Съвременните руски художници заслужават по-отблизо. Малко известни съвременни руски художници и техните картини. Модни художници на 21 век

Ако си мислите, че всички велики артисти са в миналото, тогава нямате представа колко грешите. В тази статия ще научите за най-известните и талантливи художници на нашето време. И, повярвайте ми, техните произведения ще седят в паметта ви не по-малко дълбоко от произведенията на маестрото от минали епохи.

Войчех Бабски

Войчех Бабски е съвременен полски художник. Завършва Силезийския политехнически институт, но се свързва с. Напоследък рисува предимно жени. Фокусира се върху проявлението на емоциите, стреми се да постигне възможно най-голям ефект с прости средства.

Обича цветовете, но често използва нюанси на черно и сиво, за да постигне най-добро впечатление. Не се страхува да експериментира с нови техники. Напоследък набира все по-голяма популярност в чужбина, предимно във Великобритания, където успешно продава свои творби, които вече се намират в много частни колекции. Освен от изкуство се интересува от космология и философия. Слуша джаз. В момента живее и работи в Катовице.

Уорън Чанг

Уорън Чанг е съвременен американски художник. Роден през 1957 г. и израснал в Монтерей, Калифорния, той завършва с отличие Art Center College of Design в Пасадена през 1981 г. със степен бакалавър по изящни изкуства по изящни изкуства. През следващите две десетилетия той работи като илюстратор за различни компании в Калифорния и Ню Йорк, преди да започне кариерата си на професионален художник през 2009 г.

Неговите реалистични картини могат да бъдат разделени на две основни категории: биографични интериорни картини и картини, изобразяващи трудови хора. Интересът му към този стил на рисуване се корени в работата на художника от 16-ти век Ян Вермеер и се простира до предмети, автопортрети, портрети на членове на семейството, приятели, ученици, ателие, класна стая и домашен интериор. Целта му е да създаде настроение и емоция в своите реалистични картини чрез манипулиране на светлината и използване на приглушени цветове.

Чанг стана известен след прехода към традиционните визуални изкуства. През последните 12 години той спечели множество награди и отличия, като най-престижната е наградата Master Signature от Асоциацията на художниците с маслени бои в Америка, най-голямата общност за рисуване с маслени бои в Съединените щати. Само един човек от 50 е удостоен с възможността да получи тази награда. В момента Уорън живее в Монтерей и работи в студиото си, също така преподава (известен като талантлив учител) в Академията по изкуствата в Сан Франциско.

Аурелио Бруни

Аурелио Бруни е италиански художник. Роден в Блеър на 15 октомври 1955 г. Завършва специалност сценография в Art Institute в Сполето. Като художник той е самоук, тъй като самостоятелно „строи къщата на знанието” върху основата, поставена още в училище. Започва да рисува с маслени бои на 19 години. В момента живее и работи в Умбрия.

Ранната живопис на Бруни се корени в сюрреализма, но с течение на времето той започва да се фокусира върху близостта на лиричния романтизъм и символизма, подсилвайки тази комбинация с изящната изтънченост и чистота на своите герои. Одушевените и неодушевените предмети придобиват еднакво достойнство и изглеждат почти хиперреалистични, но в същото време не се крият зад завеса, а ви позволяват да видите същността на душата си. Многостранност и изтънченост, чувственост и самота, замисленост и плодотворност са духът на Аурелио Бруни, подхранван от великолепието на изкуството и хармонията на музиката.

Александър Балос

Алкасандр Балос е съвременен полски художник, специализиран в маслената живопис. Роден през 1970 г. в Гливице, Полша, но от 1989 г. живее и работи в САЩ, в град Шаста, Калифорния.

Като дете учи изкуство под ръководството на баща си Ян, самоук художник и скулптор, така че от ранна възраст артистичната дейност получава пълна подкрепа и от двамата родители. През 1989 г., на осемнадесет години, Балос напуска Полша за Съединените щати, където неговата учителка и художник на непълно работно време Кати Гаглиарди насърчава Алкасандър да се запише в училище по изкуства. След това Балос получава пълна стипендия за университета в Милуоки, Уисконсин, където учи живопис при професора по философия Хари Росин.

След като завършва обучението си през 1995 г. с бакалавърска степен, Балос се премества в Чикаго, за да учи в Училището за изящни изкуства, чиито методи се основават на работата на Жак-Луи Давид. Фигуративният реализъм и портретът съставляват по-голямата част от творчеството на Балос през 90-те и началото на 2000-те. Днес Балос използва човешката фигура, за да подчертае характеристиките и недостатъците на човешкото съществуване, без да предлага никакви решения.

Сюжетните композиции на неговите картини са предназначени да бъдат самостоятелно интерпретирани от зрителя, само тогава платната ще придобият своето истинско времево и субективно значение. През 2005 г. художникът се премества в Северна Калифорния, оттогава обхватът на работата му се разширява значително и сега включва по-свободни методи на рисуване, включително абстракция и различни мултимедийни стилове, които помагат да се изразят идеите и идеалите на битието чрез рисуване.

Алиса Монкс

Алиса Монкс е съвременна американска художничка. Тя е родена през 1977 г. в Риджууд, Ню Джърси. Още като дете се увлича по рисуването. Тя посещава The New School в Ню Йорк и Montclair State University и завършва Бостънския колеж през 1999 г. с бакалавърска степен. В същото време тя учи живопис в Академията Лоренцо Медичи във Флоренция.

След това продължава обучението си по програмата за магистърска степен в Нюйоркската академия по изкуства, в Департамента по фигуративно изкуство, която завършва през 2001 г. Завършила е колежа Фулъртън през 2006 г. За кратко е изнесла лекции в университети и образователни институции в цялата страна и е преподавала живопис в Нюйоркската академия по изкуствата, както и в Държавния университет Монтклер и Колежа по изкуства Лаймска академия.

„Използвайки филтри като стъкло, винил, вода и пара, изкривявам човешкото тяло. Тези филтри ви позволяват да създавате големи области с абстрактен дизайн, с цветни острови, надничащи през тях - части от човешкото тяло.

Картините ми променят съвременния поглед към вече утвърдените, традиционни пози и жестове на къпещите се жени. Те биха могли да разкажат много на внимателния зрител за такива на пръв поглед очевидни неща като ползите от плуването, танците и т.н. Моите герои са притиснати до стъклото на прозореца на душ кабината, изкривяват собственото си тяло, осъзнавайки, че по този начин влияят на прословутия мъжки поглед към гола жена. Дебели слоеве боя се смесват, за да имитират стъкло, пара, вода и плът отдалеч. Отблизо обаче стават очевидни удивителните физически свойства на блажната боя. Експериментирайки със слоеве боя и цвят, намирам момента, в който абстрактните щрихи се превръщат в нещо друго.

Когато за първи път започнах да рисувам човешкото тяло, веднага бях очарован и дори обсебен от него и почувствах, че трябва да направя картините си възможно най-реалистични. „Изповядвах“ реализма, докато не започна да се разплита и деконструира. Сега проучвам възможностите и потенциала на стил на рисуване, в който изобразителната живопис и абстракцията се срещат – ако и двата стила могат да съществуват едновременно в един и същи момент във времето, ще го направя.“

Антонио Финели

италиански художник - наблюдател на времето” – Антонио Финели е роден на 23 февруари 1985 г. В момента живее и работи в Италия между Рим и Кампобасо. Негови творби са излагани в няколко галерии в Италия и чужбина: Рим, Флоренция, Новара, Генуа, Палермо, Истанбул, Анкара, Ню Йорк, а също така могат да бъдат намерени в частни и обществени колекции.

Рисунки с молив" Наблюдател на времето” Антонио Финели ни изпраща на вечно пътешествие през вътрешния свят на човешката временност и строгия анализ на този свят, свързан с него, чийто основен елемент е преминаването през времето и следите, които то оставя върху кожата.

Финели рисува портрети на хора от всякаква възраст, пол и националност, чиито изражения на лица показват преминаването през времето, а художникът също се надява да намери доказателства за безмилостността на времето върху телата на своите герои. Антонио определя творбите си с едно общо заглавие: „Автопортрет“, тъй като в своите рисунки с молив той не само изобразява човек, но позволява на зрителя да съзерцава реалните резултати от изтичането на времето вътре в човека.

Фламиния Карлони

Фламиния Карлони е 37-годишна италианска художничка, дъщеря на дипломат. Тя има три деца. Дванадесет години тя живее в Рим, три години в Англия и Франция. Получава диплома по история на изкуството от BD School of Art. Тогава тя получава диплома по специалността реставратор на произведения на изкуството. Преди да открие призванието си и да се отдаде изцяло на рисуването, тя работи като журналист, колорист, дизайнер и актриса.

Страстта на Фламиния към рисуването се заражда още като дете. Нейната основна среда е маслото, защото тя обича „coiffer la pate“ и също така си играе с материала. Тя научи подобна техника в творбите на художника Паскал Торуа. Flaminia е вдъхновена от великите майстори на живописта като Balthus, Hopper и François Legrand, както и от различни направления в изкуството: улично изкуство, китайски реализъм, сюрреализъм и ренесансов реализъм. Любимият й художник е Караваджо. Нейната мечта е да открие терапевтичната сила на изкуството.

Денис Чернов

Денис Чернов е талантлив украински художник, роден през 1978 г. в Самбир, Лвовска област, Украйна. След като завършва колежа по изкуства в Харков през 1998 г., той остава в Харков, където живее и работи в момента. Учи и в Харковската държавна академия за дизайн и изкуства, катедра Графика, завършва през 2004 г.

Той редовно участва в художествени изложби, в момента има повече от шестдесет от тях, както в Украйна, така и в чужбина. Повечето от творбите на Денис Чернов се съхраняват в частни колекции в Украйна, Русия, Италия, Англия, Испания, Гърция, Франция, САЩ, Канада и Япония. Част от произведенията бяха продадени в Christie's.

Денис работи в широк спектър от графични и живописни техники. Рисунките с молив са един от любимите му методи за рисуване, списъкът от теми на неговите рисунки с молив също е много разнообразен, той рисува пейзажи, портрети, голи тела, жанрови композиции, илюстрации на книги, литературни и исторически реконструкции и фантазии.

Рейтингът на най-скъпите произведения на живи художници е конструкция, която говори за ролята и мястото на художника в историята на изкуството много по-малко, отколкото за възрастта и здравето

Правилата за съставяне на нашия рейтинг са прости: първо, вземат се предвид само транзакции с произведения на живи автори; второ, вземат се предвид само продажбите на публичен търг; и трето, спазва се правилото "един художник - една работа" (ако два записа принадлежат на Джоунс в класацията на произведенията, тогава остава само най-скъпият, а останалите не се вземат предвид). Класирането се извършва в долари (по обменния курс към датата на продажба).

