"ผู้เล่นไพ่"

ผู้เขียน

Paul Cezanne

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1839–1906
สไตล์ โพสต์อิมเพรสชันนิสม์

ศิลปินเกิดทางตอนใต้ของฝรั่งเศสในเมืองเล็ก ๆ ของ Aix-en-Provence แต่เริ่มวาดภาพในปารีส ความสำเร็จที่แท้จริงมาถึงเขาหลังจากนิทรรศการเดี่ยวที่จัดโดยนักสะสมแอมบรอยส์ โวลลาร์ด ในปี พ.ศ. 2429 20 ปีก่อนออกเดินทาง เขาย้ายไปอยู่ชานเมืองบ้านเกิดของเขา ศิลปินหนุ่มเรียกการเดินทางไปหาเขาว่า "การจาริกแสวงบุญที่เมือง Aix"

130x97 ซม.
พ.ศ. 2438
ราคา
250 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูลส่วนตัว

งานของ Cezanne นั้นเข้าใจง่าย กฎข้อเดียวของศิลปินคือการถ่ายโอนหัวข้อหรือโครงเรื่องไปยังผืนผ้าใบโดยตรงดังนั้นภาพวาดของเขาจึงไม่ทำให้ผู้ชมสับสน Cezanne ผสมผสานประเพณีฝรั่งเศสหลักสองประการเข้ากับงานศิลปะของเขา: ความคลาสสิคและความโรแมนติก ด้วยความช่วยเหลือของพื้นผิวที่มีสีสันเขาทำให้รูปร่างของวัตถุมีความเป็นพลาสติกที่น่าทึ่ง

ชุดภาพวาดห้าภาพ "ผู้เล่นการ์ด" ถูกเขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2433-2438 โครงเรื่องของพวกเขาเหมือนกัน - หลายคนกำลังเล่นโป๊กเกอร์อย่างกระตือรือร้น ผลงานแตกต่างกันในจำนวนผู้เล่นและขนาดของผืนผ้าใบเท่านั้น

ภาพเขียนสี่ภาพถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ในยุโรปและอเมริกา (Musée d'Orsay, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน, มูลนิธิ Barnes และสถาบันศิลปะ Courtauld) และภาพที่ห้า จนกระทั่งเมื่อไม่นานมานี้ เป็นการตกแต่งของคอลเล็กชั่นส่วนตัวของ George Embirikos เจ้าของเรือมหาเศรษฐีชาวกรีก ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ในช่วงฤดูหนาวปี 2554 เขาตัดสินใจที่จะขายมัน ผู้ซื้อที่มีศักยภาพของงาน "ฟรี" ของ Cezanne คือ William Aquavella พ่อค้างานศิลปะและ Larry Gagosian เจ้าของแกลเลอรี่ที่มีชื่อเสียงระดับโลกซึ่งเสนอราคาประมาณ 220 ล้านดอลลาร์สำหรับงานนี้ เป็นผลให้ภาพวาดไปที่ราชวงศ์ของรัฐอาหรับของกาตาร์สำหรับ 250 ล้าน ข้อตกลงศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพถูกปิดในเดือนกุมภาพันธ์ 2012 สิ่งนี้ถูกรายงานไปยัง Vanity Fair โดยนักข่าว Alexandra Pierce เธอค้นพบต้นทุนของภาพวาดและชื่อของเจ้าของใหม่ จากนั้นข้อมูลก็เจาะเข้าสู่สื่อทั่วโลก

ในปี 2010 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่อาหรับและพิพิธภัณฑสถานแห่งชาติกาตาร์เปิดในกาตาร์ ตอนนี้คอลเลกชันของพวกเขากำลังเติบโต บางที Sheik ได้ซื้อ The Card Players รุ่นที่ห้าเพื่อจุดประสงค์นี้

มากที่สุดภาพราคาแพงในโลก

เจ้าของ
ชีคฮาหมัด
บิน คาลิฟา อัล-ทานี

ราชวงศ์อัล-ธานีปกครองกาตาร์มานานกว่า 130 ปี เมื่อประมาณครึ่งศตวรรษก่อน มีการค้นพบน้ำมันและก๊าซสำรองจำนวนมาก ซึ่งทำให้กาตาร์กลายเป็นภูมิภาคที่ร่ำรวยที่สุดแห่งหนึ่งของโลกในทันที ต้องขอบคุณการส่งออกไฮโดรคาร์บอน ประเทศเล็กๆ แห่งนี้บันทึก GDP ต่อหัวที่ใหญ่ที่สุด Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani เข้ายึดอำนาจในปี 1995 ในขณะที่บิดาของเขาอยู่ในสวิตเซอร์แลนด์ โดยได้รับการสนับสนุนจากสมาชิกในครอบครัว ผู้เชี่ยวชาญกล่าวว่าข้อดีของผู้ปกครองคนปัจจุบันอยู่ในกลยุทธ์ที่ชัดเจนสำหรับการพัฒนาประเทศสร้างภาพลักษณ์ที่ประสบความสำเร็จของรัฐ ขณะนี้กาตาร์มีรัฐธรรมนูญและนายกรัฐมนตรี และผู้หญิงได้รับสิทธิในการเลือกตั้งรัฐสภา อย่างไรก็ตาม ประมุขแห่งกาตาร์เป็นผู้ก่อตั้งช่องข่าว Al Jazeera เจ้าหน้าที่ของรัฐอาหรับให้ความสำคัญกับวัฒนธรรมเป็นอย่างมาก

2

"หมายเลข 5"

ผู้เขียน

แจ็คสัน พอลลอค

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1912–1956
สไตล์ การแสดงออกทางนามธรรม

Jack the Sprinkler - ชื่อเล่นนี้มอบให้กับพอลล็อคโดยประชาชนชาวอเมริกันสำหรับเทคนิคการวาดภาพพิเศษของเขา ศิลปินละทิ้งแปรงและขาตั้ง แล้วเทสีลงบนพื้นผิวผ้าใบหรือแผ่นใยไม้อัดระหว่างการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องรอบๆ และข้างใน ตั้งแต่อายุยังน้อย เขาชอบปรัชญาของ Jiddu Krishnamurti ซึ่งข้อความหลักคือความจริงถูกเปิดเผยในระหว่างการ "เท" อย่างเสรี

122x244 ซม.
พ.ศ. 2491
ราคา
140 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล โซเธบี้ส์

คุณค่าของผลงานของพอลลอคไม่ได้อยู่ที่ผลลัพธ์ แต่อยู่ที่กระบวนการ ผู้เขียนไม่ได้ตั้งใจเรียกงานศิลปะของเขาว่า "จิตรกรรมแอ็คชั่น" ด้วยมือที่เบาของเขา มันกลายเป็นทรัพย์สินหลักของอเมริกา แจ็คสัน พอลลอคผสมสีกับทราย แก้วแตก แล้วเขียนด้วยกระดาษแข็ง มีดจาน มีด พลั่ว ศิลปินได้รับความนิยมมากจนในปี 1950 มีแม้กระทั่งผู้ลอกเลียนแบบในสหภาพโซเวียต ภาพวาด "หมายเลข 5" ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในภาพที่แปลกและแพงที่สุดในโลก David Geffen หนึ่งในผู้ก่อตั้ง DreamWorks ซื้อมาเพื่อเป็นของสะสมส่วนตัว และในปี 2006 ขายที่ Sotheby`s ในราคา 140 ล้านดอลลาร์แก่ David Martinez นักสะสมชาวเม็กซิกัน อย่างไรก็ตาม ในไม่ช้าสำนักงานกฎหมายได้ออกแถลงข่าวในนามของลูกค้าระบุว่า David Martinez ไม่ใช่เจ้าของภาพวาด มีเพียงสิ่งเดียวที่รู้แน่ชัด: นักการเงินชาวเม็กซิกันเพิ่งรวบรวมผลงานศิลปะร่วมสมัย ไม่น่าเป็นไปได้ที่เขาจะพลาด "ปลาใหญ่" เช่น "หมายเลข 5" ของพอลลอค

3

"ผู้หญิงที่ 3"

ผู้เขียน

วิลเลม เดอ คูนิ่ง

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1904–1997
สไตล์ การแสดงออกทางนามธรรม

เป็นชาวเนเธอร์แลนด์ เขาอพยพไปยังสหรัฐอเมริกาในปี พ.ศ. 2469 ในปี พ.ศ. 2491 ได้มีการจัดนิทรรศการส่วนตัวของศิลปิน นักวิจารณ์ศิลปะชื่นชมการประพันธ์ขาวดำที่ซับซ้อนและวิตกกังวล โดยตระหนักว่าผู้แต่งเป็นศิลปินสมัยใหม่ผู้ยิ่งใหญ่ เขาต้องทนทุกข์ทรมานจากโรคพิษสุราเรื้อรังมาเกือบทั้งชีวิต แต่งานทุกชิ้นรู้สึกมีความสุขในการสร้างสรรค์งานศิลปะใหม่ๆ De Kooning โดดเด่นด้วยความหุนหันพลันแล่นของการวาดภาพ จังหวะกว้าง ซึ่งเป็นสาเหตุที่บางครั้งภาพไม่พอดีกับขอบเขตของผืนผ้าใบ

121x171 ซม.
พ.ศ. 2496
ราคา
137 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูลส่วนตัว

ในปี 1950 ผู้หญิงที่มีดวงตาว่างเปล่า หน้าอกใหญ่โต และมีลักษณะที่น่าเกลียดปรากฏในภาพวาดของ De Kooning "Woman III" เป็นผลงานชิ้นสุดท้ายจากซีรีส์นี้ที่เข้าร่วมการประมูล

