Френски импресионизъм: обща характеристика, основни майстори. Художествените принципи на импресионизма Раждането на импресионизма

Има мнение, че живописта в импресионизма не заема толкова важно място. Но импресионизмът в живописта е обратното. Твърдението е много парадоксално и противоречиво. Но това е само на пръв, повърхностен поглед.

Може би, че за всичките хилядолетия на съществуване в арсенала на човечеството от художествено изобразително изкуство не се е появило нищо по-ново, революционно. Импресионизмът е във всяко модерно платно. Ясно се вижда както в кадрите на филма на известния майстор, така и сред блясъка на дамско списание. Проникна в музиката и книгите. Но едно време всичко беше различно.

Произход на импресионизма

През 1901 г. във Франция в пещерата Комбарел случайно са открити скални рисунки, най-младият от които е на 15 000 години. И това беше първият импресионизъм в живописта. Защото примитивният художник не си е поставил за цел да чете морал на зрителя. Той просто рисува живота, който го заобикаля.

И тогава този метод беше забравен за много, много години. Човечеството е измислило други и прехвърлянето на емоции чрез визуален метод е престанало да бъде актуално за него.

В някои отношения древните римляни са били близки до импресионизма. Но част от усилията им бяха покрити с пепел. И там, където Везувий не достига, идват варварите.

Живописта се запазва, но започва да илюстрира текстове, послания, послания, знания. Тя престана да бъде чувство. Превърнал се е в притча, в обяснение, в история. Вижте гоблена от Байо. Той е прекрасен и безценен. Но това не е картина. Това са седемдесет метра ленени комикси.

Живопис в импресионизма: началото

Бавно и величествено развиваща се живопис в света в продължение на хиляди години. Появиха се нови цветове и техники. Художниците научиха важността на перспективата и силата на цветното ръчно нарисувано послание върху човешкия ум. Живописта се превръща в академична наука и придобива всички черти на монументалното изкуство. Тя стана тромава, първична и умерено претенциозна. В същото време изтънчен и непоклатим, като каноничен религиозен постулат.

Религиозни притчи, литература, сценични жанрови сцени послужиха като източник на сюжети за картините. Ударите бяха малки и незабележими. Остъкляването е въведено в ранг на догма. И изкуството на рисуването в обозримо бъдеще обеща да закостенее като първобитна гора.

Животът се променяше, технологиите се развиваха бързо и само художниците продължаваха да създават първични портрети и гладки скици на селски паркове. Това състояние на нещата не устройваше всички. Но инерцията на съзнанието на обществото се преодоляваше трудно през цялото време.

Въпреки това, 19-ти век вече беше в двора, отдавна преминал втората си половина. Социалните процеси, които са отнемали векове, сега се случват пред очите на едно поколение. Индустрията, медицината, икономиката, литературата и самото общество се развиват бързо. Тогава живописта се прояви в импресионизма.

Честит Рожден ден! Импресионизмът в живописта: картини

Импресионизмът в живописта, подобно на картините, има точна датировка на своето раждане - 1863 година. И раждането му не мина без любопитство.

Центърът на световното изкуство тогава, разбира се, беше Париж. Ежегодно е домакин на големи парижки салони - световни изложби и продажби на картини. Журито, което избираше творби за салоните, беше затънало в дребни вътрешни интриги, безполезни дрязги и упорито ориентирано към сенилните вкусове на тогавашните академии. В резултат на това нови, ярки художници, чийто талант не отговаряше на закостенелите академични догми, не стигнаха до изложбата в салона. По време на подбора на участниците в изложбата през 1863 г. над 60% от заявките са отхвърлени. Това са хиляди художници. Назряваше скандал.

Император-галерия

И скандалът избухна. Невъзможността да излагат лишава огромен брой художници от препитанието и достъпа до широката публика. Сред тях са имената, известни сега на целия свят: Моне и Мане, Реноар и Писаро.

Ясно е, че това не ги устройваше. И имаше голям шум в пресата. Стига се дотам, че на 22 април 1863 г. Наполеон III посещава Парижкия салон и освен експозицията целенасочено разглежда някои от отхвърлените творби. И не намерих нищо осъдително в тях. И дори направи това изявление в пресата. Ето защо паралелно с големия Парижки салон се открива и алтернативна изложба на живопис с отхвърлени от журито на салона творби. Тя остана в историята под името „Изложба на изгнаниците“.

