История. Френски импресионизъм: обща характеристика, основни майстори Художествени принципи на импресионизма

Посоката на I. се развива във Франция през последните. трета на 19 век - рано 20-ти век и премина през 3 стъпки:

1860-70-те - началото на I.

1874-80 - зрял I.

90-те години на 19 век - късно аз.

Името на посоката I. идва от името на картината на К. Моне „Импресия. Изгряващото слънце, написана през 1872 г.

Произход:работата на "малките" холандци (Вермеер), Е. Дьолакроа, Г. Курбе, Ф. Миле, К. Коро, художниците от училището в Барбизон - всички те се опитаха да уловят най-фините настроения на природата, атмосферата, изпълнявайки малки скици сред природата.

Японска гравюра, изложба на която се проведе в Париж през 1867 г., където за първи път бяха показани цели серии от изображения на един и същ обект в различно време на годината, ден и т.н. („100 гледки към планината Фуджи“, гара Токайдо и др.)

Естетически принципиИ.:

Отхвърляне на условностите на класицизма; отхвърляне на исторически, библейски, митологични сюжети, задължителни за класицизма;

Работа на открито (с изключение на Е. Дега);

Предаване на мигновено впечатление, което включва наблюдение и изучаване на заобикалящата действителност в различни проявления;

Художници импресионисти, изразени в картини не само това, което виждат(както в реализма) но как виждат(субективен принцип);

Импресионистите, като художници на града, се опитват да го уловят в цялото му многообразие, динамика, бързина, разнообразие от дрехи, реклами, движение (C. Monet “Булевард де Капуцини в Париж”;

Импресионистичната живопис се характеризира с демократични мотиви, които утвърждават красотата на ежедневието; парцели - това е модерен град, със своите забавления: кафенета, театри, ресторанти, циркове (Е. Мане, О. Реноар, Е. Дега). Важно е да се отбележи поетичността на мотивите на изображението;

Нови форми на рисуване: рамкиране, скициране, етюд, малки размери на произведения, за да се подчертае мимолетността на впечатлението, нарушавайки целостта на обектите;

Сюжетът на импресионистичните картини не е основен и типичен, както в реалистичното направление на 19 век, а произволен (не представление, репетиция - Е. Дега: балетна серия);

- "смес от жанрове": пейзаж, битов жанр, портрет и натюрморт (Е. Мане - "Бар във Фоли-Бержер";

Моментално изображение на един и същ обект в различно време на годината, ден (C. Monet - „Купи сено“, „Тополи“, поредица от изображения на катедралата в Руан, водни лилии и др.)

Създаването на нова изобразителна система за запазване на свежестта на мигновеното впечатление: разлагане на сложни тонове в чисти цветове - отделни щрихи от чист цвят, които се сливат в окото на зрителя с ярка цветова гама. Картината на импресионистите е разнообразие от запетаи-щрихи, което придава треперене и релеф на боядисания слой;

Специалната роля на водата в нейния образ: водата като огледало, трептяща цветна среда (C. Monet "Скали в Belle-Ile").

От 1874 до 1886 г. импресионистите провеждат 8 изложби; след 1886 г. импресионизмът започва да се разлага като цялостна тенденция на неоимпресионизъм и постимпресионизъм.

Представители на френския импресионизъм: Едуард Мане, Клод Моне - основателят на I., Огюст Реноар, Едгар Дега, Алфред Сислей, Камил Писаро.

Характеризира се руският импресионизъм:

По-ускорено развитие на импресионизма в неговата "чиста форма", т.к. тази тенденция в руската живопис се появява в края на 80-те години на 19 век;

Голямо удължаване във времето (И. се появява като стилистично оцветяване в произведенията на големи руски художници: В. Серов, К. Коровин)

Голяма съзерцателност и лиризъм, "селски вариант" (в сравнение с "градския" френски): И. Грабар - "Февруарско синьо", "Мартенски сняг", "Септемврийски сняг";

Изобразяване на чисто руски теми (В. Серов, И. Грабар);

По-голям интерес към човек (В. Серов "Момиче, осветено от слънцето" "Момиче с праскови";

По-малко динамизиране на възприятието;

Романтично оцветяване.

Импресионизмът е едно от най-известните движения във френската живопис, ако не и най-известното. И възниква в края на 60-те и началото на 70-те години на XIX век и до голяма степен повлиява по-нататъшното развитие на изкуството от онова време.

Импресионизъм в живописта

Самото име импресионизъм” е измислен от френски изкуствовед на име Луи Лероа след посещение на първата изложба на импресионистите през 1874 г., където той критикува картината на Клод Моне „Импресия: Изгряващо слънце” („впечатление” на френски звучи като „импресия”).

