Resumen sobre el tema:

Concierto (trabajo)

Concierto(Concierto italiano del lat. concierto) - una composición musical escrita para uno o más instrumentos, con acompañamiento orquestal, con el fin de permitir a los solistas mostrar virtuosismo en la interpretación. Un concierto escrito para 2 instrumentos se llama doble, para 3 instrumentos se llama triple. En tales conciertos, la orquesta tiene una importancia secundaria y sólo en la actuación (tutti) adquiere un significado independiente. Se llama sinfónico a un concierto en el que la orquesta tiene un gran significado sinfónico.

El concierto suele constar de 3 partes (las partes exteriores están en cámara rápida). En el siglo XVIII, una sinfonía en la que muchos de los instrumentos tocaban solos en algunos lugares se llamaba concerto grosso. Más tarde, una sinfonía en la que un instrumento adquiría un significado más independiente en comparación con otros comenzó a llamarse symphonique concertante, concertirende simfonie.

La palabra "concierto" como título composicion musical, apareció en Italia a finales del siglo XVI. El concierto en tres partes apareció a finales del siglo XVII. El italiano Arcangelo Corelli es considerado el fundador de esta forma de Concierto, a partir de la cual se desarrolló en los siglos XVIII y XIX. K. para diferentes instrumentos. Los más populares son los conciertos para violín, violonchelo y piano. Posteriormente, los conciertos fueron escritos por Bach, Mozart, Beethoven, Schumann, Mendelssohn, Tchaikovsky, Davydov, Rubinstein, Viotti, Paganini, Vietang, Bruch, Wieniawski, Ernst, Servais, Litolf y otros.

Un concierto de pequeño tamaño en el que se fusionan las partes se llama concertina.

Un concierto de música clásica es también una reunión pública en salas con una acústica especial, en la que se interpretan una serie de obras vocales o instrumentales. Dependiendo del programa, el Concierto recibe el nombre: sinfónico (en el que se interpretan principalmente obras orquestales), espiritual, histórico (compuesto por obras diferentes eras). Un concierto también se llama academia cuando los intérpretes, tanto solistas como en orquesta, son artistas de primer nivel.

en el Concierto hay 2 partes “en competencia” entre el solista y la orquesta, a esto se le puede llamar competencia.

Al escribir este artículo, material de Diccionario enciclopédico Brockhaus y Efron (1890-1907).

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Los visitantes de la Filarmónica conocen el ambiente especial y alegre que reina en la sala donde se realiza un concierto instrumental. De particular interés es la competencia entre el solista y todo el grupo: la orquesta. De hecho, el concierto es uno de los géneros instrumentales más difíciles. Su especificidad radica en el hecho de que el solista se encuentra en las condiciones más difíciles que pueden existir en la música. Tendrá que demostrar la superioridad de su instrumento compitiendo con decenas de otros.

No en vano los compositores dan a los conciertos un carácter brillante y virtuoso, esforzándose por revelar todas las capacidades técnicas y artísticas del instrumento elegido. Los conciertos se escriben principalmente para los instrumentos más desarrollados y ricos en recursos: piano, violín y violonchelo.

Al mismo tiempo, el concierto presupone no sólo la competencia entre los participantes, sino también la coordinación alterna de las partes solista y acompañante en la encarnación del concepto general de la composición.

Así, el concierto instrumental contiene tendencias aparentemente contradictorias:

• por un lado, está diseñado para revelar las capacidades de un instrumento en comparación con toda la orquesta;
• por otro lado, requiere un conjunto completo y perfecto.

Y, al parecer, la palabra concierto tiene un doble origen: del latín “concertare”, que significa “competir”, y del italiano “concerto”, es decir, “acuerdo”. En eso doble sentido– el significado y la especificidad de este género.

Concierto instrumental. Historia del genero

La historia del concierto como forma de interpretación en conjunto se remonta a la antigüedad. La ejecución conjunta de varios instrumentos con la promoción de un instrumento solista se produce en cultura musical Mucha gente.

Pero el término en sí apareció a finales del Renacimiento, en el siglo XVI, en Italia. Eso es lo que llamaban vocal. obras polifónicas realizado en la iglesia. Estas obras se basaban en una comparación (competencia) de dos o más partes cantadas, acompañadas por un órgano y, a veces, un conjunto instrumental.

Posteriormente este nombre pasó a ser obra de cámara para varios instrumentos. Conciertos similares ocurren a principios del siglo XVII, pero a mediados de siglo el concierto se convirtió en trabajo orquestal y toma un nuevo nombre: “concerto grosso”.

Concierto bruto

El creador del nuevo género Concerto grosso (“gran concierto”) fue un destacado violinista y compositor italiano del siglo XVII. principios del XVIII siglo Arcángel Corelli. El Concerto grosso ya tenía una división en instrumentos solistas y de acompañamiento, y de los primeros siempre hubo varios y se llamaban concertino.

El desarrollo posterior de esta forma está asociado con Corelli, un contemporáneo más joven. En la obra de Vivaldi, el ciclo de conciertos adoptó una forma de tres partes, donde las partes rápidas exteriores enmarcaban la parte lenta media. También creó los primeros conciertos con un instrumento solista, el violín. Bach y Handel escribieron conciertos de este tipo.

Más tarde, el clavecín, que inicialmente desempeñaba funciones de acompañamiento en el Concierto grosso, también empezó a surgir como instrumento solista. Poco a poco su papel se volvió más complejo y con el tiempo el clavecín y la orquesta cambiaron de papel.