И така, 22 април 1863 г. може да се счита за рожден ден на цялото съвременно изкуство. Изкуство, станало независимо от литературата, музиката и религията. Нещо повече, самата живопис започва да диктува своите условия на писатели и композитори, като за първи път се освобождава от подчинени роли.

Представители на импресионизма

Когато говорим за импресионизъм, имаме предвид преди всичко импресионизма в живописта. Представителите му са многобройни и многостранни. Достатъчно е да посочим най-известните: Дега, Ренуан, Писаро, Сезан, Моризо, Лепик, Легрос, Гоген, Реноар, Тило, Форейн и много, много други. За първи път импресионистите си поставят задачата да уловят не просто статична картина от живота, а да изтръгнат чувство, емоция, вътрешно преживяване. Беше мигновено изрязване, високоскоростна снимка на вътрешния свят, емоционалния свят.

Оттук и новите контрасти и цветове, неизползвани досега в живописта. Оттук и едрите, смели щрихи и постоянното търсене на нови форми. Няма предишна яснота и гладкост. Картината е неясна и мимолетна, като настроението на човек. Това не е история. Това са чувства, които са видими за окото. Погледнете ги. Всички те са малко прекъснати по средата на изречението, малко мимолетни. Това не са картини. Това са скици, доведени до гениално съвършенство.

Появата на постимпресионизма

Революционно и новаторско за онова време беше желанието да се изведе на преден план чувство, а не застинал времеви фрагмент. И тогава оставаше само една крачка до постимпресионизма - течение в изкуството, което извеждаше на преден план не емоцията, а моделите. По-точно пренасянето от художника на неговата вътрешна, лична реалност. Това е опит да се разкаже не за външния свят, а за вътрешния, чрез начина, по който художникът вижда света. възприятие.

Импресионизмът и постимпресионизмът в живописта са много близки. А самото разделение е много условно. И двете течения са близки във времето, а самите автори, често едни и същи, като правило, преминават от един стил в друг доста свободно.

И все пак. Вижте работата на импресионистите. Леко неестествени цветове. Един познат за нас свят, но в същото време малко измислен. Ето как го е виждал художникът. Той не ни дава природа, съвременна на него. Той просто разголи малко душата си за нас. Душата на Бонар и Тулуз-Лотрек, Ван Гог и Дени, Гоген и Сьора.

Руски импресионизъм

Опитът на импресионизма, който завладя целия свят, също не остави Русия настрана. Междувременно в нашата страна, свикнала с по-премерен живот, без да разбира суматохата и стремежите на Париж, импресионизмът не можа да се отърве от академизма. Той е като птица, излетяла при излитане, но замръзнала наполовина в небето.

Импресионизмът в руската живопис не получи динамиката на френската четка. От друга страна, той придобива облечена смислова доминанта, което го превръща в ярко, донякъде изолирано явление в световното изкуство.

Импресионизмът е чувство, изразено под формата на картина. Той не възпитава, не изисква. Той твърди.

Импресионизмът служи като отправна точка за Арт Нуво и експресионизма, конструктивизма и авангарда. Цялото модерно изкуство всъщност започва своя отчет на 20 април 1863 г. Импресионистичната живопис е изкуство, родено в Париж.

Терминът „импресионизъм“ възниква с леката ръка на критика на списание Le Charivari Луи Лероа, който озаглавява фейлетона си за салона на Клетниците „Импресионистична изложба“, като взема за основа заглавието на картината на Клод Моне „Импресия. Изгряващо слънце“ (фр. Impression, soleil levant). Първоначално този термин беше донякъде пренебрежителен, показвайки съответното отношение към художници, които пишат по нов "небрежен" начин.

Импресионизъм в живописта

произход

До средата на 1880-те импресионизмът постепенно престава да съществува като единна посока и се разпада, давайки забележим тласък на еволюцията на изкуството. До началото на 20-ти век тенденцията на отдалечаване от реализма набира скорост и ново поколение художници се отвръщат от импресионизма.