Клод Моне, Камий Писаро, Едгар Дега, Пиер Огюст Реноар, Фредерик Базил са основните представители на импресионизма.

Импресионизмът в живописта се характеризира с бързи, спонтанни и свободни щрихи. Водещият принцип беше реалистично изображение на светлинно-въздушната среда.

Импресионистите се стремят да уловят мимолетни моменти върху платно. Ако точно в този момент обектът изглежда в неестествен цвят поради определен ъгъл на падане на светлината или нейното отразяване, тогава художникът го изобразява по този начин: например, ако слънцето боядисва повърхността на езерце в розово, тогава ще бъде изписано в розово.

Характеристики на импресионизма

Говорейки за основните характеристики на импресионизма, трябва да посочим следното:

• незабавен и оптически точен образ на мимолетен момент;
• извършване на цялата работа на открито - без повече подготвителни скици и довършителни работи в ателието;

• използването на чист цвят върху платното, без предварително смесване върху палитрата;
• използването на пръски от ярка боя, щрихи с различни размери и степен на размах, които визуално добавят към една картина само когато се гледат от разстояние.

Руски импресионизъм

Еталонният портрет в този стил се счита за един от шедьоврите на руската живопис - "Момиче с праскови" на Александър Серов, за когото импресионизмът обаче се превърна в просто период на страст. Руският импресионизъм също включва произведения, написани в края на 19-ти и началото на 20-ти век от Константин Коровин, Абрам Архипов, Филип Малявин, Игор Грабар и други художници.

Тази принадлежност е доста условна, тъй като руският и класическият френски импресионизъм имат свои специфики. Руският импресионизъм беше по-близо до материалността, обективността на произведенията, гравитира към художественото значение, докато френският импресионизъм, както беше споменато по-горе, просто се стремеше да изобрази моменти от живота, без ненужна философия.

Всъщност руският импресионизъм възприе от френския само външната страна на стила, методите на неговото рисуване, но не усвои самото изобразително мислене, заложено в импресионизма.

Съвременният импресионизъм продължава традициите на класическия френски импресионизъм. В съвременната живопис на XXI век много художници работят в тази посока, например Лоран Парселие, Карън Тарлтън, Даяна Леонард и др.

Шедьоври в стила на импресионизма

„Тераса в Сент-Адрес“ (1867), Клод Моне

Тази картина може да се нарече първият шедьовър на Моне. Това все още е най-популярната ранна импресионистична картина. И тук има любима тема на художничката – цветята и морето. Платното изобразява няколко души, релаксиращи на тераса в слънчев ден. На столовете, с гръб към публиката, са изобразени роднините на самия Моне.

Цялата картина е залята от ярка слънчева светлина. Разделени са ясни граници между земята, небето и морето, подреждайки композицията вертикално с помощта на два пилона, но композицията няма ясен център. Цветовете на знамената са съчетани със заобикалящата природа, подчертавайки разнообразието и богатството на цветовете.

„Бал в Мулен дьо ла Галет“ (1876), Пиер-Огюст Реноар

Тази картина изобразява типичен неделен следобед в Париж от 19-ти век в Moulin de la Galette, кафене с открит дансинг, кръстено на вятърната мелница наблизо, емблематична за Монмартър. Къщата на Реноар се намираше до това кафене; посещаваше неделните следобедни танци и обичаше да гледа щастливи двойки.

Реноар проявява истински талант и съчетава изкуството на груповия портрет, натюрморта и пейзажа в една картина. Използването на светлина в тази композиция и плавността на щрихите най-добре представят стила пред широка публика. импресионизъм. Тази картина се превърна в една от най-скъпите картини, продавани някога на търг.

Булевард Монмартър през нощта (1897), Камий Писаро

Въпреки че Писаро е известен със своите картини от селския живот, той също рисува голям брой красиви градски сцени от 19-ти век в Париж. Той обичаше да рисува града заради играта на светлината през деня и вечерта, заради пътищата, осветени както от слънчева светлина, така и от улични лампи.

През 1897 г. той наема стая на булевард Монмартър и го рисува по различно време на деня и тази работа е единствената работа в поредицата, заснета след падането на нощта. Платното е изпълнено с наситено сини и ярко жълти петна от градски светлини. Във всички снимки от цикъла "таблоид" основното ядро ​​на композицията е пътят, който отива в далечината.

Сега картината е в Националната галерия в Лондон, но по време на живота на Писаро тя никога не е излагана никъде.