ตั้งแต่ปี 1970 ภาพวาดถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เตหะราน แต่หลังจากที่มีการแนะนำกฎทางศีลธรรมที่เข้มงวดในประเทศ พวกเขาพยายามที่จะกำจัดมัน ในปี 1994 งานดังกล่าวถูกนำออกจากอิหร่าน และ 12 ปีต่อมา David Geffen เจ้าของผลงาน (โปรดิวเซอร์คนเดียวกันที่ขาย "หมายเลข 5 ของ Jackson Pollock") ขายภาพวาดดังกล่าวให้กับ Stephen Cohen เศรษฐีพันล้านในราคา 137.5 ล้านเหรียญ เป็นที่น่าสนใจว่าในหนึ่งปีเกฟเฟนเริ่มขายคอลเล็กชั่นภาพวาดของเขา สิ่งนี้ทำให้เกิดข่าวลือมากมาย ตัวอย่างเช่น ผู้ผลิตตัดสินใจซื้อลอสแองเจลีสไทมส์

ที่หนึ่งในฟอรัมศิลปะ มีการแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับความคล้ายคลึงของ "Woman III" กับภาพวาดของ Leonardo da Vinci "Lady with an Ermine" เบื้องหลังรอยยิ้มอันเฉียบคมและรูปร่างที่ไร้รูปร่างของนางเอก ผู้รอบรู้ในการวาดภาพได้เล็งเห็นถึงความสง่างามของบุคคลในสายเลือดของราชวงศ์ นี่เป็นหลักฐานจากการสวมมงกุฎที่สวมมงกุฎศีรษะของผู้หญิงอย่างไม่ดี

4

"ภาพเหมือนของอเดลบลอค-บาวเออร์ ฉัน"

ผู้เขียน

Gustav Klimt

ประเทศ ออสเตรีย
ปีแห่งชีวิต 1862–1918
สไตล์ ทันสมัย

Gustav Klimt เกิดในครอบครัวช่างแกะสลักและเป็นลูกคนที่สองในเจ็ดคน ลูกชายสามคนของเออร์เนสต์คลิมท์กลายเป็นศิลปินและมีเพียงกุสตาฟเท่านั้นที่โด่งดังไปทั่วโลก เขาใช้เวลาส่วนใหญ่ในวัยเด็กของเขาในความยากจน หลังจากการตายของพ่อ เขาต้องรับผิดชอบต่อครอบครัวทั้งหมด ในเวลานี้ Klimt ได้พัฒนาสไตล์ของเขา ก่อนที่ภาพวาดของเขา ผู้ชมจะค้าง: ภายใต้เส้นบาง ๆ ของทองคำ จะเห็นได้ชัดเจนถึงความเร้าอารมณ์ที่ตรงไปตรงมา

138x136 ซม.
พ.ศ. 2450
ราคา
135 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล โซเธบี้ส์

ชะตากรรมของภาพวาดซึ่งเรียกว่า "Austrian Mona Lisa" อาจกลายเป็นพื้นฐานสำหรับหนังสือขายดีได้อย่างง่ายดาย ผลงานของศิลปินกลายเป็นสาเหตุของความขัดแย้งทั้งรัฐและหญิงชราคนหนึ่ง

ดังนั้น "ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer I" จึงแสดงถึงขุนนางซึ่งเป็นภรรยาของ Ferdinand Bloch พินัยกรรมสุดท้ายของเธอคือการถ่ายโอนภาพวาดไปยังหอศิลป์แห่งรัฐออสเตรีย อย่างไรก็ตาม โบลชยกเลิกการบริจาคตามความประสงค์ของเขา และพวกนาซีก็เวนคืนภาพวาดดังกล่าว ต่อมาแกลเลอรี่แทบไม่ได้ซื้อ Golden Adele ออกมา แต่แล้วทายาทก็ปรากฏตัว - Maria Altman หลานสาวของ Ferdinand Bloch

ในปี 2548 การพิจารณาคดีระดับสูง "Maria Altman กับสาธารณรัฐออสเตรีย" เริ่มขึ้นอันเป็นผลมาจากการที่รูปภาพ "จากไป" กับเธอไปที่ลอสแองเจลิส ออสเตรียใช้มาตรการที่ไม่เคยมีมาก่อน: มีการเจรจาเงินกู้ ประชากรบริจาคเงินเพื่อซื้อภาพเหมือน ความดีไม่เคยเอาชนะความชั่ว: Altman ขึ้นราคาเป็น 300 ล้านเหรียญ ในช่วงเวลาของการพิจารณาคดี เธออายุ 79 ปี และเธอลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะบุคคลที่เปลี่ยนเจตจำนงของ Bloch-Bauer เพื่อประโยชน์ส่วนตัว ภาพวาดนี้ถูกซื้อโดย Ronald Lauder เจ้าของ New Gallery ในนิวยอร์ก ซึ่งยังคงมีอยู่จนถึงทุกวันนี้ ไม่ใช่สำหรับออสเตรีย สำหรับเขา Altman ลดราคาเหลือ 135 ล้านดอลลาร์

5

"กรีดร้อง"

ผู้เขียน

Edvard Munch

ประเทศ นอร์เวย์
ปีแห่งชีวิต 1863–1944
สไตล์ การแสดงออก

ภาพวาดแรกของ Munch ซึ่งโด่งดังไปทั่วโลก "The Sick Girl" (มีทั้งหมด 5 เล่ม) อุทิศให้กับน้องสาวของศิลปินที่เสียชีวิตด้วยวัณโรคเมื่ออายุได้ 15 ปี Munch สนใจเรื่องความตายและความเหงามาโดยตลอด ในเยอรมนี ภาพวาดอันหนักหน่วงและคลั่งไคล้ของเขายังก่อให้เกิดเรื่องอื้อฉาวอีกด้วย อย่างไรก็ตาม แม้จะมีโครงเรื่องที่น่าหดหู่ แต่ภาพวาดของเขาก็มีแม่เหล็กพิเศษ อย่างน้อยก็ "กรี๊ด"

73.5x91 ซม.
พ.ศ. 2438
ราคา
119.92 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายใน 2012
ในการประมูล โซเธบี้ส์

ชื่อเต็มของภาพวาดคือ Der Schrei der Natur (แปลจากภาษาเยอรมันว่า "เสียงร้องของธรรมชาติ") ใบหน้าของบุคคลหรือมนุษย์ต่างดาวแสดงออกถึงความสิ้นหวังและตื่นตระหนก - ผู้ชมประสบอารมณ์เดียวกันเมื่อดูภาพ งานสำคัญของ expressionism เตือนถึงแก่นเรื่องที่มีความรุนแรงในงานศิลปะของศตวรรษที่ 20 ตามเวอร์ชั่นหนึ่งศิลปินสร้างมันขึ้นมาภายใต้อิทธิพลของความผิดปกติทางจิตซึ่งเขาต้องทนทุกข์ทรมานมาตลอดชีวิต

ภาพวาดถูกขโมยสองครั้งจากพิพิธภัณฑ์ต่างๆ แต่กลับถูกส่งคืน ได้รับความเสียหายเล็กน้อยหลังจากการโจรกรรม The Scream ได้รับการบูรณะและพร้อมที่จะแสดงอีกครั้งที่พิพิธภัณฑ์ Munch ในปี 2008 สำหรับตัวแทนของวัฒนธรรมป๊อป งานนี้กลายเป็นที่มาของแรงบันดาลใจ: Andy Warhol ได้สร้างชุดของงานพิมพ์และหน้ากากจากภาพยนตร์เรื่อง "Scream" ถูกสร้างขึ้นในภาพและความคล้ายคลึงของฮีโร่ของภาพ

สำหรับหนึ่งพล็อต Munch เขียนงานสี่เวอร์ชัน: หนึ่งชุดในคอลเล็กชันส่วนตัวทำด้วยสีพาสเทล Petter Olsen มหาเศรษฐีชาวนอร์เวย์ นำมันขึ้นประมูลเมื่อวันที่ 2 พฤษภาคม 2012 ผู้ซื้อคือลีออน แบล็ก ซึ่งไม่ได้บันทึกจำนวนเงินที่บันทึกสำหรับ "กรี๊ด" ผู้ก่อตั้ง Apollo Advisors, L.P. และที่ปรึกษาสิงโต L.P. เป็นที่รู้จักสำหรับความรักในงานศิลปะของเขา Black เป็นผู้อุปถัมภ์ของ Dartmouth College, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่, ศูนย์ศิลปะลินคอล์น และพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน มีคอลเลกชันภาพวาดที่ใหญ่ที่สุดโดยศิลปินร่วมสมัยและปรมาจารย์คลาสสิกของศตวรรษที่ผ่านมา

6

"เปลือยกับพื้นหลังของหน้าอกและใบไม้สีเขียว"

ผู้เขียน

ปาโบล ปีกัสโซ

ประเทศ สเปน ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1881–1973
สไตล์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม

โดยกำเนิดเขาเป็นชาวสเปน แต่ในจิตวิญญาณและที่อยู่อาศัยเขาเป็นชาวฝรั่งเศสที่แท้จริง Picasso เปิดสตูดิโอศิลปะของตัวเองในบาร์เซโลนาเมื่ออายุเพียง 16 ปี จากนั้นเขาก็ไปปารีสและใช้ชีวิตส่วนใหญ่ที่นั่น นั่นคือเหตุผลที่นามสกุลของเขามีความเครียดสองเท่า สไตล์ที่ Picasso คิดค้นขึ้นนั้นขึ้นอยู่กับการปฏิเสธความคิดเห็นที่ว่าวัตถุที่ปรากฎบนผืนผ้าใบสามารถดูได้จากมุมเดียวเท่านั้น

130x162 ซม.
พ.ศ. 2475
ราคา
106.482 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2553
ในการประมูล คริสตี้ส์