Estructura de los conciertos de Wolfgang Amadeus Mozart

Finalmente se estableció como forma principal la estructura de tres partes del concierto. Además, la primera parte está escrita en forma de sonata con doble exposición (la primera vez la presenta la orquesta, la segunda, con algunos cambios, el solista). Al final del movimiento hay una cadencia virtuosa, un episodio interpretado por un solista.

Como regla general, en ese momento la cadencia no la escribía el compositor, sino que estaba marcada con un símbolo especial en la parte del instrumento solista. Aquí el solista tuvo total libertad para improvisar y demostrar sus habilidades virtuosas. Esta tradición persistió durante bastante tiempo, y solo en la era posterior a Beethoven los autores comenzaron a escribir la cadencia, adquiriendo importante en el desarrollo de la idea de un ensayo.

Pero si la cadencia de una forma u otra se incluye hoy en el concierto instrumental, entonces la doble exposición de los temas principales ha ido desapareciendo gradualmente.

II, el movimiento lento, no tiene una forma firmemente establecida, pero III, el final rápido, está escrito en forma sonata o rondó.

Desarrollo del concierto instrumental en los siglos XIX-XX

El género del concierto ha pasado. Camino grande formación y desarrollo, obedeciendo a las tendencias estilísticas de una determinada época. Observemos sólo los puntos clave más importantes.

El concierto experimentó su renacimiento en la obra de Beethoven. Si en Mozart todavía estaba dotado de características de entretenimiento, Beethoven lo subordinó decisivamente a tareas ideológicas y lo acercó a la sinfonía.

La sinfonización del concierto fue continuada por compositores de la época romántica. Bajo la influencia del poema sinfónico, las partes del concierto se fusionaron en una composición en continuo desarrollo. El creador de tal concierto de una parte fue. Le dio una apariencia brillante y virtuosa.

Concierto instrumental En las obras de Mendelssohn, Chopin, Schumann, Grieg revela un deseo de lirismo. Esto, a su vez, llevó a una disminución en el papel del elemento virtuoso del concierto. Si Beethoven tenía los mismos derechos que el instrumento solista y la orquesta, entre los románticos el primero reina y al segundo se le asigna un acompañamiento modesto. role.

Mientras tanto, las tradiciones de Beethoven del concierto sinfonizado continuaron desarrollándose en la obra de Brahms. La influencia de la sinfonía lírico-dramática afectó a los conciertos de Tchaikovsky y especialmente a Rachmaninoff.

Se dijo una nueva palabra en la reposición del concierto de Chopin. Sus conciertos para piano tenían una escala virtuosa y obligaron al piano a competir con éxito con una parte orquestal desarrollada. Los conciertos para violín de Prokofiev son líricos y atraen principalmente por la interpretación melódica del instrumento solista.

En las obras de los compositores del siglo XX se pueden rastrear tendencias en el resurgimiento del antiguo concierto. Así, el magnífico virtuoso “barroco” florece en las obras de Gershwin y Khachaturian, el Renacimiento formas antiguas se puede rastrear en las obras de Hindemith, Bartok y Stravinsky.

Alemán Konzert, del italiano. concierto - concierto, iluminado. - competencia (de votos), de lat. concierto - competir

Una obra para muchos intérpretes, en la que una pequeña parte de los instrumentos o voces participantes se opone a la mayoría o a todo el conjunto, destacándose por sus rasgos temáticos. alivio de la música. material, sonido colorido, uso de todas las capacidades de los instrumentos o voces. De finales del siglo XVIII. Los más comunes son los conciertos para un instrumento solista con orquesta; menos comunes son los conciertos para varios instrumentos con orquesta: "doble", "triple", "cuádruple" (alemán: Doppelkonzert, Triepelkonzert, Quadrupelkonzert). Las variedades especiales incluyen música para un instrumento (sin orquesta), música para orquesta (sin partes solistas estrictamente definidas), música para voz(es) con orquesta y música para coro a capella. En el pasado, la música polifónica vocal estaba ampliamente representada. K. y concierto grosso. Las condiciones previas importantes para el surgimiento de los coros fueron la policorania y la yuxtaposición de coros, solistas e instrumentos, que fueron ampliamente utilizados por primera vez por los representantes. escuela veneciana, selección en vok.-instrumento. Composiciones de partes solistas de voces e instrumentos. Las primeras catedrales surgieron en Italia a finales de los siglos XVI y XVII. en el wok. iglesia polifónica música (Concerti ecclesiastici para doble coro de A. Banchieri, 1595; Motetes para canto a 1-4 voces con bajo digital “Cento concerti ecclesiastici” de L. Viadana, 1602-11). En tales conciertos se utilizaron varios tipos. composiciones, desde las grandes hasta las numerosas. wok e instr. fiestas que contaban sólo con unos pocos woks. partes y la parte de bajo general. Junto con el nombre de concierto, las composiciones del mismo tipo a menudo llevaban los nombres de motetti, motectae, cantios sacrae, etc. La etapa más alta de desarrollo de la música religiosa. K. polifónico El estilo representa los que surgieron en la 1ª mitad. siglo 18 cantatas de J. S. Bach, que él mismo llamó concerti.