Появата на името

ИМПРЕСИОНИЗЪМ(фр. импресионизъм, от впечатление - впечатление) - тенденция в изкуството от края на 1860-те - началото на 1880-те, чиято основна цел е да предаде мимолетни, променливи впечатления. Импресионизмът се основава на най-новите открития в оптиката и теорията на цвета; в това той е в унисон с духа на научния анализ, характерен за края на 19 век. Импресионизмът се проявява най-ярко в живописта, където се обръща специално внимание на предаването на цвят и светлина.

Импресионизмът се появява във Франция в края на 1860-те години. Нейни водещи представители са Клод Моне, Огюст Реноар, Камий Писаро, Берта Моризо, Алфред Сисли и Жан Фредерик Базил. Едуард Мане и Едгар Дега изложиха своите картини с тях, въпреки че стилът на техните творби не може да се нарече импресионистичен. Думата "импресионизъм" идва от името на картината на Моне. Впечатление. Изгряващо слънце(1872, Париж, Музей на Мармотан), представен на изложбата през 1874 г. Името предполага, че художникът предава само мимолетното си впечатление от пейзажа. Сега терминът "импресионизъм" се разбира повече от субективната визия на художника: като внимателно изследване на природата, предимно по отношение на цвета и осветлението. Подобна концепция е по същество противоположна на традиционното разбиране, датиращо от Ренесанса, за основната задача на живописта като предаване на формата на обектите. Целта на импресионистите беше да изобразят мигновени, така да се каже, „случайни“ ситуации и движения. Това беше улеснено от асиметрията, фрагментацията на композициите, използването на сложни ъгли и разфасовки на фигури. Картината става отделен кадър, фрагмент от движещия се свят.

Пейзажи и сцени от градския живот - може би най-характерните жанрове на импресионистичната живопис - са рисувани "en plein air", т.е. директно от живота, а не въз основа на скици и подготвителни скици. Импресионистите се взираха внимателно в природата, забелязвайки цветове и нюанси, които обикновено са невидими, като синьото в сенките. Техният артистичен метод беше да разлагат сложни тонове на съставните им чисти цветове на спектъра. Получиха се цветни сенки и чиста светлинна трепетна живопис. Импресионистите нанасят боя в отделни щрихи, понякога използвайки контрастни тонове в една област на картината, размерът на щрихите варира. Понякога, например, за да изобразят ясно небе, те бяха изгладени с четка в по-равна повърхност (но дори и в този случай беше подчертан свободен, небрежен стил на рисуване). Основната характеристика на импресионистичните картини е ефектът на живо трептене на цветове.

Камий Писаро, Алфред Сисли и Клод Моне в творчеството си предпочитат пейзажи и градски сцени. Огюст Реноар рисува хора в лоното на природата или в интериора. Творчеството му идеално илюстрира тенденцията, характерна за импресионизма, да размива границите между жанровете. Снимки като Бал в Мулен дьо ла Галет(Париж, Музей D "Орсе) или Закуска на гребци(1881, Вашингтон, галерия Филипс), са цветни спомени за радостите от живота, градски или селски.

Подобни търсения за предаване на светлинно-въздушната среда, разграждането на сложни тонове в чисти цветове на слънчевия спектър се провеждат не само във Франция. Сред импресионистите са Джеймс Уислър (Англия и САЩ), Макс Либерман, Ловис Коринт (Германия), Хоакин Сорола (Испания), К. А. Коровин, И. Е. Грабар (Русия).

Импресионизмът в скулптурата предполага живо свободно моделиране на течни меки форми, което създава сложна игра на светлина върху повърхността на материала и усещане за незавършеност. В позите моментът на движение, развитие е точно уловен; фигурите изглежда са заснети със скрита камера, както например в някои произведения на Е. Дега и О. Роден (Франция), Медардо Росо (Италия), П. П. Трубецкой (Русия).

В началото на 20в в живописта се очертаха нови тенденции, изразени в отхвърлянето на реализма и привличането към абстракцията; те накараха по-младите художници да се отвърнат от импресионизма. Импресионизмът обаче остави богато наследство: преди всичко интерес към проблемите на цвета, както и пример за смело скъсване с традицията.

