manetovih suvremenika nije mogao naslikati mrtvu prirodu bolje od njega." Manetova inovativnost bila je u činjenici da je mogao na nov, nepristran način sagledati stvarnost koja ga je okruživala i proširiti dijapazon pojava kojima se likovna umjetnost obraćala. Nije se bojao učiniti predmetom istinski visoke umjetnosti i u savršene slikovne forme utjeloviti one aspekte života i ljudskih odnosa koje su prije njega umjetnici okretali ili nisu primjećivali.

U središtu umjetnosti Edgar Degasčovjek je uvijek stajao, a pejzaž, možda vodeći žanr impresionista, nije igrao značajniju ulogu u njegovu stvaralaštvu. Veliki obožavatelj Ingresa, pridavao je izuzetnu važnost crtežu. U Italiji se divio Mantegni, od francuski umjetnici zanimao se za Poussina i kopirao njegove slike. Degas kreće pod utjecajem Maneta kako bi prikazao scene modernog života. Glavne teme su mu svijet baleta i konjskih utrka, samo u rijetkim slučajevima ih nadilazi, okrećući se životu pariške boeme, prikazujući modarice, peglačice i pralje. Degasova inovativnost u prenošenju pokreta neraskidivo je povezana s njegovim skladateljskim umijećem. U njemu se, još jače nego u Manetu, osjeća nenamjernost, slučajnost, otimanje zasebne epizode iz toka života. To postiže neočekivanom asimetrijom i neobičnim gledištima (često odozgo ili sa strane, pod kutom), “ispupčenošću” prostora, kao u zrcalu, ekspresivnim kadriranjem i smjelim rezovima okvira. Taj osjećaj prirodnosti i potpune slobode postignut je mukotrpnim radom, preciznim proračunima i preciznom kompozicijskom konstrukcijom.

Teško je zamisliti veću antitezu Degasovoj umjetnosti od slikarstva Auguste Renoir jedan od najsunčanijih i najpoželjnijih umjetnika u Francuskoj, kojeg je A.V. Lunacharsky nazvao "slikarom sreće". Renoirova najveća postignuća povezana su s prikazom žena i djece. Njegov omiljeni tip su žene s oblinama, napućenim usnama, prćastim nosem i šarmantno nepromišljenim očima. Slika ih odjevene i gole, vani na kiši, na ljuljački u vrtu, na kupanju ili na doručku s preplanulim lađarima. Modeli su mu djevojke iz naroda i siromašne građanke, zdrave i svježe, ne nose steznik i ne stide se golotinje

Impresionizam je umjetnički pokret koji se pojavio 70-ih godina prošlog stoljeća. 19. stoljeće Francusko slikarstvo, a potom se očitovala u glazbi, književnosti, kazalištu.

Impresionizam u slikarstvu počeo se oblikovati davno prije poznate izložbe 1874. Edouard Manet tradicionalno se smatra utemeljiteljem impresionista. Bio je vrlo inspiriran klasičnim djelima Tiziana, Rembrandta, Rubensa, Velazqueza. Manet je izrazio svoju viziju slika na svojim platnima, dodajući "vibrirajuće" poteze koji su stvorili učinak nedovršenosti. Godine 1863. Manet je stvorio Olympiju, što je izazvalo veliki skandal u kulturnom društvu.

Na prvi pogled, slika je napravljena u skladu s tradicionalnim kanonima, ali je u isto vrijeme već nosila inovativne trendove. O Olimpiji je u raznim pariškim tiskovinama napisano oko 87 recenzija. Puno negativnih kritika palo je na nju - umjetnica je optužena za vulgarnost. A samo se nekoliko članaka moglo nazvati povoljnim.

Manet je u svom radu koristio tehniku ​​jednoslojnog boja, što je stvorilo efekt mrlja. Kasnije su ovu tehniku ​​nanošenja boje prihvatili umjetnici impresionisti kao osnovu za slike na slikama.

Osobitost impresionizma bilo je najsuptilnije bilježenje prolaznih dojmova, na poseban način reprodukcije svjetlosnog ambijenta uz pomoć složenog mozaika čistih boja i površnih ukrasnih poteza.

Zanimljivo je da su umjetnici na početku svoje potrage koristili cijanometar - instrument za određivanje plavetnila neba. Crna boja je isključena iz palete, zamijenjena je drugim nijansama boja, što je omogućilo da se ne pokvari sunčano raspoloženje slika.