El género K ha encontrado una amplia aplicación en ruso. iglesia música (de finales del siglo XVII) - en obras polifónicas para coro a capella, relacionadas con el campo del canto de partes. La teoría de la "creación" de tal K. fue desarrollada por N. P. Diletsky. Rusia. Los compositores han desarrollado enormemente la técnica polifónica de la música religiosa (obras a 4, 6, 8, 12 o más voces, hasta 24 voces). En la biblioteca del Coro sinodal de Moscú había hasta 500 canciones de los siglos XVII y XVIII escritas por V. Titov, F. Redrikov, N. Bavykin y otros. El desarrollo del concierto de la iglesia continuó al final del concierto. siglo 18. M. S. Berezovsky y D. S. Bortnyansky, en cuya obra predomina el estilo melódico-ariotico.

En el siglo XVII, inicialmente en Italia, el principio de "competencia", "competencia" de varias voces solistas ("de concierto") penetró en el instrumento. música - en la suite y la iglesia. sonata, preparando el surgimiento del género musical instrumental (Balletto concertata P. Melli, 1616; Sonata concertata D. Castello, 1629). La yuxtaposición contrastante (“competencia”) de una orquesta (tutti) y solistas (solo) o un grupo de instrumentos solistas y una orquesta (in concerto grosso) se basa en los contrastes que surgieron a finales del siglo XVII. los primeros ejemplos de K. instrumental (Concerti da camera a 3 con il cembalo G. Bononcini, 1685; Concerto da camera a 2 violini e Basso continuo G. Torelli, 1686). Sin embargo, los conciertos de Bononcini y Torelli fueron sólo forma de transición de la sonata a K., que en realidad tomó forma en la primera mitad. siglo 18 en las obras de A. Vivaldi. K. de esta época era una composición de tres partes con dos partes exteriores rápidas y una parte media lenta. Las partes rápidas generalmente se basaban en un tema (con menos frecuencia en 2 temas); Este tema fue interpretado en la orquesta sin cambios como estribillo-ritornello (allegro monotemático de tipo rondal). Vivaldi creó tanto concerti grossi como conciertos para solista, para violín, violonchelo, viola damour y diversos espíritus. herramientas. La parte del instrumento solista en los conciertos solistas inicialmente desempeñaba principalmente funciones de conexión, pero a medida que el género evolucionó, adquirió un carácter de concierto y un carácter temático cada vez más claramente expresado. independencia. El desarrollo de la música se basó en la oposición entre tutti y solo, cuyos contrastes fueron enfatizados por la dinámica. medio. Predominó la textura figurativa de movimiento suave de tipo puramente homofónico o polifónico. Los conciertos del solista, por regla general, tenían el carácter de virtuosismo ornamental. La parte central fue escrita en estilo ariatico (generalmente un aria patética del solista con el telón de fondo del acompañamiento de acordes de la orquesta). K. recibió este tipo en la primera mitad. siglo 18 distribución general. A este grupo también pertenecen las composiciones para teclado creadas por J. S. Bach (algunas de ellas representan adaptaciones de sus propios conciertos para violín y de los conciertos para violín de Vivaldi para 1.º, 2.º y 4.º clavier). Estas obras de J. S. Bach, así como K. para clave y orquesta de G. F. Handel, sentaron las bases para el desarrollo de php. concierto. Handel es también el fundador de la música para órgano. Como instrumentos solistas, además del violín y el clave, se encuentran el violonchelo, la viola damour, el oboe (que a menudo servía como sustituto del violín), la trompeta, el fagot, la flauta travesera, etc. fueron utilizados como instrumentos solistas.

En la segunda mitad. siglo 18 Se formó un clásico. un tipo de música instrumental solista, claramente cristalizada entre los clásicos vieneses.

En K. se estableció la forma sonata-sinfónica. ciclo, pero en una refracción peculiar. El ciclo de conciertos, por regla general, constaba de sólo 3 partes; le faltaba la 3ª parte del ciclo completo de cuatro partes, es decir, un minueto o (más tarde) un scherzo (el scherzo posterior a veces se incluye en K. - en lugar de una parte lenta, como por ejemplo en el 1er K. para violín y orquesta de Prokofiev, o como parte de un ciclo completo de cuatro partes, como por ejemplo en los conciertos para piano y orquesta de A. Litolf. I. Brahms, en el 1º K. para violín y orquesta Shostakovich). También se establecieron ciertas características en la construcción de partes individuales de K. En la primera parte, se utilizó el principio de doble exposición: primero, los temas de las partes principal y secundaria sonaron en la orquesta principal. tonalidad, y solo después de eso, en la segunda exposición, se les presentó el papel principal del solista: tema principal sobre la misma base clave, y la secundaria está en una clave diferente, correspondiente al esquema de la sonata allegro. La comparación y competencia entre el solista y la orquesta se produjo principalmente en el desarrollo. Comparado con el preclásico muestras, el principio mismo de la concertación ha cambiado significativamente y se ha relacionado más estrechamente con temas temáticos. desarrollo. En K., el solista previó la improvisación sobre los temas de la composición, la llamada. la cadencia se ubicó en la transición a la coda. En Mozart, la textura de K., aunque sigue siendo predominantemente figurativa, es melódica, transparente y plástica; en Beethoven, está llena de tensión de acuerdo con la dramatización general del estilo; Tanto Mozart como Beethoven evitan cualquier cliché en la construcción de sus escenas, apartándose muchas veces del principio de doble exposición descrito anteriormente. Los conciertos de Mozart y Beethoven representan las cimas más altas del desarrollo de este género.