Можете да гледате видео за историята и условията на творчество на основните представители на импресионизма тук:

Импресионизъм (фр. импресионизъм, от впечатление- впечатление) - тенденция в изкуството от последната третина на 19-ти - началото на 20-ти век, която произхожда от Франция и след това се разпространява в целия свят, чиито представители се стремят да разработят методи и техники, които позволяват най-естественото и ярко улавяне на реалния свят в неговата подвижност и изменчивост, за да предадат своите мимолетни впечатления. Обикновено терминът "импресионизъм" се отнася до посока в живописта (но това е преди всичко група от методи), въпреки че неговите идеи са въплътени и в литературата и музиката, където импресионизмът също се появява в определен набор от методи и техники за създаване на литературни и музикални произведения, в които авторите се стремят да предадат живота в чувствена, директна форма, като отражение на техните впечатления

Задачата на художника по това време е най-правдоподобното изображение на реалността, без да показва субективните чувства на художника. Ако му беше поръчан официален портрет, тогава беше необходимо да се покаже клиентът в благоприятна светлина: без деформации, глупави изражения на лицето и т.н. Ако беше религиозна история, тогава беше необходимо да предизвика чувство на благоговение и учудване. Ако пейзажът - тогава покажете красотата на природата. Въпреки това, ако художникът презираше богатия човек, който поръча портрета, или беше невярващ, тогава нямаше избор и всичко, което оставаше, беше да развие своя собствена уникална техника и да се надява на късмет. Въпреки това през втората половина на деветнадесети век фотографията започва активно да се развива и реалистичната живопис започва постепенно да се отдалечава, тъй като дори тогава е изключително трудно да се предаде реалността толкова правдоподобно, колкото във фотографията.

В много отношения с появата на импресионистите стана ясно, че изкуството може да бъде ценно като субективно представяне на автора. В крайна сметка всеки човек възприема реалността по различен начин и реагира на нея по свой начин. Още по-интересно е да видим как реалността се отразява в очите на различните хора и какви емоции изпитват в същото време.

Художникът има невероятни възможности за себеизразяване. Освен това самото себеизразяване стана много по-свободно: вземете нестандартен сюжет, тема, разкажете нещо различно от религиозни или исторически теми, използвайте своя собствена уникална техника и т.н. Например, импресионистите искаха да изразят мимолетно впечатление, първата емоция. Затова работата им е неясна и сякаш недовършена. Това беше направено, за да се покаже моментално впечатление, когато обектите все още не са се оформили в ума и се виждат само леки преливания на светлина, полутонове и размазани контури. Хората с късогледство ще ме разберат) представете си, че все още не сте видели целия обект, виждате го отдалеч или просто не надничате, но вече създавате някакво впечатление за него. Ако се опитате да изобразите това, тогава е вероятно да получите нещо като импресионистични картини. Нещо като скица. Затова се оказва, че за импресионистите е по-важно не какво е изобразено, а как.

Основните представители на този жанр в живописта са: Моне, Мане, Сисли, Дега, Реноар, Сезан. Отделно трябва да се отбележи Umlyam Turner като техен предшественик.

Говорейки за сюжета:

Техните картини представят само положителните аспекти на живота, без да засягат социални проблеми, включително глад, болести, смърт. Това по-късно води до разцепление сред самите импресионисти.

Цветови схеми

Импресионистите обърнаха голямо внимание на цвета, като принципно отказаха мрачните нюанси, особено черното. Подобно внимание към цвета на тяхната работа постави самия цвят на много важно място в картината и подтикна бъдещите поколения художници и дизайнери да обърнат внимание на цвета като такъв.

Състав

Композицията на импресионистите приличаше на японската живопис, те използваха сложни композиционни схеми, други канони (не златното сечение или центъра). Като цяло структурата на картината става все по-често асиметрична, по-сложна и интересна от тази гледна точка.

Композицията на импресионистите започва да има по-самостоятелно значение, тя се превръща в един от предметите на живописта, за разлика от класическата, където по-често (но не винаги) изпълнява ролята на схема, според която всяко произведение е построена. В края на 19 век става ясно, че това е задънена улица, а самата композиция може да носи определени емоции и да поддържа сюжета на картината.

Предтечи

Ел Греко - защото е използвал подобни техники при боядисване и цветът е придобил символно значение от него. Той се отличава и с много оригинален маниер, индивидуалност, към която се стремят и импресионистите.

Японска гравюра - защото придоби голяма популярност в Европа от онези години и показа, че една картина може да бъде изградена по напълно различни правила от класическите канони на европейското изкуство. Това се отнася за композицията, използването на цвят, детайлите и т.н. Освен това в японските и като цяло ориенталски рисунки и гравюри много по-често се изобразяват битови сцени, което почти липсваше в европейското изкуство.

