موزه رادیشفسکی هنر و صنایع دستی

بازتاب نقطه عطف عصر پترین در هنر و صنایع دستی. تأثیرات هنری اروپای غربی (هلند، انگلستان، فرانسه، ایتالیا). فرآیندهای شکل گیری نظام املاک و تقویت فرهنگ سکولار و تأثیر آنها بر توسعه هنر و صنایع دستی. هنرها و صنایع دستی چند لایه، توسعه ناهموار مناطق فردی آن. حفظ و توسعه روندهای سنتی (فرهنگ استانی و عامیانه، هنر کلیسا).

ارتقای فناوری صنایع دستی و تولیدات فابریک. تولد صنعت هنر (ساخت ملیله، شیشه هنری، فیانس، تراش سنگ، ابریشم و تولید پارچه). تولید فابریک اقلام شیک، اقلام لوکس. کشف و توسعه ذخایر مس، قلع، نقره، سنگ رنگی، خاک رس با کیفیت بالا.

نقش فرهنگستان علوم در «رونق هنرهای آزاد و کارخانه‌های تولیدی»، بازتابی از علوم طبیعی و علایق فنی جدید در هنر و صنایع دستی. اشکال جدید آموزش و پرورش استادان در کارخانه های هنری. تعطیلی کارگاه های اسلحه سازی. بازنشستگی و نقش آن در توسعه انواع خاصی از هنرها و صنایع دستی. ظهور سازمان های صنفی صنعتگران در روسیه. کار استادان خارجی در زمینه های مختلف هنر و صنایع دستی.

سبک هنری در هنر و صنایع دستی. مد، تاثیر آن در تغییر سلیقه، تغییر محیط موضوع. ظهور انواع جدیدی از اشیاء، تجدید ایده های زیبایی شناختی در هنر و صنایع دستی. روندهای سنتز هنر. نقش معماری، هنرهای یادبود، گرافیک و نسخه های مصور در توسعه هنر و صنایع دستی. روندهای تزئینی فرهنگ باروک در طراحی جشن ها، مجتمع های دروازه های پیروزی، هنر باغ و پارک.

هنر طراحی داخلی به عنوان نوع خاصی از فعالیت هنری در آثار معماران ربع اول قرن هجدهم. اولین آثار داخلی و روندهای اصلی سبک (باروک، روکوکو، کلاسیک). انواع جدید محل ها (مطالعه، اتاق خواب های جلو، اتاق نشیمن، "گردشخانه"، "سالن های تصویر") و محتوای آنها (کاخ تابستانی، کاخ A.D. Menshikov، کاخ بزرگ Peterhof، Monplaisir). آثار استادان فرانسوی. "Chinoiserie" در فضای داخلی عصر پترین.

حل مجموعه ای از محیط موضوع. ظهور فعالیت های طراحی در زمینه فرهنگ مادی و هنر و صنایع دستی.

توسعه تجارت مبلمان. انواع و اشکال جدید مبلمان، مواد و روش های دکوراسیون. تاثیر مبلمان انگلیسی و هلندی. مبلمان باروک و روکوکو.

کنده کاری چوب، نقش آن در فضای داخلی. نقش برجسته های کنده کاری شده. نماد کلیسای جامع پیتر و پل. تجارت کشتی و حمل و نقل.

تجارت نقره. حفظ سنت های قرن هفدهم. ایجاد مغازه های طلا و نقره سازی. هنر جواهرسازی. پرتره مینیاتور روی مینا. سفارش علائم و افراد "شکایت کننده". اولین استادان مینیاتورهای تصویری گریگوری موزیکیسکی و آندری اووسوف بودند.

سرامیک و فیانس از دوران پترین. کاشی هلندی در فضای داخلی. گسترش واردات محصولات فیانس از انگلستان و هلند. اولین کارخانه خصوصی A. Grebenshchikov در مسکو، ظاهر فینس خوب داخلی.

افزایش مصرف شیشه، تأسیس کارخانه های شیشه در یامبورگ و ژابینو نزدیک سن پترزبورگ. آینه و وسایل روشنایی. شکل گیری سبک ظروف کاخ تشریفاتی با حکاکی مات. اولین کارخانه خصوصی شیشه و کریستال مالتسف در منطقه Mozhaisk.

تراش سنگ و تراش سنگ. تأسیس اولین کارخانه های برش در پترهوف و یکاترینبورگ. کنده کاری استخوان. تکنیک های اصلی کنده کاری، دستگاه های سبکی. سنت های خوولموگوری. ظاهر ماشین های تراش، تغییر در شکل محصولات. تراش پتروفسکی و A. Nartov. تأثیر قلم زنی و کتاب مصور در کنده کاری استخوان. پایه و اساس کارخانه اسلحه تولا، توسعه هنر پردازش هنری فولاد در اقلام تزئینی.

تیپ شناسی لباس. تغییر لباس قرون وسطایی به کت و شلوار نمونه اروپایی. وضع قوانین پوشیدن و انواع لباس نجیب توسط پیتر. معرفی لباس و لباس رسمی ارتش و نیروی دریایی، برای مقامات. ظهور کارخانه های جدید به دلیل تغییر در لباس. جایگزینی پارچه های شرقی با پارچه های اروپای غربی. نمونه هایی از کت و شلوار مردانه از کمد لباس پیتر اول.

پایه و اساس کارخانه داربست سن پترزبورگ. آموزش استادان روسی.

هنر تزئینی و کاربردی عصر آنا یوآنونا. نقره هنری. تاسیس یک کارخانه شیشه سازی دولتی در فونتانکا در سن پترزبورگ. فعالیت های کارخانه ملیله سازی. سبک ملیله کاری و کاربرد در فضای داخلی. ال.کارواک و پروژه های او در زمینه هنر تزئینی.

احیای فرهنگ هنری در سلطنت الیزابت پترونا. غلبه تأثیرات فرانسوی. باروک و روکوکو در هنر روسیه روکوکو در فضای داخلی، لباس، جواهرات، هنر باغبانی. سنتز معماری و هنر و صنایع دستی در فضای داخلی باروک و روکوکو. آثار VV Rastrelli و A. Rinaldi در زمینه طراحی داخلی. مواد و تکنیک های تزئینی برای دکوراسیون داخلی. انواع مبلمان باروک و روکوکو. پارچه در فضای داخلی. نورپردازی. گروه در انواع هنرها و صنایع دستی نیمه دوم و نیمه قرن.

تجارت نقره. تایید سبک باروک آثار یادگاری و تزیینی. خدمات تشریفاتی بزرگ. تغییر شکل اجسام، انواع جدید ظروف برای محصولات جدید. هنر جواهرسازی. فعالیت های استادان دربار. سبک روکوکو در هنر جواهرات. انواع زیورآلات زنانه. سنگ رنگی در جواهرات.

کت و شلوار، تصویر آن، نوع برش، مواد، لوازم جانبی، ماهیت پایان. تاثیر مد فرانسوی باروک و روکوکو در لباس زنانه و مردانه.

اختراع چینی خانگی. تاسیس یک کارخانه چینی در سن پترزبورگ. فعالیت های D.I. Vinogradov و دوره "Vinogradov" توسعه چینی روسی. اولین خدمات کاخ گلدان پلاستیک کوچک. ایجاد یک کارخانه دولتی فینس در سن پترزبورگ.

شیشه حکاکی شده از دوران الیزابت. فعالیت های کارخانه شیشه ای دولتی سنت پترزبورگ و کارخانه روی رودخانه. نازی. باروک و روکوکو در شیشه های هنری. شیشه در دکوراسیون داخلی کاخ VV Rastrelli. کارخانه های خصوصی نمچینوف ها و مالتسف ها. آزمایشات M. V. Lomonosov در زمینه شیشه های رنگی، آغاز تولید آن در کارخانه Ust-Ruditskaya.

کنده کاری استخوان. سبک روکوکو کار اوسیپ دودین منبت کار.

هنر تزئینی و کاربردی نیمه دوم قرن هجدهم.

کلاسیک گرایی در هنرهای تزئینی 1760-1790 ترکیب سبک روکوکو با نقوش عتیقه. نقش معماران در هنرها و صنایع دستی دوران کلاسیک. تربیت استادان هنر و صنایع دستی در فرهنگستان هنر.

فضای داخلی کلاسیک اولیه مواد و فرم‌ها، رنگ‌آمیزی، تزیینات مجسمه‌سازی، ارزان‌تر شدن روکش‌های تزئینی. کار داخلی سی. کامرون. طیف وسیعی از تکنیک های تزئینی، مواد جدید، تصویر محل و گروه. دکوراسیون داخلی توسط V. Brenna.

مبلمان کلاسیک، شخصیت، فرم ها، تأثیرات. نمونه های اولیه باستانی انواع مبلمان جدید. مشارکت معماران در توسعه هنر مبلمان در روسیه (برنا، لووف، کامرون، ورونیخین). مبلمان D. Roentgen در روسیه. کارگاه G. Gambs و I. Ott. سبک یعقوب در مبلمان روسی. تغییر مواد در هنر مبلمان (ماهون، چوب طلاکاری، صنوبر، توس کارلیایی). پارچه و گلدوزی در مبلمان.

کارگاه Spol در مسکو. دکور حک شده در فضای داخلی M. Kazakov. مبلمان حکاکی شده کاخ اوستانکینو. اوج تکنیک مجموعه در مبلمان روسی در نیمه دوم قرن، روش های اجرا و مواد. تولید مبلمان در Okhta در سن پترزبورگ. پاپیه ماشه به عنوان ماده ای برای مبلمان و هنرهای تزئینی.

برنز هنری روسیه و فرانسه. انواع اصلی محصولات و تکنیک های تزئینی. برنز و شیشه در وسایل روشنایی. برنز در دکوراسیون گلدان و مبلمان سنگی و چینی. فعالیت های خانه ریخته گری. استادان برنز خارجی در سن پترزبورگ (پ. آژی، ای. تسخ و دیگران).

لباس. تغییر انواع و سیلوئت های لباس در دهه های 1770-1780. معرفی لباس نجیب یکنواخت. لباس مجلسی تشریفاتی، استفاده از فرم های تلطیف شده ملی. "سبک یونانی" دهه 1790 در لباس و مدل مو. تغییر اساسی در طراحی کت و شلوار. مد برای شال، روسری، شنل، مانتیلا، شال.

هنر جواهرات. فعالیت های I.Pozier, Dubulon, J.Ador, I.G. شارف، آی وی بوخ، برادران دوال. تاج شاهنشاهی بزرگ. کارگاه الماس مجلسی. نقره هنری. تاثیر نقره به سبک لویی شانزدهم فرانسه. هنر سیاه روی نقره. نقش فزاینده مراکز جواهرات شمالی - Vologda، Veliky Ustyug. کارخانه نیلو و محصولات مینای برادران پوپوف در ولیکی اوستیوگ. مینا با آستر نقره.

