Individualni stilovi renesansnih skladatelja. Glazbena umjetnost renesanse

1. Opći pravci razvoja glazbene umjetnosti u renesansi
2. Glazbeno obrazovanje u renesansi
3. Glazbena teorija renesanse. Traktati o glazbi.

• Boutique projekt

1. Opći trendovi u razvoju glazbene umjetnostitijekom renesanse

XIV-XVII stoljeća u zapadnoj Europi postalo vrijeme velikih društvenih promjena. Ovo je vrijeme ušlo u povijest kulture pod imenom renesansa (renesansa). Ovo je razdoblje dobilo ime u vezi s oživljavanjem interesa za antičku umjetnost, koja je postala ideal za kulturne ličnosti modernog doba. Skladatelji i glazbeni teoretičari (J. Tinktoris, J. Tsarlino, Glarean i dr.) proučavali su starogrčke glazbene rasprave; u djelima Josquina Despresa, prema suvremenicima, »oživljeno je izgubljeno savršenstvo glazbe starih Grka«; pojavio se krajem 16. i početkom 17. stoljeća. opera se vodila zakonima antičke drame.

Razvoj kulture renesanse povezan je s usponom svih aspekata društva. Rođen je novi svjetonazor - humanizam (od latinskog humanus - "ljudski"). Oslobađanje stvaralačkih snaga dovelo je do brzog razvoja znanosti, trgovine, obrta, a u gospodarstvu su se oblikovali novi, kapitalistički odnosi. Izum tiska pridonio je širenju obrazovanja. Velika geografska otkrića i heliocentrični sustav svijeta N. Kopernika promijenili su predodžbe o Zemlji i Svemiru.

Tijekom renesanse umjetnost, uključujući glazbu, uživala je veliki društveni ugled i bila je izuzetno raširena. Tijekom renesanse gotovo sve vrste umjetnosti doživjele su izniman procvat. Renesansa ima nejednake kronološke granice u različitim zemljama Europe. U Italiji počinje u 14. stoljeću, u Nizozemskoj počinje u 15. stoljeću, au Francuskoj, Njemačkoj i Engleskoj njegovi znakovi najjasnije se očituju u 16. stoljeću. Istodobno, razvoj veza između različitih kreativnih škola, razmjena iskustava između glazbenika koji su se selili iz zemlje u zemlju, djelovali u različitim kapelama, postaje znakom vremena i omogućuje nam govoriti o trendovima zajedničkim cijeloj doba.

Ideje o oživljavanju antičkih ideala humanizma i gubljenju položaja crkve proširile su se na cjelokupni kulturni život, značajno utječući na glazbeno obrazovanje. Porast interesa za znanost doveo je do širenja obrazovanja u raznim područjima. Ako je u srednjem vijeku prevladavala religiozna tradicija, koja je gotovo potpuno potisnula onu svjetovnu (koja je postojala uglavnom u obliku ministrantske kulture), a pučku držala pod zabranom, onda u renesansi crkvena glazba i vjerska grana glazbenog odgoja, kao i vjerska grana glazbenog odgoja, ostvaruju potpunu zabranu. dok su nastavili funkcionirati, izgubili su svoj položaj. Svjetovna grana muziciranja i glazbenog obrazovanja poprimala je sve veći karakter. S druge strane, svjetovna kultura muziciranja bila je blisko povezana s narodnom kulturom. Tako su, primjerice, ministranti, koji su u svom radu spajali pučku i svjetovnu tradiciju, u renesansi često počeli boraviti na dvorovima najvišeg plemstva, njihov je rad postao osnova za razvoj svjetovnog muziciranja. Tijekom renesanse glazba nije imala samo hedonističku funkciju, iako je bila važna iu svjetovnom muziciranju. Cilj glazbenog obrazovanja, kao i svakog poznavanja umjetnosti, bio je, kao iu doba antike, istaknuto moralno usavršavanje čovjeka. U to vrijeme, početak glazbenog tiska, procvat amaterskog muziciranja. U to je vrijeme također započeo proces promišljanja društvenog statusa glazbe. Stilovi i žanrovi glazbe počeli su se razlikovati ovisno o njihovoj društvenoj namjeni. Pojavila se “narodna” glazba i “učena” glazba, za “neiskusne ljubitelje” i za “istančane uši”, za “seigneure i prinčeve”. Uz svu očitost, postojala je tendencija elitizma glazbenog obrazovanja. Godine 1528. nastaje poznata rasprava B. Castiglionea "Dvorjanin" - svojevrsni kodeks ponašanja u visokom društvu. Istaknuto je da je posjedovanje pjevanja i glazbenog instrumenta znak duhovne profinjenosti i istinskog svjetovnog obrazovanja. Sve veća uloga svjetovne tradicije glazbenog obrazovanja dovela je do promjene njegovih tipova. Ako se crkvena tradicija uglavnom oslanjala na zborsko pjevanje, onda svjetovnu tradiciju karakterizira zanimanje za glazbene instrumente. Pjevanje nije bilo forsirano, već je imalo različite oblike, uključujući svjetovno vokalno solo i muziciranje u ansamblu. U renesansi jednoglasno pjevanje zamjenjuje višeglasno, pojavljuju se dvostruki i trostruki sastavi zborova, višeglasno pisanje strogog stila doseže vrhunac, podjela zbora na četiri glavna zborska dijela čvrsto se utvrđuje: soprani, altovi, tenori, basovi. . Uz glazbu namijenjenu zbornom pjevanju u crkvi svoja prava ostvaruje i zborska svjetovna glazba (moteti, balade, madrigali, šansone).

Proces učenja sviranja glazbala, koji se odvojio od vokalne glazbe, odvijao se brzo i brzo. Instrumentalno muziciranje osamostalilo se kao izvorno područje ljudske djelatnosti. Među glavnim glazbenim instrumentima su lutnja, harfa, flauta, oboa, truba, razne vrste orgulja (pozitivne, prijenosne), vrste čembala. Violina je bila narodno glazbalo, ali s razvojem novih gudačkih instrumenata poput viole, upravo violina postaje jedan od vodećih glazbenih instrumenata. Druga vrsta viole, viola da gamba, razvila se u violončelo. Učenje sviranja glazbenih instrumenata, koje je započelo u zapadnoj Europi u 14. stoljeću i nastavilo se ne samo tijekom cijele renesanse, nego iu kasnijim, bilo je izraz duhovne potrebe ljudi koju je crkvena glazba prestala zadovoljavati. (web stranica) Općenito, mogu se identificirati sljedeće karakteristične značajke glazbene kulture renesanse: brzi razvoj svjetovne glazbe (rasprostranjenost svjetovnih žanrova: madrigali, frotol, villanelle, francuska "šansona", engleske i njemačke polifone pjesme) , njegov nasrtaj na staru crkvenu glazbenu kulturu , koja je postojala usporedno sa svjetovnom;

Realistički trendovi u glazbi: novi zapleti, slike koje odgovaraju humanističkim pogledima i, kao rezultat, nova sredstva glazbenog izražavanja;

Narodni napjev kao vodeći početak glazbenog djela. Narodne pjesme koriste se kao cantus firmus (glavna, nepromjenjiva tenorska melodija u višeglasnim djelima) iu višeglasnoj glazbi (uključujući crkvenu glazbu). Melodija postaje glatkija, gipkija, melodičnija, izravni je izraz ljudskih iskustava;

Snažan razvoj polifone glazbe i "strogog stila" (drugim riječima, "klasične vokalne polifonije", jer je usmjerena na vokalnu i zborsku izvedbu). Strogi stil podrazumijeva obvezno pridržavanje utvrđenih pravila. Majstori strogog stila ovladali su tehnikom kontrapunkta, imitacije i kanona. Strogo pismo temeljilo se na sustavu dijatonskih crkvenih modusa. U harmoniji dominiraju konsonancije, uporaba disonanci bila je strogo ograničena posebnim pravilima. Dodani su glavni i sporedni modovi te sustav takta. Tematska osnova bila je gregorijansko pjevanje, no korištene su i svjetovne melodije.Uglavnom je usmjerena na polifoniju D. Palestrine i O. Lassa;

Formiranje novog tipa glazbenika - profesionalca koji je stekao sveobuhvatnu posebnu glazbenu naobrazbu. Pojam "skladatelj" pojavljuje se prvi put;

Formiranje nacionalnih glazbenih škola (engleske, nizozemske, talijanske, njemačke itd.);

Pojava prvih izvođača na lutnji, violi, violini, čembalu, orguljama; procvat amaterskog muziciranja;

Pojava tipografije.

2.Glazbeno obrazovanje u renesansi

renesanse označio prijelaz iz srednjeg u novi vijek, a prije svega, u kulturu ranograđanskog društva, koja je nastala u talijanskim gradovima, a zatim se razvila u gradovima drugih europskih zemalja. Kultura renesanse imala je humanistički karakter i afirmirala je ideal skladno razvijene ljudske osobnosti. Renesansa je dokrajčila asketizam srednjeg vijeka, usvajajući kulturna dostignuća antike, ispunjavajući ih novim značenjem.

U antici se umjetnost prvenstveno koristila u obrazovne svrhe. Glazba se zbog svoje moralne orijentacije smatrala važnim sredstvom i ciljem društvenog odgoja, a ljudska muzikalnost društveno vrijednom i određujućom kvalitetom čovjeka. Likovno obrazovanje u to se vrijeme smatralo temeljem obrazovanja uopće. Sinonim za pojam "glazbeni" bio je pojam "obrazovan". Glazba, književnost, gramatika, crtanje i gimnastika bili su glavni sadržaji obrazovanja, namijenjeni razvijanju prijemljivosti duše, moralnosti težnji i osjećaja, kao i snage i ljepote tijela. Javno obrazovanje kod Grka bilo je neodvojivo od estetskog obrazovanja koje se temeljilo na glazbi. Glazbu su oni shvaćali kao univerzalno i prioritetno sredstvo javnog obrazovanja i njegov cilj (Spartanci, Pitagora, Platon, Aristotel). Dakle, Pitagora je kozmos smatrao "glazbenim", kao što je stanje bilo "glazbeno" (tj. skladno) dobro uređeno i podređeno "ispravnom" napjevu. A budući da glazba odražava harmoniju, najviši čovjekov cilj je da muzicira svoje tijelo i dušu. Kult harmonije, tjelesne i duhovne ljepote, snage, zdravlja, osjetilne percepcije života postaje kanon umjetnosti u renesansi. To je bilo od presudnog značaja za razvoj oblika estetskog odgoja. Ideal epohe bio je svestrano obrazovan umjetnik - oslobođeni stvaralac, bogato darovit, koji teži afirmaciji ljepote i sklada u svijetu oko sebe. Na primjer, u školi Vittorino de Feltre u Mantovi, mladi su učili osjećati glazbenu harmoniju; u obrazovanju se velika važnost pridavala sposobnosti pjevanja. Utemeljitelj škole smatrao je da glazba razvija osjećaj za vrijeme, smatrao je da se odgoj sastoji prije svega u razvoju osjetljivosti i percepcije, pa je stoga estetski element imao veliku ulogu u njegovom načinu odgoja.

Nove su se ideje ogledale u brojnim raspravama o odgoju, od kojih je svaka svakako propisivala značaj i ulogu umjetnosti u odgoju. Među njima su “O plemenitom moralu i slobodnim znanostima” Paula Vergerija, “O odgoju djece i njihovom dobrom moralu” Matea Vegia, “O redu poučavanja i učenja” Battista Guarina, “Rasprava o besplatnom obrazovanju” Eneo Silvio Piccolomini i drugi. U krugovima visokog društva, uz čitanje i pisanje, svjetovni bonton zahtijevao je sposobnost sviranja nekoliko glazbenih instrumenata, govorenja 5-6 jezika. Iz traktata Baldasara Castiglionea “O dvoru” (XVI. stoljeće), već spomenutog gore, možete saznati koji su zahtjevi stavljeni pred plemiće na području glazbenog obrazovanja: “... Nisam zadovoljan dvorskom osobom ako on nije glazbenik, ne zna čitati note s lista i ne zna ništa o različitim instrumentima, jer, ako dobro razmislite, ne možete naći uglednijeg i pohvalnijeg odmora od rada i lijeka za bolesne duše od glazbe. Glazba je osobito potrebna na dvorovima, jer osim razonode od dosade daje mnogo za zadovoljstvo damama, čije se duše, nježne i meke, lako prožimaju skladom i ispunjavaju nježnošću. Zatim razgovaramo o tome kakva je glazba lijepa: ona koja se pjeva s nota samouvjereno i na dobar način, solo pjevanje na violi, sviranje klavijatura ili sviranje četiri gudala. Castiglione, međutim, nigdje ne hvali zborsku višeglasnu glazbu, smatrajući, očito, da ona uglavnom ima posebnu namjenu - u crkvi, na službenim slavljima.

Svjetovno usmjerenje obrazovanja očitovalo se u širenju opsega i sadržaja glazbenog obrazovanja u župnim školama, sirotištu, kao i tada nastalim "konzervatorijima" - specijaliziranim prihvatilištima u kojima su se školovala glazbeno nadarena djeca. Prvi "konzervatori" pojavili su se u Veneciji. Brinuli su se o odgoju siročadi, davali im osnovno obrazovanje. Dječake su poučavali raznim zanatima, a djevojčice pjevanju: brojni hramovi u Italiji zahtijevali su mnogo pjevača za crkvene zborove. Godine 1537. u Napulju je španjolski svećenik Giovanni Tapia sagradio prvi glazbeni konzervatorij "Santa Maria di Loreto", koji je poslužio kao model za one koji su uslijedili. (web stranica) Priljev studenata bio je toliki da je bilo potrebno otvoriti tri više "konzervatorija" u istom gradu. Tijekom 16. i 17. stoljeća u Italiji su otvorena mnoga takva skloništa. Postupno je nastava glazbe u njima počela zauzimati glavno mjesto, a mogli su studirati ne samo učenici sirotišta, već uz naknadu i vanjski studenti. Naziv "konzervatorij", izgubivši svoje izvorno značenje, počeo je označavati glazbenu obrazovnu ustanovu.

Jedan od važnih oblika obrazovanja toga vremena bile su škole pjevanja pri katoličkim crkvama – metrize. Metriza (francuski maitre - učitelj) je glazbeni internat u Francuskoj i Nizozemskoj koji je školovao crkvene zboriste. Prvi metrizi bili su poznati već u 8. stoljeću. Sustav obrazovanja u takvim školama formiran je još u srednjem vijeku: obrazovanje se provodilo od ranog djetinjstva i uz općeobrazovne predmete uključivalo je pjevanje, sviranje orgulja i učenje glazbene teorije. Od 16. stoljeća dodaje se učenje sviranja drugih glazbenih instrumenata. Oko 20-30 pjevača bilo je obučeno u svakom metrizu pod vodstvom zborovođe (maotre de chapelle). Metriza je imala značajnu ulogu u širenju profesionalnog glazbenog obrazovanja. Mnogi istaknuti francuski i nizozemski polifoni skladatelji G. Dufay, J. Obrecht, J. Okeghem i drugi studirali su u metrisu.

