Най-известните картини на модерното изкуство. Картини на известни съвременни художници

Рейтингът на най-скъпите произведения на живи художници е конструкция, която говори за ролята и мястото на художника в историята на изкуството много по-малко, отколкото за възрастта и здравето

Правилата за съставяне на нашия рейтинг са прости: първо, вземат се предвид само транзакции с произведения на живи автори; второ, вземат се предвид само продажбите на публичен търг; и трето, спазва се правилото "един художник - една работа" (ако два записа принадлежат на Джоунс в класацията на произведенията, тогава остава само най-скъпият, а останалите не се вземат предвид). Класирането се извършва в долари (по обменния курс към датата на продажба).

1. ДЖЕФ КУНС Заек. 1986 г. 91,075 милиона долара

Колкото по-дълго наблюдавате аукционната кариера на Джеф Кунс (1955), толкова повече се убеждавате, че за поп изкуството няма нищо невъзможно. Можете да се възхищавате на скулптурите на Кунс под формата на играчки с балони или да ги смятате за кич и лош вкус - ваше право. Едно нещо не може да се отрече: инсталациите на Jeff Koons струват луди пари.

Джеф Кунс започна пътя си към славата като най-успешният жив художник в света през 2007 г., когато неговата гигантска метална инсталация Hanging Heart беше купена за $23,6 милиона от Sotheby's.Произведението беше купено от галерията Larry Gagosian, представляваща Кунс (в те писаха до пресата, че това е в интерес на украинския милиардер Виктор Пинчук.) Галерията се сдоби не просто с инсталация, а всъщност с произведение на ювелирното изкуство. 2,7 м тежи 1600 кг), но има подобна цел. Над шест За създаването на композиция със сърце, покрито с десет слоя боя, са похарчени половин хиляди часа, в резултат на което са платени гигантски пари за грандиозната „украса“.

Следващата беше продажбата на лилавото цвете от балон за £12,92 милиона ($25,8 милиона) в Christie's в Лондон на 30 юни 2008 г. Интересното е, че седем години по-рано предишните собственици на "Цвете" са купили произведението за $1,1 млн. Лесно е да се изчисли, че през това време пазарната му цена е нараснала почти 25 пъти.

Спадът на пазара на изкуство през 2008-2009 г. даде повод на скептиците да клеветят, че модата на Кунс е преминала. Но те грешаха: заедно с пазара на изкуство интересът към произведенията на Кунс се възроди. Наследникът на Анди Уорхол на трона на краля на поп изкуството актуализира личния си рекорд през ноември 2012 г. с продажбата на Christie's на многоцветна скулптура „Лале“ от поредицата „Триумф“ за 33,7 милиона долара, включително комисионната.

Но "Лалетата" бяха "цветя" в буквалния и преносен смисъл. Само година по-късно, през ноември 2013 г., последва продажбата на скулптурата куче с балон от неръждаема стомана (оранжево): цената на чука беше цели 58,4 милиона долара! Страхотна сума за жив артист. Творба на съвременен автор беше продадена на цената на картина на Ван Гог или Пикасо. Това бяха горските плодове...

С този резултат Кунс царува няколко години на върха на класацията на живите артисти. През ноември 2018 г. той беше изпреварен за кратко от Дейвид Хокни (виж второто място в нашата класация). Но само шест месеца по-късно всичко се върна към нормалното: на 15 май 2019 г. в Ню Йорк, на търг за следвоенно и съвременно изкуство, Christie's пусна за продажба учебникарска скулптура за Кунс през 1986 г. - сребърен „Заек“ изработена от неръждаема стомана, имитираща балон с подобна форма.

Общо Кунс създава 3 такива скулптури плюс едно авторско копие. На търга беше включен екземпляр от "Заек" номер 2 - от колекцията на култовия издател Сай Нюхаус, съсобственик на издателство Conde Nast (списанията Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ и др.). Сребърният "Заек" е закупен от "бащата на блясъка" Cy Newhouse през 1992 г. за впечатляваща сума по стандартите на онези години - 1 милион долара. След 27 години в борбата на 10 наддавачи, цената на чука на скулптурата беше 80 пъти по-висока от предишната продажна цена. И с комисионната за купувача, крайният резултат беше рекордните 91,075 милиона долара за всички живи артисти.

2. ДЕЙВИД ХОКНИ Портрет на художника. Басейн с две фигури. 1972. $90,312,500

Дейвид Хокни (1937) е един от най-значимите британски художници на 20 век. През 2011 г. Дейвид Хокни беше избран за най-влиятелния британски художник на всички времена в проучване сред хиляди професионални британски художници и скулптори. В същото време Хокни заобиколи такива майстори като Уилям Търнър и Франсис Бейкън. Работата му, като правило, се приписва на поп изкуството, въпреки че в ранните си творби той гравитира повече към експресионизма в духа на Франсис Бейкън.

Роден и израснал Дейвид Хокни в Англия, Йоркшир. Майката на бъдещия художник държеше семейството в пуританска строгост, а баща му, обикновен счетоводител, който рисуваше малко на аматьорско ниво, насърчи сина си да рисува. В началото на двайсетте си Дейвид се мести в Калифорния, където живее общо около три десетилетия. Той все още има две работилници там. Хокни направи героите на произведенията си местни богаташи, техните вили, басейни, тревни площи, окъпани в калифорнийското слънце. Едно от най-известните му произведения от американския период - картината "Splash" - е изображение на сноп пръски, издигащи се от басейна, след като човек скочи във водата. За да изобрази този сноп, "живеещ" не повече от две секунди, Хокни работи две седмици. Между другото, тази картина беше продадена на Sotheby's за 5,4 милиона долара през 2006 г. и за известно време се смяташе за най-скъпата му работа.

Хокни (1937) вече е над осемдесетте, но все още работи и дори изобретява нови художествени техники, използвайки технически иновации. Някога му хрумва идеята да прави огромни колажи от снимки на Polaroid, отпечатва творбите си на факс машини, а днес художникът с ентусиазъм умее да рисува на iPad. Картините, нарисувани на таблета, заемат достойното си място в неговите изложби.

През 2005 г. Хокни най-накрая се завърна от Щатите в Англия. Сега той рисува на открито и в студио огромни (често състоящи се от няколко части) пейзажи от местни гори и пусти места. Според Хокни за 30-те си години в Калифорния той толкова е свикнал с простата смяна на сезоните, че тя наистина го очарова и очарова. Цели цикли от последните му творби са посветени например на един и същи пейзаж през различни периоди от годината.

През 2018 г. картините на Хокни прескочиха няколко пъти границата от 10 милиона долара. А на 15 ноември 2018 г. в Christie's беше регистриран нов абсолютен рекорд за творчество на жив художник - 90 312 500 долара за картината "Портрет на художника (Басейн с две фигури)".

3. ГЕРХАРД РИХТЕР Абстрактна живопис. 1986 г. 46,3 милиона долара

Жива класика Герхард Рихтер (1932)се нарежда на второ място в нашата класация. Германският изпълнител беше лидер сред живите колеги, докато не удари 58-милионния рекорд на Джеф Кунс. Но едва ли това обстоятелство може да разклати и без това железния авторитет на Рихтер на пазара на изкуството. Според резултатите от 2012 г. годишният аукционен оборот на германския художник е на второ място след тези на Анди Уорхол и Пабло Пикасо.

Дълги години нищо не предвещаваше успеха, който сега падна върху Рихтер. В продължение на десетилетия художникът заема скромно място на пазара на съвременното изкуство и изобщо не се стреми към слава. Можем да кажем, че славата го застигна сама. Отправната точка се счита от мнозина за закупуването от музея MoMA в Ню Йорк през 1995 г. на поредицата на Рихтер от 18 октомври 1977 г. Американският музей плати 3 милиона долара за 15 картини в сиви нюанси и скоро започна да мисли за организиране на пълноценна ретроспекция на немския художник. Грандиозната изложба беше открита шест години по-късно, през 2001 г., и оттогава интересът към творчеството на Рихтер нараства главоломно. От 2004 до 2008 г. цената на картините му се утроява. През 2010 г. произведенията на Рихтер вече са донесли 76,9 милиона долара, през 2011 г., според уебсайта Artnet, произведенията на Рихтер на търг са спечелили общо 200 милиона долара, а през 2012 г. (според Artprice) - 262,7 милиона долара - повече от работата на който и да е друг жив художник.

Докато, например, при Джаспър Джонс огромният успех на аукциона придружава предимно само ранни творби, такова рязко разделение не е типично за творбите на Рихтер: търсенето е еднакво стабилно за неща от различни творчески периоди, от които в Рихтер имаше много. кариера. През последните шестдесет години този художник се опита в почти всички традиционни жанрове на живописта - портрет, пейзаж, яхтено пристанище, голо тяло, натюрморт и, разбира се, абстракция.

Историята на аукционните записи на Рихтер започва с поредица от натюрморти "Свещи". 27 фотореалистични изображения на свещи в началото на 80-те години, по времето, когато са написани, струват само 15 000 германски марки (5 800 долара) на произведение. Но все още никой не купи Candles на първата им изложба в галерия Max Hetzler в Щутгарт. Тогава темата на картините беше наречена старомодна; Днес "Свещи" се считат за творби за всички времена. И те струват милиони долари.

През февруари 2008 г. "Свещ",написана през 1983 г., неочаквано беше купена за £ 7,97 милиона ($16 милиона). Този личен рекорд се задържа три години и половина. Тогава през октомври 2011 гдруг "Свещ" (1982)вече беше продаден в Christie's за £ 10,46 милиона ($16,48 милиона). С този рекорд Герхард Рихтер влезе за първи път в челната тройка на най-успешните живи артисти, заемайки мястото си зад Джаспър Джонс и Джеф Кунс.

Тогава започва победното шествие на „Абстрактните картини” на Рихтер. Художникът рисува такива произведения в уникална авторска техника: той нанася смес от прости бои върху светъл фон и след това ги размазва върху платното с дълъг скрепер с размерите на автомобилна броня. Това води до сложни цветови преходи, петна и ивици. Разглеждането на повърхността на неговите "Абстрактни картини" е като разкопки: върху тях следи от различни "фигури" гледат през празнините на множество цветни слоеве.

9 ноември 2011 гна мащабния аукцион на модерно и следвоенно изкуство Sotheby's "Абстрактна живопис (849-3)" 1997 г. отиде под чука за $20,8 милиона (£13,2 милиона). И шест месеца по-късно, 8 май 2012 гна търга за следвоенно и съвременно изкуство Christie's в Ню Йорк "Абстрактна живопис (798-3)" 1993 г. беше рекордна 21,8 милиона долара(включително комисионна). Пет месеца по-късно - отново рекорд: "Абстрактна живопис (809-4)"от колекцията на рок музиканта Ерик Клептън на 12 октомври 2012 г. в Sotheby's в Лондон беше продаден за £ 21,3 милиона ($34,2 милиона). Бариерата от 30 милиона беше взета от Рихтер с такава лекота, сякаш не става дума за съвременна живопис, а за шедьоври, които вече са на сто години - не по-малко. Въпреки че в случая с Рихтер изглежда, че включването в пантеона на "великите" е станало още през живота на художника. Германските цени продължават да растат.

Следващият запис на Рихтер принадлежи на фотореалистично произведение - пейзаж „Катедралния площад, Милано (Домплац, Майланд)“ 1968 г. Работата беше продадена за 37,1 милионана търг на Sotheby's 14 май 2013 г. Гледката на най-красивия площад е нарисувана от немски художник през 1968 г. по поръчка на Siemens Electro, специално за офиса на компанията в Милано. По време на написването си това е най-голямата фигуративна творба на Рихтер (с размери близо три на три метра).

Рекордът на Cathedral Square остана почти две години, докато 10 февруари 2015 гне го прекъсна "Абстрактна живопис" ( 1986): цената на чука достигна £ 30,389 милиона ($46,3 милиона). Абстрактната картина с размери 300,5 × 250,5 cm, предложена на търг в Sotheby’s, е една от първите мащабни творби на Рихтер в неговата специална авторска техника за изстъргване на слоеве боя. Последният път през 1999 г. тази „Абстрактна картина“ беше купена на търг за 607 хиляди долара (от тази година до настоящата продажба творбата беше изложена в музея Лудвиг в Кьолн). На търга на 10 февруари 2015 г. определен американски клиент на аукционни стъпки от 2 милиона паунда достигна цената на чука от 46,3 милиона долара.Тоест от 1999 г. работата се е повишила в цената повече от 76 пъти!