Значение

Импресионистите оставят ярка следа в световното изкуство, развивайки уникални техники за рисуване и оказвайки огромно влияние върху всички следващи поколения художници със своите ярки и запомнящи се произведения, протест срещу класическата школа и уникална работа с цвета.Стремеж към максимална непосредственост и точност в пренасяйки видимия свят, те започват да рисуват предимно на открито и издигат значението на изследване от природата, което почти измества традиционния тип живопис, внимателно и бавно създавана в ателието.

Последователно избистряйки своята палитра, импресионистите освобождават живописта от земни и кафяви лакове и бои. Условното, "музейно" черно в техните платна отстъпва място на безкрайно разнообразна игра на рефлекси и цветни сенки. Те неизмеримо разширяват възможностите на изобразителното изкуство, разкривайки не само света на слънцето, светлината и въздуха, но и красотата на лондонските мъгли, неспокойната атмосфера на живота на големия град, разпръскването на нощните му светлини и ритъма на непрестанно движение.

По силата на самия метод на работа на открито, пейзажът, включително откритият от тях градски пейзаж, заема много важно място в изкуството на импресионистите. Не бива обаче да се приема, че тяхната живопис се характеризира само с "пейзажно" възприемане на реалността, за което често са били упреквани. Тематичният и сюжетен диапазон на тяхната работа беше доста широк. Интересът към човека и по-специално към съвременния живот на Франция беше присъщ на редица представители на това течение в широк смисъл. Неговият жизнеутвърждаващ, в основата си демократичен патос ясно се противопоставяше на буржоазния световен ред.

В същото време импресионизмът и, както ще видим по-късно, постимпресионизмът са две страни или по-точно два последователни времеви етапа на онази фундаментална промяна, която маркира границата между изкуството на модерното и модерното време. В този смисъл импресионизмът, от една страна, завършва развитието на всичко след ренесансовото изкуство, чийто водещ принцип е отразяването на околния свят във визуално достоверни форми на самата реалност, а от друга страна, той е началото на най-големия преврат в историята на изобразителното изкуство след Ренесанса, поставил основите на качествено ново изкуство.

изкуство на ХХ век.

Импресионизмът представлява цяла епоха във френското изкуство през втората половина на 19 век. Героят на импресионистичните картини беше лек, а задачата на художниците беше да отворят очите на хората за красотата на света около тях. Светлината и цветът могат да бъдат предадени най-добре с бързи, малки, обемни щрихи. Импресионистичната визия е подготвена от цялата еволюция на художественото съзнание, когато движението започва да се разбира не само като движение в пространството, но и като обща променливост на заобикалящата реалност.

Импресионизъм - (фр. импресионизъм, от импресия - впечатление), течение в изкуството от последната третина на 19 - началото на 20 век. Тя се оформя във френската живопис в края на 1860-те - началото на 70-те години. Името „импресионизъм“ възниква след изложбата от 1874 г., на която е изложена картината на К. Моне „Импресия. Изгряващо слънце". По времето на зрелостта на импресионизма (70-те - първата половина на 80-те) той е представен от група художници (Моне, О. Реноар, Е. Дега, К. Писаро, А. Сисли, Б. Моризо и др. .), обединени за борба за обновяване на изкуството и преодоляване на официалния салонен академизъм и организират за тази цел 8 изложби през 1874-86 г. Един от създателите на импресионизма е Е. Мане, който не е част от тази група, но през 60-те и началото на 70-те години. който се изявява с жанрови произведения, в които преосмисля композиционните и изобразителни техники на майсторите от 16-18 век. във връзка със съвременния живот, както и сцени от Гражданската война от 1861-65 г. в САЩ, екзекуцията на парижките комунари, придавайки им остър политически фокус.

Импресионистите изобразяват околния свят във вечно движение, преход от едно състояние към друго. Те започват да рисуват серия от картини, като искат да покажат как един и същ мотив се променя в зависимост от времето на деня, осветлението, метеорологичните условия и т.н. и "Лондонски парламент", 1903-04, К. Моне). Художниците са намерили начини да отразят в картините движението на облаците (А. Сисли. „Луан в Сен Мам“, 1882), играта на отблясъците на слънчевата светлина (О. Реноар. „Люлка“, 1876), поривите на вятъра (C. Monet. „Тераса в Sainte-Adresse“, 1866), струи дъжд (G. Caillebotte. „Jer. Effect of rain“, 1875), падащ сняг (C. Pissarro. „Opera passage. Snow effect“, 1898 г.), бързо бягане на коне (E. Manet "Races at Longchamp", 1865 г.).

