ภาพวาดแฟชั่นสมัยใหม่ ศิลปินรัสเซียร่วมสมัยที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักและภาพวาดของพวกเขา

โลกนี้เต็มไปด้วยผู้คนที่มีความคิดสร้างสรรค์ และทุกๆ วันมีภาพวาดใหม่หลายร้อยภาพปรากฏขึ้น เพลงใหม่ๆ ถูกเขียนขึ้น แน่นอนว่าในโลกแห่งศิลปะนั้นมีความผิดพลาดอยู่บ้าง แต่ก็มีผลงานชิ้นเอกของปรมาจารย์ตัวจริงที่น่าทึ่งมาก! เราจะแสดงให้คุณเห็นงานของพวกเขาในวันนี้

ดินสอเติมความเป็นจริง

ศิลปินภาพถ่าย Ben Heine ยังคงทำงานในโครงการของเขาต่อไป ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างภาพวาดดินสอและการถ่ายภาพ ขั้นแรก เขาวาดภาพร่างด้วยมือเปล่าด้วยดินสอบนกระดาษ จากนั้นเขาก็ถ่ายภาพภาพวาดกับพื้นหลังของวัตถุจริงและปรับแต่งภาพที่ได้ออกมาใน Photoshop โดยเพิ่มความเปรียบต่างและความอิ่มตัวของสี ผลที่ได้คือความมหัศจรรย์!

ภาพประกอบโดย Alisa Makarova

Alisa Makarova เป็นศิลปินที่มีพรสวรรค์จากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในยุคที่ภาพส่วนใหญ่ถูกสร้างขึ้นโดยใช้คอมพิวเตอร์ ความสนใจของเพื่อนร่วมชาติของเราในรูปแบบการวาดภาพแบบดั้งเดิมนั้นเป็นที่ยอมรับ หนึ่งในโครงการล่าสุดของเธอคือ "Vulpes Vulpes" อันมีค่า ซึ่งแสดงให้เห็นถึงจิ้งจอกแดงที่มีเสน่ห์ ความงามและอีกมากมาย!

แกะสลักอย่างประณีต

ศิลปินไม้ Paul Rodin และ Valerie Lou ได้ประกาศการสร้างงานแกะสลักใหม่ที่ชื่อว่า "Moth" การทำงานที่อุตสาหะและฝีมือประณีตของผู้แต่งไม่ทิ้งความเฉยเมยแม้แต่คนขี้ระแวงที่ดื้อรั้นที่สุด การแกะสลักจะถูกจัดแสดงในนิทรรศการที่จะเกิดขึ้นในบรูคลินในวันที่ 7 พฤศจิกายน

ภาพวาดปากกาลูกลื่น

อาจเป็นไปได้ว่าอย่างน้อยหนึ่งครั้งในการบรรยายแทนที่จะเขียนคำพูดของครูทุกคนก็วาดรูปต่าง ๆ ลงในสมุดบันทึก เป็นศิลปิน Sarah Esteje (Sarah Esteje) ในหมู่นักเรียนเหล่านี้ไม่เป็นที่รู้จัก แต่ความจริงที่ว่าภาพวาดของเธอด้วยปากกาลูกลื่นนั้นน่าประทับใจนั้นเป็นเรื่องจริงที่เถียงไม่ได้! Sarah เพิ่งพิสูจน์ว่าคุณไม่จำเป็นต้องมีวัสดุพิเศษใดๆ เลยเพื่อสร้างสิ่งที่น่าสนใจจริงๆ

โลกเหนือจริงของ Artem Chebokha

ศิลปินชาวรัสเซีย Artem Chebokha สร้างโลกอันน่าทึ่งที่มีเพียงทะเล ท้องฟ้า และความกลมกลืนไม่รู้จบ สำหรับผลงานใหม่ของเขา ศิลปินได้เลือกภาพบทกวี - คนพเนจรที่เดินทางผ่านสถานที่ที่ไม่รู้จักและปลาวาฬที่วนอยู่ในคลื่นเมฆ - เที่ยวบินแห่งจินตนาการของอาจารย์ผู้นี้ไร้ขีด จำกัด

จุดถ่ายภาพบุคคล

บางคนคิดเกี่ยวกับเทคนิคการลากเส้น บางคนนึกถึงความเปรียบต่างของแสงและเงา แต่ศิลปิน Pablo Jurado Ruiz วาดด้วยจุด! ศิลปินได้พัฒนาแนวคิดของประเภท pointillism ซึ่งยังคงมีอยู่ในผู้เขียนยุคนีโออิมเพรสชันนิสม์และสร้างสไตล์ของตัวเองซึ่งมีรายละเอียดทุกอย่าง การแตะบนกระดาษเป็นพันครั้งส่งผลให้ได้ภาพเหมือนจริงที่คุณเพียงแค่ต้องการดู

ภาพจากดิสเก็ต

ในยุคที่หลายสิ่งหลายอย่างและเทคโนโลยีล้าสมัยด้วยความเร็วของรถด่วนที่ผ่านไป คุณมักจะต้องกำจัดขยะที่ไม่จำเป็นออกไป อย่างไรก็ตาม เมื่อมันปรากฏออกมา ไม่ใช่ทุกอย่างที่น่าเศร้านัก และงานศิลปะสมัยใหม่ก็สามารถสร้างจากวัตถุโบราณได้ ศิลปินชาวอังกฤษ นิค เจนทรี (นิค เจนทรี) รวบรวมดิสเก็ตสี่เหลี่ยมจากเพื่อนๆ วาดภาพในขวดโหล และวาดภาพเหมือนที่น่าทึ่งบนพวกเขา มันกลับกลายเป็นว่าดีมาก!

บนขอบของความสมจริงและสถิตยศาสตร์

Harding Meyer ศิลปินชาวเบอร์ลินชอบวาดภาพเหมือน แต่เพื่อไม่ให้กลายเป็น Hyperrealist อีกคน เขาจึงตัดสินใจทดลองและสร้างชุดภาพเหมือนใกล้ความเป็นจริงและสถิตยศาสตร์ ผลงานเหล่านี้ทำให้เรามองใบหน้ามนุษย์เป็นมากกว่าแค่ "ภาพเหมือนแห้ง" โดยเน้นที่พื้นฐานของมัน นั่นคือภาพ จากการค้นหาดังกล่าว แกลเลอรีศิลปะสมัยใหม่ในมิวนิกจึงสังเกตเห็นผลงานของฮาร์ดิ้ง ซึ่งจะจัดแสดงผลงานของศิลปินในวันที่ 7 พฤศจิกายน

วาดภาพด้วยนิ้วบน iPad

ศิลปินสมัยใหม่หลายคนกำลังทดลองใช้วัสดุเพื่อสร้างภาพวาด แต่ Seikou Yamaoka ชาวญี่ปุ่นเอาชนะพวกเขาทั้งหมดโดยใช้ iPad ของเขาเป็นผ้าใบ เขาเพียงแค่ติดตั้งแอปพลิเคชั่น ArtStudio และเริ่มไม่เพียงแค่วาดรูปเท่านั้น แต่ยังสร้างผลงานศิลปะที่มีชื่อเสียงที่สุดอีกด้วย ยิ่งกว่านั้น เขาไม่ได้ทำเช่นนี้ด้วยแปรงพิเศษบางอย่าง แต่ด้วยนิ้วของเขา ซึ่งเป็นที่ชื่นชมแม้กระทั่งผู้ที่อยู่ห่างไกลจากโลกแห่งศิลปะ

ภาพวาด "ไม้"

Mandy Tsung ศิลปินช่างไม้ใช้ทุกอย่างตั้งแต่หมึกไปจนถึงชา สร้างสรรค์ภาพวาดที่ชวนหลงใหลอย่างแท้จริงซึ่งเต็มไปด้วยความหลงใหลและพลังงาน เป็นธีมหลัก เธอเลือกภาพลักษณ์ที่ลึกลับของผู้หญิงและตำแหน่งของเธอในโลกสมัยใหม่

hyperrealist

ทุกครั้งที่คุณพบผลงานของศิลปินไฮเปอร์เรียลลิสต์ คุณจะถามตัวเองโดยไม่ได้ตั้งใจว่า “ทำไมพวกเขาถึงทำทั้งหมดนี้” แต่ละคนมีคำตอบในเรื่องนี้และบางครั้งก็มีปรัชญาที่ค่อนข้างขัดแย้งกัน แต่ศิลปิน Dino Tomik กล่าวอย่างตรงไปตรงมา: "ฉันรักครอบครัวของฉันมาก" เขาวาดภาพทั้งกลางวันและกลางคืนและพยายามไม่พลาดแม้แต่รายละเอียดเดียวจากรูปเหมือนของญาติของเขา ภาพวาดดังกล่าวใช้เวลาทำงานอย่างน้อย 70 ชั่วโมง การบอกว่าผู้ปกครองมีความยินดีหมายถึงการไม่พูดอะไร

รูปทหาร

18 ตุลาคม ที่ลอนดอนแกลลอรี่ Opera Gallery ได้เปิดตัวนิทรรศการผลงานของโจ แบล็ค (โจ แบล็ค) ชื่อ "วิถีแห่งการมองเห็น" ในการสร้างภาพวาด ศิลปินไม่เพียงแต่ใช้สีเท่านั้น แต่ยังใช้วัสดุที่แปลกที่สุดด้วย เช่น สลัก ตราสัญลักษณ์ และอื่นๆ อีกมากมาย อย่างไรก็ตาม วัตถุดิบหลักคือ .... ทหารของเล่น! การจัดแสดงนิทรรศการที่น่าสนใจที่สุดคือภาพเหมือนของ Barack Obama, Margaret Thatcher และ Mao Zedong

ภาพเหมือนน้ำมันตระการตา

ศิลปินเกาหลี Lee Rim (Lee Rim) ไม่ได้มีชื่อเสียงมากนักเมื่อสองสามวันก่อน แต่ภาพวาดใหม่ของเธอ "Girls in Paint" ทำให้เกิดการตอบรับและการสะท้อนในวงกว้างในโลกศิลปะ ลีกล่าวว่า: “งานหลักของฉันคืออารมณ์ความรู้สึกของมนุษย์และสภาพจิตใจ แม้ว่าเราจะอาศัยอยู่ในสภาพแวดล้อมที่แตกต่างกัน แต่เมื่อมองไปยังวัตถุในช่วงเวลาหนึ่ง เราก็รู้สึกเหมือนเดิม" อาจเป็นเพราะเมื่อมองดูงานของเธอแล้ว ฉันอยากจะเข้าใจผู้หญิงคนนี้และสัมผัสถึงความคิดของเธอ

ศิลปะของศิลปินหนุ่มชาวรัสเซียที่แพงที่สุด (แม้กระทั่งผู้ที่ได้ยินชื่อมานานแล้ว) ยังคงเข้าถึงได้ค่อนข้างดี "ตั๋วเข้า" ไป 20 อันดับแรกจะมีราคาน้อยกว่า $ 5,000

แรงบันดาลใจสำหรับการจัดอันดับใหม่ของเราคือความอยากรู้อยากเห็นล่าสุดของผลงานที่แพงที่สุด 10 อันดับแรกของโลกโดยศิลปินอายุต่ำกว่า 33 ปี ซึ่งมาจากสองนามสกุล ไม่ต้องการชะตากรรมที่คล้ายกันสำหรับผู้เขียนของเรา เราใช้กฎดั้งเดิมของเราว่า "หนึ่งศิลปิน - หนึ่งภาพ"

นอกจากนี้ยังมีการตัดสินใจที่จะเพิ่มขีด จำกัด อายุสำหรับศิลปินรุ่นเยาว์จาก 33 ปีเป็น 35 ปี เนื่องจากเป็นยุคที่ถือเป็นเกณฑ์อย่างเป็นทางการสำหรับ "ศิลปินรุ่นเยาว์" ในการแข่งขันรางวัลและสองปีของรัสเซีย โดยเฉพาะอย่างยิ่ง 35 ปีเป็นการตัดสิทธิ์การเสนอชื่อ "คนรุ่นใหม่" ของรางวัลนวัตกรรมสำหรับการเสนอชื่อ "ศิลปินรุ่นเยาว์" ในรางวัล Kandinsky สำหรับการเข้าร่วมในมอสโกนานาชาติ Biennale สำหรับ Young Art Youngart.ru เพื่อจูงใจ ทุนการศึกษาจาก Garage CSC และอื่น ๆ อีกมากมาย โครงการอื่น ๆ สำหรับศิลปินรุ่นเยาว์ อย่างไม่เต็มใจ เราต้องกีดกันทุกคนที่เกิดก่อนปี 2522 ออกจากการจัดอันดับ

เกณฑ์การคัดเลือกต่อไป: สถานที่เกิด - สหภาพโซเวียต ดังนั้นการจัดอันดับจึงไม่เพียงรวมเอาเฉพาะเพื่อนร่วมชาติของเราในปัจจุบันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปินอื่น ๆ ในวงโคจรของศิลปะรัสเซียจากต่างประเทศใกล้หรือไกล ไม่ว่าจะเป็นยูเครน ฝรั่งเศส หรือบริเตนใหญ่ ดังนั้นอย่าปล่อยให้ชื่อแต่ละคนหลอกคุณ - นั่นคือวิธีที่มันตั้งใจไว้

และแน่นอน การให้คะแนนของเราเช่นเคย อิงจากการขายทอดตลาดสาธารณะเท่านั้น ธุรกรรมของแกลเลอรีจะไม่ถูกนำมาพิจารณา เนื่องจากเป็นเรื่องมืดที่เจ็บปวด ราคาไม่คำนึงถึงเบี้ยประกันภัยของผู้ซื้อและเสนอราคาตามสกุลเงินของการทำธุรกรรมและเป็นดอลลาร์ที่อัตราแลกเปลี่ยน ณ วันที่ขาย นี่คือสิ่งที่เราได้รับ

สิ่งที่สามารถสังเกตได้ในตอนท้าย?

ศิลปะของศิลปินรุ่นเยาว์ชาวรัสเซีย (แม้แต่ผู้ที่ได้ยินชื่อมานาน) ยังคงมีราคาไม่แพงนัก "ตั๋วเข้า" ใน 20 อันดับแรกจะมีราคาน้อยกว่า $ 5,000 และสำหรับ 8,000-10,000 ดอลลาร์นักสะสมสามารถซื้อสิ่งที่ดีที่สุดที่เรารู้จัก Tatyana Akhmetgalieva, Valery Chtak หรือ "ชาวรัสเซียฝรั่งเศส" Vitaly Rusakov ที่รู้จักกันน้อย กราฟฟิตีของหลังเพิ่งถูกนำโดยแกลเลอรี่ฝรั่งเศสไปยังมอสโกไปยัง Salon of Fine Arts ซึ่งอย่างที่พวกเขากล่าวว่าศิลปินค่อนข้างเป็นที่นิยม โดยรวมแล้ว คุณจะต้องแปลกใจว่าในการซื้องานศิลปะรุ่นเยาว์ของรัสเซียทั้ง 20 อันดับแรก นักสะสมหรือนักลงทุนที่สมมติขึ้นจะต้องใช้เงิน 218,903 ดอลลาร์ (ปรับตามเงื่อนไข "หนึ่งศิลปิน - หนึ่งภาพ")

ผู้แสวงหา "สูตรความสำเร็จ" สากลในงานศิลปะก็จะผิดหวังในครั้งนี้เช่นกัน ไม่มีรูปแบบและทิศทางที่โดดเด่นเพียงอย่างเดียวในผลงานของกลุ่มแชมป์เปี้ยน ในทางกลับกัน มีการนำเสนอแนวเพลงและแนวโน้มที่หลากหลาย จากลัทธิหลังสมัยใหม่สู่ความสมจริง ในด้านของเทคโนโลยีนั้นยังมีความหลากหลายอย่างครบถ้วน มีกราฟิกและการถ่ายภาพและผ้าและเซรามิก แต่อย่างไรก็ตาม งาน 11 จาก 20 ชิ้นเป็นภาพวาด (ผ้าใบ สีน้ำมัน หรืออะคริลิก) นี่เป็นสวัสดีสำหรับผู้ที่ทำนายความตายของภาพวาดโดยทั่วไปมานานและโดยเฉพาะในศิลปะร่วมสมัย

ดังนั้นประเภทของงานศิลปะและประเภทของงานที่มีความสำคัญอย่างยิ่งจึงไม่สำคัญ ในเวลาเดียวกัน เป็นที่ชัดเจนว่าเพื่อที่จะประสบความสำเร็จ เราต้อง "อยู่ในกระแส" - ไม่ใช่ในรัสเซีย แต่อยู่ในระดับโลก นี่คือสิ่งที่ศิลปินหนุ่มชาวรัสเซียพยายามทำ: ผลงานของพวกเขามีความทันสมัยมาก

ในการทำเช่นนี้ ในหลายกรณีพวกเขาใช้ประเด็นทางสังคมที่เฉียบแหลม ลวดลายเฉพาะที่เกี่ยวกับภาพและเทคนิคทางศิลปะ การผสมผสานประเภทและประเภทของศิลปะในจิตวิญญาณหลังสมัยใหม่ เช่นเดียวกับการวาดลายฉลุบนพื้นผิวผ้าใบ เช่น กราฟฟิตี้ หรือเทคนิคดิจิทัลในการวาดภาพ อย่างไรก็ตาม แม้จะมีลัทธิหลังสมัยใหม่และการปฐมนิเทศทางสังคมแบบเฉียบพลัน ผู้เขียนก็อย่าลืมว่างานเหล่านี้ควรเป็นที่ถูกใจและเหมาะสมกับการออกแบบตกแต่งภายในที่ทันสมัย ดังนั้น - ความเรียบเนียนและสัมผัสของความมันวาว, curties สู่ความสมจริง (photorealism) และแน่นอนว่า เมื่อพิจารณาถึงผู้ซื้อแล้ว บวกกับความจริงที่ว่า การจัดอันดับศิลปินรุ่นเยาว์ของเรายังคงสามารถทำได้โดยไม่มีภาพนู้ดหวานๆ ที่โรแมนติกซึ่งขายได้จำนวนมากในการประมูล (โชคดีที่ส่วนใหญ่อยู่ที่การประมูลภายใน) และโพสต์อย่างกระตือรือร้นมากขึ้น ในบล็อก

อีกสิ่งหนึ่งที่ดึงดูดสายตาคุณคือช่องว่างขนาดใหญ่ระหว่างผลลัพธ์ที่หนึ่งและที่สอง ศิลปะดิจิทัลเชิงนวัตกรรมที่ทำลายสถิติโดย Oleg Dou แยกออกจากอันดับที่สอง - ภาพวาดโดย Veronika Smirnova - มากถึง 20,000 ดอลลาร์ อย่างไรก็ตาม หากเราแหกกฎ "หนึ่งศิลปิน - หนึ่งภาพ" - และเอกอัครราชทูตรัสเซียของโปรแกรม Adobe Photoshop (ในเดือนเมษายน 2555 ผลงานของ Oleg Dow ขึ้นปก Photoshop เวอร์ชัน CS6) จะใช้เวลาอีกเจ็ดแห่ง คะแนนของเรากับผลงานของเขา ทำไมไม่หลิวชุนซี? แต่ดาวโจนส์ของเราอายุน้อยกว่าสองปีด้วยซ้ำ

น่าแปลกที่เกือบครึ่งหนึ่งของบันทึกใน 20 อันดับแรกของเรามาจากปี 2554-2556 นั่นคือนี่ไม่ใช่ "กรณีของอดีต" ก่อนวิกฤต แต่เป็นกระบวนการเชิงพาณิชย์ที่มีชีวิต