4. Tsui Zhuzhuo "Велики планини, покрити със сняг." 2013 г. 39,577 милиона долара

Дълго време не следяхме отблизо развитието на ситуацията на китайския пазар на изкуство, без да искаме да претоварваме читателите си с прекомерно количество информация за „не нашето“ изкуство. С изключение на дисидента Ай Уейвей, който дори не е скъп като резонансен художник, китайските автори ни се сториха твърде многобройни и далечни от нас, за да се ровим какво се случва на техния пазар там. Но статистиката, както се казва, е сериозна дама и ако говорим за най-успешните живи автори в света, тогава не можем да направим без разказ за изключителните представители на съвременното изкуство на Поднебесната империя.

Да започнем с един китайски художник Цуи Ружуо. Художникът е роден през 1944 г. в Пекин и е живял в САЩ от 1981 до 1996 г. След завръщането си в Китай започва да преподава в Националната художествена академия. Cui Ruzhuo преосмисля традиционния китайски стил на рисуване с мастило и създава огромните свитъци, които китайските бизнесмени и официални лица обичат да си подаряват един на друг. На Запад се знае много малко за него, въпреки че мнозина сигурно помнят историята за свитъка за 3,7 милиона долара, който беше изхвърлен по погрешка, смятайки го за боклук, от чистачите на хотел в Хонконг. И така, това беше свитъкът на Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo е на 70 години и пазарът за работата му процъфтява. Над 60 творби на този художник са преминали границата от $1 млн. Въпреки това творбите му досега са имали успех само на китайски аукциони. Рекордите на Cui Ruzhuo са наистина впечатляващи. Първо го "Пейзаж в снега"на Poly Auction в Хонконг 7 април 2014 гдостигна цена от чук от 184 милиона HK$ ( 23,7 милиона щатски долара).

Точно една година по-късно 6 април 2015 гна специален Poly Auction в Хонконг, посветен изключително на работата на Cui Ruzhuo, серия „Големият снежен пейзаж на планинския Джианнан“(Jiangnan е историческа област в Китай, заемаща десния бряг на долното течение на Яндзъ.) от осем пейзажа с мастило върху хартия достигна цена от чук от 236 милиона HK$ ( 30,444 милиона щатски долара).

Година по-късно историята се повтори отново: на самостоятелния търг на Cui Ruzhuo, проведен от Poly Auctions в Хонконг 4 април 2016 гполиптих в шест части „Велики заснежени планини“Цената на чука за 2013 г. (включително комисионната на аукционната къща) достигна 306 милиона хонконгски долара (39,577 милиона щатски долара). Досега това е абсолютен рекорд сред живите азиатски артисти.

Според търговеца на произведения на изкуството Джонсън Чан, който работи с китайското съвременно изкуство от 30 години, има безусловно желание да се повишат цените на произведенията на този автор, но всичко това се случва на ниво на цените, където опитните колекционери едва ли искат да купя нещо. „Китайците искат да повишат рейтингите на своите художници, като надуват цените за техните творби на големи международни търгове като този, организиран от Poly в Хонг Конг, но няма съмнение, че тези рейтинги са напълно измислени“, коментира Джонсън Чанг за Cui Ruzhuo най-новият запис.

Това, разбира се, е само мнението на един единствен търговец и ние имаме реален запис, записан във всички бази данни. Така че нека го вземем предвид. Самият Cui Ruzhuo, съдейки по изявленията му, е далеч от скромността на Герхард Рихтер, когато става въпрос за успеха му на търг. Изглежда тази надпревара за рекорди сериозно го завладява. „Надявам се, че в следващите 5-10 години цените на моите творби ще надминат цените на творбите на западни майстори като Пикасо и Ван Гог. Това е китайската мечта“, казва Цуи Ружуо.

5 Джаспър Джонс Флаг. 1983 г. 36 милиона долара

Третото място в класацията на живите артисти принадлежи на американец До Джаспър Джонс (1930). Текущата рекордна цена за работата на Джоунс е $ 36 милиона. Толкова много плати за неговата известна "Знаме"на търг на Christie's 12 ноември 2014 г.

Серия от картини "знаме", започната от Джоунс в средата на 50-те години, веднага след завръщането на художника от армията, се превърна в една от централните в творчеството му. Дори в младостта си художникът се интересува от идеята за готови, превръщането на ежедневен предмет в произведение на изкуството. Знамената на Джоунс обаче не бяха истински, те бяха рисувани с маслени бои върху платно. Така едно произведение на изкуството придобива свойствата на вещ от обикновения живот, то е едновременно образ на знамето и самото знаме. Серия от творби със знамена донесе на Джаспър Джонс световна слава. Но не по-малко популярни са неговите абстрактни творби. В продължение на много години списъкът на най-скъпите произведения, съставен съгласно горните правила, се оглавява от резюме "фалстарт". До 2007 г. това много ярко и декоративно платно, нарисувано от Джоунс през 1959 г., се смяташе за собственик на практически недостъпна цена за жив художник (макар и класика за цял живот) - $ 17 милиона. Толкова са платили за него в злато за пазара на изкуството 1988 г.

Интересното е, че опитът на Джаспър Джонс като рекордьор не беше непрекъснат. През 1989 г. той е прекъснат от работата на неговия колега Вилем де Кунинг: двуметровата абстракция "Смесване" е продадена на Sotheby's за 20,7 милиона долара. Джаспър Джонс трябва да се премести. Но след 8 години, през 1997 г., де Кунинг умира , и " Фалстарт "Джоунс отново зае първия ред на аукционния рейтинг на живите художници от почти 10 години.

Но през 2007 г. всичко се промени. Рекордът False Start беше първо засенчен от работата на младите и амбициозни Деймиън Хърст и Джеф Кунс. След това имаше рекордна продажба за 33,6 милиона долара на картината „Спящият инспектор на ползите“ от Лузиен Фройд (вече починал и следователно не участва в този рейтинг). Тогава започват записите на Герхард Рихтер. Като цяло до момента с актуален рекорд от 36 милиона на почетното трето място е Джаспър Джонс, един от майсторите на американското следвоенно изкуство, работещ на пресечната точка на неодадаизма, абстрактния експресионизъм и поп арта.

6. ЕД РУШАЙ Разбийте. 1963 г. 30,4 милиона долара

Внезапният успех на картината "Разбиване" на американски художник Едуард Руша (р. 1937 г.)на търг Christie's, 12 ноември 2014 гдоведе този автор до броя на най-скъпите живи художници. Предишната рекордна цена за работата на Ед Руша (често името Руша се произнася на руски като "Руша", но правилното произношение е Руша) беше "само" 6,98 милиона долара: толкова платиха за неговото платно "Горещ газ гара" през 2007 г. Седем години по-късно неговият Разбийтес оценка от 15–20 милиона долара, той достигна цената на чук 30,4 милиона долара. Очевидно е, че пазарът на творбите на този автор е достигнал ново ниво - не напразно Барак Обама краси Белия дом с творбите си, а самият Лари Гагосян го излага в галериите си.

Ед Руша никога не се е стремил към следвоенен Ню Йорк с неговата лудост по абстрактния експресионизъм. Вместо това повече от 40 години той търси вдъхновение в Калифорния, където се премества от Небраска на 18-годишна възраст. Художникът стои в началото на ново направление в изкуството, наречено поп арт. Заедно с Уорхол, Лихтенщайн, Уейн Тибо и други певци на популярната култура, Едуард Руша участва в изложбата New Image of Ordinary Things на музея в Пасадена през 1962 г., която се превръща в първата музейна изложба на американското поп изкуство. Самият Ед Руша обаче не обича, когато работата му се приписва на поп арт, концептуализъм или някакво друго течение в изкуството.

Неговият уникален стил се нарича "рисуване на текст". От края на 50-те години Ед Руша започва да рисува думи. Точно както за Уорхол консерва супа се превърна в произведение на изкуството, за Ед Руша обикновени думи и фрази, взети или от билборд или опаковка в супермаркет, или от надписите на филм (Холивуд винаги беше на страната на Руша и за разлика от много свои колеги художници, Руши уважаваше „фабриката за мечти“). Думите върху неговите платна придобиват свойствата на триизмерни обекти, това са истински натюрморти, направени от думи. При разглеждането на неговите платна първото нещо, което идва на ум, е визуалното и звуковото възприятие на нарисуваната дума и едва след това - семантичното значение. Последното, като правило, не може да бъде еднозначно дешифрирано; избраните от Руша думи и изрази могат да се тълкуват по различни начини. Същата ярко жълта дума „Разбийте“ на тъмносин фон може да се възприеме като агресивен призив да разбиете нещо или някого на парчета; като самостоятелно прилагателно, извадено от контекста (част от някое вестникарско заглавие, например), или просто като една дума, уловена в градски поток от визуални образи. Ед Руша се наслаждава на тази несигурност. „Винаги съм имал дълбоко уважение към странните, необясними неща... Обясненията в известен смисъл убиват нещо“, каза той в интервю.

7. КРИСТОФЪР ВЪЛНА Без заглавие (RIOT). 1990 г. 29,93 милиона долара

американски художник Кристофър Уул(1955) за първи път влезе в класацията на живите артисти през 2013 г. - след продажбата на Apocalypse Now за $26,5 млн. Този рекорд веднага го постави наравно с Джаспър Джонс и Герхард Рихтер. Сумата на тази историческа транзакция - повече от $ 20 милиона - изненада мнозина, тъй като преди това цените на творбите на художника не надвишаваха $ 8 милиона, но бързият растеж на пазара за произведения на Кристофър Уул вече беше очевиден по това време : досието на художника включва 48 аукционни транзакции на стойност над 1 милион долара, като 22 от тях (почти половината) се състояха през 2013 г. Две години по-късно броят на произведенията на Крис Уол, продадени за повече от 1 милион долара, достигна 70, а нов личен рекорд не закъсня. На търг Sotheby's, 12 май 2015 г., работа „Без заглавие (RIOT)“беше продаден за $ 29,93 милионавключително премията на купувача.

Кристофър Уул е най-известен със своите мащабни черни букви върху бели алуминиеви листове. Именно те, като правило, поставят рекорди на търгове. Всичко това са неща от края на 80-те и началото на 90-те години. Както гласи легендата, една вечер Wool се разхождал вечерта из Ню Йорк и изведнъж видял графити с черни букви върху нов бял камион - думите sex и luv. Тази гледка го впечатли толкова много, че той веднага се върна в студиото и написа своя версия със същите думи. Годината е 1987 г. и по-нататъшното търсене на думи и изрази от страна на художника за неговите "буквални" творби отразява противоречивия дух на това време. Това е призивът "продай къщата, продай колата, продай децата", взет от Уол от филма "Апокалипсис сега", и думата "FOOL" ("глупак") с главни букви и думата "RIOT" ("бунт"), често срещан в заглавията на вестниците от онова време.

Думи и фрази Вълна, нанесена върху алуминиеви листове с помощта на шаблони с алкидни или емайлирани бои, умишлено оставяйки ивици, следи от шаблони и други доказателства за творческия процес. Художникът раздели думите така, че зрителят да не разбере веднага значението. Първоначално виждате само група от букви, тоест възприемате думата като визуален обект и едва след това четете и дешифрирате значението на фразата или думата. Уол използва шрифт, използван от американската армия след Втората световна война, който засилва впечатлението за заповед, директива, лозунг. Тези „буквени” творби се възприемат като част от градския пейзаж, като незаконни графити, които са нарушили чистотата на повърхността на някой уличен обект. Тази поредица от творби на Кристофър Уул е призната за един от върховете на езиковата абстракция и затова е високо ценена от любителите на съвременното изкуство.

8. ПИТЪР ДОЙГ Роуздейл. 1991 г. 28,81 милиона долара

британски Питър Дойг(1959), въпреки че принадлежи към поколението на постмодернистите Кунс и Хърст, избра за себе си напълно традиционен жанр на пейзажа, който дълго време не беше в полза на напредналите художници. С работата си Питър Дойг съживява затихващия интерес на публиката към фигуративната живопис. Творчеството му е високо оценено както от критици, така и от неспециалисти, а доказателство за това е бързото покачване на цените на произведенията му. Ако в началото на 90-те пейзажите му струваха няколко хиляди долара, сега сметката отива в милиони.

Работата на Дойг често се нарича магически реализъм. Въз основа на реални пейзажи той създава фантастични, загадъчни и често мрачни образи. Художникът обича да изобразява предмети, изоставени от хората: порутена сграда, построена от Льо Корбюзие насред гора или празно бяло кану на повърхността на горско езеро. Освен от природата и въображението, Дойг се вдъхновява от филми на ужасите, стари пощенски картички, снимки, любителски видеоклипове и т.н. Картините на Дойг са цветни, сложни, декоративни, а не провокативни. Хубаво е да притежаваш такава картина. Ниската производителност на автора също подхранва интереса на колекционерите: живеещият в Тринидад художник създава не повече от дузина картини годишно.