Сега, когато разгорещеният дебат за значението и ролята на импресионизма е нещо от миналото, едва ли някой ще се осмели да оспори, че импресионистичното движение е следваща стъпка в развитието на европейската реалистична живопис. „Импресионизмът е преди всичко изкуството за наблюдение на реалността, което е достигнало безпрецедентна финес.“

Стремейки се към максимална непосредственост и точност в предаването на заобикалящия свят, те започват да рисуват предимно на открито и издигат значението на етюда от натура, който почти измества традиционния тип живопис, внимателно и бавно създавана в ателието.

Импресионистите показаха красотата на реалния свят, в който всеки момент е уникален. Последователно избистряйки своята палитра, импресионистите освобождават живописта от земни и кафяви лакове и бои. Условното, "музейно" черно в техните платна отстъпва място на безкрайно разнообразна игра на рефлекси и цветни сенки. Те неизмеримо разширяват възможностите на изобразителното изкуство, разкривайки не само света на слънцето, светлината и въздуха, но и красотата на лондонските мъгли, неспокойната атмосфера на живота на големия град, разпръскването на нощните му светлини и ритъма на непрестанно движение.

По силата на самия метод на работа на открито, пейзажът, включително откритият от тях градски пейзаж, заема много важно място в изкуството на импресионистите.

Не бива обаче да се приема, че живописта на импресионистите се характеризира само с „пейзажно“ възприемане на реалността, за което критиците често ги упрекват. Тематичният и сюжетен диапазон на тяхната работа беше доста широк. Интересът към човека, и по-специално към съвременния живот на Франция, в широк смисъл е присъщ на редица представители на тази посока на изкуството. Неговият жизнеутвърждаващ, в основата си демократичен патос ясно се противопоставяше на буржоазния световен ред. В това не може да не се види приемствеността на импресионизма по отношение на основната линия на развитие на френското реалистично изкуство от 19 век.

Изобразявайки пейзажи и форми с помощта на цветни точки, импресионистите поставят под въпрос солидността и материалността на околните неща. Но художникът не може да се задоволи с едно впечатление, той се нуждае от рисунка, която организира цялостна картина. В началото на средата на 1880-те години ново поколение художници импресионисти, свързани с това движение в изкуството, поставят все повече и повече нови експерименти в своята живопис, в резултат на което се увеличава броят на импресионистичните движения (разновидности), художествени групи и места за изложби на тяхната работа.

Художниците от новото направление не смесват различни цветове върху палитрата, а рисуват с чисти цветове. Поставяйки капка от една боя до друга, те често оставяха повърхността на картините грапава. Забелязано е, че много цветове стават по-ярки един до друг. Тази техника се нарича ефект на допълнителен цветен контраст.

Художниците импресионисти бяха чувствителни към най-малките промени в състоянието на времето, тъй като работеха върху природата и искаха да създадат образ на пейзаж, където мотивът, цветовете, осветлението да се слеят в единен поетичен образ на градска или селска местност. Импресионистите наблягат на цвета и светлината за сметка на модела и обема. Изчезналите ясни контури на предмети, контрасти и светлосенки бяха забравени. Те се стремят да направят картината като отворен прозорец, през който се вижда реалният свят. Този нов стил повлия на много художници от онова време.

Трябва да се отбележи, че като всяка посока в изкуството, импресионизмът има своите предимства и недостатъци.

Недостатъци на импресионизма:

Френският импресионизъм не повдига философски проблеми и дори не се опитва да проникне в цветната повърхност на ежедневието. Вместо това импресионизмът се фокусира върху повърхностността, плавността на момента, настроението, осветлението или зрителния ъгъл.

Подобно на изкуството на Ренесанса (Ренесанса), импресионизмът се основава на характеристиките и уменията за възприемане на перспектива. В същото време ренесансовата визия експлодира с доказаната субективност и относителност на човешкото възприятие, което превръща цвета и формата в автономни компоненти на образа. За импресионизма не е толкова важно какво е показано на фигурата, а как е показано.

Техните картини представят само положителните аспекти на живота, не нарушават социалните проблеми и заобикалят проблеми като глад, болести, смърт. Това по-късно води до разцепление сред самите импресионисти.

Предимства на импресионизма:

Предимствата на импресионизма като тенденция включват демокрацията. По инерция изкуството през 19 век се смята за монопол на аристократите, висшите слоеве на населението. Именно те са били основните клиенти на стенописи, паметници, именно те са били основните купувачи на картини и скулптури. Парцелите с тежкия труд на селяните, трагичните страници на нашето време, срамните аспекти на войните, бедността, социалните сътресения бяха осъдени, не одобрени, не купени. Критиката на богохулния морал на обществото в картините на Теодор Жерико, Франсоа Миле намери отговор само от поддръжници на художници и няколко експерти.