ระหว่างที่เขาทำงานในกรุงโรม ศิลปินได้พบกับนักเต้น Olga Khokhlova ซึ่งในไม่ช้าก็กลายเป็นภรรยาของเขา เขายุติความพเนจรย้ายไปอยู่กับเธอในอพาร์ตเมนต์สุดหรู เมื่อถึงเวลานั้นการรับรู้ได้พบวีรบุรุษ แต่การแต่งงานถูกทำลาย ภาพวาดที่แพงที่สุดในโลกชิ้นหนึ่งถูกสร้างขึ้นโดยบังเอิญ - ด้วยความรักอันยิ่งใหญ่ซึ่งเหมือนกับปีกัสโซเสมอมา ในปี 1927 เขาเริ่มสนใจ Marie-Therese Walter อายุน้อย (เธออายุ 17 ปี เขาอายุ 45 ปี) แอบจากภรรยาของเขาไปพร้อมกับนายหญิงของเขาที่เมืองใกล้ปารีสซึ่งเขาวาดภาพเหมือน Marie-Therese ในรูปของ Daphne ภาพวาดนี้ซื้อโดย Paul Rosenberg ตัวแทนจำหน่ายในนิวยอร์กและขายให้กับ Sidney F. Brody ในปี 1951 Brodys แสดงภาพวาดให้โลกเห็นเพียงครั้งเดียวและเพียงเพราะศิลปินอายุ 80 ปี หลังจากสามีของเธอเสียชีวิต นางโบรดี้นำงานไปประมูลที่คริสตี้ส์ในเดือนมีนาคม 2010 ในหกทศวรรษที่ผ่านมาราคาได้เพิ่มขึ้นมากกว่า 5,000 ครั้ง! นักสะสมที่ไม่รู้จักซื้อมันด้วยเงิน 106.5 ล้านดอลลาร์ ในปี 2554 มีการจัด "นิทรรศการภาพเดียว" ในสหราชอาณาจักรซึ่งได้เห็นแสงเป็นครั้งที่สอง แต่ชื่อเจ้าของยังไม่ทราบ

7

"แปดเอลวิส"

ผู้เขียน

Andy Warhole

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1928-1987
สไตล์
ป๊อปอาร์ต

“เซ็กส์และปาร์ตี้เป็นสถานที่เดียวที่คุณต้องมาปรากฏตัวต่อหน้า” แอนดี้ วอร์ฮอล นักออกแบบลัทธิป๊อป ผู้กำกับ และหนึ่งในผู้ก่อตั้งนิตยสารสัมภาษณ์ ดีไซเนอร์ Andy Warhol กล่าว เขาทำงานร่วมกับ Vogue และ Harper's Bazaar ออกแบบปกอัลบั้ม และออกแบบรองเท้าสำหรับ I.Miller ในทศวรรษที่ 1960 ภาพวาดปรากฏสัญลักษณ์ของอเมริกา: ซุปของแคมป์เบลล์และโคคา-โคลา, เพรสลีย์และมอนโร - ซึ่งทำให้เขากลายเป็นตำนาน

358x208 ซม.
ค.ศ. 1963
ราคา
100 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2008
ในการประมูลส่วนตัว

ยุค 60 ของ Warhol - ยุคที่เรียกว่าป๊อปอาร์ตในอเมริกา ในปีพ.ศ. 2505 เขาทำงานในแมนฮัตตันที่ Factory Studio ซึ่งเป็นที่ที่ชาวโบฮีเมียในนิวยอร์กมารวมตัวกัน ตัวแทนที่ฉลาดที่สุด: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote และบุคคลที่มีชื่อเสียงอื่น ๆ ในโลก ในเวลาเดียวกัน Warhol ได้ลองใช้เทคนิคการพิมพ์ซิลค์สกรีน - ทำซ้ำหลายภาพในหนึ่งภาพ เขายังใช้วิธีนี้ในการสร้าง "Eight Elvises": ผู้ชมดูเหมือนจะเห็นเฟรมจากภาพยนตร์ที่ดารามีชีวิต ทุกสิ่งที่ศิลปินรักมากอยู่ที่นี่: ภาพลักษณ์สาธารณะแบบ win-win สีเงิน และลางสังหรณ์แห่งความตายเป็นข้อความหลัก

ปัจจุบันมีผู้ค้างานศิลปะ 2 รายที่ส่งเสริมงานของ Warhol ในตลาดโลก ได้แก่ Larry Gagosian และ Alberto Mugrabi ครั้งแรกในปี 2008 ใช้เงิน 200 ล้านดอลลาร์เพื่อซื้อผลงานของ Warhol มากกว่า 15 ชิ้น คนที่สองซื้อและขายภาพวาดของเขาเช่นการ์ดคริสต์มาสซึ่งมีราคาแพงกว่าเท่านั้น แต่ไม่ใช่พวกเขา แต่เป็นที่ปรึกษาด้านศิลปะชาวฝรั่งเศสผู้ต่ำต้อย Philippe Segalo ผู้ช่วยนักเลงศิลปะชาวโรมัน Annibale Berlinghieri ขาย Eight Elvises ให้กับผู้ซื้อที่ไม่รู้จักในราคา Warhol 100 ล้านเหรียญ

8

"ส้ม,เหลืองแดง"

ผู้เขียน

Mark Rothko

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1903–1970
สไตล์ การแสดงออกทางนามธรรม

หนึ่งในผู้สร้างภาพระบายสีภาคสนามเกิดในเมืองดวินสค์ รัสเซีย (ปัจจุบันคือเมืองเดากัฟปิลส์ ลัตเวีย) ในครอบครัวใหญ่ของเภสัชกรชาวยิว ในปี 1911 พวกเขาอพยพไปยังสหรัฐอเมริกา Rothko เรียนที่แผนกศิลปะของมหาวิทยาลัยเยล ได้รับทุนการศึกษา แต่ความรู้สึกต่อต้านกลุ่มเซมิติกทำให้เขาต้องออกจากการศึกษา แม้จะมีทุกอย่างนักวิจารณ์ศิลปะก็ยกย่องศิลปินและพิพิธภัณฑ์ก็ไล่ตามเขามาตลอดชีวิต

206x236 ซม.
ค.ศ. 1961
ราคา
86.882 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล คริสตี้ส์

การทดลองทางศิลปะครั้งแรกของ Rothko เป็นการวางแนวแนวเซอร์เรียลลิสต์ แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาทำให้พล็อตจุดสีง่ายขึ้น กีดกันพวกเขาจากความเที่ยงธรรมใดๆ ในตอนแรกพวกเขามีเฉดสีที่สดใส และในปี 1960 พวกเขาเต็มไปด้วยสีน้ำตาล สีม่วง และหนาจนถึงสีดำเมื่อศิลปินเสียชีวิต Mark Rothko เตือนไม่ให้มองหาความหมายใด ๆ ในภาพวาดของเขา ผู้เขียนต้องการพูดในสิ่งที่เขาพูดอย่างแน่นอน: เฉพาะสีที่ละลายในอากาศและไม่มีอะไรเพิ่มเติม เขาแนะนำให้ดูผลงานจากระยะ 45 ซม. เพื่อให้ผู้ชม "ลาก" เข้าไปในสีเหมือนลงในกรวย ข้อควรระวัง: การดูตามกฎทั้งหมดสามารถนำไปสู่ผลของการทำสมาธิ กล่าวคือ การรับรู้ถึงความไม่มีที่สิ้นสุดค่อยๆ มา การแช่ในตัวเองอย่างสมบูรณ์ การผ่อนคลาย การทำให้บริสุทธิ์ สีในภาพวาดของเขามีชีวิต หายใจ และมีผลกระทบทางอารมณ์อย่างรุนแรง (บางครั้งกล่าวกันว่าเป็นการเยียวยา) ศิลปินกล่าวว่า: "ผู้ชมควรร้องไห้เมื่อมองดูพวกเขา" - และมีกรณีเช่นนี้จริงๆ ตามทฤษฎีของ Rothko ในขณะนี้ผู้คนต่างอาศัยประสบการณ์ทางจิตวิญญาณแบบเดียวกับที่เขามีในกระบวนการทำงานเกี่ยวกับภาพ หากคุณสามารถเข้าใจมันในระดับที่ลึกซึ้งเช่นนี้ได้ ก็ไม่ต้องแปลกใจที่ผลงานของลัทธินามธรรมเหล่านี้มักถูกเปรียบเทียบโดยนักวิจารณ์ที่มีไอคอน

งาน "Orange, Red, Yellow" เป็นการแสดงออกถึงแก่นแท้ของภาพวาดของ Mark Rothko ราคาเริ่มต้นในการประมูลของคริสตี้ในนิวยอร์กอยู่ที่ 35-45 ล้านดอลลาร์ ผู้ซื้อที่ไม่รู้จักเสนอราคาเป็นสองเท่าของราคาประเมิน ชื่อของเจ้าของภาพวาดที่มีความสุขมักไม่ได้รับการเปิดเผย

9

"ไตรลักษณ์"

ผู้เขียน

ฟรานซิส เบคอน

ประเทศ
บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1909–1992
สไตล์ การแสดงออก

การผจญภัยของฟรานซิส เบคอน ผู้มีชื่อเต็มและยังเป็นทายาทของปราชญ์ผู้ยิ่งใหญ่ที่อยู่ห่างไกลออกไป เริ่มต้นขึ้นเมื่อพ่อของเขาปฏิเสธเขา ไม่สามารถยอมรับความโน้มเอียงของลูกชายรักร่วมเพศได้ เบคอนไปที่เบอร์ลินก่อน จากนั้นไปปารีส จากนั้นร่องรอยของเขาก็สับสนไปทั่วยุโรป แม้กระทั่งในช่วงชีวิตของเขา ผลงานของเขาก็ยังถูกจัดแสดงในศูนย์วัฒนธรรมชั้นนำของโลก รวมทั้งพิพิธภัณฑ์ Guggenheim และ Tretyakov Gallery

147.5x198 ซม. (อันละ)
พ.ศ. 2519
ราคา
86.2 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2008
ในการประมูล โซเธบี้ส์