Импресионизмът е направление в живописта, възникнало във Франция през 60-те години на XIX век и до голяма степен определя развитието на изкуството през 19 век. Майсторите записват мимолетните си впечатления, стремят се да уловят реалния свят в неговата подвижност и променливост по най-естествения и безпристрастен начин. Централните фигури на това течение са Сезан, Дега, Мане, Писаро, Реноар и Сили, като приносът на всеки от тях за неговото развитие е уникален. Импресионистите се противопоставиха на конвенциите на класицизма, романтизма и академизма, утвърдиха красотата на ежедневната реалност, простите, демократични мотиви, постигнаха жива автентичност на образа, опитаха се да уловят „впечатлението“ на това, което окото вижда в определен момент. Най-типичната тема за импресионистите е пейзажът, но те засягат и много други теми в творчеството си. Дега например изобразява състезания, балерини, перачки, а Реноар изобразява очарователни жени и деца. В импресионистичните пейзажи, създадени на открито, простият, ежедневен мотив често се трансформира от всепроникваща движеща се светлина, която внася усещане за празничност в картината. В някои методи на импресионистично изграждане на композиция и пространство се забелязва влиянието на японската гравюра и отчасти на фотографията. Импресионистите са първите, които създават многостранна картина на ежедневието на съвременния град, улавяйки оригиналността на неговия пейзаж и облика на хората, които го населяват, техния бит, работа и забавления.

Моне Клод ОскарЕдин от основоположниците на импресионизма, в своите картини, художникът Моне от втората половина на 60-те години на 19 век се стреми да предаде променливостта на светлинната и въздушната среда, цветното богатство на света, като същевременно запази свежестта на първото визуално впечатление от природата. От името на пейзажа на Моне „Импресия. Изгряващо слънце“ („Impression. Soleil levant“; 1872, Musée Marmottan, Париж) е името на импресионизма. В своите пейзажни композиции („Булевард Капуцини в Париж“, 1873 г., „Скали в Етрета“, 1886 г., и двете в музея на Пушкин, Москва; „Поле с макове“, 1880 г., Държавен Ермитаж, Санкт Петербург) Моне пресъздава вибрация на светлина и въздух с помощта на малки отделни щрихи от чист цвят и допълнителни тонове на основния спектър, разчитайки на тяхното оптично подравняване в процеса на визуално възприятие. В стремежа си да улови разнообразните преходни състояния на природата по различно време на деня и при различно време, Моне създава през 1890 г. серия от картини-вариации на един сюжетен мотив (серията от платна на Руанските катедрали, Държавния музей на Пушкин на Изящни изкуства, Москва и други колекции). Късният период от творчеството на Моне се характеризира с декоративизъм, нарастващо разтваряне на обективни форми в сложни комбинации от цветни петна.

Дега ЕдгарЗапочвайки със строги исторически картини и портрети (Семейство Белели, около 1858 г.), през 1870 г. Дега се сближава с представители на импресионизма, обръща се към изобразяването на съвременния градски живот - улици, кафенета, театрални представления (площад Конкорд, около 1875 г.; "Абсент" , 1876). В много творби Дега показва характерното поведение и външен вид на хората, породени от особеностите на техния живот, разкрива механизма на професионален жест, поза, движение на човек, неговата пластична красота („Гладачници“, 1884 г.). В утвърждаването на естетическото значение на живота на хората, техните ежедневни дейности се отразява особеният хуманизъм на творчеството на Дега. Изкуството на Дега е присъщо на комбинацията от красиво, понякога фантастично и прозаично: предаване на празничния дух на театъра в много балетни сцени („Звезда“, пастел, 1878 г.). Художникът, като трезв и тънък наблюдател, същевременно улавя досадното ежедневие, което се крие зад елегантния спектакъл („Изпит по танци“, пастел, 1880 г.). Творбите на Дега, със своята строго коригирана и в същото време динамична, често асиметрична композиция, точна гъвкава рисунка, неочаквани ъгли, активно взаимодействие на фигура и пространство, съчетават привидната безпристрастност и произволност на мотива и архитектониката на картината с внимателна обмисленост и изчисление. Късните творби на Дега се открояват със своята интензивност и богатство на цветовете, които се допълват от ефектите на изкуствено осветление, уголемени, почти плоски форми и ограничението на пространството, което им придава напрегнат и драматичен характер („Сини танцьорки“, пастел). От края на 1880 г. Дега скулптурира много, постигайки изразителност в предаването на мигновено движение („Танцьорка“, бронз).