En la era del romanticismo hubo un alejamiento de lo clásico. relación de partes en K. Los románticos crearon una K. de una parte de dos tipos: forma pequeña, la llamada. concerttük (más tarde llamado concertino), y una forma grande, correspondiente en estructura a un poema sinfónico, en un movimiento que incorpora las características de un ciclo sonata-sinfónico de cuatro partes. en clasico K. entonación y temática. Las conexiones entre partes, por regla general, estaban ausentes en el romance. K. El monotematismo, las conexiones leitmotiv y el principio de “desarrollo de un extremo a otro” han adquirido gran importancia. Vívidos ejemplos de romanticismo. el poema de una parte de K. fue creado por F. Liszt. Romántico reclamar la primera mitad. Siglo 19 desarrolló un tipo especial de virtuosismo colorido y decorativo, que se convirtió en una característica estilística de todo el movimiento del romanticismo (N. Paganini, F. Liszt, etc.).

Después de Beethoven, surgieron dos variedades (dos tipos) de música: "virtuosa" y "sinfonizada". En el virtuoso K. instr. el virtuosismo y la concertación forman la base para el desarrollo de la música; No es una temática la que pasa a primer plano. Desarrollo y principio de contraste entre cantilena y motricidad, dec. tipos de textura, timbres, etc. En plural virtuoso K. temático. el desarrollo está completamente ausente (los conciertos para violín de Viotti, los conciertos para violonchelo de Romberg) u ocupa una posición subordinada (primer movimiento del primer concierto de Paganini para violín y orquesta). En K. sinfonizado, el desarrollo de la música se basa en sinfonías. dramaturgia, principios temáticos. desarrollo, basado en el contraste entre lo figurativo y lo temático. esferas Implementación de la sinfonía. La dramaturgia en K. estuvo determinada por su acercamiento a la sinfonía en el sentido figurado, artístico e ideológico (los conciertos de J. Brahms). Ambos tipos de K. se diferencian en dramaturgia. funciones básicas componentes: la música virtuosa se caracteriza por la hegemonía total del solista y el papel subordinado (acompañante) de la orquesta; para K. sinfonizado - dramatúrgico. la actividad de la orquesta (el desarrollo del material temático lo realizan conjuntamente el solista y la orquesta), dando lugar a la relativa igualdad de las partes del solista y la orquesta. En K. sinfonizado, el virtuosismo se convirtió en un medio de dramatismo. desarrollo. La sinfonización incluso abarcó un elemento específicamente virtuoso del género como la cadencia. Si en el virtuoso K. la cadencia tenía como objetivo demostrar habilidades técnicas. dominio del solista, en el sinfonizado se involucró en el desarrollo general de la música. Desde la época de Beethoven, los propios compositores comenzaron a escribir cadencias; en 5to fp. En el concierto de Beethoven, la cadencia se vuelve orgánica. parte de la forma de la obra.

No siempre es posible hacer una distinción clara entre música virtuosa y sinfonizada. Se ha generalizado el tipo K, en el que el concierto y la sinfonía aparecen en estrecha unidad. Por ejemplo, en los conciertos sinfónicos de F. Liszt, P. I. Tchaikovsky, A. K. Glazunov, S. V. Rachmaninov. La dramaturgia se combina con el brillante carácter virtuoso de la parte solista. En el siglo 20 el predominio de la interpretación virtuosa del concierto es característico de los conciertos de S. S. Prokofiev, B. Bartok, el predominio de la sinfónica. Estas cualidades se observan, por ejemplo, en el primer concierto para violín de Shostakovich.

Habiendo tenido una influencia significativa en K., la sinfonía, a su vez, fue influenciada por K. a finales del siglo XIX. Surgió una variedad especial de sinfonía de "concierto", representada por prod. R. Strauss ("Don Quijote"), N. A. Rimsky-Korsakov ("Capriccio español"). En el siglo 20 También aparecieron bastantes conciertos para orquesta, basados ​​​​en el principio de la concertación (por ejemplo, en la música soviética, del compositor azerbaiyano S. Gadzhibekov, del compositor estonio J. Rääts, etc.).

Prácticamente K. creado para toda Europa. instrumentos: fp., violín, violonchelo, viola, contrabajo, instrumentos de viento y metales. R. M. Gliere posee la muy popular K. para voz y orquesta. soviético. compositores escritos por K. para personas. instrumentos: balalaika, domra (K.P. Barchunov y otros), alquitrán armenio (G. Mirzoyan), kokle letón (Ya. Medin), etc. En soviético. Música, el género de K. se ha generalizado mucho en diversos campos. formas estándar y está ampliamente representado en las obras de muchos compositores (S. S. Prokofiev, D. D. Shostakovich, A. I. Khachaturian, D. B. Kabalevsky, N. Ya. Myaskovsky, T. N. Khrennikov, S. F. Tsintsadze y otros).

Literatura: Orlov G. A., Concierto de piano soviético, Leningrado, 1954; Khokhlov Yu., Concierto para violín soviético, M., 1956; Alekseev A., Concierto y géneros de cámara música instrumental, en el libro: Historia de Rusia música soviética, vol. 1, M., 1956, págs. Raaben L., Concierto instrumental soviético, Leningrado, 1967.

El contenido del artículo.