1. ДЖЕФ КУНС Заек. 1986 г. 91,075 милиона долара

Колкото по-дълго наблюдавате аукционната кариера на Джеф Кунс (1955), толкова повече се убеждавате, че за поп изкуството няма нищо невъзможно. Можете да се възхищавате на скулптурите на Кунс под формата на играчки с балони или да ги смятате за кич и лош вкус - ваше право. Едно нещо не може да се отрече: инсталациите на Jeff Koons струват луди пари.

Джеф Кунс започна пътя си към славата като най-успешният жив художник в света през 2007 г., когато неговата гигантска метална инсталация Hanging Heart беше купена за $23,6 милиона от Sotheby's.Произведението беше купено от галерията Larry Gagosian, представляваща Кунс (в те писаха до пресата, че това е в интерес на украинския милиардер Виктор Пинчук.) Галерията се сдоби не просто с инсталация, а всъщност с произведение на ювелирното изкуство. 2,7 м тежи 1600 кг), но има подобна цел. Над шест За създаването на композиция със сърце, покрито с десет слоя боя, са похарчени половин хиляди часа, в резултат на което са платени гигантски пари за грандиозната „украса“.

Следващата беше продажбата на лилавото цвете от балон за £12,92 милиона ($25,8 милиона) в Christie's в Лондон на 30 юни 2008 г. Интересното е, че седем години по-рано предишните собственици на "Цвете" са купили произведението за $1,1 млн. Лесно е да се изчисли, че през това време пазарната му цена е нараснала почти 25 пъти.

Спадът на пазара на изкуство през 2008-2009 г. даде повод на скептиците да клеветят, че модата на Кунс е преминала. Но те грешаха: заедно с пазара на изкуство интересът към произведенията на Кунс се възроди. Наследникът на Анди Уорхол на трона на краля на поп изкуството актуализира личния си рекорд през ноември 2012 г. с продажбата на Christie's на многоцветна скулптура „Лале“ от поредицата „Триумф“ за 33,7 милиона долара, включително комисионната.

Но "Лалетата" бяха "цветя" в буквалния и преносен смисъл. Само година по-късно, през ноември 2013 г., последва продажбата на скулптурата куче с балон от неръждаема стомана (оранжево): цената на чука беше цели 58,4 милиона долара! Страхотна сума за жив артист. Творба на съвременен автор беше продадена на цената на картина на Ван Гог или Пикасо. Това бяха горските плодове...

С този резултат Кунс царува няколко години на върха на класацията на живите артисти. През ноември 2018 г. той беше изпреварен за кратко от Дейвид Хокни (виж второто място в нашата класация). Но само шест месеца по-късно всичко се върна към нормалното: на 15 май 2019 г. в Ню Йорк, на търг за следвоенно и съвременно изкуство, Christie's пусна за продажба учебникарска скулптура за Кунс през 1986 г. - сребърен „Заек“ изработена от неръждаема стомана, имитираща балон с подобна форма.

Общо Кунс създава 3 такива скулптури плюс едно авторско копие. На търга беше включен екземпляр от "Заек" номер 2 - от колекцията на култовия издател Сай Нюхаус, съсобственик на издателство Conde Nast (списанията Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ и др.). Сребърният "Заек" е закупен от "бащата на блясъка" Cy Newhouse през 1992 г. за впечатляваща сума по стандартите на онези години - 1 милион долара. След 27 години в борбата на 10 наддавачи, цената на чука на скулптурата беше 80 пъти по-висока от предишната продажна цена. И с комисионната за купувача, крайният резултат беше рекордните 91,075 милиона долара за всички живи артисти.

2. ДЕЙВИД ХОКНИ Портрет на художника. Басейн с две фигури. 1972. $90,312,500

Дейвид Хокни (1937) е един от най-значимите британски художници на 20 век. През 2011 г. Дейвид Хокни беше избран за най-влиятелния британски художник на всички времена в проучване сред хиляди професионални британски художници и скулптори. В същото време Хокни заобиколи такива майстори като Уилям Търнър и Франсис Бейкън. Работата му, като правило, се приписва на поп изкуството, въпреки че в ранните си творби той гравитира повече към експресионизма в духа на Франсис Бейкън.

Роден и израснал Дейвид Хокни в Англия, Йоркшир. Майката на бъдещия художник държеше семейството в пуританска строгост, а баща му, обикновен счетоводител, който рисуваше малко на аматьорско ниво, насърчи сина си да рисува. В началото на двайсетте си Дейвид се мести в Калифорния, където живее общо около три десетилетия. Той все още има две работилници там. Хокни направи героите на произведенията си местни богаташи, техните вили, басейни, тревни площи, окъпани в калифорнийското слънце. Едно от най-известните му произведения от американския период - картината "Splash" - е изображение на сноп пръски, издигащи се от басейна, след като човек скочи във водата. За да изобрази този сноп, "живеещ" не повече от две секунди, Хокни работи две седмици. Между другото, тази картина беше продадена на Sotheby's за 5,4 милиона долара през 2006 г. и за известно време се смяташе за най-скъпата му работа.

Хокни (1937) вече е над осемдесетте, но все още работи и дори изобретява нови художествени техники, използвайки технически иновации. Някога му хрумва идеята да прави огромни колажи от снимки на Polaroid, отпечатва творбите си на факс машини, а днес художникът с ентусиазъм умее да рисува на iPad. Картините, нарисувани на таблета, заемат достойното си място в неговите изложби.

През 2005 г. Хокни най-накрая се завърна от Щатите в Англия. Сега той рисува на открито и в студио огромни (често състоящи се от няколко части) пейзажи от местни гори и пусти места. Според Хокни за 30-те си години в Калифорния той толкова е свикнал с простата смяна на сезоните, че тя наистина го очарова и очарова. Цели цикли от последните му творби са посветени например на един и същи пейзаж през различни периоди от годината.

През 2018 г. картините на Хокни прескочиха няколко пъти границата от 10 милиона долара. А на 15 ноември 2018 г. в Christie's беше регистриран нов абсолютен рекорд за творчество на жив художник - 90 312 500 долара за картината "Портрет на художника (Басейн с две фигури)".

3. ГЕРХАРД РИХТЕР Абстрактна живопис. 1986 г. 46,3 милиона долара

Жива класика Герхард Рихтер (1932)се нарежда на второ място в нашата класация. Германският изпълнител беше лидер сред живите колеги, докато не удари 58-милионния рекорд на Джеф Кунс. Но едва ли това обстоятелство може да разклати и без това железния авторитет на Рихтер на пазара на изкуството. Според резултатите от 2012 г. годишният аукционен оборот на германския художник е на второ място след тези на Анди Уорхол и Пабло Пикасо.

Дълги години нищо не предвещаваше успеха, който сега падна върху Рихтер. В продължение на десетилетия художникът заема скромно място на пазара на съвременното изкуство и изобщо не се стреми към слава. Можем да кажем, че славата го застигна сама. Отправната точка се счита от мнозина за закупуването от музея MoMA в Ню Йорк през 1995 г. на поредицата на Рихтер от 18 октомври 1977 г. Американският музей плати 3 милиона долара за 15 картини в сиви нюанси и скоро започна да мисли за организиране на пълноценна ретроспекция на немския художник. Грандиозната изложба беше открита шест години по-късно, през 2001 г., и оттогава интересът към творчеството на Рихтер нараства главоломно. От 2004 до 2008 г. цената на картините му се утроява. През 2010 г. произведенията на Рихтер вече са донесли 76,9 милиона долара, през 2011 г., според уебсайта Artnet, произведенията на Рихтер на търг са спечелили общо 200 милиона долара, а през 2012 г. (според Artprice) - 262,7 милиона долара - повече от работата на който и да е друг жив художник.

Докато, например, при Джаспър Джонс огромният успех на аукциона придружава предимно само ранни творби, такова рязко разделение не е типично за творбите на Рихтер: търсенето е еднакво стабилно за неща от различни творчески периоди, от които в Рихтер имаше много. кариера. През последните шестдесет години този художник се опита в почти всички традиционни жанрове на живописта - портрет, пейзаж, яхтено пристанище, голо тяло, натюрморт и, разбира се, абстракция.

Историята на аукционните записи на Рихтер започва с поредица от натюрморти "Свещи". 27 фотореалистични изображения на свещи в началото на 80-те години, по времето, когато са написани, струват само 15 000 германски марки (5 800 долара) на произведение. Но все още никой не купи Candles на първата им изложба в галерия Max Hetzler в Щутгарт. Тогава темата на картините беше наречена старомодна; Днес "Свещи" се считат за творби за всички времена. И те струват милиони долари.

През февруари 2008 г. "Свещ",написана през 1983 г., неочаквано беше купена за £ 7,97 милиона ($16 милиона). Този личен рекорд се задържа три години и половина. Тогава през октомври 2011 гдруг "Свещ" (1982)вече беше продаден в Christie's за £ 10,46 милиона ($16,48 милиона). С този рекорд Герхард Рихтер влезе за първи път в челната тройка на най-успешните живи артисти, заемайки мястото си зад Джаспър Джонс и Джеф Кунс.

Тогава започва победното шествие на „Абстрактните картини” на Рихтер. Художникът рисува такива произведения в уникална авторска техника: той нанася смес от прости бои върху светъл фон и след това ги размазва върху платното с дълъг скрепер с размерите на автомобилна броня. Това води до сложни цветови преходи, петна и ивици. Разглеждането на повърхността на неговите "Абстрактни картини" е като разкопки: върху тях следи от различни "фигури" гледат през празнините на множество цветни слоеве.

9 ноември 2011 гна мащабния аукцион на модерно и следвоенно изкуство Sotheby's "Абстрактна живопис (849-3)" 1997 г. отиде под чука за $20,8 милиона (£13,2 милиона). И шест месеца по-късно, 8 май 2012 гна търга за следвоенно и съвременно изкуство Christie's в Ню Йорк "Абстрактна живопис (798-3)" 1993 г. беше рекордна 21,8 милиона долара(включително комисионна). Пет месеца по-късно - отново рекорд: "Абстрактна живопис (809-4)"от колекцията на рок музиканта Ерик Клептън на 12 октомври 2012 г. в Sotheby's в Лондон беше продаден за £ 21,3 милиона ($34,2 милиона). Бариерата от 30 милиона беше взета от Рихтер с такава лекота, сякаш не става дума за съвременна живопис, а за шедьоври, които вече са на сто години - не по-малко. Въпреки че в случая с Рихтер изглежда, че включването в пантеона на "великите" е станало още през живота на художника. Германските цени продължават да растат.