چینی، تکنیک های ساخت و دکوراسیون. کارخانه چینی امپریال. کلاسیک اولیه در اشکال و تزئینات محصولات. تاثیر چینی و فیانس اروپایی. فعالیت ها J.-D. راشتا. تماس های IPE با آکادمی هنر. گلدان های تزئینی و خدمات کاخ در فضای داخلی عصر کلاسیک. خدمات تشریفاتی بزرگ، ترکیب آنها، ماهیت طراحی. جستجو برای اشکال مناسب از اشیاء و تکنیک برای تزئین محصولات. مجسمه چینی (سری از چهره های "مردم روسیه"، "تجار و دستفروشان"). ژانر طراحی و حکاکی در مجسمه چینی و نقاشی روی چینی. محصولات بیسکویت. چینی "پاولوفسکی" اواخر دهه 1790.

کارخانه F. Gardner در Verbilki. سفارش خدمات

شیشه هنری. گیاه جی پوتمکین در اوزرکی. شیشه و کریستال رنگی. شیشه در فضای داخلی سی کامرون. کارخانه شیشه سلطنتی در دهه 1790. ارتباط محصولات کارخانه های چینی و شیشه امپراتوری. کارخانه باخمتف در استان پنزا. ظهور نقاشی روی شیشه در دهه های 1780 و 1790. نقوش گوتیک در شیشه های هنری.

فعالیت های کارخانه ملیله سازی. پیوند ملیله با روند کلی در نقاشی روسی (مضمون تاریخی، تمثیل، پرتره در ملیله). گذار از روکوکو به کلاسیک. ملیله در طراحی داخلی.

سنگ تراشی. نقش سی کامرون در توسعه فرهنگ سنگ رنگی و استفاده از آن در فضای داخلی. روش های جدید استفاده از سنگ "موزاییک روسی". فعالیت های کارخانه لاپیداری پترهوف. کشف ذخایر جدید سنگ رنگی در اورال و آلتای. کارخانه یکاترینبورگ و کارخانه کولیوان. اختراع ماشین آلات سنگ کاری. گلدان های طراحی شده توسط A. Voronikhin و D. Quarenghi.

دوران اوج استیل تولا (مبلمان و وسایل تزئینی). کارخانه های اعیانی و تجاری. کارخانه مینیاتورهای لاکی P.I. کروبوف. ظهور صنایع دستی در کارخانه های هنری. توسعه صنایع دستی هنری در نیمه دوم قرن هجدهم: نقاشی خوخلوما، توری بافی، منقوش بافی، قالی بافی، فلز هنری و غیره.

توسعه هنرهای تزئینی و کاربردیبه بهبود تکنیک‌های تولید صنایع دستی و کارخانه‌ای، ظهور صنعت هنری (ساخت ملیله، شیشه‌های هنری، فیانس، سنگ‌تراشی، تولید ابریشم و پارچه)، تولید کارخانه‌ای اشیای مد روز، کالاهای لوکس، کشف و توسعه ذخایر کمک کرد. از مس، قلع، نقره، سنگ رنگی، خاک رس با کیفیت بالا.

نقش فرهنگستان علوم در «رونق هنرهای آزاد و کارخانه‌های تولیدی» که منعکس‌کننده علایق جدید طبیعی-علمی و فنی در هنرهای تزئینی و کاربردی است، قابل توجه است. در نیمه اول قرن 18، اشکال جدیدی از آموزش و تربیت استادان در کارخانه های هنری ظاهر شد. سازمان های صنفی صنعتگران در روسیه وجود دارد که توزیع گسترده استادان خارجی در زمینه های مختلف هنرهای تزئینی و کاربردی را نفی نمی کند.

در هنر و صنایع دستی (اقلام داخلی، مبلمان، دکور) سبک به طور فعال توسط مد دیکته می شود. در نتیجه، انواع جدیدی از اشیاء ظاهر می شوند، ایده های زیبایی شناختی در هنر و صنایع دستی به روز می شوند. در هنرهای تزئینی و کاربردی اواسط قرن هجدهم، گرایش به سنتز هنرها وجود دارد که در آن معماری، مجسمه سازی، نقاشی و صنایع دستی کاربردی در یک مجموعه تزئینی ادغام می شوند.

در نتیجه، هنر طراحی داخلی به نوع خاصی از فعالیت هنری در آثار معماران قرن هجدهم تبدیل می شود. این نوع فعالیت هنری باعث پیدایش انواع جدید محوطه (مطالعه، اتاق های جلو، اتاق خواب، اتاق نشیمن، "تالارهای تصویر") و محتوای آنها (کاخ تابستانی، کاخ A.D. Menshikov، کاخ بزرگ پترهوف، Monplaisir) می شود.

همه اینها به توسعه تجارت مبلمان کمک می کند، انواع و اشکال جدید مبلمان، مواد و روش های تزئین آن ظاهر می شود. تأثیر مبلمان انگلیسی و هلندی در اینجا بسیار قوی است. تحت تأثیر اروپا، حتی سبک باروک و روکوکو در مبلمان در روسیه شکل می گیرد.

مبلمان کلاسیک دارای ویژگی و فرم مشخصی است. تا حد زیادی می توان نقوش عتیقه را در فرم ها و دکوراسیون مبلمان ردیابی کرد. در اواسط قرن 18، معماران در توسعه انواع جدید مبلمان شرکت داشتند، هنر مبلمان در روسیه ظاهر شد و مبلمان نویسنده (برنا، لووف، کامرون، ورونیخین). در نیمه دوم قرن هجدهم اولین کارگاه های مبلمان ظاهر شد (کارگاه G. Gambs و I. Ott). برای این دوره در هنر مبلمان با سبک "یعقوب" مشخص می شود. در نیمه دوم قرن 18، مواد در هنر مبلمان در حال تغییر بودند: چوب ماهون، چوب طلاکاری شده، صنوبر، توس کارلیایی در اینجا ظاهر شد. به طور فزاینده ای از منسوجات و گلدوزی در ساخت مبلمان استفاده می شود.

سرامیک و فیانس جایگاه ویژه ای در هنرهای تزئینی و کاربردی دارد. این امر در ابتدا به دلیل گسترش واردات محصولات فینس از انگلستان و هلند اتفاق می افتد. با این حال، به زودی اولین کارخانه خصوصی A. Grebenshchikov در مسکو ظاهر شد و فینس روسی را تولید کرد. بعدها سبک ظروف تشریفاتی کاخ با حکاکی مات شکل گرفت و مد کریستال به عنوان یک کالای داخلی گسترش یافت. این امر مستلزم افتتاح اولین کارخانه خصوصی شیشه و کریستال Maltsov در منطقه Mozhaisk است.

در قرن هجدهم به دلیل محبوبیت روزافزون هنر و صنایع دستی، دکوراسیون داخلی، مصرف شیشه افزایش یافت که برای ایجاد انواع آینه ها و وسایل روشنایی استفاده می شد.

مجسمه سازی و نقاشی نیمه دوم قرن هجدهم.

نقش مهمی در توسعه نقاشی قرن 18 توسط ایجاد ولادیمیر لوکیچ بوروویکوفسکی. علیرغم این واقعیت که این هنرمند رسماً به عنوان دانشجوی آکادمی ذکر نشده است ، او بدون شک از توصیه معلمان آن و مهمتر از همه لویتسکی استفاده کرد. استعداد طبیعی و پشتکار آهنین این هنرمند جوان به زودی به این واقعیت منجر شد که بوروویکوفسکی به رتبه های اولین استادان اواخر قرن 18 ارتقا یافت. او مجموعه‌ای از پرتره‌های عالی از معاصران خود از جمله G. Derzhavin، V. Arsenyeva، M. Lopukhina، O. Filippova و بسیاری دیگر خلق کرد. علاقه دائمی به تجربیات معنوی یک شخص، غزل و تأمل تأکید شده، برافروخته از مه احساساتی بودن، بسیار مشخصه آن دوران، مشخصه اکثر آثار بوروویکوفسکی است. این هنرمند هرگز مسیر ویژگی های ظاهری و سطحی تصویر را دنبال نکرد و پیوسته در تلاش برای انتقال ظریف ترین حرکات معنوی چهره های به تصویر کشیده شده بود.

بر کار او یک پرتره مجلسی غالب است. بوروویکوفسکی به دنبال تأیید عزت نفس و خلوص اخلاقی یک فرد است (پرتره لیزینکا و داشینکا ، پرتره E.N. Arsenyeva و غیره). در آغاز قرن 18-19، بوروویکوفسکی توسط شخصیت های قوی و پرانرژی جذب شد، او بر شهروندی، اشراف و حیثیت افرادی که به تصویر کشیده می شوند تمرکز می کند. ظاهر مدل های او محدودتر می شود ، پس زمینه منظره با تصویر داخلی جایگزین می شود (پرتره های A.A. Dolgorukov ، M.I. Dolgoruka و غیره).

Borovikovsky همچنین استاد شناخته شده مینیاتور پرتره است. مجموعه موزه روسیه شامل آثار متعلق به قلم مو او - پرتره های A.A. Menelas، V.V. Kapnist، N.I. Lvova و دیگران است. این هنرمند اغلب از قلع به عنوان پایه مینیاتورهای خود استفاده می کرد.

نقاشی پرتره روسی قرن 18 به اوج واقعی خود در آثار می رسد دی جی لویتسکی . قبلاً در یکی از کارهای اولیه خود - پرتره ای از معمار A. Kokorinov - لویتسکی توانایی های برجسته ای را به عنوان یک نقاش نشان داد. پرتره فیلسوف بزرگ ماتریالیست فرانسوی دی. دیدرو که توسط لویتسکی در سن پترزبورگ در سال 1773 کشیده شد و مجموعه پرتره های شاگردان مؤسسه اسمولنی که توسط این هنرمند خلق شده است از شایستگی هنری بالایی برخوردار است. تصاویر این دختران با صمیمیت و صمیمیت مشخص شده است، اصالت هر یک از آنها استادانه منتقل می شود.

پرتره های سال های بعدی - لووا، پدر هنرمند، باکونین ها، آنا داویا و بسیاری دیگر از شاهکارهای لویتسکی - گواه روشنی بر استعداد درخشان او هستند.