เป็นที่น่าสังเกตว่ามีเพียงหกผลงานจาก 20 อันดับแรกที่ได้รับคะแนนสูงในการประมูลระดับชาติของเรา - ที่ "ส่วนทองคำ" ของเคียฟและที่มอสโก VLADEY และการประมูล "หอศิลป์รัสเซีย" ส่วนที่เหลือทั้งหมดรวบรวมเงินสดจากการประมูลในต่างประเทศซึ่งส่วนใหญ่มักจะอยู่ที่ Phillips ซึ่งเป็นเจ้าของชาวรัสเซียด้วย และประเด็นที่นี่ไม่ใช่แค่ว่าไม่มีผู้เผยพระวจนะในประเทศของเขาเอง และไม่เพียงแต่ในรัสเซียการซื้อผลงานของศิลปินรุ่นเยาว์ยังคงถูกมองว่าเป็นเรื่องนอกรีต และโครงสร้างพื้นฐานของการประมูลระดับชาติที่ทำงานร่วมกับศิลปะร่วมสมัยนั้นเพิ่งจะเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้น การประมูล VLADEY เดียวกันเพิ่งจัดประมูลครั้งแรกเท่านั้นและผู้จับเวลาเก่าของตลาดประมูลมอสโกที่มีศิลปะร่วมสมัย (โดยเฉพาะศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21) ไม่ทำงาน: ผู้ชมของผู้ซื้อมีขนาดเล็กและไม่สามารถรับค่าคอมมิชชั่นที่ดีได้ ในรายการราคาไม่แพง แต่ในอนาคตอันใกล้ ช่องของศิลปะร่วมสมัยราคาไม่แพงนี้จะถูกโจมตีโดยรูปแบบการค้าอื่น ๆ - แพลตฟอร์มอิเล็กทรอนิกส์ใหม่ที่มีชื่อเสียงออฟไลน์ที่แข็งแกร่งอยู่เบื้องหลัง โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เมื่อวันก่อน โครงสร้างของ Sergei Gridchin (เจ้าของ Art residence Gridchinhall) ประกาศเปิดตัวแพลตฟอร์มอิเล็กทรอนิกส์ใหม่ Artlet.com ในเดือนกันยายน โดยมีผลงานกว่าพันชิ้นโดยศิลปินร่วมสมัยเกือบ 200 คนในทันที พวกเขาจะไม่ได้รับการให้คะแนนของเรา (ไม่มีหลักการประมูล) แต่เราทุกคนต้องไป ไม่ใช่หมากฮอส

เว็บไซต์กองบรรณาธิการ

ความสนใจ! วัสดุทั้งหมดของไซต์และฐานข้อมูลของผลการประมูลของไซต์ รวมถึงข้อมูลอ้างอิงที่แสดงเกี่ยวกับงานที่ขายในการประมูล มีวัตถุประสงค์เพื่อการใช้งานตาม Art เท่านั้น 1274 แห่งประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย ไม่อนุญาตให้ใช้เพื่อวัตถุประสงค์ทางการค้าหรือละเมิดกฎที่กำหนดโดยประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย เว็บไซต์จะไม่รับผิดชอบต่อเนื้อหาของวัสดุที่ส่งโดยบุคคลที่สาม ในกรณีที่ละเมิดสิทธิ์ของบุคคลที่สาม ผู้ดูแลเว็บไซต์ขอสงวนสิทธิ์ในการลบออกจากเว็บไซต์และจากฐานข้อมูลตามคำขอของหน่วยงานที่ได้รับอนุญาต

การจัดอันดับผลงานที่แพงที่สุดโดยศิลปินที่มีชีวิตคือสิ่งก่อสร้างที่พูดถึงบทบาทและสถานที่ของศิลปินในประวัติศาสตร์ศิลปะน้อยกว่าอายุและสุขภาพ

กฎสำหรับการรวบรวมคะแนนของเรานั้นเรียบง่าย: ประการแรก พิจารณาเฉพาะธุรกรรมกับผลงานของผู้เขียนที่มีชีวิตเท่านั้น ประการที่สอง พิจารณาเฉพาะการขายทอดตลาดเท่านั้น และประการที่สามกฎ "หนึ่งศิลปิน - หนึ่งงาน" ถูกสังเกต (หากสองบันทึกเป็นของโจนส์ในการจัดอันดับผลงานแล้วจะมีเพียงรายการที่แพงที่สุดเท่านั้นและส่วนที่เหลือจะไม่ถูกนำมาพิจารณา) การจัดอันดับจะดำเนินการในรูปของดอลลาร์ (ตามอัตราแลกเปลี่ยน ณ วันที่ขาย)

1. เจฟฟ์ คูนส์ แรบบิท พ.ศ. 2529 91.075 ล้านเหรียญสหรัฐ

ยิ่งคุณดูงานประมูลของเจฟฟ์ คูนส์ (1955) นานเท่าไร คุณก็ยิ่งเชื่อมั่นว่าไม่มีอะไรเป็นไปไม่ได้สำหรับศิลปะป๊อปอาร์ต คุณสามารถชื่นชมประติมากรรม Koons ในรูปแบบของของเล่นบอลลูนหรือคุณสามารถพิจารณาว่าเป็นของที่ไร้ค่าและรสชาติไม่ดี - สิทธิ์ของคุณ สิ่งหนึ่งที่ปฏิเสธไม่ได้: การติดตั้งของ Jeff Koons ต้องใช้เงินมหาศาล

Jeff Koons เริ่มต้นการเดินทางของเขาเพื่อชื่อเสียงในฐานะศิลปินที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในโลกในปี 2550 เมื่อ Hanging Heart การติดตั้งโลหะขนาดยักษ์ของเขาถูกซื้อในราคา 23.6 ล้านดอลลาร์ที่ Sotheby's งานนี้ซื้อโดย Larry Gagosian Gallery ซึ่งเป็นตัวแทนของ Koons สื่อว่ามันอยู่ในความสนใจของเศรษฐียูเครน Viktor Pinchuk.) แกลเลอรี่ไม่ได้เป็นเพียงการติดตั้ง แต่ในความเป็นจริงงานศิลปะเครื่องประดับ 2.7 ม. น้ำหนัก 1,600 กก.) แต่มีจุดประสงค์ที่คล้ายกัน กว่าหก และใช้เวลาครึ่งพันชั่วโมงในการผลิตองค์ประกอบที่มีหัวใจเคลือบด้วยสี 10 ชั้น เป็นผลให้จ่ายเงินจำนวนมหาศาลสำหรับ "การตกแต่ง" ที่งดงาม

ถัดไปคือการขายดอกไม้บอลลูนสีม่วงในราคา 12.92 ล้านปอนด์ (25.8 ล้านเหรียญสหรัฐ) ที่ Christie's London เมื่อวันที่ 30 มิถุนายน 2551 ที่น่าสนใจเมื่อเจ็ดปีก่อนเจ้าของเดิมของ "Flower" ซื้องานนี้ด้วยเงิน 1.1 ล้านเหรียญ คำนวณได้ง่ายว่าในช่วงเวลานี้ราคาตลาดเพิ่มขึ้นเกือบ 25 เท่า

การตกต่ำของตลาดศิลปะในปี 2551-2552 ทำให้คนคลางแคลงใจใส่ร้ายว่าแฟชั่นของคูนได้ผ่านพ้นไปแล้ว แต่พวกเขาคิดผิด: พร้อมกับตลาดศิลปะ ความสนใจในผลงานของ Koons ก็ฟื้นคืนชีพขึ้นมา ผู้สืบทอดบัลลังก์ของ Andy Warhol สู่บัลลังก์ราชาแห่งป๊อปอาร์ตได้ปรับปรุงส่วนบุคคลของเขาให้ดีที่สุดในเดือนพฤศจิกายน 2555 ด้วยการขายที่ Christie's ของประติมากรรมหลากสี "Tulips" จากซีรี่ส์ "Triumph" ในราคา 33.7 ล้านเหรียญรวมทั้งค่าคอมมิชชั่น

แต่ "ทิวลิป" เป็น "ดอกไม้" ในความหมายที่แท้จริงและเป็นรูปเป็นร่าง เพียงหนึ่งปีต่อมา ในเดือนพฤศจิกายน 2013 ก็มีการขายรูปปั้นสุนัขบอลลูนสแตนเลส (สีส้ม) ตามมาด้วยราคาค้อนสูงถึง 58.4 ล้านเหรียญสหรัฐ! ผลรวมที่ยอดเยี่ยมสำหรับศิลปินที่มีชีวิต ผลงานของนักเขียนร่วมสมัยถูกขายในราคาเดียวกับภาพวาดของแวนโก๊ะหรือปีกัสโซ นั่นคือผลเบอร์รี่ ...

ด้วยผลลัพธ์นี้ Koons จึงครองตำแหน่งอันดับต้น ๆ ของการจัดอันดับศิลปินที่มีชีวิตมาหลายปี ในเดือนพฤศจิกายน 2018 เขาแซงหน้า David Hockney ไปได้ชั่วครู่ (ดูอันดับที่สองในการจัดอันดับของเรา) แต่เพียงหกเดือนต่อมา ทุกอย่างก็กลับสู่สภาวะปกติ เมื่อวันที่ 15 พฤษภาคม 2019 ในนิวยอร์ก ที่การประมูลงานศิลปะหลังสงครามและร่วมสมัย คริสตี้ส์ได้ขายรูปปั้นหนังสือเรียนสำหรับคูนส์ในปี 1986 - กระต่าย “กระต่าย” สีเงิน ทำจากสแตนเลส เลียนแบบลูกโป่งที่มีรูปร่างคล้ายคลึงกัน

โดยรวมแล้ว Koons สร้างประติมากรรมดังกล่าว 3 ชิ้นพร้อมสำเนาของผู้เขียนหนึ่งชุด การประมูลรวมสำเนาของ "Rabbit" หมายเลข 2 - จากคอลเล็กชันของผู้จัดพิมพ์ลัทธิ Cy Newhouse เจ้าของร่วมของสำนักพิมพ์ Conde Nast (นิตยสาร Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ ฯลฯ ) Silver "Rabbit" ถูกซื้อโดย "บิดาแห่งความเย้ายวนใจ" Cy Newhouse ในปี 1992 ในราคาที่น่าประทับใจตามมาตรฐานของปีนั้น - 1 ล้านเหรียญ หลังจาก 27 ปีในการต่อสู้ของผู้ประมูล 10 ราย ราคาของค้อนของประติมากรรมนั้นสูงกว่าราคาขายครั้งก่อน 80 เท่า และด้วยค่าคอมมิชชันพรีเมียมของผู้ซื้อ ผลลัพธ์สุดท้ายคือสถิติ 91.075 ล้านดอลลาร์สำหรับศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ทั้งหมด

2. DAVID HOKNEY ภาพเหมือนของศิลปิน สระว่ายน้ำที่มีสองร่าง 2515 $90,312,500

David Hockney (1937) เป็นหนึ่งในศิลปินชาวอังกฤษที่สำคัญที่สุดในศตวรรษที่ 20 ในปี 2011 David Hockney ได้รับเลือกให้เป็นศิลปินชาวอังกฤษที่ทรงอิทธิพลที่สุดตลอดกาล จากการสำรวจจิตรกรและประติมากรชาวอังกฤษหลายพันคน ในเวลาเดียวกัน Hockney ข้ามผู้เชี่ยวชาญเช่น William Turner และ Francis Bacon ตามกฎแล้วงานของเขามีสาเหตุมาจากศิลปะป๊อปแม้ว่าในงานแรก ๆ ของเขาเขาจะสนใจในการแสดงออกมากขึ้นในจิตวิญญาณของฟรานซิสเบคอน

เกิดและเติบโต David Hockney ในอังกฤษ, Yorkshire แม่ของศิลปินในอนาคตทำให้ครอบครัวเคร่งครัดเคร่งครัดและพ่อของเขาซึ่งเป็นนักบัญชีธรรมดาที่วาดภาพในระดับมือสมัครเล่นเพียงเล็กน้อยก็สนับสนุนให้ลูกชายของเขาวาดภาพ ในวัยยี่สิบต้นๆ ของเขา เดวิดย้ายไปแคลิฟอร์เนีย ซึ่งเขาอาศัยอยู่ทั้งหมดประมาณสามทศวรรษ เขายังคงมีการประชุมเชิงปฏิบัติการสองแห่งที่นั่น Hockney ทำให้วีรบุรุษในผลงานของเขากลายเป็นคนรวยในท้องถิ่น วิลล่าของพวกเขา สระว่ายน้ำ สนามหญ้าที่อาบแสงแดดแคลิฟอร์เนีย ผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาในสมัยอเมริกา - ภาพวาด "Splash" - เป็นภาพกลุ่มสเปรย์ที่ลอยขึ้นมาจากสระหลังจากที่มีคนกระโดดลงไปในน้ำ เพื่อแสดงภาพมัดนี้ "มีชีวิต" ไม่เกินสองวินาที Hockney ทำงานเป็นเวลาสองสัปดาห์ อย่างไรก็ตาม ภาพวาดนี้ขายที่ Sotheby's ในราคา 5.4 ล้านดอลลาร์ในปี 2549 และบางครั้งถือว่าเป็นงานที่แพงที่สุดของเขา

Hockney (1937) อยู่ในวัยแปดสิบแล้ว แต่เขายังคงทำงานและแม้กระทั่งคิดค้นเทคนิคทางศิลปะใหม่ๆ โดยใช้นวัตกรรมทางเทคนิค เมื่อเขาเกิดไอเดียในการทำภาพปะติดขนาดใหญ่จากภาพโพลารอยด์ พิมพ์งานของเขาบนเครื่องแฟกซ์ และวันนี้ศิลปินก็เชี่ยวชาญการวาดภาพบน iPad อย่างกระตือรือร้น ภาพวาดที่วาดบนแท็บเล็ตเข้าแทนที่ในนิทรรศการของเขา

ในปี 2548 ในที่สุด Hockney ก็กลับมาจากอเมริกาสู่อังกฤษ ตอนนี้เขาวาดภาพในที่โล่งและในสตูดิโอขนาดใหญ่ (มักประกอบด้วยหลายส่วน) ทิวทัศน์ของป่าในท้องถิ่นและพื้นที่รกร้างว่างเปล่า ตามคำบอกของ Hockney ใน 30 ปีของเขาในแคลิฟอร์เนีย เขาไม่คุ้นเคยกับการเปลี่ยนแปลงง่ายๆ ของฤดูกาลจนทำให้หลงใหลและหลงใหลอย่างแท้จริง วัฏจักรทั้งหมดของผลงานล่าสุดของเขาอุทิศให้กับภูมิทัศน์เดียวกันในช่วงเวลาต่าง ๆ ของปี

ในปี 2018 ภาพวาดของ Hockney ทำรายได้ทะลุ 10 ล้านเหรียญสหรัฐหลายครั้ง และเมื่อวันที่ 15 พฤศจิกายน 2018 ผลงานชิ้นใหม่ของศิลปินที่มีชีวิตได้รับการจดทะเบียนที่ Christie's - 90,312,500 ดอลลาร์สำหรับภาพวาด "Portrait of the Artist (Pool with Two Figures)"

3. เจอร์ฮาร์ด ริชเตอร์ ภาพวาดนามธรรม. 2529 46.3 ล้านเหรียญสหรัฐ

การใช้ชีวิตแบบคลาสสิก เกอร์ฮาร์ด ริชเตอร์ (1932)อันดับที่สองในการจัดอันดับของเรา ศิลปินชาวเยอรมันเป็นผู้นำในหมู่เพื่อนร่วมงานที่ยังมีชีวิตอยู่จนกระทั่งบันทึกที่ 58 ล้านของ Jeff Koons แต่ไม่น่าเป็นไปได้ที่สถานการณ์นี้จะสั่นคลอนอำนาจเหล็กที่มีอยู่แล้วของริกเตอร์ในตลาดศิลปะ ตามผลของปี 2555 มูลค่าการประมูลประจำปีของศิลปินชาวเยอรมันนั้นเป็นอันดับสองรองจาก Andy Warhol และ Pablo Picasso

เป็นเวลาหลายปีที่ไม่มีอะไรคาดเดาความสำเร็จที่ตกอยู่กับริกเตอร์ในตอนนี้ ศิลปินได้ครอบครองสถานที่ที่เรียบง่ายในตลาดศิลปะร่วมสมัยมานานหลายทศวรรษและไม่ได้ปรารถนาที่จะสร้างชื่อเสียงเลย เราสามารถพูดได้ว่าชื่อเสียงแซงหน้าเขาด้วยตัวมันเอง จุดเริ่มต้นนี้ถือเป็นจุดเริ่มต้นของการซื้อพิพิธภัณฑ์ MoMA ของนิวยอร์กในปี 1995 จากซีรีส์ 18 ตุลาคม 1977 ของ Richter พิพิธภัณฑ์อเมริกันจ่ายเงิน 3 ล้านดอลลาร์สำหรับภาพวาดระดับสีเทา 15 ภาพ และในไม่ช้าก็เริ่มคิดถึงการจัดแสดงผลงานย้อนหลังของศิลปินชาวเยอรมันอย่างเต็มเปี่ยม นิทรรศการอันยิ่งใหญ่นี้เปิดขึ้นอีกหกปีต่อมาในปี 2544 และตั้งแต่นั้นเป็นต้นมาความสนใจในงานของริกเตอร์ก็เพิ่มขึ้นอย่างก้าวกระโดด ตั้งแต่ปี 2547 ถึงปี 2551 ราคาของภาพวาดของเขาเพิ่มขึ้นสามเท่า ในปี 2010 ผลงานของ Richter ทำรายได้ไปแล้ว 76.9 ล้านเหรียญสหรัฐ ในปี 2011 ตามเว็บไซต์ของ Artnet งานประมูลของ Richter ทำเงินได้ 200 ล้านเหรียญสหรัฐ และในปี 2012 (อ้างอิงจาก Artprice) - 262.7 ล้านเหรียญสหรัฐ มากกว่าผลงานใดๆ ศิลปินที่มีชีวิตคนอื่น

ตัวอย่างเช่น กับ Jasper Johns ที่ประสบความสำเร็จอย่างท่วมท้นในการประมูลส่วนใหญ่จะเป็นงานแรกๆ เท่านั้น การแบ่งแยกที่เฉียบขาดนั้นไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับงานของ Richter: ความต้องการสิ่งของต่างๆ จากยุคสร้างสรรค์ต่างๆ นั้นคงที่พอๆ กัน ซึ่งในจำนวนนี้ก็มีมากมายใน Richter's อาชีพ. ตลอดหกสิบปีที่ผ่านมา ศิลปินคนนี้ได้ทดลองวาดภาพแบบดั้งเดิมเกือบทั้งหมด ไม่ว่าจะเป็นภาพเหมือน ทิวทัศน์ ท่าจอดเรือ ภาพเปลือย ชีวิตยังคง และแน่นอน นามธรรม

ประวัติการประมูลของริกเตอร์เริ่มต้นด้วยชุดของ "เทียน" ที่ยังมีชีวิตอยู่ ภาพเทียนที่เหมือนจริงจำนวน 27 ภาพในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ในขณะที่เขียน ราคาเพียง 15,000 มาร์กเยอรมัน (5,800 ดอลลาร์สหรัฐฯ) ต่องาน แต่ก็ยังไม่มีใครซื้อ Candles ในงานนิทรรศการครั้งแรกของพวกเขาที่ Max Hetzler Gallery ในสตุตการ์ต จากนั้นธีมของภาพวาดก็เรียกว่าล้าสมัย วันนี้ "เทียนไข" ถือว่าใช้ได้ตลอดกาล และมีค่าใช้จ่ายหลายล้านดอลลาร์

ในเดือนกุมภาพันธ์ 2551 "เทียน"เขียนในปี 1983 ถูกซื้อโดยไม่คาดคิดในราคา£ 7.97 ล้าน (16 ล้านดอลลาร์). บันทึกส่วนตัวนี้มีอายุสามปีครึ่ง แล้ว ในเดือนตุลาคม 2554อีกคน "เทียน" (1982)ตกอยู่ใต้ค้อนของคริสตี้ในราคา£ 10.46 ล้าน (16.48 ล้านดอลลาร์). ด้วยสถิตินี้ Gerhard Richter ได้เข้าสู่สามศิลปินที่ประสบความสำเร็จสูงสุดในชีวิตเป็นครั้งแรก แทนที่ Jasper Johns และ Jeff Koons