Impresionisti su se usredotočili na najnovije znanstvena otkrića svog vremena. Teorija boja Chevreula i Helmholtza svodi se na sljedeće: sunčeva zraka se cijepa na sastavne boje, prema tome dvije boje postavljene na platno pojačavaju slikovni učinak, a miješanjem boje gube na intenzitetu.

Estetika impresionizma razvila se, dijelom, kao pokušaj odlučnog oslobađanja od konvencija klasicizma u umjetnosti, kao i od postojanog simbolizma i dubine kasnoromantičarskog slikarstva, koje je pozivalo svakoga da vidi šifrirane planove koje je trebalo pažljivo tumačiti. Impresionizam nije afirmirao samo ljepotu svakodnevne stvarnosti, već i hvatanje šarene atmosfere, bez detaljiziranja ili tumačenja, prikazujući svijet kao optički fenomen koji se neprestano mijenja.

Impresionistički umjetnici razvili su potpuni pleneristički sustav. Prethodnici ovoga stilsko obilježje postojali su pejzažisti koji su proizašli iz barbizonske škole, čiji su glavni predstavnici Camille Corot i John Constable.

Rad u otvorenom prostoru dao je više mogućnosti uhvatiti i najmanje promjene boje u različito doba dana.

Claude Monet stvorio je nekoliko serija slika na istu temu, na primjer, „Katedrala u Rouenu” (niz od 50 slika), „Stogovi sijena” (niz od 15 slika), „Jezerce s lopočima” itd. Glavni pokazatelj ovih serija došlo je do promjene svjetla i boje na slici istog predmeta naslikanoj u različito doba dana.

Drugo postignuće impresionizma je razvoj originalnog slikarskog sustava, gdje se složeni tonovi razlažu na čiste boje prenesene pojedinačnim potezima. Umjetnici nisu miješali boje na paleti, već su radije nanosili poteze izravno na platno. Ova tehnika slikama je davala posebnu strepnju, promjenjivost i reljefnost. Radovi umjetnika bili su ispunjeni bojom i svjetlom.

Izložba 15. travnja 1874. u Parizu rezultat je razdoblja formiranja i predstavljanja novog pokreta široj javnosti. Izložba je održana u studiju fotografa Felixa Nadara na Boulevard des Capucines.

Naziv "Impresionizam" nastao je po izložbi na kojoj je bila izložena Monetova slika "Impresija". Izlazak sunca". Kritičar L. Leroy u svojoj je recenziji u publikaciji Charivari duhovito opisao izložbu 1874. navodeći primjer Monetovog djela. Drugi kritičar, Maurice Denis, zamjera impresionistima nedostatak individualnosti, osjećaja i poezije.

Na prvoj izložbi svoje je radove izložilo 30-ak umjetnika. Bilo je najviše veliki broj, u usporedbi s sljedećim izložbama do 1886.

Nemoguće je ne reći o pozitivne kritike iz ruskog društva. Ruski umjetnici i demokratski kritičari, uvijek živo zainteresirani umjetnički život Francuska - I. V. Kramskoj, I. E. Repin i V. V. Stasov - visoko su cijenili postignuća impresionista već od prve izložbe.

Nova etapa u povijesti umjetnosti, koja je započela izložbom 1874., nije bila nagla eksplozija revolucionarnih tendencija - bila je to vrhunac sporog i postupnog razvoja.

Dok su svi veliki majstori prošlosti pridonijeli razvoju načela impresionizma, neposredni korijeni pokreta najlakše se mogu otkriti u dvadeset godina koje su prethodile povijesnoj izložbi.

Paralelno s izložbama u Salonu, impresionističke izložbe uzimaju maha. Njihovi su radovi pokazali nove trendove u slikarstvu. Bio je to prijekor salonskoj kulturi i izlagačkoj tradiciji. Nakon toga, impresionistički umjetnici uspjeli su privući obožavatelje novih trendova u umjetnosti na svoju stranu.

Teorijske spoznaje i formulacije impresionizma počele su se razvijati dosta kasno. Umjetnici su više voljeli više prakse i vlastitih eksperimenata sa svjetlom i bojom. U impresionizmu, prije svega slikarskom, može se pratiti nasljeđe realizma, u kojem je jasno izražena antiakademska, antisalonska orijentacija i instalacija prikazivanja okolne stvarnosti tog vremena. Neki istraživači primjećuju da je impresionizam postao posebna grana realizma.

Nedvojbeno, u impresionističkoj umjetnosti, kao iu svakom umjetničkom pokretu koji nastaje u razdoblju prekretnice i krize starih tradicija, isprepleli su se različiti, pa i proturječni trendovi, unatoč svoj njezinoj izvanjskoj cjelovitosti.