В началото на 2000-те години отделни пейзажи на художника бяха продадени за няколкостотин хиляди долара. По същото време работата на Дойг е включена в галерия Saatchi, на биеналето в музея Whitney и в колекцията на MoMA. През 2006 г. беше преодоляна аукционната лента от $1 милион, а на следващата година се случи неочакван пробив: произведението "Бялото кану", предложено на Sotheby's на 7 февруари 2007 г. с оценка от $0,8-1,2 милиона, надхвърли предварителната оценка пет пъти и беше продаден за £5,7 милиона ($11,3 милиона). По това време това е рекордна цена за творба на жив европейски художник.

През 2008 г. Дойг организира самостоятелни изложби в галерия Тейт и Музея за модерно изкуство в Париж. Многомилионни цени за работата на Дойг се превърнаха в норма. Личният рекорд на Peter Doig наскоро се актуализира няколко пъти в годината - имаме време само да променим снимката и мястото на този художник в нашата класация на живите автори.

Най-скъпата творба на Питър Дойг досега е снежният пейзаж от Роуздейл от 1991 г. Интересното е, че рекордът е поставен не на Sotheby's или Christie's, а на търга за съвременно изкуство Phillips. Това се случи на 18 май 2017 г. Изглед към покрития със сняг Rosedale, един от кварталите на Торонто, беше продаден на купувач на телефон за 28,81 милиона долара, което е с около 3 милиона долара повече от предишния рекорд (25,9 милиона долара за "Swallowed in the Mire"). Картината "Rosedale" участва в ключовата изложба на Doig в галерия Whitechapel в Лондон през 1998 г. и като цяло тази работа беше свежа за пазара и следователно рекордната цена е напълно заслужена.

9. FRANK STELLA Cape pines. 1959 г. 28 милиона долара

Франк Стела е ярък представител на пост-живописната абстракция и минимализма в изкуството. На определен етап се нарича стил на рисуване с твърд ръб. Отначало Стела противопоставя строгата геометричност, аскетичната монохромност и структурираност на своите картини със спонтанността и хаотичността на платната на абстрактни експресионисти като Джаксън Полок.

В края на 50-те години художникът е забелязан от известния галерист Лео Кастели и за първи път получава награда за изложба. На нея той представя т. нар. "Черни картини" - платна, изрисувани с успоредни черни линии с тънки празнини от нерисувано платно между тях. Линиите се оформят в геометрични фигури, донякъде напомнящи оптични илюзии, самите картини, които трептят, движат се, извиват се, създават усещане за дълбоко пространство, ако ги гледате дълго време. Стела продължи темата за успоредните линии с тънки разделителни ленти в своите работи върху алуминий и мед. Цветовете, живописната основа и дори формата на картините се променят (открояват се произведения във формата на буквите U, T, L). Но основният принцип на неговата живопис все още се състои в яснотата на контура, монументалността, простата форма, монохромността. През следващите десетилетия Стела се отдалечава от подобна геометрична живопис към гладки, естествени форми и линии и от монохроматични картини към ярки и разнообразни цветови преходи. През 70-те години Стела е пленена от огромните шарки, използвани за рисуване на кораби. Художникът ги използва за огромни картини с елементи на сглобяване - той включва парчета стоманени тръби или телена мрежа в своите творби.

В ранните си интервюта Франк Стела говори откровено за значенията, вложени в работата му, или по-скоро за липсата им: „Това, което виждате, е това, което виждате“. Картината е обект сама по себе си, а не репродукция на каквото и да било. „Това е плоска повърхност с боя върху нея и нищо друго“, каза Стела.

Е, подписана от Франк Стела, тази „повърхност с боя върху нея“ може да струва милиони долари днес. За първи път в класацията на живите артисти Франк Стела попадна през 2015 г. с продажбата на Делауеър Кросинг (1961) за 13,69 милиона долара, включително комисионна.

Четири години по-късно, на 15 май 2019 г., беше поставен нов рекорд от ранната (1959) работа „Cape of Pines”: цената на чука беше над 28 милиона долара, включително комисионната. Това е една от 29-те "черни картини" - точно тези, с които Стела дебютира на първата си изложба в Ню Йорк. Възпитаникът на Принстънския университет Франк Стела тогава е на 23 години. Често не му достигаха пари за маслени бои за художници. Младият художник работеше като ремонтна работа, много харесваше чистите цветове на боята и тогава се появи идеята да работи с тази боя върху платно. С черна емайл боя Стела рисува успоредни ивици, оставяйки тънки линии от негрундирано платно между тях. При това той пише без линии, на око, без предварителна скица. Стела никога не е знаела точно колко черни линии ще се появят в дадена картина. Например, в картината „Cape of Pines“ те са 35. Заглавието на произведението се отнася до името на нос в Масачузетския залив - Point of pines. В началото на 20-ти век е имал голям увеселителен парк, а днес е един от кварталите на град Ревере.

10. YOSHITOMO NARA Нож зад гърба. 2000 г. 24,95 милиона долара

Йошитомо Нара (1959) е една от ключовите фигури на японското нео-поп изкуство. Японски - защото въпреки световната известност и дългогодишната работа в чужбина, творчеството му все още се отличава с подчертана национална идентичност. Любимите герои на Нара са момичета и кучета в стила на японската манга и аниме комикси. Изображенията, които той измисля в продължение на много години, „отидоха при хората“: те се отпечатват върху тениски, с тях се правят сувенири и различни „мерчове“. Роден в бедно семейство, далеч от столицата, той е не само обичан заради таланта си, но и ценен като човек, изградил себе си. Художникът работи бързо и експресивно. Известно е, че някои от неговите шедьоври са завършени буквално за една нощ. Картините и скулптурите на Йошитомо Нара като правило са много лаконични и дори пестеливи в изразителни средства, но винаги носят силен емоционален заряд. Тийнейджърките в Нара често гледат зрителя с нелюбезен присвити очи. В очите им - наглост, предизвикателство и агресия. В ръцете - после нож, после цигара. Има мнение, че изобразените извращения на поведението са реакция на потискащия обществен морал, различни табута и възприетите от японците принципи на образование. Почти средновековната строгост и срам вкарват проблемите навътре, създават почва за забавен емоционален взрив. „Нож зад гърба“ просто отразява една от основните идеи на художника. В тази творба има мразещ поглед на момиче и заплашително навита ръка зад гърба. До 2019 г. картините и скулптурите на Йошитомо Нара вече са преминали границата от милион или дори няколко милиона повече от веднъж. Но двадесет милиона – за първи път. Нара е един от най-известните художници, родени в Япония. И сега най-скъпият от живите. На 6 октомври 2109 г. в Sotheby's в Хонконг той взе тази титла от Такаши Мураками и значително надмина 90-годишната авангардна художничка Яйои Кусама (максималните цени на търг за нейните картини вече наближават 9 милиона долара).

11. ЗЕНГ ФАНЧЖИ Тайната вечеря. 2001 г. 23,3 милиона долара

В Сотбис Хонконг 5 октомври 2013 гплатно в годишен мащаб "Тайната вечеря"Художник от Пекин Zeng Fanzhi (1964)беше продаден за рекордната сума от 160 милиона хонконгски долара - 23,3 милиона долараСАЩ. Окончателната цена на творбата на Фанджи, написана, разбира се, под влиянието на Леонардо да Винчи, се оказа два пъти по-висока от предварителната оценка от около $10 млн. Предишният ценови рекорд на Зенг Фанжи беше $ 9,6 милионаплатена на търга на Christie's в Хонг Конг през май 2008 г. за работата Серия Маски. 1996 г. бр. 6".

„Тайната вечеря“ е най-голямата (2,2 × 4 метра) картина на Фанджи от поредицата „Маски“, обхващаща периода от 1994 до 2001 г. Цикълът е посветен на еволюцията на китайското общество под влияние на икономическите реформи. Въвеждането на елементи на пазарна икономика от правителството на КНР доведе до урбанизация и разединение на китайците. Fanzhi изобразява жителите на съвременните китайски градове, които трябва да се борят за място под слънцето. Добре познатата композиция на фреската на Леонардо в прочита на Фанджи придобива съвсем различно значение: сцената се пренася от Йерусалим в класната стая на китайско училище с типични йероглифни дъски по стените. „Христос“ и „апостоли“ се превърнаха в пионери с алени вратовръзки, а само „Юда“ носи златна вратовръзка – това е метафора на западния капитализъм, проникващ и унищожаващ обичайния начин на живот в социалистическа страна.

Творбите на Зенг Фанджъ са стилово близки до европейския експресионизъм и са също толкова драматични. Но в същото време те са пълни с китайски символи и специфики. Тази гъвкавост привлича както китайски, така и западни колекционери към работата на художника. Пряко потвърждение за това е произходът на „Тайната вечеря“: произведението беше предложено на търг от известния колекционер на китайския авангард от 80-те и началото на 90-те години на миналия век, белгийския барон Ги Уленс.

12. РОБЪРТ РЕЙМАН Мост. 1980 г. 20,6 милиона долара

На търг Christie's, 13 май 2015 габстрактна работа "мост" 85-годишен американски художник Робърт Райман(Робърт Райман) беше продаден 20,6 милиона доларакато се вземе предвид комисионната - два пъти по-скъпо от долната оценка.

Робърт Райман(1930) не осъзнава веднага, че иска да стане художник. На 23-годишна възраст той се премества в Ню Йорк от Нашвил, Тенеси, искайки да стане джаз саксофонист. Междувременно той не стана известен музикант, трябваше да печели допълнителни пари като охрана в MoMA, където се запознава със Сол Леуит и Дан Флавин. Първият е работил в музея като нощен секретар, а вторият като охранител и асансьор. Вдъхновен от творбите на абстрактни експресионисти, които е видял в MoMA - Ротко, Де Кунинг, Полок и Нюман, Робърт Райман започва да рисува през 1955 г.

Райман често е определян като минималист, но той предпочита да бъде наричан "реалист", защото не се интересува от създаване на илюзии, той само демонстрира качествата на материалите, които използва. Повечето от творбите му са рисувани с бои във всички възможни нюанси на бялото (от сивкаво или жълтеникаво до ослепително бяло) на базата на лаконична квадратна форма. По време на кариерата си Робърт Райман изпробва много материали и техники: рисува с масла, акрил, казеин, емайл, пастели, гваш и др. върху платно, стомана, плексиглас, алуминий, хартия, велпапе, винил, тапети и др. приятел, професионален реставратор, Орин Райли, го посъветва за каустичността на материалите, които смята да използва. Както един художник веднъж каза: „Никога нямам въпроси Каквопиши, най-важното - какпиши". Всичко зависи от текстурата, естеството на щрихите, границата между цветната повърхност и ръбовете на основата, както и връзката между произведението и стената. От 1975 г. специална характеристика на работата му са телата, които Райман проектира сам и умишлено ги оставя видими, подчертавайки работата си „толкова реална, колкото са истински стените, на които висят“. Райман предпочита да дава на произведенията "имена", а не "заглавия". „Името“ е това, което помага да се разграничи една работа от друга, а Райман често назовава творбите си по марки бои, фирми и т.н., а „заглавието“ претендира за някакви алюзии и дълбоко скрити значения, присъствието на които в неговия творби, които художникът редовно отрича. Нищо освен материалите и техниката няма значение.

13. Деймиън Хърст Сънлива пролет. 2002 г. 19,2 милиона долара

английски художник На Деймиън Хърст (1965)беше предопределен да бъде първият, който заема първото място в тази класация в спор с живия класик Джаспър Джонс. Вече споменатата работа "Фалстарт" може да остане непотопим лидер за дълго време, ако 21 юни 2007 гинсталация по това време 42-годишният Хърст "Сънлива пролет"(2002) не беше продаден в Sotheby's за £ 9,76 милиона, тоест за 19,2 милиона долара. Работата, между другото, има доста необичаен формат. От една страна, това е витрина с манекени хапчета (6136 хапчета), всъщност класическа инсталация. И от друга страна, тази витрина е направена плоска (дълбочина 10 см), поставена в рамка и окачена на стената като плазмен панел, като по този начин напълно осигурява комфорта на притежание, присъщ на картините. През 2002 г. сестрата на инсталацията, Sleepy Winter, беше продадена за 7,4 милиона долара, повече от половината от цената. Някой "обясни" разликата в цената с факта, че таблетите са по-избелели през зимата. Но е ясно, че това обяснение е абсолютно безпочвено, тъй като механизмът на ценообразуване на такива неща вече не е свързан с техния декоративен ефект.