لویتسکی گالری گسترده‌ای از پرتره‌های معاصران خود ایجاد کرد و تصاویر زنده مردم آن دوران را به طور گسترده و کامل مانند دیگران ثبت کرد. هنر لویتسکی تاریخ توسعه نقاشی پرتره روسی را در قرن 18 تکمیل می کند. با این حال، باید به برخی از محدودیت‌های تعیین‌شده تاریخی نیز توجه داشت: لویتسکی مانند سایر هنرمندان برجسته زمان خود نمی‌توانست تضادهای اجتماعی واقعیت را منعکس کند. افرادی که توسط هنرمند به تصویر کشیده می شوند، مطابق با ایده های زیبایی شناختی غالب، همیشه تا حدودی ژست می گیرند، گویی می خواهند خود را در "دلپذیرترین" نور به بیننده نشان دهند. با این حال، در تعدادی از آثار خود هنرمند به سادگی و سرزندگی شگفت انگیزی دست می یابد.

میراث لویتسکی بسیار زیاد است و هنوز هم احساس لذت زیبایی شناختی مستقیم را در مخاطب ایجاد می کند. برتری حرفه ای آثار او و جهت گیری واقع گرایانه آنها، هنرمند را در یکی از افتخارآمیزترین مکان ها در کل تاریخ هنر روسیه قرار می دهد.

از معروف ترین آثار D.G. Levitsky می توان به موارد زیر اشاره کرد: "پرتره E.A. Vorontsova"، "پرتره معمار A.F. Kokorinov"، "Portrait of N.A. Lvov"، "Portrait of M.A. Dyakova"، "Portrait of Ursula Mniszek"، پرتره دختر آگاشی در لباس روسی» و غیره.

در زمینه پرتره نیز هنرمندان روسی نیمه دوم قرن هجدهم حرف تازه خود را زدند. وضوح ویژگی های روانشناختی، که بسیاری از پرتره های این زمان را مشخص کرده است، قابل توجه است - قلم مو بهترین استادان روسی به طور فزاینده ای به سمت انتقال واقعی تصویر یک شخص جذب می شود. قابل توجه است که در این زمان پرتره هایی نه تنها از اشراف و "قدرتمندان این جهان"، بلکه از تعدادی از شخصیت های عمومی مترقی نیز ساخته می شد. در این پرتره ها، عناصر شکوه و درخشندگی خارجی به طور کامل وجود ندارند. هنرمندان توجه خود را به انتقال محتوای درونی یک شخص، به افشای قدرت ذهن او، اشراف افکار و آرزوهای او معطوف می کنند.

توسعه پرتره روسی بیان شد کار F. Rokotov.

فدور استپانوویچ روکوتوف- یکی از بهترین نقاشان پرتره روسی. پس از دریافت آموزش هنر تحت راهنمایی L.-J. لو لورن و کنت پیترو روتاری به شیوه دومی کار می کردند، اما او بیش از او در طبیعت کاوش کرد و در اجرا کوشا بود. در سال 1762 او به عنوان کمکی در سن پترزبورگ تازه تاسیس پذیرفته شد. آکادمی هنر برای نقاشی "زهره" به او و برای پرتره امپراتور پیتر سوم.

مهارت ظریف تصویرگری پرتره های این هنرمند را متمایز می کند. معنویت صمیمی تصویر، به ویژه در پرتره های زنانه، روکوتوف به بیان و قدرت زیادی می بخشد. کمال بسیار فنی آثار هنرمند - از نظر ماهیت طراحی و مهارت تصویری، فقط لویتسکی را می توان با او مقایسه کرد. پرتره های ایجاد شده توسط روکوتوف با ظرافت طراحی و ظرافت رنگ متمایز می شوند.

مشهورترین آثار روکوتوف عبارتند از: "پرتره زن ناشناس با لباس صورتی"، "پرتره A.I. Vorontsov"، "پرتره G.G. Orlov در زره پوش"، "تاج گذاری پرتره کاترین دوم"، "پرتره A.P. Struyskaya" ، "پرتره شاعر V.I. Maikov" ، "Portrait of Surovtseva" و غیره.

در نیمه دوم قرن هجدهم. در نقاشی روسی شروع به توسعه کرد ژانر خانگی. با این حال، ژانر نقاشی توسط رهبری فرهنگستان هنر و اقشار ممتاز جامعه به عنوان چیزی پست و بی ارزش قلم مو هنرمند تلقی می شد. با وجود این، پس از جنگ دهقانی به رهبری ای. پوگاچف، هم در ادبیات، تئاتر و موسیقی و هم در نقاشی 1770-1780. شروع به نشان دادن علاقه به دهقانان، روش زندگی، شیوه زندگی کرد. غالباً اینها تصاویری احساسی از چوپانان و چوپان‌های بت‌پرور بودند که هیچ ارتباطی با زندگی واقعی دهقانی نداشتند. با این حال، استثناهایی وجود داشت.

موضوع دهقان یکی از اولین ها در نقاشی روسی است که توسط شاهزاده G. A. Potemkin رعیت ایجاد شد. میخائیل شیبانوف . او تصاویر "شام دهقانی"، "جشن پیمان عروسی" و غیره را نقاشی کرد. در نقاشی های شیبانوف هیچ نکوهشی از رعیت وجود ندارد، اما در این بوم ها هیچ ایده آل سازی زندگی دهقانی وجود ندارد. این هنرمند با دانش و درک زندگی و شخصیت دهقان روسی متمایز است.

مضمون دهقانی در آثار هنرمند I. M. Tankov (1739 - 1799) ، نویسنده نقاشی "جشن در روستا" و I. A. Ermenev (1746 - پس از 1792) که آبرنگهای "ناهار دهقانی" را نقاشی کرد منعکس شد. گدایان خوانندگان» و غیره). برای اولین بار در تاریخ هنر روسیه، این هنرمند جنبه تاریک زندگی عامیانه، افتضاح فقر را منتقل کرد.

در نیمه دوم قرن هجدهم. شکوفایی واقعی مجسمه سازی روسیه آغاز می شود. به کندی توسعه یافت، اما تفکر روشنگری روسیه و کلاسیک گرایی روسی بزرگترین محرک برای توسعه هنر ایده های بزرگ مدنی، مشکلات بزرگ مقیاس بود که منجر به علاقه مندی به مجسمه سازی در این دوره شد. شوبین، گوردیف، کوزلوفسکی، شچدرین، پروکوفیف، مارتوس - هر یک به خودی خود درخشان ترین فردیت بود که اثر خود را بر هنر گذاشت. اما همه آنها با اصول خلاق مشترک، که آنها را از پروفسور نیکولاس ژیلت، که از سال 1758 تا 1777 کلاس مجسمه سازی در آکادمی را رهبری می کرد، ایده های مشترک شهروندی و میهن پرستی و ایده آل های عالی دوران باستان، متحد کردند.

جستجو برای زیبایی تعمیم یافته، عمق درک کامل شخصیت انسان، تمایل به انتقال همه کاره بودن آن را حذف نمی کند. این تلاش در مجسمه‌های یادبود و تزئینی و مجسمه‌سازی سه‌قلوی نیمه دوم قرن، به ویژه در ژانر پرتره، محسوس است.

بالاترین دستاوردهای او، اول از همه، با خلاقیت مرتبط است. فدوت ایوانوویچ شوبین (1740-1805)، هموطن لومونوسوف، که قبلاً به عنوان یک هنرمند وارد سن پترزبورگ شد و پیچیدگی های کنده کاری استخوان را درک کرد. اولین اثر شوبین در زادگاهش مجسمه نیم تنه A.M. گولیتسین قبلاً به بلوغ کامل استاد شهادت می دهد. همه تطبیق پذیری ویژگی های مدل در بازرسی دایره ای آن آشکار می شود، اگرچه بدون شک نقطه نظر اصلی مجسمه وجود دارد.

شوبین نه تنها به عنوان نقاش پرتره، بلکه به عنوان دکوراتور نیز کار می کرد. او 58 پرتره تاریخی بیضی شکل از مرمر برای کاخ چسمه (واقع در اسلحه خانه)، مجسمه برای کاخ مرمر و برای پیترهوف، مجسمه کاترین دوم - قانونگذار (1789-1790) ساخت. شکی نیست که شوبین بزرگترین پدیده در فرهنگ هنری روسیه در قرن 18 است. مجسمه ساز فرانسوی اتین موریس فالکونه در روسیه به همراه استادان روسی کار می کرد و در بنای یادبود پیتر کبیر در میدان سنا در سن پترزبورگ، درک خود را از شخصیت پیتر و نقش تاریخی او در سرنوشت روسیه بیان کرد.

فئودور فئودوروویچ شچدرین(1751-1825). او همان مراحل آموزش در آکادمی و بازنشستگی در ایتالیا و فرانسه را با شوبین طی کرد. «مارسیاس» که در سال 1776 توسط او اعدام شد، پر از جنبش پرتلاطم و جهان بینی تراژیک است. مانند تمام مجسمه سازان دوران کلاسیک، شچدرین مجذوب تصاویر باستانی ("Endymion خفته"، "زهره") است، در حالی که نفوذ شاعرانه خاصی را به دنیای آنها نشان می دهد.

پیش از این در هنر قرن هفدهم، به ویژه در نیمه دوم آن، چنین روندهایی مشاهده می شود که راه را برای توسعه سریع هنر رئالیستی سکولار قرن هجدهم هموار می کند. کنوانسیون نقاشی شمایل جای خود را به بازتولید زندگی مردم، مناظر و رویدادهای تاریخی می دهد. زیور سنتی گل، که به طور مشروط تفسیر می شد، با بازتولید گل ها، میوه ها، برگ ها، گلدسته ها و صدف های واقعی جایگزین می شود. در آثار هنری کاربردی، نقاشی با موضوعات مذهبی خصلتی تقریباً سکولار به خود می‌گیرد، گاهی اوقات به‌طور تأکیدی تزئینی و نمایشی. اشکال اشیاء باشکوه، باشکوه، با تنوع گسترده ای از تزئینات تبدیل می شوند. بسیاری از انواع باستانی وسایل خانه در حال ناپدید شدن هستند، مانند فنجان هایی با قفسه های تخت، دسته های تخت، برادران نقره ای. ملاقه های سنتی باستانی تبدیل به اقلام درجه یک تزئینی می شوند که معنای کاربردی خود را از دست داده اند. انواع جدیدی از ظروف ظاهر می شوند: فنجان های تزئین شده با زیور آلات باروک، صحنه های روزمره و کتیبه های سکولار، جام هایی به شکل عقاب، جام های ساخته شده از شاخ روی پایه ها و بسیاری دیگر. ظروف کلیسا و وسایل خانه روحانیت اکنون از نظر سبک با چیزهای صرفاً سکولار تفاوتی نداشت و حتی گاهی در شکوه و ارزش مادی بیشتر از آنها پیشی گرفت.