Следващият запис на Рихтер принадлежи на фотореалистично произведение - пейзаж „Катедралния площад, Милано (Домплац, Майланд)“ 1968 г. Работата беше продадена за 37,1 милионана търг на Sotheby's 14 май 2013 г. Гледката на най-красивия площад е нарисувана от немски художник през 1968 г. по поръчка на Siemens Electro, специално за офиса на компанията в Милано. По време на написването си това е най-голямата фигуративна творба на Рихтер (с размери близо три на три метра).

Рекордът на Cathedral Square остана почти две години, докато 10 февруари 2015 гне го прекъсна "Абстрактна живопис" ( 1986): цената на чука достигна £ 30,389 милиона ($46,3 милиона). Абстрактната картина с размери 300,5 × 250,5 cm, предложена на търг в Sotheby’s, е една от първите мащабни творби на Рихтер в неговата специална авторска техника за изстъргване на слоеве боя. Последният път през 1999 г. тази „Абстрактна картина“ беше купена на търг за 607 хиляди долара (от тази година до настоящата продажба творбата беше изложена в музея Лудвиг в Кьолн). На търга на 10 февруари 2015 г. определен американски клиент на аукционни стъпки от 2 милиона паунда достигна цената на чука от 46,3 милиона долара.Тоест от 1999 г. работата се е повишила в цената повече от 76 пъти!

4. Tsui Zhuzhuo "Велики планини, покрити със сняг." 2013 г. 39,577 милиона долара

Дълго време не следяхме отблизо развитието на ситуацията на китайския пазар на изкуство, без да искаме да претоварваме читателите си с прекомерно количество информация за „не нашето“ изкуство. С изключение на дисидента Ай Уейвей, който дори не е скъп като резонансен художник, китайските автори ни се сториха твърде многобройни и далечни от нас, за да се ровим какво се случва на техния пазар там. Но статистиката, както се казва, е сериозна дама и ако говорим за най-успешните живи автори в света, тогава не можем да направим без разказ за изключителните представители на съвременното изкуство на Поднебесната империя.

Да започнем с един китайски художник Цуи Ружуо. Художникът е роден през 1944 г. в Пекин и е живял в САЩ от 1981 до 1996 г. След завръщането си в Китай започва да преподава в Националната художествена академия. Cui Ruzhuo преосмисля традиционния китайски стил на рисуване с мастило и създава огромните свитъци, които китайските бизнесмени и официални лица обичат да си подаряват един на друг. На Запад се знае много малко за него, въпреки че мнозина сигурно помнят историята за свитъка за 3,7 милиона долара, който беше изхвърлен по погрешка, смятайки го за боклук, от чистачите на хотел в Хонконг. И така, това беше свитъкът на Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo е на 70 години и пазарът за работата му процъфтява. Над 60 творби на този художник са преминали границата от $1 млн. Въпреки това творбите му досега са имали успех само на китайски аукциони. Рекордите на Cui Ruzhuo са наистина впечатляващи. Първо го "Пейзаж в снега"на Poly Auction в Хонконг 7 април 2014 гдостигна цена от чук от 184 милиона HK$ ( 23,7 милиона щатски долара).

Точно една година по-късно 6 април 2015 гна специален Poly Auction в Хонконг, посветен изключително на работата на Cui Ruzhuo, серия „Големият снежен пейзаж на планинския Джианнан“(Jiangnan е историческа област в Китай, заемаща десния бряг на долното течение на Яндзъ.) от осем пейзажа с мастило върху хартия достигна цена от чук от 236 милиона HK$ ( 30,444 милиона щатски долара).

Година по-късно историята се повтори отново: на самостоятелния търг на Cui Ruzhuo, проведен от Poly Auctions в Хонконг 4 април 2016 гполиптих в шест части „Велики заснежени планини“Цената на чука за 2013 г. (включително комисионната на аукционната къща) достигна 306 милиона хонконгски долара (39,577 милиона щатски долара). Досега това е абсолютен рекорд сред живите азиатски артисти.

Според търговеца на произведения на изкуството Джонсън Чан, който работи с китайското съвременно изкуство от 30 години, има безусловно желание да се повишат цените на произведенията на този автор, но всичко това се случва на ниво на цените, където опитните колекционери едва ли искат да купя нещо. „Китайците искат да повишат рейтингите на своите художници, като надуват цените за техните творби на големи международни търгове като този, организиран от Poly в Хонг Конг, но няма съмнение, че тези рейтинги са напълно измислени“, коментира Джонсън Чанг за Cui Ruzhuo най-новият запис.

Това, разбира се, е само мнението на един единствен търговец и ние имаме реален запис, записан във всички бази данни. Така че нека го вземем предвид. Самият Cui Ruzhuo, съдейки по изявленията му, е далеч от скромността на Герхард Рихтер, когато става въпрос за успеха му на търг. Изглежда тази надпревара за рекорди сериозно го завладява. „Надявам се, че в следващите 5-10 години цените на моите творби ще надминат цените на творбите на западни майстори като Пикасо и Ван Гог. Това е китайската мечта“, казва Цуи Ружуо.

5 Джаспър Джонс Флаг. 1983 г. 36 милиона долара

Третото място в класацията на живите артисти принадлежи на американец До Джаспър Джонс (1930). Текущата рекордна цена за работата на Джоунс е $ 36 милиона. Толкова много плати за неговата известна "Знаме"на търг на Christie's 12 ноември 2014 г.

Серия от картини "знаме", започната от Джоунс в средата на 50-те години, веднага след завръщането на художника от армията, се превърна в една от централните в творчеството му. Дори в младостта си художникът се интересува от идеята за готови, превръщането на ежедневен предмет в произведение на изкуството. Знамената на Джоунс обаче не бяха истински, те бяха рисувани с маслени бои върху платно. Така едно произведение на изкуството придобива свойствата на вещ от обикновения живот, то е едновременно образ на знамето и самото знаме. Серия от творби със знамена донесе на Джаспър Джонс световна слава. Но не по-малко популярни са неговите абстрактни творби. В продължение на много години списъкът на най-скъпите произведения, съставен съгласно горните правила, се оглавява от резюме "фалстарт". До 2007 г. това много ярко и декоративно платно, нарисувано от Джоунс през 1959 г., се смяташе за собственик на практически недостъпна цена за жив художник (макар и класика за цял живот) - $ 17 милиона. Толкова са платили за него в злато за пазара на изкуството 1988 г.

Интересното е, че опитът на Джаспър Джонс като рекордьор не беше непрекъснат. През 1989 г. той е прекъснат от работата на неговия колега Вилем де Кунинг: двуметровата абстракция "Смесване" е продадена на Sotheby's за 20,7 милиона долара. Джаспър Джонс трябва да се премести. Но след 8 години, през 1997 г., де Кунинг умира , и " Фалстарт "Джоунс отново зае първия ред на аукционния рейтинг на живите художници от почти 10 години.

Но през 2007 г. всичко се промени. Рекордът False Start беше първо засенчен от работата на младите и амбициозни Деймиън Хърст и Джеф Кунс. След това имаше рекордна продажба за 33,6 милиона долара на картината „Спящият инспектор на ползите“ от Лузиен Фройд (вече починал и следователно не участва в този рейтинг). Тогава започват записите на Герхард Рихтер. Като цяло до момента с актуален рекорд от 36 милиона на почетното трето място е Джаспър Джонс, един от майсторите на американското следвоенно изкуство, работещ на пресечната точка на неодадаизма, абстрактния експресионизъм и поп арта.

6. ЕД РУШАЙ Разбийте. 1963 г. 30,4 милиона долара

Внезапният успех на картината "Разбиване" на американски художник Едуард Руша (р. 1937 г.)на търг Christie's, 12 ноември 2014 гдоведе този автор до броя на най-скъпите живи художници. Предишната рекордна цена за работата на Ед Руша (често името Руша се произнася на руски като "Руша", но правилното произношение е Руша) беше "само" 6,98 милиона долара: толкова платиха за неговото платно "Горещ газ гара" през 2007 г. Седем години по-късно неговият Разбийтес оценка от 15–20 милиона долара, той достигна цената на чук 30,4 милиона долара. Очевидно е, че пазарът на творбите на този автор е достигнал ново ниво - не напразно Барак Обама краси Белия дом с творбите си, а самият Лари Гагосян го излага в галериите си.

Ед Руша никога не се е стремил към следвоенен Ню Йорк с неговата лудост по абстрактния експресионизъм. Вместо това повече от 40 години той търси вдъхновение в Калифорния, където се премества от Небраска на 18-годишна възраст. Художникът стои в началото на ново направление в изкуството, наречено поп арт. Заедно с Уорхол, Лихтенщайн, Уейн Тибо и други певци на популярната култура, Едуард Руша участва в изложбата New Image of Ordinary Things на музея в Пасадена през 1962 г., която се превръща в първата музейна изложба на американското поп изкуство. Самият Ед Руша обаче не обича, когато работата му се приписва на поп арт, концептуализъм или някакво друго течение в изкуството.

Неговият уникален стил се нарича "рисуване на текст". От края на 50-те години Ед Руша започва да рисува думи. Точно както за Уорхол консерва супа се превърна в произведение на изкуството, за Ед Руша обикновени думи и фрази, взети или от билборд или опаковка в супермаркет, или от надписите на филм (Холивуд винаги беше на страната на Руша и за разлика от много свои колеги художници, Руши уважаваше „фабриката за мечти“). Думите върху неговите платна придобиват свойствата на триизмерни обекти, това са истински натюрморти, направени от думи. При разглеждането на неговите платна първото нещо, което идва на ум, е визуалното и звуковото възприятие на нарисуваната дума и едва след това - семантичното значение. Последното, като правило, не може да бъде еднозначно дешифрирано; избраните от Руша думи и изрази могат да се тълкуват по различни начини. Същата ярко жълта дума „Разбийте“ на тъмносин фон може да се възприеме като агресивен призив да разбиете нещо или някого на парчета; като самостоятелно прилагателно, извадено от контекста (част от някое вестникарско заглавие, например), или просто като една дума, уловена в градски поток от визуални образи. Ед Руша се наслаждава на тази несигурност. „Винаги съм имал дълбоко уважение към странните, необясними неща... Обясненията в известен смисъл убиват нещо“, каза той в интервю.