Импресионистите по този въпрос заемат доста компромиси, междинни позиции. Бяха изхвърлени библейски, литературни, митологични, исторически сюжети, присъщи на официалния академизъм. От друга страна, те горещо желаеха признание, уважение, дори награди. Показателна е дейността на Едуар Мане, който години наред търси признание и награди от официалния Салон и неговата администрация.

Вместо това се появи визия за ежедневието и модерността. Художниците често рисуват хора в движение, по време на забавление или почивка, представят си изглед към определено място в определена светлина, природата също е мотивът на тяхната работа. Те взеха теми като флирт, танци, престой в кафенета и театри, разходки с лодка, по плажовете и в градините. Съдейки по картините на импресионистите, животът е поредица от малки празници, партита, приятни забавления извън града или в приятелска среда (редица картини на Реноар, Мане и Клод Моне). Импресионистите са сред първите, които рисуват във въздуха, без да завършват работата си в ателието.

импресионизъм мане живопис

Импресионизмът е направление в живописта, възникнало във Франция през 60-те години на XIX век и до голяма степен определя развитието на изкуството през 19 век. Майсторите записват мимолетните си впечатления, стремят се да уловят реалния свят в неговата подвижност и променливост по най-естествения и безпристрастен начин. Централните фигури на това течение са Сезан, Дега, Мане, Писаро, Реноар и Сили, като приносът на всеки от тях за неговото развитие е уникален. Импресионистите се противопоставиха на конвенциите на класицизма, романтизма и академизма, утвърдиха красотата на ежедневната реалност, простите, демократични мотиви, постигнаха жива автентичност на образа, опитаха се да уловят „впечатлението“ на това, което окото вижда в определен момент. Най-типичната тема за импресионистите е пейзажът, но те засягат и много други теми в творчеството си. Дега например изобразява състезания, балерини, перачки, а Реноар изобразява очарователни жени и деца. В импресионистичните пейзажи, създадени на открито, простият, ежедневен мотив често се трансформира от всепроникваща движеща се светлина, която внася усещане за празничност в картината. В някои методи на импресионистично изграждане на композиция и пространство се забелязва влиянието на японската гравюра и отчасти на фотографията. Импресионистите са първите, които създават многостранна картина на ежедневието на съвременния град, улавяйки оригиналността на неговия пейзаж и облика на хората, които го населяват, техния бит, работа и забавления.

Моне Клод ОскарЕдин от основоположниците на импресионизма, в своите картини, художникът Моне от втората половина на 60-те години на 19 век се стреми да предаде променливостта на светлинната и въздушната среда, цветното богатство на света, като същевременно запази свежестта на първото визуално впечатление от природата. От името на пейзажа на Моне „Импресия. Изгряващо слънце“ („Impression. Soleil levant“; 1872, Musée Marmottan, Париж) е името на импресионизма. В своите пейзажни композиции („Булевард Капуцини в Париж“, 1873 г., „Скали в Етрета“, 1886 г., и двете в музея на Пушкин, Москва; „Поле с макове“, 1880 г., Държавен Ермитаж, Санкт Петербург) Моне пресъздава вибрация на светлина и въздух с помощта на малки отделни щрихи от чист цвят и допълнителни тонове на основния спектър, разчитайки на тяхното оптично подравняване в процеса на визуално възприятие. В стремежа си да улови разнообразните преходни състояния на природата по различно време на деня и при различно време, Моне създава през 1890 г. серия от картини-вариации на един сюжетен мотив (серията от платна на Руанските катедрали, Държавния музей на Пушкин на Изящни изкуства, Москва и други колекции). Късният период от творчеството на Моне се характеризира с декоративизъм, нарастващо разтваряне на обективни форми в сложни комбинации от цветни петна.