CONCIERTO(Concierto italiano), obra musical de un solo movimiento o de varios movimientos para uno o más instrumentos solistas y orquesta. El origen de la palabra "concierto" no está del todo claro. Quizás esté relacionado con el italiano. concertare (“estar de acuerdo”, “llegar a un acuerdo”) o del lat. concertare (“desafiar”, “luchar”). De hecho, la relación entre el instrumento solista y la orquesta en un concierto contiene elementos tanto de “asociación” como de “rivalidad”. La palabra "concierto" se utilizó por primera vez en el siglo XVI. para denotar obras vocales-instrumentales, en contraste con el término a capella, que denota composiciones puramente vocales. Conciertos de Giovanni Gabrieli, escritos para la Catedral de St. La Marcha de Venecia o los conciertos de Lodovico da Viadana y Heinrich Schütz son principalmente obras sacras policóricas con acompañamiento instrumental. Hasta mediados del siglo XVII. la palabra “concierto” y el adjetivo “concierto” (concertato ) Continuó relacionándose con la música vocal-instrumental, pero en la segunda mitad de este siglo, primero en Bolonia, y luego en Roma y Venecia, aparecieron conciertos puramente instrumentales.

Concierto barroco.

A principios del siglo XVIII. Se empezaron a utilizar varios tipos de concierto. En los conciertos del primer tipo, se opuso un pequeño grupo de instrumentos: un concertino (concertino, “pequeño concierto”). grupo más grande, que se llamó, como la obra misma, concerto grosso ("gran concierto"). Entre trabajos famosos Este tipo es el 12 Concerto Grosso (op. 6) de Arcangelo Corelli, donde la concertina está representada por dos violines y un violonchelo, y el Concerto Grosso por un elenco más amplio de instrumentos de cuerda. El concertino y el concerto grosso están conectados por el bajo continuo (“bajo constante”), que está representado por una composición de acompañamiento típica de la música barroca. instrumento de teclado(más a menudo clavecín) y bajo instrumento de cuerda. Los conciertos de Corelli constan de cuatro o más movimientos. Muchos de ellos se asemejan en su forma a una sonata en trío, uno de los géneros más populares de la música de cámara barroca; otros, que consisten en varios bailes, se parecen más a una suite.

Otro tipo concierto barroco compuesto para instrumento solista con un grupo acompañante llamado ripieno o tutti. Un concierto de este tipo normalmente constaba de tres partes, la primera casi siempre tomaba la forma de un rondó: la sección orquestal introductoria (ritornello), en la que se exhibía el material temático principal del movimiento, se repetía entera o en fragmentos después de cada sección solista. Las secciones solistas generalmente daban al intérprete la oportunidad de mostrar su virtuosismo. A menudo desarrollaron material de ritornello, pero a menudo consistían sólo en pasajes, arpegios y secuencias en forma de escala. Al final del movimiento el ritornello solía aparecer en su forma original. La segunda parte, lenta del concierto, fue de naturaleza lírica y compuesta de forma libre, a veces utilizando la técnica del “bajo repetitivo”. El rápido movimiento final era a menudo del tipo de danza y, con bastante frecuencia, el autor volvía en él a la forma de rondó. Antonio Vivaldi, uno de los compositores más famosos y prolíficos del barroco italiano, escribió muchos conciertos en recital, incluidos los cuatro conciertos para violín conocidos como Estaciones. Vivaldi también tiene conciertos para dos o más instrumentos solistas, donde se combinan elementos de las formas. concierto en solitario, concerto grosso e incluso un tercer tipo de concierto, solo para orquesta, que a veces se llamaba concerto ripieno.

Entre mejores conciertos La época barroca puede denominarse obra de Handel, con sus 12 conciertos (op. 6), publicados en 1740, escritos según el modelo del concerto grosso de Corelli, a quien Handel conoció durante su primera estancia en Italia. Conciertos de I.S. Bach, incluidos siete conciertos para clave, dos para violín y seis de los llamados. Conciertos de Brandeburgo, en general, también siguen el modelo de los conciertos de Vivaldi: Bach los estudió, como las obras de otros compositores italianos, con mucho celo.

Concierto clásico.

Aunque los hijos de Bach, especialmente Carl Philipp Emanuel y Johann Christian, desempeñaron un papel importante en el desarrollo del concierto en la segunda mitad del siglo XVIII, no fueron ellos quienes elevaron el género a nuevas alturas, sino Mozart. En numerosos conciertos para violín, flauta, clarinete y otros instrumentos, y especialmente en 23 conciertos para teclado, Mozart, que tenía una imaginación inagotable, sintetizó los elementos de un concierto solista barroco con la escala y la lógica de la forma. sinfonía clásica. En los últimos conciertos para piano de Mozart, el ritornello se convierte en una exposición que contiene una serie de ideas temáticas independientes, la orquesta y el solista interactúan como socios iguales y en la parte solista se logra una armonía sin precedentes entre virtuosismo y tareas expresivas. Incluso Beethoven, que cambió cualitativamente muchos elementos tradicionales género, consideró claramente la manera y el método del concierto de Mozart como un ideal.