จากนั้นขบวนชัยชนะของ "ภาพวาดนามธรรม" ของริกเตอร์ก็เริ่มขึ้น ศิลปินวาดภาพงานดังกล่าวด้วยเทคนิคเฉพาะของผู้เขียน: เขาใช้สีธรรมดาผสมกับพื้นหลังสีอ่อน แล้วทาลงบนผ้าใบด้วยมีดโกนยาวขนาดเท่ากันชนรถ ส่งผลให้มีการเปลี่ยนสี จุด และแถบสีสลับซับซ้อน การตรวจสอบพื้นผิวของ "ภาพวาดนามธรรม" ของเขาเป็นเหมือนการขุดค้น: ร่องรอยของ "ร่าง" ต่างๆ มองผ่านช่องว่างของชั้นที่มีสีสันมากมาย

9 พฤศจิกายน 2554ในการประมูลงานศิลปะสมัยใหม่และหลังสงครามของ Sotheby's ขนาดใหญ่ "จิตรกรรมนามธรรม (849-3)" 1997 ตกอยู่ใต้ค้อนเพื่อ $20.8m (£13.2m). และหกเดือนต่อมา 8 พฤษภาคม 2555ในการประมูลผลงานหลังสงครามและศิลปะร่วมสมัยของคริสตี้ในนิวยอร์ก "จิตรกรรมนามธรรม (798-3)" 2536 ได้รับการบันทึก 21.8 ล้านเหรียญสหรัฐ(รวมค่าคอมมิชชั่นด้วย) ห้าเดือนต่อมา - บันทึกอีกครั้ง: "จิตรกรรมนามธรรม (809-4)"จากการสะสมของนักดนตรีร็อค Eric Clapton เมื่อวันที่ 12 ตุลาคม 2555 ที่ Sotheby's ในลอนดอนไปภายใต้ค้อนราคา£ 21.3 ล้าน (34.2 ล้านดอลลาร์). ริกเตอร์ยึดกำแพง 30 ล้านได้อย่างง่ายดายราวกับว่ามันไม่ได้เกี่ยวกับภาพวาดสมัยใหม่ แต่เกี่ยวกับผลงานชิ้นเอกที่มีอายุหนึ่งร้อยปีแล้ว - ไม่น้อย แม้ว่าในกรณีของ Richter ดูเหมือนว่าการรวมในวิหารแพนธีออนของ "ผู้ยิ่งใหญ่" เกิดขึ้นแล้วในช่วงชีวิตของศิลปิน ราคาเยอรมันยังคงเพิ่มขึ้น

บันทึกต่อไปของ Richter เป็นของงาน photorealistic - ภูมิทัศน์ "Cathedral Square, มิลาน (Domplatz, Mailand)"พ.ศ. 2511 ขายงานให้ 37.1 ล้านในการประมูลของ Sotheby 14 พฤษภาคม 2556. มุมมองของจัตุรัสที่สวยที่สุดถูกวาดโดยศิลปินชาวเยอรมันในปี 1968 ตามคำสั่งของ Siemens Electro โดยเฉพาะสำหรับสำนักงานในมิลานของบริษัท ในขณะที่เขียน มันเป็นงานเปรียบเทียบที่ใหญ่ที่สุดของริกเตอร์ (ขนาดเกือบสามคูณสามเมตร)

สถิติของ Cathedral Square ยืนยาวเกือบสองปีจนกระทั่ง 10 กุมภาพันธ์ 2558ไม่ได้ขัดจังหวะเขา "ภาพวาดนามธรรม" ( 1986): ราคาค้อนถึง£ 30.389 ล้าน (46.3 ล้านดอลลาร์). ภาพวาดนามธรรมขนาด 300.5 × 250.5 ซม. ที่ประมูลที่ Sotheby's เป็นผลงานขนาดใหญ่ชิ้นแรกของ Richter ในเทคนิคการขูดชั้นสีออกโดยผู้เขียนคนพิเศษของเขา ครั้งสุดท้ายในปี 2542 มีการซื้อ "จิตรกรรมนามธรรม" นี้ในการประมูลในราคา 607,000 ดอลลาร์ (ตั้งแต่ปีนี้จนถึงการขายในปัจจุบัน งานนี้จัดแสดงที่พิพิธภัณฑ์ลุดวิกในโคโลญจน์) ในการประมูลเมื่อวันที่ 10 กุมภาพันธ์ 2558 ลูกค้าชาวอเมริกันรายหนึ่งที่มีขั้นตอนการประมูล 2 ล้านปอนด์ถึงราคาค้อนที่ 46.3 ล้านดอลลาร์ นั่นคือตั้งแต่ปี 2542 งานได้ขึ้นราคามากกว่า 76 เท่า!

4. Tsui Zhuzhuo "ภูเขาที่ปกคลุมด้วยหิมะอันยิ่งใหญ่" 2013. 39.577 ล้านเหรียญสหรัฐ

เป็นเวลานานที่เราไม่ได้ติดตามการพัฒนาของสถานการณ์ในตลาดศิลปะจีนอย่างใกล้ชิด ไม่ต้องการให้ข้อมูลมากเกินไปเกี่ยวกับศิลปะที่ "ไม่ใช่ของเรา" กับผู้อ่านของเรามากเกินไป ยกเว้นผู้คัดค้าน Ai Weiwei ซึ่งไม่แพงเท่าศิลปินที่มีจังหวะ ดูเหมือนว่านักเขียนชาวจีนจะมีจำนวนมากมายเกินกว่าเราจะเจาะลึกถึงสิ่งที่เกิดขึ้นในตลาดของพวกเขาที่นั่นได้ แต่สถิติอย่างที่พวกเขาพูดกันนั้นเป็นผู้หญิงที่จริงจังและถ้าเรากำลังพูดถึงนักเขียนที่มีชีวิตที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในโลก เราก็ทำไม่ได้ถ้าไม่มีเรื่องราวเกี่ยวกับตัวแทนที่โดดเด่นของศิลปะร่วมสมัยของอาณาจักรซีเลสเชียล

เริ่มกันที่ศิลปินจีน ฉุย รูจั่ว. ศิลปินเกิดในปี 2487 ในกรุงปักกิ่งและอาศัยอยู่ในสหรัฐอเมริกาตั้งแต่ปี 2524 ถึง 2539 หลังจากกลับมาที่ประเทศจีน เขาเริ่มสอนที่ National Academy of Arts Cui Ruzhuo ตีความรูปแบบการวาดภาพด้วยหมึกจีนแบบดั้งเดิมและสร้างผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่นักธุรกิจและเจ้าหน้าที่ชาวจีนชอบที่จะนำเสนอเป็นของขวัญให้กันและกัน ในตะวันตก ไม่ค่อยมีใครรู้จักเกี่ยวกับเขา แม้ว่าหลายคนต้องจำเรื่องราวของม้วนหนังสือมูลค่า 3.7 ล้านเหรียญที่ถูกโยนทิ้งไปอย่างผิดพลาด โดยคนทำความสะอาดโรงแรมในฮ่องกงเข้าใจผิดว่าเป็นขยะ ดังนั้น มันคือม้วนหนังสือของ Cui Ruzhuo

Cui Ruzhuo อยู่ในวัย 70 ปี และตลาดสำหรับงานของเขากำลังเฟื่องฟู ผลงานกว่า 60 ชิ้นของศิลปินรายนี้ทำรายได้ทะลุ 1 ล้านเหรียญ อย่างไรก็ตาม ผลงานของเขาประสบความสำเร็จในการประมูลที่จีนเท่านั้น บันทึกของ Cui Ruzhuo นั้นน่าประทับใจจริงๆ ก่อนเลย "ทิวทัศน์ในหิมะ"ที่ Poly Auction ในฮ่องกง 7 เมษายน 2014ถึงราคาค้อน 184 ล้านดอลลาร์ฮ่องกง ( 23.7 ล้านเหรียญสหรัฐ).

หนึ่งปีให้หลัง 6 เมษายน 2558ในการประมูลโพลีพิเศษในฮ่องกงที่อุทิศให้กับผลงานของ Cui Ruzhuo ซีรีส์โดยเฉพาะ "ทิวทัศน์หิมะอันยิ่งใหญ่ของภูเขา Jiangnan"(Jiangnan เป็นภูมิภาคประวัติศาสตร์ในประเทศจีน โดยครอบครองฝั่งขวาของแม่น้ำแยงซีตอนล่าง) จากภูมิทัศน์หมึกบนกระดาษแปดแห่งมีราคาค้อน 236 ล้านดอลลาร์ฮ่องกง ( 30.444 ล้านเหรียญสหรัฐ).

ปีต่อมา ประวัติศาสตร์ก็ซ้ำรอยอีกครั้ง ในการประมูลเดี่ยวของ Cui Ruzhuo ซึ่งจัดโดย Poly Auctions ในฮ่องกง 4 เมษายน 2559 polyptych ในหกส่วน "ภูเขาหิมะใหญ่"ราคาค้อนปี 2013 (รวมค่าคอมมิชชั่นบ้านประมูล) สูงถึง 306 ล้านเหรียญฮ่องกง (39.577 ล้านเหรียญสหรัฐ). จนถึงตอนนี้ นี่เป็นสถิติที่สมบูรณ์แบบในหมู่ศิลปินที่มีชีวิตในเอเชีย

ตามที่พ่อค้าศิลปะจอห์นสัน ชาน ซึ่งทำงานกับศิลปะร่วมสมัยของจีนมา 30 ปี กล่าวว่า มีความปรารถนาอย่างไม่มีเงื่อนไขที่จะขึ้นราคาผลงานของผู้เขียนคนนี้ แต่ทั้งหมดนี้เกิดขึ้นในระดับราคาที่นักสะสมที่มีประสบการณ์ไม่น่าจะต้องการ ที่จะซื้อบางสิ่งบางอย่าง “ชาวจีนต้องการเพิ่มเรตติ้งศิลปินของพวกเขาด้วยการพองราคาสำหรับงานของพวกเขาในการประมูลระดับนานาชาติที่สำคัญเช่นเดียวกับที่ Poly จัดขึ้นในฮ่องกง แต่ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเรตติ้งเหล่านี้ถูกสร้างขึ้นมาอย่างสมบูรณ์” Johnson Chang ให้ความเห็นเกี่ยวกับ Cui Ruzhuo บันทึกล่าสุด

แน่นอนว่านี่เป็นเพียงความคิดเห็นของตัวแทนจำหน่ายเพียงรายเดียว และเรามีบันทึกจริงที่บันทึกไว้ในฐานข้อมูลทั้งหมด ลองพิจารณาเขาดู Cui Ruzhuo ซึ่งตัดสินโดยคำพูดของเขานั้นอยู่ไกลจากความสุภาพเรียบร้อยของ Gerhard Richter เมื่อพูดถึงความสำเร็จในการประมูลของเขา ดูเหมือนว่าการแข่งขันเพื่อบันทึกครั้งนี้ทำให้เขาหลงใหลอย่างมาก “ฉันหวังว่าในอีก 5-10 ปีข้างหน้า ราคาผลงานของฉันจะสูงกว่าราคาผลงานของปรมาจารย์ชาวตะวันตกอย่าง Picasso และ Van Gogh นี่คือความฝันของจีน” Cui Ruzhuo กล่าว

5 แจสเปอร์ จอห์นส ธง. 2526 36 ล้านเหรียญสหรัฐ

อันดับที่สามในการจัดอันดับศิลปินที่มีชีวิตเป็นของชาวอเมริกัน ถึงแจสเปอร์ จอห์นส์ (1930). ราคาบันทึกปัจจุบันสำหรับงานของโจนส์คือ $ 36 ล้าน. จ่ายมากสำหรับชื่อเสียงของเขา "ธง"ในงานประมูลของคริสตี้ 12 พฤศจิกายน 2557.

ชุดภาพวาด "ธง" ที่เริ่มโดยโจนส์ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 ทันทีหลังจากที่ศิลปินกลับมาจากกองทัพ กลายเป็นหนึ่งในงานหลักของเขา แม้แต่ในวัยหนุ่มของเขา ศิลปินก็ยังสนใจในความคิดของงานสำเร็จรูป การเปลี่ยนแปลงของวัตถุในชีวิตประจำวันให้เป็นผลงานศิลปะ อย่างไรก็ตาม ธงของโจนส์ไม่ใช่ของจริง พวกเขาทาสีด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบ ดังนั้น งานศิลปะจึงได้มาซึ่งคุณสมบัติของสิ่งของจากชีวิตธรรมดา ในขณะเดียวกัน ก็เป็นภาพของธงและตัวธงเอง ผลงานชุดหนึ่งพร้อมธงทำให้แจสเปอร์ จอห์นส์โด่งดังไปทั่วโลก แต่ผลงานนามธรรมของเขาไม่ได้รับความนิยมน้อยกว่า หลายปีที่ผ่านมา รายชื่อผลงานที่แพงที่สุดที่รวบรวมตามกฎข้างต้น นำโดยบทคัดย่อ "การเริ่มต้นที่ผิดพลาด". จนถึงปี 2550 ผืนผ้าใบที่สว่างและตกแต่งอย่างสวยงามซึ่งวาดโดยโจนส์ในปี 2502 ถือเป็นราคาที่เข้าถึงไม่ได้จริงสำหรับศิลปินที่มีชีวิต (แม้ว่าจะเป็นแบบคลาสสิกตลอดชีวิต) - $ 17 ล้าน. นั่นคือจำนวนเงินที่พวกเขาจ่ายเป็นทองคำสำหรับตลาดศิลปะ พ.ศ. 2531.

ที่น่าสนใจคือ ประสบการณ์ของแจสเปอร์ จอห์นส์ในฐานะเจ้าของสถิติไม่ต่อเนื่อง ในปี 1989 เขาถูกขัดจังหวะโดยงานของ Willem de Kooning ซึ่งเป็นเพื่อนร่วมงานของเขา: "Mixing" นามธรรมสองเมตรถูกขายที่ Sotheby's ในราคา 20.7 ล้านเหรียญสหรัฐ Jasper Johns ต้องย้าย แต่หลังจาก 8 ปีในปี 1997 de Kooning เสียชีวิต และ "การเริ่มต้นที่ผิดพลาด" โจนส์อีกครั้งได้รับการจัดอันดับการประมูลของศิลปินที่มีชีวิตบรรทัดแรกเป็นเวลาเกือบ 10 ปี

แต่ในปี 2550 ทุกอย่างเปลี่ยนไป บันทึก False Start ถูกบดบังครั้งแรกโดยผลงานของ Damien Hirst และ Jeff Koons ที่อายุน้อยและมีความทะเยอทะยาน จากนั้นมีการขายภาพเขียนเรื่อง "The Sleeping Benefit Inspector" จำนวน 33.6 ล้านเหรียญสหรัฐโดย Lusien Freud (ตอนนี้เสียชีวิตและไม่ได้เข้าร่วมในการจัดอันดับนี้) จากนั้นบันทึกของ Gerhard Richter ก็เริ่มขึ้น โดยทั่วไป จนถึงขณะนี้ ด้วยสถิติปัจจุบันที่ 36 ล้าน Jasper Johns หนึ่งในผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะหลังสงครามของอเมริกา ทำงานที่จุดตัดของ neo-Dadaism การแสดงออกทางนามธรรมและศิลปะป๊อปอาร์ตอยู่ในอันดับที่สามที่มีเกียรติ

6. เอ็ด รุสเฮย์ ทุบ 2506 30.4 ล้านเหรียญสหรัฐ

ความสำเร็จกะทันหันของภาพวาด "Smash" โดยศิลปินชาวอเมริกัน เอ็ดเวิร์ด รุสชา (เกิด พ.ศ. 2480)ในการประมูล Christie's พฤศจิกายน 12, 2014นำผู้เขียนคนนี้มาสู่จำนวนศิลปินที่มีชีวิตที่แพงที่สุด ราคาบันทึกก่อนหน้าสำหรับผลงานของ Ed Ruscha (มักชื่อ Ruscha ในภาษารัสเซียว่า "Rusha" แต่การออกเสียงที่ถูกต้องคือ Ruscha) คือ "เท่านั้น" 6.98 ล้านเหรียญ: นั่นคือจำนวนเงินที่พวกเขาจ่ายให้กับผ้าใบ "การเผาไหม้ก๊าซ" สถานี" ในปี 2550 เจ็ดปีต่อมาของเขา Smashด้วยมูลค่าประมาณ 15–20 ล้านดอลลาร์ มันถึงราคาค้อน 30.4 ล้านเหรียญสหรัฐ. เห็นได้ชัดว่าตลาดสำหรับผลงานของผู้เขียนคนนี้ได้มาถึงระดับใหม่แล้ว - ไม่ใช่เรื่องที่ Barack Obama จะประดับประดาทำเนียบขาวด้วยผลงานของเขาและ Larry Gagosian เองก็แสดงผลงานของเขาในแกลเลอรี่ของเขา

Ed Ruscha ไม่เคยปรารถนาที่จะโพสต์สงครามในนิวยอร์กด้วยความคลั่งไคล้ในการแสดงออกทางนามธรรม แทนที่จะเป็นเช่นนั้น เป็นเวลากว่า 40 ปีที่เขาแสวงหาแรงบันดาลใจในแคลิฟอร์เนีย ซึ่งเขาย้ายจากเนแบรสกาเมื่ออายุ 18 ปี ศิลปินยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของเทรนด์ใหม่ในงานศิลปะที่เรียกว่าป๊อปอาร์ต ร่วมกับ Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud และนักร้องวัฒนธรรมป๊อปคนอื่น ๆ Edward Ruscha ได้เข้าร่วมในนิทรรศการ New Image of Ordinary Things ของ Pasadena Museum ในปี 1962 ซึ่งกลายเป็นนิทรรศการพิพิธภัณฑ์แห่งแรกของศิลปะป๊อปอาร์ตของอเมริกา อย่างไรก็ตาม ตัว Ed Ruscha เองก็ไม่ชอบงานของเขาที่มาจากศิลปะป๊อปอาร์ต แนวความคิด หรือกระแสศิลปะอื่นๆ

สไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาเรียกว่า "ภาพวาดข้อความ" จากช่วงปลายทศวรรษ 1950 Ed Ruscha เริ่มวาดภาพคำ เช่นเดียวกับ Warhol ซุปกระป๋องกลายเป็นงานศิลปะสำหรับ Ed Ruscha คำและวลีธรรมดาที่นำมาจากป้ายโฆษณาหรือบรรจุภัณฑ์ในซูเปอร์มาร์เก็ตหรือจากเครดิตของภาพยนตร์ (Hollywood อยู่ข้าง Ruscha เสมอและ ไม่เหมือนกับศิลปินคนอื่นๆ ของเขา Rushey เคารพ "โรงงานแห่งความฝัน") คำบนผืนผ้าใบของเขาได้รับคุณสมบัติของวัตถุสามมิติ สิ่งเหล่านี้คือสิ่งมีชีวิตจริงที่สร้างจากคำ เมื่อดูภาพวาดของเขา สิ่งแรกที่นึกถึงคือการรับรู้ภาพและเสียงของคำที่วาด และหลังจากนั้น - ความหมายเชิงความหมาย ตามกฎแล้วไม่สามารถถอดรหัสได้อย่างไม่น่าสงสัย คำและวลีที่เลือกโดย Ruscha สามารถตีความได้หลายวิธี คำว่า "ทุบ" สีเหลืองสดใสเดียวกันบนพื้นหลังสีน้ำเงินเข้มสามารถรับรู้ได้ว่าเป็นคำเรียกที่ก้าวร้าวเพื่อทุบบางสิ่งหรือบางคนให้แตกเป็นชิ้นเล็กชิ้นน้อย เป็นคำคุณศัพท์เดียวที่นำออกจากบริบท (เช่น พาดหัวข่าวในหนังสือพิมพ์บางส่วน เป็นต้น) หรือเพียงคำเดียวที่ติดอยู่ในกระแสภาพในเมือง เอ็ด รุสชารู้สึกยินดีในความไม่แน่นอนนี้ “ฉันมีความเคารพอย่างสุดซึ้งต่อสิ่งแปลก ๆ ที่อธิบายไม่ได้ ... คำอธิบายในแง่หนึ่งฆ่าสิ่งของ” เขากล่าวในการให้สัมภาษณ์