Дега ЕдгарЗапочвайки със строги исторически картини и портрети (Семейство Белели, около 1858 г.), през 1870 г. Дега се сближава с представители на импресионизма, обръща се към изобразяването на съвременния градски живот - улици, кафенета, театрални представления (площад Конкорд, около 1875 г.; "Абсент" , 1876). В много творби Дега показва характерното поведение и външен вид на хората, породени от особеностите на техния живот, разкрива механизма на професионален жест, поза, движение на човек, неговата пластична красота („Гладачници“, 1884 г.). В утвърждаването на естетическото значение на живота на хората, техните ежедневни дейности се отразява особеният хуманизъм на творчеството на Дега. Изкуството на Дега е присъщо на комбинацията от красиво, понякога фантастично и прозаично: предаване на празничния дух на театъра в много балетни сцени („Звезда“, пастел, 1878 г.). Художникът, като трезв и тънък наблюдател, същевременно улавя досадното ежедневие, което се крие зад елегантния спектакъл („Изпит по танци“, пастел, 1880 г.). Творбите на Дега, със своята строго коригирана и в същото време динамична, често асиметрична композиция, точна гъвкава рисунка, неочаквани ъгли, активно взаимодействие на фигура и пространство, съчетават привидната безпристрастност и произволност на мотива и архитектониката на картината с внимателна обмисленост и изчисление. Късните творби на Дега се открояват със своята интензивност и богатство на цветовете, които се допълват от ефектите на изкуствено осветление, уголемени, почти плоски форми и ограничението на пространството, което им придава напрегнат и драматичен характер („Сини танцьорки“, пастел). От края на 1880 г. Дега скулптурира много, постигайки изразителност в предаването на мигновено движение („Танцьорка“, бронз).

Реноар Пиер ОгюстПрез 1862-1864 г. Реноар учи в Париж в Ecole des Beaux-Arts, където се сближава с бъдещите си колеги в импресионизма Клод Моне и Алфред Сисли. Реноар работи в Париж, посещава Алжир, Италия, Испания, Холандия, Великобритания, Германия. В ранните творби на Реноар се усеща влиянието на Гюстав Курбе и творбите на младия Едуар Мане („Кръчмата на майка Антоний“, 1866 г.). В началото на 1860-те и 1870-те години Реноар преминава към рисуване на открито, органично включвайки човешки фигури в променлива светлинна и въздушна среда („Къпане в Сена“, 1869 г.). Палитрата на Реноар изсветлява, лекият динамичен удар става прозрачен и вибриращ, оцветяването е наситено със сребристо-перлени отблясъци („Ложа“, 1874 г.). Изобразявайки епизоди, изтръгнати от потока на живота, случайни житейски ситуации, Реноар предпочиташе празнични сцени от градския живот - балове, танци, разходки, сякаш се опитваше да въплъти в тях чувствената пълнота и радост от битието (Мулен дьо ла Галет, 1876). Специално място в творчеството на Реноар заемат поетични и очарователни женски образи: вътрешно различни, но външно малко подобни един на друг, те сякаш са белязани от общ печат на епохата („След вечеря“, 1879 г., „Чадъри“ ”, 1876; портрет на актрисата Жана Самари, 1878) . В изобразяването на голото тяло Реноар постига рядка изтънченост на карамфили, изградена върху комбинация от топли телесни тонове с плъзгащи се светлозеленикави и сиво-сини отражения, придаващи гладка и скучна повърхност на платното („Гола жена, седнала на дивана“ “, 1876). Забележителен колорист, Реноар често постига впечатлението за монохромна живопис с помощта на най-фините комбинации от тонове, близки по цвят („Момичета в черно“, 1883 г.). От 1880-те години Реноар все повече гравитира към класическата яснота и обобщаване на формите, чертите на декоративността и спокойната идиличност нарастват в неговата живопис („Големи къпещи се“, 1884-1887). Многобройни рисунки и офорти („Къпещи се“, 1895) на Реноар се отличават с лаконизъм, лекота и ефирност на удара.