През 2007 г. мнозина признаха Хърст за автор на най-скъпата творба сред живите художници. Въпросът обаче е от категорията "зависи как се брои". Факт е, че Хърст беше продаден за скъпи лири, а Джоунс за долари, които сега са паднали в цената и дори преди двадесет години. Но дори ако броим по номинална стойност, без да вземаме предвид 20-годишната инфлация, тогава работата на Хърст е била по-скъпа в долари, а тази на Джоунс в лири. Ситуацията беше гранична и всеки беше свободен да реши кой да счита за най-скъп. Но Хърст се задържа на първо място не толкова дълго. През същата 2007 г. той беше изместен от първото място от Кунс с неговото "Hanging Heart".

Точно в навечерието на глобалния спад на цените на съвременното изкуство, Хърст предприе безпрецедентно начинание за млад художник - самостоятелен търг на негови творби, който се проведе на 15 септември 2008 г. в Лондон. Новината за фалита на Lehman Brothers, обявена предишния ден, не развали апетита на любителите на съвременното изкуство: от 223 произведения, предложени от Sotheby's, само пет не намериха нови собственици (един от купувачите, между другото, беше Виктор Пинчук ). работа "Златен Телец"- огромно изображение на бик във формалдехид, увенчано със златен диск, - донесено £10,3 милиона ($18,6 милиона). Това е най-добрият резултат на Хърст, ако се измерва в лири (във валутата, в която е направена сделката). Ние обаче се класираме по отношение на долари, така че (да ни прости Златният телец) ще приемем, че най-добрата продажба на Хърст е Sleepy Spring.

От 2008 г. Хърст не е имал продажби на Sleepy Spring и Golden Calf. Свежите записи от 2010 г. - за работата на Рихтер, Джоунс, Фанжи, Уол и Кунс - преместиха Деймиън на шестата линия на нашия рейтинг. Но нека не даваме категорична преценка за упадъка на епохата на Хърст. Според анализаторите, Хърст като "суперзвезда" вече е влязъл в историята, което означава, че те ще го купуват за много дълго време; но най-голяма стойност в бъдещето се предвижда за произведения, създадени в най-новаторския период от кариерата му, тоест през 90-те години.

14. Маурицио Кателан Него. 2001 г. 17,19 милиона долара

Италианецът Маурицио Кателан (1960) идва в изкуството след работа като охранител, готвач, градинар и дизайнер на мебели. Самоукият автор стана световно известен със своите иронични скулптури и инсталации. Пуснал е метеорит върху папата, превърнал е жената на клиент в ловен трофей, пробил е дупка в пода на музей на старите майстори, вдигнал е огромен среден пръст на борсата в Милано, довел е живо магаре на панаира Frieze . В близко бъдеще Кателан обещава да постави златна тоалетна в музея Гугенхайм. В крайна сметка лудориите на Маурицио Кателан бяха широко признати в света на изкуството: той е поканен на Венецианското биенале (инсталацията "Други" през 2011 г. - стадо от две хиляди гълъби, които гледат заплашително от всички тръби и греди към тълпите посетители минавайки по-долу), организира ретроспектива в музея Гугенхайм в Ню Йорк (ноември 2011 г.) и накрая се плащат големи пари за неговите скулптури.

От 2010 г. най-скъпата работа на Маурицио Кателан е восъчна скулптура на човек, надничащ от дупка в пода, външно подобен на самия художник („Без заглавие“, 2001 г.). Тази скулптурна инсталация, която съществува в размер на три копия плюс копие на автора, беше показана за първи път в музея Boijmans van Beuningen в Ротердам. Тогава този палав герой погледна от дупка в пода на залата с картини на холандски художници от 18-ти и 19-ти век. Маурицио Кателан в тази творба се свързва с дързък престъпник, който нахлува в свещеното пространство на музейната зала с картини на велики майстори. Така той иска да лиши изкуството от ореола на святост, който му придават музейните стени. Творбата, за излагането на която всеки път трябва да правите дупки в пода, беше продадена за 7,922 милиона долара в Sotheby's.

Рекордът остана до 8 май 2016 г., когато още по-провокативната творба на Кателан Той, изобразяваща коленичил Хитлер, беше продадена за $17,189 млн. Нещата са странни. Името е странно. Изборът на герои е рискован. Както всичко останало с Cattelan. Какво означава Той? „Неговото“ или „Негово адско величество“? Ясно е, че категорично не говорим за възпяване на образа на фюрера. В това произведение Хитлер се появява по-скоро в безпомощен, жалък вид. И абсурдно - въплъщението на Сатаната е направено с размерите на дете, облечено в ученически костюм и коленичило със смирено изражение на лицето. За Кателан този образ е покана за размисъл върху природата на абсолютното зло и начин да се отървем от страховете. Между другото, скулптурата „Той“ е добре позната на западната публика. Нейните братя от поредицата са били излагани повече от 10 пъти във водещи музеи по света, включително Център Помпиду и Музеят на Соломон Гугенхайм.

15. MARC GROTJAN Untitled (S III, издаден във Франция, лице 43.14). 2011. 16,8 милиона долара

На 17 май 2017 г. една от най-въздействащите картини на Марк Гротян, предлагани някога на търг, се появи на вечерния търг на Christie's в Ню Йорк. Картината „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“ беше изложена от парижкия колекционер Патрик Сегуин с оценка от 13-16 милиона долара и тъй като продажбата на партидата беше гарантирана от трета страна, никой не беше особено изненадан чрез установяването на нов личен рекорд на търга от 49-годишния художник. Цената на чука от 14,75 милиона долара (16,8 милиона долара с премията за купувача) надмина предишния рекорд на Гротджан на търг с повече от 10 милиона долара, поставяйки го в клуба на живите художници, чиито творби се продават за осемцифрени суми. Седемцифрени същите резултати (продажби над $1 милион, но не повече от $10 милиона) в аукционната касичка Марк Гротян за около тридесет.

Марк Гротян (1968), в чиято работа експертите виждат влиянието на модернизма, абстрактния минимализъм, поп и оп изкуството, стига до корпоративната си идентичност в средата на 90-те години, след като се премества с приятеля си Брент Питърсън в Лос Анджелис и отваря галерия там "Стая 702". Както самият художник си спомня, по това време той започва да мисли какво е на първо място за него в изкуството. Търсеше мотива, с който да експериментира. И разбрах, че той винаги се е интересувал от линия и цвят. Експериментите в духа на rayonism и минимализма с линейна перспектива, множество изчезващи точки и многоцветни абстрактни триъгълни форми в крайна сметка донесоха на Grotjan световна слава.

От абстрактни, цветни пейзажи с множество хоризонти и изчезващи точки, той стигна до триъгълни форми, напомнящи крила на пеперуда. Картини на Гротян 2001–2007 Наричат ​​го "Пеперуди". Днес преместването на точката на изчезване или използването на няколко точки на изчезване наведнъж, разположени една от друга в пространството, се смята за една от най-мощните техники на художника.

Следващата голяма поредица от творби се нарича "Лица"; в абстрактните линии на тази серия могат да се познаят чертите на човешко лице, опростено до състоянието на маска в духа на Матис, Явленски или Бранкузи. Говорейки за крайното опростяване и стилизиране на формите, за композиционното решение на картините, когато разпръснатите контури на очите и устата сякаш ни гледат от гъсталака, изследователите отбелязват връзката на Лицата на Гротян с изкуството на примитивното племена от Африка и Океания, докато самият художник просто „харесва изображението с очи, гледащи от джунглата. Понякога си представях лицата на павиани или маймуни. Не мога да кажа, че бях съзнателно или подсъзнателно повлиян от примитивното африканско изкуство, по-скоро бях повлиян от художници, които бяха повлияни от него. Пикасо е най-очевидният пример."

Творбите от поредицата "Лица" се наричат ​​брутални и елегантни, приятни за окото и приятни за ума. С течение на времето текстурата на тези произведения също се променя: за да създаде ефекта на вътрешно пространство, художникът използва широки щрихи плътна боя, дори пръски в стил Полок, но повърхността на картината е изравнена, така че при по-внимателно разглеждане изглежда напълно плосък. Рекордната на търга картина Untitled (S III Released to France Face 43.14) принадлежи към тази известна поредица на Марк Гротян.

16. ТАКАШИ МУРАКАМИ Моят самотен каубой. 15,16 милиона долара

японски Такаши Мураками (1962)влезе в нашата класация със скулптура "Моят самотен каубой", продаден на Sotheby's през май 2008 г. за $ 15,16 милиона. С тази продажба Такаши Мураками дълго време беше смятан за най-успешния жив азиатски художник - докато не беше засенчен от продажбата на Тайната вечеря от Зенг Фанджи.

Такаши Мураками работи като художник, скулптор, моден дизайнер и аниматор. Мураками искаше да вземе нещо наистина японско като основа на своята работа, без западни или други заеми. В студентските си години той е очарован от традиционното японско изкуство нихонга, по-късно то е заменено от популярното изкуство аниме и манга. Така се ражда психеделичният Mr DOB, мотиви от усмихнати цветя и ярки, лъскави скулптури от фибростъкло, сякаш току-що са излезли от страниците на японските комикси. Някои смятат изкуството на Мураками за бързо хранене и въплъщение на вулгарността, други наричат ​​художника японския Анди Уорхол - а в редиците на последния, както виждаме, има много много богати хора.

Мураками заимства името на своята скулптура от „Самотните каубои“ (1968) на Анди Уорхол, който японците, както сам признава, никога не са гледали, но комбинацията от думи много му харесва. Мураками с една скулптура зарадва феновете на еротичните японски комикси и им се присмя. Увеличен по размер, а освен това и триизмерен, аниме героят се превръща във фетиш на масовата култура. Това артистично изявление е съвсем в духа на класическия западен поп арт (спомнете си комплекта мебели на Алън Джоунс или Розовата пантера на Кунс), но с национален привкус.

17. KAWS. Албум KAWS. 2005 г. 14 784 505 долара

KAWS е псевдонимът на американския артист Brian Donelly от Ню Джърси. Той е най-младият участник в нашата класация, роден през 1974 г. Донели започва като аниматор в Disney (рисува фонове за анимационния филм "101 далматинци" и други). Интересувам се от графити от малък. Първоначално характерният му дизайн беше череп с "Х" на мястото на очните кухини. Работата на младия писател е обичана от хора от шоубизнеса и хора от модната индустрия: той направи корицата на албума на Kanye West, издаде колаборации за Nike, Comme des Garçons и Uniqlo. С течение на времето KAWS се превърна в добре позната фигура в света на съвременното изкуство. Фирмената му статуетка на Мики Маус намери своето място в музеи, обществени пространства и частни колекции. Веднъж KAWS пусна ограничено издание на винилова играчка с марката My Plastic Heart и те изведнъж станаха обект на голям колекционерски интерес. Един от страстните колекционери на тези "играчки" е основателят на Black Star, рапърът Timati: той почти напълно събра цялата поредица от "Cavs Companions".

Работата на KAWS постави рекорд за творчество на художник - 14,7 милиона долара - на търг на Sotheby's в Хонконг на 1 април 2019 г. Беше в колекцията на японския моден дизайнер Ниго. Metre canvas Албумът KAWS е почит към обложката на известния албум на The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" от 1967 г. Само че вместо хора има Kimpsons - стилизирани герои от анимационния сериал Simpsons с "X" вместо очи.

18. ДЖИН ШАН Таджикска булка. 1983 г. 13,89 милиона долара

Сред сравнително младите и съвременни китайски художници, които всички принадлежат към така наречената „нова вълна“ от края на 80-те години на миналия век в китайското изкуство, нашият рейтинг съвсем неочаквано включва представител на съвсем различно поколение и различна школа. Джин Шан (Jin Shangyi), който вече е над 80, принадлежи към ярките представители на първото поколение художници в комунистически Китай. Възгледите на тази група творци се формират до голяма степен под влиянието на най-близкия комунистически съюзник – СССР.

Официалното съветско изкуство, социалистическият реализъм, маслената живопис, която все още беше необичайна за Китай (за разлика от традиционната китайска живопис с мастило) през 50-те години, бяха на върха на популярността си и съветският художник Константин дойде в Пекинския художествен университет за три години ( от 1954 до 1957 г.) за преподаване на Методиевич Максимов. Джин Шани, който по това време беше най-младият в групата, влезе в неговия клас. Художникът винаги си спомняше своя учител с голяма топлина, казвайки, че Максимов го е научил правилно да разбира и изобразява модела. К. М. Максимов възпита цяла плеяда китайски реалисти, сега класици.