7. คริสโตเฟอร์ วูล ไม่มีชื่อ (RIOT) 1990. 29.93 ล้านเหรียญสหรัฐ

ศิลปินชาวอเมริกัน คริสโตเฟอร์ วูล(1955) บุกเข้าสู่การจัดอันดับศิลปินที่มีชีวิตครั้งแรกในปี 2013 - หลังจากขาย Apocalypse Now ในราคา 26.5 ล้านเหรียญสหรัฐ บันทึกนี้ทำให้เขาเทียบได้กับ Jasper Johns และ Gerhard Richter ในทันที จำนวนการทำธุรกรรมครั้งประวัติศาสตร์นี้ - มากกว่า 20 ล้านเหรียญ - ทำให้หลายคนประหลาดใจเพราะก่อนหน้านั้นราคาสำหรับผลงานของศิลปินไม่เกิน 8 ล้านเหรียญ อย่างไรก็ตามการเติบโตอย่างรวดเร็วของตลาดงานของ Christopher Wool นั้นชัดเจนแล้วในเวลานั้น : ผลงานของศิลปินประกอบด้วยธุรกรรมการประมูล 48 รายการมูลค่ามากกว่า 1 ล้านเหรียญสหรัฐ และ 22 รายการ (เกือบครึ่ง) เกิดขึ้นในปี 2556 สองปีต่อมาจำนวนผลงานของ Chris Wool ขายได้มากกว่า 1 ล้านเหรียญสหรัฐ ถึง 70 และสถิติส่วนตัวใหม่ก็ไม่นาน ในการประมูล ผลงาน 12 พฤษภาคม 2558 ของ Sotheby "Untitled (RIOT)"ถูกขายในราคา $ 29.93 ล้านรวมถึงเบี้ยประกันภัยของผู้ซื้อ

คริสโตเฟอร์ วูล ขึ้นชื่อเรื่องตัวอักษรสีดำขนาดใหญ่บนแผ่นอะลูมิเนียมสีขาว พวกเขาคือผู้ที่ตั้งค่าบันทึกในการประมูลตามกฎ สิ่งเหล่านี้ล้วนมาจากช่วงปลายทศวรรษ 1980 และต้นทศวรรษ 1990 ตามตำนานเล่าว่า เย็นวันหนึ่งวูลกำลังเดินไปรอบๆ นิวยอร์กในตอนเย็น และทันใดนั้นก็เห็นกราฟฟิตี้เป็นตัวอักษรสีดำบนรถบรรทุกสีขาวคันใหม่ ซึ่งก็คือคำว่า sex และ luv ภาพนี้ทำให้เขาประทับใจมากจนเขากลับไปที่สตูดิโอทันทีและเขียนเวอร์ชันของตัวเองด้วยคำเดียวกัน ปีนี้เป็นปี 1987 และการค้นหาคำและวลีของศิลปินเพิ่มเติมสำหรับผลงาน "ตามตัวอักษร" ของเขาสะท้อนให้เห็นถึงจิตวิญญาณที่ขัดแย้งกันของเวลานี้ นี่คือการเรียก "ขายบ้าน ขายรถ ขายลูก" โดย วูล จากภาพยนตร์เรื่อง "Apocalypse Now" และคำว่า "FOOL" ("fool") เป็นตัวพิมพ์ใหญ่และคำว่า "RIOT" ("กบฏ") มักพบในพาดหัวข่าวหนังสือพิมพ์ในสมัยนั้น

คำและวลี ผ้าขนสัตว์นำไปใช้กับแผ่นอลูมิเนียมโดยใช้ลายฉลุที่มีสีอัลคิดหรือสีเคลือบ โดยจงใจทิ้งริ้ว เครื่องหมายลายฉลุ และหลักฐานอื่นๆ ของกระบวนการสร้างสรรค์ ศิลปินแบ่งคำเพื่อให้ผู้ชมไม่เข้าใจความหมายในทันที ในตอนแรก คุณเห็นเพียงกลุ่มตัวอักษร กล่าวคือ คุณรับรู้คำนั้นเป็นวัตถุที่มองเห็น จากนั้นคุณจึงอ่านและถอดรหัสความหมายของวลีหรือคำนั้น วูลใช้แบบอักษรที่กองทัพสหรัฐใช้หลังสงครามโลกครั้งที่ 2 ซึ่งช่วยเพิ่มความประทับใจให้กับคำสั่ง คำสั่ง และสโลแกน งาน "จดหมาย" เหล่านี้ถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่งของภูมิทัศน์เมืองเนื่องจากเป็นภาพวาดที่ผิดกฎหมายซึ่งละเมิดความสะอาดของพื้นผิวของวัตถุบนถนน ผลงานชุดนี้ของคริสโตเฟอร์ วูล ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของความเป็นนามธรรมทางภาษาศาสตร์ และด้วยเหตุนี้จึงได้รับความนิยมอย่างสูงจากผู้ชื่นชอบศิลปะร่วมสมัย

8. ปีเตอร์ ดอยเฌ โรสเดล. 1991. 28.81 ล้านเหรียญสหรัฐ

อังกฤษ Peter Doig(1959) แม้ว่าเขาจะเป็นคนรุ่นหลังสมัยใหม่ Koons และ Hirst แต่ก็เลือกประเภทภูมิทัศน์ดั้งเดิมที่สมบูรณ์สำหรับตัวเองซึ่งเป็นเวลานานที่ไม่ชอบศิลปินขั้นสูง ด้วยผลงานของเขา Peter Doig ได้ฟื้นความสนใจที่เลือนหายไปของสาธารณชนในการวาดภาพเชิงเปรียบเทียบ ผลงานของเขาได้รับการชื่นชมอย่างสูงจากทั้งนักวิจารณ์และผู้ที่ไม่ใช่ผู้เชี่ยวชาญ และหลักฐานที่บ่งชี้ว่าผลงานของเขามีราคาสูงขึ้นอย่างรวดเร็ว หากในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ภูมิประเทศของเขามีราคาหลายพันดอลลาร์ ตอนนี้เงินก็จะกลายเป็นเงินหลายล้าน

งานของ Doig มักถูกเรียกว่าสัจนิยมมหัศจรรย์ จากภูมิประเทศจริง เขาสร้างภาพแฟนตาซี ลึกลับ และมักจะมืดมน ศิลปินชอบวาดภาพวัตถุที่ถูกทอดทิ้งโดยผู้คน: อาคารทรุดโทรมที่สร้างโดยเลอกอร์บูซีเยร์กลางป่าหรือเรือแคนูสีขาวเปล่าบนพื้นผิวของทะเลสาบป่า นอกจากธรรมชาติและจินตนาการแล้ว Doig ยังได้รับแรงบันดาลใจจากภาพยนตร์สยองขวัญ ไปรษณียบัตรเก่า รูปถ่าย วิดีโอสำหรับมือสมัครเล่น และอื่นๆ ภาพวาดของ Doig มีสีสัน ซับซ้อน ตกแต่งและไม่เร้าใจ ยินดีที่ได้เป็นเจ้าของภาพวาดดังกล่าว ผลงานที่ต่ำของผู้แต่งยังกระตุ้นความสนใจของนักสะสมด้วย: ศิลปินที่อาศัยอยู่ในตรินิแดดสร้างภาพเขียนไม่เกินหนึ่งโหลต่อปี

ในช่วงต้นทศวรรษ 2000 ภูมิทัศน์ของศิลปินแต่ละคนขายได้หลายแสนเหรียญ ในเวลาเดียวกัน งานของ Doig ก็รวมอยู่ใน Saatchi Gallery ที่ Biennale ที่พิพิธภัณฑ์ Whitney และในคอลเล็กชัน MoMA ในปีพ.ศ. 2549 เอาชนะแถบการประมูลที่มีมูลค่า 1 ล้านดอลลาร์ และในปีถัดมา ก็มีการพัฒนาที่ไม่คาดคิดเกิดขึ้น: งาน "เรือแคนูสีขาว" ซึ่งนำเสนอที่ Sotheby's เมื่อวันที่ 7 กุมภาพันธ์ 2550 ด้วยมูลค่าประมาณ 0.8-1.2 ล้านดอลลาร์ เกินประมาณการเบื้องต้น ห้าครั้งและขายได้ 5.7 ล้านปอนด์ (11.3 ล้านดอลลาร์) ในเวลานั้นมันเป็นราคาที่บันทึกสำหรับผลงานของศิลปินชาวยุโรปที่มีชีวิต

ในปี 2008 Doig ได้จัดนิทรรศการเดี่ยวที่ Tate Gallery และพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในปารีส ป้ายราคาหลายล้านดอลลาร์สำหรับงานของ Doig ได้กลายเป็นบรรทัดฐาน บันทึกส่วนตัวของ Peter Doig เพิ่งได้รับการปรับปรุงหลายครั้งต่อปี - เรามีเวลาเพียงเพื่อเปลี่ยนภาพและสถานที่ของศิลปินนี้ในการจัดอันดับผู้เขียนที่มีชีวิตของเรา

งานที่แพงที่สุดในปัจจุบันของ Peter Doig คือภาพหิมะ Rosedale ปี 1991 น่าสนใจ บันทึกนี้ไม่ได้ตั้งไว้ที่ Sotheby's หรือ Christie's แต่อยู่ที่การประมูลงานศิลปะร่วมสมัยของ Phillips เรื่องนี้เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 18 พฤษภาคม 2017 ภาพของ Rosedale ที่ปกคลุมไปด้วยหิมะ ซึ่งเป็นหนึ่งในละแวกใกล้เคียงของโตรอนโต ถูกขายให้กับผู้ซื้อโทรศัพท์ในราคา 28.81 ล้านดอลลาร์ เพิ่มขึ้นประมาณ 3 ล้านดอลลาร์จากสถิติครั้งก่อน (25.9 ล้านดอลลาร์สำหรับ "Swallowed in the Mire") ภาพวาด "Rosedale" มีส่วนร่วมในนิทรรศการสำคัญของ Doig ที่ Whitechapel Gallery ในลอนดอนในปี 2541 และโดยทั่วไปแล้วงานนี้มีความสดใหม่สำหรับตลาดและด้วยเหตุนี้ราคาที่บันทึกจึงสมควรได้รับ

9. FRANK STELLA เคปไพน์ส 2502 28 ล้านเหรียญสหรัฐ

Frank Stella เป็นตัวแทนที่สดใสของนามธรรมหลังการทาสีและความเรียบง่ายในงานศิลปะ ในบางช่วงจะเรียกว่ารูปแบบการลงสีแบบขอบแข็ง ในตอนแรก สเตลลาเปรียบเทียบเรขาคณิตที่เข้มงวด ภาพขาวดำสมณะ และโครงสร้างของภาพวาดของเขากับความเป็นธรรมชาติและความสุ่มของผืนผ้าใบของผู้แสดงออกเชิงนามธรรมอย่างแจ็คสัน พอลล็อค

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ศิลปินถูกพบเห็นโดยลีโอ กัสเตลลี เจ้าของแกลเลอรี่ที่มีชื่อเสียง และได้รับรางวัลนิทรรศการเป็นครั้งแรก เขานำเสนอสิ่งที่เรียกว่า "ภาพวาดสีดำ" - ผืนผ้าใบที่วาดด้วยเส้นสีดำคู่ขนานพร้อมช่องว่างบาง ๆ ของผืนผ้าใบที่ไม่ได้ทาสีระหว่างพวกเขา เส้นก่อตัวเป็นรูปทรงเรขาคณิต ชวนให้นึกถึงภาพลวงตา รูปภาพที่สั่นไหว เคลื่อนไหว บิดเบี้ยว สร้างความรู้สึกของห้วงอวกาศหากคุณดูเป็นเวลานาน สเตลล่ายังคงใช้ธีมของเส้นขนานที่มีแถบแบ่งบางๆ ในงานของเขาเกี่ยวกับอะลูมิเนียมและทองแดง สี พื้นฐานภาพและแม้แต่รูปร่างของภาพวาดเปลี่ยนไป (รวมถึงงานในรูปของตัวอักษร U, T, L โดดเด่น) แต่หลักการสำคัญของภาพวาดของเขายังคงประกอบด้วยความชัดเจนของรูปร่าง ความยิ่งใหญ่ รูปแบบที่เรียบง่าย ขาวดำ ในทศวรรษต่อมา สเตลล่าเปลี่ยนจากการวาดภาพเรขาคณิตดังกล่าวไปสู่รูปแบบและเส้นที่เรียบเนียนเป็นธรรมชาติ และจากภาพวาดสีเดียวไปเป็นการเปลี่ยนสีที่สดใสและหลากหลาย ในปี 1970 สเตลล่าหลงใหลในลวดลายขนาดใหญ่ที่ใช้ในการทาสีเรือ ศิลปินใช้พวกเขาสำหรับภาพวาดขนาดใหญ่ที่มีส่วนประกอบประกอบ - เขารวมชิ้นส่วนของท่อเหล็กหรือลวดตาข่ายไว้ในผลงานของเขา

ในการสัมภาษณ์ช่วงแรกๆ แฟรงก์ สเตลลาพูดอย่างตรงไปตรงมาเกี่ยวกับความหมายที่ใส่เข้าไปในงานของเขา หรือมากกว่านั้น เกี่ยวกับการขาดงานของพวกเขา: "สิ่งที่คุณเห็นคือสิ่งที่คุณเห็น" ภาพวาดนั้นเป็นวัตถุในตัวมันเอง ไม่ใช่การทำซ้ำสิ่งใดๆ “มันเป็นพื้นผิวเรียบที่มีการทาสีและไม่มีอะไรอื่น” สเตลล่ากล่าว

ลงนามโดยแฟรงค์ สเตลลา "พื้นผิวที่มีการทาสี" นี้อาจมีมูลค่าหลายล้านดอลลาร์ในวันนี้ เป็นครั้งแรกในการจัดอันดับศิลปินที่มีชีวิต Frank Stella ได้รับในปี 2558 ด้วยการขาย Delaware Crossing (1961) ในราคา 13.69 ล้านดอลลาร์รวมถึงค่าคอมมิชชั่น

สี่ปีต่อมา ในวันที่ 15 พฤษภาคม 2019 มีการสร้างสถิติใหม่โดยงาน “แหลมแห่งต้นสน” ในยุคต้น (1959): ราคาของค้อนนั้นมากกว่า 28 ล้านดอลลาร์ รวมค่าคอมมิชชันแล้ว นี่เป็นหนึ่งใน 29 "ภาพวาดสีดำ" ซึ่งเป็นผลงานที่สเตลล่าเปิดตัวในนิทรรศการครั้งแรกของเขาในนิวยอร์ก แฟรงค์ สเตลลา บัณฑิตจากมหาวิทยาลัยพรินซ์ตันในตอนนั้นอายุ 23 ปี เขามักจะไม่มีเงินเพียงพอสำหรับการวาดภาพสีน้ำมันสำหรับศิลปิน ศิลปินรุ่นเยาว์ใช้แสงจันทร์เป็นงานซ่อมแซม เขาชอบสีบริสุทธิ์ของสีจริงๆ แล้วจึงเกิดไอเดียในการทำงานกับสีนี้บนผ้าใบ ด้วยสีอีนาเมลสีดำ สเตลล่าจะวาดลายเส้นขนานกัน ทิ้งเส้นบาง ๆ ของผืนผ้าใบที่ไม่ได้ลงสีไว้ระหว่างกัน ยิ่งกว่านั้นเขาเขียนโดยไม่มีผู้ปกครองด้วยตาเปล่าโดยไม่ต้องร่างเบื้องต้น สเตลล่าไม่เคยรู้แน่ชัดว่าภาพวาดหนึ่งๆ จะมีเส้นสีดำกี่เส้น ตัวอย่างเช่นในภาพวาด "Cape of Pines" มี 35 ชิ้น ชื่อของงานหมายถึงชื่อของแหลมในอ่าวแมสซาชูเซตส์ - Point of pines ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 มีสวนสนุกขนาดใหญ่ และปัจจุบันเป็นเขตหนึ่งของเมืองเรเวียร์

10. YOSHITOMO NARA มีดหลัง. 2000. 24.95 ล้านเหรียญสหรัฐ

Yoshitomo Nara (1959) เป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญของศิลปะนีโอป๊อปของญี่ปุ่น ชาวญี่ปุ่น - เพราะแม้จะมีชื่อเสียงไปทั่วโลกและทำงานในต่างประเทศหลายปี แต่งานของเขายังคงโดดเด่นด้วยเอกลักษณ์ประจำชาติที่เด่นชัด ตัวละครโปรดของนาราคือเด็กผู้หญิงและสุนัขในรูปแบบของการ์ตูนญี่ปุ่นและการ์ตูนอนิเมะ ภาพที่เขาคิดค้นมาหลายปีได้ "ไปสู่ผู้คน": พิมพ์บนเสื้อยืด, ของที่ระลึกและ "สินค้า" ต่างๆทำด้วยพวกเขา เกิดในครอบครัวที่ยากจน ห่างไกลจากเมืองหลวง เขาไม่เพียงเป็นที่รักในความสามารถของเขาเท่านั้น แต่ยังชื่นชมเป็นคนที่สร้างตัวเองด้วย ศิลปินทำงานอย่างรวดเร็วและแสดงออก เป็นที่ทราบกันดีว่าผลงานชิ้นเอกของเขาบางชิ้นเสร็จสมบูรณ์ในชั่วข้ามคืนอย่างแท้จริง ภาพวาดและประติมากรรมโดยโยชิโทโมะ นารา ตามกฎแล้วมีความรัดกุมมาก และถึงแม้จะใช้วิธีการแสดงออก แต่ก็แฝงไปด้วยอารมณ์ที่รุนแรงเสมอ เด็กสาววัยรุ่นที่นารามักจะมองผู้ชมด้วยแววตาที่ไร้ความปรานี ในสายตาของพวกเขา - ความเย่อหยิ่ง ความท้าทาย และความก้าวร้าว ในมือ - จากนั้นมีดแล้วก็บุหรี่ มีความเห็นว่าการบิดเบือนพฤติกรรมที่แสดงเป็นปฏิกิริยาตอบสนองต่อศีลธรรมอันดีของประชาชนที่กดขี่ ข้อห้ามต่างๆ และหลักการศึกษาที่คนญี่ปุ่นนำไปใช้ ความรุนแรงและความละอายเกือบในยุคกลางทำให้เกิดปัญหาภายใน สร้างรากฐานสำหรับการระเบิดทางอารมณ์ที่ล่าช้า "มีดลับหลัง" สะท้อนความคิดหลักอย่างหนึ่งของศิลปินได้อย่างกว้างขวาง ในงานนี้มีลักษณะที่เกลียดชังของหญิงสาวและมือที่ขู่ไว้ข้างหลังเธอ จนถึงปี 2019 ภาพวาดและประติมากรรมของ Yoshitomo Nara ได้ทะลุล้านแล้ว หรือแม้กระทั่งหลายล้านเครื่องหมายมากกว่าหนึ่งครั้ง แต่ยี่สิบล้าน - เป็นครั้งแรก นาราเป็นหนึ่งในศิลปินที่เกิดในญี่ปุ่นที่โด่งดังที่สุดในโลก และตอนนี้ค่าครองชีพที่แพงที่สุด เมื่อวันที่ 6 ตุลาคม 2109 ที่ Sotheby's ในฮ่องกง เขาได้รับตำแหน่งนี้จาก Takashi Murakami และมีประสิทธิภาพเหนือกว่า Yayoi Kusama ศิลปินแนวหน้าวัย 90 ปีอย่างเห็นได้ชัด (ราคาประมูลสูงสุดสำหรับภาพวาดของเธอใกล้จะถึง 9 ล้านเหรียญแล้ว)

11. เจิ้งฟานจือ กระยาหารมื้อสุดท้าย. 2544 23.3 ล้านเหรียญสหรัฐ

ที่ Sotheby's Hong Kong 5 ตุลาคม 2556ผ้าใบมาตราส่วนปี "กระยาหารมื้อสุดท้าย"ศิลปินปักกิ่ง เซง ฟานจือ (1964)ถูกขายเป็นประวัติการณ์ 160 ล้านดอลลาร์ฮ่องกง - 23.3 ล้านเหรียญสหรัฐสหรัฐอเมริกา. ต้นทุนสุดท้ายของงานของ Fanzhi ซึ่งเขียนภายใต้อิทธิพลของ Leonardo da Vinci กลายเป็นสองเท่าของประมาณการเบื้องต้นประมาณ 10 ล้านดอลลาร์ บันทึกราคาก่อนหน้าของ Zeng Fanzhi คือ $ 9.6 ล้านจ่ายในงานประมูลของ Christie's Hong Kong ในเดือนพฤษภาคม 2008 สำหรับงาน ชุดหน้ากาก. 2539 หมายเลข 6".