Реноар Пиер ОгюстПрез 1862-1864 г. Реноар учи в Париж в Ecole des Beaux-Arts, където се сближава с бъдещите си колеги в импресионизма Клод Моне и Алфред Сисли. Реноар работи в Париж, посещава Алжир, Италия, Испания, Холандия, Великобритания, Германия. В ранните творби на Реноар се усеща влиянието на Гюстав Курбе и творбите на младия Едуар Мане („Кръчмата на майка Антоний“, 1866 г.). В началото на 1860-те и 1870-те години Реноар преминава към рисуване на открито, органично включвайки човешки фигури в променлива светлинна и въздушна среда („Къпане в Сена“, 1869 г.). Палитрата на Реноар изсветлява, лекият динамичен удар става прозрачен и вибриращ, оцветяването е наситено със сребристо-перлени отблясъци („Ложа“, 1874 г.). Изобразявайки епизоди, изтръгнати от потока на живота, случайни житейски ситуации, Реноар предпочиташе празнични сцени от градския живот - балове, танци, разходки, сякаш се опитваше да въплъти в тях чувствената пълнота и радост от битието (Мулен дьо ла Галет, 1876). Специално място в творчеството на Реноар заемат поетични и очарователни женски образи: вътрешно различни, но външно малко подобни един на друг, те сякаш са белязани от общ печат на епохата („След вечеря“, 1879 г., „Чадъри“ ”, 1876; портрет на актрисата Жана Самари, 1878) . В изобразяването на голото тяло Реноар постига рядка изтънченост на карамфили, изградена върху комбинация от топли телесни тонове с плъзгащи се светлозеленикави и сиво-сини отражения, придаващи гладка и скучна повърхност на платното („Гола жена, седнала на дивана“ “, 1876). Забележителен колорист, Реноар често постига впечатлението за монохромна живопис с помощта на най-фините комбинации от тонове, близки по цвят („Момичета в черно“, 1883 г.). От 1880-те години Реноар все повече гравитира към класическата яснота и обобщаване на формите, чертите на декоративността и спокойната идиличност нарастват в неговата живопис („Големи къпещи се“, 1884-1887). Многобройни рисунки и офорти („Къпещи се“, 1895) на Реноар се отличават с лаконизъм, лекота и ефирност на удара.

Мане ЕдуарЗначително влияние върху формирането на Мане като художник оказа творчеството на Джорджоне, Тициан, Халс, Веласкес, Гоя, Делакроа. В произведенията от края на 1850-те и началото на 1860-те, които образуват галерия от рязко предадени човешки типове и характери, Мане съчетава реалистичната автентичност на образа с романтизацията на външния вид на модела („Лола от Валенсия“, 1862 г.) . Използвайки и преосмисляйки сюжетите и мотивите на картините на старите майстори, Мане се стреми да ги изпълни с подходящо съдържание, понякога шокиращо въвеждайки образа на модерен човек в известни класически композиции („Закуска на тревата“, „Олимпия“ - и двете 1863). През 60-те години на XIX век Едуар Мане се обръща към темите от съвременната история („Екзекуцията на император Максимилиан“, 1867), но проникновеното внимание на Мане към модерността се проявява предимно в сцени, които сякаш са изтръгнати от ежедневния поток на живота, пълен на лирическа одухотвореност и вътрешна значимост („Закуска в работилницата“, „Балкон“ - и двете 1868), както и в портрети, близки до тях по отношение на художествената инсталация (портрет на Емил Зола, 1868, портрет на Берта Моризо, 1872) . С творчеството си Едуар Мане предугажда появата, а след това става един от основоположниците на импресионизма. В края на 1860-те години Мане се сближава с Едгар Дега, Клод Моне, Огюст Реноар, преминава от скучни и плътни тонове, интензивен цвят с преобладаване на тъмни цветове към светла и свободна пленерна живопис („В лодка“, 1874 г. , Музей на изкуствата Метрополитън; „В таверната на татко Латюй, 1879 г.). Много от творбите на Мане се характеризират с импресионистична живописна свобода и фрагментарна композиция, наситена със светлина цветна вибрираща гама („Argenteuil“). В същото време Мане запазва яснотата на рисунката, сивите и черни тонове в цвета, предпочита не пейзажа, а ежедневния сюжет с подчертана социално-психологическа основа (сблъсъкът на мечтите и реалността, илюзорността на щастието в искрящ и празничен свят - в една от последните картини на Мане "Бар във Фоли Бержер", 1881-1882). През 1870-1880-те години Мане работи много в областта на портрета, разширявайки възможностите на този жанр и го превръща в своеобразно изследване на вътрешния свят на съвременника (портрет на С. Маларме, 1876), рисува пейзажи и натюрморти („Люляков букет“, 1883), действа като чертожник, майстор на офорт и литография.