پس از سکولاریزه شدن زمین ها در سال 1764، Trinity-Sergius Lavra دارایی های خود را از دست داد، اما ثروت آن در آن زمان به حدی بود که این اصلاح بر دامنه کار ساخت و ساز در صومعه یا طراحی غنی داخلی کلیسا تأثیری نداشت. ، محله شخصی فرماندار و کلان شهری که در صومعه زندگی می کردند و همچنین بر روی ثروت ثمنستان و خزانه آن. این صومعه همچنان از امپراتورها و مقامات بلندپایه دربار، کلانشهر مسکو و سایر روحانیون کمک دریافت می کرد. به عنوان یک قاعده، اینها آثاری بودند که توسط بهترین استادان مسکو، سنت پترزبورگ، ولیکی اوستیوگ، روستوف-یاروسلاول و سایر مراکز هنر کاربردی ساخته شده بودند. بنابراین، مجموعه لاورا از هنر کاربردی قرن هجدهم. نشان دهنده متنوع ترین انواع تکنولوژی جواهرات این زمان است.

هنر تعقیب بر روی نقره به ویژه از اواسط قرن هجدهم شکل عجیبی پیدا می کند. اینها عمدتاً فرهای باروک بزرگ هستند که به طرز ماهرانه ای با نقش برجسته نسبتاً بالا در ترکیب با تصویر میوه ها، سبدهای گل، کوپیدها، حلقه های گل و برگ اجرا شده اند. تعقیب و گریز اغلب به صورت روباز ساخته می شد و در این مورد دارای پس زمینه اضافی بود که به الگوی روشنایی می بخشید.

یک نمونه کلاسیک از این ضرب سکه، اکلاد عظیم انجیل است که در سال 1754 در مسکو توسط امپراتور الیزابت ساخته شد. بشقاب های نقره ای با تصاویر مینای نقاشی شده از تثلیث، بشارتگران و صحنه هایی از زندگی مسیح در جعبه ها و مربع های بلند تعقیب شده قرار داده شده اند. سکولار هستند.

صنعتگر مسکو P. Vorobey در سال 17682 یک کاسه نقره ای (که در صومعه به عنوان کاسه آب استفاده می شد) ساخت. این با یک زیور عالی تعقیب شده از کارتوهای پیچ خورده اصلی و برگ های پهن در زمینه طلایی تزئین شده است. پاهای کاسه پنجه های شیر است که توپ های صافی را در پنجه های خود نگه می دارد. نمکدان سال 1787 که با نقش برجسته و نیلو تزئین شده بود، هدیه استاد مسکو به متروپولیتن پلاتون بود.

مرکز جدید جواهرسازی - سنت پترزبورگ - در مجموعه موزه توسط یک دسته نقره ای تعقیب شده با دهانه ای به شکل سر عقاب، ساخته شده در سال 1768 توسط صنعتگر Claes Johann Ehlers4 ارائه شده است. همان صنعتگر یک ظرف نقره‌ای تعقیب‌شده با زیورآلات باروک در سراسر مزرعه ساخت و صحنه‌ای از کتاب مقدس را به تصویر کشید: نهنگ یونس را به ساحل می‌اندازد. در همان زمان، استاد در اینجا ساحل سنت پترزبورگ را با قلعه پیتر و پل و گلدسته کلیسای جامع به تصویر کشید. روکوما و یک ظرف - کمک متروپولیتن افلاطون.

چیزهای با هدف آیینی نیز یک ویژگی تزئینی سکولار به دست آوردند و وقار آنها با اندازه بی سابقه ای بزرگ مورد تأکید قرار گرفت. نمونه قرن 18. مجموعه ای از ظروف عبادی (جام، اختراع، ستاره و دو بشقاب) ساخته شده در سال 1789 توسط A. V. Sheremetyev6. کاسه عشایر اینجا یک سینی زنگی شکل بزرگ تعقیب‌شده، یک روکش نقره‌ای روباز روی بدنه کاسه و یک جام با مینای نقاشی شده دارد. دیسک‌ها و بشقاب‌های با قطر بزرگ که مخصوص این جام ساخته شده‌اند، با حکاکی‌هایی تزئین شده‌اند که صحنه‌های نمادین سنتی را منتقل می‌کنند.

هنر فیلیگرن شخصیت کاملاً متفاوتی پیدا می کند. به جای یک حلقه صاف با جوانه ها، سیم پیچی روی سطح صاف فلز در آثار باستانی، نقاشی فیلیگران قرن هجدهم. با تزئینات اضافی که در بالا قرار گرفته اند، گاهی اوقات در ترکیب با میناکاری و سنگ های قیمتی پیچیده است. در برخی موارد، فیلیگران به صورت روباز ساخته می شود و روی یک زمینه اضافی قرار می گیرد. گاهی اوقات چیز از نخ های اسکن شده ساخته می شد.

یک قطعه برجسته از کار فیلیگرن، خیمه 1789 کمک متروپولیتن افلاطون است. فیلیگرن روباز، فیلیگران ترکیب شده با مینا، و فیلیگران که روی زمینه نقره ای صاف قرار گرفته اند. خیمه شبیه تابوت سکولار است که شکل کاملاً غیر کلیسایی، تزئینات ظریف و گل‌های کاشته شده در گوشه‌های آن از قطعات فلزی نازک با میناکاری نشان می‌دهد.

نمونه ای از فیلیگران برجسته برجسته را می توان در دستمزد کتاب "افسر خدمات اسقف"، همچنین کمک متروپولیتن پلاتون در سال 17898 یافت.

توسعه بزرگ در قرن هجدهم دریافت شد. میناهای Solvychegodsk و Veliky Ustyug با پس زمینه یک رنگ (آبی یا سفید) خود که بر روی آنها پیکره های انسانی، گل ها و سایر تصاویر به شکل صفحات فلزی جداگانه قرار گرفته اند که گاهی اوقات علاوه بر آن با مینا رنگی می شوند. این موزه دارای مجموعه بزرگی از وسایل خانه از Solvychegodsk و Ustyug است.

در قرن هجدهم. برای فضای داخلی معابد لاورا، سازه های نقره ای به یاد ماندنی نیز با توجه به نقاشی های هنرمندان مشهور مسکو و سن پترزبورگ ساخته شد. برای محراب کلیسای جامع تثلیث، به دستور متروپولیتن افلاطون، هفت شمعدان نقره ای بزرگ به شکل درخت لور9 ساخته شد، او همچنین تابلوی نقره ای نماد کلیسای جامع تثلیث را تزئین کرد. دیوید پریف، صنعتگر مسکو، سایبان نقره ای بر روی زیارتگاه سرگیوس رادونژ (به سفارش امپراطور آنا ایوانوونا10) بر اساس نقاشی کاراواکا ساخت. بنابراین، هنر کاربردی قرن هجدهم. در مجموعه موزه با مشخص ترین آثار نشان داده شده است.

آثار صنایع دستی هنری موجود در مجموعه موزه امکان ردیابی توسعه آن را از بناهای اولیه دوکال بزرگ مسکو تا پایان قرن هجدهم فراهم می کند. در این دوره طولانی، مهارت های فنی تغییر و بهبود یافت، اشکال قدیمی اشیاء ناپدید شد و اشکال جدید ظاهر شد، ماهیت دکوراسیون تغییر کرد، همیشه بسته به دیدگاه های زیبایی شناختی، تعیین شده توسط شرایط اجتماعی-اقتصادی و سیاسی زمان خود، توسعه بازارهای داخلی و خارجی، مقیاس و روش تولید.

در مورد آثار قرون XIV-XV. تصویری از احیای تدریجی صنایع دستی هنری پس از ویرانی تاتار-مغول سرزمین روسیه در قرن سیزدهم را نشان می دهد. استادان مسکو و دیگر مراکز هنری روسیه باستان بر تکنیک های مختلف هنری تسلط دارند و تکنیک های صنایع دستی را بهبود می بخشند.

در قرن شانزدهم. مسکو در نهایت جایگاه پیشرو در زندگی فرهنگی کشور را به دست آورد. هنر کاربردی این دوره با انواع اشکال و تزئینات هنری و همچنین مهارت فنی بسیار متمایز است. هنر پیچیده مینا که بیشتر جنبه زینتی به خود گرفته است در حال پیشرفت است، هنر نیلو روی طلا، تعقیب و حکاکی در حال دستیابی به مهارت بیشتری است.

آثار ساخته شده از نقره برای مصارف خانگی و کلیسا از سنت های هنر عامیانه پیروی می کند و با شرایط زندگی مردم، آیین ها و شیوه زندگی آنها مرتبط است.

درخشندگی و تزیینات محصولات قرن هفدهم، پیچیدگی تزئینات، ظاهر میناهای نقاشی شده، استفاده از تعداد زیادی سنگ های قیمتی، مروارید و شیشه های رنگی، خصلت سکولارتری به هنر کاربردی می بخشد.

در قرن هجدهم. اشکال جدیدی از اشیاء پذیرفته شد، ماهیت واقع گرایانه زیور آلات و نقاشی روی مینا. در مجموعه موزه زاگورسک، این دوره توسط بهترین کارگاه های مسکو و سن پترزبورگ نشان داده شده است. آثار آنها به ما اجازه می دهد تا تغییرات جدیدی را که در هنر کاربردی رخ می دهد، قضاوت کنیم.

مهارت بالای هنری آثار هنری کاربردی که در بیش از پنج قرن ارائه شده است، مجموعه موزه زاگورسک را در جایگاه برجسته ای در تاریخ فرهنگ هنری روسیه قرار می دهد.

تاریخ روسیه در پایان هفدهم - ربع اول قرن هجدهم از نام یکی از بزرگترین شخصیت های سیاسی روسیه - پیتر اول جدایی ناپذیر است. نوآوری های قابل توجه در این زمان نه تنها به حوزه فرهنگ و هنر هجوم می آورد. ، بلکه صنعت - متالورژی، کشتی سازی و غیره. در آغاز قرن 18، اولین مکانیزم ها و ماشین آلات برای پردازش فلز ظاهر شد. کارهای زیادی در این زمینه توسط مکانیک های روسی نارتوف، سورنین، سوباکین و دیگران انجام شد.

همزمان، پایه های نظام دولتی آموزش عمومی و استثنایی گذاشته می شود. در سال 1725 آکادمی علوم تأسیس شد که تحت آن بخش صنایع دستی هنری افتتاح شد.

A. Nartov.ماشین تراش. دوران پیتر قرن 18

در قرن هجدهم، اصول جدیدی در معماری و شهرسازی شکل گرفت.این دوره با افزایش شکل‌دهی محصولات از ویژگی‌های باروک اروپای غربی (هلند، انگلستان) مشخص شد.