В творчеството на Джин Шан се усеща влиянието както на съветския "суров стил", така и на европейската живописна школа. Художникът посвети много време на изучаването на наследството на Ренесанса и класицизма, като смяташе за необходимо да запази китайския дух в творбите си. Картината "Таджикска булка", нарисувана през 1983 г., се счита за всеобщо признат шедьовър, нов крайъгълен камък в творчеството на Джин Шан. Именно тя беше изложена на търг на China Guardian през ноември 2013 г. и продадена няколко пъти по-скъпо от оценката - за 13,89 милиона долара, включително комисионна.

19. BANKSY The Decayed Parliament. 2008 г. 12,14 милиона долара

Стенописи с надпис Banksy започнаха да се появяват по стените на градове (първо в Обединеното кралство, а след това и по света) в края на 90-те години. Неговите философски и в същото време остри графити са посветени на проблемите на държавната атака срещу свободите на гражданите, престъпленията срещу околната среда, безотговорното потребление и нехуманността на системата за нелегална миграция. С течение на времето "упреците" на стената на Банкси придобиха безпрецедентна медийна популярност. Всъщност той се превърна в един от основните говорители на общественото мнение, осъждащо лицемерието на държавите и корпорациите, създаващи нарастваща несправедливост в капиталистическата система.

Значението на Банкси, усещането за "нерва на времето" и точността на неговите метафори бяха оценени не само от публиката, но и от колекционерите. През 2010 г. стотици хиляди или дори повече от милион долара бяха дадени за неговите творби. Стигна се дотам, че графитите на Банкси бяха разбити и откраднати заедно с парчета от стени.

В ерата на напреднало цифрово наблюдение Банкси все още успява да остане анонимен. Има версия, че това вече не е един човек, а група от няколко художници, начело с талантлива жена. Това би обяснило много. И външното различие на писателите, уловени в обективите на камерите на свидетели, и безличният метод на нанасяне на шаблон (дава висока скорост и не изисква прякото участие на автора), и трогателният романтизъм на темите на картините (топки, снежинки и др.). Както и да е, хората от проекта Banksy, включително неговите помощници, знаят как да си държат устата затворена.

През 2019 г. най-скъпата творба на Банкси неочаквано стана четириметровото платно Devolved Parliament („деградирал“, „разпаднал“ или „делегиран“ парламент). Шимпанзетата, спорещи в Камарата на общините, сякаш се подиграват на публиката в годината на скандалния Брекзит. Изненадващо е, че картината е нарисувана 10 години преди тази историческа повратна точка и затова някой я смята за пророческа. На търг на Sotheby's на 3 октомври 2019 г. неизвестен купувач купи маслото за 12 143 000 долара в ожесточено наддаване - шест пъти над цената на предварителната оценка.

20. ДЖОН КЪРЪН "Сладко и просто." 1999 г. 12,007 милиона долара

американски художник Джон Къран (1962)известен със своите сатирични фигуративни картини на провокативни сексуални и социални теми. Работата на Curren успява да съчетае техниките на рисуване на старите майстори (особено Лукас Кранах Стари и маниеристите) и модната фотография от лъскавите списания. Постигайки по-голяма гротеска, Карен често изкривява пропорциите на човешкото тяло, увеличава или намалява отделните му части, изобразява герои в разчупени, маниерни пози.

Curren започва през 1989 г. с портрети на момичета, прерисувани от училищен албум; продължава в началото на 90-те със снимки на едрогърди красавици, вдъхновени от снимки от Cosmopolitan и Playboy; през 1992 г. се появяват портрети на богати възрастни дами; и през 1994 г. Curren се жени за скулптора Rachel Feinstein, която се превръща в негова основна муза и модел в продължение на много години. До края на 90-те години техническата мощ на Кърин, съчетана с кича и гротескността на картините му, му донасят популярност. През 2003 г. Лари Гагосян пое промотирането на художника и ако такъв дилър като Гагосян се заеме с автора, успехът е гарантиран. През 2004 г. в музея на Уитни се проведе ретроспекция на Джон Кърън.

По това време творбите му започват да се продават за шестцифрени суми. Настоящият рекорд за картина на Джон Кърън принадлежи на „Сладко и просто“, продадена на 15 ноември 2016 г. в Christie's за 12 милиона долара. Сега над 50, това определено е пробив в кариерата. Предишният му рекорд през 2008 г. беше 5,5 милиона долара (платени, между другото, за същата работа „Сладко и просто“).

21. БРИС МАРДЪН Присъствали. 1996–1999 10,917 милиона долара

Друг жив американски абстрактен художник в нашата класация е Брайс Мардън (1938). Творбите на Марден в стила на минимализма, а от края на 80-те години - жестова живопис, се отличават с уникална авторска, леко приглушена палитра. Цветовите комбинации в творбите на Марден са вдъхновени от пътуванията му по света – Гърция, Индия, Тайланд, Шри Ланка. Сред авторите, повлияли върху формирането на Мардън, са Джаксън Полок (в началото на 60-те Мардън работи като охранител в Еврейския музей, където лично наблюдава „капките” на Полок), Алберто Джакомети (запознава се с работата му в Париж) и Робърт Раушенберг (известно време Мардън работи като негов асистент). Първият етап от работата на Марден е посветен на класически минималистични платна, състоящи се от цветни правоъгълни блокове (хоризонтални или вертикални). За разлика от много други минималисти, които търсят идеалното качество на произведенията, сякаш са отпечатани от машина, а не нарисувани от човек, Марден запазва следи от работата на художника, комбинирайки различни материали (восък и маслени бои). От средата на 80-те години на миналия век, под влиянието на ориенталската калиграфия, геометричната абстракция е заменена от меандърови линии, чийто фон са същите монохромни цветни полета. Една от тези "криволичещи" творби - "The Attended" - беше продадена на Sotheby's през ноември 2013 г. за 10,917 милиона долара, включително комисионна.

22. Пиер Сулаж Картина 186 x 143 cm, 23 декември 1959 г. 10,6 милиона долара

23. ДЖАН СЯОГАН Вечна любов. 10,2 милиона долара

Друг представител на китайското съвременно изкуство е символист и сюрреалист Джан Сяоган (1958). В Сотбис Хонконг 3 април 2011 г, където се продаваше китайският авангард от колекцията на белгийския барон Гай Уленс, триптих на Джан Сяоган "Вечна любов"беше продаден за $ 10,2 милиона. По това време това е рекорд не само за художника, но и за цялото китайско съвременно изкуство. Твърди се, че творбата на Сяоган е била закупена от съпругата на милиардера Уанг Вей, която е на път да отвори собствен музей.

Джан Сяоган, който е любител на мистицизма и източната философия, е написал историята на „Вечната любов” в три части – живот, смърт и прераждане. Този триптих беше включен в емблематичната изложба Китай/Авангард от 1989 г. в Националния художествен музей. Също през 1989 г. студентските демонстрации бяха брутално потушени на площад Тянанмън от военните. След това трагично събитие винтовете започват да се затягат - изложбата в Народния музей е разпръсната, много художници емигрират. В отговор на наложения отгоре социалистически реализъм възниква едно направление на циничния реализъм, един от основните представители на което е Джан Сяоган.

24. БРЮС НАУМАН Безпомощен Хенри Мур. 1967 г. 9,9 милиона долара

американски Брус Науман (1941), носител на главната награда на 48-ото Венецианско биенале (1999), отдавна е в рекорда си. Науман започва кариерата си през шейсетте години. Познавачите го наричат, наред с Анди Уорхол и Йозеф Бойс, една от най-влиятелните фигури в изкуството от втората половина на ХХ век. Но богатата интелектуалност и абсолютната недекоративност на някои от творбите му очевидно са попречили на бързото му признание и успех сред широката публика. Науман често експериментира с езика, откривайки неочаквани значения на познати фрази. Думите стават централни герои на много от неговите творби, включително неонови псевдо-знаци и пана. Самият Науман нарича себе си скулптор, въпреки че през последните четиридесет години се е опитал в напълно различни жанрове - скулптура, фотография, видео изкуство, пърформанси, графики. В началото на 90-те години на миналия век Лари Гагосян изрича пророческите думи: „Истинската стойност на работата на Науман все още не е осъзната“. И така се случи: 17 май 2001 гв Christie's от Науман през 1967 г „Безпомощен Хенри Мур (изглед отзад)“(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) постави нов рекорд в сегмента на следвоенното изкуство. Отливка от ръцете на Науман, вързани на гърба, направена от гипс и восък, отиде под чука за $ 9,9 милионав колекцията на френския магнат Франсоа Пино (според други източници, американката Филис Ватис). Оценката на работата беше само $2-3 милиона, така че резултатът беше истинска изненада за всички.

Преди тази легендарна продажба само две от творбите на Науман са преминали границата от един милион долара. А в цялата му досегашна аукционна кариера само шест произведения, освен „Хенри Мур...“, са отишли ​​за седемцифрени суми, но резултатите им все още не могат да се мерят с девет милиона.

„Безпомощният Хенри Мур“ е една от поредицата полемични творби на Науман за фигурата на Хенри Мур (1898–1986), британски художник, смятан за един от най-големите скулптори на 20-ти век през 60-те години. Млади автори, попаднали в сянката на признат майстор, тогава го нападнаха с яростни критики. Работата на Науман е отговор на тази критика и в същото време размисъл върху темата за творчеството. Заглавието на творбата се превръща в каламбур, тъй като свързва две значения на английската дума bound – обвързан (в буквалния смисъл) и обречен на определена съдба.

внимание! Всички материали на сайта и базата данни с резултати от търгове на сайта, включително илюстрирана справочна информация за произведения, продадени на търгове, са предназначени за използване единствено в съответствие с чл. 1274 от Гражданския кодекс на Руската федерация. Използването за търговски цели или в нарушение на правилата, установени от Гражданския кодекс на Руската федерация, не е разрешено. сайтът не носи отговорност за съдържанието на материали, предоставени от трети лица. В случай на нарушаване на правата на трети лица, администрацията на сайта си запазва правото да ги премахне от сайта и от базата данни въз основа на искане на оторизирания орган.

Големите международни аукциони все повече включват съвременни руски художници в своите търгове на следвоенно и съвременно изкуство. През февруари 2007 г. Sotheby's проведе първия и почти сензационен специализиран търг на руско съвременно изкуство, който донесе 22 аукционни рекорда. Artguide реши да разбере кой от нашите съвременни художници е събрал най-големите суми на международни аукциони и, след като състави топ 10 на най-скъпите живи руски художници въз основа на резултатите от аукционните продажби, откри някои любопитни закономерности. Всички продажни цени са дадени според аукционните къщи, като се вземе предвид премията на купувача.

Александър Виноградов и Владимир Дубосарски. Нощен фитнес. Фрагмент. С любезното съдействие на авторите (www.dubossarskyvinogradov.com)

Разбира се, не може да има съмнение кой точно стана лидер на надпреварата: грандиозният „Бръмбар“ на Иля Кабаков, продаден през февруари 2008 г. във Phillips de Pury за почти £3 милиона, вероятно се помни от всички, които се интересуват в съвременното изкуство. Забавна детска песен, чийто текст е написан върху дървен панел с бръмбар, дори придоби замислена интонация в изкуствоведската и пазарна интерпретация: „Моят бръмбар избухва, скача, цвърчи, не иска да влезе в моята колекция” - това метафорично означава страстта на колекционер на съвременно изкуство към същата тази търговия с бръмбари. (Стихът, цитиран от Кабаков, съставен от архитект А. Масленникова, поет-любител от Воронеж, е публикуван в сборника със стихотворения за деца, броилки и гатанки „Между лято и зима“, издаден през 1976 г. от издателство „Детска литература“ и Кабаков илюстрира тази книга. Вярно, този бръмбар го нямаше в неговите черно-бели илюстрации).

Трябва да се добави, че ако не правим топ 10 на най-скъпите живи художници, а топ 10 на най-скъпите им творби, тогава картините на Кабаков ще заемат първите три места в този списък. Тоест трите най-скъпи творби на сегашния жив руски художник принадлежат на него - в допълнение към "Бръмбара", това са "Луксозна стая" през 1981 г. (Phillips de Pury, Лондон, 21 юни 2007 г., £ 2,036 милиона) и "Ваканция № 10" през 1987 г. (Phillips de Pury London, 14 април 2011 г., £1,497 млн.). На всичкото отгоре щедрият Кабаков "подари" още един рекорд на аукциона на Виенския Доротеум - преди година, на 24 ноември 2011 г., там отиде картината "В университета" за €754,8 хил., превръщайки се в най-скъпата творба на съвременника изкуство, продавано някога на този търг.