El Concierto para violín en re mayor de Beethoven (op. 61) comienza con una extensa introducción orquestal, donde las ideas principales se presentan en la forma precisa de una exposición de sonata. Tema inicial tiene una apariencia de marcha, típica de un concierto clásico, mientras que Beethoven esta cualidad Destacado por el importante papel de los timbales. El segundo y tercer tema son más líricos y expansivos, pero al mismo tiempo conservan la noble sofisticación establecida por el primer tema. Sin embargo, cuando entra el solista, todo cambia. Como resultado giro inesperado Los motivos secundarios de la exposición orquestal pasan a primer plano, presentados en la brillante textura del instrumento solista: cada elemento es repensado y afinado. Luego el solista y la orquesta compiten para desarrollar diferentes temas, y en una repetición repiten el material temático principal como socios. Hacia el final del movimiento, la orquesta guarda silencio para permitir que el solista realice una cadenza, una improvisación prolongada cuyo propósito es demostrar el virtuosismo y el ingenio del solista (en los tiempos modernos, los solistas generalmente no improvisan, pero reproducir cadencias grabadas por otros autores). La cadencia tradicionalmente termina con un trino, seguido de una conclusión orquestal. Beethoven, sin embargo, hace que el violín recuerde el segundo tema lírico (suena en el contexto de un tranquilo acompañamiento orquestal) y luego avanza gradualmente hacia una brillante conclusión. Los movimientos segundo y tercero del concierto de Beethoven están conectados por un breve pasaje, seguido de una cadenza, y tal conexión resalta aún más claramente el fuerte contraste figurativo entre los movimientos. El movimiento lento se basa en una melodía solemne, casi himnaria, que brinda amplias oportunidades para su hábil desarrollo lírico en la parte solista. El final del concierto está escrito en forma de rondó: se trata de una parte conmovedora y "juguetona", en la que una melodía simple, con su ritmo "cortado", que recuerda a las melodías populares de violín, se intercala con otros temas, aunque contrastan. con el estribillo del rondó, pero conserva la estructura general de la danza.

Siglo xix.

Algunos compositores de este período (por ejemplo, Chopin o Paganini) conservaron por completo la forma del concierto clásico. Sin embargo, también adoptaron las innovaciones introducidas en el concierto por Beethoven, como la introducción solista al principio y la integración de la cadencia en la forma del movimiento. Muy característica importante Concierto en el siglo XIX. fue la abolición de la doble exposición (orquestal y solista) en la primera parte: ahora la orquesta y el solista actuaron juntos en la exposición. Estas innovaciones son características de los grandes conciertos para piano de Schumann, Brahms, Grieg, Tchaikovsky y Rachmaninoff, los conciertos para violín de Mendelssohn, Brahms, Bruch y Tchaikovsky, y los conciertos para violonchelo de Elgar y Dvorak. Otro tipo de innovación está contenida en los conciertos para piano de Liszt y en algunas obras de otros autores, por ejemplo, en la sinfonía para viola y orquesta. Harold en Italia Berlioz, en el Concierto para piano de Busoni, donde introduce coro masculino. En principio, la forma, el contenido y las técnicas propias del género cambiaron muy poco durante el siglo XIX. El concierto se ha mantenido firme en competencia con la música de programa, que tuvo una fuerte influencia en muchos géneros instrumentales en la segunda mitad de este siglo.

El siglo veinte.

Revoluciones artísticas que tuvieron lugar durante las dos primeras décadas del siglo XX. y el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, no transformó mucho la idea básica y la apariencia del concierto. Incluso los conciertos de innovadores tan brillantes como Prokofiev, Shostakovich, Copland, Stravinsky y Bartok no se desvían mucho (si es que lo hacen) de los principios básicos del concierto clásico. Para el siglo XX. caracterizado por el resurgimiento del género del concerto grosso (en las obras de Stravinsky, Vaughan Williams, Bloch y Schnittke) y el cultivo del concierto para orquesta (Bartók, Kodály, Hindemith). En la segunda mitad del siglo, la popularidad y vitalidad del género de concierto se mantuvo, y la situación del “pasado en el presente” es típica en tales varios ensayos, como conciertos de John Cage (para piano preparado), Sofia Gubaidulina (para violín), Lou Harrison (para piano), Philip Glass (para violín), John Corigliano (para flauta) y György Ligeti (para violonchelo).

Desarrollo metodológico

LECCIÓN ABIERTA

Lección de música en sexto grado sobre el tema: “Concierto instrumental »

profesores de musica

MBOU RSOSH No. 1, Rudnya

región de smolensk

Datskiv Ilona Alexandrovna

2016

Ud. música rock en 6to grado "Concierto instrumental"

tipo de lección -formación y mejora de nuevos conocimientos, pero teniendo en cuenta los requisitos del Estándar Educativo del Estado Federal, esta es una lección sobre el "descubrimiento" de nuevos conocimientos.

El propósito de la lección: dar una idea del género de concierto instrumental, cuándo, cómo surgió y cómo se desarrolló.

Según el propósito de la lección, se establece lo siguiente:tareas:

Educativo : familiarizar a los estudiantes con el origen y desarrollo del género de concierto instrumental utilizando el ejemplo del concierto “Las cuatro estaciones” de A. Vivaldi, consolidar ideas sobre varios tipos de conciertos y ampliar ideas sobre la música del programa.

De desarrollo : continuar presentando los mejores ejemplos música de la época barroca.

Educativo : cultivar la capacidad de respuesta emocional a la percepción música clásica, desarrollar el interés y el respeto por patrimonio musical compositores de otros países.

Detrás Últimamente Los objetivos de la lección de música se han ampliado. Cada vez es más importanteautoeducativo Yestimulante tareas.

Autoeducativo : desarrollar habilidades y habilidades de autoeducación musical y estética (trabajo independiente en grupos)

Estimulante: promover la formación de un interés sostenible en lo que se está estudiando, alentar a los escolares a profundizar en sus conocimientos, a desarrollar la necesidad de reponer, actualizar y desarrollar constantemente sus conocimientos (uso de una variedad de herramientas didácticas)

Activación de la creatividad y actividad cognitiva los alumnos se logra mediante el uso de tecnologías modernas. tecnologías pedagógicas, a través de la integración varios tipos arte y tecnología de la información.