در نتیجه اقدامات پیتر اول، مواردی از اشکال سنتی روسی به سرعت از زندگی سلطنتی و اشرافی کاخ ناپدید می شوند و هنوز در خانه های توده های روستایی و شهری و همچنین در استفاده کلیسا باقی می مانند. در ربع اول قرن 18 بود که تفاوت قابل توجهی در توسعه سبکی مشخص شد که برای مدت طولانی مشخصه خلاقیت حرفه ای و صنایع دستی هنر عامیانه باقی ماند. در دومی، سنت های چند صد ساله هنر کاربردی روسی، اوکراینی، استونیایی و غیره به طور مستقیم و ارگانیک توسعه یافته است.

هنجارهای زندگی شرافتمندانه مستلزم نمایش ثروت، پیچیدگی و درخشش در زندگی یک فرد مستقل است. شکل‌های سبک زندگی قدیمی، از جمله زندگی پیتر (هنوز تجاری، سخت‌گیرانه)، سرانجام در اواسط قرن هجدهم کنار گذاشته شد. موقعیت غالب در هنر روسیه توسط به اصطلاح سبک روکوکو اشغال شده است که به طور منطقی روندهای اواخر باروک را تکمیل می کند. فضای داخلی تشریفاتی این زمان، به عنوان مثال، برخی از اتاق‌های کاخ‌های پترهوف و تسارسکویه سلو، تقریباً به طور کامل با کنده کاری‌های استادانه تزئین شده‌اند.

ویژگی‌های کلی تزئینات روکای (انحنای خطوط، چیدمان فراوان و نامتقارن گل‌ها، برگ‌ها، صدف‌ها، چشم‌ها و غیره) به طور کامل در معماری و مبلمان روسی آن زمان، سرامیک، لباس، کالسکه، سلاح‌های تشریفاتی بازتولید شده است. و غیره. با این وجود، توسعه هنر کاربردی روسیه مسیری کاملاً مستقل را طی کرد. با وجود شباهت غیرقابل انکار اشکال محصولات خودمان با محصولات اروپای غربی، تشخیص تفاوت بین آنها دشوار نیست. بنابراین، اما در مقایسه با فرانسوی ها، محصولات مبلمان روسی فرم های بسیار آزادتری دارند و از نظر طرح و نقشه نرم تر هستند. استادان هنوز هم مهارت‌های کنده‌کاری عامیانه را حفظ کردند، بزرگ‌تر و عمومی‌تر از غرب. چند رنگی بودن محصولات روسی و ترکیبی از تذهیب و نقاشی که در فرانسه نادر است، اما در همه جای روسیه پذیرفته شده است، ویژگی کمتری ندارد.

از دهه 60 قرن 18، گذار به کلاسیک در معماری روسیه با اشکال لاکونیک و سختگیرانه آن آغاز شد، به دوران باستان تبدیل شد و با محدودیت و لطف زیادی مشخص شد. همین روند در هنر کاربردی نیز اتفاق می افتد.

در برنامه ریزی، تجهیزات و تزئینات عمارت ها و کاخ های شهری (معماران کوکورینوف، باژنوف، کوارنگی، استاروف و غیره) تقارن واضح، وضوح متناسب وجود دارد. دیوارهای محل (بین پنجره ها یا روبروی آنها) توسط آینه ها و پانل های ساخته شده از گلاب ابریشم، پارچه های پنبه ای تزئینی و پارچه پنهان شده است.

.

مبل به سبک روکوکو. روسیه (جزئیات). اواسط قرن 18

صندلی راحتی به سبک کلاسیک. روسیه. نیمه دوم قرن 18

کف از چوب از گونه های مختلف ساخته شده است، و گاهی اوقات با بوم یا پارچه پوشیده شده است. سقف ها رنگ آمیزی می شوند (به عنوان مثال، روش گریسای تقلید از قالب های برجسته). به جای پارکت انباشته، از تخته صنوبر "زیر موم" کف استفاده می شود. دیوارها و سقف ها اغلب با پارچه یا کاغذ دیواری پوشانده می شوند. اگر شومینه‌های مرمری با اندازه چشمگیر در اتاق‌های جلو چیده شده‌اند، در اتاق‌های صمیمی اجاق‌های سنتی تری روی پایه‌ها یا پاها با کاشی‌ها قرار می‌گیرند. تفاوت بین لامپ ها به همان اندازه قابل توجه است: در سالن ها - اینها لوسترهای جواهرات و گران قیمت ، شمعدان ها ، دیوارکوب ها ، در اتاق ها - شمعدان ها و لامپ های بسیار ساده تر هستند. حتی تضاد بیشتری در اشکال مبلمان جلو و خانه وجود دارد. همه اینها نه چندان از تمایل صاحبان کاخ ها و عمارت ها برای صرفه جویی در هزینه ها، بلکه از در نظر گرفتن محیط عینی به عنوان یک عامل مهم در فضای مناسب روانی صحبت می کند.

اکثر مبلمان و تعدادی دیگر از محصولات در پایان قرن هجدهم و نیمه اول قرن نوزدهم به طور مداوم مورد نیاز نبودند. در صورت عدم نیاز، آنها یا حذف می شوند یا به قسمت های غیرفعال استفاده شده از محل منتقل می شوند. مبلمان صندلی باید پوشیده شود. در همین ارتباط، مبلمان قابل تبدیل با یک هواپیما کار - میزهای چای و کارت، میز ناهار خوری تاشو، میز برای سوزن دوزی، سیستم میزهایی با ارتفاع های مختلف که زیر یکدیگر قرار می گیرند، و غیره انواع ظاهر مکان ها در انواع مختلف موقعیت های روزمره در همان زمان، تعدادی از فرآیندهای داخلی که در خارج از ساختمان در طول فصل گرم - در تراس و پارک - اتفاق افتاد، برجسته شدند. در نتیجه، انواع جدیدی از محصولات در حال گسترش هستند - مبلمان باغبانی چشم انداز، سایبان های چتر، چراغ های پارکی، و غیره. در قرن هجدهم، کارگاه های رعیت در املاک فردی سازماندهی شد که دسته های نسبتاً بزرگی از مبلمان، چینی، فرش و سایر محصولات تولید می کردند.

در پایان قرن 18، در تجهیزات کاخ های بزرگ، جداسازی طراحی واقعی محصولات (مبلمان، لامپ، ساعت، ملیله و سایر ظروف و تزئینات) به عنوان یک منطقه ویژه فعالیت خلاقانه از تولید صنایع دستی آنها در حال حاضر به طور قابل توجهی تأثیر می گذارد. طراحان عمدتاً معماران و هنرمندان حرفه ای هستند. در تولید محصولات برای بازار انبوه، از ماشین آلات و روش های مکانیکی فرآوری مواد استفاده می شود که مهندس را به چهره ای پیشرو در تولید تبدیل می کند. این منجر به تحریف و از دست دادن کیفیت های زیبایی شناختی بالای ذاتی کالاهای مصرفی، به جدایی صنعت از هنر می شود. این روند در شرایط توسعه سرمایه داری جامعه و یکی از اصلی ترین روندهای کل قرن نوزدهم بود.

در جریان توسعه شدید روابط سرمایه داری در روسیه در قرن نوزدهم، ظرفیت های تولید صنعتی افزایش یافت. در اواسط قرن 19، نیاز به کارکنان حرفه ای هنرمندانه توسعه دهندگان محصول و صنعتگران از قبل به شدت احساس می شد. برای آموزش آنها، موسسات آموزشی تخصصی در مسکو (کنت استروگانوف) و سنت پترزبورگ (بارون استیگلیتز) افتتاح می شود. نام آنها - "مدارس طراحی فنی" - از ظهور نوع جدیدی از هنرمند صحبت می کند. از سال 1860، آموزش صنایع دستی ویژه هنرمندان مجری توسعه یافته است. کتاب های زیادی در مورد فن آوری پردازش مواد مختلف منتشر شده است: چوب، برنز، آهن، طلا، و غیره. از اواسط قرن نوزدهم علوم مرتبط با مسائل بهداشت حرفه ای و استفاده از وسایل منزل شکل گرفت. با این حال، در طول قرن نوزدهم، تمام تولیدات انبوه کارخانه‌ها از نظر هنری کاملاً تابع ایده غالب و غیرقابل تقسیم زیبایی به عنوان طراحی تزئینی و زینتی محصولات بود. پیامد این امر، ورود بیشتر محصولات عناصر سبک کلاسیک به شکل بود: تکمیل‌های پروفیل پیچیده، ستون‌های فلوت دار، گل رز، گلدسته‌ها، تزیینات مبتنی بر نقوش عتیقه و غیره. در تعدادی از موارد، این عناصر به اشکال حتی تجهیزات صنعتی - ماشین ابزار معرفی شده است.

در توسعه سبکی هنرهای کاربردی و محصولات خانگی در قرن نوزدهم، سه دوره اصلی به طور متعارف از نظر زمانی متمایز می شوند: ادامه گرایش های کلاسیک در راستای به اصطلاح سبک امپراتوری (ربع اول قرن). کلاسیک گرایی متأخر (حدود 1830-1860) و التقاط (پس از دهه 1860).

ربع اول قرن نوزدهم با یک جهش عمومی در حوزه ایدئولوژیک و ساختمانی در معماری روسیه مشخص شد که باعث احیای چشمگیر در هنر کاربردی نیز شد.

صندلی راحتی به سبک امپراتوری. ربع اول قرن نوزدهم.

پیروزی در جنگ 1812 تا حدی روند شکل گیری فرهنگ ملی روسیه را تسریع و تکمیل می کند که اهمیتی پاناروپایی پیدا می کند. فعالیت مشهورترین معماران - ورونیخین، کوارنگی، کازاکوف، که از نزدیک با کلاسیک گرایی دوره قبل در ارتباط است، تنها در دهه اول قرن قرار دارد. آنها با کهکشانی از استادان برجسته ای مانند روسی، استاسوف، گریگوریف، بووه جایگزین می شوند که ایده های جدید و روح سبکی متفاوتی را به هنر روسیه آوردند.