พิพิธภัณฑ์อันทรงเกียรติพยายามที่จะครอบครองภาพวาดของเบคอน แต่ประชาชนชาวอังกฤษในยุคต้น ๆ ก็ไม่รีบร้อนที่จะแยกออกสำหรับงานศิลปะดังกล่าว มาร์กาเร็ต แทตเชอร์ นายกรัฐมนตรีอังกฤษในตำนานกล่าวถึงเขาว่า "ชายผู้วาดภาพอันน่าสยดสยองเหล่านี้"

ช่วงเริ่มต้นในการทำงานศิลปินเองก็ถือว่าเป็นช่วงหลังสงคราม กลับมาจากการรับราชการ เขาได้วาดภาพและสร้างผลงานชิ้นเอกอีกครั้ง ก่อนที่จะมีส่วนร่วมในการประมูล "Triptych, 1976" งานที่แพงที่สุดของ Bacon คือ "Study for a Portrait of Pope Innocent X" (52.7 ล้านดอลลาร์) ใน "Triptych, 1976" ศิลปินวาดภาพพล็อตในตำนานของการกดขี่ข่มเหง Orestes ด้วยความโกรธ แน่นอนว่า Orestes ก็คือเบคอนนั่นเอง และความโกรธเกรี้ยวก็เป็นการทรมานของเขา เป็นเวลากว่า 30 ปีแล้วที่ภาพวาดนี้เป็นของสะสมส่วนตัวและไม่ได้เข้าร่วมในนิทรรศการ ความจริงข้อนี้ให้คุณค่าพิเศษและทำให้ต้นทุนเพิ่มขึ้น แต่อะไรคือเงินไม่กี่ล้านสำหรับนักเลงศิลปะและแม้แต่ใจกว้างในภาษารัสเซีย? Roman Abramovich เริ่มสร้างคอลเล็กชั่นของเขาในปี 1990 โดยได้รับอิทธิพลอย่างมากจากแฟนสาว Dasha Zhukova ซึ่งกลายเป็นเจ้าของแกลเลอรี่ที่ทันสมัยในรัสเซียสมัยใหม่ ตามข้อมูลอย่างไม่เป็นทางการ นักธุรกิจรายนี้เป็นเจ้าของผลงานของ Alberto Giacometti และ Pablo Picasso ซึ่งซื้อมาด้วยมูลค่ากว่า 100 ล้านดอลลาร์ ในปี 2008 เขาได้เป็นเจ้าของ Triptych อย่างไรก็ตามในปี 2554 เบคอนได้รับงานอันมีค่าอีกชิ้นหนึ่ง - "ภาพร่างของ Lucian Freud สามภาพ" แหล่งข่าวที่ซ่อนอยู่กล่าวว่า Roman Arkadievich กลายเป็นผู้ซื้ออีกครั้ง

10

"บ่อน้ำกับดอกบัว"

ผู้เขียน

โคล้ด โมเน่ต์

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1840–1926
สไตล์ อิมเพรสชั่นนิสม์

ศิลปินได้รับการยอมรับว่าเป็นผู้ก่อตั้งอิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่ง "จดสิทธิบัตร" วิธีการนี้ในผืนผ้าใบของเขา งานสำคัญชิ้นแรกคือภาพวาด "Breakfast on the Grass" (งานต้นฉบับของ Edouard Manet) ในวัยหนุ่ม เขาวาดภาพล้อเลียน และวาดภาพจริงระหว่างการเดินทางเลียบชายฝั่งและในที่โล่ง ในปารีส เขามีวิถีชีวิตแบบโบฮีเมียนและไม่ทิ้งมันไว้แม้หลังจากรับใช้ในกองทัพแล้ว

210x100 ซม.
พ.ศ. 2462
ราคา
80.5 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2008
ในการประมูล คริสตี้ส์

นอกจากความจริงที่ว่าโมเนต์เป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่แล้ว เขายังทำงานอย่างกระตือรือร้นในการทำสวน รักสัตว์ป่าและดอกไม้ ในภูมิประเทศของเขา สภาวะของธรรมชาติอยู่ชั่วขณะ วัตถุดูเหมือนจะเบลอตามการเคลื่อนไหวของอากาศ ความประทับใจเพิ่มขึ้นด้วยการลากเส้นขนาดใหญ่ จากระยะหนึ่ง พวกมันจะมองไม่เห็นและรวมเป็นภาพสามมิติที่มีพื้นผิว ในภาพวาดของ Monet ตอนปลาย สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยธีมของน้ำและชีวิตในนั้น ในเมือง Giverny ศิลปินมีสระน้ำของตัวเอง ซึ่งเขาปลูกดอกบัวจากเมล็ดที่นำมาจากญี่ปุ่นโดยเฉพาะ เมื่อดอกไม้บาน พระองค์ก็เริ่มทาสี ซีรีส์ Water Lilies ประกอบด้วยผลงาน 60 ชิ้นที่ศิลปินวาดภาพมาตลอดเกือบ 30 ปี จนกระทั่งเขาเสียชีวิต การมองเห็นของเขาเสื่อมลงตามอายุ แต่เขาไม่หยุด ทิวทัศน์ของสระน้ำเปลี่ยนแปลงตลอดเวลา ขึ้นอยู่กับลม ฤดูกาล และสภาพอากาศ และโมเนต์ต้องการบันทึกการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้ ผ่านการทำงานอย่างรอบคอบ ความเข้าใจถึงแก่นแท้ของธรรมชาติมาถึงเขา ภาพวาดบางส่วนในซีรีส์นี้ถูกเก็บไว้ในแกลเลอรี่ชั้นนำของโลก: พิพิธภัณฑ์ศิลปะตะวันตกแห่งชาติ (โตเกียว), Orangerie (ปารีส) เวอร์ชันถัดไปของ "Pond with water lilies" ตกไปอยู่ในมือของผู้ซื้อที่ไม่รู้จักในจำนวนที่สูงเป็นประวัติการณ์

11

ดาวเท็จ t

ผู้เขียน

Jasper Johns

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีเกิด 1930
สไตล์ ป๊อปอาร์ต

ในปี 1949 โจนส์เข้าโรงเรียนออกแบบในนิวยอร์ก นอกจาก Jackson Pollock, Willem de Kooning และคนอื่นๆ แล้ว เขาได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในศิลปินหลักของศตวรรษที่ 20 ในปี 2012 เขาได้รับรางวัล Presidential Medal of Freedom ซึ่งเป็นรางวัลพลเรือนสูงสุดในสหรัฐอเมริกา

137.2x170.8 ซม.
พ.ศ. 2502
ราคา
80 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูลส่วนตัว

เช่นเดียวกับ Marcel Duchamp โจนส์ทำงานกับวัตถุจริง โดยวาดภาพบนผ้าใบและในงานประติมากรรมตามต้นฉบับทั้งหมด สำหรับผลงานของเขา เขาใช้สิ่งของที่เรียบง่ายและเข้าใจได้สำหรับทุกคน ไม่ว่าจะเป็นขวดเบียร์ ธง หรือแผนที่ ไม่มีองค์ประกอบที่ชัดเจนในภาพ False Start ดูเหมือนว่าศิลปินจะเล่นกับผู้ชมซึ่งมักจะ "ไม่ถูกต้อง" ในการเซ็นชื่อสีในภาพ ทำให้แนวคิดของสีกลับหัวกลับหาง: "ฉันต้องการหาวิธีที่จะพรรณนาสีเพื่อให้คนอื่นกำหนดได้ กระบวนการ." ตามที่นักวิจารณ์กล่าวว่าภาพวาดที่ระเบิดและ "ไม่ปลอดภัย" ที่สุดของเขาถูกซื้อโดยผู้ซื้อที่ไม่รู้จัก

12

"นั่งเปลือยบนโซฟา"

ผู้เขียน

อาเมเดโอ โมดิเกลียนี่

ประเทศ อิตาลี ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1884–1920
สไตล์ การแสดงออก

Modigliani มักป่วยตั้งแต่ยังเด็ก ในช่วงที่มีไข้สูง เขาจำชะตากรรมของเขาได้ในฐานะศิลปิน เขาศึกษาการวาดภาพในเมืองลิวอร์โน ฟลอเรนซ์ เวนิส และในปี พ.ศ. 2449 เขาได้เดินทางไปปารีส ที่ซึ่งงานศิลปะของเขาเจริญรุ่งเรือง

65x100 ซม.
2460
ราคา
68.962 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2553
ในการประมูล โซเธบี้ส์

ในปี 1917 Modigliani ได้พบกับ Jeanne Hebuterne วัย 19 ปี ซึ่งเป็นนางแบบของเขาและต่อมาเป็นภรรยาของเขา ในปี 2547 ภาพบุคคลหนึ่งของเธอขายได้ในราคา 31.3 ล้านดอลลาร์ ซึ่งเป็นสถิติสุดท้ายก่อนการขายภาพเปลือยบนโซฟาในปี 2010 ภาพวาดดังกล่าวถูกซื้อโดยผู้ซื้อที่ไม่รู้จักในราคาสูงสุดของ Modigliani ในขณะนี้ การขายผลงานเริ่มต้นขึ้นหลังจากการตายของศิลปินเท่านั้น เขาเสียชีวิตด้วยความยากจน ป่วยเป็นวัณโรค และในวันรุ่งขึ้น จีนน์ เฮบูแตร์น ซึ่งตั้งครรภ์ได้เก้าเดือนก็ฆ่าตัวตายเช่นกัน

13

"อินทรีบนต้นสน"

ผู้เขียน

Qi Baishi

ประเทศ จีน
ปีแห่งชีวิต 1864–1957
สไตล์ guohua

ความสนใจในการประดิษฐ์ตัวอักษรทำให้ Qi Baishi วาดภาพ ตอนอายุ 28 เขาได้เป็นนักเรียนของศิลปิน Hu Qingyuan กระทรวงวัฒนธรรมจีนได้มอบตำแหน่ง "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่แห่งประชาชนจีน" ให้เขา และในปี 1956 เขาได้รับรางวัลสันติภาพนานาชาติ