Glavna značajka humanističke pedagogije bila je usmjerenost na formiranje obrazovane, moralno savršene i tjelesno razvijene osobe s jasno definiranom socijalnom orijentacijom, što se očitovalo u praktičnoj naravi glazbenog obrazovanja. Glavni oblici muziciranja bili su: crkveno, salonsko, školsko i kućno. Naravno, razina i mogućnosti glazbenog obrazovanja u različitim slojevima društva bile su različite. Sveobuhvatno obrazovanje, skladan razvoj bili su dostupni uglavnom društvenoj manjini. U višim društvenim slojevima društva praktična priroda glazbenog obrazovanja postupno degenerira u praktičnost, uzrokujući pragmatičan odnos prema glazbi, zbog obzira prema modi, prestižu, korisnosti itd. Crkveno pjevanje, pučke svečanosti, karnevali i dalje su ostali oblici masovnog upoznavanja glazbe.Općenito, pedagogija renesansnog doba stavlja u prvi plan buđenje živog interesa učenika za znanjem, razvoj njihovih praktičnih vještina i sposobnosti. Pojavile su se škole u kojima je stvoreno takvo ozračje učenja koje je proces spoznaje pretvaralo u radosnu i zanimljivu aktivnost za samog učenika. Tijekom tog razdoblja naširoko su se koristile vizualizacije svih vrsta, igre, lekcije u nedrima divljih životinja. Golem doprinos općoj pedagogiji dali su rani utopistički socijalisti T. More (1478-1535) i T. Campanella (1568-1639), E. Rotterdam (1466-1536), Fr. Rabelais (1494-1553). Od velike važnosti za glazbeni razvoj, obrazovanje i širenje glazbenih djela u različitim zemljama bio je izum notnog zapisa i izdavanje glazbenih publikacija od prvih godina 16. stoljeća. Ottaviano Petrucci u Italiji počinje objavljivati ​​mise Josquina Despresa, Obrechta, a potom i djela drugih suvremenika. Njegovo prvo uzorno glazbeno izdanje bila je zbirka šansona Harmoniae musices Odhecaton. Uključuje različite autorske obrade istih pjesama (primjerice, "Naselje Fors"), uključujući djela Bunoisa, Obrechta, Pierrea de La Ruea, Agricole, Giselina. Nakon toga, Petrucci je objavio niz zbirki talijanskih višeglasnih pjesama - frotola, koje su bile široko korištene u društvu. Ottaviano Scotto i Antonio Gardane u Veneciji, Pierre Attenian u Parizu, Tilman Susato u Antwerpenu također su postali glavni glazbeni izdavači svog vremena.

• Glazbena teorija renesanse. Traktati o glazbi

U renesansi je glazbena teorija iskoračila naprijed, istaknuvši niz izvanrednih teoretičara, uključujući Johannesa Tinctorisa (autora 12 rasprava o glazbi), Ramosa di Pareje, Heinricha Loritija iz Glarusa ( glarean)(utemeljitelj učenja o melodiji), Josephfo Carlino(jedan od utemeljitelja znanosti o harmoniji). Nauk o modusima, popularizacija glazbenih spoznaja, prosudbe o najvećim skladateljima toga doba i tijeku glazbenog razvoja 15.-16. stoljeća, buđenje zanimanja za posebnosti narodne umjetnosti, rasprava o problemima glazbenog izvođenja - ta su područja glazbena znanost pokrivala od kraja 15. i kroz cijelo 16. stoljeće. Svi važniji teoretičari bili su aktivni u nastavi.

Johannes (Ivan) Tinktoris(oko 1435. - 1511.) - francusko-flamanski glazbeni teoretičar i skladatelj. Studirao je "slobodne umjetnosti" i pravo, bio je mentor dječačkog zbora katedrale u Chartresu. Od 1472. služio je na dvoru napuljskog kralja Ferdinanda I., bio je glazbeni učitelj njegove kćeri Beatrice, koja je 1476. postala ugarskom kraljicom. Tinctoris je svojoj učenici Beatrice posvetio tri glazbeno-teorijske rasprave, među kojima i poznatu raspravu Odrednica glazbe. Poznato je da je 1487. Ferdinand I. poslao Tinctorisa u Francusku kralju Karlu VIII. s uputama da regrutuje pjevače za Kraljevsku kapelu. Još za života Tinctoris je uživao veliku slavu, spominjan je među najpoznatijim glazbenicima. Sačuvano je 12 Tinctorisovih rasprava, od kojih je najpoznatija rasprava "Odrednica glazbe" ("Terminorum musicae diffinitorum", oko 1472.-73.)

Prvi sustavni glazbeno-terminološki rječnik u povijesti glazbe koji sadrži oko 300 pojmova. Navodimo ostala Tinctorisova djela:

Rasprava "Cjelokupnost utjecaja glazbe" ("Complexus effectuum musices, oko 1473.-74.) bila je klasifikacija i živopisan opis svrhe glazbe;

Rasprava "Glazbene proporcije" ("Proportionale musices", oko 1473-74) razvila je staropitagorejsko učenje o numeričkoj osnovi glazbene umjetnosti. Dovodeći složenost menzuralnih ritmičkih odnosa do krajnjih granica, Tinktoris je došao do ritmova u omjerima 7:4, 8:5, 17:8, 13:5, 14:5 (koincidirajući sa serijalnim ritmom 20. stoljeća).

- “Knjiga nesavršenosti glazbenih zapisa” (“Liber imperfectionum notarum musicalium”, oko 1474.-75.); (web stranica)

Traktat o pravilima notnih vrijednosti (Tractatus de regulari valore notarum, oko 1474-75) i Traktat o notama i odmorima (Tractatus de notis et pausis, oko 1474-75) posvećeni su metroritmičkoj organizaciji glazba, muzika.

- “Knjiga o naravi i svojstvima modusa” (“Liber de natura et proprietate tonorum”, 1476.)

O strukturi modalnog sustava;

- "Knjiga o umjetnosti kontrapunkta" ("Liber de arte contrapuncti", 1477.)

Temeljna doktrina kontrapunktske kompozicije, koja ocrtava "8 općih pravila kontrapunkta", razlikuje "jednostavni" i "cvjetni" kontrapunkt, razliku između djela sa stabilnim tekstom i s improviziranim itd.);

- "Traktat o izmjenama" ("Tractatus alterationum", nakon 1477.);

- "Članak o glazbenim točkama" ("Scriptum super punctis musicalibus", nakon 1477.) - o ritmu;

- "Opis ruke" ("Guidon's") ("Expositio manus", nakon 1477.) - o zvukovima glazbenog sustava;

- “O izumu i primjeni glazbe” (“De inventione et usu musicae”, 1487.) - o pjevanju i pjevačima, instrumentima i izvođačima.
Jedan od prvih Tinctoris je uveo pojam "skladatelja", odnosno autora djela, "koji je napisao neku novu pjesmu".

Jedan od najvećih glazbenih učenjaka renesanse - Glarean(1488. - 1563.), pripada mu rasprava "Dvanaest žica" (1547.). Glarean je rođen u Švicarskoj i studirao je umjetnost na Sveučilištu u Kölnu. Postavši magistar slobodnih umjetnosti, u Baselu je predavao poeziju, glazbu, matematiku, grčki i latinski. Ovdje u Baselu upoznao je Erazma Rotterdamskog. Glarean je tvrdio da bi glazba, poput slikarstva, trebala biti izvan religijske didaktike, pružati, prije svega, zadovoljstvo, biti "majka zadovoljstva". Glarean opravdava prednosti monodične glazbe u odnosu na polifoniju, pri čemu govori o dvije vrste glazbenika: fonama i simfoničarima. Prvi imaju prirodnu sklonost skladanju melodije, drugi - razvijanju melodije za dva, tri ili više glasova. Utemeljuje ideju jedinstva glazbe i poezije, instrumentalne izvedbe i teksta. U glazbenoj teoriji Glarean je potkrijepio pojmove dura i mola, te govorio o dvanaesttonskom sustavu. Također, uz problematiku glazbene teorije, teoretičar je razmatrao povijest glazbe, njen razvoj, ali samo u okvirima renesanse, zanemarujući glazbu srednjeg vijeka. Glarean je proučavao djela suvremenih skladatelja Josquina Despresa, Obrechta, Pierrea de la Ruea.

Ramos di Pareja(1440.-1490.) - španjolski teoretičar, skladatelj i učitelj. Radio je uglavnom u Italiji. 1470-ih bio je poznat kao autoritativni glazbeni teoretičar i učitelj. Njegovom peru pripada rasprava "Praktična glazba" ("Musica practica"). Ova je rasprava izazvala dugu polemiku i kritiku konzervativnih talijanskih teoretičara. Ramos di Pareja izrazio je svoje poglede na doktrinu modusa i suzvučja. Srednjovjekovnom sustavu šesterostupanjskih ljestvica (heksakorda) suprotstavio je osmostupanjsku dursku ljestvicu, svrstavši terce i šestine u suzvučja (prema starim shvaćanjima samo su oktave i kvinte pripadale konsonancijama). Na području učenja o ritmu i notaciji Ramos di Pareja polemizirao je sa svojim suvremenicima Tinctorisom i Gafurijem, koji su bili pristaše menzuralne notacije.

Izvanredni talijanski teoretičar i skladatelj Josephfo Carlino(1517.-1590.) bio je franjevački red, studirao je filologiju, povijest, matematiku. Tsarlino je studirao glazbu kod poznatog skladatelja Adriana Villaerte (Villart). Zarlino je bio povezan s istaknutim umjetnicima svog vremena, posebice s Tizianom i Tintorettom. Sam Zarlino bio je nadaleko poznat, bio je član Venecijanske akademije slave. Godine 1565. Zarlino je postao glazbeni ravnatelj St. Ocjena. Ovo važno mjesto omogućilo je Zarlinu da se bavi ne samo skladanjem, već i pisanjem teorijskih djela, uključujući "Ustanove harmonije" (1588.), "Dokaz harmonije" (1571.), "Glazbeni dodaci" (1588.). Najznačajnije Zarlinovo djelo je rasprava "Uspostava harmonije" u kojoj je izrazio osnovna načela glazbene estetike renesanse. Kao i većina mislilaca ovog doba, Zarlino je bio gorljivi obožavatelj antičke estetike. Njegovi spisi sadrže brojne reference na Platona, Aristotela, Aristoksena, Kvintilijana, Boecija. Zarlino se uvelike koristi Aristotelovim učenjem o obliku i materiji kako u tumačenju niza glazbenih problema tako iu izgradnji strukture svojih rasprava.

Središnje mjesto u Zarlinovoj estetici je doktrina o prirodi glazbene harmonije. On tvrdi da je cijeli svijet ispunjen harmonijom i da je sama duša svijeta harmonija. U tom smislu, on panteistički tumači ideju jedinstva mikro- i makrokozmosa. U Tsarlinovoj raspravi sustavno se razvija ideja, karakteristična za renesansnu estetiku, o proporcionalnosti objektivne harmonije svijeta i subjektivne harmonije svojstvene ljudskoj duši. U potkrepljivanju te ideje Zarlino se oslanja na doktrinu o temperamentima koja je bila popularna u njegovo vrijeme. On koristi ideju, koja potječe od Cardana i Telesia, da je temperament osobe stvoren određenim omjerom materijalnih elemenata, kao što su hladno i vruće, mokro i suho, itd. Proporcionalni omjer tih elemenata leži u osnovi i ljudskih strasti i glazbene harmonije. . Stoga su ljudske strasti odraz “tjelesnog” sklada, one su njegova sličnost. Na temelju toga Zarlino pokušava objasniti prirodu utjecaja glazbe na ljudsku psihu. Zarlinov traktat posvećuje veliku pozornost osobnosti skladatelja. Od njega se zahtijeva ne samo poznavanje glazbene teorije, gramatike, aritmetike, retorike, nego i praktične vještine na području glazbe. Njegov ideal bio je glazbenik koji podjednako vlada i teorijom i praksom glazbe.

U svojoj raspravi Zarlino iznosi novu klasifikaciju umjetnosti, koja se odvaja od koncepata tradicionalnih za estetiku renesanse. U pravilu je vodeća uloga u to doba bila dodijeljena slikarstvu, dok je glazba bila prepoznata kao podređena umjetnost. Tsarlino je, rušeći ustaljene sustave klasifikacije umjetnosti, na prvo mjesto stavio glazbu. Razvijajući tradicionalnu doktrinu o modusima, Zarlino je dao estetsku karakterizaciju dura i mola, definirajući durski trozvuk kao radostan i lagan, a mol kao tužan i sjetan. Time se u europskoj glazbenoj svijesti konačno ustalilo prepoznavanje dura i mola kao glavnih emocionalnih polova glazbene harmonije. Tsarlinova estetika je najviša točka u razvoju glazbene teorije renesanse i, ujedno, njezin rezultat i završetak. Nije slučajno što je još za života Tsarlino dobio široko priznanje od svojih suvremenika.

Bibliografija:

1. Alekseev A.D. Povijest klavirske umjetnosti. Dijelovi 1 i 2. - M., 1988.
2. Bahtin M. M. Stvaralaštvo Francoisa Rabelaisa i narodna kultura srednjeg vijeka i renesanse. - 2. izd. - M., 1990.
3. Gertsman E. Antičko glazbeno mišljenje. - L., 1986. (monografija).
4. Gruber R.I. Glazbena kultura antičkog svijeta. - L., 1937. (monografija).
5. Evdokimova Yu.K., Simakova N.A. Glazba renesanse. - M., 1985.
6. Krasnova O. B. Enciklopedija umjetnosti srednjeg vijeka i renesanse. - Olma-Press, 2002. (monografija).
7. Losev A.F. Estetika renesanse. - M.: Misao, 1978.
8. Glazbena estetika zapadnoeuropskog srednjeg vijeka i renesanse. - M., 1966.
9. Fedorovich E.N. Povijest glazbenog obrazovanja. - Jekaterinburg, 2003.

Godine 1501. venecijanski tiskar Ottaviano Petrucci objavio je Harmonice Musices Odhecaton, prvu veliku zbirku svjetovne glazbe. Bila je to revolucija u širenju glazbe, a pridonijela je i činjenici da je franko-flamanski stil postao dominantan glazbeni jezik Europe u sljedećem stoljeću, budući da je Petrucci, kao Talijan, uglavnom uključivao glazbu franko-flamanskih skladatelja u svojoj zbirci. Nakon toga je objavio mnoga djela i talijanskih skladatelja, svjetovnih i duhovnih. Godine 1516. Andrea Antico, rimski venecijanski tiskar, objavio je zbirku frotola za klavijature.

Do 18. stoljeća u Francuskoj je bilo više od 400 metara. Tijekom buržoaske revolucije 1791. ukinuti su.

Estetika renesanse povezana je s grandioznom revolucijom koja se u to doba događa u svim područjima javnog života: u gospodarstvu, ideologiji, kulturi, znanosti i filozofiji. U to vrijeme, procvat urbane kulture, velika geografska otkrića, koja su neizmjerno proširila čovjekove horizonte, prijelaz iz zanata u manufakturu.

Revolucionarni razvoj proizvodnih snaga, raspad feudalnih klasnih i cehovskih odnosa koji su sputavali proizvodnju, dovode do oslobođenja pojedinca, stvaraju uvjete za njegov slobodan i sveopći razvoj. Bez sumnje, sve to nije moglo ne utjecati na prirodu svjetonazora. U renesansi se odvija proces radikalnog slamanja srednjovjekovnog sustava pogleda na svijet i formiranja nove, humanističke, ideologije. Taj se proces odražava i na glazbenu estetiku. Već je XIV stoljeće bilo bremenito simptomima buđenja novoga estetskog svjetonazora. Umjetnost i estetika Ars nova, rasprave Johna de Grohea i Marchetta iz Padove postupno su uzdrmale tradicionalni sustav srednjovjekovne glazbene teorije. Ovdje je potkopano teološko gledište o glazbi, zasnovano na prepoznavanju nekakve nebeske glazbe koja se ne opaža osjetilima. Međutim, stoljetna tradicija srednjovjekovne glazbene teorije nije u potpunosti uništena. Bilo je potrebno još jedno stoljeće da se glazbena estetika konačno oslobodi tradicionalnih obrazaca koji su je sputavali.

Glazbena estetika renesanse u tumačenju pitanja svrhe glazbe temelji se na stvarnoj praksi koju karakterizira izniman razvoj glazbe u javnom životu. U to vrijeme u gradovima Italije, Francuske, Njemačke formiraju se stotine glazbenih krugova u kojima se s oduševljenjem bave skladanjem ili sviranjem na raznim glazbalima. Posjedovanje glazbe i znanje o njoj postaju bitni elementi svjetovne kulture i svjetovnog obrazovanja. Slavni talijanski pisac Baldazar Castiglione u svojoj raspravi O dvoru (1518.) piše da čovjek ne može biti dvorjanin "ako nije glazbenik, ne može čitati glazbu iz pogleda i ne zna ništa o raznim instrumentima". O izvanrednoj raširenosti glazbe u građanskom životu 16. stoljeća svjedoči slikarstvo toga doba. Na brojnim slikama koje prikazuju privatni život plemstva neprestano susrećemo stotine ljudi koji se bave glazbom: pjevaju, sviraju, plešu, improviziraju itd.