7. КРИСТОФЪР ВЪЛНА Без заглавие (RIOT). 1990 г. 29,93 милиона долара

американски художник Кристофър Уул(1955) за първи път влезе в класацията на живите артисти през 2013 г. - след продажбата на Apocalypse Now за $26,5 млн. Този рекорд веднага го постави наравно с Джаспър Джонс и Герхард Рихтер. Сумата на тази историческа транзакция - повече от $ 20 милиона - изненада мнозина, тъй като преди това цените на творбите на художника не надвишаваха $ 8 милиона, но бързият растеж на пазара за произведения на Кристофър Уул вече беше очевиден по това време : досието на художника включва 48 аукционни транзакции на стойност над 1 милион долара, като 22 от тях (почти половината) се състояха през 2013 г. Две години по-късно броят на произведенията на Крис Уол, продадени за повече от 1 милион долара, достигна 70, а нов личен рекорд не закъсня. На търг Sotheby's, 12 май 2015 г., работа „Без заглавие (RIOT)“беше продаден за $ 29,93 милионавключително премията на купувача.

Кристофър Уул е най-известен със своите мащабни черни букви върху бели алуминиеви листове. Именно те, като правило, поставят рекорди на търгове. Всичко това са неща от края на 80-те и началото на 90-те години. Както гласи легендата, една вечер Wool се разхождал вечерта из Ню Йорк и изведнъж видял графити с черни букви върху нов бял камион - думите sex и luv. Тази гледка го впечатли толкова много, че той веднага се върна в студиото и написа своя версия със същите думи. Годината е 1987 г. и по-нататъшното търсене на думи и изрази от страна на художника за неговите "буквални" творби отразява противоречивия дух на това време. Това е призивът "продай къщата, продай колата, продай децата", взет от Уол от филма "Апокалипсис сега", и думата "FOOL" ("глупак") с главни букви и думата "RIOT" ("бунт"), често срещан в заглавията на вестниците от онова време.

Думи и фрази Вълна, нанесена върху алуминиеви листове с помощта на шаблони с алкидни или емайлирани бои, умишлено оставящи ивици, следи от шаблони и други доказателства за творческия процес. Художникът раздели думите така, че зрителят да не разбере веднага значението. Първоначално виждате само група от букви, тоест възприемате думата като визуален обект и едва след това четете и дешифрирате значението на фразата или думата. Уол използва шрифт, използван от американската армия след Втората световна война, който засилва впечатлението за заповед, директива, лозунг. Тези „буквени“ произведения се възприемат като част от градския пейзаж, като незаконни графити, които са нарушили чистотата на повърхността на някой уличен обект. Тази поредица от творби на Кристофър Уул е призната за един от върховете на лингвистичната абстракция и затова е високо ценена от любителите на съвременното изкуство.

8. ПИТЪР ДОЙГ Роуздейл. 1991 г. 28,81 милиона долара

британски Питър Дойг(1959), въпреки че принадлежи към поколението на постмодернистите Кунс и Хърст, избра за себе си напълно традиционен жанр на пейзажа, който дълго време не беше в полза на напредналите художници. С работата си Питър Дойг съживява затихващия интерес на публиката към фигуративната живопис. Творчеството му е високо оценено както от критици, така и от неспециалисти, а доказателство за това е бързото покачване на цените на произведенията му. Ако в началото на 90-те пейзажите му струваха няколко хиляди долара, сега сметката отива в милиони.

Работата на Дойг често се нарича магически реализъм. Въз основа на реални пейзажи той създава фантастични, загадъчни и често мрачни образи. Художникът обича да изобразява обекти, изоставени от хората: порутена сграда, построена от Льо Корбюзие насред гора или празно бяло кану на повърхността на горско езеро. Освен от природата и въображението, Дойг се вдъхновява от филми на ужасите, стари пощенски картички, снимки, любителски видеоклипове и т.н. Картините на Дойг са цветни, сложни, декоративни, а не провокативни. Хубаво е да притежаваш такава картина. Ниската производителност на автора също подхранва интереса на колекционерите: живеещият в Тринидад художник създава не повече от дузина картини годишно.

В началото на 2000-те години отделни пейзажи на художника бяха продадени за няколкостотин хиляди долара. По същото време работата на Дойг е включена в галерия Saatchi, на биеналето в музея Whitney и в колекцията на MoMA. През 2006 г. беше преодоляна аукционната лента от $1 милион, а на следващата година се случи неочакван пробив: произведението "Бялото кану", предложено на Sotheby's на 7 февруари 2007 г. с оценка от $0,8-1,2 милиона, надхвърли предварителната оценка пет пъти и беше продаден за £5,7 милиона ($11,3 милиона). По това време това е рекордна цена за творба на жив европейски художник.

През 2008 г. Дойг организира самостоятелни изложби в галерия Тейт и Музея за модерно изкуство в Париж. Многомилионни цени за работата на Дойг се превърнаха в норма. Личният рекорд на Peter Doig наскоро се актуализира няколко пъти в годината - имаме време само да променим снимката и мястото на този художник в нашата класация на живите автори.

Най-скъпата творба на Питър Дойг досега е снежният пейзаж от Роуздейл от 1991 г. Интересното е, че рекордът е поставен не на Sotheby's или Christie's, а на търга за съвременно изкуство Phillips. Това се случи на 18 май 2017 г. Изглед към покрития със сняг Rosedale, един от кварталите на Торонто, беше продаден на купувач на телефон за 28,81 милиона долара, което е с около 3 милиона долара повече от предишния рекорд (25,9 милиона долара за "Swallowed in the Mire"). Картината "Rosedale" участва в ключовата изложба на Doig в галерия Whitechapel в Лондон през 1998 г. и като цяло тази работа беше свежа за пазара и следователно рекордната цена е напълно заслужена.

9. FRANK STELLA Cape pines. 1959 г. 28 милиона долара

Франк Стела е ярък представител на пост-живописната абстракция и минимализма в изкуството. На определен етап се нарича стил на рисуване с твърд ръб. Отначало Стела противопоставя строгата геометричност, аскетичната монохромност и структурираност на своите картини със спонтанността и хаотичността на платната на абстрактни експресионисти като Джаксън Полок.

В края на 50-те години художникът е забелязан от известния галерист Лео Кастели и за първи път получава награда за изложба. На нея той представя т. нар. "Черни картини" - платна, изрисувани с успоредни черни линии с тънки празнини от нерисувано платно между тях. Линиите се оформят в геометрични фигури, донякъде напомнящи оптични илюзии, самите картини, които трептят, движат се, извиват се, създават усещане за дълбоко пространство, ако ги гледате дълго време. Стела продължи темата за успоредните линии с тънки разделителни ленти в своите работи върху алуминий и мед. Цветовете, живописната основа и дори формата на картините се променят (открояват се произведения във формата на буквите U, T, L). Но основният принцип на неговата живопис все още се състои в яснотата на контура, монументалността, простата форма, монохромността. През следващите десетилетия Стела се отдалечава от подобна геометрична живопис към гладки, естествени форми и линии и от монохроматични картини към ярки и разнообразни цветови преходи. През 70-те години Стела е пленена от огромните шарки, използвани за рисуване на кораби. Художникът ги използва за огромни картини с елементи на сглобяване - той включва парчета стоманени тръби или телена мрежа в своите творби.

В ранните си интервюта Франк Стела говори откровено за значенията, вложени в работата му, или по-скоро за липсата им: „Това, което виждате, е това, което виждате“. Картината е обект сама по себе си, а не репродукция на каквото и да било. „Това е плоска повърхност с боя върху нея и нищо друго“, каза Стела.

Е, подписана от Франк Стела, тази „повърхност с боя върху нея“ може да струва милиони долари днес. За първи път в класацията на живите артисти Франк Стела попадна през 2015 г. с продажбата на Делауеър Кросинг (1961) за 13,69 милиона долара, включително комисионна.

Четири години по-късно, на 15 май 2019 г., беше поставен нов рекорд от ранната (1959) работа „Cape of Pines”: цената на чука беше над 28 милиона долара, включително комисионната. Това е една от 29-те "черни картини" - точно тези, с които Стела дебютира на първата си изложба в Ню Йорк. Възпитаникът на Принстънския университет Франк Стела тогава е на 23 години. Често не му достигаха пари за маслени бои за художници. Младият художник работеше като ремонтна работа, много харесваше чистите цветове на боята и тогава се появи идеята да работи с тази боя върху платно. С черна емайл боя Стела рисува успоредни ивици, оставяйки тънки линии от негрундирано платно между тях. При това той пише без линии, на око, без предварителна скица. Стела никога не е знаела точно колко черни линии ще се появят в дадена картина. Например, в картината „Cape of Pines“ те са 35. Заглавието на произведението се отнася до името на нос в Масачузетския залив - Point of pines. В началото на 20-ти век е имал голям увеселителен парк, а днес е един от кварталите на град Ревере.

10. YOSHITOMO NARA Нож зад гърба. 2000 г. 24,95 милиона долара

Йошитомо Нара (1959) е една от ключовите фигури на японското нео-поп изкуство. Японски - защото въпреки световната известност и дългогодишната работа в чужбина, творчеството му все още се отличава с подчертана национална идентичност. Любимите герои на Нара са момичета и кучета в стила на японската манга и аниме комикси. Изображенията, които той измисля в продължение на много години, „отидоха при хората“: те се отпечатват върху тениски, с тях се правят сувенири и различни „мерчове“. Роден в бедно семейство, далеч от столицата, той е не само обичан заради таланта си, но и ценен като човек, изградил себе си. Художникът работи бързо и експресивно. Известно е, че някои от неговите шедьоври са завършени буквално за една нощ. Картините и скулптурите на Йошитомо Нара като правило са много лаконични и дори пестеливи в изразителни средства, но винаги носят силен емоционален заряд. Тийнейджърките в Нара често гледат зрителя с нелюбезен присвити очи. В очите им - наглост, предизвикателство и агресия. В ръцете - после нож, после цигара. Има мнение, че изобразените извращения на поведението са реакция на потискащия обществен морал, различни табута и възприетите от японците принципи на образование. Почти средновековната строгост и срам вкарват проблемите навътре, създават почва за забавен емоционален взрив. „Нож зад гърба“ просто отразява една от основните идеи на художника. В тази творба има мразещ поглед на момиче и заплашително навита ръка зад гърба. До 2019 г. картините и скулптурите на Йошитомо Нара вече са преминали границата от милион или дори няколко милиона повече от веднъж. Но двадесет милиона – за първи път. Нара е един от най-известните художници, родени в Япония. И сега най-скъпият от живите. На 6 октомври 2109 г. в Sotheby's в Хонконг той взе тази титла от Такаши Мураками и значително надмина 90-годишната авангардна художничка Яйои Кусама (максималните цени на търг за нейните картини вече наближават 9 милиона долара).