Сребърният медалист, вероятно мнозина също лесно ще назоват - това е Ерик Булатов, чието платно „Слава на КПСС“ беше продадено за рекордна сума за художника на същия търг на Phillips de Pury като „Бръмбар“ на Кабаков.

Но третото място на неконформиста Евгений Чубаров, чиято последна творба „Без заглавие“ отиде през юни 2007 г. на Phillips de Pury за £720 хиляди, може да се нарече изненада, ако не беше фактът, че няколко месеца по-рано, през февруари от това същата година Чубаров вече нашумя в Sotheby's в Лондон, на специализиран аукцион за руско съвременно изкуство, където едноименната му (или по-скоро без него) творба беше продадена за £288 000 (с горна граница). от приблизителната стойност от £60 000), не само побеждавайки предполагаемия топ лот на този търг, картината на Булатов "Революция - Перестройка" (продажна цена £198 000), но и става най-скъпата творба на живия руски художник по това време. Между другото, ето я иронията на валутните колебания: през ноември 2000 г. полиптихът на Гриша Брускин беше продаден в Ню Йорк за 424 хиляди долара, а след това в лири стерлинги беше 296,7 хиляди британски лири, а през февруари 2007 г., когато беше инсталиран Първият рекорд на Чубаров вече е само £216,6 хиляди.

Творбите на победителите на четвърто място Виталий Комар и Александър Меламид са чести и доста успешни партиди на западни аукциони, въпреки че оценките им рядко надвишават £100 000. Втората най-скъпа работа на дуото е Ялтенската конференция. Съдът на Париж "- беше продаден в Macdougall's през 2007 г. за £ 184,4 хиляди. Но трябва да се отбележи, разбира се, че картината, която им донесе четвъртото място, принадлежи към доста ранни и рядко появяващи се произведения на търгове и че беше изложена в 1976 г. на първата (и много шумна) чуждестранна изложба на Комар и Меламид в галерия Роналд Фелдман в Ню Йорк.

След Комар и Меламид, Олег Василиев и Семьон Файбисович постоянно държат висока летва на търговете. Василиев беше трети в този изключително успешен търг на Phillips de Pury през 2008 г., който донесе рекорди на Иля Кабаков и Ерик Булатов, докато Файбисович беше четвърти. Тогава картината на Василиев "Вариация на темата от корицата на списание "Огоньок"" през 1980 г. беше продадена за ₤356 хиляди при оценка от ₤120 хиляди, а Файбисович "Още един поглед към Черно море" през 1986 г. - за £300,5 хиляди с Оценка на £60 000-80 000. Произведенията на двамата художници често достигат шестцифрени суми на търг.

Вярно, не рекордните „Войници“ донесоха слава на Файбисович на търг, а картината „Красота“, продадена на Sotheby's на 12 март 2008 г. - това беше вторият търг на аукционната къща за съвременно руско изкуство, с изключение на аукцион в Москва през 1988 г. Тогава картината (другото й име е „Първи май“) отиде за £264 хил. при оценка £60-80 хил., като за нея се разигра истинска битка между купувачите. Друга картина на Файбисович „На московска улица“ на този търг надвиши оценката два пъти и беше продадена за £126 000 2011-2012.

Приблизително същото може да се каже и за Олег Целков, който е осми в топ 10. Намерил своя стил и тема преди половин век, разпознаваем и авторитетен художник, той редовно предлага на търгове своите флуоресцентни кръгли лица, които имат непрестанен успех. Втората най-скъпа картина на Целков "Петте лица" беше продадена през юни 2007 г. в MacDougall's за £223,1 хиляди, третата, "Двама с бръмбари", - през ноември същата година на същия търг (MacDougall's винаги се предлага на търг няколко Tselkov в различен ценови диапазон) за £202,4 хиляди.

Гриша Брускин има специална роля в аукционната история на руското съвременно изкуство от 1988 г. насам, от московския аукцион на Sotheby's под името Руски авангард и съветско съвременно изкуство, където неговият "Фундаментален лексикон" беше продаден за сензационните £220 хиляди , 12 пъти по-висока оценка. Приблизително същото и може би още по-сензационно се случи с полиптиха „Логии. Част I" през 2000 г. в Christie's в Ню Йорк: полиптихът е продаден за 424 000 долара, надхвърляйки горната граница на оценката 21 (!) пъти - само това може да се счита за своеобразен рекорд. Най-вероятно тази необикновена покупка се дължи не на последно място на значението на името на Брускин като герой на легендарния аукцион на Сотбис в Москва, защото нито една друга аукционна продажба на Брускин дори не се доближава до тези суми.

Цената на Оскар Рабин не се колебае, но расте стабилно и много забележимо, особено за произведенията от съветския период - всички най-скъпи творби на този майстор, продадени на търг, са рисувани в края на 50-те и началото на 70-те години. Това са (освен записа му „Социалистически град“) „Бани (Помириши одеколон „Москва“, 1966, Сотбис, Ню Йорк, 17 април 2007 г., 336 хиляди долара) и „Цигулка в гробището“ (1969, Макдугъл, Лондон , 27 ноември 2006 г., £168,46).

Челната десетка затварят представители на по-младото поколение - Александър Виноградов и Владимир Дубосарски, чиито най-скъпи картини бяха продадени във Phillips de Pury (втората най-скъпа е The Last Butterfly, 1997, Phillips de Pury, Ню Йорк, $181 000). Тези художници като цяло продължават една тенденция, която е доста ясно видима в класацията на най-скъпите картини на живи художници. Ще говорим за това малко по-надолу, но засега най-накрая ето списък на най-скъпите произведения на живи руски художници.

Топ 10 творби на живи руски художници

1. Иля Кабаков (р. 1933 г.). Буболечка. 1982 г. Дърво, емайл. 226,5 x 148,5. Търг Phillips de Pury & Company, Лондон, 28 февруари 2008 г. Оценка £1,2-1,8 милиона Продажна цена £2,93 милиона.

2. Ерик Булатов (р. 1933 г.). Слава на КПСС. 1975. Маслени бои върху платно. 229,5 x 229. Търг Phillips de Pury & Company, Лондон, 28 февруари 2008 г. Оценка £500-700 хил. Продажна цена £1,084 милиона.

3. Евгений Чубаров (р. 1934 г.). Без заглавие. 1994. Маслени бои върху платно. 300 x 200. Търг на Phillips de Pury & Company, Лондон, 22 юни 2007 г. Оценка £100-150 хил. Продажна цена £720 хил.

4. Виталий Комар (р. 1943) и Александър Меламид (р. 1945). Среща на Солженицин и Бел в дачата на Ростропович. 1972. Платно, маслени бои, колаж, златно фолио. 175 x 120. Търг на Phillips de Pury & Company, Лондон, 23 април 2010 г. Оценка £100-150 хил. Продажна цена £657,25 хил.

5. Олег Василев (р. 1931 г.). Преди залез. 1990. Маслени бои върху платно. 210 x 165. Търг на Sotheby's, Лондон, 12 март 2008 г. Оценка £200-300 хил. Продажна цена £468,5 хил.

6. Семьон Файбисович (р. 1949 г.). Войници. От поредицата "Станции". 1989. Маслени бои върху платно. 285,4 x 190,5. Търг Phillips de Pury & Company, Лондон, 13 октомври 2007 г. Оценка £40-60 хил. Продажна цена £311,2 хил.

8. Олег Целков (р. 1934 г.) Момче с балони. Платно, масло. 103,5 x 68,5. Търг MacDougall's, Лондон, 28 ноември 2008 г. Оценка £200-300 хил. Продажна цена £238,4 хил.

9. Оскар Рабин (р. 1928) Град и луна (Социалистически град). 1959. Маслени бои върху платно. 90 x 109. Търг на Sotheby's, Ню Йорк, 15 април 2008 г. Оценка $120-160 хил. Продажна цена $337 хил. (£171,4 по курса долар към паунд през април 2008 г.).

10. Александър Виноградов (р. 1963) и Владимир Дубосарски (р. 1964). Нощна тренировка. 2004. Маслени бои върху платно. 194,9 x 294,3. Търг Phillips de Pury & Company, Лондон, 22 юни 2007 г. Оценка £15-20 хил. Продажна цена £132 хил.

Известно е, че аукционните цени са нещо ирационално и по тях не може да се съди за истинската роля и значение на художника в художествения процес. Но въз основа на тях и топ лотовете може грубо да се съди за предпочитанията на колекционера. Какво са те? Не е нужно да сте експерт, за да отговорите на този въпрос. Те са очевидни. Първо, всички художници (освен може би Александър Виноградов и Владимир Дубосарски) са „живи класици“ в годините, при това много солидни. Второ, почти всички от тях поставят рекорди не от произведения от последните години, а от много по-ранни, тоест моделът „колкото по-стар, толкова по-добър“ също е уместен тук. На трето място, без изключение, всички творби от топ 10 са стативи. Четвърто, това са всички големи и много големи картини. Повече или по-малко "стандартни" в това отношение могат да се считат само "Градът и луната" на Оскар Рабин и "Момче с балони" на Олег Целков, всички останали са големи по височина (дори не по ширина) човешки ръст. И накрая, за всички тези художници темата за съветското (в частност неконформисткото) минало е актуална по един или друг начин, което в много случаи се акцентира в техните творби. Изглежда, че нашите колекционери изпитват остра носталгия по това съветско минало (общоизвестно е, че руските колекционери купуват руско изкуство на Запад).

По-млади от останалите лидери на аукционните продажби, Александър Виноградов и Владимир Дубосарски донякъде упорито се опитват да се измъкнат от десетките сурови неконформисти, но това е само на пръв поглед. Всъщност, ако си представите кой от следващото поколение след Кабаков, Булатов, Рабин, Василиев, Целкови може най-добре да отговори на горните критерии за закупуване (едроформатни стативи, преработки на съветски жанрове, мотиви и стилистика), тогава вероятно ще се оказват Виноградов и Дубосарски, достойни наследници на майсторите от предишните десетилетия. Поне ако се съди по продажбите на търг.

На снимката е картина на известния съвременен италиански художник Аурелио Бруни. Живее и работи в Умбрия. Художникът рисува в стила на хиперреализма и символизма, организира 25 самостоятелни изложби, участва в 53 колективни изложби, има 10 различни награди и награди.

Пътят към Йорк през Следмир е картина на известния съвременен британски художник Дейвид Хокни. На 21 юни 2006 г. Hockney's Splash беше продаден за £2,6 милиона. Неговата картина "Гранд Каньон", състояща се от 60 малки картини, комбинирани, за да възпроизведат една огромна картина, беше закупена от Националната галерия на Австралия за 4,6 милиона долара. Картината „Домакинята от Бевърли Хилс" беше продадена за 7,9 милиона долара в Christie's в Ню Йорк. През 2016 г. пейзажът му „Waldgate Forest" беше продаден в Sotheby's за 9,4 милиона паунда. Тази цена стана нов рекорд за Дейвид Хокни.

На снимката е картина на известния съвременен американски художник Уорън Чанг. Благодарение на майсторското предаване на светли и приглушени тонове, картините му изглеждат много реалистични, перфектно предават емоции и настроения. Повечето от неговите картини изобразяват хора, ангажирани с професионалните си дейности или ежедневни дейности. Рисува и интериорни картини. Уорън Чанг има много различни титли и награди. Живее и работи в Монтерей, Калифорния.

Картината е абстракция на съвременния известен немски художник Герхард Рихтер, който е един от най-богатите художници в света. Картината, показана на тази снимка, беше продадена в Лондон на Sotheby's за 44,52 милиона долара (30,4 милиона).

На снимката е картина на известния съвременен френски художник Мартиал Райс. През 1993 г. една от творбите му е закупена от милиардера Франсоа Пино. През 2011 г. картината на Райс „Миналата година в Капри" беше продадена за 6,58 милиона долара на търг на Christie's (на най-високата цена сред всички продадени досега творби на други живи френски художници). През 2013 г. той влезе в Топ 50 на най-скъпите живи художници.

Картина на известния съвременен канадски художник Албини Льоблан, майстор на миниатюрни градски пейзажи с палитра. Художникът живее и работи в Квебек. Негови творби могат да се видят в художествени галерии в Монреал, Торонто, Ванкувър и Квебек. Албини Льоблан организира 15 самостоятелни изложби, участва в 7 колективни изложби, има 8 различни награди и награди.