Temeljne značajke bile su teme umjetničkih djela, sredstva umjetnički izraz. Knjiga Irine Vladimirove o impresionistima uključuje nekoliko poglavlja: “Pejzaž, priroda, impresije”, “Grad, mjesta susreta i rastanaka”, “Hobiji kao način života”, “Ljudi i likovi”, “Portreti i autoportreti” , “Mrtva priroda”. Također opisuje povijest stvaranja i lokaciju svakog djela.

U doba procvata impresionizma umjetnici su pronašli skladnu ravnotežu između objektivne stvarnosti i njezine percepcije. Umjetnici su nastojali uhvatiti svaku zraku svjetlosti, kretanje povjetarca i promjenjivost prirode. Da bi sačuvali svježinu svojih slika, impresionisti su stvorili originalni slikarski sustav, koji se kasnije pokazao vrlo važnim za daljnji razvoj umjetnosti. Unatoč općim trendovima u slikarstvu, svaki je umjetnik pronašao svoj kreativni put i glavne žanrove u slikarstvu.

Klasični impresionizam predstavljaju umjetnici kao što su Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frédéric Bazille, Berthe Morisot, Edgar Degas.

Razmotrimo doprinos nekih umjetnika razvoju impresionizma.

Edouard Manet (1832.-1883.)

Zahvaljujući tome, Manet je dobio prve poduke slikanja od T. Couturea budući umjetnik stekli mnoge potrebne stručne vještine. Zbog nedostatka odgovarajuće pozornosti učitelja prema svojim učenicima, Manet napušta majstorski atelje i bavi se samoobrazovanjem. Posjećuje izložbe u muzejima, na svojim kreativna formacija Velik utjecaj imali su stari majstori, osobito španjolski.

Šezdesetih godina 19. stoljeća Manet je napisao dva djela u kojima su vidljiva osnovna načela njegova umjetničkog stila. Lola iz Valencije (1862.) i Flautistica (1866.) prikazuju Maneta kao umjetnika koji otkriva karakter svoje teme kroz prikazivanje boje.

Njegove ideje o potezima kista i njegov pristup boji usvojili su drugi impresionistički umjetnici. Sedamdesetih godina 19. stoljeća Manet se zbližio sa svojim sljedbenicima i radio je pleneristički bez crne boje na paleti. Rezultat je bio dolazak impresionizma kreativna evolucija sam Manet. Manetove najimpresionističkije slike su “U čamcu” (1874.) i “Claude Monet u čamcu” (1874.).

Manet je također naslikao mnoge portrete raznih društvo dame, glumice, modeli, prekrasna žena. Svaki je portret prenosio jedinstvenost i individualnost modela.

Neposredno prije smrti, Manet je naslikao jedno od svojih remek-djela - "Bar Folies-Bergère" (1881-1882). Ova slika kombinira nekoliko žanrova: portret, mrtva priroda, svakodnevna scena.

N. N. Kalitina piše: „Čarolija Manetove umjetnosti je takva da se djevojka suočava sa svojom okolinom, zahvaljujući kojoj se njezino raspoloženje tako jasno otkriva, a istovremeno je dio, za cijelu pozadinu, nejasno razaznat, neodređen, zabrinjavajući, također je riješen u plavo-crnim, plavkasto-bijelim, žutim tonovima.”

Claude Monet (1840.-1926.)

Claude Monet bio je nedvojbeni vođa i začetnik klasičnog impresionizma. Glavni žanr njegovog slikarstva bio je pejzaž.

Monet je u mladosti volio karikaturu i karikaturu. Prvi modeli za njegova djela bili su njegovi učitelji i drugovi. Kao uzor koristio je karikature u novinama i časopisima. Kopirao je crteže u Gauloisu E. Cargea, pjesnika i karikaturista, prijatelja Gustavea Coubreta.

Na koledžu je Monetovo slikarstvo predavao Jacques-François Hauchard. Ali pošteno je primijetiti utjecaj na Moneta od Boudina, koji je podržavao umjetnika, davao mu savjete i motivirao ga da nastavi s radom.

U studenom 1862. Monet je nastavio studij u Parizu s Gleyreom. Zahvaljujući tome, Monet je u svom studiju upoznao Basila, Renoira i Sisleya. Mladi umjetnici pripremali su se za ulazak u Školu likovne umjetnosti, poštujući svog učitelja, koji je malo naplaćivao njegove lekcije i davao savjete na blag način.