Prva kultura renesanse nastala je i razvila se u Italiji. Stoljeća renesanse obilježena su snažnim razvojem narodne poezije i glazbe, s najbogatijim tradicijama pisanja pjesama u takvim žanrovima kao što su lauda, ​​frottola, vilanella koja igra glavnu ulogu. Jednako popularan žanr u svakodnevnom urbanom muziciranju bila je kachchia, koja je obično prikazivala sočnu žanrovsku scenu koristeći uobičajene intonacije u tekstu i glazbi - do povika trgovaca i prodavača. Kachchiya je često bila popraćena okruglim plesom. Talijanska balada također je čest žanr pjesme i plesne lirike povezan sa solo zborskom izvedbom (u Francuskoj je u to vrijeme žanr virelet imao slične značajke). Intonacije narodnih pjesama, određena težina melodijskoga načela, domišljatost teksture - ove kvalitete svjetovne svakodnevne glazbe prodiru i u sakralnu glazbu, sve do polifonih misa.

Melodična i melodična priroda glazbe bila je posljedica činjenice da su se u Italiji prilično brzo razvile tradicije solo i ansambl sviranja na gudačkim instrumentima. Općenito, raširena uporaba instrumentalne glazbe pridonijela je formiranju homofonog skladišta i funkcionalne harmonije.

Prije nego što se violina pojavila u glazbenim krugovima Italije (u posljednjoj četvrtini 16. stoljeća) i počela razvijati proizvodnja violina kremonskih majstora Amatija, Stradivarija, Guarnerija i drugih, posebno je popularna bila lutnja (najpoznatija lutnja skladatelj je bio Francesco Milano), viola, španjolska gitara, teorba (velika bas lutnja).

Violinsko umijeće najprije se formiralo u djelima B. Donatija, L. Viadana, G. Giacomellija (slavio se po vještini dugog gudanja i tehnici legata). Novi korak u razvoju violinske izvedbe vezan je za rad C. Monteverdija koji razvija tehniku ​​pasaža, koristi tremolo, pizzicato, obogaćuje dinamiku polarnim kontrastima pp i ff.

Veliki preporod zapažen je na polju izvođenja orgulja i čembala. Od 40-ih godina. stoljeća, broj zbirki orgulja naglo raste, pojavljuje se cijela plejada izvrsnih orguljaša - Villaerte, Andrea i Giovanni Gabrieli, Claudio Merulo, Cavazzoni. Ovi majstori postavljaju temelje talijanske orguljske umjetnosti i stvaraju žanrove instrumentalne glazbe - ricercar, canzone, toccata.

Izvedba čembala uvelike se koristi svakodnevnim plesovima, obradama popularnih svjetovnih pjesama. Izvanredan skladatelj-improvizator na orguljama i klaviru bio je Girolamo Frescobaldi, u čijem su djelu nastale cijele zbirke glazbe za čembalo - plesni ciklusi.

Talijanska škola skladanja zastupljena je i djelovanjem profesionalnih polifonih skladatelja - Adriana Villaerte i njegovih učenika Cipriana de Rore, Andree i Giovannija Gabrielija, Giovannija Pierluigija da Palestrine. Njihovo stvaralačko naslijeđe je raznoliko i uglavnom se sastoji od vokalnih polifonih djela - više desetaka misa, duhovnih i svjetovnih madrigala, moteta, koje je izvodio uglavnom zbor a capella.

Snažan razvoj polifonije u Nizozemskoj objašnjava se bogatstvom narodne polifonije i prisustvom posebnih škola-domova zborova (metris) pri katedralama bogatih nizozemskih gradova.

Nekoliko je generacija skladatelja pripadalo nizozemskoj polifonoj školi. Njihove aktivnosti odvijale su se ne samo u Nizozemskoj, koja je u to vrijeme pokrivala teritorije moderne Belgije, Luksemburga, jugozapadne Nizozemske i sjeverne Francuske (otuda i drugi naziv škole - franko-flamanski). Veliki predstavnici nizozemske škole djelovali su plodno u Rimu (Dufay, Obrecht, Joskin) i drugim gradovima (Villaert, Rore - u Veneciji, Isaac - u Austriji i Njemačkoj, Benchois - u Dijonu na burgundskom dvoru).

Nizozemska škola sažela je stoljetni razvoj polifonije u svim europskim zemljama. Iako je crkvena glazba svakako zauzimala vodeće mjesto u radu ovih majstora, ipak

Međutim, uz duhovna djela, skladatelji su napisali mnoge svjetovne polifone pjesme, koje su odražavale bogat svijet ideja i osjećaja, karakterističan za renesansu.

Najmonumentalniji žanr u stvaralaštvu nizozemskih polifoničara bila je misa, u kojoj se odvijala kvintesencija načela stroge stilske polifonije. Međutim, aktivnost svakog majstora otkriva inovativne značajke povezane s potragom za izlazom iz utvrđenih izražajnih kanona. Oslanjanje na postojeću pjesmu i plesnu građu, međusobni utjecaj duhovnih i svjetovnih žanrova dovodi do postupnog izdvajanja melodijskog glasa u polifoniju, do oblikovanja akordske vertikale i funkcionalnog mišljenja.

Kruna nizozemske polifonije u 16. stoljeću bilo je djelo Orlanda Lassa. Upravo su u njegovom djelu bili koncentrirani najširi žanrovski interesi renesanse: odao je počast gotovo svim vokalnim oblicima svog vremena - madrigalu, misi, motetu, francuskoj šansoni, pa čak i njemačkoj polifonoj pjesmi. Skladateljeva su djela zasićena životnim slikama, imaju svijetlu melodiju, raznolik ritam u reljefu, dosljedno razvijen harmonijski plan, što im je osiguralo izuzetnu popularnost (više puta su ih koristili drugi skladatelji za aranžmane za lutnju i orgulje).

Razvoj renesansnih tendencija i formiranje francuske nacionalne kulture ocrtavaju se već u XIV. Istaknuti predstavnici umjetnosti rane renesanse u francuskoj glazbi bili su Philippe de Vitry i Guillaume de Machaux, koji su ostavili veliko nasljeđe u žanrovima virelay, le, rondo balada.

Duboko životan i realističan bio je žanr šansone, najkarakterističniji za francusku glazbenu umjetnost, višeglasna pjesma sa svjetovnim tekstom i obično pučko-svakodnevnom melodijom. Upravo su se u tom žanru nove renesansne značajke najjasnije očitovale u sadržaju, radnji i značajkama izražajnih sredstava.

Francuska šansona 15.-16. stoljeća svojevrsna je "enciklopedija" francuskog života tog doba. Sadržajno je raznolika i može biti narativna, lirska, intimna, tužna, duhovita, opisna, galantna. Karakteristična je i raznolikost njihovih ljestvica - od nekoliko mjera do 42 stranice.

Jednostavnost i neposrednost izražajnih sredstava, periodična struktura s određenim završecima na D i T, tehnika pjevanja, koju zatim preuzima cijeli ansambl, tipična su obilježja žanra čija glazba ponekad podsjeća na narodnu ples, lirsko-epski napjev ili vesela ulična gradska pjesma - prototip budućeg vodvilja. Za šansonsku glazbu karakteristično je naglašavanje ritmičke osnove, ponekad je karakterizirano skladištem dvostiha ili kružnim rondo-slikom, a narodni instrumenti mogu se koristiti kao pratnja.

Najistaknutiji skladatelj francuske renesanse bio je Clement Janequin, u čijem se djelu ogledala suptilna ljubavna lirika (u pjesmama na tekstove pjesnika Ronsarda), te izraz raspoloženja tuge i tuge, te prizori pučke zabave puni života i pokret. U njegovoj ostavštini posebnu pozornost privlače velike zborne pjesme fantazije programske naravi, pune domišljatosti i duhovitih pronalazaka na području zborskog pisma. U njima je Zhanequin živopisno prikazao život i način života svog vremena. Najpoznatiji su “Bitka”, “Lov”, “Pjev ptica”, “Ulični krici Pariza”.

Uz preko 200 pjesama, Janequin je napisao i motete i mise. No, na području glazbe za katolički kult hrabro koristi narodne melodije, intonira duhovne tekstove uz fanfare vojne glazbe i uvodi plesne ritmove.

U velikoj je mjeri takvo postupanje s materijalom pučke pjesme i plesa bilo svojstveno mnogim skladateljima renesanse koji su u svom stvaralaštvu spajali interes za duhovne i svjetovne žanrove, što je dovelo do konačnog odvajanja svjetovne glazbe u polje umjetničke samostalnosti. i profesionalizam.

Poglavlje 1 Značajke glazbene kulture i umjetnosti renesanse

1.1 Filozofska i estetska obilježja kulture renesanse

Renesansa, ili renesansa (fr. renaissance), prekretnica je u povijesti europskih naroda, vrijeme velikih otkrića. Renesansa označava početak nove etape u povijesti svjetske kulture. Ova faza, kako je primijetio F. Engels, bila je najveći progresivni preokret od svih koje je čovječanstvo doživjelo do tog vremena. I, doista, renesansa je sa sobom donijela značajne promjene u raznim područjima gospodarstva, znanosti, kulture, otvorila novi način poimanja svijeta i odredila mjesto čovjeka u njemu.

U Italiji su se novi trendovi pojavili već na prijelazu iz 13. u 14. stoljeće, u drugim europskim zemljama - u 15. i 16. stoljeću. Ovo vrijeme karakteriziraju: prijelaz iz feudalizma u kapitalizam, geografska otkrića, trgovina, osobno poduzetništvo, oslobađanje čovjeka od klasnih ograničenja. A također u renesansi se rađa moderna znanost, posebno prirodna znanost. Dovoljno je prisjetiti se briljantnih znanstvenih pretpostavki Leonarda da Vincija, temelja Francisa Bacona, astronomskih teorija Kopernika, geografskih otkrića Kolumba i Magellana.

Bez sumnje, sve to nije moglo ne utjecati na prirodu svjetonazora. Renesansa je revolucija, prije svega, u sustavu vrijednosti, u procjeni svega što postoji iu odnosu na to. Postoji uvjerenje da je čovjek najveća vrijednost, rađa se filozofija humanizma. Humanizam iznosi posve novo tumačenje estetskih kategorija, izraslo na novom shvaćanju svijeta.

Jedna od središnjih kategorija bio je pojam "harmonije". Estetika renesanse razvija drugačiju ideju harmonije, zasnovanu na novom shvaćanju prirode, bića i čovjeka. Ako je srednji vijek u harmoniji vidio jednostavan otisak ideala, stvaralačkog načela, božanske ljepote, onda se u estetskoj svijesti renesanse harmonija pojavljuje, prije svega, kao razvoj stvaralačkih potencijala same prirode, kao dijalektički jedinstvo tjelesnog i duhovnog, idealnog i materijalnog.

Humanisti su još u antici tragali za idealom skladne osobe, a starogrčka i rimska umjetnost poslužila im je kao uzor za umjetničko stvaralaštvo. No, govoreći o estetici renesanse, potrebno je uočiti činjenicu da se ona, unatoč antičkom osloncu, od nje ipak razlikovala. Renesansna estetika propovijeda oponašanje prirode ništa gore od antičke, no zavirujući u te revivalističke teorije oponašanja, može se primijetiti i da u prvom planu nije toliko priroda koliko umjetnik, njegova osobnost, njegovi osjećaji. Umjetnik prvo, na temelju vlastitog estetskog ukusa, odabire određene procese prirode, a tek potom ih podvrgava umjetničkoj obradi. Teoretičari renesanse mogu pronaći sljedeću usporedbu: umjetnik mora stvarati kao što je Bog stvorio svijet, pa čak i savršenije od toga.

Tako je renesansa, koristeći pouke antike, uvela inovacije. Nije vratio u život sve antičke žanrove, nego samo one koji su bili u skladu sa stremljenjima njegova vremena i kulture. Renesansa je spojila novo čitanje antike s novim čitanjem kršćanstva. Renesansa je približila ova dva temeljna načela europske kulture.

Bog nije odredio čovjekovo mjesto u hijerarhiji, kaže Pico u svom glasovitom Govoru o dostojanstvu čovjeka: ti si imao sam po sebi, po svojoj volji i svojoj odluci. Slika drugih kreacija određena je unutar granica zakona koje smo uspostavili. Ali ti ćeš, nesputan nikakvim granicama, odrediti svoju sliku prema svojoj odluci, u čijoj te vlasti ostavljam. Ovdje talijanski mislilac u središte svijeta stavlja osobu, to je osoba koja nema svoju posebnu prirodu, mora je sama formirati, kao i sve što je okružuje.

Dakle, glavna stvar u renesansi je promicanje i odobravanje ljudske osobnosti u kulturi i društvu, što rezultira različitim oblicima revivalističkog antropocentrizma. Antropocentrizam je u prvi plan stavio ne samo osobu, nego osobu kao aktivno, djelatno načelo. Kao rezultat sve te afirmacije stvaralačkog, djelatnog materijalnog principa, postupno je počela nastajati nova slika čovjeka, njegov novi tip - "homo faber" - "čovjek-stvaratelj", "čovjek-stvaratelj". U njoj se formiraju temelji novog europskog osjećaja osobnosti – autonomne individualističke osobnosti, svjesne vlastite vrijednosti, aktivne i potrebne slobode. Od ovog trenutka ljudska osobnost, a ne svijet, ne cjelina, po prvi put postaje ishodištem za formiranje sustava percepcije svijeta.

S posebnom su se svjetlinom naznake novog svjetonazora javljale, a potom i utvrđivale u umjetničkom stvaralaštvu, u progresivnom kretanju raznih umjetnosti, za koje se iznimno važnom pokazala “revolucija umova” koju je proizvela renesansa.

Umjetnost je u renesansi imala iznimnu ulogu u kulturi i umnogome odredila lice epohe. Nema sumnje da je humanizam u svom "revivalističkom" shvaćanju ulio golemu svježinu u umjetnost svoga vremena, nadahnuo umjetnike na traženje novih tema i umnogome odredio prirodu slika i sadržaj njihovih djela. Srednjovjekovnu kulturu zamijenila je nova, svjetovna, humanistička kultura oslobođena crkvene dogme i skolastike.

Umjetnost renesanse karakterizira afirmacija načela realizma i humanizma u književnosti, kazalištu i likovnoj umjetnosti. Umjetnost renesanse je prije svega svjetovna umjetnost nastala na temeljima humanizma, koja istiskuje religiozne ideje i budi interes za stvarni život, otkriva individualni identitet pojedinca i razotkriva društveno tipična i svojstvena svojstva osoba.

Svi glavni oblici umjetnosti - slikarstvo, grafika, kiparstvo, arhitektura, glazba - uvelike se mijenjaju. Analiza kulturnih spomenika renesanse svjedoči o odmaku od mnogih najvažnijih načela feudalnog svjetonazora. Kod stvaratelja umjetničkog djela, koji se postupno oslobađa crkvene ideologije, najviše se cijeni oštar umjetnički pogled na stvari, profesionalna samostalnost, osobita vještina, a njegove kreacije dobivaju samodostatan, a ne sakralni karakter.

Karakteristična značajka umjetnosti renesanse bio je neviđeni procvat realističkog slikarstva. Realistični portret renesanse povezan je s djelima poznatih umjetnika kao što su Jan van Eyck, Leonardo da Vinci, Raphael, Dürer, Tizian. Portreti su prožeti patosom afirmacije pojedinca, sviješću da je različitost i bistrina pojedinca nužno obilježje normalnog društva u razvoju. U renesansi slikarstvo po prvi put otkriva mogućnosti koje su mu svojstvene za široko pokrivanje života, prikazivanje ljudske aktivnosti i okolnog životnog okruženja. Srednjovjekovni asketizam i prezir prema svemu zemaljskom sada zamjenjuje gorljivo zanimanje za stvarni svijet, za čovjeka, za svijest o ljepoti i veličini prirode.

Valja napomenuti da je razvoj znanosti bio od velike važnosti za slikarstvo, kao i za umjetnost općenito. U umjetnosti se počinju ispreplitati putovi znanstvenog i umjetničkog poimanja svijeta i čovjeka. Prava slika svijeta i čovjeka morala se temeljiti na njihovom znanju, stoga je spoznajno načelo imalo osobito važnu ulogu u umjetnosti ovoga vremena. Strast prema znanosti pridonijela je ovladavanju ljudskom anatomijom, razvoju realistične perspektive, spektakularnom prijenosu zračnog okoliša, vještini građenja kutova, svemu što je bilo potrebno slikarima da istinski oslikaju čovjeka i stvarnost koja ga okružuje. Razvija se novi sustav umjetničkog viđenja svijeta koji se temelji na povjerenju u ljudske osjetilne percepcije, prvenstveno vizualne. Prikazivati ​​kao što vidimo, u jedinstvu s okolinom - to je početni princip renesansnih umjetnika.