На снимката е картина на известния съвременен японски художник Томоко Кашики. Художникът организира самостоятелни изложби в Сингапур, Франция и Япония, участва в колективни изложби в Китай, САЩ, Австралия, Япония, Индонезия, Великобритания, Обединените арабски емирства и Сингапур. Нейните творби могат да се видят в публични колекции в Художествената галерия Куинсланд, Бризбейн, Австралия; в една от най-големите японски застрахователни компании - Dai-ichi Life Insurance Limited; в Музея за старо и ново изкуство, Тасмания, Австралия; в художествената колекция на Toyota.

Картина "Оцветяване" на известния съвременен украински художник Олег Тистол. Тази картина беше продадена във Phillips за 53 900 долара. Според Forbes Олег Тистол е един от тримата най-успешни артисти в Украйна. Роден е във Врадиевка, Николаевска област, живее и работи в Киев, член е на Съюза на художниците на Украйна, участва в много изложби в Украйна, Русия, Естония, Полша, САЩ, Исландия, Словения, Холандия, Швейцария , Великобритания, Дания, Бразилия, Германия, Норвегия, Франция и Италия. Олег Тистол участва в биеналето: през 1994 г. - "17 септември", 22-ро биенале в Сао Пауло; през 2001 г. - "Първият украински проект", 49-то Венецианско биенале. Негови картини са в колекции: в PinchukArtCentre, Киев, Украйна; в колекцията Norton Dodge, САЩ; в Stedelijk Museum в Амстердам, Холандия; във фондация Christoph Merian Stiftung, Базел, Швейцария; в Министерството на културата на Турция, в Анкара; в Музея за история на Москва, Русия.

На снимката е картина на известния съвременен полски художник Войчех Бабски. Художникът живее и работи в Катовице. Той е популярен не само в Полша, но и в чужбина. Войчех Бабски получи следните награди: 1-во място в номинацията "The 2016 American Art Awards" в категория поп арт картини; 1-во място в номинацията "The 2016 American Art Awards" в категория картини, коментиращи политика; 3-то място в номинацията "The 2016 American Art Awards" в категория акрилни картини; 4-то и 5-то място в номинацията "The 2016 American Art Awards" в категория експресионизъм.

На снимката е картина на известната съвременна беларуска художничка Анна Силивончик. Художничката е родена в Гомел, днес живее и работи в Минск. Силивончик Анна е член на Беларуския съюз на художниците, удостоена е с медал "Талант и призвание" на международния алианс "Миротворец", нейните творби са в Националния музей на Република Беларус, Музея за модерно изкуство в Минск, Музеят на съвременното руско изкуство в Джърси Сити (САЩ), фондовете на Гомелския дворцово-парков ансамбъл, Държавният музей-резерват Елабуга в Русия, частни колекции в Беларус, Русия, Франция, САЩ, Япония, Израел, Италия, Германия и Полша. В периода от 2001 до 2016 г. художникът организира много самостоятелни изложби в Беларус, Русия, Германия и Украйна, а също така участва в колективни изложби в Беларус, САЩ, Русия, Естония, Украйна, Латвия, Чехия, Полша, Германия, Унгария , Холандия и Казахстан.

Картина на известния съвременен турски художник Gurbuz Dogan Ekshioglu. Световноизвестният турски карикатурист и график, родом от Орду, има над 70 награди, около една трета от които са международни. Грбз Доан Екиолу участва в много колективни изложби както в Турция, така и в чужбина, има над 20 самостоятелни изложби, една от които в Ню Йорк. Негови творби се появяват в The Atlantic, The New York Times и красят кориците на списанията New Yorker и Forbes.

Картина на известния съвременен египетски художник Хосам Дирар. Художникът е роден, живее и работи в Кайро. Хосам Дирар е имал много самостоятелни изложби в страни като Бахрейн, Великобритания, Словакия, Италия, Франция, Австрия, Чехия, Унгария, Словения и Египет. Участва и в колективни изложби в Германия, Египет и Южна Африка.

На снимката е картина на известния съвременен китайски художник Дзън Фанчжи "Тайната вечеря". Тази картина през октомври 2013 г. в Хонконг в Sotheby's беше продадена за 23,3 милиона щатски долара, поставяйки нов рекорд за съвременно азиатско изкуство.По-рано, през май 2008 г., когато продажбата на азиатско съвременно изкуство се проведе в Хонконг в Christie's за първи път време , неговата картина №6 от поредицата Маска беше продадена за 75 367 500 хонконгски долара. Това беше световен рекорд за тази година за стойност на продажбите сред всички артисти.

На снимката е картина на известния съвременен гръцки художник Никос Гифтакис. Художникът е роден, живее и работи в Атина. Той е много популярен не само в Гърция, той организира самостоятелни изложби и участва в много колективни изложби в страни като Швейцария, Кипър, Германия, Италия, Белгия, Швеция, Бразилия, Русия и Гърция.

Картина на известния съвременен грузински художник Давид Попиашвили. Художникът е родом от Тбилиси, член е на Съюза на художниците на Грузия, участвал е в изложби във Франция, Германия, България, Русия и Грузия. Много от творбите му са в музеи и частни колекции в Грузия и в чужбина.

Картината е нарисувана от известния съвременен художник от ОАЕ Абдул Кадер Ал-Раис. Художникът е член-основател на Emirates Fine Arts Society и се смята за един от пионерите на съвременното изкуство в Емирствата. Негови творби могат да бъдат намерени в Emirates Palace (президентския хотел в Абу Даби), правителствени служби и в личните колекции на изкуството на кралското семейство в Дубай. Художникът участва в различни колективни изложби, а също така организира самостоятелни изложби в различни страни (Чехия, Ливан, САЩ, Германия, Кувейт, Катар, Оман, Саудитска Арабия, Сирия и Обединените арабски емирства), получи много награди.

Снимката показва картина на известния съвременен холандски художник Tjalf Sparnaay. Художникът е родом от Холандия, живее и работи в град Хилверсум, организира 14 самостоятелни изложби и участва в много колективни изложби в различни страни (САЩ, Великобритания, Белгия, Естония, Германия, Канада, Австрия и Холандия). Негови творби са в частни и обществени колекции в много страни.

Картина на известния съвременен испански художник Мигел Барсело. През 2003 г. получава наградата за изкуство на принца на Астурия, една от най-важните награди в Испания. През 2004 г. той излага в Лувъра акварелите, които е създал, за да илюстрира Божествената комедия, като става първият жив съвременен художник, който излага в музея. Художникът е в топ 30 на най-богатите артисти в света. Картините му са скъпи. Например, този, чиято снимка е представена по-горе, струва 244 398 USD.

Картината е нарисувана от известния съвременен швейцарски художник Урс Фишер. Роденият в Цюрих художник е в топ 50 на най-богатите артисти в света. Става известен с провокативния си подход към изкуството, но се подчинява на неговите закони; той се противопоставя на представянето на изкуството като търговска стока, въпреки че продава произведенията си на висока цена, умело взаимодействайки с пазара на изкуството и колекционерите.

На снимката е картина на известната съвременна израелска художничка Орна Бен-Шошан. Живее и работи в град Раанана, има много самостоятелни изложби и участия в колективни изложби в страни като САЩ, Италия, Великобритания, Кипър, Франция и Израел. Гледайки творбите на художника, ще бъдете очаровани от невероятния свят, в който всичко е възможно. Възползвайте се от това, за да обогатите въображението си, да разширите хоризонтите си и да се срещнете с бързо развиващ се талантлив художник.

Снимката показва картина на известния съвременен тайландски художник Дирек Кингнок, акварелист, родом от град Након Рачасима. Сега той живее и работи в град Кхон Каен. Още на 9-годишна възраст Дирек печели златния медал на Международния конкурс за детско изкуство в Япония. Участвал е в изложби във Виетнам, Китай, Турция, Италия, Русия, Южна Корея, Малайзия, Гърция, Албания и Тайланд.

Картина на известния съвременен норвежки художник Кристер Карлстад. Живее и работи в Драмен, има самостоятелни и колективни изложби в САЩ, Швеция, Норвегия.

На снимката е картина на датския съвременен художник Ян Есман. Художникът е роден, живее и работи в Дания, участва в изложби в страни като: Германия, САЩ, Дания.

Картината е нарисувана от известния съвременен шведски художник Nisse Nydej Ottenhag. Художникът, родом от малкото градче Лила Едет, е участвал в много изложби в различни страни (САЩ, Франция, Монако, Намибия и Швеция).

На снимката е картина на известната съвременна австралийска художничка Елизабет Баршам. Тя е родена, живее и работи в Тасмания и има много награди. Нейните работи често могат да бъдат намерени на корици на списания или като илюстрации към статии. Също така често се пише за това в пресата. Художникът участва в голям брой изложби и организира самостоятелни изложби в различни страни (Великобритания, Сингапур, Италия, Австралия).

Изкуството на съвременната живопис е произведения, създадени в настоящето или в близкото минало. Ще минат определен брой години и тези картини ще станат част от историята. Картините, създадени в периода от 60-те години на миналия век до наши дни, отразяват няколко области на съвременното изкуство, които могат да бъдат класифицирани като постмодернизъм. Във времето на сецесиона работата на художниците е по-широко представена, а през 70-те години на ХХ век се наблюдава промяна в социалната ориентация на живописното изкуство.

Действително изкуство

Художниците на съвременната живопис представляват преди всичко нови тенденции в изобразителното изкуство. В културната терминология съществува понятието „съвременно изкуство“, което е донякъде свързано с понятието „съвременна живопис“. Под съвременно изкуство художниците най-често разбират иновациите, когато художникът се обръща към ултрамодерни теми, независимо от тяхната ориентация. Картината може да бъде нарисувана и изобразява всяко индустриално предприятие. Или на платното има пейзажен пейзаж с житно поле, ливада, гора, но в същото време в далечината със сигурност ще бъде нарисуван комбайн. Стилът на съвременната живопис предполага социална ориентация на картината. В същото време пейзажите на съвременни художници без социални нюанси се оценяват много по-високо.

Избор на посока

От края на 90-те години съвременните художници изоставят производствените теми и пренасят работата си в мейнстрийма на чистото изобразително изкуство. Има майстори на изящен портрет, пейзажни сцени, натюрморти в стила на фламандската рисунка. И постепенно в съвременната живопис започва да се появява истинско изкуство, което по нищо не отстъпва на картините, създадени от изключителни художници от 18-ти и 19-ти век, а в някои отношения дори ги превъзхожда. Днешните майстори на четката са подпомогнати от развита техническа база, изобилие от нови инструменти, които им позволяват да отразяват напълно своите планове върху платното. Така художниците на съвременната живопис могат да творят според възможностите си. Разбира се, качеството на боите или четките е важно в процеса на рисуване, но все пак най-важното е талантът.

абстрактен експресионизъм

Съвременните художници се придържат към методи на рисуване, които позволяват използването на негеометрични щрихи, нанесени в голям брой върху голямо платно. Използват се големи четки, понякога четки за рисуване. Такава живопис трудно може да се нарече изкуство в класическия смисъл на думата, но абстракцията е продължение на сюрреализма, който се появява през 1920 г. благодарение на идеите на Андре Бретон и веднага намира много последователи като Салватор Дали, Ханс Хофман, Адолф Готлиб. В същото време съвременните художници разбират експресионизма по свой начин. Днес този жанр се различава от своя предшественик по размерите на картините, които могат да достигнат три метра дължина.

Поп изкуство

Противовесът на абстракционизма беше концептуалният нов авангард, който насърчава естетическите ценности. Съвременните художници започнаха да включват изображения на известни личности като Мао Цзедун или Мерилин Монро в своите картини. Това изкуство се нарича "поп арт" - популярно, общопризнато направление в живописта. Масовата култура замени абстракционизма и породи специален вид естетика, която по колоритен, зрелищен начин представи на публиката това, което беше на устните на всички, някои скорошни събития или образи на известни хора в различни житейски ситуации.

Основатели и последователи на поп изкуството са Анди Уорхол, Том Веселман, Питър Блейк, Рой Лихтенщайн.

Фотореализъм

Модерното изкуство е многостранно, често в него се появява нова посока, съчетаваща два или повече вида изобразително изкуство. Фотореализмът стана такава форма на себеизразяване на художника. Тази посока в живописта се появява в САЩ през 1968 г. Изобретен е от авангардния художник Луис Мейзел и жанрът е представен две години по-късно в музея на Уитни по време на изложбата „Двадесет и двама реалисти“.