سختگیری و یادبودی از ویژگی های بارز معماری و اشکال اقلام مختلف خانگی سبک امپراتوری است. در دومی، نقوش تزئینی به طور قابل توجهی تغییر می کند، به طور دقیق تر، گونه شناسی آنها با استفاده از نمادهای تزئینی مصر باستان و روم - گریفین، ابوالهول، فاسیا، ویژگی های نظامی ("غنائم")، تاج گل های تزئین شده و غیره گسترش می یابد. در مقایسه با نمونه هایی از کلاسیک اولیه به طور کلی مقدار دکور، "وزن بصری" آن در محلول ترکیبی محصولات افزایش می یابد. یادبود سازی، گاهی اوقات، گویی درشت شدن فرم ها، به دلیل تعمیم و هندسه بیشتر نقوش زینتی کلاسیک - لبه، تاج گل، لیر، زره و غیره رخ می دهد که به طور فزاینده ای از نمونه های اولیه واقعی خود دور می شوند. نقاشی زیبا (صحنه ها، مناظر، دسته گل ها) تقریباً به طور کامل از بین می رود. زینت برای یک نقطه، کانتور، قابلیت اجرا تلاش می کند. محصولات در اکثر موارد، به ویژه مبلمان، بزرگ، حجیم، اما در پیکربندی و شبح کلی متنوع می شوند. سنگینی سبک امپراتوری در قطعات مبلمان تقریباً در دهه 1830 ناپدید شد.

از اواسط قرن نوزدهم، جستجوهای جدیدی در زمینه معماری، خلاقیت کاربردی و صنعتی آغاز شد.

یک جنبش هنری پاناروپایی متولد شد به نام «بیدرمایر» که به نام بورژوازی یکی از شخصیت‌های نویسنده آلمانی ال. آیکرود (این اثر در دهه 1870 منتشر شد) با ایده‌آل راحتی و صمیمیت او نامگذاری شد.

آهن کارخانه. روسیه. نیمه دوم قرن 19

در نیمه دوم قرن نوزدهم، کار یدی بیشتر از تولید محصولات خانگی سودمند حذف شد. قرن‌هاست که روش‌ها و تکنیک‌های راه‌حل هنری آنها، اصول شکل‌دهی، که در طول قرن‌ها تکامل یافته‌اند، با روندهای اقتصادی جدید در شخصیت انبوه و سودآوری تولید اشیا در بازار در تضاد هستند. واکنش به وضعیت در حال تغییر دو گونه است. برخی از استادان - اکثریت آنها - سازش می کنند. با در نظر گرفتن غیرقابل تخریب نگاه سنتی به همه چیزهای روزمره به عنوان یک شیء هنر تزئینی و کاربردی، آنها شروع به تطبیق نقوش تزئینی کلاسیک با قابلیت های ماشین و فناوری های سریال می کنند. انواع "موثر" تزئین و تزئین محصولات ظاهر می شود. در اوایل دهه 1830 در انگلستان، هنری کول شعار ظاهراً اصلاح طلبانه تزئین محصولات کارخانه با عناصر «از دنیای هنرهای زیبا» را مطرح کرد. بسیاری از صنعت گران مشتاقانه این شعار را به کار می گیرند و به دنبال بهره بردن از وابستگی توده مصرف کنندگان به اشکال تزئینی و تزئینی تزئین شده از اثاثیه منزل هستند.

برعکس، سایر نظریه پردازان و دست اندرکاران هنرهای کاربردی (D. Reskin، W. Morris)، پیشنهاد سازماندهی تحریم صنعت را دارند. اعتقاد آنها خلوص سنت های صنایع دستی قرون وسطی است.

در کشورهای اروپای غربی و روسیه، برای اولین بار، هنرهای دستی و صنعتگران، که سنت های عامیانه عمیق در کار آنها هنوز حفظ شده بود، توجه نظریه پردازان و هنرمندان حرفه ای را به خود جلب کرد. در روسیه، نمایشگاه‌های نیژنی نووگورود در دهه‌های 1870-1890، دوام این سنت‌ها را در شرایط جدید نشان می‌دهد. بسیاری از هنرمندان حرفه ای - V. Vasnetsov، M. Vrubel، E. Polenova، K. Korovin، N. Roerich و دیگران - مشتاقانه به ریشه های عامیانه هنر تزئینی روی می آورند. در مناطق و استان های مختلف روسیه، در شهرهایی مانند پسکوف، ورونژ، تامبوف، مسکو، کامنتز-پودولسک و غیره، شرکت های صنایع دستی در حال ظهور هستند که اساس آن کار یدی است. کار کارگاه‌ها در آبرامتسووو نزدیک مسکو، تالاشکینو در نزدیکی اسمولنسک، شرکت P. Vaulin در نزدیکی سن پترزبورگ، و هنر سرامیک موراوا در مسکو برای احیای صنایع دستی خلاقانه که رو به نابودی بودند از اهمیت ویژه‌ای برخوردار بود.

سماور. قرن 19

روسیه. نیمه دوم

پمپ صنعتی. قرن 19

با این حال، محصولات همه این کارگاه ها آنقدر بخش ناچیزی از کل مصرف را تشکیل می دادند که نمی توانستند تأثیر محسوسی در تولید انبوه داشته باشند، اگرچه حقانیت وجود هنر تزئینی را که سنت های عامیانه را در کنار تولید انبوه ماشین آلات حفظ می کرد به اثبات رساند. از چیزها بعدها این امر با هجوم تکنولوژی ماشینی در زمینه هایی از هنرهای تزئینی و کاربردی مانند جواهرات (جواهرات)، قالی بافی، خیاطی تایید شد که منجر به افت شدید کیفیت هنری آنها شد.

در اشکال عمده محصولات تولیدی نیمه دوم قرن نوزدهم، هیچ چیز جدیدی عملاً توسعه نمی یابد. با این حال، تازگی کلی ترین وضعیت در حال حاضر در این زمان به اضافه شدن پیش نیازهای داخلی برای جستجوهای نوآورانه کمک می کند - آگاهی از جستجوهای سبک به عنوان یک نیاز خلاق مهم، به عنوان جلوه ای از فردیت هنری استاد. اگر تاکنون روندهای سبکی (گوتیک، رنسانس، باروک، کلاسیک و غیره) به طور معمول در نتیجه روندهای عمومی، تقریباً "جهانی" به طور خود به خود متبلور در توسعه زیبایی شناختی جهان متولد و گسترش یافته است، پس از در اواسط قرن نوزدهم، اصالت سبک به عنوان یک دستاورد خلاقانه مستقیم یک هنرمند، معمار در نظر گرفته می شود. در این راستا، علاقه به میراث هنر همه زمان ها و مردم به شدت فعال می شود. این غنی‌ترین میراث به منبع تقلید، قرض‌گیری مستقیم یا پردازش خلاقانه عجیب و غریب تبدیل می‌شود.

میز با صندلی مدرن. پایان قرن 19

در نتیجه، بخش عمده ای از محصولات یک تصویر غیرمعمول رنگارنگ است که در آن خاطرات روشن یا ظریف از دوران باستان، دوران رومنس، گوتیک، رنسانس ایتالیایی یا فرانسوی، هنر بیزانس و روسیه باستان، باروک و غیره سوسو می زند. ، اغلب به صورت التقاطی در طراحی یک محصول، داخلی، ساختمان مخلوط می شود. از این رو این دوره در تاریخ معماری و هنرهای کاربردی را التقاطی نامیدند. با این وجود، اجناس (لامپ، سطل فلزی، فروغ، ظروف، چهارپایه و غیره) نسبتاً ارزان هستند، اما بدون هیچ هدف هنری، اغلب به شکل‌های زشت و با کیفیت پایین ساخته می‌شوند.

جستجوی یک سبک جدید با در نظر گرفتن نیاز واقعی در شرایط تولید ماشین، یک رویکرد اساساً جدید برای شکل گیری محصولات، از یک سو، و حفظ سنت های تزئینی گذشته، در دیگر. بورژوازی که تا پایان قرن نوزدهم موقعیت قدرتمندی در اقتصاد روسیه پیدا کرده بود، برای ایدئولوژی هنری خود در معماری و طراحی تلاش کرد - کیش عقلانی و آزادی نسبی از باستان گرایی های فرهنگ اصیل و تشویق همه چیز در هنری که می توانست با سبک های گذشته رقابت کند. در پایان قرن نوزدهم سبک Art Nouveau - "هنر جدید" در بلژیک، بریتانیا و ایالات متحده آمریکا، "Jugendstil" در آلمان، "سبک Secessions" در اتریش، "سبک آزاد" در ایتالیا بود. نام آن - "مدرن" (از فرانسوی moderne) به معنای "جدید، مدرن" - از لات. modo - "همین الان، اخیرا." در شکل خالص خود، محو شدن و آمیختن با سایر گرایش های سبکی، تا حدود سال 1920، یعنی حدود 20 تا 25 سال، مانند تقریباً تمام گرایش های سبکی قرن 17-20، دوام چندانی نداشت.

Art Nouveau در کشورهای مختلف و در کار استادان فردی متنوع است، که درک وظایفی که او حل کرده را پیچیده می کند. با این حال، مشخصه این بود که تقریباً تمام نقوش و تکنیک های تزئینی و تزئینی که قبلاً استفاده شده بود، تجدید اساسی آنها بود. قرنیزهای سنتی، روزت‌ها، سرستون‌ها، فلوت‌ها، کمربندهای «موج ورودی» و غیره با گیاهان محلی (نیلوفر، زنبق، میخک و غیره)، سرهای زنانه با موهای بلند مجعد و غیره جایگزین می‌شوند. اغلب هیچ تزئینی وجود ندارد. ، و جلوه هنری به دلیل بیان شبح ، بیان فرم ، خطوط ، به طور معمول ، به طور نازک ردیابی می شود ، گویی آزادانه جریان دارد ، ضربان دار است. در اشکال محصولات Art Nouveau، تقریبا همیشه می توان اراده عجیب و غریب هنرمند، تنش یک رشته محکم کشیده، نسبت های اغراق آمیز را احساس کرد. در تظاهرات شدید، همه اینها به شدت تشدید می شود و به یک اصل ارتقا می یابد. گاهی اوقات، بی‌توجهی به منطق سازنده فرم ظاهر می‌شود، یک اشتیاق تقریباً دروغین برای جنبه دیدنی کار، به‌ویژه در حل فضای داخلی، که اغلب به طور مؤثر نمایشی است.

با تمام ضعف ها - پرمدعا، گاهی بلندی فرم ها، رویکرد جدیدی برای حل ساختمان، داخلی، اثاثیه با منطق یک راه حل کاربردی، سازنده و تکنولوژیکی به وجود آمده است.

شمعدان به سبک مدرن. اوایل قرن بیستم

مجموعه ظروف. پایان قرن نوزدهم.

میز آرایش مدرن. اوایل قرن بیستم

Art Nouveau در اکثریت قریب به اتفاق نمونه های خود تزئینات محصولات را رها نکرد، بلکه فقط نقوش و تکنیک های تزئینی قدیمی را با موارد جدید جایگزین کرد. قبلاً در آغاز قرن بیستم، در زمان پیروزی های سبک جدید، دوباره، در ابتدا ترسو و سپس به طور گسترده، مد برای سبک های قدیمی بازگشت که ارتباط خاصی با آماده سازی برای جشن صدمین سالگرد جنگ میهنی 1812. نمایشگاه "هنر مدرن" که در سال 1903 در سن پترزبورگ ترتیب داده شد، به وضوح تولد "کلاسیک شدن مدرنیته" را نشان داد.