U razdoblju kasne renesanse to je nadopunjeno razvojem sustava tehnika koje potezu kistom daju izravnu emocionalnu ekspresivnost, majstorstvo prijenosa učinaka posvete, shvaćanje načela svjetlozračne perspektive. Tvorci teorije perspektive su poznati umjetnici kao što su Masaccio, Alberti, Leonardo da Vinci. Otkriće perspektive nije bilo od male važnosti, pomoglo je proširiti raspon prikazanih pojava, uključiti prostor, pejzaž i arhitekturu u slikarstvo.

Progresivni humanistički sadržaj kulture renesanse živo je došao do izražaja iu kazališnoj umjetnosti, koja je bila pod znatnim utjecajem antičke drame. Karakterizira ga zanimanje za unutarnji svijet osobe koja je obdarena značajkama snažne individualnosti. Izrazite značajke kazališne umjetnosti renesanse bile su razvoj tradicije narodne umjetnosti, patos koji potvrđuje život, hrabra kombinacija tragičnih i komičnih, poetskih i bufonsko-arealnih elemenata. Takvo je kazalište Italije, Španjolske, Engleske.

U arhitekturi su ideali humanizma koji potvrđuje život, težnja za skladno jasnom ljepotom oblika, djelovali ne manje nego u drugim oblicima umjetnosti i uzrokovali odlučujući zaokret u razvoju arhitekture. Osobito je važnu ulogu imalo pozivanje na klasičnu tradiciju. Očituje se ne samo u odbacivanju gotičkih oblika i oživljavanju antičkog sustava reda, već iu klasičnoj proporcionalnosti proporcija, u razvoju centričnog tipa zgrada u arhitekturi hramova s ​​lako vidljivim unutarnjim prostorom.

Svjetovne zgrade bile su široko razvijene, to su razne gradske zgrade - gradske vijećnice, kuće trgovačkih cehova, sveučilišta, tržnice. Istodobno, uz arhitekturu koja služi društvenim potrebama grada, javlja se potpuno novi tip arhitekture u odnosu na srednji vijek, stan bogatog građanina - palazzo, koji s iznimnom lakoćom odražava duh praznično ozračje koje je vladalo u palačama aristokrata tog vremena. Time je umjetnost u renesansi ušla u novu etapu razvoja, u kojoj je nastojala novim metodama i tehnikama spoznati i prikazati stvarni svijet, njegovu ljepotu, bogatstvo, raznolikost.

1.2. Mjesto glazbe u sustavu renesansne umjetnosti

Opće zakonitosti razvoja umjetnosti, novo filozofsko i estetsko shvaćanje biti i prirode harmonije, svojstveno renesansi, očitovale su se i u glazbi. Kao i druge oblike umjetnosti toga vremena, glazbu također karakterizira aktivan uzlet kreativnih snaga, humanističkih tendencija.

Valja napomenuti da glazba u ovom razdoblju zauzima posebno mjesto u sustavu umjetnosti, ustupajući dominantno mjesto samo slikarstvu. Prema Leonardu da Vinciju, glazba je samo "mlađa sestra slikarstva" i čak joj je služila. “Slikarstvo nadilazi glazbu i dominira njome”, “Glazba je sluškinja slike”.

Ne može se ne složiti s definicijom velikog umjetnika, glazba je zaista zauzimala daleko od prvog mjesta u sustavu umjetnosti, ali je ipak odigrala veliku ulogu u kulturi renesanse, ostavila je trag na kasniji razvoj, kako na području glazbene kulture i umjetnosti općenito . Glazbena kultura renesanse svojevrsni je prijelaz iz srednjeg u novi vijek, u doba u kojem ova umjetnost zvuči i percipira se na novi način.

Glazba je posjedovala, možda, posebno široke mogućnosti društvenog utjecaja; više od drugih umjetnosti bila je sveprožimajuća: nepromjenjivi dio života običnih ljudi, vlasništvo mnogih skupina, po čemu se bitno razlikuje od glazbe srednjeg vijeka. . Odmak od srednjovjekovne tradicije najuočljiviji je u traktatu Ramisa da Pareje “Praktična glazba”. Ramis kaže: "Neka se nitko ne boji ni veličine filozofije, ni složenosti aritmetike, ni zamršenosti proporcija. njegova je zadaća poučavati ne samo filozofe ili matematičare, svatko tko je upoznat s temeljima gramatike razumjet će ovo djelo Ovdje mogu i miš i slon jednako plivati, i Dedal i Ikar mogu proletjeti. U ovoj raspravi Ramis oštro kritizira srednjovjekovnu glazbu, kaže da su teoretičari svoje skladbe pisali samo za glazbenike – profesionalce i znanstvenike, dok bi glazba, po njegovom mišljenju, trebala obuhvatiti širi sloj stanovništva. Bez sumnje, rad Ramisa imao je značajan utjecaj na njegove suvremenike, tradicije srednjeg vijeka bile su uvelike potkopane, u tijeku je prijelaz iz srednjeg vijeka u novi vijek, u renesansu.

Renesansa je svojim humanističkim svjetonazorom imala golem utjecaj na glazbenu kulturu. Humanizam je za glazbenu umjetnost prije svega značio produbljivanje u osjećaje čovjeka, prepoznavanje nove estetske vrijednosti iza njih. To je pridonijelo prepoznavanju i implementaciji najjačih svojstava glazbene specifičnosti. Najizrazitija obilježja rane renesanse nalazi se u umjetnosti talijanske Ars nove XIV. stoljeća, čiji je glavni predstavnik bio Francesco Landino. U njegovom radu naglasak je stavljen na svjetovnu profesionalnu umjetnost, koja je raskinula s krugom slika i estetike kultne glazbe i oslanjala se, prije svega, na narodne pjesme, pisane ne više na latinskom, već na narodnom jeziku.

U budućnosti je val transformacija na području glazbene umjetnosti zahvatio i druge europske zemlje. U francuskoj glazbi javlja se višeglasna pjesma - šansona, predstavnici: K. Zhaneken, K. de Sermisi, G. Kotelet i dr.; ovaj je žanr bio prožet narodno-svakodnevnim žanrom, gravitirajući realističkom programskom prikazivanju, što je svjedočilo o oštrom odmaku od crkvene glazbe. U španjolskoj su glazbi renesansnim obilježjima obilježeni pjesnički žanrovi folklornoga podrijetla, poput villancica i romanse. Njemačku profesionalnu glazbu karakterizira polifona pjesma s glavnom melodijom u tenoru, koja gravitira prema skladnom zborskom skladištu.

U renesansi počinje intenzivan razvoj instrumentalne glazbe uz zadržavanje veze s vokalnim žanrovima. Utjecaj narodne umjetnosti na duhovnu glazbu raste, osobito u zemljama koje je zahvatio antikatolički reformacijski pokret, koji je u Češkoj oživio husitske himne, u Njemačkoj protestantsko pjevanje, u Francuskoj hugenotske psalme. Međutim, crkva je i dalje imala ulogu moćnog organizacijskog središta, kao provodnik službene ideologije, odgojila je većinu profesionalnih skladatelja.

No, unatoč tome, napredni svjetovni vokalni i vokalno-instrumentalni žanrovi sve su glasnije deklarirali svoje pravo na značajnije mjesto u glazbenoj kulturi, nastojali istisnuti mise, motete i njima bliske žanrove crkvene glazbe. To je bilo zbog činjenice da su ti žanrovi, namijenjeni ili crkvi (u majstorskoj izvedbi dobro organizirane zborne kapele), ili (motet) dvoru određenog kralja, princa, vojvode (u umjetničkom prijenosu sredstvima dvorske kapele) nisu bili baš pogodni za izražavanje vlastite osobnosti. Tek s vremenom, kad se u humanističkim krugovima razvilo drukčije estetsko ozračje, lirika i drama dobivaju šire i slobodnije utjelovljenje, najprije u talijanskom madrigalu, a potom i u prvim primjerima novoga žanra – “drame na glazbu”, tj. , talijanska opera.

Talijanski, njemački i engleski žanrovi madrigala i pjesama jasno su odražavali pozornost prema unutarnjem svijetu pojedinca, karakterističnu za humanističku umjetnost renesanse. Značajna manifestacija naprednih realističkih strujanja u glazbi nije samo stvaranje novih sižea, novih glazbeno-poetskih slika, nego i dalekosežne promjene u glazbenim izražajnim sredstvima. Narodni melos pojavljuje se u mnogim žanrovima skladateljske glazbe. Narodne pjesme koriste se kao cantus firmus (osnova opetovano ponavljane melodije koja je išla u drugom glasu iz dna višeglasnih djela) iu polifonoj glazbi. Daljnji razvoj polifonije na zapadu Europe doveo je do razvoja i učvršćivanja zakonitosti tzv. "strogog stila" - jednog od vrhunaca tadašnje višeglasne glazbe. Strogi stil do danas je bitna faza u povijesti polifonije.

Glavna, glavna tekovina napredne glazbe bio je novi karakter cjelokupnog intonacijsko-melodijskog razvoja, glatkoća, gipkost, melodičnost; značajniji stupanj generalizacije melodije »velikog daha« u odnosu na prošlost – najživlji izraz ljudskih doživljaja.

Veliko postignuće glazbene kulture renesanse bio je razvoj instrumentalne glazbe temeljene na novim varijantama melodijskih žičanih instrumenata koji su omogućavali "pjevanje" na instrumentima (viola, gudala lira, gamba, violina), a s druge strane, značajno proširenje izražajnih mogućnosti instrumenata s tipkama (orgulje, klavikord, čembalo) u odnosu na akordsko-harmonijske progresije. Brzo se usavršava i lutnja - jedan od najčešćih instrumenata za svakodnevno i koncertno muziciranje.

Osim toga, tijekom renesanse dolazi do razvoja profesionalnih vještina povezanih s pojavom metriza - pjevačkih internata - svojevrsnih zborskih kapela, u kojima se od ranog djetinjstva podučavalo pjevanje, sviranje orgulja, glazbena teorija i opći predmeti. te je osigurao sustavno usavršavanje glazbenih sposobnosti učenika.

Tako se formira novi tip glazbenika - ne amater od aristokrata, ne žongler i pastir, već profesionalac koji je stekao posebno glazbeno obrazovanje.

Konsolidacija glazbenog profesionalizma dovela je do stvaranja nacionalnih glazbenih škola izvrsnosti, koje su se oblikovale u najvećim središtima urbane glazbene kulture, koja su imala velike obrazovne mogućnosti. Jedan od najranijih oblika u zapadnoj Europi bila je engleska polifonija, koja se brzo razvila i procvjetala u djelima Dönstepla u prvoj polovici 15. stoljeća. Najutjecajnija je bila nizozemska ili francusko-flamanska škola, u kojoj su djelovali poznati skladatelji G. Dufay, J. Okegema, J. Obrecht, O. Lasso. Djelujući u raznim zemljama, spojili su značajke niza nacionalnih glazbenih kultura: nizozemske, njemačke, francuske, talijanske, engleske, stvorili visoko razvijen polifoni stil, uglavnom zborski, u kojem su jasno izražene renesansne značajke.

Sredinom 16. stoljeća izravni nasljednici nizozemskih polifoničara i vodećih europskih skladateljskih škola bili su rimska škola, na čelu s Palestrinom, u čijem se djelu renesansna obilježja spajaju s obilježjima koja odražavaju utjecaj protureformacije, te mletačka škola, na čelu s D. Gabrielijem, koja već ima barokna obilježja. Nacionalne škole karakterizirala je uporaba novih glazbenih sredstava, koja su u skladbu unijela koherentnost i jedinstvo. Glavno glazbeno sredstvo koje je u skladbe unosilo koherentnost i jedinstvo bila je imitacija, odnosno ponavljanje melodije nadolazećim glasom, neposredno prije izvođenja drugog glasa. U školama su postojale osebujne vrste imitacija: kanonska, imitacija u optjecaju, povećanje, smanjenje, što je kasnije dovelo do najvišeg kontrapunktskog oblika - fuge.

Stil predstavljenih nacionalnih škola ogledao se u djelima izvrsnih polifonista iz drugih zemalja - K. Morales i T. Victoria (Španjolska), W. Byrd i T. Tallis (Engleska), M. Zalensky iz Poljske i mnogi drugi .

Stoga je glazba među renesansnim umjetnostima zauzimala donekle posebno mjesto, kako zbog svoje specifičnosti, tako i ovisno o uvjetima postojanja u društvu. Ipak, ona je bila umjetnost svoga vremena, izražavala ju je, iskusila za nju karakteristične poteškoće i proturječnosti, u skladu s njom razvijala vlastiti stil, nizala do tada nezamislive pobjede i nizala nove stvaralačke uspjehe.

Drugo poglavlje Plesna kultura u renesansi

2.1 Glazba i ples: aspekti interakcije

Dakle, glazbena kultura zauzima posebno mjesto u umjetnosti i kulturi renesanse. Kada je u pitanju glazba, nemoguće je ne osvrnuti se na njezine različite sfere. Jedno od tih područja je plesna umjetnost.

Ples - vrsta umjetnosti u kojoj umjetničke slike nastaju plastičnim pokretima te ritmički jasnom i kontinuiranom izmjenom izražajnih položaja ljudskog tijela. Treba napomenuti da su glazba i ples bili u aktivnoj interakciji već stoljećima. Ples je neraskidivo povezan s glazbom, emocionalnim i figurativnim sadržajem, koji je utjelovljen u njegovoj koreografskoj kompoziciji, pokretima , figure.

Još od antike nalazimo svojevrsnu sintezu glazbe, poezije, plesa, za Grke to nisu bile različite umjetnosti, već jedna, jedinstvena cjelina. Za označavanje ove jedinstvene umjetnosti korištena je riječ "chorea", koja je nastala od riječi "hor" koja je ušla u ruski jezik, što je samo značilo ne toliko kolektivno pjevanje koliko kolektivni ples. U budućnosti se riječ "chorea" transformira u koreografiju, koja je počela označavati samu umjetnost plesa, točnije, umjetnost skladanja plesa.

U doba srednjeg vijeka otkrivaju se i značajke odnosa glazbe i plesa, koji zahvaća složenije tehnike i oblike, plesna glazba postaje pretežno instrumentalna. Glavni utjecaj na njegovu strukturu i druga obilježja počinje vršiti koreografija koju karakterizira sve veća ujednačenost i periodičnost pokreta plesača. Plesni ritmovi spremno prodiru u žanrove instrumentalne glazbe namijenjene isključivo slušanju. Za takve plesove karakteristična je značajna komplikacija glazbenog jezika: povećava se uloga kroz razvoj, dolazi do kršenja plesnih periodičnih struktura sekvencama, polifonim tehnikama. Time daljnja povezanost glazbene kulture i plesa postaje složenija i specifičnija.

Velika transformacija glazbe i plesa dogodila se tijekom renesanse. Ples, plesna glazba najvažniji su slojevi renesansne kulture. Razvoj glazbene umjetnosti tijekom renesanse bio je usko povezan s razvojem plesa, budući da su se gotovo svi veći skladatelji u svojim skladbama fokusirali na ples. Plesni ritmovi prodiru u žanrove instrumentalne glazbe namijenjene isključivo slušanju. Pavane, galliard, gigue, chimes, volta i druge vrste narodnih plesova postale su materijalom za virtuozne skladbe: razvila se gipkost melodija, jasnoća točaka, kontinuirana povezanost motiva. Glazbenici posuđuju melodije i ritmove iz narodnih pjesama i plesova za žanrove instrumentalne glazbe, što se posebno jasno vidi u takvom djelu glazbene kulture kao što je suita.