Monet nije stvarao svoje slike kao priču, ne kao ilustraciju ideje ili teme. Njegovo slikarstvo, kao i život, nije imalo jasne ciljeve. Vidio je svijet bez fokusiranja na detalje, na nekim principima, išao je prema "pejzažnoj viziji" (izraz povjesničara umjetnosti A. A. Fedorov-Davydov). Monet je težio besprizornosti i spoju žanrova na platnu. Sredstvo za provedbu njegovih inovacija bile su skice, koje su trebale postati gotove slike. Sve skice su nacrtane iz života.

Slikao je livade, brežuljke, cvijeće, kamenje, vrtove, seoske ulice, more, plaže i još mnogo toga; okrenuo se prikazivanju prirode u različito doba dana. Često je pisao isto mjesto u različito vrijeme, stvarajući čitave cikluse od svojih djela. Načelo njegova rada nije bilo prikazivanje predmeta na slici, već točan prijenos svjetlosti.

Navedimo nekoliko primjera umjetnikovih djela - "Polje makova u Argenteuilu" (1873.), "Bazen za prskanje" (1869.), "Jezerce s lopočima" (1899.), "Hostovi pšenice" (1891.).

Pierre Auguste Renoir (1841.-1919.)

Renoir je jedan od istaknutih majstora svjetovnog portreta; osim toga, radio je u žanrovima pejzaža, svakodnevnih scena i mrtve prirode.

Osobitost njegova rada je interes za osobnost osobe, otkrivanje njezina karaktera i duše. Renoir u svojim platnima nastoji naglasiti osjećaj punine postojanja. Umjetnika privlače zabava i slavlja; on slika balove, hoda s njihovim pokretom i raznolikošću likova, pleše.

Najviše poznata djela umjetnik - "Portret glumice Jeanne Samary", "Kišobrani", "Kupanje u Seini" itd.

Zanimljivo je da se Renoir odlikovao svojom muzikalnošću te je kao dijete pjevao u crkvenom zboru pod vodstvom vrsnog skladatelja i učitelja Charlesa Gounoda u Parizu u katedrali Saint-Eustache. C. Gounod je snažno preporučio dječaku da studira glazbu. Ali u isto vrijeme, Renoir je otkrio svoj umjetnički talent - od svoje 13 godine već je naučio slikati porculansko posuđe.

Nastava glazbe utjecala je na razvoj umjetnikove osobnosti. Cijela linija Djela su mu vezana uz glazbenu tematiku. One odražavaju sviranje klavira, gitare i mandoline. To su slike “Lekcija gitare”, “Mlada Španjolka s gitarom”, “Mlada dama za klavirom”, “Žena svira gitaru”, “Lekcija klavira” itd.

Jean Frédéric Bazille (1841.-1870.)

Prema njegovim prijateljima umjetnicima, Basil je bio najperspektivniji i najistaknutiji impresionist.

Njegovi radovi odlikuju se vedrim koloritom i duhovnošću slika. Veliki utjecaj na njegov stvaralački put imali su Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley i Claude Monet. Stan Jeana Frederica bio je svojevrsni atelje i stan za slikare nadobudne.

Basil je uglavnom slikao plein air. Glavna ideja njegova rada bila je slika čovjeka na pozadini prirode. Njegovi prvi junaci na slikama bili su njegovi prijatelji umjetnici; mnogi su impresionisti jako voljeli crtati jedni druge u svojim djelima.

Frédéric Bazille u svom je stvaralaštvu ocrtao pravac realističkog impresionizma. Njegova najpoznatija slika, Obiteljsko okupljanje (1867.), autobiografska je. Umjetnik na njemu prikazuje članove svoje obitelji. Rad je predstavljen na Salonu i dobio je odobravanje javnosti.

Godine 1870. umjetnik je umro u prusko-francuskom ratu. Nakon umjetnikove smrti, njegovi prijatelji umjetnici organiziraju treću izložbu impresionista, na kojoj su izložene i njegove slike.

Camille Pissarro (1830.-1903.)

Camille Pissarro jedan je od najvećih predstavnika krajobraznih umjetnika nakon C. Moneta. Njegovi su radovi stalno izlagani na impresionističkim izložbama. Pissarro je u svojim djelima radije prikazivao oranice, seljački život i rada. Njegove slike odlikovale su se strukturalnim oblicima i jasnoćom kompozicije.

Kasnije je umjetnik počeo slikati slike na urbane teme. N. N. Kalitina u svojoj knjizi bilježi: "On gleda na gradske ulice s prozora gornjih katova ili s balkona, ne uvodeći ih u kompoziciju."