10x26 ซม.
พ.ศ. 2489
ราคา
65.4 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล ผู้พิทักษ์จีน

Qi Baishi สนใจในการสำแดงเหล่านั้นของโลกรอบ ๆ ซึ่งหลายคนไม่ให้ความสำคัญ และนี่คือความยิ่งใหญ่ของเขา ผู้ชายที่ไม่มีการศึกษากลายเป็นศาสตราจารย์และผู้สร้างที่โดดเด่นในประวัติศาสตร์ Pablo Picasso พูดถึงเขา: "ฉันกลัวที่จะไปประเทศของคุณเพราะมี Qi Baishi ในประเทศจีน" องค์ประกอบ "Eagle on a Pine Tree" ได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานที่ใหญ่ที่สุดของศิลปิน นอกจากผืนผ้าใบแล้ว ยังมีม้วนอักษรอียิปต์โบราณอีกสองม้วน สำหรับประเทศจีน จำนวนเงินที่ซื้อผลิตภัณฑ์นั้นสูงเป็นประวัติการณ์ - 425.5 ล้านหยวน เฉพาะม้วนหนังสือของนักประดิษฐ์ตัวอักษรโบราณ Huang Tingjian เท่านั้นที่ถูกขายในราคา 436.8 ล้านดอลลาร์

14

"1949-A-#1"

ผู้เขียน

คลิฟฟอร์ด สติล

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1904–1980
สไตล์ การแสดงออกทางนามธรรม

ตอนอายุ 20 เขาได้ไปเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทนในนิวยอร์กและรู้สึกผิดหวัง ต่อมาเขาสมัครเรียนหลักสูตรลีกศิลป์สำหรับนักเรียน แต่เหลือเวลา 45 นาทีหลังจากเริ่มชั้นเรียน ปรากฏว่า "ไม่ใช่ของเขา" นิทรรศการส่วนบุคคลครั้งแรกทำให้เกิดเสียงสะท้อน ศิลปินพบว่าตัวเอง และด้วยการรับรู้

79x93 ซม.
พ.ศ. 2492
ราคา
61.7 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล โซเธบี้ส์

ผลงานทั้งหมดของเขาซึ่งมีมากกว่า 800 ภาพบนผืนผ้าใบและงาน 1,600 ชิ้นบนกระดาษ ยังคงเป็นมรดกตกทอดไปยังเมืองในอเมริกา ซึ่งจะเปิดพิพิธภัณฑ์ที่ตั้งชื่อตามเขา เดนเวอร์กลายเป็นเมืองดังกล่าว แต่มีเพียงการก่อสร้างเท่านั้นที่มีราคาแพงสำหรับทางการ และงานสี่ชิ้นถูกประมูลเพื่อดำเนินการให้เสร็จ ผลงานของ Still ไม่น่าจะถูกประมูลอีกเลย ซึ่งทำให้ราคาสูงขึ้นล่วงหน้า ภาพวาด "1949-A-No.1" ขายได้มากเป็นประวัติการณ์สำหรับศิลปินแม้ว่าผู้เชี่ยวชาญคาดการณ์ว่าจะขายได้สูงสุด 25-35 ล้านดอลลาร์

15

"องค์ประกอบสุพรีม"

ผู้เขียน

Kazimir Malevich

ประเทศ รัสเซีย
ปีแห่งชีวิต 1878–1935
สไตล์ ลัทธิเหนือกว่า

Malevich ศึกษาการวาดภาพที่ Kyiv Art School จากนั้นที่ Moscow Academy of Arts ในปีพ.ศ. 2456 เขาเริ่มวาดภาพเรขาคณิตนามธรรมในรูปแบบที่เขาเรียกว่า Suprematism (จากภาษาละตินว่า "การครอบงำ")

71x88.5 ซม.
พ.ศ. 2459
ราคา
60 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2008
ในการประมูล โซเธบี้ส์

ภาพวาดดังกล่าวถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ของเมืองอัมสเตอร์ดัมเป็นเวลาประมาณ 50 ปี แต่หลังจากการโต้เถียงกัน 17 ปีกับญาติของ Malevich พิพิธภัณฑ์ก็ปล่อยมันไป ศิลปินวาดภาพงานนี้ในปีเดียวกับ The Manifesto of Suprematism ดังนั้น Sotheby's จึงได้ประกาศก่อนการประมูลว่าจะไม่ถูกจัดเป็นคอลเล็กชั่นส่วนตัวที่มีราคาต่ำกว่า 60 ล้านดอลลาร์ และมันก็เกิดขึ้น เป็นการดีกว่าที่จะมองจากด้านบน: ตัวเลขบนผืนผ้าใบคล้ายกับมุมมองทางอากาศของโลก อย่างไรก็ตาม เมื่อไม่กี่ปีก่อน ญาติคนเดียวกันได้เวนคืน "องค์ประกอบ Suprematist" อื่นจากพิพิธภัณฑ์ MoMA เพื่อขายที่ Phillips ในราคา 17 ล้านดอลลาร์

16

"อาบน้ำ"

ผู้เขียน

Paul Gauguin

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1848–1903
สไตล์ โพสต์อิมเพรสชันนิสม์

ศิลปินอาศัยอยู่ในเปรูจนกระทั่งอายุเจ็ดขวบจากนั้นก็กลับไปฝรั่งเศสกับครอบครัว แต่ความทรงจำในวัยเด็กผลักดันให้เขาเดินทางตลอดเวลา ในฝรั่งเศสเขาเริ่มวาดภาพเป็นเพื่อนกับแวนโก๊ะ เขาใช้เวลาหลายเดือนกับเขาใน Arles จนกระทั่ง Van Gogh ตัดหูของเขาระหว่างการทะเลาะวิวาท

93.4x60.4 ซม.
1902
ราคา
55 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2548
ในการประมูล โซเธบี้ส์

ในปี พ.ศ. 2434 โกแกงได้ขายภาพเขียนของเขาเพื่อใช้เงินที่ได้ไปลึกเข้าไปในเกาะตาฮิติ ที่นั่นเขาสร้างผลงานที่เราสามารถสัมผัสได้ถึงความเชื่อมโยงระหว่างธรรมชาติกับมนุษย์ Gauguin อาศัยอยู่ในกระท่อมมุงจาก และสวรรค์เขตร้อนผลิบานบนผืนผ้าใบของเขา ภรรยาของเขาเป็นตาฮิเตียน เตฮูรา วัย 13 ปี ซึ่งไม่ได้ขัดขวางศิลปินจากการสำส่อน เมื่อติดโรคซิฟิลิส เขาจึงเดินทางไปฝรั่งเศส อย่าง ไร ก็ ดี โกแกง คับคั่ง อยู่ ที่ นั่น และ เขา กลับ ไป ที่ ตาฮิติ. ช่วงเวลานี้เรียกว่า "ตาฮิติที่สอง" - ตอนนั้นเองที่ภาพวาด "Bathers" ถูกทาสีซึ่งเป็นหนึ่งในงานที่หรูหราที่สุดในงานของเขา

17

"แดฟโฟดิลกับผ้าปูโต๊ะสีฟ้าและชมพู"

ผู้เขียน

อองรี มาติส

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1869–1954
สไตล์ ลัทธิโฟวิส

ในปี 1889 Henri Matisse มีอาการไส้ติ่งอักเสบ เมื่อเขาฟื้นจากการผ่าตัด แม่ของเขาซื้อสีทาให้เขา อย่างแรกด้วยความเบื่อหน่าย Matisse คัดลอกโปสการ์ดสีจากนั้น - ผลงานของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ที่เขาเห็นในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เขาก็มีสไตล์ - fauvism

65.2x81 ซม.
พ.ศ. 2454
ราคา
46.4 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2009
ในการประมูล คริสตี้ส์

ภาพวาด "แดฟโฟดิลและผ้าปูโต๊ะสีน้ำเงินและชมพู" เป็นของ Yves Saint Laurent มาเป็นเวลานาน หลังจากการเสียชีวิตของกูตูเรียร์ งานศิลปะทั้งหมดของเขาตกไปอยู่ในมือของเพื่อนและคนรักของเขา ปิแอร์ เบอร์เกอร์ ผู้ซึ่งตัดสินใจนำมันขึ้นประมูลที่คริสตี้ส์ ไข่มุกแห่งคอลเล็กชั่นที่ขายคือภาพวาด "แดฟโฟดิลกับผ้าปูโต๊ะสีน้ำเงินและชมพู" ซึ่งวาดบนผ้าปูโต๊ะธรรมดาแทนผ้าใบ เป็นตัวอย่างหนึ่งของ Fauvism มันเต็มไปด้วยพลังของสี สีสันต่างๆ ดูเหมือนจะระเบิดและกรีดร้อง จากชุดภาพวาดบนผ้าปูโต๊ะที่รู้จักกันดีในปัจจุบัน ผลงานชิ้นนี้เป็นผลงานชิ้นเดียวที่อยู่ในคอลเล็กชั่นส่วนตัว

18

"สาวนอน"

ผู้เขียน

รอยลี

ชเตนสไตน์

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1923–1997
สไตล์ ป๊อปอาร์ต

ศิลปินเกิดในนิวยอร์กและหลังจากจบการศึกษาจากโรงเรียนเขาไปที่โอไฮโอซึ่งเขาไปเรียนหลักสูตรศิลปะ ในปี พ.ศ. 2492 ลิกเตนสไตน์ได้รับปริญญาศิลปศาสตรมหาบัณฑิต ความสนใจในการ์ตูนและความสามารถในการแดกดันทำให้เขากลายเป็นศิลปินลัทธิแห่งศตวรรษที่ผ่านมา