Писаро Камиле повлиян от Джон Констабъл, Камил Коро, Жан Франсоа Миле. Един от водещите майстори на импресионизма, Писаро, в многобройни селски пейзажи разкри поезията и очарованието на природата на Франция с помощта на мека живописна гама, фино предаване на състоянието на светло-въздушната среда, даде на чар на свежест до най-непретенциозните мотиви („Разорана земя“, 1874; „Количка“, 1879,) . Впоследствие Писаро често се обръща към градския пейзаж („Булевард Монмартър“, 1897; „Пасаж на операта в Париж“, 1898). През втората половина на 1880-те години Писаро понякога използва техниката на рисуване на неоимпресионизма. Писаро играе една от основните роли в организирането на изложби на импресионистите. В творбите си Камий Писаро успява да избегне екстремното проявление на пленера, когато материалните обекти сякаш се разтварят в трептенето на светлината и въздушното пространство („Сняг в Лувесиен“; „Улица в Лувесиен“, 1873 г.). Много от творбите му се отличават с интерес към характерната изразителност, дори портретност, присъща на градския пейзаж („Изглед към Руан“, 1898 г.)

Сисли Алфреде повлиян от Камий Коро. Един от водещите майстори на импресионизма, Сисли рисува непретенциозни пейзажи от околностите на Париж, белязани с тънък лиризъм и издържани в свежа и сдържана светлинна гама. Пейзажите на Сисли, предаващи истинската атмосфера на Ил дьо Франс, запазват специалната прозрачност и мекота на природните феномени от всички сезони („Малък площад в Аржантьой“, 1872 г., „Наводнение в Марли“, 1876 г.; „Слана в Лувесиен“, 1873, „Краят на гората във Фонтенбло“, 1885).

Очарователните образи на природата на художника Алфред Сислей с лек нюанс на тъга пленяват с невероятен трансфер на настроението в даден момент („Брегът на Сена при Бугивал“, 1876 г.). От средата на 1880-те години в творчеството на Сисли нарастват чертите на колоритния декоративизъм.

Заключение:майсторите на импресионизма записват мимолетните си впечатления, стремят се да уловят реалния свят в неговата подвижност и променливост по най-естествения и безпристрастен начин. Е. Мане (който формално не беше член на импресионистичната група), О. Реноар, Е. Дега донесоха свежест и непосредственост на възприемането на живота в изкуството, обърнаха се към образа на мигновени ситуации, изтръгнати от потока на реалността, духовен живот на човек, образ на силни страсти, одухотворяване на природата, интерес

към националното минало, стремежът към синтетични форми на изкуството се съчетават с мотивите на световната скръб, желанието да се изследва и пресъздаде „сенчестата“, „нощната“ страна на човешката душа, с прочутата „романтична ирония“, която позволява на романтиците смело да сравняват и изравняват високо и ниско, трагично и комично, реално и фантастично. използвани фрагментарни, реални ситуации, използвани фрагментарни, на пръв поглед, небалансирани композиционни конструкции, неочаквани ъгли, гледни точки, разфасовки на фигури. През 1870-1880 г. се формира пейзажът на френския импресионизъм: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley развиват последователна пленерна система, създават в своите картини усещане за искряща слънчева светлина, богатство от цветове на природата, разтваряне на формите във вибрацията на светлината и въздуха.