U početnoj fazi razvoja, glazba suite imala je primijenjeni karakter - plesali su na nju. Bila je to svojevrsna kombinacija lutnje, a kasnije klavirskih i orkestralnih plesnih djela. U 15.-16. stoljeću prototip suite bio je niz od tri ili više plesova (za različite instrumente) koji su pratili dvorske procesije i ceremonije, kao i uparene kombinacije kontrastnih plesova (pavane - galliard, passamezzo - saltarello itd.). .). Najtipičnija osnova za plesnu suitu bio je skup plesova koji se razvio u suitama I. Ya. Frobergera: allemande - courant - sarabande - gigue. No za razvoj dramaturgije ciklusa suita bilo je potrebno stanovito udaljavanje od svakodnevnih plesova. Ta se prekretnica događa u renesansi, a tek tada se najjasnije odražava u glazbi 17. stoljeća. Od sredine 17. stoljeća plesna suita, izgubivši svoju primijenjenu svrhu, postoji uglavnom pod nazivima partita (njem.), lekcije(Engleski), balet, sonata za kameru, ordre(francuski), a ponekad i kao "zbirka klavirskih djela". Tako transformacijom i interakcijom s glazbom ona postaje dijelom glazbene umjetnosti, utječe na oblikovanje sonatnog oblika. Umjetničke vrhunce u tom žanru dosegnuli su J. S. Bach (francuske i engleske suite, partite za klavir, za violinu i violončelo solo) i G. F. Handel (17 klavirskih suita).

Što se tiče ostalih aspekata, prije svega valja istaknuti utjecaj plesne glazbe na formiranje homofono-harmonijskog sklada. S njom stručna umjetnost, usred polifonog crkvenog višeglasja, dolazi homofono-harmonijska misao, jasno razuđena, tematski jarka melodija, periodični ritam; dolazi do formiranja tonske organizacije (npr. u plesovima renesanse prvi se ustalio za to doba novi durski način).

U plesnoj glazbi su izvori mnogih glavnih instrumentalnih oblika na kojima se temelji sva klasična umjetnost (razdoblje, jednostavni trodijelni oblik, varijacijski, ciklički). Emancipacija instrumentalne glazbe uvelike je povezana s plesnom književnošću (pojavljuju se novi žanrovi), formiranjem samostalnih klavirskih (kasnije - glasovirskih), lutnje i orkestralnih stilova. Bogatstvo plesnih slika zabilježenih u klasičnoj glazbi je ogromno. I to ne čudi: uostalom, figurativna implementacija plesnih ritmova i intonacija, uz folklor pjesme, igra važnu ulogu u jačanju realističkih temelja glazbene umjetnosti. Skladatelji u svojim djelima uvijek utjelovljuju izraze lica, gestu, plastičnost u pokretu plesa ili marša, okrećući se plesnoj glazbi pri stvaranju instrumentalnih (komornih, simfonijskih) i vokalnih, uključujući operne skladbe.

Stoga treba istaknuti važnu ulogu plesa u glazbenoj kulturi zapadne Europe, počevši od renesanse. Plesni ritmovi privlačili su velike skladatelje, a glazba temeljena na takvim ritmovima utjecala je na praksu i teoriju plesa. Glazba je zahtijevala od plesa da slijedi svoja otkrića, upija nešto novo i komunicira s drugim oblicima umjetnosti. Dokaz takvog pomaka daju nam plesovi renesanse, kao simbol formiranja plesne umjetnosti na novom putu razvoja.

2.2 Koreografija na rubu samoodređenja

Među ostalim vrstama umjetnosti u renesansi se počinje isticati ples. Ples postaje posebno popularan i postiže neviđen uspjeh u svom razvoju. Ako je u prethodnim razdobljima ples bio samo dio kulta ili opće zabave, onda u renesansi koreografska umjetnost ima nove funkcije, novi odnos prema plesu. Grešnost, nedostojnost ovog zanimanja, karakterističnog za srednji vijek, u renesansi se pretvara u obveznu potrepštinu svjetovnog života i postaje jedna od najpotrebnijih vještina dobro odgojene i obrazovane osobe (uz vještine kao što su vješto posjedovanje mača, sposobnost jahanja konja, ugodan i uljudan govor, suptilno govorništvo). Ples se ulijeva u opći tok transformacija: pod utjecajem glazbe pretvara se u profesionalnu umjetnost.

Koreografija kreće na put samoodređenja: umjetnost se ustrojava, uspostavlja određena pravila i norme, brusi tehnike i strukturalne forme, dolazi do podjele plesnih vrsta: narodni (seljački) i dvorski (plemićko-feudalni) ples, koji započeto u srednjem vijeku, nastavlja se. Taj se proces odvijao postupno i bio je povezan sa sve većim raslojavanjem društva i iz toga proizašlim razlikama između načina života običnih ljudi i plemstva. “Spontanost je prošla”, piše Kurt Sachs. – Dvorski i narodni plesovi razdvojeni su jednom zauvijek. Oni će stalno utjecati jedni na druge, ali njihovi ciljevi postali su bitno drugačiji.

Ako narodni plesovi zadržavaju svoj opušteni, grubi karakter, onda stil dvorskih plesova postaje sve svečaniji, odmjereniji i pomalo primarni. To je bilo zbog nekoliko čimbenika. Prvo, bujni i teški stil odijevanja feudalnih gospodara isključivao je energične, naporne pokrete i nagle skokove. Drugo, stroga regulacija manira, pravila ponašanja i cjelokupnog plesnog bontona dovodi do isključenja pantomime i improvizacijskih elemenata iz plesa.

Dolazi do značajne promjene u tehnici plesa: nalaže se ravnoteža između pokreta i ritmova plesa, periodi oscilacija od mirovanja do pokreta i od mirovanja do napetosti, izmjena ritmova u jednom plesu. Osim toga, tehnika izvedbe se mijenja: Plesovi s kružnim plesom i linearnom kompozicijom zamjenjuju se parnim (duetnim) plesovima, koji se grade na složenim pokretima i figurama koje imaju karakter manje ili više iskrene ljubavne igre. Osnova koreografskog obrasca je brza izmjena epizoda, različitih po prirodi pokreta i broju sudionika.

Potreba za reguliranjem plesnog bontona doprinosi formiranju kadra profesionalnih plesnih majstora. Plesni majstori stvaraju kanonske oblike plesa, koje privilegirano društvo marljivo i točno proučava. To je u velikoj mjeri olakšano udžbenicima, gdje su pokreti sistematizirani, pokušava se popraviti plesne kompozicije. Argumentirajući važnost ovog trenutka u povijesti plesa, Kurt Sachs posebno ističe sjevernu Italiju, u kojoj je, prije svega, nastao profesionalni plesni trening. I doista, u Italiji cvjeta najveličanstvenija plesna umjetnost. Lopte u Firenci 15.-16. stoljeća primjer su sjaja, sjaja, domišljatosti. Učitelji talijanskog plesa pozvani su u razne zemlje. “Profesionalni plesači nekada su bili lutajući mimičari i prezreni žongleri”, piše Sacks, učitelj plesa u sjevernoj Italiji koji je bio na časnom položaju. Bio je pratilac prinčeva, ponekad i pouzdanik; na venecijanskim vjenčanjima, gdje je bio običaj uvesti mladenku u tihi ples, on je mogao nastupiti umjesto oca. Učiteljice su bile posebno zainteresirane za stvaranje škola za podučavanje plesa. I već u 15. stoljeću u Italiji su se pojavile posebne škole, profesija učitelja plesa bila je čvrsto utemeljena. Stoga je vjerojatno da je Italija u 16. stoljeću bila kraljica plesa, baš kao što se čini da je bila iu 15. stoljeću.

Domenico iz Piacenze smatra se prvim talijanskim teoretičarem plesne umjetnosti. Domenico da Piacenza na prijelazu iz XIV u XV stoljeće sastavio je raspravu "O umjetnosti plesa i plesa". Knjiga se sastoji od dva dijela. Prvi dio posvećen je plesu u cjelini i definira njegovih pet elemenata: mjeru, ponašanje, podelu platforme, memoriju i visinu. Mjera je glavno načelo povezivanja brzih i sporih pokreta u glazbi; podjela mjesta bitna je za sastav grupnog plesa; pamćenje je potrebno za stvarno stvaranje plesa; način držanja oslobađa ples nepomičnih i zastarjelih formi; elevacija je namijenjena razvoju plesne tehnike. Drugi dio traktata utvrđuje kategorije osnovnih pokreta. Ovdje on dijeli pokrete u dvije vrste: umjetne i prirodne. Prirodni pokreti - prosti i dvokorak, plemeniti stav, okret i poluokret, naklon i skok. Umjetni pokreti uključuju udarce nogama, mljeveni korak i skok s promjenjivom nogom.

Osim toga, vrijedi istaknuti još jednog teoretičara i učitelja plesa - Guglielma Embrea, koji je sastavio Traktat o plesnoj umjetnosti. U svojoj raspravi također savjetuje usklađivanje pokreta s mjerom koju postavlja glazba. Uvodi pojam contro tempo – protiv tempa, koji se mora poštovati da bi se uspjelo u naučenom plesu. Osim toga, on iznosi koncept arije, koji podrazumijeva sposobnost kretanja između tempa i prijelaza iz jednog plesa u drugi. Nemoguće je precijeniti Guglielmovo djelo, izrazio je humanistički svjetonazor renesanse kada je ples proglasio "slobodoumnom znanošću" jednako uzvišenom i značajnom od drugih, a više od onih upućenih ljudskoj prirodi.

Među talijanskim djelima o koreografiji 16. stoljeća pozornost zaslužuje knjiga Fabrizia Carosa Plesačica, objavljena 1581. godine. Ova je knjiga svojevrstan priručnik namijenjen dvoranskom plesu, no može se reći da su se ova pravila koristila iu scenskom plesu, iako su u njima prevladavali reprezentativniji koraci. U knjizi nastoji sistematizirati ne samo plesove, već i pokrete koji ih čine. Na primjer, on dijeli naklone na "važne" ("grobne"), "male" ("minima"), "srednje" ("semiminima"). "Srednji" naklon uključivao je skok. U skladu s varijantnošću plesa s raznolikošću glazbenih ritmova, Coroso je već koristio položaje bliske prvom, trećem i četvrtom položaju klasičnog plesa, te piruete i razne vrste skokova, uključujući i zaklizavanja (entrecha). Plesna tehnika uključivala je akrobatske pokrete, kao što je saut de noeud (skok na čvor), ali ta je tehnika kasnije nestala. Nova tehnika omogućila je Corosu da sklada balete od pet, šest pa čak i deset dijelova, u skladu s glazbom. Caroso je zahtijevao da evolucija plesača odgovara veličini antičke versifikacije, a spominjao je daktil, safičku strofu, spodeje. Pisao je o plesu - slobodnom ansamblu, "izvedenom matematičkom preciznošću, u skladu s Ovidijevim stihovima".

Caroso je nedvojbeno postavio temelje razvoju baleta, njegove tehnike i izvedbe. Naravno, prve baletne predstave pojavile su se u Italiji. Tako je, primjerice, 1489. godine Langobardac Bergonzo di Bota u čast vjenčanja milanskog vojvode Galaza Viscontija osmislio veličanstvenu kazališnu proslavu u kojoj su se ples izmjenjivali s pjevanjem, glazbom i recitiranjem. Talijanska koreografija imala je velik utjecaj na prve francuske balete. Do kraja 16. stoljeća pojavile su se baletne predstave sa zaokruženom radnjom koja se otkriva kroz ples, pjevanje, poetski recitativ, složenu i veličanstvenu dekoraciju. Iskustvo mladog talijanskog baleta, njegove pedagoške metode i radove na koreografiji prihvatile su mnoge europske zemlje. Tako se već u renesansi može govoriti o počecima baleta.

Još jedan poznati autor o “plesnoj umjetnosti” je Tuano Arbo, francuski pisac i svećenik. Njegov doprinos razvoju plesa nije ništa manje značajan od doprinosa talijanskih plesnih majstora. "Orkezografija" Tuana Arbauda najpopularnija je rasprava koja sadrži podatke o francuskim bas plesovima 16. stoljeća. Arbo nastoji obnoviti srednjovjekovni ples, redizajnirati ga na novi način, odakle se rađa njegova slava kao prvog specijalista za rekonstrukciju plesa.

Ukratko, možemo reći da je plesna umjetnost u rangu s drugim vrstama umjetnosti i ni u čemu im ne zaostaje. Ples je stiliziran, doveden u sustav. Otvaraju se goleme mogućnosti ljudskog tijela. Ples se kreće od pričanja stvarnosti do izražavanja apstraktne misli. Dalje - od dvorske predstave do kazališnog plesa.

Tijekom renesanse ples postaje način društvene zabave i komunikacije. Krajem 16. stoljeća svi su vjerovali da je ples neophodan društvu kao sredstvo razigranog koketiranja kojim se demonstrira gracioznost i šarm dama te snaga i junaštvo gospode. Balovi su priređivani u povodu svih značajnih događaja, općih i privatnih. Ljepota i profinjenost svake sudionice bila je važna za stvaranje svečane plesne atmosfere, potvrđivanje visokog društveno-političkog statusa vlasnika i omogućavanje sklapanja brakova, što je u to vrijeme bilo iznimno važno za održavanje strukture društva. Sposobnost plesa izbrusili su plemići i srednja klasa koji su ih oponašali svakodnevnim vježbanjem pod vodstvom mnogih učitelja. Na kraljevskim dvorovima postojali su koreografi – učitelji plesa, čije su dužnosti uključivale podučavanje plesovima osoba oba spola, kao i priređivanje spektakla općenito.

Tako je profesionalni ples počeo ulaziti u sve vrste spektakla. Ples koji je u srednjem vijeku bio namijenjen "svetom činu", u 15. stoljeću povukao se pred svečanostima svjetovnog karaktera. Najviše su u to vrijeme voljeli maškare - maske su u to doba bile od posebne važnosti. Ples je bio uključen iu ulične procesije, u kojima su se izvodile cijele predstave plesnog karaktera. Češće su takve ulične povorke tumačile poganske priče, sadržaj mitova, što je tipično za renesansu, kao za doba okrenuto antici.

Veliki doprinos plesu kao javnoj zabavi dali su i karnevali. Najveličanstveniji među njima bili su trijumfi (trionfi), predstave na mitološke teme s vješto izvedenim scenografijama. Nešto skromniji bili su kari (carri, od talijanskog carro - "kola") - maskenbali zanatlija i trgovaca u talijanskim gradovima: ovdje su gomile maskiranih ljudi marširale iza ukrasnih simbola svojih zanimanja. Predstave, u kojima su se miješali glazba, pjevanje, recitacija, pantomima i ples, pratile su svečane večere, razne dvorske gozbe.

Ali ipak, renesansni ples mnogo je širi od jednostavne zabave. U ovo doba oživljavaju drevne ideje o najdubljem utjecaju plesa na duhovno i tjelesno stanje čovjeka. Na stranicama brojnih plesnih traktata često se iznosi misao da ples nipošto nije čista plastika, već način odražavanja duhovnih pokreta. “Što se tiče najvišeg savršenstva plesova, ono se sastoji u usavršavanju duha i tijela i njihovom dovođenju na najbolje moguće mjesto”, napisao je u jednom od svojih djela francuski glazbeni teoretičar, filozof, fizičar i matematičar M. Mersenne. Često se plesu, kao u davna vremena, daje kozmološki

značenje. Nije slučajno da interes i svijest o pitanjima plesne umjetnosti otkrivaju osobe klera – opat de Pure, kanonik Arbaud, svećenik Menetrier.

2.3 Žanrovska paleta plesne umjetnosti

Novi odnos prema plesu tijekom renesanse iznjedrio je brojne plesne žanrove. Sudeći prema naslovima skladbi smještenih u razne glazbene zbirke, praktične vodiče i rasprave, slika je neobično šarolika: neki plesovi brzo izlaze iz mode; drugi, koji su se pojavili u jednom stoljeću, zadržavaju svoje značenje u drugom (na primjer, saltarello, bass dance, branle), neki od njih mijenjaju prirodu i stil koreografije tijekom vremena.

Svaka pokrajina ima svoje plesove i svoj stil izvedbe. Noverre je napisao da nam je menuet došao iz Angoulemea, da je rodno mjesto plesa burre Auvergne. U Lyonu će pronaći prve rudimente gavote, u Provansi tamburu.