11. ЗЕНГ ФАНЧЖИ Тайната вечеря. 2001 г. 23,3 милиона долара

В Сотбис Хонконг 5 октомври 2013 гплатно в годишен мащаб "Тайната вечеря"Художник от Пекин Zeng Fanzhi (1964)беше продаден за рекордната сума от 160 милиона хонконгски долара - 23,3 милиона долараСАЩ. Окончателната цена на творбата на Фанджи, написана, разбира се, под влиянието на Леонардо да Винчи, се оказа два пъти по-висока от предварителната оценка от около $10 млн. Предишният ценови рекорд на Зенг Фанжи беше $ 9,6 милионаплатена на търга на Christie's в Хонг Конг през май 2008 г. за работата Серия Маски. 1996 г. бр. 6".

„Тайната вечеря“ е най-голямата (2,2 × 4 метра) картина на Фанджи от поредицата „Маски“, обхващаща периода от 1994 до 2001 г. Цикълът е посветен на еволюцията на китайското общество под влияние на икономическите реформи. Въвеждането на елементи на пазарна икономика от правителството на КНР доведе до урбанизация и разединение на китайците. Fanzhi изобразява жителите на съвременните китайски градове, които трябва да се борят за място под слънцето. Добре познатата композиция на фреската на Леонардо в прочита на Фанджи придобива съвсем различно значение: сцената се пренася от Йерусалим в класната стая на китайско училище с типични йероглифни дъски по стените. „Христос“ и „апостоли“ се превърнаха в пионери с алени вратовръзки, а само „Юда“ носи златна вратовръзка – това е метафора на западния капитализъм, проникващ и унищожаващ обичайния начин на живот в социалистическа страна.

Творбите на Зенг Фанджъ са стилово близки до европейския експресионизъм и са също толкова драматични. Но в същото време те са пълни с китайски символи и специфики. Тази гъвкавост привлича както китайски, така и западни колекционери към работата на художника. Пряко потвърждение за това е произходът на „Тайната вечеря“: произведението беше предложено на търг от известния колекционер на китайския авангард от 80-те и началото на 90-те години на миналия век, белгийския барон Ги Уленс.

12. РОБЪРТ РЕЙМАН Мост. 1980 г. 20,6 милиона долара

На търг Christie's, 13 май 2015 габстрактна работа "мост" 85-годишен американски художник Робърт Райман(Робърт Райман) беше продаден 20,6 милиона доларакато се вземе предвид комисионната - два пъти по-скъпо от долната оценка.

Робърт Райман(1930) не осъзнава веднага, че иска да стане художник. На 23-годишна възраст той се премества в Ню Йорк от Нашвил, Тенеси, искайки да стане джаз саксофонист. Междувременно той не стана известен музикант, трябваше да печели допълнителни пари като охрана в MoMA, където се запознава със Сол Леуит и Дан Флавин. Първият е работил в музея като нощен секретар, а вторият като охранител и асансьор. Вдъхновен от творбите на абстрактни експресионисти, които е видял в MoMA - Ротко, Де Кунинг, Полок и Нюман, Робърт Райман започва да рисува през 1955 г.

Райман често е определян като минималист, но той предпочита да бъде наричан "реалист", защото не се интересува от създаване на илюзии, той само демонстрира качествата на материалите, които използва. Повечето от творбите му са рисувани с бои във всички възможни нюанси на бялото (от сивкаво или жълтеникаво до ослепително бяло) на базата на лаконична квадратна форма. По време на кариерата си Робърт Райман изпробва много материали и техники: рисува с масла, акрил, казеин, емайл, пастели, гваш и др. върху платно, стомана, плексиглас, алуминий, хартия, велпапе, винил, тапети и др. приятел, професионален реставратор, Орин Райли, го посъветва за каустичността на материалите, които смята да използва. Както един художник веднъж каза: „Никога нямам въпроси Каквопиши, най-важното - какпиши". Всичко зависи от текстурата, естеството на щрихите, границата между цветната повърхност и ръбовете на основата, както и връзката между произведението и стената. От 1975 г. специална характеристика на работата му са телата, които Райман проектира сам и умишлено ги оставя видими, подчертавайки работата си „толкова реална, колкото са истински стените, на които висят“. Райман предпочита да дава на произведенията "имена", а не "заглавия". „Името“ е това, което помага да се разграничи една работа от друга, а Райман често назовава творбите си по марки бои, фирми и т.н., а „заглавието“ претендира за някакви алюзии и дълбоко скрити значения, присъствието на които в неговия творби, които художникът редовно отрича. Нищо освен материалите и техниката няма значение.

13. Деймиън Хърст Сънлива пролет. 2002 г. 19,2 милиона долара

английски художник На Деймиън Хърст (1965)беше предопределен да бъде първият, който заема първото място в тази класация в спор с живия класик Джаспър Джонс. Вече споменатата работа "Фалстарт" може да остане непотопим лидер за дълго време, ако 21 юни 2007 гинсталация по това време 42-годишният Хърст "Сънлива пролет"(2002) не беше продаден в Sotheby's за £ 9,76 милиона, тоест за 19,2 милиона долара. Работата, между другото, има доста необичаен формат. От една страна, това е витрина с манекени хапчета (6136 хапчета), всъщност класическа инсталация. И от друга страна, тази витрина е направена плоска (дълбочина 10 см), поставена в рамка и окачена на стената като плазмен панел, като по този начин напълно осигурява комфорта на притежание, присъщ на картините. През 2002 г. сестрата на инсталацията, Sleepy Winter, беше продадена за 7,4 милиона долара, повече от половината от цената. Някой "обясни" разликата в цената с факта, че таблетите са по-избелели през зимата. Но е ясно, че това обяснение е абсолютно безпочвено, тъй като механизмът на ценообразуване на такива неща вече не е свързан с техния декоративен ефект.

През 2007 г. мнозина признаха Хърст за автор на най-скъпата творба сред живите художници. Въпросът обаче е от категорията "зависи как се брои". Факт е, че Хърст беше продаден за скъпи лири, а Джоунс за долари, които сега са паднали в цената и дори преди двадесет години. Но дори ако броим по номинална стойност, без да вземаме предвид 20-годишната инфлация, тогава работата на Хърст е била по-скъпа в долари, а тази на Джоунс в лири. Ситуацията беше гранична и всеки беше свободен да реши кой да счита за най-скъп. Но Хърст се задържа на първо място не толкова дълго. През същата 2007 г. той беше изместен от първото място от Кунс с неговото "Hanging Heart".

Точно в навечерието на глобалния спад на цените на съвременното изкуство, Хърст предприе безпрецедентно начинание за млад художник - самостоятелен търг на негови творби, който се проведе на 15 септември 2008 г. в Лондон. Новината за фалита на Lehman Brothers, обявена предишния ден, не развали апетита на любителите на съвременното изкуство: от 223 произведения, предложени от Sotheby's, само пет не намериха нови собственици (един от купувачите, между другото, беше Виктор Пинчук ). работа "Златен Телец"- огромно изображение на бик във формалдехид, увенчано със златен диск, - донесено £10,3 милиона ($18,6 милиона). Това е най-добрият резултат на Хърст, ако се измерва в лири (във валутата, в която е направена сделката). Ние обаче се класираме по отношение на долари, така че (да ни прости Златният телец) ще приемем, че най-добрата продажба на Хърст е Sleepy Spring.

От 2008 г. Хърст не е имал продажби на Sleepy Spring и Golden Calf. Свежите записи от 2010 г. - за работата на Рихтер, Джоунс, Фанжи, Уол и Кунс - преместиха Деймиън на шестата линия на нашия рейтинг. Но нека не даваме категорична преценка за упадъка на епохата на Хърст. Според анализаторите, Хърст като "суперзвезда" вече е влязъл в историята, което означава, че те ще го купуват за много дълго време; но най-голяма стойност в бъдещето се предвижда за произведения, създадени в най-новаторския период от кариерата му, тоест през 90-те години.

14. Маурицио Кателан Него. 2001 г. 17,19 милиона долара

Италианецът Маурицио Кателан (1960) идва в изкуството след работа като охранител, готвач, градинар и дизайнер на мебели. Самоукият автор стана световно известен със своите иронични скулптури и инсталации. Пуснал е метеорит върху папата, превърнал е жената на клиент в ловен трофей, пробил е дупка в пода на музей на старите майстори, вдигнал е огромен среден пръст на борсата в Милано, довел е живо магаре на панаира Frieze . В близко бъдеще Кателан обещава да постави златна тоалетна в музея Гугенхайм. В крайна сметка лудориите на Маурицио Кателан бяха широко признати в света на изкуството: той е поканен на Венецианското биенале (инсталацията "Други" през 2011 г. - стадо от две хиляди гълъби, които гледат заплашително от всички тръби и греди към тълпите посетители минавайки по-долу), организира ретроспектива в музея Гугенхайм в Ню Йорк (ноември 2011 г.) и накрая се плащат големи пари за неговите скулптури.

От 2010 г. най-скъпата работа на Маурицио Кателан е восъчна скулптура на човек, надничащ от дупка в пода, външно подобен на самия художник („Без заглавие“, 2001 г.). Тази скулптурна инсталация, която съществува в размер на три копия плюс копие на автора, беше показана за първи път в музея Boijmans van Beuningen в Ротердам. Тогава този палав герой погледна от дупка в пода на залата с картини на холандски художници от 18-ти и 19-ти век. Маурицио Кателан в тази творба се свързва с дързък престъпник, който нахлува в свещеното пространство на музейната зала с картини на велики майстори. Така той иска да лиши изкуството от ореола на святост, който му придават музейните стени. Творбата, за излагането на която всеки път трябва да правите дупки в пода, беше продадена за 7,922 милиона долара в Sotheby's.

Рекордът остана до 8 май 2016 г., когато още по-провокативната творба на Кателан Той, изобразяваща коленичил Хитлер, беше продадена за $17,189 млн. Нещата са странни. Името е странно. Изборът на герои е рискован. Както всичко останало с Cattelan. Какво означава Той? „Неговото“ или „Негово адско величество“? Ясно е, че категорично не говорим за възпяване на образа на фюрера. В това произведение Хитлер се появява по-скоро в безпомощен, жалък вид. И абсурдно - въплъщението на Сатаната е направено с размерите на дете, облечено в ученически костюм и коленичило със смирено изражение на лицето. За Кателан този образ е покана за размисъл върху природата на абсолютното зло и начин да се отървем от страховете. Между другото, скулптурата „Той“ е добре позната на западната публика. Нейните братя от поредицата са били излагани повече от 10 пъти във водещи музеи по света, включително Център Помпиду и Музеят на Соломон Гугенхайм.