91x91 ซม.
พ.ศ. 2507
ราคา
44.882 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล โซเธบี้ส์

ครั้งหนึ่งหมากฝรั่งตกไปอยู่ในมือของลิกเตนสไตน์ เขาวาดภาพใหม่จากส่วนแทรกบนผืนผ้าใบและกลายเป็นที่รู้จัก เนื้อเรื่องจากชีวประวัติของเขานี้มีเนื้อหาเกี่ยวกับป๊อปอาร์ตทั้งหมด: การบริโภคเป็นพระเจ้าองค์ใหม่ และในกระดาษห่อหมากฝรั่งมีความสวยงามไม่น้อยไปกว่า Mona Lisa ภาพวาดของเขาชวนให้นึกถึงการ์ตูนและการ์ตูน: ลิกเตนสไตน์เพียงแค่ขยายภาพที่เสร็จแล้ว วาดแรสเตอร์ ใช้การพิมพ์หน้าจอและการพิมพ์ซิลค์สกรีน ภาพวาด "Sleeping Girl" เป็นของนักสะสมเบียทริซและฟิลิปเกิร์ชมาเกือบ 50 ปีซึ่งทายาทขายทอดตลาด

19

"ชัยชนะ. บูกี้ วูกี้"

ผู้เขียน

Piet Mondrian

ประเทศ เนเธอร์แลนด์
ปีแห่งชีวิต 1872–1944
สไตล์ neoplasticism

ชื่อจริงของเขา - คอร์เนลิส - ศิลปินเปลี่ยนเป็น Mondrian เมื่อเขาย้ายไปปารีสในปี 2455 ร่วมกับศิลปินธีโอ ฟาน โดสเบิร์ก เขาได้ก่อตั้งขบวนการนีโอพลาสติก ภาษาโปรแกรม Piet ตั้งชื่อตาม Mondrian

27x127 ซม.
1944
ราคา
40 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 1998
ในการประมูล โซเธบี้ส์

"ดนตรี" ที่สุดของศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20 หาเลี้ยงชีพด้วยสิ่งมีชีวิตสีน้ำแม้ว่าเขาจะกลายเป็นที่รู้จักในฐานะศิลปินนีโอพลาสติก เขาย้ายไปสหรัฐอเมริกาในทศวรรษที่ 1940 และใช้ชีวิตที่เหลืออยู่ที่นั่น แจ๊สและนิวยอร์ก - นั่นคือสิ่งที่เป็นแรงบันดาลใจให้เขามากที่สุด! จิตรกรรม "ชัยชนะ Boogie Woogie เป็นตัวอย่างที่ดีที่สุดของเรื่องนี้ สี่เหลี่ยมที่เรียบร้อย "มีตราสินค้า" ได้มาจากการใช้เทปกาว ซึ่งเป็นวัสดุโปรดของ Mondrian ในอเมริกาเขาถูกเรียกว่า "ผู้อพยพที่มีชื่อเสียงที่สุด" ในช่วงอายุหกสิบเศษ Yves Saint Laurent ได้ผลิตชุดเดรส "Mondrian" ที่มีชื่อเสียงระดับโลกพร้อมลายตารางสีขนาดใหญ่

20

"องค์ประกอบที่ 5"

ผู้เขียน

โหระพาคันดินสกี้

ประเทศ รัสเซีย
ปีแห่งชีวิต 1866–1944
สไตล์ เปรี้ยวจี๊ด

ศิลปินเกิดในมอสโกและพ่อของเขามาจากไซบีเรีย หลังจากการปฏิวัติ เขาพยายามร่วมมือกับทางการโซเวียต แต่ในไม่ช้าก็ตระหนักว่ากฎหมายของชนชั้นกรรมาชีพไม่ได้สร้างขึ้นสำหรับเขา และได้อพยพไปยังเยอรมนีโดยไม่มีปัญหา

275x190 ซม.
พ.ศ. 2454
ราคา
40 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2550
ในการประมูล โซเธบี้ส์

คันดินสกี้เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่ละทิ้งการวาดภาพวัตถุโดยสิ้นเชิง ซึ่งเขาได้รับฉายาว่าเป็นอัจฉริยะ ระหว่างลัทธินาซีในเยอรมนี ภาพวาดของเขาถูกจัดว่าเป็น "ศิลปะที่เสื่อมโทรม" และไม่ได้จัดแสดงที่ไหนเลย ในปี 1939 คันดินสกี้ได้รับสัญชาติฝรั่งเศสในปารีสเขาเข้าร่วมในกระบวนการทางศิลปะอย่างอิสระ ภาพวาดของเขา "มีเสียง" ราวกับภาพลวงตา ซึ่งเป็นสาเหตุที่ทำให้หลายคนเรียกว่า "องค์ประกอบ" (เขียนครั้งแรกในปี 2453 ครั้งสุดท้ายในปี 2482) “องค์ประกอบที่ 5” เป็นหนึ่งในงานหลักในประเภทนี้: “คำว่า “องค์ประกอบ” ฟังดูเหมือนคำอธิษฐานสำหรับฉัน” ศิลปินกล่าว เขาวางแผนว่าจะวาดภาพอะไรบนผืนผ้าใบผืนใหญ่ ต่างจากผู้ติดตามหลายคน ราวกับกำลังเขียนโน้ต

21

"การศึกษาของผู้หญิงในชุดสีน้ำเงิน"

ผู้เขียน

Fernand Léger

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1881–1955
สไตล์ คิวบิสม์-โพสต์อิมเพรสชันนิสม์

Leger ได้รับการศึกษาด้านสถาปัตยกรรมแล้วเป็นนักเรียนที่ School of Fine Arts ในปารีส ศิลปินถือว่าตัวเองเป็นลูกศิษย์ของ Cezanne เป็นผู้ขอโทษสำหรับลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและในศตวรรษที่ 20 เขาก็ประสบความสำเร็จในฐานะประติมากร

96.5x129.5 ซม.
2455-2456
ราคา
39.2 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2008
ในการประมูล โซเธบี้ส์

David Normann ประธานของ International Impressionism and Modernism ของ Sotheby เชื่อว่าจำนวนเงินมหาศาลที่จ่ายให้กับ The Lady in Blue นั้นสมเหตุสมผลทั้งหมด ภาพวาดนี้เป็นของคอลเล็กชั่น Leger ที่มีชื่อเสียง (ศิลปินวาดภาพสามภาพในแปลงเดียว ภาพสุดท้ายอยู่ในมือของเอกชนในปัจจุบัน - เอ็ด.) และพื้นผิวของผืนผ้าใบได้รับการเก็บรักษาไว้ในรูปแบบดั้งเดิม ผู้เขียนเองมอบงานนี้ให้กับแกลลอรี่ Der Sturm จากนั้นมันก็จบลงในคอลเล็กชั่นของ Hermann Lang นักสะสมสมัยใหม่ชาวเยอรมันและตอนนี้เป็นของผู้ซื้อที่ไม่รู้จัก

22

“ฉากถนน เบอร์ลิน"

ผู้เขียน

เอิร์นส์ ลุดวิกเคิร์ชเนอร์

ประเทศ เยอรมนี
ปีแห่งชีวิต 1880–1938
สไตล์ การแสดงออก

สำหรับการแสดงออกทางอารมณ์ของเยอรมัน Kirchner กลายเป็นบุคคลสำคัญ อย่างไรก็ตาม เจ้าหน้าที่ท้องถิ่นกล่าวหาว่าเขายึดมั่นใน "ศิลปะที่เสื่อมโทรม" ซึ่งส่งผลกระทบอย่างน่าเศร้าต่อชะตากรรมของภาพวาดของเขาและชีวิตของศิลปินที่ฆ่าตัวตายในปี 2481

95x121 ซม.
พ.ศ. 2456
ราคา
38.096 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล คริสตี้ส์

หลังจากย้ายไปเบอร์ลินแล้ว Kirchner ได้สร้างภาพสเก็ตช์ภาพท้องถนน 11 ​​ภาพ เขาได้รับแรงบันดาลใจจากความวุ่นวายและความกังวลใจของเมืองใหญ่ ในภาพวาดซึ่งขายในปี 2549 ที่นิวยอร์ก ความวิตกกังวลของศิลปินนั้นรุนแรงเป็นพิเศษ: ผู้คนบนถนนในเบอร์ลินดูเหมือนนก - สง่างามและอันตราย เธอเป็นผลงานชิ้นสุดท้ายจากซีรีส์ดัง ขายทอดตลาด ที่เหลือเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ ในปี 1937 พวกนาซีปฏิบัติต่อ Kirchner อย่างไร้ความปราณี: 639 ผลงานของเขาถูกยึดจากแกลเลอรี่ของเยอรมัน ทำลายหรือขายในต่างประเทศ ศิลปินไม่สามารถอยู่รอดได้

23

"พักผ่อนนักเต้น"

ผู้เขียน

เอ็ดการ์ เดอกาส์

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1834–1917
สไตล์ อิมเพรสชั่นนิสม์

ประวัติของเดอกาส์ในฐานะศิลปินเริ่มต้นจากการที่เขาทำงานเป็นนักลอกเลียนแบบในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ เขาใฝ่ฝันที่จะ "มีชื่อเสียงและไม่รู้จัก" และในที่สุดเขาก็ประสบความสำเร็จ ในช่วงสุดท้ายของชีวิต Degas วัย 80 ปี ที่หูหนวกและตาบอด ยังคงเข้าร่วมงานนิทรรศการและการประมูลต่อไป

64x59 ซม.
พ.ศ. 2422
ราคา
37.043 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2008
ในการประมูล โซเธบี้ส์

“นักบัลเล่ต์เป็นเพียงแค่ข้ออ้างในการพรรณนาถึงเนื้อผ้าและการเคลื่อนไหว” เดอกาส์กล่าว ฉากจากชีวิตของนักเต้นดูเหมือนจะถูกมอง: สาว ๆ ไม่ได้โพสท่าให้กับศิลปิน แต่กลายเป็นส่วนหนึ่งของบรรยากาศที่ถูกจับตามองของเดอกาส์ Resting Dancer ขายได้ 28 ล้านเหรียญในปี 2542 และไม่ถึง 10 ปีต่อมาก็ถูกซื้อไป 37 ล้านเหรียญ - วันนี้เป็นงานที่แพงที่สุดของศิลปินที่เคยประมูล Degas ให้ความสำคัญกับเฟรมเป็นอย่างมาก เขาออกแบบเองและห้ามไม่ให้เปลี่ยนกรอบ ฉันสงสัยว่ากรอบใดที่ติดตั้งบนภาพวาดที่ขาย?