Рисуването в стила на фотореализма е свързано с фотографията, движението на обекта изглежда замръзнало във времето. Художникът фотореалист събира своя образ, който ще бъде уловен в картината, с помощта на снимки. От негатив или диапозитив изображението се прехвърля върху платното чрез проекция или с помощта на мащабна мрежа. След това се създава цялостна картина с помощта на технологии за боядисване.

Разцветът на фотореализма дойде в средата на 70-те години, след това имаше спад в популярността, а в началото на 90-те жанрът се възроди отново. Почитаемите художници са работили предимно в САЩ, сред тях има много скулптори, които също са създали своите творби с помощта на проекция на изображения. Най-известните майстори на живописта, основана на фотореализма, са Ричард Естес, Чарлз Белет, Томас Блекуел, Робърт Демекис, Доналд Еди, Дуейн Хансън.

Художници фотореалисти от по-младото поколение - Рафаела Спенс, Роберто Бернарди, Киара Албертони, Тони Брунели, Оливие Романо, Бертран Мениел, Клайв Хед.

Модерни художници на Русия

• Сергей Федулов (роден през 1958 г.), роден в Невинномисск, Ставрополски край. Участва в няколко изложби в Латинска Америка и Европа. Картините му се отличават с реализъм и контрастни цветови комбинации.
• Михаил Голубев (р. 1981 г.), завършва художествения клас на Омското училище по живопис. В момента живее в Санкт Петербург. Той се отличава с необичаен начин на творчество, всички негови творби са рефлексия с дълбоки философски нюанси.
• Дмитрий Аненков (р. 1965 г.) в Москва. Завършва Строгановския художествен институт. Популярен в чужбина, но предпочита руски изложби. Изкуството на Аненков е реалистично, художникът е признат майстор на натюрморта.

Руски импресионисти

• Алексей Чернигин, руски художник импресионист (роден през 1975 г.), е син на известния художник Александър Чернигин. Учи живопис и графичен дизайн в художественото училище в Нижни Новгород. Завършва Архитектурния институт в Нижни Новгород със специалност „Дизайн в промишлеността“. Член на Съюза на художниците на Русия от 1998 г. От 2001 г. е преподавател в НГАСУ към катедра Интериорен дизайн.
• Константин Лупанов, краснодарски художник (р. 1977 г.). Завършил Индустриалната академия към Държавния университет за култура и изкуства със специалност монументална живопис. Участник в много художествени изложби в и Санкт Петербург. Отличава се с рядък стил на маслена живопис с въртеливи щрихи. Картините на Лупанов са напълно лишени от контрастни комбинации от цветове, изображенията сякаш преливат едно в друго. Самият художник нарича творбите си "весела, безотговорна мазнина", но това изявление съдържа част от кокетството: картините всъщност са написани доста професионално.

Руски художници рисуват в гол стил

• Сергей Маршенников (роден през 1971 г.), един от най-известните съвременни руски художници. Завършва колеж по изкуства в Уфа. Картините му са пример за крещящ реализъм. Творбите създават усещане за художествена фотография, композицията е толкова точна и всеки щрих е изверен. Съпругата на художника Наталия най-често действа като модел и това му помага да създаде чувствена картина.
• Вера Василиевна Донская-Хилко (родена 1964 г.), внучка на известния оперен певец Лаврентий Дмитриевич Донской. Най-яркият представител на съвременната руска живопис. Рисува в стила на обекта голо. В творческата палитра на художника можете да намерите красавици от източния харем и голи селски момичета на брега на реката в нощта на празника Иван Купала, руска баня с горещи жени, които излизат в снега и плуват в дупката. Художникът рисува много и с талант.

Съвременните руски художници и тяхното творчество представляват все по-голям интерес за ценителите на изобразителното изкуство по целия свят.

Модерната живопис като световно изкуство

Днес визуалните изкуства са приели форми, различни от онези, които са били търсени през 18-ти и 19-ти век. Съвременните художници по света се обърнаха към авангарда в по-тясна интерпретация, платната придобиха изтънченост и станаха по-смислени. Обществото днес има нужда от обновено изкуство, нуждата обхваща всички видове творчество, включително и живописта. Картини на съвременни художници, ако са направени на достатъчно високо ниво, се изкупуват, стават обект на пазарлък или размяна. Някои платна са включени в списъците на особено ценни произведения на изкуството. Картините от миналото, рисувани от велики художници, все още са търсени, но съвременните художници набират все по-голяма популярност. Маслени, темперни, акварелни и други бои им помагат в творчеството и успешното осъществяване на плановете им. Художниците, като правило, се придържат към един стил. Може да бъде пейзаж, портрет, бойни сцени или друг жанр. Съответно за работата си художникът избира определен вид боя.

Съвременни художници по света

Най-известните съвременни художници се различават по начина на писане, четката им е разпознаваема, понякога дори не е нужно да гледате подписа в долната част на платното. Известни майстори на съвременната живопис - Филип Пърлщайн, Александър Исачев, Франсис Бейкън, Станислав Плутенко, Питър Блейк, Фройд Люсиен, Майкъл Паркс, Гай Джонсън, Ерик Фишл, Николай Блохин, Василий Шулженко.

Мнозина смятат, че в 21 век не са останали художници. В действителност обаче това не е така. И в наше време има много талантливи и известни художници, чиито творби се показват на изложби, които печелят големи пари. По-долу е даден списък на 20-те най-известни и добре печелили артисти, които се занимават активно с творчество не само в Русия.

Руският художник Александър Иванов, роден през 1962 г., е най-известен с работата си, озаглавена „Любов“, която е нарисувана през 1996 г. и е продадена за почти 100 000 рубли. Стилът му е абстракционизъм. Той също е бизнесмен, занимава се с колекционерска дейност, откри музея на Фаберже в Германия, в Баден-Баден.

Олга Булгакова е една от малкото талантливи и известни художници в Русия, родена през 1951 г., член-кореспондент на Руската академия на изкуствата. Представител на такова движение на живописта от ерата на Брежнев, което се нарича "карнавал". Най-известната й творба е „Сънят на червената птица“, написана през 1988 г.

Руският художник Михаил Брусиловски, който работи под псевдонима Миша Шаевич, е включен в този рейтинг и заема 18-то място. Този световно известен художник

Талантливият руски художник Лев Табенкин е роден през 1952 г. в руската столица Москва. Този художник гледа на картината като скулптор. Усещането, че написаните му герои са изляти от глина. Една от най-известните картини на Лео е "Джаз оркестър", нарисувана през 2004 г. Той беше продаден за 117 650 рубли.

Проектът AES + F се състои от четирима души, всъщност името се състои от началните букви на имената на участниците: Татяна Арзамасова, Лев Евзович, Евгений Святски, Владимир Фриднес. Творчеството на тази компания се характеризира с много добро представяне още през 90-те години и е оценено едва през 2000-те. Сега в по-голямата си част те създават големи анимирани стенописи, които се излъчват на десетки екрани. Едно от най-известните произведения на тази компания: "Warrior 4".

Руският художник Сергей Волков е роден в Петрозаводск през 1956 г. Неговите творби се характеризират с това, че създават в периода на перестройката. Картините са написани много изразително, където се забелязват много обмислени изявления и идеология. Най-известната му картина е Двойно виждане. Триптих“.

Художниците Александър Виноградов и Владимир Дубосарски са родени в Москва през 1963 и 1964 г. Те започват да работят заедно през 1994 г., като се срещат на фестивала, създавайки необичаен и грандиозен проект. Оригиналният проект е спечелил уважението на много колекционери. Техни картини висят на известни места като Третяковската галерия, Руския музей и дори Центъра Помпиду. Самите те са създатели на галерия Art-Strelka и организатори на фестивала Art-Klyazma.

Руският художник Владимир Янкилевски също влезе в списъка на най-високоплатените и известни артисти. Той е роден в Москва през 1938 г. Бащата на Владимир също е бил художник, а синът му е наследил професията му. Владимир работи в стила на сюрреализма - изкуство с парадоксални комбинации. Още през 1970 г. той рисува една от най-известните картини, наречена Триптих 10. Анатомия на душата II.

Художникът Владимир Немухин е роден през 1925 г. в малкото село Прилуки, разположено в района на Москва. Участвал е в много чуждестранни изложби в Европа. През 90-те години живее и развива дейност в Германия, но през 2005 г. се мести в Русия. Неговата работа се характеризира с триизмерна композиция, наличие на контрарелеф и различни напречни мотиви, например тесте карти.

Художник с необичайно име, син на испански политически емигрант, е роден в малкото село Василиевка в Самарска област през 1943 г. Той беше организатор на групата на художниците "Арго", член на Московския съюз на художниците. Също така Франсиско беше награден с държавна награда за постижения в областта на изобразителното изкуство. Художникът развива активна творческа дейност както в Русия, така и в чужбина.

Художникът Александър Меламед беше един от членовете на много известния творчески дует Комаров-Меламед, но той се разпадна през 2003 г., след което започнаха да работят отделно. Резиденция от 1978 г. е Ню Йорк. Той написа повечето от известните творби заедно с Виталий Комар, заедно създадоха движението Соц Арт и бяха организатори на изложбата Булдозер.

Този руски художник, известен като един от основателите на московския концептуализъм, е роден в Москва през 1937 г., където завършва Полиграфическия институт. Според самия Виктор Пивоваров първата му творба е написана на петгодишна възраст. Представител е и на "неофициалното" изкуство. Негови картини се намират в едни от най-известните и големи изложбени центрове: Руския музей, Третяковската галерия, Музея на Пушкин им. А. С. Пушкин.

Този художник е роден през 1934 г. в Тбилиси. Той е един от най-ярките представители на монументалната живопис. Зураб е известен със своята работа под формата на паметник на Петър I, който се намира в Москва, както и паметник, който се намира пред сградата на ООН в Ню Йорк. Зураб е президент на Руската художествена академия, която управлява собствен музей-галерия. Творенията на този художник са известни не само в Русия, но и в целия свят.

Руският художник Оскар Рабин е известен с това, че е организатор на изложбата "Булдор" през 1974 г., а четири години по-късно е лишен от съветско гражданство. Той стана популярен и като един от първите художници, занимаващи се с частна продажба на картини в Съветския съюз. В момента постоянното му местоживеене и работа е Париж. Негови картини се намират в големи музеи и изложбени центрове: Московския музей за модерно изкуство, Третяковската галерия, Руския музей и др.

Руският художник Олег Целков е известен като художник, който започва основното творческо движение през 60-те години на 20 век, показвайки много груби и остри черти в своите картини, включително в изобразяването на хора, които приличат на глинени фигури. От 1977 г. Олег продължава творческия си път в Париж. Неговите картини се намират в такива изложбени центрове: Руския музей, Третяковската галерия, Ермитажа. Една от най-известните картини е "Момче с балони", написана през 1954 г.

Роден в Москва през 1934 г., руският художник Григорий Брускин, или Гриша, е член на Съюза на художниците от 1969 г. Най-голямата си слава той придоби благодарение на големия аукцион на Sotheby's, където продаде творбата си под името "Фундаментален лексикон" на най-високата цена, която беше рекордна. В момента живее и работи в Ню Йорк и Москва, поради което го наричат ​​още американски художник.

Този руски художник се отличава с това, че показва точно реалистични неща. Истинската му творческа дейност започва от момента, когато през 1985 г., излагайки се в Малая Грузинская, той печели вниманието и признанието на колекционери от Ню Йорк. Оттогава творбите му са излагани в много европейски страни, намират се в изложбени центрове в Америка, Германия и Полша. Сега живее и развива творческа дейност в Москва.

Този дует, уви, продължи до 2003 г., но имаше огромен успех. Двамата руски художници станаха известни чрез създаването на движението Соц Арт, което е разклонение на неофициалното изкуство. Това беше своеобразен отговор на създаването на поп арт на Запад. Платна с произведения на тези художници са в големи музеи, включително Лувъра.

Руският художник е известен с това, че успява да комбинира както живопис, така и текст в работата си, по-късно тя започва да се нарича Соц Арт. През съветския период той е популярен като илюстратор на детски книги. Известно време живее в Ню Йорк, след това в Париж. Той е първият художник, организирал изложба в Центъра Помпиду. Творческите му творби се намират в Третяковската галерия, Руския музей, Центъра Помпиду.

Този най-талантлив руски художник, който работи в тандем със съпругата си Емилия, може да се счита за главния художник на страната, основател на московския концептуализъм. Той е роден в Днепропетровск през 1933 г., но от 1988 г. Ню Йорк става негово място на пребиваване. Негови творби могат да се видят в Ермитажа, Третяковската галерия и Руския музей. Иля получи наградата на японския император, а две от творбите му, озаглавени "Бръмбар" и "Лукс", са най-скъпите картини.