15. MARC GROTJAN Untitled (S III, издаден във Франция, лице 43.14). 2011. 16,8 милиона долара

На 17 май 2017 г. една от най-въздействащите картини на Марк Гротян, предлагани някога на търг, се появи на вечерния търг на Christie's в Ню Йорк. Картината „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“ беше изложена от парижкия колекционер Патрик Сегуин с оценка от 13-16 милиона долара и тъй като продажбата на партидата беше гарантирана от трета страна, никой не беше особено изненадан чрез установяването на нов личен рекорд на търга от 49-годишния художник. Цената на чука от 14,75 милиона долара (16,8 милиона долара с премията за купувача) надмина предишния рекорд на Гротджан на търг с повече от 10 милиона долара, поставяйки го в клуба на живите художници, чиито творби се продават за осемцифрени суми. Седемцифрени същите резултати (продажби над $1 милион, но не повече от $10 милиона) в аукционната касичка Марк Гротян за около тридесет.

Марк Гротян (1968), в чиято работа експертите виждат влиянието на модернизма, абстрактния минимализъм, поп и оп изкуството, стига до корпоративната си идентичност в средата на 90-те години, след като се премества с приятеля си Брент Питърсън в Лос Анджелис и отваря галерия там "Стая 702". Както самият художник си спомня, по това време той започва да мисли какво е на първо място за него в изкуството. Търсеше мотива, с който да експериментира. И разбрах, че той винаги се е интересувал от линия и цвят. Експериментите в духа на rayonism и минимализма с линейна перспектива, множество изчезващи точки и многоцветни абстрактни триъгълни форми в крайна сметка донесоха на Grotjan световна слава.

От абстрактни, цветни пейзажи с множество хоризонти и изчезващи точки, той стигна до триъгълни форми, напомнящи крила на пеперуда. Картини на Гротян 2001–2007 Наричат ​​го "Пеперуди". Днес преместването на точката на изчезване или използването на няколко точки на изчезване наведнъж, разположени една от друга в пространството, се смята за една от най-мощните техники на художника.

Следващата голяма поредица от творби се нарича "Лица"; в абстрактните линии на тази серия могат да се познаят чертите на човешко лице, опростено до състоянието на маска в духа на Матис, Явленски или Бранкузи. Говорейки за крайното опростяване и стилизиране на формите, за композиционното решение на картините, когато разпръснатите контури на очите и устата сякаш ни гледат от гъсталака, изследователите отбелязват връзката на Лицата на Гротян с изкуството на примитивното племена от Африка и Океания, докато самият художник просто „харесва изображението с очи, гледащи от джунглата. Понякога си представях лицата на павиани или маймуни. Не мога да кажа, че бях съзнателно или подсъзнателно повлиян от примитивното африканско изкуство, по-скоро бях повлиян от художници, които бяха повлияни от него. Пикасо е най-очевидният пример."

Творбите от поредицата "Лица" се наричат ​​брутални и елегантни, приятни за окото и приятни за ума. С течение на времето текстурата на тези произведения също се променя: за да създаде ефекта на вътрешно пространство, художникът използва широки щрихи плътна боя, дори пръски в стил Полок, но повърхността на картината е изравнена, така че при по-внимателно разглеждане изглежда напълно плосък. Рекордната на търга картина Untitled (S III Released to France Face 43.14) принадлежи към тази известна поредица на Марк Гротян.

16. ТАКАШИ МУРАКАМИ Моят самотен каубой. 15,16 милиона долара

японски Такаши Мураками (1962)влезе в нашата класация със скулптура "Моят самотен каубой", продаден на Sotheby's през май 2008 г. за $ 15,16 милиона. С тази продажба Такаши Мураками дълго време беше смятан за най-успешния жив азиатски художник - докато не беше засенчен от продажбата на Тайната вечеря от Зенг Фанджи.

Такаши Мураками работи като художник, скулптор, моден дизайнер и аниматор. Мураками искаше да вземе нещо наистина японско като основа на своята работа, без западни или други заеми. В студентските си години той е очарован от традиционното японско изкуство нихонга, по-късно то е заменено от популярното изкуство аниме и манга. Така се ражда психеделичният Mr DOB, мотиви от усмихнати цветя и ярки, лъскави скулптури от фибростъкло, сякаш току-що са излезли от страниците на японските комикси. Някои смятат изкуството на Мураками за бързо хранене и въплъщение на вулгарността, други наричат ​​художника японския Анди Уорхол - а в редиците на последния, както виждаме, има много много богати хора.

Мураками заимства името на своята скулптура от „Самотните каубои“ (1968) на Анди Уорхол, който японците, както сам признава, никога не са гледали, но комбинацията от думи много му харесва. Мураками с една скулптура зарадва феновете на еротичните японски комикси и им се присмя. Увеличен по размер, а освен това и триизмерен, аниме героят се превръща във фетиш на масовата култура. Това артистично изявление е съвсем в духа на класическия западен поп арт (спомнете си комплекта мебели на Алън Джоунс или Розовата пантера на Кунс), но с национален привкус.

17. KAWS. Албум KAWS. 2005 г. 14 784 505 долара

KAWS е псевдонимът на американския артист Brian Donelly от Ню Джърси. Той е най-младият участник в нашата класация, роден през 1974 г. Донели започва като аниматор в Disney (рисува фонове за анимационния филм "101 далматинци" и други). Интересувам се от графити от малък. Първоначално характерният му дизайн беше череп с "Х" на мястото на очните кухини. Работата на младия писател е обичана от хора от шоубизнеса и хора от модната индустрия: той направи корицата на албума на Kanye West, издаде колаборации за Nike, Comme des Garçons и Uniqlo. С течение на времето KAWS се превърна в добре позната фигура в света на съвременното изкуство. Фирмената му статуетка на Мики Маус намери своето място в музеи, обществени пространства и частни колекции. Веднъж KAWS пусна ограничено издание на винилова играчка с марката My Plastic Heart и те изведнъж станаха обект на голям колекционерски интерес. Един от страстните колекционери на тези "играчки" е основателят на Black Star, рапърът Timati: той почти напълно събра цялата поредица от "Cavs Companions".

Работата на KAWS постави рекорд за творчество на художник - 14,7 милиона долара - на търг на Sotheby's в Хонконг на 1 април 2019 г. Беше в колекцията на японския моден дизайнер Ниго. Metre canvas Албумът KAWS е почит към обложката на известния албум на The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" от 1967 г. Само че вместо хора има Kimpsons - стилизирани герои от анимационния сериал Simpsons с "X" вместо очи.

18. ДЖИН ШАН Таджикска булка. 1983 г. 13,89 милиона долара

Сред сравнително младите и съвременни китайски художници, които всички принадлежат към така наречената „нова вълна“ от края на 80-те години на миналия век в китайското изкуство, нашият рейтинг съвсем неочаквано включва представител на съвсем различно поколение и различна школа. Джин Шан (Jin Shangyi), който вече е над 80, принадлежи към ярките представители на първото поколение художници в комунистически Китай. Възгледите на тази група творци се формират до голяма степен под влиянието на най-близкия комунистически съюзник – СССР.

Официалното съветско изкуство, социалистическият реализъм, маслената живопис, която все още беше необичайна за Китай (за разлика от традиционната китайска живопис с мастило) през 50-те години, бяха на върха на популярността си и съветският художник Константин дойде в Пекинския художествен университет за три години ( от 1954 до 1957 г.) за преподаване на Методиевич Максимов. Джин Шани, който по това време беше най-младият в групата, влезе в неговия клас. Художникът винаги си спомняше своя учител с голяма топлина, казвайки, че Максимов го е научил правилно да разбира и изобразява модела. К. М. Максимов възпита цяла плеяда китайски реалисти, сега класици.

В творчеството на Джин Шан се усеща влиянието както на съветския "суров стил", така и на европейската живописна школа. Художникът посвети много време на изучаването на наследството на Ренесанса и класицизма, като смяташе за необходимо да запази китайския дух в творбите си. Картината "Таджикска булка", нарисувана през 1983 г., се счита за всеобщо признат шедьовър, нов крайъгълен камък в творчеството на Джин Шан. Именно тя беше изложена на търг на China Guardian през ноември 2013 г. и продадена няколко пъти по-скъпо от оценката - за 13,89 милиона долара, включително комисионна.

19. BANKSY The Decayed Parliament. 2008 г. 12,14 милиона долара

Стенописи с надпис Banksy започнаха да се появяват по стените на градове (първо в Обединеното кралство, а след това и по света) в края на 90-те години. Неговите философски и в същото време остри графити са посветени на проблемите на държавната атака срещу свободите на гражданите, престъпленията срещу околната среда, безотговорното потребление и нехуманността на системата за нелегална миграция. С течение на времето "упреците" на стената на Банкси придобиха безпрецедентна медийна популярност. Всъщност той се превърна в един от основните говорители на общественото мнение, осъждащо лицемерието на държавите и корпорациите, създаващи нарастваща несправедливост в капиталистическата система.

Значението на Банкси, усещането за "нерва на времето" и точността на неговите метафори бяха оценени не само от публиката, но и от колекционерите. През 2010 г. стотици хиляди или дори повече от милион долара бяха дадени за неговите творби. Стигна се дотам, че графитите на Банкси бяха разбити и откраднати заедно с парчета от стени.

В ерата на напреднало цифрово наблюдение Банкси все още успява да остане анонимен. Има версия, че това вече не е един човек, а група от няколко художници, начело с талантлива жена. Това би обяснило много. И външното различие на писателите, уловени в обективите на камерите на свидетели, и безличният метод на нанасяне на шаблон (дава висока скорост и не изисква прякото участие на автора), и трогателният романтизъм на темите на картините (топки, снежинки и др.). Както и да е, хората от проекта Banksy, включително неговите помощници, знаят как да си държат устата затворена.

През 2019 г. най-скъпата творба на Банкси неочаквано стана четириметровото платно Devolved Parliament („деградирал“, „разпаднал“ или „делегиран“ парламент). Шимпанзетата, спорещи в Камарата на общините, сякаш се подиграват на публиката в годината на скандалния Брекзит. Изненадващо е, че картината е нарисувана 10 години преди тази историческа повратна точка и затова някой я смята за пророческа. На търг на Sotheby's на 3 октомври 2019 г. неизвестен купувач купи маслото за 12 143 000 долара в ожесточено наддаване - шест пъти над цената на предварителната оценка.