Usando el ejemplo de pinturas musicales y obras literarias mostrar a los estudiantes el papel comienzo musical en la vida y las obras Artes visuales y la literatura, la relación de la música con otras formas de arte.

A través de una claridad funcional, revele el tema de la lección de una manera divertida y accesible.

Métodos :

organización e implementación de actividades científicas y educativas:

explicativo e ilustrativo

estimulación y motivación de actividades educativas y cognitivas:

situación entretenida

comparación, análisis, generalización

método de comparación con artes afines

por fuente de información y naturaleza de la actividad:

verbal-inductivo (conversación), visual-deductivo (comparación, análisis de lo escuchado pieza musical, incentivos a la empatía, retrospectivas).

La lección se basa en dos tipos de actividades prácticas musicales de los estudiantes: escuchar (percepción activa) de la música y la entonación, que se expresa en las actividades interpretativas. La elección de este tipo de actividades está determinada por el tema de la lección, su propósito y objetivos.

Tecnologías: Información y comunicación, preservación de la salud.

Equipo: proyector multimedia, sistema estéreo, computadora portátil, libros de fonógrafo para el libro de texto “Música” para 6to grado, diccionario musical V. Razhnikova, letra impresa de la canción "Seasons" de A. Ermolov

DURANTE LAS CLASES

1. Organizar el tiempo

Maestro:

– ¡Hola, chicos!
La respuesta de los niños:

– ¡Hola!

Maestro: Hola, queridos chicos e invitados, me alegro de verlos. Espero que participen activamente en la lección. A mi vez, intentaré que la lección sea interesante e informativa para usted.

La música inspira al mundo entero, proporciona alas al alma, promueve el vuelo de la imaginación,
la música da vida y alegría a todo...
Se la puede llamar la encarnación de todo lo bello y sublime.

Platón

Maestro: ¡Y empezaremos la lección, por supuesto, con música!

(Se reproduce un extracto del concierto instrumental de Vivaldi “Las cuatro estaciones”.

Intentemos responder, ¿de qué hablaremos en la lección de hoy?

Música de Antonio Vivaldi (1 diapositiva)

Chicos, recuérdenme el tema de la segunda mitad del año:

Estudiantes: "El mundo de las imágenes de cámara y musica sinfonica»

Maestro: Qué es música de cámara?

Estudiantes: Cámara, es decir Música de sala destinada a ser interpretada en salas pequeñas para audiencias reducidas.

Maestro: Para entender de qué hablaremos en la lección de hoy, resolvamos un crucigrama musical. La palabra está oculta verticalmente (diapositiva 2).

7.

A

oh

norte

ts

mi

R

t

Un gran grupo de músicos instrumentales interpretando juntos una pieza (ORQUESTA)

Obra multimovimiento para coro, solistas y orquesta (CANTATA)

Un espectáculo musical en el que el principal medio de expresión es el canto (OPERA)

Introducción orquestal a una ópera, obra de teatro o independiente. obra sinfónica(OBERTURA)

Conjunto de cuatro intérpretes (cantantes o instrumentistas) (CUARTETO)

7. (vertical) Una gran obra musical para orquesta sinfónica y cualquier instrumento solista, que consta de 3 partes (CONCIERTO)

Formule el tema de la lección.

El tema de la lección es "Concierto instrumental" ( diapositiva 3)

¿Qué objetivo podemos fijarnos?

¿Qué es un concierto?

Concierto (it.concierto – competencia, del lat. –concierto – consentimiento) (diapositiva 4)

solo

instrumento (piano, violín, etc.) y orquesta sinfónica.

El género del concierto surgió en el siglo XVII en relación con el desarrollo intensivo de la interpretación del violín.

-H ¿Qué vamos a hacer hoy en clase?

Plan de estudios:

saludo musical

Escuchar música

Análisis de una pieza musical.

Trabajo en equipo

trabajo de vocabulario

Cantando

Conclusiones. Resultados.

Tarea(5 diapositivas)

¿Quién es Antonio Viaaldi?

¿Qué sabemos de él?

Maestro: Antonio Vivaldi - virtuoso violinista, director y profesor, uno de los más grandes compositoresXVII – XVIIIsiglos Vivió y trabajó en la época.barroco
Él fue el creador del género.concierto instrumental .(diapositiva 6-7)

Ciclo "Estaciones"

El pináculo de la creatividad de Vivaldi. Este ciclo unidocuatro conciertos para violín solo y orquesta de cuerdas. En ellos, el desarrollo de una imagen musical se basa en una comparación del sonido.* violines - solo* orquesta – tutti(traducido del italiano significaTodo ) " El principio de contraste determinó la forma de tres partes del concierto: 1er movimiento – rápido y enérgico; 2º – lírico, melodioso, de forma pequeña; Parte 3 – el final, animado y brillante(diapositiva 8-9)

Maestro: En las mesas frente a usted se encuentran los diccionarios de emociones estéticas de V. Razhnikov.

Te sugiero escuchar una de las partes del concierto y trabajar en grupo.La naturaleza siempre ha complacido a músicos, poetas y artistas. La belleza de la naturaleza, el cambio de estaciones: otoño, invierno, primavera, verano: únicos, cada uno a su manera.

¿Crees que los artistas y poetas abordaron el tema de las estaciones?

¿Conoces tales obras?