نتایج مدرنیته پیچیده است. این پاکسازی هنر کاربردی از التقاط گرایی و از "ضد ماشین گرایی" قهرمانان صنایع دستی و از تلاش های ناموفق برای بازگرداندن سبک های گذشته است. اینها اولین نشانه های خروج معماری و هنرهای کاربردی به مسیر کارکردگرایی و ساخت گرایی، به مسیر طراحی مدرن است. در همان زمان، پس از کشف یک گرایش به سمت ملی شدن سبک، آرت نوو موج جدیدی از جستجوهای صرفاً تزئینی را ایجاد کرد. بسیاری از نقاشان به هنر کاربردی و طراحی داخلی روی می‌آورند (S. Malyutin، V. Vasnetsov، A. Benois، S. Golovin، و غیره)، که به سمت رنگارنگی یک افسانه روسی جذب می‌شوند، به "نان زنجبیلی" و غیره در چشم انداز از روند تاریخی بعدی، حل مشکلات فوری تولید صنعتی انبوه، چنین آزمایشاتی نمی تواند اهمیت ایدئولوژیک و هنری جدی داشته باشد، اگرچه آنها انگیزه ای برای توسعه شاخه دیگری از هنر کاربردی - صنایع دستی هنری و به ویژه هنر نمایشی و تزئینی ایجاد کردند. .

آرت نوو، همانطور که بود، راه را برای استقرار اصول زیبایی شناختی و خلاقانه جدید در هنر خلق چیزهای روزمره روشن و آماده کرد، ظهور یک حرفه هنری جدید - طراحی هنری (طراحی) را تسریع بخشید.

شکل‌گیری کارکردگرایی و ساخت‌گرایی در جهت‌های خاص در معماری و طراحی هنری کشورهای غربی در اواخر دهه 1910 در ارتباط با تثبیت زندگی و موفقیت اقتصاد پس از جنگ جهانی اول رخ داد. اما مبانی اساسی معماری مدرن جدید در دوره پیش از جنگ در کار معمارانی مانند T. Garnier و O. Perret (فرانسه)، X. Berlaga (هلند)، A. Loos (اتریش)، P تعیین شد. بهرنس (آلمان)، اف رایت (ایالات متحده آمریکا)، ای. شختل، آی. رربرگ (روسیه) و دیگران هر کدام به شیوه خود بر نفوذ مدرنیته غلبه کردند و جنگیدند.

در سال 1918، بخش‌های ویژه‌ای برای معماری و صنعت هنر زیر نظر اداره هنرهای زیبای کمیساریای خلق برای آموزش تشکیل شد. توجه جدی به آموزش متخصصان می شود. در سال 1920، V.I. لنین فرمانی مبنی بر تأسیس کارگاه های عالی هنری و فنی دولتی (VKHUTEMAS) امضا کرد. فارغ التحصیلان نمونه های جدیدی از پارچه، مبلمان، ظروف و غیره ایجاد کردند.

آموزش در کارگاه ها (در سال 1927 آنها به موسسه هنری و فنی همه اتحادیه VKhUTEIN تبدیل شدند)، در دانشکده ها انجام شد: معماری، سرامیک، منسوجات و غیره. در دانشکده پردازش چوب و فلز به سرپرستی A. رودچنکو، دی . Lissitzky، V. Tatlin و دیگر استادان به دنبال فرم ها و طرح های جدید از اشیاء مختلف بودند. تمام فعالیت های VKHUTEMAS با هدف توسعه مهارت های یک رویکرد یکپارچه برای طراحی محیط موضوعی زندگی روزمره و تولید در دانش آموزان بود.

در دهه 1920، روند "هنر تولید" توسعه یافت، اصول کارکردگرایی و ساخت گرایی را توسعه داد، تلاش کرد تا ایده آل زیبایی شناختی یک تولید مادی سازمان یافته عقلانی را در ذهن هنرمندان تثبیت کند. هر گونه هنر پیشین توسط «تولیدکنندگان» به عنوان بورژوازی و غیرقابل قبول برای پرولتاریا اعلام شد. از این رو آنها نه تنها هنرهای زیبا "عملاً بی فایده"، بلکه تمام هنرهای صرفاً تزئینی، مانند جواهرات را انکار می کنند.در دهه 1920، شرایط فنی و اقتصادی برای اجرای ایده های آنها در کشور ما هنوز آماده نشده بود.

VKHUTEMAS و "کارگران تولید" دهه 1920 از نظر ایدئولوژیک و زیبایی شناختی با "باهاوس" پیوند نزدیکی داشتند و در تعدادی از لحظات مهم با آن، در اصل، یک گرایش واحد در طراحی هنری آن زمان نشان داده شد. در چارچوب این حرکت جدید، زیبایی شناسی طراحی مدرن شکل گرفت و بر تناقضات هنر کاربردی دوره قبل غلبه کرد. فعالیت هنری عملی بنیانگذاران طراحی نیز توسعه زرادخانه وسایل هنری و بیانی هنر خلق چیزها بود. در آثارشان (مبلمان، چراغ‌ها، ظروف، پارچه‌ها و غیره) بیشترین توجه را به ویژگی‌های مواد و فرم‌هایی از قبیل بافت، رنگ، بیان پلاستیک، ساختار ریتمیک، شبح و غیره می‌کردند که در محصولات ترکیبی بدون تضاد با الزامات منطق سازنده و قابلیت ساخت فرم. حوزه دیگری که در دهه 1920 در کشور ما با موفقیت توسعه یافت، طراحی مهندسی است. در سال 1925 ، طبق پروژه مهندس برجسته V. Shukhov ، برج رادیویی معروف در مسکو ساخته شد که شبح روباز آن برای مدت طولانی به نماد رادیو شوروی تبدیل شد. یک سال قبل، J. Gakkel اولین لوکوموتیو دیزلی اتحاد جماهیر شوروی را بر اساس آخرین دستاوردهای تکنولوژیکی ایجاد کرد که شکل آن حتی امروز کاملاً مدرن به نظر می رسد. در دهه 1920، نیاز به تحقیقات علمی در مورد قوانین فعالیت انسان در محیط عینی که به طور مصنوعی توسط او ایجاد شده بود، محقق شد. مؤسسه مرکزی کار در حال سازماندهی است، در داخل دیوارهای آن، تحقیقات در مورد مسائل سازمان علمی کار، فرهنگ تولید انجام می شود. توجه دانشمندان و طراحان به سوالات بیومکانیک، ارگانولپتیک و ... جلب می شود. از جمله کارهای قابل توجه آن سال ها می توان به پروژه محل کار یک راننده تراموا (ن. برنشتین) اشاره کرد.

I. Gakkel.لوکوموتیو. اوایل دهه 1930

جایگاه مهمی در فرهنگ قرن هجدهم. هنرهای تزئینی و کاربردی را به خود اختصاص داده است. دکوراسیون داخلی روکوکو فضا را سبک می کرد، دیوارها نازک به نظر می رسید، توسط پانل ها و آینه های تزئینی پنهان شده بودند، که در یکدیگر منعکس می شدند، صفحه نمایش ها نقش مهمی داشتند. مبلمان ظریف می شوند، شکننده به نظر می رسند، طرح های عجیب و غریبی به خود می گیرند. رنگ های کاغذ دیواری و مبلمان در غالب رنگ های پاستلی است.

اتاق قرار بود تصور یک بودوار را بدهد (اتاقی که فقط برای ارتباط با افراد نزدیک در نظر گرفته شده است).

فضای داخلی روکوکو اغلب با محصولات اصیل چینی تکمیل می شد: صفحه نمایش، چینی، نقاشی های لاکی، یا ترکیبات تزئینی که به عنوان نقاشی چینی طراحی شده بودند.

از اواسط قرن هجدهم. با توسعه نئوکلاسیک، طراحی داخلی ساده و نسبتاً سختگیرانه شد. اگر فضای داخلی فرانسوی الگویی از روکوکو بود، فضای داخلی انگلیسی نیز مدلی از نئوکلاسیک بود. فضای داخلی معمار انگلیسی از شهرت خاصی برخوردار بود رابرت آدام(1728-1792). این هنرمند با ایجاد خانه های عمارت، آنها را با ستون ها، ستون ها و مجسمه ها تزئین کرد. به این سبک «استایل آدم» می گویند. آن را با ظرافت، تزئینات، از نظر ارگانیک از جمله اشیاء باستانی گاهی واقعی متمایز می کند.

در لباس ها و مدل موی قرن هجدهم. تغییرات سبک نیز شناسایی می شود. در عصر لویی پانزدهم، ظاهر یک فرد به یک اثر هنری تبدیل شد: توالت های اشراف پرمدعا و شیک بودند، مدل موی خارق العاده (کلاه گیس به مد آمد)، مگس سیاه روی صورت پودر شده به زبانی خاص در عشق تبدیل شد. گفتگو. زنی که مانند یک اسباب‌بازی لباس پوشیده و شانه‌شده و کفش‌های باریک پاشنه‌دار پوشیده شده بود، باید با احتیاط قدم برمی‌داشت تا تعادل خود را حفظ کند و از هم نپاشد - این امر عادت به راه رفتن شناور و حرکات نرم مینوت را ایجاد کرد. . آنها می خواستند یک زن را به عنوان یک عروسک گرانبها، یک پرنده بهشتی، یک گل نفیس ببینند. چنین موجوداتی در خور محیطی فوق‌العاده و هوس‌آمیز از فضای داخلی روکایل بودند» (2، 45).

لباس مخصوصاً برای زنان تبدیل به یک اثر هنری می شود. چنین کت و شلواری ناراحت کننده و غیر عملی بود، اما به طور غیر معمول جذاب بود.

کت و شلوار مردانه به همان زیبایی زنانه بود و سایه های ظریف رنگ های پاستلی انتخاب شد.

عشق به هر چیز ظریف به شکوفایی جواهرات و چینی کمک کرد.

اوج شکوفایی هنر چینی اروپایی نیز به اواسط قرن هجدهم می رسد. و با سبک روکوکو مرتبط است. معروف ترین آنها چینی فرانسوی از شهر Sevres و چینی آلمانی از Meissen (زاکسونی) است. استادان مایسن در ترکیبات خود "جشن های شجاعانه" - سرگرمی های تصفیه شده اشراف را به تصویر می کشند.