Dakle, svi svakodnevni plesovi ovog vremena podijeljeni su u dvije glavne skupine: Bassa danza (francuski bass danses) - to jest, "niski" plesovi u kojima nije bilo skokova, a noge se gotovo nisu dizale iznad poda (pavane, alemande, zvona, sarabande itd.); Alta danza (francuski haute danses) - to jest "visoki" plesovi kola, u kojima su se plesači vrtjeli i poskakivali (moreška, galiard, volta, saltarello, razne vrste branlesa itd.)

U doba rane renesanse karakteristično je suprotstavljanje plesova sporijeg i življeg pokreta (bassa danza i alta danza). Susreće se kako na balovima, tako iu profesionalnoj glazbi u nastajanju već u kasnom srednjem vijeku. U glazbenim izvorima 14. – ranog 15. stoljeća uobičajeno je grupiranje plesova u 2: 1. ples svakog para održava se u jednakom taktu i sporom tempu, 2. – u trotaktnom taktu i brz tempo. Više od ostalih, česti su bili parovi pavan - galijard passamezzo - saltarello. Međusobno su komunicirali, ali su ipak zadržali svoje individualne osobine.

Što se tiče žanrova plesne umjetnosti tog doba, bilo ih je prilično mnogo, ali najpopularniji su bili: bas ples, pavane, zvona, branle, moresca, galliard, saltarello i volta. Da bismo razumjeli u čemu je specifičnost svakog od plesova, potrebno je obratiti se na njihov opis i interpretaciju.

bas ples(franc. basse danse - "niski ples") - skupni naziv dvorskih plesova umjerenog ili umjereno sporog tempa i, u pravilu, u veličini od 4 takta, uobičajenih u Francuskoj, Italiji, Nizozemskoj između 2. pol. XIV i sredinom XVI stoljeća. Podrijetlo imena nije sasvim jasno. Možda je to povezano s praksom izvođenja glazbe ovih plesova na instrumentima niskog registra, a možda i s izostankom visokih skokova plesača u bas plesovima. Zbog nedostatka brzih pasova i skokovitih pokreta karakterističnih za "visoke plesove" (francuski - haute danse, talijanski - alta danza), bas plesovi su često nazivani "promenada". Kompozicijski crtež mogao bi se graditi u obliku okruglog plesa, procesije. Bas plesovi bili su, takoreći, mala koreografska kompozicija u kojoj su se plesači pokazali okupljenom društvu i demonstrirali svoje bogatstvo, raskoš odjeće i plemenitost ponašanja. U 15. stoljeću, prema K. Sachsu, bass ples “… nije slijedio nikakav utvrđeni red koraka. Šareno, poput boja u kaleidoskopu, svaki je put spajao nove pokrete. Bas plesna glazba, često koralne prirode, obično je bila improvizirana na temelju cantus firmusa. Slobodnoj koreografiji odgovarala je i otvorena (otvorena) glazbena struktura s proizvoljnim brojem dionica. Za izvođenje bas plesa korišteni su različiti instrumentalni sastavi: lutnja, harfa i bubanj; trombon, flauta s malim bubnjem i dr. Kao jedan od dijelova, bas ples uvršten je u rane instrumentalne suite. Varijante bas plesa: Bassadani- profinjenija talijanska verzija bas plesa, popularna u 15. stoljeću. Razlikuje se u pokretljivijem tempu; pivo - Talijanski ples iz 15. stoljeća, tempo je čak brži od Bassadana, do 16. stoljeća naziv "pivo" bio je zaštićen brzim plesom u 3 takta, prije kojeg su se često izvodili pavane i saltarello.

pavana- svečani spori ples. Podrijetlo ovog plesa prilično je dvosmisleno: prema jednoj verziji, pavane je domaći talijanski ples, njegovo ime je povezano s mjestom podrijetla, gradom Padovom, prema drugoj verziji, pavane je ples španjolskog podrijetla . Ima razloga vjerovati da se pojam "padovana" koristio i kao riječ koja označava generički pojam - određenu vrstu plesa koji spaja pavanu i njezinu varijantu - passamezzo.

Već početkom 16. stoljeća pavana je postala jedan od najpopularnijih dvorskih plesova: plesala se u ogrtaču i s mačem za vrijeme svečanih obreda: kad je mladenka odlazila u crkvu, kad je svećenstvo izvodilo vjerske procesije, kad knezovi, članovi gradskog poglavarstva otis. Pavansku glazbu karakteriziraju: jasnoća strukture, često pravougaonost metroritmičke strukture, pretežno akordska prezentacija, ponekad obojena odlomcima.

Postoje dokazi da je izvedba pavane bila praćena tamburom, flautom, oboom i trombonom, uz podršku bubnja koji je naglašavao ritam plesa. U svakoj zemlji priroda pokreta i način izvođenja pavana imali su svoje karakteristike: u Francuskoj su koraci bili glatki, spori, graciozni, klizni; u Italiji su bili živahniji, nemirniji, izmjenjivali su se s malim skokovima. U 2. polovici 16. stoljeća pavana se u Europi praktički više ne upotrebljava, ali ostaje sve do sredine 1620-ih. jedan od najpopularnijih plesova u Engleskoj. Instrumentalna pavana dosegla je svoj osvit u djelu engleskih virginalista. Srodne pavane bile su: pavanila- instrumentalni ples, popularan u Italiji u 1. polovici 17. stoljeća, bio je življi po karakteru i tempu; padova - raširen je krajem renesanse, a karakterističan je za 17. stoljeće - tako su se nazivala najmanje dva različita plesa: dvodijelni pavane i trodijelni ples koji se izvodi nakon passamezza; pasameco- Talijanski ples, razlikuje se od pavana pokretljivijim tempom. Doslovno prevedeno kao "ples u 1,5 koraka", što ukazuje na bržu prirodu njegovog kretanja nego u pavani. Postojale su dvije najčešće varijante "stara" (antico) i "moderna" (moderno), proizašle iz karakteristika plana harmonijske pratnje.

Courant- dvorski ples, talijanskog porijekla, od talijanske riječi corrente, što znači tok vode, glatko, jednolično. Kompozicijski model plesa obično je išao duž ovala, ali je mogao biti i izduženi kvadrat ili osmerokut, što je omogućavalo izvođenje cik-cak pokreta karakterističnih za talijanski ples piva koji je postojao u 15. stoljeću. Zvono je bilo jednostavno i složeno. Prvi se sastojao od jednostavnih, klizećih koraka, izvedenih pretežno naprijed. Složena zvonjava imala je pantomimski karakter: tri gospodina pozvala su tri dame na ples, odveli su dame u suprotni kut dvorane i pozvali ih na ples, dame su odbile, gospoda su nakon odbijanja otišli, ali zatim se opet vratio i kleknuo pred dame. Tek nakon scene pantomime započeo je ples. U složenom zvonu izvodili su se pokreti naprijed, natrag i u stranu. Sredinom 16. stoljeća nestaje pantomimski dio plesa. Courante je mnogo puta promijenio takt. Prvo je bilo 2/4, kasnije trostruko.

branle- izvorno narodno kolo, kasnije i plesni, dvorski ples 15.-17.st. Sama riječ branle, što na francuskom znači - ljuljanje, kružni ples, također karakterizira jedan od glavnih pokreta - ljuljanje tijela. Poznate su njegove brojne varijante, koje se međusobno razlikuju po veličini tempa, koreografiji (jednostavni balet, dvostruki bal, baletna plesačica, balet s cipelama, balet s bakljom, balet s poljupcima itd.) i lokalnim varijantama (B. iz Poitou, B. iz Champagne). Tempo plesa je umjereno brz, živahan. Veličina je obično 2-taktna, ponekad 3-taktna (u "jolly branle", koja uključuje skokove i zamahe) i 4-taktna (u Champagneu). Folk branle - energičan, nagao, brkan, plesni - više uglađen i smiren, s puno naklona. Ponekad je to bilo popraćeno pjevanjem (parovi s pripjevom) i sviranjem na narodnim instrumentima (flata, frula, tambura, gajde). U 15. stoljeću izvodio se kao završetak bas plesa, odakle, možda, i potječe. U koreografskom smislu još uvijek je bila dosta primitivna, tim više što se njezina glazbena pratnja sastojala od prilično jednoličnih taktova tamburice, zvukova frule i monotonog pjevanja plesača. No, istodobno treba napomenuti da je branle bio primarni izvor svih kasnije nastalih salonskih plesova, odigravši veliku ulogu u razvoju plesne koreografije.

Moreška -(moresca(tal.) - doslovno "maurski", morisdance - od engleskog morris dance) - glazbeno - plesna scena. Scena je simbolično reproducirala borbu između kršćana i Maura. U Italiji se ples zvao "Morisca", isti naziv nosili su i Mauri koji su se pokrstili i prešli na kršćanstvo. Podrijetlom iz Španjolske, moresca je izvorno bila narodni ples i plesale su je dvije skupine. Tijekom renesanse moreška je bila jedan od najpopularnijih plesova, postavši atributom raznih gradskih kazališnih spektakala i predstava glazbenog teatra u nastajanju. Tu ona gubi svoje izvorne značajke pučke igre (zadržavši, doduše, masku Maura), te postupno prelazi u figuralni ples svečanog, često ratničkog karaktera. Kasnije, u 17. stoljeću, pojam moreska označava balet ili pantomimski ples u operi: npr. Monteverdi uvodi moresku u finale opere "Orfej" -1607.

galijard(gagliarda, tal. veseo, odvažan, veseo) - stari ples romanskog podrijetla s kraja XV - XVII stoljeća. Navodno dolazi iz sjeverne Italije, u raznim krajevima i gradovima nosio je pečat lokalnih običaja i običaja. Ovo je veseo i živahan ples, potječe iz narodne koreografije, iako je bio najrašireniji među povlaštenim staležima, zadržavši značajke seljačkih plesova - skokove i nagle pokrete, često šaljivih naziva (“korak ždrala”, “kravlji udarac”). . Kao i zvona, imala je karakter svojevrsnog dijaloga. Uz pratnju manjeg orkestralnog ansambla ili sviranje lutnje i gitare. Galijare 16. stoljeća karakterizira 3-metarski, umjereno brz tempo, skladište akorda, dijatonika. Obično se izvodila nakon polagane pavane od 4 takta, mijenjajući njenu melodiju i

metrički uzorak. Sličan slijed spore pavane od 4 takta i brzog galijara od 3 takta bio je prototip barokne instrumentalne suite.

Saltarella- narodni talijanski ples. Ime mu dolazi od talijanske riječi saltare - skočiti, skočiti. Poznat je u Romagni, Lazu, San Marinu, In Abruzziu. Svaka regija to izvodi drugačije. Saltarella je vrlo jednostavan ples, nema fiksne figure. Glavni pokret je ravnoteža. Ali izvođači moraju imati spretnost i snagu, budući da se tempo u plesu stalno povećava, dostižući vrlo buran. Saltarella je ples u paru, broj parova koji sudjeluju u plesu može biti vrlo velik. Kao i mnogi drugi narodni plesovi, saltarella ponekad počinje razigranom scenom pantomime. U nekim područjima Italije, na primjer u Giogariju, saltarella postoji kao nisko skačući ples.

Postoje i njegove varijante okruglog plesa. U plesnom kolu saltarella plesači stoje čvrsto stisnuti jedni uz druge, tijela su im nagnuta prema naprijed, glave im se gotovo sudaraju u središtu kruga; ruke su položene jedna drugoj na ramena. Bose noge lagano klize po tlu. Izvođači se njišu u ritmu pokreta nogu. Izvedba saltarelle u Romagni je osebujna. Ovdje je to popraćeno pjesmom koju pjeva jedan od sudionika, a to je, takoreći, demonstracija spretnosti. Žene stavljaju na glavu čašu do vrha napunjenu vodom ili vinom. Tijekom složenih i brzih pokreta ne smije se proliti niti jedna kap.

Volta- ples u paru talijanskog porijekla. Ime mu dolazi od talijanske riječi voltare, što znači "okrenuti". Obično pleše jedan par (muškarac i žena), ali se broj parova može povećati. Kao i mnogi drugi narodni plesovi, volta se ubrzo nakon svoje pojave počela izvoditi na dvorskim svečanostima. U 16. stoljeću bila je poznata u svim europskim zemljama, ali je najveći uspjeh imala na francuskom dvoru. Međutim, već pod Lujem XIII., francuski dvor Volta ne pleše. Ovaj je ples najduže trajao u Italiji.

Livanova, T. "Povijest zapadnoeuropske glazbe do 1789. (renesansa). [Tekst] / T. Livanova. - M., 1983. 453 s.: C5.

Povijest estetike. [Tekst] / Spomenici svjetske estetske misli u 5 sv. T.1. - M., 1985. 876 str.: C 506-514.

Losev, V. Estetika renesanse. [Tekst] / A. Losev. – M., 1982. 415 str.: P 154.

"Povijest umjetnosti: renesansa" [Tekst] / - M., 1989. str. 356.: str. 205.

Šestakov, V. Glazbena estetika renesanse. [Elektronički izvor]/ V. Shestakov.// Način pristupa: #"#_ftnref6" name="_ftn6" title=""> Gruber, R. Povijest glazbene kulture. [Tekst] / R. Gruber. - M., 1975. 478 str.: P 123.

Zakharov, R. Kompozicija plesa. [Tekst] / R. Zakharov. - M., 1983. 250s.: S67.

Block, L.D. „Klasični ples. Povijest i suvremenost“. [Tekst] / L.D. Blok. - M., 1987. 556 str.: P 167.

Vasiljeva - Božić, M. Povijesno - kućni ples. [Tekst] / M. Vasiljeva - Božić. - M., 1987. 328 str.: S107.

Renesansa ili renesansa je razdoblje u povijesti kulture Zapadne i Srednje Europe koje obuhvaća otprilike 14.-16. stoljeće. Ovo je razdoblje dobilo ime u vezi s oživljavanjem interesa za antičku umjetnost, koja je postala ideal za kulturne ličnosti modernog doba. Skladatelji i glazbeni teoretičari - J. Tinktoris, J. Tsarlino i dr. - proučavali su starogrčke glazbene rasprave; u djelima Josquina Despresa, koji je uspoređen s Michelangelom, prema suvremenicima, "oživljeno je izgubljeno savršenstvo glazbe starih Grka": pojavilo se krajem 16. - početkom 17. stoljeća. opera se vodila zakonima antičke drame.

Lekcije iz glazbene teorije. Iz gravure iz 16. stoljeća.

J. P. Palestrina.

Razvoj kulture renesanse povezan je s usponom svih aspekata društva. Rođen je novi svjetonazor - humanizam (od latinskog humanus - "ljudski"). Oslobađanje stvaralačkih snaga dovelo je do brzog razvoja znanosti, trgovine, obrta, a u gospodarstvu su se oblikovali novi, kapitalistički odnosi. Izum tiska pridonio je širenju obrazovanja. Velika geografska otkrića i heliocentrični sustav svijeta N. Kopernika promijenili su predodžbe o Zemlji i Svemiru.

Likovne umjetnosti, arhitektura i književnost doživjele su neviđen procvat. Novi stav se odrazio na glazbu i transformirao njezin izgled. Postupno se udaljava od normi srednjovjekovnog kanona, stil se individualizira, prvi put se pojavljuje sam pojam “skladatelj”. Mijenja se tekstura djela, povećava se broj glasova na četiri, šest ili više (na primjer, poznat je 36-glasovni kanon koji se pripisuje najvećem predstavniku nizozemske škole, J. Okegemu). U harmoniji dominiraju konsonancije, uporaba disonanci strogo je ograničena posebnim pravilima (vidi Konsonancija i disonanca). Formiraju se durska i molska ljestvica te taktni sustav ritmova koji su karakteristični za kasniju glazbu.

Svim tim novim sredstvima skladatelji su prenijeli poseban sustav osjećaja renesansnog čovjeka - uzvišen, skladan, smiren i veličanstven. Veza između teksta i glazbe postaje bliža, glazba počinje prenositi raspoloženje, ili, kako su tada govorili, afekte teksta, pojedine riječi, poput “život”, “smrt”, “ljubav” itd. često su ilustrirani posebnim glazbenim sredstvima.

Renesansna se glazba razvijala u dva smjera – crkvenom i svjetovnom. Glavni žanrovi crkvene glazbe - misa i motet - polifona su polifona djela za zbor, bez pratnje ili uz pratnju instrumentalnog ansambla (vidi Zborska glazba, Polifonija). Od instrumenata prednost su imale orgulje.