24

"จิตรกรรม"

ผู้เขียน

ฮวน มิโร

ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1893–1983
สไตล์ ศิลปะนามธรรม

ในช่วงสงครามกลางเมืองสเปน ศิลปินอยู่ฝ่ายรีพับลิกัน ในปีพ.ศ. 2480 เขาหนีจากอำนาจฟาสซิสต์ไปยังกรุงปารีส ที่ซึ่งเขาอาศัยอยู่กับครอบครัวอย่างยากจนข้นแค้น ในช่วงเวลานี้ Miro วาดภาพ "Help Spain!" ดึงดูดความสนใจของคนทั้งโลกไปสู่การปกครองของลัทธิฟาสซิสต์

89x115 ซม.
พ.ศ. 2470
ราคา
36.824 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล โซเธบี้ส์

ชื่อที่สองของภาพวาดคือ "บลูสตาร์" ศิลปินเขียนมันในปีเดียวกันเมื่อเขาประกาศว่า: "ฉันต้องการฆ่าภาพวาด" และเยาะเย้ยผืนผ้าใบอย่างไร้ความปราณีเกาสีด้วยเล็บติดขนบนผืนผ้าใบคลุมงานด้วยขยะ เป้าหมายของเขาคือการหักล้างตำนานเกี่ยวกับความลึกลับของการวาดภาพ แต่เมื่อจัดการกับสิ่งนี้ Miro ได้สร้างตำนานของตัวเองขึ้นซึ่งเป็นนามธรรมที่เหนือจริง "ภาพวาด" ของเขาหมายถึงวัฏจักรของ "ภาพฝัน" ผู้ซื้อสี่รายต่อสู้เพื่อมันในการประมูล แต่การโทรแบบไม่ระบุตัวตนหนึ่งครั้งได้ยุติข้อพิพาท และ "จิตรกรรม" กลายเป็นภาพวาดที่แพงที่สุดของศิลปิน

25

"บลูโรส"

ผู้เขียน

อีฟ ไคลน์

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1928–1962
สไตล์ จิตรกรรมขาวดำ

ศิลปินเกิดในตระกูลจิตรกร แต่ได้ศึกษาภาษาตะวันออก การนำทาง งานฝีมือจากทองคำเปลว พุทธศาสนานิกายเซน และอีกมากมาย บุคลิกและการแสดงตลกที่อวดดีของเขาน่าสนใจกว่าภาพวาดขาวดำหลายเท่า

153x199x16 ซม.
1960
ราคา
36.779 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายในปี 2012
ในงานประมูลของคริสตี้

นิทรรศการครั้งแรกของงานสีเหลือง สีส้ม สีชมพู ไม่ได้กระตุ้นความสนใจของสาธารณชน ไคลน์รู้สึกขุ่นเคืองใจและครั้งต่อไปที่เขานำเสนอผืนผ้าใบที่เหมือนกัน 11 ผืน ซึ่งวาดด้วยอุลตรามารีนผสมกับเรซินสังเคราะห์ชนิดพิเศษ เขายังจดสิทธิบัตรวิธีนี้ สีตกลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะ "International Klein Blue" ศิลปินยังขายความว่างเปล่า สร้างภาพวาดโดยนำกระดาษไปตากฝน จุดไฟบนกระดาษแข็ง ทำภาพร่างมนุษย์บนผ้าใบ พูดได้คำเดียวว่า ฉันได้ทดลองอย่างดีที่สุดเท่าที่จะทำได้ ในการสร้าง "กุหลาบสีน้ำเงิน" ฉันใช้เม็ดสีแห้ง เรซิน กรวด และฟองน้ำธรรมชาติ

26

“ตามหาโมเสส”

ผู้เขียน

เซอร์ ลอว์เรนซ์ อัลมา-ทาเดมา

ประเทศ บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1836–1912
สไตล์ นีโอคลาสซิซิสซึ่ม

เซอร์ลอว์เรนซ์เองได้เพิ่มคำนำหน้า "alma" ลงในนามสกุลของเขาเพื่อให้ปรากฏเป็นอันดับแรกในแคตตาล็อกงานศิลปะ ในอังกฤษยุควิกตอเรีย ภาพวาดของเขาเป็นที่ต้องการมากจนศิลปินได้รับตำแหน่งอัศวิน

213.4x136.7 ซม.
1902
ราคา
35.922 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล โซเธบี้ส์

ธีมหลักของงานของ Alma-Tadema คือสมัยโบราณ ในภาพวาดเขาพยายามพรรณนาถึงยุคของจักรวรรดิโรมันในรายละเอียดที่เล็กที่สุดด้วยเหตุนี้เขาจึงมีส่วนร่วมในการขุดค้นทางโบราณคดีบนคาบสมุทร Apennine และในบ้านในลอนดอนของเขาเขาได้ทำซ้ำการตกแต่งภายในทางประวัติศาสตร์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เรื่องราวในตำนานกลายเป็นอีกหนึ่งแรงบันดาลใจสำหรับเขา ศิลปินเป็นที่ต้องการอย่างมากในช่วงชีวิตของเขา แต่หลังจากที่เขาเสียชีวิตเขาก็ถูกลืมไปอย่างรวดเร็ว ตอนนี้ความสนใจกำลังฟื้นคืนชีพ ดังที่เห็นได้จากต้นทุนของภาพวาด "In Search of Moses" ซึ่งสูงกว่าประมาณการก่อนการขายถึงเจ็ดเท่า

27

"ภาพเหมือนของเจ้าหน้าที่เปลือยกายนอนหลับ"

ผู้เขียน

ลูเซียน ฟรอยด์

ประเทศ เยอรมนี
บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1922–2011
สไตล์ ภาพวาดที่เป็นรูปเป็นร่าง

ศิลปินเป็นหลานชายของซิกมันด์ ฟรอยด์ บิดาแห่งจิตวิเคราะห์ หลังจากการก่อตั้งลัทธิฟาสซิสต์ในเยอรมนี ครอบครัวของเขาได้อพยพไปยังสหราชอาณาจักร ผลงานของฟรอยด์อยู่ใน Wallace Collection ในลอนดอน ซึ่งไม่เคยมีศิลปินร่วมสมัยเคยจัดแสดงมาก่อน

219.1x151.4 ซม.
1995
ราคา
33.6 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2008
ในการประมูล คริสตี้ส์

ในขณะที่ศิลปินแฟชั่นแห่งศตวรรษที่ 20 ได้สร้าง "จุดสีบนผนัง" ในเชิงบวกและขายได้เป็นล้าน ฟรอยด์ก็วาดภาพที่เป็นธรรมชาติอย่างยิ่งและขายให้มากขึ้นไปอีก “ฉันจับเสียงร้องของจิตวิญญาณและความทุกข์ทรมานของเนื้อที่เหี่ยวเฉา” เขากล่าว นักวิจารณ์เชื่อว่าทั้งหมดนี้เป็น "มรดก" ของซิกมุนด์ ฟรอยด์ ภาพวาดถูกจัดแสดงอย่างแข็งขันและขายได้สำเร็จจนผู้เชี่ยวชาญมีข้อสงสัย: พวกเขามีคุณสมบัติในการสะกดจิตหรือไม่? ขายในการประมูล "ภาพเหมือนของเจ้าหน้าที่เปลือยกายที่หลับใหล" ตามที่ดวงอาทิตย์ได้รับโดยผู้เชี่ยวชาญด้านความงามและมหาเศรษฐี Roman Abramovich

28

"ไวโอลินและกีตาร์"

ผู้เขียน

Xหนึ่ง gris

ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1887–1927
สไตล์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม

เกิดในกรุงมาดริด ซึ่งเขาจบการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะและหัตถกรรม ในปี 1906 เขาย้ายไปปารีสและเข้าสู่วงการศิลปินที่ทรงอิทธิพลที่สุดในยุคนั้น: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger ยังทำงานร่วมกับ Sergei Diaghilev และคณะของเขาด้วย

5x100 ซม.
พ.ศ. 2456
ราคา
$28.642 ล้าน
ขายแล้ว ในปี 2553
ในการประมูล คริสตี้ส์

Gris ในคำพูดของเขาเองมีส่วนร่วมใน "สถาปัตยกรรมที่มีสีระนาบ" ภาพวาดของเขาได้รับการพิจารณาอย่างแม่นยำ: เขาไม่ได้เว้นจังหวะโดยบังเอิญซึ่งทำให้ความคิดสร้างสรรค์เกี่ยวข้องกับเรขาคณิต ศิลปินสร้างลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมในแบบของเขาเอง แม้ว่าเขาจะให้ความเคารพอย่างสูงต่อปาโบล ปีกัสโซ บิดาผู้ก่อตั้งขบวนการนี้ ผู้สืบทอดตำแหน่งได้อุทิศงาน Cubist งานแรกของเขา นั่นคือ Tribute to Picasso ให้กับเขา ภาพวาด "ไวโอลินและกีตาร์" ได้รับการยอมรับว่าโดดเด่นในผลงานของศิลปิน ในช่วงชีวิตของเขา กริสเป็นที่รู้จัก ได้รับความนิยมในหมู่นักวิจารณ์และนักประวัติศาสตร์ศิลป์ ผลงานของเขาจัดแสดงในพิพิธภัณฑ์ที่ใหญ่ที่สุดในโลกและเก็บไว้ในคอลเล็กชันส่วนตัว