Pod utjecajem Georges-Pierrea Seurata, umjetnik se prihvatio pointilizma. Ova tehnika uključuje primjenu svakog poteza zasebno, kao da stavljate točke. Ali kreativni izgledi na ovom području nisu ostvareni, a Pissarro se vratio impresionizmu.

Pissarrove najpoznatije slike bile su “Bulevar Montmartre. Poslijepodne, sunčano“, „Operni prolaz u Parizu“, „Trg francusko kazalište u Parizu”, “Vrt u Pontoiseu”, “Žetva”, “Kosidba sijena” itd.

Alfred Sisley (1839.-1899.)

Glavni slikarski žanr Alfreda Sisleya bio je pejzaž. U njegovom rani radovi Vidljiv je uglavnom utjecaj K. Corota. Postupno, u procesu zajedničkog rada s C. Monetom, J. F. Bazilleom, P. O. Renoirom, u njegovim djelima počinju se pojavljivati ​​svijetle boje.

Umjetnika privlači igra svjetla, promjena stanja atmosfere. Sisley se nekoliko puta okrenuo istom krajoliku, snimajući ga u različito doba dana. Umjetnik je u svojim radovima dao prednost slikama vode i neba koje su se mijenjale svake sekunde. Umjetnik je uz pomoć boje uspio postići savršenstvo; svaka nijansa u njegovim radovima nosi jedinstvenu simboliku.

Njegova najpoznatija djela: “Ruralna aleja” (1864.), “Mraz u Louveciennesu” (1873.), “Pogled na Montmartre s Otoka cvijeća” (1869.), “Rani snijeg u Louveciennesu” (1872.), “Most kod Argenteuila” (1872.).

Edgar Degas (1834.-1917.)

Edgar Degas umjetnik je koji je svoj stvaralački put započeo školovanjem na Školi likovnih umjetnosti. Inspirirali su ga umjetnici Talijanska renesansa, što je utjecalo na njegov rad u cjelini. Na početku je Degas napisao povijesne slike, na primjer, “Spartanske djevojke izazivaju Spartanske dječake na natjecanje. (1860). Glavni žanr njegovog slikarstva je portret. U svojim radovima umjetnik se oslanja na klasične tradicije. Stvara djela obilježena istančanim osjećajem za svoje vrijeme.

Za razliku od svojih kolega, Degas ne dijeli radostan, otvoren pogled na život i stvari svojstven impresionizmu. Umjetnik je bliži kritičkoj tradiciji umjetnosti: suosjećanje sa sudbinom običnog čovjeka, sposobnost da vidi duše ljudi, njihove unutrašnji svijet, nedosljednost, tragedija.

Za Degasa veliku ulogu u stvaranju portreta igraju predmeti i interijer koji okružuju osobu. Evo nekoliko djela kao primjera: “Désirée Dio s orkestrom” (1868-1869), “ Ženski portret"(1868), "Bar Morbilli" (1867) itd.

Princip portretiranja u Degasovim djelima može se pratiti kroz čitavo njegovo djelo kreativni put. Sedamdesetih godina 19. stoljeća umjetnik je u svojim djelima prikazao francusko društvo, posebice Pariz, u njegovom punom sjaju. Umjetnikov interes uključuje urbani život u pokretu. „Pokret je za njega bio jedna od najvažnijih manifestacija života, a sposobnost umjetnosti da ga prenese bilo je najvažnije postignuće moderno slikarstvo“ – piše N.N. Kalitina.

U tom razdoblju nastali su filmovi kao što su "Zvijezda" (1878.), "Gospođica Lola u Fernandovom cirkusu", "Konji u Epsomu" itd.

Novi krug Degasove kreativnosti bio je njegov interes za balet. Prikazuje život balerina iza kulisa, govori o njihovom teškom radu i rigoroznom treningu. No, unatoč tome, umjetnik uspijeva pronaći prozračnost i lakoću u prikazivanju svojih slika.

U baletnom ciklusu Degasovih slika vidljiva su dostignuća u prenošenju umjetnog svjetla sa pozornice, govore o umjetnikovom kolorističkom talentu. Najpoznatije slike" Plave plesačice"(1897), " Sat plesa"(1874), "Plesačica s buketom" (1877), "Plesačice u ružičastom" (1885) i druge.

Na kraju života, zbog pogoršanja vida, Degas se okušao u kiparstvu. Njegovi objekti su iste balerine, žene, konji. U skulpturi Degas pokušava prenijeti pokret, a da biste cijenili skulpturu, morate je gledati iz različitih kutova.