Los poetas han escrito muchos poemas sobre la naturaleza, los artistas han escrito muchas imágenes sobre la naturaleza y los compositores han escrito mucha música que representa imágenes de la naturaleza.

Hoy compararemos cómo se representa cada estación en la poesía, la pintura y la música. Y poemas de poetas rusos, reproducciones de cuadros de artistas rusos y musica magica compositor italiano Antonio Vivaldi, quien logró reflejar la belleza de su música naturaleza nativa. Italia, un país rico en cultura, monumentos antiguos, Hermosa naturaleza. Por eso muchos artistas rusos, después de graduarse de la Academia de las Artes, realizaron prácticas en Italia.

Poemas, pinturas y música nos ayudarán a ver, oír y sentir cada estación.(Suena la primera parte, el profesor no nombra el título) .

Grupo 1: compositores

¿Qué sentimientos expresa esta música?

¿A qué época del año se puede asociar esta música??

Estudiantes: Los estudiantes determinan la entonación inicial, la naturaleza de la música, el tempo rápido, los contrastes en la dinámica, los momentos artísticos - imitación del canto de los pájaros - es primavera

La música que escuché era brillante, sonora y alegre. Puedes sentir el vuelo, el movimiento y el canto de los pájaros en él. La melodía es ligera, la música intuye la llegada de la primavera.

¿Cómo describirías la melodía?

Estudiantes: Posibles respuestas de los niños: se puede oír claramente dónde toca la orquesta y dónde toca el violín solista. La melodía, interpretada por la orquesta en escala mayor, es muy clara, brillante, fácil de recordar, en un ritmo de baile. La melodía interpretada por el solista es mucho más compleja, magistral, hermosa, decorada con cánticos musicales, similares al canto de los pájaros).

Los estudiantes determinan que es PRIMAVERA

Grupo 2: artistas

Sobre la mesa hay reproducciones de cuadros de las estaciones.

Anota en la tabla qué colores escuchaste y viste, y qué sentimientos te evocaron estas obras de arte y, por supuesto, determina la época del año.

Dime, ¿qué colores predominan?

Respuestas de los estudiantes: El color del primer verdor es amarillo verdoso, el florecimiento de las primeras flores es blanco, rosa, azul cielo, pájaros en el cielo.

Grupo 3: poetas

Maestro: Ciclo de conciertos “Estaciones” -ensayo del programa , que se basa en sonetos poéticos, con cuya ayuda el compositor revela el contenido de cada uno de los conciertos del ciclo. Se supone que los sonetos fueron escritos por el propio compositor.

En cada mesa hay un poema sobre una de las estaciones.

Anota en la tabla qué poemas están asociados a esta música y qué sentimientos te evocaron estas obras de arte.

La nieve ya se está derritiendo, los arroyos corren,

Un soplo de primavera entraba por la ventana...

Los ruiseñores pronto silbarán,

¡Y el bosque se vestirá de hojas!

Puro azul celestial,

más cálido y el sol es más brillante se convirtió

Es hora de tormentas y ventiscas malvadas.

De nuevo pasó mucho tiempo... A. Pleshcheev

Discusión de las respuestas del trabajo grupal (diapositiva 10).

Maestro: Te sugiero escuchar un fragmento de la parte 2 del concierto (diapositiva 11)

¿Determinar el contenido emocional de la parte, el tempo, la dinámica?

Escuche los pasajes del violín. ¿Qué imágenes te vienen a la mente?

El sol esta brillando intensamente,
Hay calidez en el aire.
Y dondequiera que mires,
Todo alrededor es luz.
El prado es colorido
Flores brillantes,
Cubierto de oro
Sábanas oscuras.
El bosque duerme; ni un sonido
La hoja no cruje
solo una alondra
Hay un zumbido en el aire. I. Surikov.

Maestro: escuchando la parte 3 del concierto

El bosque es como una torre pintada,
Lila, oro, carmesí,
Una pared alegre y abigarrada
De pie sobre un claro brillante.
Abedules con talla amarilla.
Brilla en el azul celeste,
Como torres, los abetos se oscurecen,
Y entre los arces se vuelven azules
Aquí y allá a través del follaje
Espacios libres en el cielo, como una ventana. K. Balmont

(diapositiva 12)

4ª parte del concierto: “Invierno”(diapositiva 13)

Hechicera en invierno
Hechizado, el bosque se levanta,
Y bajo la franja de nieve,
inmóvil, mudo,
Brilla con una vida maravillosa.
Y él está, hechizado,
Ni muerto ni vivo.
Encantado por un sueño mágico,
Todos pubescentes, todos encadenados
Cadena ligera hacia abajo... F. Tyutchev

minuto de educación física

Maestro: El tema de las estaciones siempre ha sido popular en el arte.

En nuestro tiempos modernos tambien hay obras género vocal sobre la época del año.

Vamos a cantar una canción compositor moderno Alexandra Ermolova "Estaciones".

Vocal- trabajo coral sobre la letra de la canción “Seasons”. y musica Alexandra Ermolova

Definamos las tareas: en qué personaje cantaremos, qué tareas de articulación resolveremos.

Vamos a revisartarea

Explore si la música de Vivaldi es contemporánea hoy.

¿Cuál es el secreto de la popularidad de la música del compositor?

De quien Gente moderna is-va se refiere a la obra del compositor.

Datos interesantes de la vida del compositor

Poemas sobre el compositor y su obra.

Reflexión

¿Qué recordaste, qué fue interesante, qué te sorprendió durante la lección?