Porast amaterskog muziciranja pridonio je razvoju svjetovne glazbe. Glazba je zvučala posvuda: na ulicama, u kućama građana, u palačama plemenitih plemića. Javljaju se prvi koncertni virtuozi na lutnji, čembalu, orguljama, violi, raznim vrstama uzdužnih flauta. U višeglasnim pjesmama (madrigal - u Italiji, šansona - u Francuskoj) skladatelji su govorili o ljubavi, o svemu što se događa u životu. Evo naslova nekih pjesama: "Lov na jelene", "Eho", "Bitka kod Marignana".

U XV-XVI stoljeću. raste važnost plesne umjetnosti, pojavljuju se brojne rasprave i praktični vodiči o koreografiji, zbirke plesne glazbe, koje uključuju popularne plesove tog vremena - bas ples, branle, pavane, galliard.

Tijekom renesanse formiraju se nacionalne glazbene škole. Najveća od njih je nizozemska (francusko-flamanska) polifona škola. Njegovi predstavnici su G. Dufay, K. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Despres, O. Lasso. Među ostalim nacionalnim školama su talijanska (J. P. Palestrina), španjolska (T. L. de Victoria), engleska (W. Byrd), njemačka (L. Senfl).

renesanse, ili renesanse(fr. renaissance), - prekretnica u povijesti kulture europskih naroda. U Italiji su se novi trendovi pojavili već na prijelazu iz 13. u 14. stoljeće, u drugim europskim zemljama - u 15. i 16. stoljeću. Renesansni likovi prepoznali su čovjeka - njegovo dobro i pravo na slobodan razvoj osobnosti - kao najvišu vrijednost. Taj svjetonazor nazvan je "humanizam" (od latinskog humanus - "ljudski", "ljudski"). Humanisti su još u antici tragali za idealom skladne osobe, a starogrčka i rimska umjetnost poslužila im je kao uzor za umjetničko stvaralaštvo. Želja za "oživljavanjem" antičke kulture dala je ime cijelom jednom razdoblju - renesansi, razdoblju između srednjeg i novog vijeka (od sredine 17. stoljeća do danas).

Svjetonazor renesanse najpotpunije odražava umjetnost, uključujući glazbu. U tom razdoblju, kao iu srednjem vijeku, vodeće mjesto pripada vokalnoj crkvenoj glazbi. Razvoj polifonije doveo je do pojave polifonije (od grčkog "polis" - "brojan" i "pozadina" - "zvuk", "glas"). Kod ove vrste polifonije svi su glasovi u djelu ravnopravni. Polifonija ne samo da je komplicirala rad, već je autoru omogućila da izrazi osobno razumijevanje teksta, glazbi je dala veću emocionalnost. Polifona skladba nastala je prema strogim i složenim pravilima, zahtijevajući od skladatelja duboko znanje i virtuoznu vještinu. U okviru polifonije razvijaju se crkveni i svjetovni žanrovi.

Nizozemska polifona škola. Nizozemska je povijesna regija u sjeverozapadnoj Europi, koja uključuje teritorije moderne Belgije, Nizozemske, Luksemburga i sjeveroistočne Francuske. Do 15. stoljeća Nizozemska je dosegla visoku gospodarsku i kulturnu razinu te se pretvorila u prosperitetnu europsku državu.

Tu je nastala nizozemska polifona škola - jedan od najvećih fenomena renesansne glazbe. Za razvoj umjetnosti 15. stoljeća bila je važna komunikacija glazbenika iz različitih zemalja, međusobni utjecaj kreativnih škola. Nizozemska škola apsorbirala je tradiciju Italije, Francuske, Engleske i same Nizozemske.

Njegovi istaknuti predstavnici: Guillaume Dufay (1400.-1474.) (Dufay) (oko 1400. - 27.11.1474., Cambrai), francusko-flamanski skladatelj, jedan od utemeljitelja nizozemske škole. Temelje polifone tradicije nizozemske glazbe postavio je Guillaume Dufay (oko 1400. - 1474.). Rođen je u gradu Cambrai u Flandriji (pokrajina na jugu Nizozemske) i od malih nogu je pjevao u crkvenom zboru. Paralelno, budući glazbenik uzimao je privatne sate skladanja. Dufay je u mladosti otišao u Italiju, gdje je napisao svoje prve skladbe - balade i motete. Godine 1428-1437. služio je kao pjevač u papinskoj kapeli u Rimu; tijekom tih godina proputovao je Italiju i Francusku. Godine 1437. skladatelj je preuzeo sveti red. Na dvoru savojskog vojvode (1437.-1439.) skladao je glazbu za svečane ceremonije i blagdane. Dufaya su visoko poštovali plemeniti ljudi - među njegovim obožavateljima bili su, primjerice, bračni par Medici (vladari talijanskog grada Firence). [Radio u Italiji i Francuskoj. 1428-37 bio je pjevač papinskih kapela u Rimu i drugim talijanskim gradovima, 1437-44 služio je kod savojskog vojvode. Od 1445. kanonik i voditelj glazbenih aktivnosti katedrale u Cambraiju. Majstor duhovnih (3-, 4-glasne mise, moteti), kao i svjetovnih (3-, 4-glasne francuske šansone, talijanske pjesme, balade, rondo) žanrova povezanih s pučkom polifonijom i humanističkom kulturom renesanse. Umjetnost D., koja je apsorbirala dostignuća europske glazbene umjetnosti, imala je velik utjecaj na daljnji razvoj europske polifone glazbe. Bio je i reformator glazbenog pisma (D. je zaslužan za uvođenje nota s bijelim glavama). Cjelokupna djela D. objavljena u Rimu (6 sv., 1951-66).] Dufay je prvi među skladateljima počeo skladati Misu kao cjelovitu glazbenu skladbu. Za stvaranje crkvene glazbe potreban je izniman talent: sposobnost izražavanja apstraktnih, neopipljivih pojmova konkretnim, materijalnim sredstvima. Poteškoća leži u činjenici da takva kompozicija, s jedne strane, ne ostavlja slušatelja ravnodušnim, a s druge strane, ne odvraća pažnju od obožavanja, pomaže da se dublje usredotoči na molitvu. Mnoge su Dufayeve mise nadahnute, pune unutarnjeg života; čini se da pomažu da se na trenutak podigne veo Božanske objave.

Često je Dufay prilikom stvaranja mise uzimao poznatu melodiju kojoj je dodavao svoju. Takve su posudbe karakteristične za renesansu. Smatralo se vrlo važnim da se misa temelji na poznatoj melodiji koju su vjernici lako prepoznali čak iu višeglasnom djelu. Često se koristio fragment gregorijanskog pjevanja; svjetovna djela nisu bila isključena.

Osim crkvene glazbe, Dufay je skladao motete na svjetovne tekstove. U njima se također služio složenom polifonom tehnikom.

Josquin Despres (1440.-1521.). Predstavnik nizozemske polifone škole druge polovice XV. bio je Josquin Despres (oko 1440.-1521. ili 1524.), koji je imao velik utjecaj na rad skladatelja sljedeće generacije. U mladosti je služio kao pjevač crkvenog zbora u Cambraiju; uzimao satove glazbe od Okegyoma. U dobi od dvadeset godina mladi je glazbenik došao u Italiju, pjevao u Milanu s vojvodama od Sforze (kasnije je ovdje službovao veliki talijanski umjetnik Leonardo da Vinci) i u papinskoj kapeli u Rimu. U Italiji je Despres vjerojatno počeo skladati glazbu. Na samom početku XVI. stoljeća. preselio se u Pariz. U to vrijeme Despres je već bio poznat, a na mjesto dvorskog glazbenika pozvao ga je francuski kralj Luj XII. Od 1503. Despres se ponovno nastanio u Italiji, u gradu Ferrara, na dvoru vojvode d'Este. Despres je mnogo skladao, a njegova je glazba brzo stekla priznanje u najširim krugovima: voljeli su je i plemstvo i obični ljudi. Skladatelj je stvorio ne samo crkvena djela, već i svjetovna. Osobito se okrenuo žanru talijanske narodne pjesme - frottola (tal. frottola, od frotta - "gomila"), koju karakteriziraju plesni ritam i brzim tempom. U crkvenu glazbu Despres je donio značajke svjetovnih djela: svježa, živahna intonacija narušila je strogu odvojenost i pobudila osjećaj radosti i punine bića. Međutim, osjećaj za mjeru nikada nije iznevjerio skladatelja. Despresova polifona tehnika ne odlikuje se sofisticiranošću, njegova djela su elegantno jednostavna, ali se u njima osjeća autorov snažan intelekt, u tome je tajna popularnosti njegovih kreacija.

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Mlađi suvremenici Guillaumea Dufaya bili su Johannes (Jean) Okeghem (oko 1425.-1497.) i Jacob Obrecht. Kao i Dufay, Okegem je bio iz Flandrije. Cijeli život je teško radio; uz skladanje glazbe djelovao je i kao voditelj kapele. Skladatelj je stvorio petnaest misa, trinaest moteta, više od dvadeset šansona. Okegyomova djela karakteriziraju strogost, koncentracija i dugo odvijanje glatkih melodijskih linija. Veliku pozornost pridavao je polifonoj tehnici, a nastojao je da se svi dijelovi mise shvate kao cjelina. Skladateljev kreativni stil vidljiv je iu njegovim pjesmama - gotovo su lišene svjetovne lakoće, karakterom više podsjećaju na motete, a ponekad i na fragmente misa. Johannes Okegem bio je cijenjen u zemlji i inozemstvu (imenovan je savjetnikom francuskog kralja). Jakob Obrecht bio je zborist u katedralama raznih gradova u Nizozemskoj, vodio je kapele; nekoliko godina služio je na dvoru vojvode d'Este u Ferrari (Italija). Autor je dvadeset i pet misa, dvadeset moteta, trideset šansona. Koristeći se dostignućima svojih prethodnika, Obrecht je unio mnogo novoga u polifonoj tradiciji Njegova je glazba puna kontrasta, smjela čak i kad se skladatelj okreće tradicionalnim crkvenim žanrovima.

Svestranost i dubina kreativnosti Orlando Lasso. Povijest nizozemske renesansne glazbe zaokružuje djelo Orlanda Lassa (pravim imenom i prezimenom Roland de Lasso, oko 1532.-1594.), kojeg su suvremenici nazivali "belgijskim Orfejem" i "princem glazbe". Lasso je rođen u Monsu (Flandrija). Od djetinjstva je pjevao u crkvenom zboru, zadivljujući župljane prekrasnim glasom. Gonzaga, vojvoda talijanskog grada Mantove, slučajno čuvši mladog pjevača, pozvao ga je u svoju kapelu. Nakon Mantove, Lasso je kratko vrijeme radio u Napulju, a zatim se preselio u Rim - gdje je dobio mjesto voditelja kapele jedne od katedrala. Do dvadeset i pete godine Lasso je već bio poznat kao skladatelj, a njegove su skladbe bile tražene među glazbenim izdavačima. Godine 1555. objavljena je prva zbirka djela koja je sadržavala motete, madrigale i šansone. Lasso je proučavao sve ono najbolje što su stvorili njegovi prethodnici (nizozemski, francuski, njemački i talijanski skladatelji), te je njihovo iskustvo koristio u svom radu. Kao izvanredna osobnost, Lasso je nastojao prevladati apstraktnu prirodu crkvene glazbe, dati joj individualnost. Skladatelj je u tu svrhu ponekad koristio žanrovske i svakodnevne motive (teme narodnih pjesama, plesova), spajajući tako crkvenu i svjetovnu tradiciju. Lasso je spojio složenost polifone tehnike s velikom emocionalnošću. Bio je posebno uspješan u madrigalima, u čijim se tekstovima otkrivalo stanje duha likova, na primjer, Suze svetog Petra "(1593.) na stihove talijanskog pjesnika Luigija Tranzilla. Skladatelj je često pisao za velik broj glasova (pet do sedam) pa su mu djela teška za izvođenje .

Od 1556. Orlando Lasso živio je u Münchenu (Njemačka), gdje je vodio kapelu. Do kraja života njegov je autoritet u glazbenim i umjetničkim krugovima bio vrlo visok, a slava se pronijela diljem Europe. Nizozemska polifona škola imala je velik utjecaj na razvoj glazbene kulture Europe. Načela polifonije koja su razvili nizozemski skladatelji postala su univerzalna, a skladatelji 20. stoljeća koristili su mnoge umjetničke tehnike u svom radu.

Francuska. Za Francusku je XV-XVI stoljeće postalo doba važnih promjena: Stogodišnji rat (1337-1453) s Engleskom završio je krajem XV stoljeća. dovršeno je ujedinjenje države; u 16. stoljeću zemlja je doživjela vjerske ratove između katolika i protestanata. U snažnoj državi s apsolutnom monarhijom porasla je uloga dvorskih slavlja i pučkih svetkovina. To je pridonijelo razvoju umjetnosti, posebice glazbe, koja je pratila takve akcije. Povećao se broj vokalno-instrumentalnih ansambala (kapela i pratnja) koje je činio značajan broj izvođača. Tijekom vojnih pohoda u Italiji Francuzi su se upoznali s dostignućima talijanske kulture. Duboko su osjećali i prihvaćali ideje talijanske renesanse – humanizam, želju za skladom s vanjskim svijetom, za uživanjem u životu.

Ako se u Italiji glazbena renesansa povezivala prvenstveno s misom, onda su francuski skladatelji, uz crkvenu glazbu, posebnu pozornost posvetili svjetovnoj višeglasnoj pjesmi – šansoni. Zanimanje za nju u Francuskoj javlja se u prvoj polovici 16. stoljeća, kada je objavljena zbirka glazbenih drama Clementa Janequina (oko 1485.-1558.). Upravo se ovaj skladatelj smatra jednim od tvoraca žanra.

Glavna zborska programska djela Clementa Janequina (1475.-1560.). Kao dijete, Janequin je pjevao u crkvenom zboru u svom rodnom gradu Châtelleraultu (središnja Francuska). U budućnosti je, kako sugeriraju glazbeni povjesničari, učio kod nizozemskog majstora Josquina Despresa ili kod nekog skladatelja iz njegove pratnje. Nakon što je primio svećeništvo, Janequin je radio kao regent (vođa zbora) i orguljaš; tada ga je u službu pozvao vojvoda od Guisea. Godine 1555. glazbenik je postao pjevač Kraljevske kapele, a 1556.-1557. - kraljevski dvorski skladatelj. Clement Janequin stvorio je dvjesto osamdeset šansona (objavljenih između 1530. i 1572.); pisao crkvenu glazbu – mise, motete, psalme. Njegove su pjesme često bile slikovite prirode. Pred umnim okom slušatelja su slike bitke ("Bitka kod Marignana", "Bitka za rentu", "Bitka kod Metza"), scene lova ("Lov"), slike prirode ("Ptičji pjev", "Slavuj" “, „Ševa“ ), prizori iz svakodnevice („Žensko brbljanje“). Nevjerojatno bistar, skladatelj je uspio prenijeti atmosferu pariške svakodnevice u šansoni "Cries of Paris": u tekst je uveo uzvike prodavača ("Mlijeko!" - "Pite!" - "Artičoke!" - " Riba!" - "Šibice!" - "Golubovi!" - "Stare cipele!" - "Vino!"). Janequin gotovo da nije koristio duge i glatke teme za pojedinačne glasove i složene polifone uređaje, preferirajući prozivke, ponavljanja i onomatopeju.

Još jedan smjer francuske glazbe povezan je s paneuropskim pokretom reformacije.

U crkvenim službama francuski protestanti (hugenoti) napustili su latinski i polifoniju. Sakralna glazba dobila je otvorenije, demokratskije obilježje. Jedan od najsjajnijih predstavnika te glazbene tradicije bio je Claude Goudimel (između 1514. i 1520.-1572.), autor psalama na temelju biblijskih tekstova i protestantskih napjeva.

šansona. Jedan od glavnih glazbenih žanrova francuske renesanse je šansona (fr. chanson - "pjesma"). Porijeklo mu je u narodnoj umjetnosti (uglazbljeni su rimovani stihovi epskih priča), u umjetnosti srednjovjekovnih trubadura i trouverura. Po sadržaju i raspoloženju šansona je mogla biti vrlo raznolika - bilo je ljubavnih pjesama, svakodnevnih, šaljivih, satiričnih itd. Skladatelji su za tekstove uzimali narodne pjesme i modernu poeziju.