"กระยาหารมื้อสุดท้าย" เป็นภาพวาดที่ใหญ่ที่สุด (2.2 × 4 เมตร) โดย Fanzhi ในซีรีส์ "หน้ากาก" ครอบคลุมช่วงเวลาตั้งแต่ปี 1994 ถึง 2001 วัฏจักรนี้อุทิศให้กับวิวัฒนาการของสังคมจีนภายใต้อิทธิพลของการปฏิรูปเศรษฐกิจ การนำองค์ประกอบของเศรษฐกิจการตลาดโดยรัฐบาล PRC นำไปสู่การกลายเป็นเมืองและความแตกแยกของจีน Fanzhi พรรณนาถึงชาวเมืองจีนสมัยใหม่ที่ต้องต่อสู้เพื่ออยู่กลางแดด องค์ประกอบที่เป็นที่รู้จักกันดีของจิตรกรรมฝาผนังโดยเลโอนาร์โดในการอ่าน Fanzhi มีความหมายที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง: ฉากนี้ถูกย้ายจากกรุงเยรูซาเล็มไปยังห้องเรียนของโรงเรียนจีนที่มีกระดานอักษรอียิปต์โบราณอยู่บนผนัง "พระคริสต์" และ "อัครสาวก" ได้กลายเป็นผู้บุกเบิกที่มีความสัมพันธ์สีแดงเข้ม และมีเพียง "ยูดาส" เท่านั้นที่สวมเน็คไทสีทอง - นี่เป็นคำอุปมาสำหรับทุนนิยมตะวันตกที่เจาะและทำลายวิถีชีวิตปกติในประเทศสังคมนิยม

ผลงานของ Zeng Fanzhi มีความใกล้เคียงกับแนวความคิดของยุโรปและมีความน่าทึ่งไม่แพ้กัน แต่ในขณะเดียวกันก็เต็มไปด้วยสัญลักษณ์และลักษณะเฉพาะของจีน ความเก่งกาจนี้ดึงดูดทั้งนักสะสมชาวจีนและชาวตะวันตกให้มาที่ผลงานของศิลปิน การยืนยันโดยตรงของสิ่งนี้คือที่มาของ The Last Supper: งานนี้ถูกประมูลโดยนักสะสมที่มีชื่อเสียงของเปรี้ยวจี๊ดของจีนในช่วงทศวรรษ 1980 และต้นทศวรรษ 1990 Guy Ullens บารอนชาวเบลเยียม

12. โรเบิร์ต เรย์แมน สะพาน. 1980. $20.6 ล้าน

ในการประมูล Christie's May 13, 2015งานนามธรรม "สะพาน"ศิลปินชาวอเมริกันวัย 85 ปี Robert Ryman(โรเบิร์ต ไรแมน) ถูกขายให้ 20.6 ล้านเหรียญสหรัฐโดยคำนึงถึงค่าคอมมิชชั่น - แพงเป็นสองเท่าของค่าประมาณที่ต่ำกว่า

Robert Ryman(1930) ไม่ได้ตระหนักในทันทีว่าเขาต้องการเป็นศิลปิน ตอนอายุ 23 เขาย้ายไปนิวยอร์กจากแนชวิลล์ รัฐเทนเนสซี โดยต้องการเป็นนักแซ็กโซโฟนแจ๊ส ในระหว่างนี้ เขาไม่ได้เป็นนักดนตรีที่มีชื่อเสียง เขาต้องหารายได้พิเศษในฐานะเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยที่ MoMA ซึ่งเขาได้พบกับ Saul LeWitt และ Dan Flavin คนแรกทำงานในพิพิธภัณฑ์เป็นเลขาส่วนตัว คนที่สองเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยและพนักงานลิฟต์ แรงบันดาลใจจากผลงานของนักวาดภาพแนวนามธรรมที่เขาเห็นที่ MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock และ Newman - Robert Ryman วาดภาพในปี 1955

Ryman มักถูกเรียกว่ามินิมัลลิสต์ แต่เขาชอบให้เรียกว่า "สัจนิยม" เพราะเขาไม่สนใจที่จะสร้างภาพลวงตา เขาเพียงแสดงให้เห็นถึงคุณภาพของวัสดุที่เขาใช้ งานส่วนใหญ่ของเขาถูกวาดด้วยเฉดสีขาวที่เป็นไปได้ทั้งหมด (ตั้งแต่สีเทาหรือสีเหลืองไปจนถึงสีขาวพราว) โดยอิงจากรูปทรงสี่เหลี่ยมที่พูดน้อย ในอาชีพของเขา Robert Ryman ได้ลองใช้วัสดุและเทคนิคมากมาย: เขาทาสีด้วยน้ำมัน อะคริลิค เคซีน เคลือบฟัน พาสเทล gouache ฯลฯ บนผ้าใบ เหล็ก ลูกแก้ว อลูมิเนียม กระดาษ กระดาษลูกฟูก ไวนิล วอลล์เปเปอร์ ฯลฯ ของเขา เพื่อนนักซ่อมแซมมืออาชีพ Orrin Riley ได้แนะนำเขาเกี่ยวกับความกัดกร่อนของวัสดุที่เขาคิดว่าจะใช้ อย่างที่ศิลปินเคยกล่าวไว้ว่า “ฉันไม่เคยมีคำถาม อะไรเขียนสิ่งสำคัญ - อย่างไรเขียน". ทั้งหมดเกี่ยวกับพื้นผิว ธรรมชาติของลายเส้น เส้นขอบระหว่างพื้นผิวที่มีสีสันกับขอบของฐาน ตลอดจนความสัมพันธ์ระหว่างงานกับผนัง ตั้งแต่ปีพ.ศ. 2518 ลักษณะพิเศษของงานของเขาคืออุปกรณ์ตกแต่ง ซึ่ง Ryman ออกแบบเองและตั้งใจปล่อยให้พวกเขามองเห็น โดยเน้นงานของเขาว่า Ryman ชอบที่จะให้ "ชื่อ" ของงานมากกว่า "ชื่อ" "ชื่อ" คือสิ่งที่ช่วยแยกแยะงานหนึ่งออกจากงานอื่น และ Ryman มักตั้งชื่อผลงานของเขาตามแบรนด์สี บริษัท ฯลฯ และ "ชื่อเรื่อง" อ้างว่าเป็นการพาดพิงและความหมายที่ซ่อนอยู่อย่างลึกซึ้ง ซึ่งปรากฏอยู่ในตัวเขา ผลงานที่ศิลปินมักปฏิเสธ ไม่มีอะไรสำคัญนอกจากวัสดุและเทคนิค

13. Damien Hirst ฤดูใบไม้ผลิง่วงนอน 2545 19.2 ล้านเหรียญสหรัฐ

ศิลปินอังกฤษ ถึง Damien Hirst (1965)ถูกกำหนดให้เป็นคนแรกในการจัดอันดับนี้ในการโต้เถียงกับแจสเปอร์จอห์นคลาสสิกที่มีชีวิต งานที่กล่าวไปแล้ว "False Start" อาจยังคงเป็นผู้นำที่ไม่มีวันจมหาก 21 มิถุนายน 2550การติดตั้งในเวลานั้น Hirst . อายุ 42 ปี "ฤดูใบไม้ผลิง่วงนอน"(2002) ไม่ได้ขายที่ Sotheby's ในราคา 9.76 ล้านดอลลาร์ นั่นคือ 19.2 ล้านดอลลาร์. งานมีรูปแบบที่ค่อนข้างผิดปกติ ด้านหนึ่งเป็นตู้โชว์ที่มีหุ่นยา (6,136 เม็ด) อันที่จริงเป็นการติดตั้งแบบคลาสสิก และในทางกลับกัน ตู้โชว์นี้ถูกทำให้เรียบ (ลึก 10 ซม.) นำเข้าไปในกรอบและแขวนไว้บนผนังเหมือนแผงพลาสม่า จึงให้ความสะดวกสบายในการครอบครองที่มีอยู่ในภาพวาดอย่างเต็มที่ ในปี 2545 น้องสาวของผู้ติดตั้ง Sleepy Winter ขายได้ 7.4 ล้านเหรียญสหรัฐ มากกว่าครึ่งราคา มีคน "อธิบาย" ความแตกต่างของราคาโดยข้อเท็จจริงที่ว่าเม็ดยาจะจางลงในฤดูหนาวมากขึ้น แต่เป็นที่ชัดเจนว่าคำอธิบายนี้ไม่มีมูลเพราะกลไกการกำหนดราคาสำหรับสิ่งเหล่านี้ไม่เกี่ยวข้องกับเอฟเฟกต์การตกแต่งอีกต่อไป

ในปี 2550 หลายคนรู้จักเฮิรสท์ในฐานะผู้เขียนงานที่แพงที่สุดในบรรดาศิลปินที่มีชีวิต อย่างไรก็ตาม คำถามนี้มาจากหมวดหมู่ "ขึ้นอยู่กับวิธีการนับ" ความจริงก็คือว่าเฮิร์สต์ถูกขายในราคาปอนด์แพง และโจนส์สำหรับดอลลาร์ที่ตอนนี้ราคาตกลงไป และแม้กระทั่งเมื่อยี่สิบปีที่แล้ว แต่ถึงแม้เราจะนับตามมูลค่า โดยไม่คำนึงถึงอัตราเงินเฟ้อในระยะเวลา 20 ปี งานของเฮิรสท์ก็แพงกว่าในรูปดอลลาร์ และของโจนส์มีหน่วยเป็นปอนด์ สถานการณ์เป็นเส้นเขตแดน และทุกคนมีอิสระที่จะตัดสินใจว่าใครเป็นผู้ที่แพงที่สุด แต่เฮิร์สต์ออกตัวได้ไม่นาน ในปี 2550 เดียวกัน เขาถูก Koons พลัดถิ่นจากที่หนึ่งด้วยเพลง "Hanging Heart"

ในช่วงก่อนที่ราคาศิลปะร่วมสมัยทั่วโลกจะตกต่ำ เฮิรสท์รับหน้าที่เป็นศิลปินรุ่นเยาว์อย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน ซึ่งเป็นการประมูลผลงานเดี่ยวของเขา ซึ่งจัดขึ้นเมื่อวันที่ 15 กันยายน 2551 ที่ลอนดอน ข่าวการล้มละลายของ Lehman Brothers ที่ประกาศเมื่อวันก่อนไม่ได้ทำลายความอยากอาหารของผู้ชื่นชอบศิลปะร่วมสมัย: จากผลงาน 223 ชิ้นที่ Sotheby's เสนอให้มีเพียงห้าชิ้นที่ไม่พบเจ้าของใหม่ (หนึ่งในผู้ซื้อคือ Viktor Pinchuk ). ทำงาน "ราศีพฤษภทองคำ"- รูปวัวขนาดใหญ่ในฟอร์มาลดีไฮด์สวมมงกุฎทองคำ - นำมา 10.3 ล้านปอนด์ (18.6 ล้านเหรียญสหรัฐ). นี่คือผลลัพธ์ที่ดีที่สุดของ Hurst หากวัดเป็นปอนด์ (ในสกุลเงินที่ทำข้อตกลง) อย่างไรก็ตาม เราจัดลำดับเป็นดอลลาร์ ดังนั้น (อาจให้ Golden Calf ยกโทษให้เรา) เราจะถือว่า Hirst ขายดีที่สุดเป็น Sleepy Spring

ตั้งแต่ปี 2008 เฮิรสท์ไม่มียอดขาย Sleepy Spring และ Golden Calf บันทึกใหม่ของปี 2010 - สำหรับผลงานของ Richter, Jones, Fanzhi, Wool และ Koons - ย้าย Damien ไปที่อันดับที่หกของการจัดอันดับของเรา แต่อย่าตัดสินอย่างเด็ดขาดเกี่ยวกับการเสื่อมถอยของยุคเฮิรสท์ ตามที่นักวิเคราะห์กล่าวว่า Hurst ในฐานะ "ซุปเปอร์สตาร์" ได้ลงไปในประวัติศาสตร์แล้ว ซึ่งหมายความว่าพวกเขาจะซื้อมันมาเป็นเวลานานมาก อย่างไรก็ตาม คุณค่าที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในอนาคตคาดการณ์ไว้สำหรับผลงานที่สร้างขึ้นในช่วงเวลาแห่งนวัตกรรมที่สุดในอาชีพการงานของเขา นั่นคือในปี 1990

14. เมาริซิโอ กัตเตลาน เขา. 2544. 17.19 ล้านดอลลาร์

ชาวอิตาลี เมาริซิโอ กัตเตลัน (1960) มาทำงานศิลปะหลังจากทำงานเป็น รปภ. ทำอาหาร คนสวน และนักออกแบบเฟอร์นิเจอร์ ผู้เขียนที่เรียนรู้ด้วยตนเองได้กลายเป็นที่โด่งดังไปทั่วโลกจากงานประติมากรรมและการติดตั้งที่น่าขันของเขา เขาทำอุกกาบาตตกใส่พระสันตปาปา เปลี่ยนภรรยาของลูกค้าเป็นถ้วยรางวัลล่าสัตว์ เจาะรูบนพื้นพิพิธภัณฑ์ Old Masters ชูนิ้วกลางยักษ์ไปที่ตลาดหลักทรัพย์ในมิลาน นำลาตัวเป็นๆ มาที่งาน Frieze . ในอนาคตอันใกล้ Cattelan สัญญาว่าจะติดตั้งห้องน้ำสีทองที่พิพิธภัณฑ์ Guggenheim ในท้ายที่สุดการแสดงตลกของ Maurizio Cattelan ได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางในโลกศิลปะ: เขาได้รับเชิญไปที่ Venice Biennale (การติดตั้ง "อื่น ๆ " ในปี 2011 - ฝูงนกพิราบสองพันตัวที่ดูน่ากลัวจากท่อและคานทั้งหมดที่ฝูงชนของผู้เยี่ยมชม ผ่านด้านล่าง) จัดให้เขามีย้อนหลังที่พิพิธภัณฑ์ New York Guggenheim (พฤศจิกายน 2011) และในที่สุดเงินจำนวนมากจ่ายสำหรับประติมากรรมของเขา

ตั้งแต่ปี 2010 ผลงานที่แพงที่สุดของ Maurizio Cattelan คือรูปปั้นหุ่นขี้ผึ้งของชายคนหนึ่งที่มองออกมาจากรูบนพื้น ภายนอกคล้ายกับตัวศิลปินเอง ("Untitled", 2001) งานประติมากรรมที่ติดตั้งซึ่งมีอยู่ในจำนวนสามฉบับบวกกับสำเนาของผู้เขียน จัดแสดงครั้งแรกที่พิพิธภัณฑ์ Boijmans van Beuningen ในเมืองรอตเตอร์ดัม จากนั้นตัวละครเจ้าเล่ห์ตัวนี้ก็มองออกมาจากรูบนพื้นห้องโถงที่มีภาพวาดของจิตรกรชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 18 และ 19 Maurizio Cattellan ในงานนี้เกี่ยวข้องกับตัวเองกับอาชญากรผู้กล้าหาญที่บุกรุกพื้นที่ศักดิ์สิทธิ์ของห้องโถงพิพิธภัณฑ์ด้วยภาพวาดของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ดังนั้นเขาจึงต้องการกีดกันศิลปะแห่งรัศมีแห่งความศักดิ์สิทธิ์ที่กำแพงพิพิธภัณฑ์มอบให้ งานนี้เพื่อจัดแสดงซึ่งทุกครั้งที่คุณต้องเจาะรูบนพื้น ขายในราคา 7.922 ล้านดอลลาร์ที่ Sotheby's

บันทึกดังกล่าวมีขึ้นจนถึงวันที่ 8 พฤษภาคม 2016 เมื่อ Cattelan ทำงานที่ยั่วยุมากขึ้นของ Him ซึ่งเป็นภาพวาดของฮิตเลอร์ที่คุกเข่าลงภายใต้ค้อนมูลค่า 17.189 ล้านดอลลาร์ เรื่องนี้แปลก ชื่อก็แปลก การเลือกตัวละครมีความเสี่ยง ชอบทุกอย่างกับ Cattelan พระองค์หมายความว่าอย่างไร "พระองค์" หรือ "พระมหากรุณาธิคุณอันล้นพ้น"? เป็นที่ชัดเจนว่าเราไม่ได้พูดถึงการสวดมนต์ภาพของ Fuhrer แน่นอน ในงานนี้ ฮิตเลอร์ปรากฏตัวค่อนข้างไร้ประโยชน์และน่าสงสาร และไร้สาระ - การจุติของซาตานนั้นมีขนาดเท่ากับเด็ก สวมชุดนักเรียนชายและคุกเข่าด้วยสีหน้าที่อ่อนน้อมถ่อมตน สำหรับ Cattelan ภาพนี้เป็นการเชิญชวนให้ไตร่ตรองถึงธรรมชาติของความชั่วร้ายอย่างแท้จริงและวิธีกำจัดความกลัว อย่างไรก็ตาม ประติมากรรม “พระองค์” เป็นที่รู้จักในหมู่ผู้ชมชาวตะวันตก พี่น้องของเธอในซีรีส์ได้รับการจัดแสดงมากกว่า 10 ครั้งในพิพิธภัณฑ์ชั้นนำทั่วโลก รวมถึง Pompidou Center และพิพิธภัณฑ์ Solomon Guggenheim

15. MARC GROTJAN Untitled (S III เผยแพร่สู่ฝรั่งเศสหน้า 43.14) 2554 16.8 ล้านเหรียญสหรัฐ

เมื่อวันที่ 17 พฤษภาคม 2017 ภาพวาดที่ทรงพลังที่สุดชิ้นหนึ่งโดย Marc Grotjan ที่เคยประมูลได้ปรากฏขึ้นที่การประมูลตอนเย็นของ Christie's New York ภาพวาด "Untitled (S III Released to France Face 43.14)" จัดแสดงโดยนักสะสมชาวปารีส Patrick Seguin ด้วยมูลค่าประมาณ 13-16 ล้านเหรียญสหรัฐ และเนื่องจากการขายล็อตนี้ได้รับการค้ำประกันโดยบุคคลที่สาม จึงไม่มีใครแปลกใจเป็นพิเศษ โดยการสร้างสถิติการประมูลส่วนตัวใหม่โดยศิลปินวัย 49 ปี ราคาค้อน 14.75 ล้านดอลลาร์ (16.8 ล้านดอลลาร์กับ Buyer's Premium) แซงหน้าสถิติการประมูลครั้งก่อนของ Grotjan มากกว่า 10 ล้านดอลลาร์ ทำให้เขาอยู่ในกลุ่มศิลปินที่มีชีวิตซึ่งมีผลงานขายได้แปดหลัก ผลลัพธ์เดียวกันเจ็ดหลัก (ยอดขายมากกว่า 1 ล้านดอลลาร์ แต่ไม่เกิน 10 ล้านดอลลาร์) ในการประมูลกระปุกออมสิน Mark Grotyan ประมาณสามสิบ