Мане ЕдуарЗначително влияние върху формирането на Мане като художник оказа творчеството на Джорджоне, Тициан, Халс, Веласкес, Гоя, Делакроа. В произведенията от края на 1850-те и началото на 1860-те, които образуват галерия от рязко предадени човешки типове и характери, Мане съчетава реалистичната автентичност на образа с романтизацията на външния вид на модела („Лола от Валенсия“, 1862 г.) . Използвайки и преосмисляйки сюжетите и мотивите на картините на старите майстори, Мане се стреми да ги изпълни с подходящо съдържание, понякога шокиращо въвеждайки образа на модерен човек в известни класически композиции („Закуска на тревата“, „Олимпия“ - и двете 1863). През 60-те години на XIX век Едуар Мане се обръща към темите от съвременната история („Екзекуцията на император Максимилиан“, 1867), но проникновеното внимание на Мане към модерността се проявява предимно в сцени, които сякаш са изтръгнати от ежедневния поток на живота, пълен на лирическа одухотвореност и вътрешна значимост („Закуска в работилницата“, „Балкон“ - и двете 1868), както и в портрети, близки до тях по отношение на художествената инсталация (портрет на Емил Зола, 1868, портрет на Берта Моризо, 1872) . С творчеството си Едуар Мане предугажда появата, а след това става един от основоположниците на импресионизма. В края на 1860-те години Мане се сближава с Едгар Дега, Клод Моне, Огюст Реноар, преминава от скучни и плътни тонове, интензивен цвят с преобладаване на тъмни цветове към светла и свободна пленерна живопис („В лодка“, 1874 г. , Музей на изкуствата Метрополитън; „В таверната на татко Латюй, 1879 г.). Много от творбите на Мане се характеризират с импресионистична живописна свобода и фрагментарна композиция, наситена със светлина цветна вибрираща гама („Argenteuil“). В същото време Мане запазва яснотата на рисунката, сивите и черни тонове в цвета, предпочита не пейзажа, а ежедневния сюжет с подчертана социално-психологическа основа (сблъсъкът на мечтите и реалността, илюзорността на щастието в искрящ и празничен свят - в една от последните картини на Мане "Бар във Фоли Бержер", 1881-1882). През 1870-1880-те години Мане работи много в областта на портрета, разширявайки възможностите на този жанр и го превръща в своеобразно изследване на вътрешния свят на съвременника (портрет на С. Маларме, 1876), рисува пейзажи и натюрморти („Люляков букет“, 1883), действа като чертожник, майстор на офорт и литография.

Писаро Камиле повлиян от Джон Констабъл, Камил Коро, Жан Франсоа Миле. Един от водещите майстори на импресионизма, Писаро, в многобройни селски пейзажи разкри поезията и очарованието на природата на Франция с помощта на мека живописна гама, фино предаване на състоянието на светло-въздушната среда, даде на чар на свежест до най-непретенциозните мотиви („Разорана земя“, 1874; „Количка“, 1879,) . Впоследствие Писаро често се обръща към градския пейзаж („Булевард Монмартър“, 1897; „Пасаж на операта в Париж“, 1898). През втората половина на 1880-те години Писаро понякога използва техниката на рисуване на неоимпресионизма. Писаро играе една от основните роли в организирането на изложби на импресионистите. В творбите си Камий Писаро успява да избегне екстремното проявление на пленера, когато материалните обекти сякаш се разтварят в трептенето на светлината и въздушното пространство („Сняг в Лувесиен“; „Улица в Лувесиен“, 1873 г.). Много от творбите му се отличават с интерес към характерната изразителност, дори портретност, присъща на градския пейзаж („Изглед към Руан“, 1898 г.)

Сисли Алфреде повлиян от Камий Коро. Един от водещите майстори на импресионизма, Сисли рисува непретенциозни пейзажи от околностите на Париж, белязани с тънък лиризъм и издържани в свежа и сдържана светлинна гама. Пейзажите на Сисли, предаващи истинската атмосфера на Ил дьо Франс, запазват специалната прозрачност и мекота на природните феномени от всички сезони („Малък площад в Аржантьой“, 1872 г., „Наводнение в Марли“, 1876 г.; „Слана в Лувесиен“, 1873, „Краят на гората във Фонтенбло“, 1885).

Очарователните образи на природата на художника Алфред Сислей с лек нюанс на тъга пленяват с невероятен трансфер на настроението в даден момент („Брегът на Сена при Бугивал“, 1876 г.). От средата на 1880-те години в творчеството на Сисли нарастват чертите на колоритния декоративизъм.

Заключение:майсторите на импресионизма записват мимолетните си впечатления, стремят се да уловят реалния свят в неговата подвижност и променливост по най-естествения и безпристрастен начин. Е. Мане (който формално не беше член на импресионистичната група), О. Реноар, Е. Дега донесоха свежест и непосредственост на възприемането на живота в изкуството, обърнаха се към образа на мигновени ситуации, изтръгнати от потока на реалността, духовен живот на човек, образ на силни страсти, одухотворяване на природата, интерес

към националното минало, стремежът към синтетични форми на изкуството се съчетават с мотивите на световната скръб, желанието да се изследва и пресъздаде „сенчестата“, „нощната“ страна на човешката душа, с прочутата „романтична ирония“, която позволява на романтиците смело да сравняват и изравняват високо и ниско, трагично и комично, реално и фантастично. използвани фрагментарни, реални ситуации, използвани фрагментарни, на пръв поглед, небалансирани композиционни конструкции, неочаквани ъгли, гледни точки, разфасовки на фигури. През 1870-1880 г. се формира пейзажът на френския импресионизъм: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley развиват последователна пленерна система, създават в своите картини усещане за искряща слънчева светлина, богатство от цветове на природата, разтваряне на формите във вибрацията на светлината и въздуха.