Посоката на I. се развива във Франция през последните. трета на 19 век - рано 20-ти век и премина през 3 стъпки:

1860-70-те - началото на I.

1874-80 - зрял I.

90-те години на 19 век - късно аз.

Името на посоката I. идва от името на картината на К. Моне „Импресия. Изгряващото слънце, написана през 1872 г.

Произход:работата на "малките" холандци (Вермеер), Е. Дьолакроа, Г. Курбе, Ф. Миле, К. Коро, художниците от училището в Барбизон - всички те се опитаха да уловят най-фините настроения на природата, атмосферата, изпълнявайки малки скици сред природата.

Японска гравюра, изложба на която се проведе в Париж през 1867 г., където за първи път бяха показани цели серии от изображения на един и същ обект в различно време на годината, ден и т.н. („100 гледки към планината Фуджи“, гара Токайдо и др.)

Естетически принципиИ.:

Отхвърляне на условностите на класицизма; отхвърляне на исторически, библейски, митологични сюжети, задължителни за класицизма;

Работа на открито (с изключение на Е. Дега);

Предаване на мигновено впечатление, което включва наблюдение и изучаване на заобикалящата действителност в различни проявления;

Художници импресионисти, изразени в картини не само това, което виждат(както в реализма) но как виждат(субективен принцип);

Импресионистите, като художници на града, се опитват да го уловят в цялото му многообразие, динамика, бързина, разнообразие от дрехи, реклами, движение (C. Monet “Булевард де Капуцини в Париж”;

Импресионистичната живопис се характеризира с демократични мотиви, които утвърждават красотата на ежедневието; парцели - това е модерен град, със своите забавления: кафенета, театри, ресторанти, циркове (Е. Мане, О. Реноар, Е. Дега). Важно е да се отбележи поетичността на мотивите на изображението;

Нови форми на рисуване: рамкиране, скициране, етюд, малки размери на произведения, за да се подчертае мимолетността на впечатлението, нарушавайки целостта на обектите;

Сюжетът на импресионистичните картини не е основен и типичен, както в реалистичното направление на 19 век, а произволен (не представление, репетиция - Е. Дега: балетна серия);

- "смес от жанрове": пейзаж, битов жанр, портрет и натюрморт (Е. Мане - "Бар във Фоли-Бержер";

Моментално изображение на един и същ обект в различно време на годината, ден (C. Monet - „Купи сено“, „Тополи“, поредица от изображения на катедралата в Руан, водни лилии и др.)

Създаването на нова изобразителна система за запазване на свежестта на мигновеното впечатление: разлагане на сложни тонове в чисти цветове - отделни щрихи от чист цвят, които се сливат в окото на зрителя с ярка цветова гама. Картината на импресионистите е разнообразие от запетаи-щрихи, което придава треперене и релеф на боядисания слой;

Специалната роля на водата в нейния образ: водата като огледало, трептяща цветна среда (C. Monet "Скали в Belle-Ile").

От 1874 до 1886 г. импресионистите провеждат 8 изложби; след 1886 г. импресионизмът започва да се разлага като цялостна тенденция на неоимпресионизъм и постимпресионизъм.

Представители на френския импресионизъм: Едуард Мане, Клод Моне - основателят на I., Огюст Реноар, Едгар Дега, Алфред Сислей, Камил Писаро.

Характеризира се руският импресионизъм:

По-ускорено развитие на импресионизма в неговата "чиста форма", т.к. тази тенденция в руската живопис се появява в края на 80-те години на 19 век;

Голямо удължаване във времето (И. се появява като стилистично оцветяване в произведенията на големи руски художници: В. Серов, К. Коровин)

Голяма съзерцателност и лиризъм, "селски вариант" (в сравнение с "градския" френски): И. Грабар - "Февруарско синьо", "Мартенски сняг", "Септемврийски сняг";

Изобразяване на чисто руски теми (В. Серов, И. Грабар);

По-голям интерес към човек (В. Серов "Момиче, осветено от слънцето" "Момиче с праскови";

По-малко динамизиране на възприятието;

Романтично оцветяване.