Italija. S početkom renesanse u Italiji se širi svakodnevno sviranje na raznim instrumentima; nastali su krugovi ljubitelja glazbe. Na stručnom planu formirale su se dvije najjače škole: rimska i mletačka.

Madrigal. Tijekom renesanse raste uloga svjetovnih žanrova. U XIV stoljeću. madrigal se pojavio u talijanskoj glazbi (od kasnolat. matricale - "pjesma na domaćem jeziku"). Nastala je na temelju narodnih (pastirskih) pjesama. Madrigali su bili dvoglasne ili troglasne pjesme, često bez instrumentalne pratnje. Napisane su na stihove modernih talijanskih pjesnika, koji su govorili o ljubavi; bilo je pjesama svakodnevne i mitološke tematike.

Tijekom 15. stoljeća skladatelji se gotovo nisu obraćali ovom žanru; zanimanje za nju oživjelo je tek u 16. stoljeću. Karakteristična značajka madrigala 16. stoljeća je uska povezanost glazbe i poezije. Glazba je fleksibilno pratila tekst, odražavajući događaje opisane u poetskom izvoru. S vremenom su se razvili osebujni melodijski simboli koji su označavali nježne uzdahe, suze itd. U djelima nekih skladatelja simbolizam je bio filozofski, primjerice u madrigalu Gesualda di Venose "Umirem, nesretniče" (1611.).

Vrhunac žanra pada na prijelaz XVI-XVII stoljeća. Ponekad se, istovremeno s izvođenjem pjesme, odigravao i njezin zaplet. Madrigal je postao osnova madrigalske komedije (zborska skladba na tekst komedije), koja je pripremila pojavu opere.

Rimska polifona škola. Giovanni de Palestrina (1525.-1594.). Voditelj rimske škole bio je Giovanni Pierluigi da Palestrina, jedan od najvećih skladatelja renesanse. Rođen je u talijanskom gradu Palestrina, po kojem je i dobio prezime. Palestrina je od djetinjstva pjevao u crkvenom zboru, a kad je postao punoljetan, pozvan je na mjesto kapelnika (zborovođe) u bazilici svetog Petra u Rimu; kasnije služio u Sikstinskoj kapeli (dvorska papina kapela).

Rim, središte katolicizma, privukao je mnoge vodeće glazbenike. U različitim vremenima ovdje su radili nizozemski majstori polifonije Guillaume Dufay i Josquin Despres. Njihova razvijena skladateljska tehnika ponekad je ometala percepciju teksta bogoslužja: on se gubio iza istančanog pleksusa glasova i riječi se, zapravo, nisu čule. Stoga su crkvene vlasti zazirale od takvih djela i zalagale se za povratak jednoglasa temeljenog na gregorijanskim koralima. Pitanje dopuštenosti polifonije u crkvenoj glazbi raspravljalo se još na Tridentskom saboru Katoličke crkve (1545.-1563.). Papi blizak, Palestrina je uvjerio čelnike Crkve u mogućnost stvaranja djela u kojima skladateljska tehnika ne bi smetala razumijevanju teksta. Kao dokaz, skladao je "Missu pape Marcella" (1555.), koja kombinira složenu polifoniju s jasnim i izražajnim zvukom svake riječi. Tako je glazbenik "spasio" profesionalnu višeglasnu glazbu od progona crkvenih vlasti. Godine 1577. skladatelj je pozvan na raspravu o reformi graduala - zbirke svetih pjesama Katoličke crkve. U 80-ima. Palestrina je primio sveti red, a 1584. postao je članom Društva glazbenih majstora - udruge glazbenika koja je bila izravno podređena papi.

Djelo Palestrine prožeto je svijetlim svjetonazorom. Djela koja je stvorio zadivila su njegove suvremenike kako vrhunskim umijećem tako i količinom (više od stotinu misa, tri stotine moteta, stotinu madrigala). Složenost glazbe nikada nije bila prepreka njezinoj percepciji. Skladatelj je znao pronaći zlatnu sredinu između profinjenosti skladbi i njihove pristupačnosti slušatelju. Glavni kreativni zadatak Palestrina je vidio u razvijanju cjelovitog velikog djela. Svaki se glas u njegovim napjevima razvija samostalno, ali istovremeno s ostalima čini jedinstvenu cjelinu, a često glasovi tvore kombinacije akorda koji su upečatljivi svojom ljepotom. Često se čini da se melodija gornjeg glasa uzdiže iznad ostalih, ocrtavajući "kupolu" polifonije; svi glasovi su glatki i razvijeni.

Glazbenici sljedeće generacije smatrali su umjetnost Giovannija da Palestrine uzornom i klasičnom. Na njegovim su skladbama učili mnogi istaknuti skladatelji 18. i 18. stoljeća.

Drugi smjer renesansne glazbe povezan je s radom skladatelja venecijanske škole, čiji je začetnik bio Adrian Villaart (oko 1485.-1562.). Njegovi su učenici bili orguljaš i skladatelj Andrea Gabrieli (između 1500. i 1520. - nakon 1586.), skladatelj Cyprian de Pope (1515. ili 1516.-1565.) i drugi glazbenici. Ako se djela Palestrine odlikuju jasnoćom i strogom suzdržanošću, tada su Willart i njegovi sljedbenici razvili veličanstven zborski stil. Da bi postigli surround zvuk, igru ​​zvukova, koristili su nekoliko zborova u skladbama, smještenim na različitim mjestima hrama. Korištenje prozivki između zborova omogućilo je ispunjenje crkvenog prostora neviđenim efektima. Ovaj pristup odražava humanističke ideale epohe u cjelini - sa svojom vedrinom, slobodom i samom venecijanskom umjetničkom tradicijom - sa svojom željom za svim svijetlim i neobičnim. U djelu venecijanskih majstora glazbeni jezik također postaje složeniji: ispunjen je smjelim kombinacijama akorda, neočekivanim harmonijama.

Markantna ličnost renesanse bio je Carlo Gesualdo di Venosa (oko 1560.-1613.), knez grada Venose, jedan od najvećih majstora svjetovnog madrigala. Proslavio se kao filantrop, svirač lutnje i skladatelj. Princ Gesualdo bio je prijatelj s talijanskim pjesnikom Torquatom Tassom; ostala su najzanimljivija pisma u kojima oba umjetnika raspravljaju o pitanjima književnosti, glazbe i likovne umjetnosti. Gesualdo di Venosa uglazbio je mnoge Tassove pjesme - tako su se pojavili brojni visokoumjetnički madrigali. Kao predstavnik kasne renesanse, skladatelj je razvio novu vrstu madrigala, gdje su na prvom mjestu osjećaji - burni i nepredvidljivi. Stoga njegova djela karakteriziraju fluktuacije u glasnoći, intonacije slične uzdasima, pa čak i jecajima, oštri akordi i kontrastne promjene u tempu. Te su tehnike Gesualdovoj glazbi dale ekspresivan, pomalo bizaran karakter, pogađala je i istodobno privlačila suvremenike. Naslijeđe Gesualda di Venosa sastoji se od sedam zbirki polifonih madrigala; među duhovnim skladbama - "Svete pjesme". Njegova glazba ni danas ne ostavlja slušatelja ravnodušnim.

Razvoj žanrova i oblika instrumentalne glazbe. Instrumentalna glazba također je obilježena pojavom novih žanrova, ponajprije instrumentalnog koncerta. Violina, čembalo, orgulje postupno su se pretvorile u solističke instrumente. Glazba napisana za njih omogućila je pokazati talent ne samo za skladatelja, već i za izvođača. Prije svega, cijenila se virtuoznost (sposobnost suočavanja s tehničkim poteškoćama), koja je postupno postala sama sebi svrha i umjetnička vrijednost za mnoge glazbenike. Skladatelji 17.-18. stoljeća obično nisu samo skladali glazbu, već su i virtuozno svirali instrumente, a bavili su se i pedagoškim aktivnostima. Dobrobit umjetnika uvelike je ovisila o konkretnom kupcu. U pravilu je svaki ozbiljan glazbenik nastojao dobiti mjesto ili na dvoru monarha ili bogatog aristokrata (mnogi pripadnici plemstva imali su vlastite orkestre ili operne kuće), ili u hramu. Štoviše, većina skladatelja lako je spajala crkveno muziciranje sa službom svjetovnog zaštitnika.

Engleska. Kulturni život Engleske tijekom renesanse bio je usko povezan s reformacijom. U 16. stoljeću protestantizam se proširio po cijeloj zemlji. Katolička crkva izgubila je svoju dominantnu poziciju, Anglikanska crkva postala je država, koja je odbila priznati neke dogme (temeljne odredbe) katolicizma; većina samostana je prestala postojati. Ti su događaji utjecali na englesku kulturu, uključujući glazbu. Na sveučilištima Oxford i Cambridge otvoreni su glazbeni odsjeci. U plemićkim salonima zvučala su glazbala s tipkama: virginal (vrsta čembala), prijenosne (male) orgulje itd. Popularne su bile male skladbe namijenjene kućnom muziciranju. Najistaknutiji predstavnik tadašnje glazbene kulture bio je William Byrd (1543. ili 1544.-1623.) - glazbeni izdavač, orguljaš i skladatelj. Bird je postao predak engleskog madrigala. Djela mu se odlikuju jednostavnošću (izbjegavao je složena polifona sredstva), originalnošću forme koja slijedi tekst i harmonijskom slobodom. Sva su glazbena sredstva pozvana afirmirati ljepotu i radost života, nasuprot srednjovjekovnoj strogosti i suzdržanosti. U žanru madrigala, skladatelj je imao mnogo sljedbenika.

Bird je stvarao i duhovna djela (mise, psalme) i instrumentalnu glazbu. U skladbama za virginal koristio se motivima narodnih pjesama i plesova.

Skladatelj je silno želio da glazba koju je napisao "sretno nosi barem malo nježnosti, opuštenosti i zabave", napisao je William Byrd u predgovoru jedne od svojih glazbenih zbirki.

Njemačka. Veza njemačke glazbene kulture s reformacijskim pokretom. U 16. stoljeću u Njemačkoj je započela reformacija koja je značajno promijenila vjerski i kulturni život zemlje. Reformatori su bili uvjereni u potrebu promjena u glazbenom sadržaju bogoslužja. To je bilo zbog dva razloga. Do sredine XV stoljeća. polifono umijeće skladatelja koji su djelovali u žanrovima crkvene glazbe doseglo je izvanrednu složenost i sofisticiranost. Ponekad su nastajala djela koja, zbog melodijskog bogatstva glasova i dugotrajnih napjeva, većina župljana nije mogla percipirati i duhovno doživjeti. Osim toga, služba se vodila na latinskom jeziku, razumljivom Talijanima, ali stranom Nijemcima.

Utemeljitelj reformacijskog pokreta Martin Luther (1483.-1546.) smatrao je da je potrebna reforma crkvene glazbe. Glazba bi, kao prvo, trebala pridonijeti aktivnijem sudjelovanju župljana u bogoslužju (kod izvođenja višeglasnih skladbi to je bilo nemoguće), a kao drugo, potaknuti empatiju prema biblijskim događajima (što je ometalo vođenje službe na latinskom). Stoga su pred crkveno pjevanje stavljeni zahtjevi: jednostavnost i jasnoća melodije, ujednačen ritam i jasan oblik pjevanja. Na toj je osnovi nastao protestantski napjev - glavni žanr crkvene glazbe njemačke renesanse. Godine 1522. Luther je preveo Novi zavjet na njemački - od tada je postalo moguće bogoslužje na materinjem jeziku.

Sam Luther, kao i njegov prijatelj, njemački glazbeni teoretičar Johann Walter (1490.-1570.), aktivno je sudjelovao u izboru melodija za korale. Glavni izvori takvih melodija bile su narodne duhovne i svjetovne pjesme - nadaleko poznate i lako razumljive. Melodije za neke od korala koje je Luther sam skladao. Jedna od njih, “Gospodin je naša stijena”, postala je simbolom reformacije tijekom vjerskih ratova u 16. stoljeću.

Meistersingeri i njihova umjetnost. Još jedna svijetla stranica njemačke glazbe renesanse povezana je s djelovanjem Meistersingera (njem. Meistersinger - "majstor pjevač") - pjesnika i pjevača iz obrtničke sredine. Nisu bili profesionalni glazbenici, već prije svega obrtnici - oružari, krojači, staklari, postolari, pekari itd. Gradski savez takvih glazbenika uključivao je predstavnike raznih obrta. U 16. stoljeću Meistersingerove udruge postojale su u mnogim njemačkim gradovima.

Meistersingeri su skladali svoje pjesme prema strogim pravilima, kreativna inicijativa bila je ograničena mnogim ograničenjima. Početnik je prvo morao savladati ta pravila, zatim naučiti pjevati pjesme, zatim slagati tekstove na tuđe melodije, a tek onda je mogao stvoriti vlastitu pjesmu. Napjevi slavnih Meistersingera i Minnesingera smatrani su uzorcima melodija.

Izvanredan majstor pjevača 16. stoljeća. Hans Sachs (1494.-1576.) potjecao je iz krojačke obitelji, ali je u mladosti napustio roditeljski dom i otišao putovati po Njemačkoj. Tijekom svojih lutanja mladić je izučio postolarski zanat, ali što je najvažnije, upoznao je narodnu umjetnost. Sachs je bio dobro obrazovan, dobro je poznavao antičku i srednjovjekovnu književnost, čitao je Bibliju u njemačkom prijevodu. Bio je duboko prožet idejama reformacije, pa je pisao ne samo svjetovne pjesme, već i duhovne (ukupno oko šest tisuća pjesama). Hans Sachs proslavio se i kao dramatičar (vidi članak "Kazališna umjetnost renesanse").

Glazbeni instrumenti renesanse. Tijekom renesanse, sastav glazbenih instrumenata značajno se proširio, nove su sorte dodane već postojećim gudačima i puhačima. Među njima posebno mjesto zauzimaju viole - obitelj gudačkih gudača koje zadivljuju ljepotom i plemenitošću zvuka. Oblikom podsjećaju na instrumente moderne obitelji violina (violina, viola, violončelo) i čak se smatraju njihovim neposrednim prethodnicima (u glazbenoj su praksi koegzistirali sve do sredine 18. stoljeća). Ipak, razlika postoji, i to značajna. Viole imaju sustav rezonantnih žica; u pravilu ih ima onoliko koliko i glavnih (šest do sedam). Vibracije rezonantnih žica čine da viola zvuči meko, baršunasto, ali je teško koristiti instrument u orkestru, jer zbog velikog broja žica brzo se rasklapa.

Dugo se vremena zvuk viole smatrao modelom sofisticiranosti u glazbi. U obitelji viola postoje tri glavne vrste. Viola da gamba je veliki instrument koji izvođač postavlja okomito i steže sa strane nogama (talijanska riječ gamba znači "koljeno"). Druge dvije varijante - viola da braccio (od it. braccio - "podlaktica") i viola d "amour (fr. viole d" amour - "viola ljubavi") bile su vodoravno usmjerene, a kada su svirale bile su pritisnute uz rame. Viola da gamba je po rasponu zvuka bliska violončelu, violini viola da braccio, a violi viola d'amour.

Među trzalačkim instrumentima renesanse glavno mjesto zauzima lutnja (poljski lutnia, od arapskog "alud" - "drvo"). U Europu je došao s Bliskog istoka krajem 14. stoljeća, a do početka 16. stoljeća postojao je golem repertoar za ovo glazbalo; Najprije su se pjevale pjesme uz pratnju lutnje. Lutnja ima kratko tijelo; gornji dio je ravan, a donji dio podsjeća na polukuglu. Na široki vrat je pričvršćen vrat, podijeljen pragovima, a glava instrumenta je savijena unatrag gotovo pod pravim kutom. Ako želite, možete vidjeti sličnost zdjele u obliku lutnje. Dvanaest žica grupirano je u parove, a zvuk se izvlači i prstima i posebnom pločom - plektrom.

U XV-XVI stoljeću pojavile su se razne vrste klavijatura. Glavne vrste takvih instrumenata - čembalo, klavikord, cembalo, virginal - aktivno su se koristile u glazbi renesanse, ali njihov pravi vrhunac došao je kasnije.