Mark Grotjan (1968) ซึ่งผู้เชี่ยวชาญด้านการทำงานมองเห็นอิทธิพลของความทันสมัย ​​ความเรียบง่ายแบบนามธรรม ศิลปะป๊อปและศิลปะ ได้มาถึงอัตลักษณ์องค์กรของเขาในช่วงกลางทศวรรษ 1990 หลังจากย้ายกับเพื่อนของเขา Brent Peterson ไปลอสแองเจลิสและเปิดแกลเลอรี่ที่นั่น "ห้อง 702" เมื่อตัวศิลปินเองจำได้ ในเวลานั้นเขาเริ่มคิดว่าอะไรมาก่อนสำหรับเขาในงานศิลปะ เขากำลังมองหาแรงจูงใจที่เขาสามารถทดลองได้ และฉันก็รู้ว่าเขาสนใจเส้นและสีอยู่เสมอ การทดลองในจิตวิญญาณของเรยอนนิสม์และมินิมัลลิสต์ด้วยมุมมองเชิงเส้น จุดหายตัวไปมากมาย และรูปทรงสามเหลี่ยมนามธรรมหลากสีสันในท้ายที่สุดก็ทำให้ Grotjan โด่งดังไปทั่วโลก

จากภาพทิวทัศน์นามธรรมสีสันสดใสที่มีขอบฟ้าหลายจุดและจุดที่หายไป เขาลงเอยด้วยรูปทรงสามเหลี่ยมที่ชวนให้นึกถึงปีกผีเสื้อ ภาพวาดโดย Grotjan 2001–2007 พวกเขาเรียกมันว่า "ผีเสื้อ" ทุกวันนี้ การเคลื่อนย้ายจุดที่หายไปหรือใช้จุดที่หายไปหลายจุดพร้อมกันโดยเว้นระยะห่างในอวกาศ ถือเป็นเทคนิคที่ทรงพลังอย่างหนึ่งของศิลปิน

ผลงานชุดใหญ่ต่อไปเรียกว่า "ใบหน้า"; ในเส้นนามธรรมของซีรีส์นี้ เราสามารถเดาลักษณะของใบหน้ามนุษย์ได้ ซึ่งปรับให้เรียบง่ายขึ้นจนถึงสถานะของหน้ากากตามจิตวิญญาณของ Matisse, Jawlensky หรือ Brancusi นักวิจัยได้กล่าวถึงความเชื่อมโยงของใบหน้าของ Grotjan กับศิลปะดั้งเดิม ชนเผ่าในแอฟริกาและโอเชียเนีย ในขณะที่ ตัวศิลปินเองก็เพียง "ชอบภาพที่ตามองออกไปนอกป่า บางครั้งฉันก็นึกภาพใบหน้าของลิงบาบูนหรือลิง ฉันไม่สามารถพูดได้ว่าฉันได้รับอิทธิพลจากศิลปะแอฟริกันดึกดำบรรพ์โดยรู้ตัวหรือโดยไม่รู้ตัว แต่ฉันได้รับอิทธิพลจากศิลปินที่ได้รับอิทธิพลจากศิลปะนี้ ปิกัสโซเป็นตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุด"

ผลงานซีรีส์เรื่อง "หน้าตา" เรียกว่าโหด สง่า สบายตา และสบายใจ เมื่อเวลาผ่านไป เท็กซ์เจอร์ของงานเหล่านี้ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน เพื่อสร้างเอฟเฟกต์ของพื้นที่ภายใน ศิลปินใช้สีหนาเป็นเส้นกว้าง แม้กระทั่งการโปรยลงมาแบบพอลล็อค แต่พื้นผิวของภาพวาดถูกปรับระดับเพื่อให้เมื่อตรวจสอบอย่างใกล้ชิด ดูเหมือนแบนอย่างสมบูรณ์ ภาพวาดที่มีการบันทึกการประมูล Untitled (S III Released to France Face 43.14) เป็นของซีรีส์ที่โด่งดังนี้โดย Mark Grotjan

16. ทาคาชิ มูราคามิ คาวบอยผู้โดดเดี่ยวของฉัน $15.16 ล้าน

ญี่ปุ่น ทาคาชิ มูราคามิ (1962)เข้าสู่การจัดอันดับของเราด้วยประติมากรรม "คาวบอยผู้โดดเดี่ยวของฉัน", ขายที่ Sotheby's ในเดือนพฤษภาคม 2008 ในราคา $ 15.16 ล้าน. ด้วยการขายครั้งนี้ ทาคาชิ มูราคามิถือเป็นศิลปินเอเชียที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดมาอย่างยาวนาน จนกระทั่งเขาถูกบดบังด้วยการขาย The Last Supper โดย Zeng Fanzhi

ทาคาชิ มูราคามิทำงานเป็นศิลปิน ประติมากร นักออกแบบแฟชั่น และแอนิเมชั่น มูราคามิต้องการใช้สิ่งที่เป็นภาษาญี่ปุ่นอย่างแท้จริงเป็นพื้นฐานในการทำงานของเขา โดยไม่ต้องกู้ยืมเงินจากตะวันตกหรืออย่างอื่น ในช่วงเรียนหนังสือ เขารู้สึกทึ่งกับศิลปะญี่ปุ่นดั้งเดิมของนิฮงกะ ต่อมาถูกแทนที่ด้วยศิลปะยอดนิยมของอนิเมะและมังงะ ดังนั้นจึงถือกำเนิดขึ้นด้วยประสาทหลอน Mr DOB รูปแบบของดอกไม้ยิ้มและประติมากรรมไฟเบอร์กลาสที่แวววาว ราวกับว่าพวกเขาเพิ่งก้าวออกจากหน้าการ์ตูนญี่ปุ่น บางคนคิดว่าศิลปะของ Murakami เป็นอาหารจานด่วนและเป็นศูนย์รวมของความหยาบคาย คนอื่นเรียกศิลปินว่า Andy Warhol ชาวญี่ปุ่น - และในอันดับหลัง ๆ อย่างที่เราเห็นว่ามีคนรวยมากหลายคน

มูราคามิยืมชื่อประติมากรรมของเขามาจากภาพยนตร์เรื่อง The Lonely Cowboys (1968) ของ Andy Warhol ซึ่งชาวญี่ปุ่นเองก็ยอมรับว่าไม่เคยดู แต่เขาชอบการผสมผสานของคำมาก มูราคามิกับประติมากรรมชิ้นหนึ่งทำให้แฟนๆ ของการ์ตูนญี่ปุ่นอีโรติกพอใจและหัวเราะเยาะพวกเขา ขนาดที่เพิ่มขึ้นและนอกเหนือจากสามมิติแล้วฮีโร่อนิเมะก็กลายเป็นเครื่องรางของวัฒนธรรมมวลชน คำแถลงศิลปะนี้ค่อนข้างอยู่ในจิตวิญญาณของป๊อปอาร์ตแบบตะวันตกคลาสสิก (จำชุดเฟอร์นิเจอร์ของ Allen Jones หรือ Pink Panther ของ Koons) แต่มีความบิดเบี้ยวในระดับชาติ

17. KAWS. อัลบั้ม KAWS. 2548 $14,784,505

KAWS เป็นนามแฝงของ Brian Donelly ศิลปินชาวอเมริกันจากนิวเจอร์ซีย์ เขาเป็นผู้เข้าร่วมที่อายุน้อยที่สุดในการจัดอันดับของเรา เกิดในปี 1974 Donelly เริ่มต้นเป็นแอนิเมชั่นที่ Disney (วาดพื้นหลังสำหรับการ์ตูน "101 Dalmatians" และอื่นๆ) ฉันสนใจกราฟฟิตี้มาตั้งแต่เด็ก ในตอนแรก การออกแบบที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาคือกะโหลกศีรษะที่มีตัว "X" แทนเบ้าตา งานของนักเขียนรุ่นเยาว์เป็นที่ชื่นชอบของนักธุรกิจการแสดงและผู้คนจากวงการแฟชั่น เขาทำปกอัลบั้ม Kanye West ออกความร่วมมือกับ Nike, Comme des Garçons และ Uniqlo เมื่อเวลาผ่านไป KAWS ได้กลายเป็นบุคคลที่มีชื่อเสียงในโลกศิลปะร่วมสมัย ตุ๊กตามิกกี้เมาส์อันเป็นเอกลักษณ์ของเขาได้เข้าสู่พิพิธภัณฑ์ พื้นที่สาธารณะ และของสะสมส่วนตัว เมื่อ KAWS ได้เปิดตัวของเล่นไวนิลรุ่นลิมิเต็ดอิดิชั่นกับแบรนด์ My Plastic Heart และทันใดนั้นพวกเขาก็กลายเป็นที่สนใจของนักสะสมระดับสูง หนึ่งในนักสะสมที่หลงใหลใน "ของเล่น" เหล่านี้คือผู้ก่อตั้ง Black Star แร็ปเปอร์ Timati: เขารวบรวม "Cavs Companions" ซีรีส์ทั้งหมดเกือบทั้งหมด

งานของ KAWS สร้างสถิติสำหรับผลงานของศิลปิน - 14.7 ล้านเหรียญสหรัฐ - ที่การประมูลของ Sotheby ในฮ่องกงเมื่อวันที่ 1 เมษายน 2019 มันเคยอยู่ในคอลเล็กชั่นแฟชั่นดีไซน์เนอร์ชาวญี่ปุ่น Nigo Meter canvas อัลบั้ม KAWS เป็นการแสดงความเคารพต่อปกอัลบั้ม The Beatles อันโด่งดัง "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" ในปี 1967 แทนที่จะเป็นผู้คนเท่านั้น แต่มี Kimpsons - ตัวละครเก๋เก๋จากซีรีส์การ์ตูน Simpsons ที่มี "X" แทนดวงตา

18. จินชาน เจ้าสาวทาจิกิ 2526. 13.89 ล้านดอลลาร์

ในบรรดาศิลปินจีนที่อายุน้อยและค่อนข้างร่วมสมัย ซึ่งทั้งหมดอยู่ในกลุ่มที่เรียกว่า "คลื่นลูกใหม่" ของศิลปะจีนช่วงปลายทศวรรษ 1980 การจัดประเภทของเรารวมตัวแทนของคนรุ่นอื่นและโรงเรียนอื่นโดยไม่คาดคิด Jin Shan (Jin Shangyi) ซึ่งตอนนี้อายุมากกว่า 80 ปีเป็นตัวแทนของศิลปินรุ่นแรกในจีนคอมมิวนิสต์ มุมมองของศิลปินกลุ่มนี้เกิดขึ้นมากมายภายใต้อิทธิพลของพันธมิตรคอมมิวนิสต์ที่ใกล้ที่สุด - สหภาพโซเวียต

ศิลปะโซเวียตอย่างเป็นทางการ ความสมจริงของสังคมนิยม ภาพเขียนสีน้ำมัน ซึ่งยังคงไม่ธรรมดาสำหรับประเทศจีน (เมื่อเทียบกับภาพวาดด้วยหมึกจีนแบบดั้งเดิม) ในปี 1950 ได้รับความนิยมสูงสุด และศิลปินโซเวียต Konstantin มาที่มหาวิทยาลัยศิลปะปักกิ่งเป็นเวลาสามปี ( จากปีพ. ศ. 2497 ถึง 2500) เพื่อสอน Methodievich Maksimov Jin Shani ซึ่งตอนนั้นอายุน้อยที่สุดในกลุ่มได้เข้าเรียนในชั้นเรียนของเขา ศิลปินจำครูของเขาด้วยความอบอุ่นเสมอโดยบอกว่า Maksimov เป็นคนที่สอนให้เขาเข้าใจและพรรณนาแบบจำลองอย่างถูกต้อง K.M. Maksimov ได้นำกาแล็กซี่ของนักสัจนิยมจีนมารวมกันซึ่งตอนนี้เป็นคลาสสิก

ในงานของ Jin Shan เราสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของทั้ง "รูปแบบที่รุนแรง" ของโซเวียตและโรงเรียนจิตรกรรมยุโรป ศิลปินทุ่มเทเวลาอย่างมากในการศึกษามรดกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและความคลาสสิก ในขณะที่เขาคิดว่าจำเป็นต้องรักษาจิตวิญญาณของจีนไว้ในผลงานของเขา ภาพวาด "เจ้าสาวทาจิกิสถาน" ซึ่งวาดในปี 2526 ถือเป็นผลงานชิ้นเอกที่เป็นที่ยอมรับในระดับสากล ซึ่งเป็นก้าวใหม่ในผลงานของจินชาน เธอคือผู้ถูกประมูลในการประมูลของ China Guardian ในเดือนพฤศจิกายน 2013 และขายได้แพงกว่าที่ประเมินไว้หลายเท่า ด้วยเงิน 13.89 ล้านดอลลาร์ รวมค่าคอมมิชชันด้วย

19. BANKSY รัฐสภาเสื่อมโทรม 2551. 12.14 ล้านดอลลาร์

ภาพวาดฝาผนังที่มีป้าย Banksy เริ่มปรากฏบนกำแพงเมืองต่างๆ (ครั้งแรกในสหราชอาณาจักรและทั่วโลก) ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 ปรัชญาและกราฟฟิตีที่คมชัดของเขาในเวลาเดียวกันนั้นอุทิศให้กับปัญหาของการโจมตีของรัฐต่อเสรีภาพของประชาชน, อาชญากรรมต่อสิ่งแวดล้อม, การบริโภคที่ขาดความรับผิดชอบและความไร้มนุษยธรรมของระบบการย้ายถิ่นที่ผิดกฎหมาย เมื่อเวลาผ่านไป กำแพงของ Banksy "ประณาม" ก็ได้รับความนิยมจากสื่ออย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน อันที่จริง เขากลายเป็นหนึ่งในโฆษกหลักของความคิดเห็นของประชาชนที่ประณามความหน้าซื่อใจคดของรัฐและบรรษัท ทำให้เกิดความอยุติธรรมเพิ่มขึ้นในระบบทุนนิยม

ความสำคัญของ Banksy ความรู้สึกของ "เส้นประสาทแห่งเวลา" และความแม่นยำของคำอุปมาอุปมัยของเขาไม่เพียง แต่ได้รับการชื่นชมจากผู้ชมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักสะสมด้วย ในปี 2010 มีการมอบผลงานของเขาหลายแสนหรือมากกว่าหนึ่งล้านดอลลาร์ มันถึงจุดที่กราฟิตีของ Banksy ถูกทำลายและถูกขโมยไปพร้อมกับชิ้นส่วนของกำแพง

ในยุคของการเฝ้าระวังทางดิจิทัลขั้นสูง Banksy ยังคงไม่เปิดเผยตัว มีรุ่นที่นี่ไม่ใช่คนเดียวอีกต่อไป แต่เป็นกลุ่มศิลปินหลายคนที่นำโดยผู้หญิงที่มีความสามารถ นั่นจะอธิบายได้มาก และความแตกต่างภายนอกของนักเขียนที่ติดอยู่ในเลนส์ของกล้องของพยานและวิธีการใช้งานลายฉลุที่ไม่มีตัวตน (ให้ความเร็วสูงและไม่ต้องการการมีส่วนร่วมโดยตรงของผู้เขียน) และความโรแมนติกที่สัมผัสได้ของวัตถุในภาพวาด (ลูกบอล เกล็ดหิมะ ฯลฯ) อย่างไรก็ตาม ผู้คนจากโครงการ Banksy รวมทั้งผู้ช่วยของเขารู้วิธีหุบปาก

ในปี 2019 งานที่แพงที่สุดของ Banksy กลายเป็นผ้าใบขนาดสี่เมตร Devolved Parliament ("เสื่อมโทรม", "เสื่อมโทรม" หรือ "ได้รับมอบอำนาจ" รัฐสภา) ลิงชิมแปนซีโต้เถียงกันในสภาดูเหมือนจะล้อเลียนผู้ชมในปีที่ Brexit อื้อฉาว เป็นเรื่องน่าประหลาดใจที่ภาพเขียนนี้ถูกวาดขึ้นเมื่อ 10 ปีก่อนจุดเปลี่ยนทางประวัติศาสตร์ ดังนั้นจึงมีคนมองว่าเป็นภาพพยากรณ์ ในการประมูลของ Sotheby เมื่อวันที่ 3 ตุลาคม 2019 ผู้ซื้อที่ไม่รู้จักซื้อน้ำมันในราคา 12,143,000 ดอลลาร์ในการประมูลที่ดุเดือด ซึ่งมากกว่าราคาประมาณการเบื้องต้นถึงหกเท่า

20. JOHN CURREN "หวานและเรียบง่าย" 2542. 12.007 ล้านเหรียญสหรัฐ

ศิลปินชาวอเมริกัน จอห์น เคอร์แรน (1962)เป็นที่รู้จักจากภาพเขียนเชิงเสียดสีเกี่ยวกับประเด็นทางเพศและสังคมที่ยั่วยุ งานของ Curren สามารถผสมผสานเทคนิคการวาดภาพของปรมาจารย์เก่า (โดยเฉพาะ Lucas Cranach the Elder และมารยาท) และการถ่ายภาพแฟชั่นจากนิตยสารเคลือบเงา Karren มักบิดเบือนสัดส่วนของร่างกายมนุษย์ ขยายหรือย่อส่วนต่างๆ ของร่างกาย แสดงให้เห็นวีรบุรุษในท่าที่แตกสลายและมีมารยาท

Curren เริ่มต้นในปี 1989 ด้วยภาพเหมือนของเด็กผู้หญิงที่วาดใหม่จากอัลบั้มของโรงเรียน ดำเนินต่อไปในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ด้วยภาพความงามของหน้าอกที่ได้รับแรงบันดาลใจจากภาพถ่ายจาก Cosmopolitan และ Playboy; ในปี 1992 ภาพเหมือนของหญิงชราผู้มั่งคั่งปรากฏ; และในปี 1994 Curren ได้แต่งงานกับประติมากร Rachel Feinstein ซึ่งกลายเป็นรำพึงและนางแบบหลักของเขามาหลายปี ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 ความสามารถทางเทคนิคของ Currin รวมกับศิลปที่ไร้ค่าและความแปลกประหลาดของภาพวาดของเขา ทำให้เขาได้รับความนิยม ในปี 2546 ลาร์รีกาโกเซียนเข้ามารับตำแหน่งศิลปินและหากตัวแทนจำหน่ายอย่างกาโกเซียนรับตำแหน่งผู้เขียนก็รับประกันความสำเร็จ ในปี พ.ศ. 2547 มีการจัดงานย้อนหลังของ John Curran ที่พิพิธภัณฑ์วิทนีย์

ในช่วงเวลานี้ งานของเขาเริ่มขายได้หกหลัก สถิติปัจจุบันสำหรับภาพวาดของ John Curran เป็นของ Sweet and Simple ซึ่งขายเมื่อวันที่ 15 พฤศจิกายน 2016 ที่ Christie's ในราคา 12 ล้านเหรียญสหรัฐ ตอนนี้อายุมากกว่า 50 ปี นี่คือความก้าวหน้าในอาชีพการงานอย่างแน่นอน สถิติก่อนหน้าของเขาในปี 2551 อยู่ที่ 5.5 ล้านดอลลาร์ (จ่ายให้กับงานเดียวกัน "น่ารักและเรียบง่าย")