روکوکو سبکی مانند گوتیک و باروک نبود، به یک جنبش هنری بزرگ و کل نگر تبدیل نشد. گسترش ذائقه دوران سلطنت با سرنوشت اشراف فرانسوی که در قرن هجدهم شکوفا شدند، آماده شد. فقط در یک - در ترتیب یک زندگی امن و شاد. این یک زندگی بیکار بود که با تجملات زیبا احاطه شده بود. هنر زینت زندگی بیکار اشراف فرانسوی بود.

هنرهای تزئینی نقش ویژه ای ایفا می کنند (حتی خوراک شناسی نیز تا سطح هنر بالا می رود).

وظیفه اصلی هنر جلب رضایت است، خود هنر با تجمل، بازیگوشی و تمسخر شناخته می شود.

آینه ها به یک دکوراسیون دیوار مورد علاقه تبدیل می شوند، آنها در مقابل یکدیگر قرار می گیرند و تعداد بی نهایت بازتاب می دهند.

نیاز به کالاهای لوکس در فرانسه به لطف کار سازندگان مبلمان، بافندگان، مجسمه‌سازان، جواهر فروشان و گلدوزی‌ها، کل شاخه‌های تولید هنری ایجاد شد.

نقوش تزئینی مورد علاقه روکوکو صدف، ساقه و گل است.

در زمینه دکور، نئوکلاسیک به فضای داخلی تالارها روی آورد که به شیوه آنتیک تجهیز شده بودند. استثمارهای ارتش ناپلئون نقوش تزئینی جدیدی را به ارمغان آورد: شمشیرها، بنرها. در دوران ناپلئون تغییراتی در لباس و مدل مو رخ می دهد. مد برای هر چیز عتیقه در حال گسترش است: از شکل ظاهری و برش لباس‌ها که یادآور کیتون‌ها و تونیک‌ها هستند تا فرهای شل و آزاد. نه تنها کرینولین ها و فیژماها ناپدید شدند، بلکه الماس ها، سنگ های حکاکی شده در یک قاب (جواهرات) نیز به مد آمدند.

برخلاف دیگر اشکال هنر در موسیقی قرن هجدهم. باروک به عنوان یک جهت سبک هنوز به طور گسترده نشان داده می شد. بزرگترین استادان دوره باروک در موسیقی باخ و هندل بودند.

یوهان سباستین باخ(1685-1750) بزرگترین موسیقیدان قرن هجدهم بود و تأثیر موسیقی او همچنان در حال افزایش است. کار آهنگسازی او علیرغم زندگی معمولی به طرز شگفت آوری همه کاره بود (او یک خوانند - رهبر و رهبر گروه کر کلیسا بود). باخ از کودکی عمیقاً مذهبی بود و به مذهب پروتستان پایبند بود. این اصلاحات در آلمان بود که شور شعار پروتستانی (سرود کرال) را مطرح کرد. پروتستانتیسم با ساده‌تر و دقیق‌تر کردن مراسم کلیسا، اهمیت موسیقی را در آن افزایش داد. کلیسا به مرکز هنر موسیقی تبدیل شد و ارگانیست کلیسا نماینده آن بود. هنر ارگ در آلمان بسیار گسترده بود و بنابراین جای تعجب نیست که این ارگ تمام زندگی باخ را همراهی کند. میراث اندام او شامل چندین ژانر است که در میان آنها پیش درآمدهای کرال و چرخه های چند صدایی دو قسمتی برجسته است. لفوگ موسیقی باخ بیانگر فروتنی مذهبی، ترحم، غزل و انگیزه است. در کنار طبیعی بودن و سادگی، تعالی و اهمیت در نوشته های او نهفته است. در میان خلاقیت های موسیقی باخ تعداد زیادی شاهکار واقعی وجود دارد که در سراسر جهان به رسمیت شناخته شده است.

در کنار باخ، یکی دیگر از چهره های مهم باروک موسیقی برمی خیزد - گئورگ فردریش هندل(1685-1759). زندگی او در شهرهای بزرگ اروپایی سپری شد، او تحصیلات عالی موسیقی را دریافت کرد. اولین اپرای رینالدو که در لندن روی صحنه رفت، شهرت هندل را به ارمغان آورد. هندل در ژانرهای مختلف موسیقی نوشت، اما اوراتوریوها (آثار بزرگ آوازی-سمفونیک با طرح توسعه یافته) اوج میراث او را تشکیل می دهند. منبع ادبی مشهورترین اواتوریوهای آهنگساز قسمت اول کتاب مقدس - عهد عتیق بود. هندل در انگلستان زندگی می کرد و رویدادهای تاریخ سیاسی آن، و همچنین دامنه حماسی داستان های کتاب مقدس، نمی توانست علاقه او را برانگیزد.

این آهنگساز در درجه اول با مضامین مدنی مشخص می شد. هندل با انتخاب موضوعات کتاب مقدس، قدرت احساسات انسانی را تحسین می کند. این شور، پویایی، تصویری از رویارویی بود که از ویژگی های باروک بود.

اگر نیمه اول قرن هجدهم. در موسیقی، باروک به عنوان یک سبک موسیقی تعریف شد، سپس نیمه دوم آن به دوران اوج آهنگسازان مکتب کلاسیک وین تبدیل شد:

گلوک، هایدن، موتزارت و بتهوون. بالاترین دستاوردهای کلاسیک با وین، پایتخت امپراتوری وسیع اتریش، شهری کاملاً اشباع از موسیقی مرتبط بود.

مکتب کلاسیک وین به حالات و ایده های روشنگری پاسخ داد. هنر موسیقی منعکس کننده جستجوهای معنوی و فرآیندهای هنری متناقض زمان خود بود. به عنوان مثال، لسینگ بر کار موتزارت تأثیر گذاشت.

اصول کلاسیک تجسم خود را در موسیقی عصر روشنگری یافت.

کریستوف ویلیبالد گلوک(1714-1787) به عنوان یک اصلاح کننده هنر اپرا وارد تاریخ موسیقی شد که پایه و اساس سبک جدید اپرا را پایه گذاری کرد. اپراهایی که گلوک نوشت هم از نظر محتوا و هم در نحوه بیان احساسات شخصیت ها غیرمعمول بودند. فعالیت‌های گلوک در وین و پاریس انجام شد و همچنین با بحث‌هایی در فلسفه و زیبایی‌شناسی همراه بود که روشنگران در آن شرکت داشتند. آنها اپرای دربار را مورد انتقاد قرار دادند و معتقد بودند که تئاتر باستانی به طور ایده آلی ترکیبی از موسیقی، انعطاف پذیری و تلاوت است.

گلوک سعی کرد اپرا را دراماتیزه کند و به آن حقیقت و طبیعی بدهد. تمام بهترین اپراهای گلوک، که از اورفئوس شروع می شود، دقیقاً بر روی موضوعات باستانی نوشته شده اند، که در آنها آهنگساز شخصیت های قدرتمند و اشتیاق قوی پیدا می کند. در طول زندگی گلوک، اپراهای او جنجال های شدیدی را برانگیخت، اما گذشت زمان ثابت کرد که اصول قابل اجرا هستند و تصادفی نیست که دیگر آهنگسازان برجسته نیز آنها را اجرا کردند.

جوزف هایدن(1732-1809) تقریباً برای سه دهه به عنوان یک گروه موسیقی (رهبر یک گروه کر و کلیسای ارکسترال) باقی ماند و فقط اوقات فراغت خود را به آهنگسازی اختصاص داد. اگر گلوک اپرا را اصلاح کرد، هایدن سمفونی های بی نقصی خلق کرد. مسیر خلاقیت او در دوره های مختلف هنری طی شد، اما آثار آهنگساز دقیقاً با عصر روشنگری مرتبط بود. روشنگران به پیشرفت جامعه و انسان معتقد بودند و موسیقی هایدن بیانگر خوش بینی و شادی جویی است. آفرینش های هایدن کاملاً عقل گرایانه هستند: مشخصه آنها تفکر و هماهنگی است که با اصول عقل گرایانه روشنگری نیز همخوانی دارد.

هایدن در سخنرانی‌های خود به موضوع طبیعت می‌پردازد، آیینی که از ویژگی‌های معلمی چون روسو بود. این هایدن بود که درخشان ترین آهنگساز عصر روشنگری شد.

ولفگانگ آمادئوس موتزارت(1756-1791) در سنین پایین شروع به آهنگسازی کرد، او بسیار سفر کرد، زود به شهرت رسید. موتسارت نیز مانند گلوک به اصلاح‌گر بزرگ اپرا تبدیل شد و نه تنها آن را سمفونی کرد، بلکه به فعلیت رساند. موتزارت با انتخاب نمایشنامه ای مانند روز دیوانه یا ازدواج فیگارو تعهد خود را به ایده های آموزشی نشان داد. در فلوت جادویی، آهنگساز نوعی مدینه فاضله نزدیک به ایمان روشنگران به پیشرفت اخلاقی بشر ارائه می دهد. موسیقی موتزارت به طرز شگفت آوری ترکیبی از طبیعی بودن و هارمونی، صداقت و کمال، وضوح بی عیب و نقص و هیجان لرزان است. بالاترین دستاورد موسیقی موتزارت "رکوئیم" معروف - آخرین ساخته او بود.

آلمانی آهنگساز لودویگ ون بتهوون(1770-1827) بیشتر عمر خود را در وین گذراند. نوشته‌های او نیز نشان از روشنگری دارد. این آهنگساز دقیقاً خود را در ژانرهای سونات و سمفونی نشان داد که در نهایت دقیقاً در این دوره شکل گرفت. آثار او اندیشمندی کل ایده و جزئیات فردی، وضوح فرم ها را آشکار می کند.

در مشهورترین آثار او، مضمون قهرمانی، مضمون مبارزه، تجسم یافته است که هم با شخصیت خود آهنگساز و هم با ویژگی های زندگینامه او مرتبط است: او از وقایع انقلاب کبیر فرانسه به عنوان یک نوزده جان سالم به در برد. جوانی یک ساله اگرچه ایده‌های روشنگری از ویژگی‌های موسیقی بتهوون بود، اما او در حال حاضر دوره جدیدی را نشان می‌دهد که رمانتیسم را پیش‌بینی می‌کند. سبک موسیقی این آهنگساز از نظر دامنه، درام و قدرت احساسی با هنر سایر آثار کلاسیک وینی متفاوت است. از این قبیل می توان به «سونات رقت انگیز»، سمفونی سوم («قهرمانانه»)، سمفونی پنجم و نهم، به ویژه «قصیده شادی» که آخرین را کامل می کند، اشاره کرد. کل میراث بتهوون به طور کلی تأثیر شگرفی بر پیشرفت موسیقی، به ویژه در شکل گیری رمانتیسم داشت.