20. ДЖОН КЪРЪН "Сладко и просто." 1999 г. 12,007 милиона долара

американски художник Джон Къран (1962)известен със своите сатирични фигуративни картини на провокативни сексуални и социални теми. Работата на Curren успява да съчетае техниките на рисуване на старите майстори (особено Лукас Кранах Стари и маниеристите) и модната фотография от лъскавите списания. Постигайки по-голяма гротеска, Карен често изкривява пропорциите на човешкото тяло, увеличава или намалява отделните му части, изобразява герои в разчупени, маниерни пози.

Curren започва през 1989 г. с портрети на момичета, прерисувани от училищен албум; продължава в началото на 90-те със снимки на едрогърди красавици, вдъхновени от снимки от Cosmopolitan и Playboy; през 1992 г. се появяват портрети на богати възрастни дами; и през 1994 г. Curren се жени за скулптора Rachel Feinstein, която се превръща в негова основна муза и модел в продължение на много години. До края на 90-те години техническата мощ на Кърин, съчетана с кича и гротескността на картините му, му донасят популярност. През 2003 г. Лари Гагосян пое промотирането на художника и ако такъв дилър като Гагосян се заеме с автора, успехът е гарантиран. През 2004 г. в музея на Уитни се проведе ретроспекция на Джон Кърън.

По това време творбите му започват да се продават за шестцифрени суми. Настоящият рекорд за картина на Джон Кърън принадлежи на „Сладко и просто“, продадена на 15 ноември 2016 г. в Christie's за 12 милиона долара. Сега над 50, това определено е пробив в кариерата. Предишният му рекорд през 2008 г. беше 5,5 милиона долара (платени, между другото, за същата работа „Сладко и просто“).

21. БРИС МАРДЪН Присъствали. 1996–1999 10,917 милиона долара

Друг жив американски абстрактен художник в нашата класация е Брайс Мардън (1938). Творбите на Марден в стила на минимализма, а от края на 80-те години на миналия век - жестовата живопис, се отличават с уникална авторска, леко приглушена палитра. Цветовите комбинации в творбите на Марден са вдъхновени от пътуванията му по света – Гърция, Индия, Тайланд, Шри Ланка. Сред авторите, повлияли върху формирането на Мардън, са Джаксън Полок (в началото на 60-те Мардън работи като охранител в Еврейския музей, където лично наблюдава „капките” на Полок), Алберто Джакомети (запознава се с работата му в Париж) и Робърт Раушенберг (известно време Мардън работи като негов асистент). Първият етап от работата на Марден е посветен на класически минималистични платна, състоящи се от цветни правоъгълни блокове (хоризонтални или вертикални). За разлика от много други минималисти, които търсят идеалното качество на творбите, сякаш са отпечатани от машина, а не нарисувани от човек, Марден запазва следи от работата на художника, комбинирайки различни материали (восък и маслени бои). От средата на 80-те години на миналия век, под влиянието на ориенталската калиграфия, геометричната абстракция е заменена от меандърови линии, чийто фон са същите монохромни цветни полета. Една от тези "криволичещи" творби - "The Attended" - беше продадена на Sotheby's през ноември 2013 г. за 10,917 милиона долара, включително комисионна.

22. Пиер Сулаж Картина 186 x 143 cm, 23 декември 1959 г. 10,6 милиона долара

23. ДЖАН СЯОГАН Вечна любов. 10,2 милиона долара

Друг представител на китайското съвременно изкуство е символист и сюрреалист Джан Сяоган (1958). В Сотбис Хонконг 3 април 2011 г, където се продаваше китайският авангард от колекцията на белгийския барон Гай Уленс, триптих на Джан Сяоган "Вечна любов"беше продаден за $ 10,2 милиона. По това време това е рекорд не само за художника, но и за цялото китайско съвременно изкуство. Твърди се, че творбата на Сяоган е била закупена от съпругата на милиардера Уанг Вей, която е на път да отвори собствен музей.

Джан Сяоган, който е любител на мистицизма и източната философия, е написал историята на „Вечната любов” в три части – живот, смърт и прераждане. Този триптих беше включен в емблематичната изложба Китай/Авангард от 1989 г. в Националния художествен музей. Също през 1989 г. студентските демонстрации бяха брутално потушени на площад Тянанмън от военните. След това трагично събитие винтовете започват да се затягат - изложбата в Народния музей е разпръсната, много художници емигрират. В отговор на наложения отгоре социалистически реализъм възниква едно направление на циничния реализъм, един от основните представители на което е Джан Сяоган.

24. БРЮС НАУМАН Безпомощен Хенри Мур. 1967 г. 9,9 милиона долара

американски Брус Науман (1941), носител на главната награда на 48-ото Венецианско биенале (1999), отдавна е в рекорда си. Науман започва кариерата си през шейсетте години. Познавачите го наричат, наред с Анди Уорхол и Йозеф Бойс, една от най-влиятелните фигури в изкуството от втората половина на ХХ век. Но богатата интелектуалност и абсолютната недекоративност на някои от творбите му очевидно са попречили на бързото му признание и успех сред широката публика. Науман често експериментира с езика, откривайки неочаквани значения на познати фрази. Думите стават централни герои на много от неговите творби, включително неонови псевдо-знаци и пана. Самият Науман нарича себе си скулптор, въпреки че през последните четиридесет години се е опитал в напълно различни жанрове - скулптура, фотография, видео изкуство, пърформанси, графики. В началото на 90-те години на миналия век Лари Гагосян изрича пророческите думи: „Истинската стойност на работата на Науман все още не е осъзната“. И така се случи: 17 май 2001 гв Christie's от Науман през 1967 г „Безпомощен Хенри Мур (изглед отзад)“(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) постави нов рекорд в сегмента на следвоенното изкуство. Отливка от ръцете на Науман, вързани на гърба, направена от гипс и восък, отиде под чука за $ 9,9 милионав колекцията на френския магнат Франсоа Пино (според други източници, американката Филис Ватис). Оценката на работата беше само $2-3 милиона, така че резултатът беше истинска изненада за всички.

Преди тази легендарна продажба само две от творбите на Науман са преминали границата от един милион долара. А в цялата му досегашна аукционна кариера само шест произведения, освен „Хенри Мур...“, са отишли ​​за седемцифрени суми, но резултатите им все още не могат да се мерят с девет милиона.

„Безпомощният Хенри Мур“ е една от поредицата полемични творби на Науман за фигурата на Хенри Мур (1898–1986), британски художник, смятан за един от най-големите скулптори на 20-ти век през 60-те години. Млади автори, попаднали в сянката на признат майстор, тогава го нападнаха с яростни критики. Работата на Науман е отговор на тази критика и в същото време размисъл върху темата за творчеството. Заглавието на творбата се превръща в каламбур, тъй като свързва две значения на английската дума bound – обвързан (в буквалния смисъл) и обречен на определена съдба.

внимание! Всички материали на сайта и базата данни с резултати от търгове на сайта, включително илюстрирана справочна информация за произведения, продадени на търгове, са предназначени за използване единствено в съответствие с чл. 1274 от Гражданския кодекс на Руската федерация. Използването за търговски цели или в нарушение на правилата, установени от Гражданския кодекс на Руската федерация, не е разрешено. сайтът не носи отговорност за съдържанието на материали, предоставени от трети лица. В случай на нарушаване на правата на трети лица, администрацията на сайта си запазва правото да ги премахне от сайта и от базата данни въз основа на искане на оторизирания орган.

От 8 юни до 31 юли в Москва се провежда VI Международно биенале за младо изкуство. Свои творби представиха над 50 творци от цял ​​свят до 35 години. Но съвременните художници не са само изложени в галерии или музеи – често техните творби могат да бъдат закупени. Не е задължително да е скъпо: популяризирането на съвременното изкуство постави началото на процес на демократизация на цените, който накара някои градски жители да заложат в бюджета си разходите за картини за ремонт. Дори аукционните къщи и панаирите на изкуството не можеха да пренебрегнат интереса към изкуството на средната класа, в която започнаха да се появяват произведения на млади художници. The Village помоли Екатерина Положенцева, журналист и съсобственик на галерия Oily Oil, да подбере произведения на съвременни руски художници, достъпни както като подход, така и като цена.

Екатерина Положенцева

Тимофей Радя

Художничката от Екатеринбург Тима Радя съчетава в творбите си философия и улично изкуство. Философ по образование и истински творец по природа, Тима отдавна подхранва идеята за бъдеща творба, а след това я реализира в градското пространство с помощта на малката си армия от колеги. Фрази, превърнали се в мемета, „Бих те прегърнал, но съм само текст“, „Колкото повече светлина, толкова по-малко виждаш“ или „Кои сме ние, откъде сме, накъде отиваме?“ временно стават част от градската среда, но завинаги остават във фотографиите на Ради. Продава ги в галерии.

Тимофей Радя. Долу смъртта. 2013. Фотопечат върху матова хартия. 60 х 80. Тираж 15/24. Цена - 44 000 рубли. Купете - галерия Artwin

Алексей Дубински

Дубински е роден в Грозни през 1985 г. и получава класическото си образование в Руската академия за живопис, скулптура и архитектура „Иля Глазунов“. Алексей работи в стила на абстрактния експресионизъм, който винаги крие образа на някакъв герой - самия Алексей, неговите приятели или "напълно щастливо семейство". През пролетта на 2018 г. Дубински проведе голяма самостоятелна изложба, курирана от София Симакова в галерия "Триумф", след което появата на Алексей в този списък е голям успех: големи (метър на метър) творби на Дубински отдавна са излезли от категорията на цени, които прилично се наричат ​​на глас. Но графиките от минали години все още са достъпни за покупка, без да се сриват за личен или семеен бюджет.

Кирил Кто

Ако видите очи, издълбани в банери по улиците на Москва, знайте, че те са направени от един човек, който много обича да ходи - Кирил Лебедев. Вторият бранд знак на Who са фрази, написани с печатни букви. Често се случва всяка буква да е нарисувана в свой цвят. Който е трудно да се обърка с някого. Преди няколко години собствениците на галерия Елвира Тарноградская и Надежда Степанова помолиха Кирил да прехвърли няколко творби върху платна: успехът на идеята беше очевиден. Чиито цени се покачват по-бързо, отколкото се появяват новите очи на града. Но има и опция за тези, които си броят парите - ситопечат, подписан от автора и произведен в ограничен тираж.