21. ไบรซ์ มาร์เดน ที่เข้าร่วม. 1996–1999 10.917 ล้านเหรียญสหรัฐ

ศิลปินนามธรรมชาวอเมริกันที่มีชีวิตอีกคนในการจัดอันดับของเราคือ Bryce Marden (1938) ผลงานของ Marden ในรูปแบบของความเรียบง่ายและตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1980 - ภาพวาดด้วยท่าทางมีความโดดเด่นด้วยจานสีที่ปิดเสียงเล็กน้อยของผู้แต่งที่ไม่เหมือนใคร การผสมสีในผลงานของ Marden ได้รับแรงบันดาลใจจากการเดินทางรอบโลก - กรีซ อินเดีย ไทย และศรีลังกา ในบรรดาผู้เขียนที่มีอิทธิพลต่อการก่อตัวของ Marden คือ Jackson Pollock (ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 Marden ทำงานเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยที่พิพิธภัณฑ์ Jewish ซึ่งเขาสังเกตเห็น "หยด") ของ Pollock เป็นการส่วนตัว Alberto Giacometti (คุ้นเคยกับงานของเขาในปารีส) และ Robert Rauschenberg (บางคนในขณะที่ Marden ทำงานเป็นผู้ช่วยของเขา) ขั้นตอนแรกของงานของ Marden นั้นเน้นไปที่ผืนผ้าใบเรียบง่ายคลาสสิกซึ่งประกอบด้วยบล็อกสี่เหลี่ยมสี (แนวนอนหรือแนวตั้ง) Marden ต่างจากคนมินิมัลลิสต์คนอื่นๆ ที่แสวงหาคุณภาพงานในอุดมคติ ราวกับว่าพิมพ์ด้วยเครื่องจักรและไม่ได้วาดโดยบุคคล Marden ยังคงรักษาร่องรอยของงานของศิลปินไว้ โดยผสมผสานวัสดุต่างๆ (แว็กซ์และสีน้ำมัน) ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1980 ภายใต้อิทธิพลของการประดิษฐ์ตัวอักษรแบบตะวันออก นามธรรมทางเรขาคณิตได้ถูกแทนที่ด้วยเส้นที่คดเคี้ยวไปมา ซึ่งพื้นหลังเป็นทุ่งสีโมโนโครมเดียวกัน หนึ่งในผลงาน "คดเคี้ยว" เหล่านี้ - "ผู้เข้าร่วม" - ขายที่ Sotheby's ในเดือนพฤศจิกายน 2556 ด้วยราคา 10.917 ล้านดอลลาร์รวมถึงค่าคอมมิชชั่น

22. ปิแอร์ โซลเลจ Peinture 186 x 143 ซม. 23 ธันวาคม 2502 10.6 ล้านเหรียญสหรัฐ

23. จางเสี่ยวกัง รักนิรนดร์. 10.2 ล้านเหรียญสหรัฐ

ตัวแทนของศิลปะร่วมสมัยของจีนอีกคนหนึ่งคือสัญลักษณ์และเซอร์เรียลลิสต์ จางเสี่ยวกัง (1958). ที่ Sotheby's Hong Kong 3 เมษายน 2554ที่ซึ่งชาวจีนเปรี้ยวจี๊ดจากคอลเลกชันของบารอนชาวเบลเยียม Guy Ullens ถูกขายอันมีค่าของ Zhang Xiaogang "รักนิรนดร์"ถูกขายในราคา $ 10.2 ล้าน. ในเวลานั้น ไม่เพียงแต่เป็นผลงานของศิลปินเท่านั้น แต่ยังเป็นผลงานศิลปะร่วมสมัยของจีนอีกด้วย ว่ากันว่างานของ Xiaogang ถูกซื้อโดยภรรยาของมหาเศรษฐี Wang Wei ซึ่งกำลังจะเปิดพิพิธภัณฑ์ของเธอเอง

จาง เสี่ยวกัง ผู้ชื่นชอบเวทย์มนต์และปรัชญาตะวันออก ได้เขียนเรื่องราวของ "ความรักนิรันดร์" ในสามส่วน ได้แก่ ชีวิต ความตาย และการเกิดใหม่ อันมีค่านี้ถูกนำเสนอในนิทรรศการ China/Avant-Garde ปี 1989 อันเป็นสัญลักษณ์ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งชาติ นอกจากนี้ในปี 1989 การประท้วงของนักศึกษาถูกทหารปราบปรามอย่างไร้ความปราณีในจัตุรัสเทียนอันเหมิน หลังจากเหตุการณ์โศกนาฏกรรมนี้ สกรูเริ่มแน่น - นิทรรศการที่พิพิธภัณฑสถานแห่งชาติถูกแยกย้ายกันไป ศิลปินหลายคนอพยพ ในการตอบสนองต่อสัจนิยมสังคมนิยมที่กำหนดจากเบื้องบน ทิศทางของสัจนิยมถากถางก็เกิดขึ้น ตัวแทนหลักคนหนึ่งคือจางเสี่ยวกัง

24. บรูซ นอมัน ทำอะไรไม่ถูกเฮนรี่มัวร์ พ.ศ. 2510 9.9 ล้านเหรียญสหรัฐ

อเมริกัน บรูซ นอแมน (1941)ผู้ชนะรางวัลใหญ่ของงาน Venice Biennale ครั้งที่ 48 (1999) ได้เข้าสู่สถิติของเขามานานแล้ว Nauman เริ่มอาชีพของเขาในอายุหกสิบเศษ ผู้ที่ชื่นชอบเรียกเขาพร้อมกับ Andy Warhol และ Joseph Beuys ซึ่งเป็นหนึ่งในบุคคลที่มีอิทธิพลมากที่สุดในศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ยี่สิบ อย่างไรก็ตาม ความฉลาดทางปัญญาที่มั่งคั่งและการไม่ตกแต่งอย่างเด็ดขาดของงานบางชิ้นของเขาขัดขวางการรับรู้อย่างรวดเร็วและความสำเร็จของเขากับสาธารณชนทั่วไป Nauman มักทำการทดลองเกี่ยวกับภาษา โดยค้นพบความหมายที่ไม่คาดคิดของวลีที่คุ้นเคย คำพูดกลายเป็นตัวละครหลักในผลงานหลายชิ้นของเขา รวมถึงป้ายและแผงป้ายนีออน Nauman เองเรียกตัวเองว่าประติมากร แม้ว่าในช่วงสี่สิบปีที่ผ่านมาเขาได้ลองตัวเองในประเภทที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง - ประติมากรรม, การถ่ายภาพ, วิดีโออาร์ต, การแสดง, กราฟิก ในช่วงต้นทศวรรษ 1990 แลร์รี กาโกเซียนกล่าวคำพยากรณ์ว่า "คุณค่าที่แท้จริงของงานของนอมันน์ยังไม่เป็นที่ทราบแน่ชัด" และมันก็เกิดขึ้น: 17 พฤษภาคม 2544ที่ Christie's by Naumann ในปี 1967 "ทำอะไรไม่ถูก เฮนรี่ มัวร์ (มุมมองด้านหลัง)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) สร้างสถิติใหม่ในกลุ่มงานศิลปะหลังสงคราม มือของนอมันน์ผูกไว้ที่หลังของเขา ทำจากปูนปลาสเตอร์และขี้ผึ้ง เข้าไปใต้ค้อนด้วยราคา $ 9.9 ล้านในคอลเล็กชั่นของเจ้าสัวฝรั่งเศส Francois Pinault (อ้างอิงจากแหล่งอื่น American Phyllis Wattis) ประมาณการของงานเพียง 2-3 ล้านเหรียญเท่านั้น ดังนั้นผลลัพธ์ที่ได้จึงเป็นเรื่องที่น่าประหลาดใจสำหรับทุกคน

ก่อนที่จะมีการขายในตำนานนี้ ผลงานของนอมันน์เพียงสองชิ้นเท่านั้นที่ทำเงินทะลุหลักล้านได้ และในอาชีพการประมูลทั้งหมดของเขาจนถึงตอนนี้ มีเพียงหกผลงานเท่านั้น นอกเหนือจาก "เฮนรี่ มัวร์ ..." ที่มีตัวเลขเจ็ดหลักแล้ว แต่ผลงานของพวกเขายังเทียบไม่ได้กับเก้าล้านชิ้น

"Helpless Henry Moore" เป็นหนึ่งในผลงานเชิงโต้แย้งของ Naumann เกี่ยวกับร่างของ Henry Moore (1898–1986) ศิลปินชาวอังกฤษที่ได้รับการพิจารณาให้เป็นหนึ่งในประติมากรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ในอายุหกสิบเศษ นักเขียนรุ่นเยาว์ซึ่งพบว่าตัวเองอยู่ภายใต้เงาของอาจารย์ที่เป็นที่รู้จัก จากนั้นก็โจมตีเขาด้วยการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรง งานของ Naumann เป็นการตอบสนองต่อคำวิจารณ์นี้และในขณะเดียวกันก็เป็นการสะท้อนถึงหัวข้อของความคิดสร้างสรรค์ ชื่อของงานกลายเป็นปุนเนื่องจากมันเชื่อมโยงสองความหมายของคำภาษาอังกฤษที่ถูกผูกไว้ (ตามตัวอักษร) และถึงวาระที่จะชะตากรรมบางอย่าง

ความสนใจ! วัสดุทั้งหมดของไซต์และฐานข้อมูลของผลการประมูลของไซต์ รวมถึงข้อมูลอ้างอิงที่แสดงเกี่ยวกับงานที่ขายในการประมูล มีวัตถุประสงค์เพื่อการใช้งานตาม Art เท่านั้น 1274 แห่งประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย ไม่อนุญาตให้ใช้เพื่อวัตถุประสงค์ทางการค้าหรือละเมิดกฎที่กำหนดโดยประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย เว็บไซต์จะไม่รับผิดชอบต่อเนื้อหาของวัสดุที่ส่งโดยบุคคลที่สาม ในกรณีที่ละเมิดสิทธิ์ของบุคคลที่สาม ผู้ดูแลเว็บไซต์ขอสงวนสิทธิ์ในการลบออกจากเว็บไซต์และจากฐานข้อมูลตามคำขอของหน่วยงานที่ได้รับอนุญาต

"ภูมิทัศน์ถนนเบิร์ชโกรฟ" 120x100
มีดจานสีน้ำมันผ้าใบ
คอนสแตนติน ลอริส-เมลิคอฟ

ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21
— ทุกอย่าง,
ถากถาง แดกดัน แดกดัน ประชาธิปไตย - พวกเขาเรียกพระอาทิตย์ตกของยุคที่ยิ่งใหญ่

ลัทธิหลังสมัยใหม่พบว่าตัวเองอยู่ในสถานการณ์ที่ทุกอย่างถูกพูดต่อหน้าพวกเขา และทั้งหมดที่พวกเขาต้องทำคือใช้สิ่งที่พวกเขาสร้างขึ้น ผสมผสานสไตล์ สร้าง ถ้าไม่ใช่เรื่องใหม่ แต่เป็นงานศิลปะที่น่าจดจำ...

ทิศทางที่สว่างที่สุด:

1. neorealism;


2. ศิลปะน้อยที่สุด;


3. ยุคหลังสมัยใหม่;


4. เหนือจริง;


5. การติดตั้ง;


6. สิ่งแวดล้อม;


7. วิดีโออาร์ต;


8. กราฟฟิตี;


9. ทรานส์แวนต์-การ์ด;


10. ศิลปะบนเรือนร่าง;


11. ภาวะติดขัด;


12. เนื้องอก;


13. ศิลปะข้างถนน;


14. จดหมายศิลปะ;


15. ไม่มีศิลปะ

1. ลัทธิใหม่นิยม
นี่คือศิลปะของอิตาลีหลังสงคราม ซึ่งต่อสู้กับการมองโลกในแง่ร้ายหลังสงคราม

หน้าใหม่ของ อาร์ต ยูไนเต็ด
abstractionists และ realists และใช้เวลาเพียง 4 ปี แต่จาก
ศิลปินที่มีชื่อเสียงออกมา: Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto
เทรคคานี พวกเขาพรรณนาถึงคนงานและชาวนาอย่างชัดเจนและชัดเจน

แนวโน้มที่คล้ายคลึงกันปรากฏในอื่นๆ
ประเทศต่างๆ แต่โรงเรียนแห่ง neorealism ถือเป็นโรงเรียนที่ฉลาดที่สุดซึ่ง
ปรากฏตัวในอเมริกาผ่านความพยายามของนักจิตรกรรมฝาผนังดิเอโก ริเวรา

ชม: เรนาโต้ กัตตูโซ

จิตรกรรมฝาผนังโดย Diego Rivera - ทำเนียบประธานาธิบดี (เม็กซิโกซิตี้, เม็กซิโก)

ชิ้นส่วนของปูนเปียกโดย Diego Rivera สำหรับโรงแรม Prado ในเม็กซิโกซิตี้ "Sunday Dream in Alameda Park", 1948

2. ศิลปะขั้นต่ำ
นี่คือทิศทางของเปรี้ยวจี๊ด
ใช้แบบฟอร์มธรรมดาและไม่รวมการเชื่อมโยงใดๆ

คาร์ล อังเดร 2507

ทิศทางนี้ปรากฏในสหรัฐอเมริกาในตอนท้าย
60s. Minimalists เรียก Marcel Duchamp ผู้เป็นบรรพบุรุษโดยตรงของพวกเขา
(สำเร็จรูป), Piet Mondrian ( neoplasticism) และ Kazimir Malevich
(Suprematism) เขาเรียกสี่เหลี่ยมสีดำของเขาว่างานแรก
ศิลปะน้อยที่สุด

เรียบง่ายและเป็นรูปทรงเรขาคณิต
องค์ประกอบที่ถูกต้อง - กล่องพลาสติก, แท่งโลหะ,
โคน - ถูกสร้างขึ้นในสถานประกอบการอุตสาหกรรมตามแบบร่างของศิลปิน

นาฬิกา:

ผลงานของโดนัลด์ จัดด์, คาร์ล
อังเดร โซลา เลวิตา — พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา), พิพิธภัณฑ์
ศิลปะร่วมสมัย (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา), พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน (นิวยอร์ก,
สหรัฐอเมริกา).

3. โพสต์โมเดิร์น นี่คือรายการแนวโน้มที่ไม่สมจริงในช่วงปลายศตวรรษที่ 20

แวนเชกี มูตู. Collage "อวัยวะสืบพันธุ์ของสตรีวัยผู้ใหญ่", 2005

วัฏจักรเป็นลักษณะของศิลปะ แต่
หลังสมัยใหม่กลายเป็นตัวอย่างแรกของ "การปฏิเสธการปฏิเสธ" ที่จุดเริ่มต้น
สมัยใหม่ปฏิเสธความคลาสสิกและลัทธิหลังสมัยใหม่ปฏิเสธความทันสมัยเช่น
ก่อนหน้านี้เขาปฏิเสธคลาสสิก ลัทธิหลังสมัยใหม่กลับสู่รูปแบบเหล่านั้นและ
แบบสมัยก่อนแต่อยู่ในระดับที่สูงกว่า

ลัทธิหลังสมัยใหม่เป็นผลพวงของยุคสมัย
เทคโนโลยีล่าสุด ดังนั้นคุณลักษณะเฉพาะของมันคือส่วนผสม
รูปแบบ รูปภาพ ยุคสมัยและวัฒนธรรมย่อยที่แตกต่างกัน หลักสำหรับลัทธิหลังสมัยใหม่
กำลังพูดเล่นกลกับใบเสนอราคา

ชม: Tate Gallery (ลอนดอน,
สหราชอาณาจักร), พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งชาติ Pompidou
(ปารีส ฝรั่งเศส), พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ (นิวยอร์ก, สหรัฐอเมริกา)

ไฮเปอร์เรียลลิสม์ ศิลปะที่เลียนแบบการถ่ายภาพ

ชัค โคลส. "โรเบิร์ต", 2517

ศิลปะนี้เรียกอีกอย่างว่า Superrealism
Photorealism, Radical Realism หรือ Cold Realism มันปรากฏ
ทิศทางในอเมริกาในทศวรรษที่ 60 และ 10 ปีต่อมาเริ่มแพร่หลายใน
ยุโรป.

Hyperrealism, photorealism, ดอนเอ็ดดี้,

ศิลปินแนวนี้แน่ๆ
คัดลอกโลกตามที่เราเห็นในภาพถ่าย ในผลงานของศิลปิน
มีการอ่านการประชดเกี่ยวกับเทคโนโลยี ศิลปินวาดภาพเป็นส่วนใหญ่
เรื่องราวจากชีวิตของมหานครสมัยใหม่

ริชาร์ด เอสเตส- ชอบภาพสะท้อนของมหานครในหน้าต่างร้านค้า บนฝากระโปรงรถ หรือเคาน์เตอร์ร้านกาแฟ

นาฬิกา:

ผลงานของ Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes - พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน, พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ (นิวยอร์ก, สหรัฐอเมริกา), พิพิธภัณฑ์บรูคลิน (สหรัฐอเมริกา)

5. การติดตั้ง
นี่คือองค์ประกอบในแกลเลอรีซึ่งสามารถสร้างขึ้นจากอะไรก็ได้ สิ่งสำคัญคือมีข้อความย่อยและแนวคิด

น้ำพุ (ดูชอง)

ไม่น่าจะใช่นะ
ทิศทาง ไม่ใช่สำหรับโถฉี่อันเป็นเอกลักษณ์ของ Duchamp ชื่อของโลกหลัก
โปรแกรมติดตั้ง: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis และ Kabakov

“จิม ไดน์ จากคอลเลกชั่นของ Centre Pompidou»

สิ่งสำคัญในการติดตั้งคือซับเท็กซ์เองและพื้นที่ที่ศิลปินชนกับวัตถุซ้ำซาก

นาฬิกา:
Tate Modern (ลอนดอน, สหราชอาณาจักร), พิพิธภัณฑ์ Guggenheim (นิวยอร์ก, สหรัฐอเมริกา)

6. สิ่งแวดล้อม

เป็นศิลปะในการสร้างองค์ประกอบ 3 มิติที่เลียนแบบโลกแห่งความจริง

เป็นแนวทางในศิลปะของสิ่งแวดล้อม
ปรากฏขึ้นในปี ค.ศ. 1920 มาก่อนเวลาหลายเท่า
เป็นเวลาหลายทศวรรษศิลปิน Dadaist เมื่อเขานำเสนอต่อสาธารณชนของเขา
ผลิตภัณฑ์ "อาคาร Merz" - โครงสร้างสามมิติของวัตถุต่างๆและ
วัสดุดีสำหรับอะไรนอกจากการไตร่ตรอง

Edward Kienholtz

ครึ่งศตวรรษต่อมา แนวนี้กลายเป็น
ทำงานและสืบทอดตำแหน่งต่อจาก Edward Kienholtz และ George Siegel สู่งานของคุณ
พวกเขาจำเป็นต้องแนะนำองค์ประกอบที่น่าตกใจของจินตนาการลวง

นาฬิกา:
ผลงานของ Edward Kienholtz และ George Siegel
— พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ (สตอกโฮล์ม สวีเดน)

7. วิดีโออาร์ต

ทิศทางนี้เกิดขึ้นในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 20 เนื่องจากการปรากฏตัวของกล้องวิดีโอแบบพกพา

นี่เป็นอีกหนึ่งความพยายามในการคืนงานศิลปะให้กับ
ความเป็นจริง แต่ตอนนี้ ด้วยความช่วยเหลือของวิดีโอและเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์
American Nam June Paik ทำวิดีโอเกี่ยวกับสมเด็จพระสันตะปาปาที่เดินผ่านถนน
นิวยอร์กและกลายเป็นศิลปินวิดีโอคนแรก

อิทธิพลการทดลองของ Nam June Paik
โทรทัศน์, มิวสิควิดีโอ (เขายืนอยู่ที่ด้านล่างของช่องเอ็มทีวี)
เอฟเฟกต์คอมพิวเตอร์ในภาพยนตร์ ผลงานของจูน เป๊ก บิล วิโอลา จัดให้
ทิศทางของศิลปะเป็นกิจกรรมสำหรับการทดลอง พวกเขาใส่
จุดเริ่มต้นของ "วิดีโอประติมากรรม" "วิดีโอการติดตั้ง" และ "วิดีโอโอเปร่า"

นาฬิกา:
วิดีโออาร์ตตั้งแต่ประสาทหลอนไปจนถึงโซเชียล
(เป็นที่นิยมในประเทศจีน, Chen-che-yen บน Youtube.com)

8. กราฟฟิติ

จารึกและภาพวาดบนผนังบ้านที่มีข้อความเป็นตัวหนา

ปรากฏตัวครั้งแรกในยุค 70 ในภาคเหนือ
อเมริกา. เจ้าของแกลลอรี่ของเขตหนึ่งมีความเกี่ยวข้องกับรูปร่างหน้าตาของพวกเขา
แมนฮัตตัน. พวกเขากลายเป็นผู้อุปถัมภ์ความคิดสร้างสรรค์ของผู้ที่อาศัยอยู่ข้างๆพวกเขา
ชาวเปอร์โตริโกและจาเมกา กราฟฟิตี้ผสมผสานองค์ประกอบของเมือง
วัฒนธรรมย่อยและชาติพันธุ์

คีธ แฮริ่ง อัจฉริยะด้านศิลปะป๊อป

ชื่อจากประวัติศาสตร์กราฟฟิตี: Keith Haring
ฌอง-มิเชล บาสเกียต, จอห์น มาทอม, เคนนี่ ชาร์ฟ บุคลิกที่น่าอับอาย
Banksy เป็นศิลปินกราฟฟิตีชาวอังกฤษ มีโปสการ์ดกับผลงานของเขาด้วย
ร้านขายของที่ระลึกของอังกฤษ

นาฬิกา:
พิพิธภัณฑ์กราฟฟิตี (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา) ผลงานของ Banksy - ที่ banksy.co.uk

9. ทรานส์แวนการ์ด
หนึ่งในแนวโน้มของการวาดภาพหลังสมัยใหม่ ผสมผสานอดีตภาพวาดใหม่และความชัดเจน

ผลงานของ Alexander Roitburd ศิลปินข้ามพรมแดน

ผู้เขียนคำว่า transavant-garde -
นักวิจารณ์ร่วมสมัย Bonito Oliva โดยคำนี้เขานิยามความคิดสร้างสรรค์
5 เพื่อนร่วมชาติของเขา - Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco
เคลเมนเต, มิมโม ปาลาดิโน, นิโคโล เดอ มาเรีย งานของพวกเขาโดดเด่นด้วย:
การผสมผสานของรูปแบบคลาสสิก ขาดความผูกพันกับชาติ
โรงเรียน ที่ตั้งเพื่อความสุขทางสุนทรียะและพลวัต

Francesco Clemente ใน Schirn (แฟรงค์เฟิร์ต)

ชม: พิพิธภัณฑ์ Peggy's Collection
Guggenheim (เวนิส, อิตาลี), พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ใน Palazzo
(เวนิส ประเทศอิตาลี) หอศิลป์สมัยใหม่ (มิลาน ประเทศอิตาลี)

10. ศิลปะบนเรือนร่าง

ทิศทางหนึ่งของการกระทำนิยม ร่างกายทำหน้าที่เป็นผ้าใบ

ศิลปะบนเรือนร่างเป็นหนึ่งในการแสดงออกของวัฒนธรรมพังค์ในยุค 70
มันเกี่ยวข้องโดยตรงกับแฟชั่นสำหรับรอยสักและการเปลือยกายที่ปรากฎในตอนนั้น

ภาพมีชีวิตถูกสร้างขึ้นตรงหน้า
ผู้ชมที่บันทึกไว้ในวิดีโอแล้วออกอากาศในแกลเลอรี่ บรูซ
Naumann แสดงภาพโถปัสสาวะของ Duchamp ในแกลเลอรี ดูเอ็ท กิลเบิร์ต และ
จอร์จเป็นประติมากรรมที่มีชีวิต พวกเขาพรรณนาถึงประเภทของชาวอังกฤษโดยเฉลี่ย

ดู: ตัวอย่างเช่นบนเว็บไซต์ของศิลปิน Orlan orlan.eu

11. สตาคิสม์

สมาคมศิลปะอังกฤษแห่งจิตรกรรมเป็นรูปเป็นร่าง ตรงกันข้ามกับพวกแนวความคิด

นิทรรศการครั้งแรกอยู่ที่ลอนดอนในปี 2550
เป็นการประท้วงต่อต้านเผด็จการ ตามเวอร์ชั่นหนึ่งพวกเขาประท้วงใน
เกี่ยวโยงกับการจัดซื้อโดยแกลลอรี่ผลงานของศิลปินที่ฝ่าฝืนกฎหมาย เสียงรบกวน
ดึงความสนใจไปที่ stackers ในสื่อ ตอนนี้ในโลกมี
กว่า 120 ศิลปิน คำขวัญของพวกเขาคือ: ศิลปินที่ไม่วาดไม่ใช่ศิลปิน

บิลลี่ ชิลดิช. ขอบป่า"

คำว่า stackism ถูกเสนอโดย Thomson
ศิลปิน Tracey Emin ตะโกนใส่ Billy แฟนหนุ่มของเธอ
หน่อมแน้ม: ภาพวาดของคุณติด ติด ติด! (ภาษาอังกฤษติดขัด!
ติดอยู่! ซ้อนกัน!)

นาฬิกา:
บนเว็บไซต์ stackist stickism.com
ผลงานของ Charlie Thomson และ Billy Childish ที่ Tate Gallery (ลอนดอน สหราชอาณาจักร)

12. ลัทธิใหม่.
ศิลปะนามธรรม จุดตัดของเส้นตั้งฉาก 3 สี

นักอุดมการณ์ของทิศทางคือ Dutchman Pete

มอนเดรียน. เขาถือว่าโลกนี้เป็นมายา หน้าที่ของศิลปินคือเคลียร์
การวาดภาพจากรูปแบบราคะ (เป็นรูปเป็นร่าง) ในนามของสุนทรียศาสตร์
(นามธรรม) แบบฟอร์ม

ศิลปินแนะนำให้ทำเช่นนี้
กระชับที่สุดด้วยความช่วยเหลือของ 3 สี - น้ำเงิน, แดงและ
สีเหลือง. พวกเขาเติมช่องว่างระหว่างเส้นตั้งฉาก

ปิเอต มอนเดรียน. แดง เหลือง น้ำเงิน ดำ

Neo-plasticism ยังคงเป็นแรงบันดาลใจให้นักออกแบบ สถาปนิก และศิลปินกราฟิกอุตสาหกรรม

นาฬิกา:
ผลงานของ Piet Mondrian และ Theo Vanna Dosburg ที่พิพิธภัณฑ์เทศบาลกรุงเฮก

13. สตรีทอาร์ต

ศิลปะที่เมืองนี้เป็นนิทรรศการหรือผืนผ้าใบ

เป้าหมายของศิลปินแนวสตรีทอาร์ติสคือการดึงดูดผู้คนที่เดินผ่านไปมาในบทสนทนาด้วยความช่วยเหลือจากการจัดวาง งานประติมากรรม โปสเตอร์ หรือลายฉลุของเขา

หลายคนเชื่อว่าไม่มีศิลปินเหลืออยู่ในศตวรรษที่ 21 อย่างไรก็ตาม ในความเป็นจริง นี่ไม่ใช่กรณี และในสมัยของเรามีศิลปินที่มีความสามารถและมีชื่อเสียงมากมายซึ่งจัดแสดงผลงานในนิทรรศการที่สร้างรายได้มหาศาล ด้านล่างนี้เป็นรายชื่อศิลปินที่มีชื่อเสียงและมีรายได้มากที่สุด 20 คนที่กระตือรือร้นในงานสร้างสรรค์ไม่เพียง แต่ในรัสเซียเท่านั้น

Alexander Ivanov ศิลปินชาวรัสเซีย เกิดในปี 2505 เป็นที่รู้จักจากผลงานเรื่อง Love ซึ่งวาดขึ้นในปี 1996 และขายได้เกือบ 100,000 รูเบิล สไตล์ของเขาเป็นแบบนามธรรม เขายังเป็นนักธุรกิจที่มีส่วนร่วมในกิจกรรมสะสมเปิดพิพิธภัณฑ์ Faberge ในประเทศเยอรมนีใน Baden-Baden

Olga Bulgakova เป็นหนึ่งในศิลปินที่มีความสามารถและมีชื่อเสียงไม่กี่คนในรัสเซีย เกิดในปี 1951 และเธอเป็นสมาชิกของ Russian Academy of Arts ในฐานะสมาชิกที่เกี่ยวข้อง ตัวแทนของการเคลื่อนไหวของภาพวาดในยุคเบรจเนฟซึ่งเรียกว่า "เทศกาล" ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเธอคือ The Dream of the Red Bird ซึ่งเขียนขึ้นในปี 1988

ศิลปินชาวรัสเซีย Mikhail Brusilovsky ซึ่งทำงานภายใต้นามแฝง Misha Shayevich รวมอยู่ในการจัดอันดับนี้และอยู่ในอันดับที่ 18 ศิลปินดังระดับโลกคนนี้

Lev Tabenkin ศิลปินชาวรัสเซียผู้มีความสามารถเกิดในปี 2495 ในเมืองหลวงของรัสเซียมอสโก จิตรกรท่านนี้เห็นภาพเหมือนประติมากร ความรู้สึกที่ตัวอักษรของเขาถูกหล่อหลอมจากดินเหนียว หนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของลีโอคือ "Jazz Orchestra" ซึ่งวาดในปี 2547 ขายในราคา 117,650 รูเบิล

โครงการ AES + F ประกอบด้วยสี่คนอันที่จริงชื่อประกอบด้วยตัวอักษรเริ่มต้นของชื่อของผู้เข้าร่วม: Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky, Vladimir Fridnes ความคิดสร้างสรรค์ของบริษัทนี้โดดเด่นด้วยการนำเสนอที่ดีมากในทศวรรษที่ 1990 และได้รับการชื่นชมในช่วงสองในพันเท่านั้น ส่วนใหญ่แล้ว พวกเขาสร้างภาพจิตรกรรมฝาผนังแอนิเมชั่นขนาดใหญ่ที่ออกอากาศบนหน้าจอหลายสิบจอ หนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ บริษัท นี้: "Warrior 4"

ศิลปินชาวรัสเซีย Sergei Volkov เกิดที่ Petrozavodsk ในปี 1956 ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยความจริงที่ว่าเขาสร้างขึ้นในช่วงเวลาของศิลปะเปเรสทรอยก้า ภาพวาดเหล่านี้เขียนขึ้นอย่างชัดแจ้ง โดยสังเกตจากถ้อยคำและอุดมการณ์ที่รอบคอบมาก ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ Double Vision อันมีค่า".

ศิลปิน Alexander Vinogradov และ Vladimir Dubossarsky เกิดที่มอสโกในปี 2506 และ 2507 พวกเขาเริ่มทำงานด้วยกันในปี 1994 โดยได้พบกันที่งานเทศกาล ทำให้เกิดโครงการที่แปลกและยิ่งใหญ่ โครงการเดิมได้รับความเคารพจากนักสะสมหลายคน ภาพวาดของพวกเขาแขวนอยู่ในสถานที่ที่มีชื่อเสียง เช่น Tretyakov Gallery, Russian Museum และแม้แต่ Pompidou Center พวกเขาเองเป็นผู้สร้างแกลเลอรี Art-Strelka และผู้จัดงาน Art-Klyazma

ศิลปินชาวรัสเซีย Vladimir Yankilevsky ยังสร้างรายชื่อศิลปินที่มีชื่อเสียงและมีรายได้สูงสุด เขาเกิดที่มอสโกในปี 2481 พ่อของวลาดิเมียร์ยังเป็นศิลปินและลูกชายของเขาได้รับมรดกจากอาชีพของเขา วลาดิเมียร์ทำงานในรูปแบบของสถิตยศาสตร์ - ศิลปะที่มีการผสมผสานที่ขัดแย้งกัน ย้อนกลับไปในปี 1970 เขาวาดภาพเขียนที่มีชื่อเสียงที่สุดภาพหนึ่งชื่อว่า Triptych 10. Anatomy of the Soul II

ศิลปิน Vladimir Nemukhin เกิดในปี 1925 ในหมู่บ้านเล็ก ๆ ของ Priluki ซึ่งตั้งอยู่ในภูมิภาคมอสโก เขาเป็นผู้เข้าร่วมงานนิทรรศการต่างประเทศมากมายในยุโรป ในยุค 90 เขาอาศัยและทำงานอยู่ในเยอรมนี แต่ในปี 2548 เขาย้ายไปรัสเซีย งานของเขาโดดเด่นด้วยองค์ประกอบสามมิติ การมีอยู่ของการบรรเทาทุกข์และลวดลายการตัดขวางต่างๆ เช่น สำรับไพ่

ศิลปินที่มีชื่อไม่ธรรมดา ลูกชายของผู้อพยพทางการเมืองชาวสเปน เกิดในหมู่บ้านเล็ก ๆ แห่ง Vasilievka ในเขต Samara ในปี 1943 เขาเป็นผู้จัดกลุ่มศิลปิน "Argo" ซึ่งเป็นสมาชิกของสหภาพศิลปินมอสโก นอกจากนี้ ฟรานซิสโกยังได้รับรางวัล State Prize สำหรับความสำเร็จในสาขาวิจิตรศิลป์อีกด้วย ศิลปินทำงานสร้างสรรค์ทั้งในรัสเซียและต่างประเทศ

ศิลปิน Alexander Melamed เคยเป็นหนึ่งในสมาชิกของ Komarov-Melamed ครีเอทีฟดูโอชื่อดังอย่าง Komarov-Melamed แต่เลิกกันในปี 2546 จากนั้นพวกเขาก็เริ่มทำงานแยกกัน ที่อยู่อาศัยตั้งแต่ปี 1978 คือนิวยอร์ก เขาเขียนผลงานที่มีชื่อเสียงส่วนใหญ่ร่วมกับ Vitaly Komar พวกเขายังสร้างขบวนการ Sots Art ด้วยกันและเป็นผู้จัดงาน Bulldozer Exhibition

ศิลปินชาวรัสเซียผู้นี้เป็นที่รู้จักในฐานะหนึ่งในผู้ก่อตั้งแนวคิดแนวความคิดของมอสโก เกิดที่กรุงมอสโกในปี 2480 ซึ่งเขาสำเร็จการศึกษาจากสถาบันโพลีกราฟิก ตามที่ Viktor Pivovarov เองเขียนงานแรกของเขาเมื่ออายุห้าขวบ เขายังเป็นตัวแทนของศิลปะ "ไม่เป็นทางการ" ภาพวาดของเขาตั้งอยู่ในศูนย์นิทรรศการที่มีชื่อเสียงและสำคัญที่สุดแห่งหนึ่ง: Russian Museum, Tretyakov Gallery, Pushkin Museum im เอ.เอส.พุชกิน.

ศิลปินคนนี้เกิดในปี 2477 ที่เมืองทบิลิซี เขาเป็นหนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของการวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ Zurab เป็นที่รู้จักจากผลงานของเขาในรูปแบบของอนุสาวรีย์ Peter I ซึ่งตั้งอยู่ในกรุงมอสโกรวมถึงอนุสาวรีย์ซึ่งตั้งอยู่ด้านหน้าอาคารสหประชาชาติในนิวยอร์ก Zurab เป็นประธานของ Russian Art Academy ซึ่งดำเนินการแกลเลอรีพิพิธภัณฑ์ของเขาเอง การสร้างสรรค์ของศิลปินคนนี้ไม่เพียง แต่เป็นที่รู้จักในรัสเซียเท่านั้น แต่ยังเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก

ออสการ์ ราบิน ศิลปินชาวรัสเซียเป็นที่รู้จักในฐานะผู้จัดงานนิทรรศการบูลดอร์ในปี 2517 และสี่ปีต่อมาเขาถูกลิดรอนสัญชาติโซเวียต นอกจากนี้ เขายังได้รับความนิยมในฐานะหนึ่งในศิลปินกลุ่มแรกๆ ที่เกี่ยวข้องกับการขายภาพวาดส่วนตัวในสหภาพโซเวียต ในขณะนี้ ที่อยู่อาศัยและที่ทำงานถาวรของเขาคือปารีส ภาพวาดของเขาอยู่ในพิพิธภัณฑ์และศูนย์นิทรรศการสำคัญๆ เช่น พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่มอสโก หอศิลป์ Tretyakov พิพิธภัณฑ์รัสเซีย และอื่นๆ

ศิลปินชาวรัสเซีย Oleg Tselkov เป็นที่รู้จักในฐานะศิลปินที่เริ่มการเคลื่อนไหวเชิงสร้างสรรค์หลักในช่วงอายุหกสิบเศษของศตวรรษที่ 20 โดยแสดงลักษณะที่หยาบและเฉียบคมในภาพวาดของเขา รวมถึงการพรรณนาถึงคนที่ดูเหมือนร่างดินเหนียว ตั้งแต่ปี 1977 Oleg สานต่อเส้นทางที่สร้างสรรค์ของเขาในปารีส ภาพวาดของเขาตั้งอยู่ในศูนย์นิทรรศการดังกล่าว: พิพิธภัณฑ์รัสเซีย, หอศิลป์ Tretyakov, อาศรม หนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "Boy with Balloons" ซึ่งเขียนขึ้นในปี 1954

Grigory Bruskin หรือ Grisha ศิลปินชาวรัสเซียเกิดที่กรุงมอสโกในปี 1934 เป็นสมาชิกสหภาพศิลปินตั้งแต่ปี 1969 เขาได้รับชื่อเสียงมากที่สุดจากการประมูลครั้งใหญ่ของ Sotheby ซึ่งเขาขายงานของเขาภายใต้ชื่อ "Fundamental Lexicon" ในราคาสูงสุดซึ่งเป็นประวัติการณ์ ปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานในนิวยอร์กและมอสโก นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมเขาถึงถูกเรียกว่าเป็นศิลปินชาวอเมริกัน

ศิลปินชาวรัสเซียคนนี้โดดเด่นด้วยความจริงที่ว่าเขาแสดงสิ่งที่เหมือนจริงได้อย่างแม่นยำ กิจกรรมสร้างสรรค์ที่แท้จริงของเขาเริ่มต้นขึ้นตั้งแต่ปี 2528 ที่จัดแสดงที่ Malaya Gruzinskaya เขาได้รับความสนใจและเป็นที่ยอมรับของนักสะสมจากนิวยอร์ก ตั้งแต่นั้นมา ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงในหลายประเทศในยุโรป อยู่ในศูนย์นิทรรศการในอเมริกา เยอรมนี และโปแลนด์ ตอนนี้เขาอาศัยและทำกิจกรรมสร้างสรรค์ในมอสโก

อนิจจาคู่นี้กินเวลาจนถึงปี 2546 แต่ประสบความสำเร็จอย่างมาก ศิลปินชาวรัสเซียสองคนมีชื่อเสียงจากการสร้างขบวนการ Sots Art ซึ่งเป็นงานศิลปะที่ไม่เป็นทางการ นี่เป็นการตอบสนองต่อการสร้างป๊อปอาร์ตในตะวันตก ผืนผ้าใบที่มีผลงานของศิลปินเหล่านี้อยู่ในพิพิธภัณฑ์สำคัญๆ รวมทั้งพิพิธภัณฑ์ลูฟร์

ศิลปินชาวรัสเซียเป็นที่รู้จักจากความสามารถในการผสมผสานทั้งภาพวาดและข้อความในงานของเขา ต่อมาจึงถูกเรียกว่า Sots Art ในช่วงยุคโซเวียต เขาได้รับความนิยมในฐานะนักวาดภาพประกอบในหนังสือเด็ก บางครั้งเขาอาศัยอยู่ในนิวยอร์กแล้วในปารีส เขาเป็นศิลปินคนแรกที่จัดนิทรรศการที่ Centre Pompidou ผลงานสร้างสรรค์ของเขาอยู่ใน Tretyakov Gallery, Russian Museum, Pompidou Center

ศิลปินชาวรัสเซียที่มีพรสวรรค์ที่สุดคนนี้ซึ่งทำงานควบคู่กับเอมิเลียภรรยาของเขาถือได้ว่าเป็นศิลปินหลักของประเทศซึ่งเป็นผู้ก่อตั้งแนวความคิดของมอสโก เขาเกิดที่ Dnepropetrovsk ในปี 1933 แต่ตั้งแต่ปี 1988 นิวยอร์กได้กลายเป็นที่พำนักของเขา ผลงานของเขาสามารถพบเห็นได้ในอาศรม หอศิลป์ Tretyakov และพิพิธภัณฑ์รัสเซีย Ilya ได้รับรางวัลจักรพรรดิแห่งญี่ปุ่น และผลงานสองชิ้นของเขาชื่อ "Beetle" และ "Luxury" เป็นภาพวาดที่แพงที่สุด