Юлия Йосилзон

Йосилзон е роден в Москва през 1992 г. Сега Юлия живее в Лондон, където следва бакалавърска степен от Slade School of Art към Факултета по изящни изкуства. Денонощният престой в студентската художествена работилница не й попречи да направи самостоятелна изложба в галерия "Триумф" в Москва. Обикновено прави експресивни творби върху опъната на носилка коприна. Сред героите на творбите са разпознаваеми вълк и заек от съветското „Е, почакайте! Йосилзон ще трябва да задели няколко заплати за рисуване, но графики все пак могат да се купят за малко пари.

Антон Тотибадзе

Антон Тотибадзе е син на художника Константин Тотибадзе и племенник на художника Георгий Тотибадзе. Антон продължава негласната семейна традиция да рисува натюрморти и ежедневни пейзажи, често вдъхновени от приготвянето на шишчета в собствения си двор. Руският музей в Санкт Петербург вече е включил една от тези творби на Антон Тотибадзе в своята колекция. Не е лошо за 25-годишен художник.

Антон Тотибадзе. Временно неудобство. 2017. Темпера върху платно. 15 х 19. Цена - 25 000 рубли. Купете - OilyOil.com

Алес Номад

Анна Асямова е родена в Казахстан и е завършила Кемеровския университет по изкуствата. Ранните й творби са аскетични портрети, в които тя не смесва цветове. По-късно Алес се увлича по рисуването и започва да рисува портрети в стила на старите майстори и да ги прекроява в раници или меки играчки, като използва ципове, за да направи работата многофункционална. Около този етап Владимир Дубосарски я забеляза и предложи да направят съвместна изложба. Един от най-скъпите живи руски художници, разбира се, повлия на цената на новите творби на Алес. Но ранните работи и днес можете да закупите на цена до 22 хиляди рубли.

Алес Номад. Сватба. 2013 г. Картон, акрил, маркери. 70 х 100. Цена - 22 000 РУБЛИ. Купете - OilyOil.com

Валери Чтак

Валери Чтак е художник с богата изложбена история и разпознаваем стил. Работата му винаги е монохромна черно-бяло-сива палитра с текст. В картините му има малко живопис и много прости изображения, сякаш от стената на близкия подземен проход. Библиотекар по образование, Чтак работи много с думите: „Всички мъртви са мъртви еднакви“, „Обичам да се забавлявам, мразя и отмъщавам“ или „Когато в Москва е полунощ, в Мурманск е полунощ“ - текстове на изпълнителя, който също си заслужава да се купи днес.

Дмитрий Аске

Дмитрий Аске е друг художник, който се премести от улицата в арт ателието. Голяма част от работата на Аске днес е ръчно изрязана и ръчно рисувана дървена ламперия, която художникът сглобява в панели. От бюджетните произведения на Дима, днес си струва да обърнете внимание на неговия копринен печат с ръчно рисувани акрилни бои. Отпечатъците на Аске са подписани и номерирани.

Дмитрий Аске. Буда. Ситопечат, акрил, памучна хартия. 50 х 50. Цена - 16 000 РУБЛИ. Купете - format1.net

снимка:корица, 15–21 - Маслено масло, 1 - Артуин, 2 - Тимофей Радя, 3–7, 12–14 - Мостра, 8, 25, 26 - Онлайн галерия с проблеми с бялата стена, 9–11, 22–24 - Галерия Триъгълник , 27 - "Формат едно"

Колко струва съвременното изкуство? Кои от живите творци се радват на най-голямо признание, чиято мярка са банкнотите? Artnet отговори на този въпрос, като анализира резултатите от търгове от 2011 до 2015 г. и изброи най-продаваните съвременни артисти. Уви, в списъка нямаше творци от Русия.

10. Ед Руша

През 60-те години на миналия век Ед, заедно с вече известни художници като Анди Уорхол и Джим Дайн, участва в историческото събитие „Преизобразяване на обикновени предмети“. Това беше една от първите изложби в зараждащия се поп арт стил в Америка. За непросветен поглед картините на Рушей най-много напомнят на шаблонен надпис на фона на пейзажи или весело пръскане на цветя. Въпреки това, над 4 години от неговите творения бяха продадени за обща сума от 129 030 255 долара.

9. Ричард Принс

Ричард си направи име, като префотографира изображения от печатни реклами, подрежда ги в произволен ред и ги украсява с язвителни лозунги. Каубои на Marlboro, знаменитости, порнозвезди, медицински сестри и приятелки мотористи страдаха от ръцете му. Рисува и капаци на коли. Обществеността оцени работата му в 146 056 862 долара- за тази сума бяха продадени няколко творби на художника.

8. Яйои Кусама

Психично болният художник обича да покрива повърхности с точици боя – нарича се „безкрайни мрежи“. Тя успя да превърне в запазена марка както тази полка точка, така и собствената си болест и сега е най-продаваният съвременен художник в света ( 152 768 689 долара).

7. Питър Дойг

Един от представителите на традиционната пейзажна живопис. Работата му е неизменно популярна сред зрителя, който е уморен от хиперироничния постмодерн, защото след надписите, колажите от снимки и столовете на точки е толкова приятно да спрете погледа си върху тропическия нощен пейзаж. За 4 години се продават картини за 155 229 785 долара.

6. Фен Дзън

Добре се продават и калиграфски надписи, прозрачни акварелни пейзажи и портрети в традиционен китайски стил - 176 718 242 долараот 2011 до 2015 г.

5. Цуи Руджоу

Този съвременен китайски художник е известен със своите мастилени картини на цветя, птици и пейзажи. Обикновените хора обаче не са в състояние да разберат могъщата сила на изкуството - и през 2012 г. чистачката на хотел Grand Hayatt случайно изхвърли една от творбите му на стойност 3,7 милиона долара в кошчето. Творбите на Цуи Руджоу през последните 4 години бяха продадени за 223 551 382 долара.

4. Дзенг Фанджи

Сложни многоцветни произведения на друг китайски художник, където живи същества и предмети са или оплетени в мрежата, или изгубени в зимната гора, както и зловещи пионери с окървавени ръце от 2011 до 2015 г., също се продаваха добре - за 267 949 220 долара.

3. Кристофър Ул

Запазената марка на Кристофър са огромни бели платна с черни букви. Четири от тези писма, които образуват думата Riot ("бунт"), бяха продадени на Sotheby's за 29,9 милиона долара. И само за 4 години произведенията на художника бяха продадени в размер на 323 997 854 долара.

2. Джеф Кунс

Бившият съпруг на порнозвездата Чичолина предпочита да работи в нео-поп жанра. Той е особено известен със своите стоманени скулптури, имитиращи продълговати играчки с балони. За една от творбите (стоманено оранжево куче) бяха платени на търг на Christie's 58,4 милиона долара. Джеф също планира да монтира кран пред Музея на изкуствата в Лос Анджелис, на който ще окачи парен локомотив, така че да пуши и да изпуска облаци дим. От 2011 до 2015 г. Кунс продава творби на обща стойност 379 778 439 долара.

1. Жерар Рихтер

На първо място в класацията на художниците с най-продавани картини е майстор, който дори не се смята за такъв. Според Джерард дълго време той създава нещо, което не е свързано с изкуство, композиция, цвят, творчество и т.н. А именно, той покрива платна с петна от боя с помощта на стъргалки и шпатули. Една от тези картини, наречена „Абстрактно изображение“, напомняща най-много на диня, умряла в агония, беше оценена в Sotheby's за 43,6 милиона долара, а творбите на художника за четири години бяха продадени за скромна сума от 1 165 527 419 долара.

Величествената и разнообразна руска живопис винаги радва публиката с непостоянството и съвършенството на художествените форми. Това е особеността на произведенията на известни майстори на изкуството. Те винаги изненадват с необичайния си подход към работата, благоговейно отношение към чувствата и усещанията на всеки човек. Може би затова руските художници толкова често изобразяват портретни композиции, които ярко съчетават емоционални образи и епично спокойни мотиви. Нищо чудно, че Максим Горки веднъж каза, че художникът е сърцето на страната си, гласът на цялата епоха. Наистина, величествените и елегантни картини на руски художници ярко предават вдъхновението на своето време. Подобно на стремежите на известния писател Антон Чехов, мнозина се стремяха да внесат в руската живопис уникалния вкус на своя народ, както и неутолимата мечта за красота. Трудно е да се подценят необикновените платна на тези майстори на величественото изкуство, защото под четката им се раждат наистина необикновени произведения от различни жанрове. Академична живопис, портрет, историческа живопис, пейзаж, произведения на романтизма, модернизма или символизма - всички те все още носят радост и вдъхновение на своите зрители. Всеки намира в тях нещо повече от пъстри цветове, изящни линии и неподражаеми жанрове на световното изкуство. Може би такова изобилие от форми и образи, с които руската живопис изненадва, е свързано с огромния потенциал на заобикалящия свят на художниците. Левитан също каза, че във всяка нотка на буйна природа има величествена и необичайна палитра от цветове. С такова начало пред четката на художника се открива великолепна шир. Следователно всички руски картини се отличават с изящна строгост и привлекателна красота, от които е толкова трудно да се откъснеш.

Руската живопис правилно се отличава от световното изкуство. Факт е, че до седемнадесети век домашната живопис се свързва изключително с религиозна тема. Ситуацията се промени с идването на власт на царя-реформатор - Петър Велики. Благодарение на неговите реформи руските майстори започват да се занимават със светска живопис, а иконописът се отделя като отделна посока. Седемнадесети век е времето на такива художници като Симон Ушаков и Йосиф Владимиров. Тогава в света на руското изкуство се заражда портретът, който бързо става популярен. През осемнадесети век се появяват първите художници, които преминават от портретна към пейзажна живопис. Забелязва се подчертаната симпатия на майсторите към зимните панорами. Осемнадесети век беше запомнен и с раждането на ежедневната живопис. През деветнадесети век в Русия придобиха популярност три направления: романтизъм, реализъм и класицизъм. Както и преди, руските художници продължават да се обръщат към портретния жанр. Тогава се появяват световноизвестните портрети и автопортрети на О. Кипренски и В. Тропинин. През втората половина на деветнадесети век художниците все по-често изобразяват простия руски народ в неговото потиснато състояние. Реализмът става централна тенденция в живописта от този период. Тогава се появиха Странниците, изобразяващи само истинския, истински живот. Е, двадесети век, разбира се, е авангардът. Художниците от онова време значително повлияха както на своите последователи в Русия, така и по света. Техните картини стават предшественици на абстракционизма. Руската живопис е огромен прекрасен свят на талантливи художници, които прославиха Русия със своите творения