29

"ภาพเหมือนทุ่ง Eluard»

ผู้เขียน

ซัลวาดอร์ ดาลี

ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1904–1989
สไตล์ สถิตยศาสตร์

“สถิตยศาสตร์คือฉัน” Dali กล่าวเมื่อเขาถูกไล่ออกจากกลุ่ม Surrealist เมื่อเวลาผ่านไป เขากลายเป็นศิลปินเซอร์เรียลลิสต์ที่โด่งดังที่สุด งานของต้าหลี่มีอยู่ทุกที่ ไม่ใช่แค่ในแกลเลอรี่ ตัวอย่างเช่น เขาเป็นคนคิดค้นบรรจุภัณฑ์สำหรับ Chupa-Chups

25x33 ซม.
พ.ศ. 2472
ราคา
20.6 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล โซเธบี้ส์

ในปี 1929 กวี Paul Eluard และ Gala ภรรยาชาวรัสเซียของเขามาเยี่ยม Dali ผู้ยั่วยุและนักวิวาทผู้ยิ่งใหญ่ การพบกันครั้งนี้เป็นจุดเริ่มต้นของเรื่องราวความรักที่ยาวนานกว่าครึ่งศตวรรษ ภาพวาด "Portrait of Paul Eluard" ถูกวาดขึ้นในระหว่างการเยี่ยมชมประวัติศาสตร์ครั้งนี้ “ฉันรู้สึกว่าฉันได้รับมอบหมายให้ทำหน้าที่จับภาพใบหน้าของกวี ซึ่งโอลิมปัสฉันขโมยหนึ่งในรำพึง” ศิลปินกล่าว ก่อนที่จะพบกับ Gala เขาเป็นสาวพรหมจารีและรู้สึกรังเกียจที่คิดว่าจะมีเพศสัมพันธ์กับผู้หญิง รักสามเส้ามีอยู่จนกระทั่งเอลูอาร์ดเสียชีวิต หลังจากนั้นก็กลายเป็นคู่ Dali-Gala

30

"วันครบรอบ"

ผู้เขียน

มาร์ค ชากาล

ประเทศ รัสเซีย ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1887–1985
สไตล์ เปรี้ยวจี๊ด

Moishe Segal เกิดที่ Vitebsk แต่ในปี 1910 เขาอพยพไปปารีส เปลี่ยนชื่อของเขา และใกล้ชิดกับศิลปินแนวหน้าในยุคนั้น ในช่วงทศวรรษที่ 1930 เมื่อพวกนาซียึดอำนาจ เขาได้เดินทางไปสหรัฐอเมริกาโดยได้รับความช่วยเหลือจากกงสุลอเมริกัน เขากลับมาที่ฝรั่งเศสในปี 2491 เท่านั้น

80x103 ซม.
พ.ศ. 2466
ราคา
14.85 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายในปี 1990
ในการประมูลของ Sotheby

ภาพวาด "ยูบิลลี่" ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของศิลปิน มันมีคุณสมบัติทั้งหมดในการทำงานของเขา: กฎทางกายภาพของโลกถูกลบล้างความรู้สึกของเทพนิยายได้รับการเก็บรักษาไว้ในฉากของชีวิตชนชั้นนายทุนน้อยและความรักอยู่ในใจกลางของโครงเรื่อง Chagall ไม่ได้ดึงผู้คนจากธรรมชาติ แต่มาจากความทรงจำหรือการเพ้อฝันเท่านั้น ภาพวาด "ยูบิลลี่" แสดงให้เห็นถึงตัวศิลปินเองกับเบลาภรรยาของเขา ภาพวาดถูกขายในปี 1990 และไม่ได้รับการเสนอราคาตั้งแต่นั้นมา ที่น่าสนใจคือพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งนิวยอร์ก MoMA ยังคงเหมือนเดิมทุกประการ ภายใต้ชื่อ "วันเกิด" เท่านั้น โดยวิธีการที่มันถูกเขียนก่อนหน้านี้ - ในปี 1915

ร่างที่เตรียมไว้
Tatyana Palasova
รวบรวมเรตติ้งแล้ว
ตามรายการ www.art-spb.ru
นิตยสาร tmn №13 (พฤษภาคม-มิถุนายน 2556)

บทนำ น.3
1. ศิลปินและสมาคมศิลปะแห่งทศวรรษ 1920 หน้า 5
2. ศิลปินและสมาคมศิลปะยุค 30 หน้า 11
อ้างอิง น.20

บทนำ

ตุลาคม พ.ศ. 2460 เปิดศักราชใหม่ไม่เฉพาะในชีวิตทางสังคมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชีวิตศิลปะด้วย การปฏิวัติใด ๆ ทำลายบางสิ่งบางอย่าง จากนั้นการสร้างสิ่งใหม่ก็เริ่มต้นขึ้น สิ่งที่เกิดขึ้นไม่ใช่การพัฒนาที่เรียบง่าย แต่เป็นการสร้างอุปกรณ์ใหม่อันชี้ขาดของรากฐานของโครงสร้างทางสังคม การเมือง อุดมการณ์ และรูปแบบอื่นๆ ในอดีต รวมทั้งศิลปะ
การปฏิวัติทำให้เกิดปัญหาอย่างน้อยสองประการ ปัญหาแรกคือธรรมชาติทางชนชั้นของศิลปะ ความพยายามที่จะเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับการต่อสู้ทางชนชั้นทำให้เกิดการบิดเบือนลักษณะมัลติฟังก์ชั่นของมัน ความเข้าใจที่เรียบง่ายอย่างรวดเร็วเป็นพิเศษเกี่ยวกับธรรมชาติของชนชั้นของศิลปะได้แสดงออกในกิจกรรมของ Proletcult ที่โด่งดัง องค์ประกอบของการต่อสู้นำไปสู่การทำลายอนุสรณ์สถานทางวัฒนธรรม ไม่เพียงเกิดจากการปฏิบัติการทางทหารในช่วงสงครามกลางเมืองและการแทรกแซงจากต่างประเทศเท่านั้น แต่ยังเกิดจากนโยบายที่มุ่งทำลายวัฒนธรรมชนชั้นนายทุนด้วย ดังนั้นอนุสาวรีย์ประติมากรรม งานสถาปัตยกรรมโบราณที่เกี่ยวข้องกับการบูชาทางศาสนาจำนวนมากจึงถูกทำลายหรือถูกทำลาย
ปัญหาที่สองคือปัญหาการเมืองทางชนชั้นทางศิลปะ กองกำลังทั้งหมดมีส่วนร่วมในการแก้ปัญหา: "ชนชั้นนายทุน" และ "ชนชั้นกรรมาชีพ", การทำลายล้างและสร้างสรรค์, โซเวียตและไม่ใช่โซเวียต, "ซ้าย" และ "ขวา", วัฒนธรรมและความโง่เขลา, มืออาชีพและมือสมัครเล่น
หลักการของการพัฒนาสังคมที่ประกาศโดยรัฐส่วนใหญ่กำหนดการเคลื่อนไหวของศิลปะอย่างค่อยเป็นค่อยไป การแบ่งชั้นของกองกำลังเกิดขึ้นจากการเพิ่มเวกเตอร์ของศิลปะที่แท้จริง ในอีกด้านหนึ่ง นี่คือพลังของการพัฒนาตนเองของศิลปะ ซึ่งส่งผลต่อรูปแบบการเคลื่อนไหวของรูปแบบที่มีอยู่ในธรรมชาติของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ ในทางกลับกัน อิทธิพลของพลังทางสังคม สถาบันสาธารณะ ที่สนใจในสิ่งนี้และไม่ใช่การเคลื่อนไหวทางศิลปะอื่น ในรูปแบบที่แน่นอน ประการที่สาม - การกำหนดนโยบายของรัฐซึ่งอาศัยกองกำลังทางสังคมหรือไม่พึ่งพาพวกเขา มีผลกระทบอย่างไม่มีเงื่อนไขต่อโครงสร้างของศิลปะ ในสาระสำคัญ ต่อศักยภาพของวิวัฒนาการและการปฏิวัติ ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1920 การเมืองเริ่มบิดเบือนการพัฒนาตามปกติของศิลปะอย่างชัดเจน เพื่อใช้แรงกดดันบางอย่างโดยการห้ามหรือประณามการแสดงออกที่ "ไม่ใช่ชนชั้นกรรมาชีพ" บางอย่าง

1. สมาคมศิลปินและศิลปะแห่งยุค 20

ทศวรรษที่ 1920 เป็นช่วงเวลาแห่งศิลปะที่ปั่นป่วน มีหลายฝ่ายที่แตกต่างกัน แต่ละคนเสนอเวที แต่ละคนพูดด้วยแถลงการณ์ของตนเอง ศิลปะที่หมกมุ่นอยู่กับความคิดในการค้นหานั้นมีความหลากหลาย มันผุดขึ้นและซีดเผือดพยายามที่จะให้ทันกับยุคสมัยและมองไปสู่อนาคต
การจัดกลุ่มที่สำคัญที่สุดซึ่งมีการประกาศและการปฏิบัติที่สร้างสรรค์สะท้อนถึงกระบวนการสร้างสรรค์หลักของเวลานั้นคือ AHRR, OST และ "4 Arts" (8, p. 87)
กลุ่ม AHRR (สมาคมศิลปินแห่งการปฏิวัติรัสเซีย) เกิดขึ้นในปี 2465 (ในปี 2471 เปลี่ยนชื่อเป็น AHRR - สมาคมศิลปินแห่งการปฏิวัติ) แก่นของ AHRR ส่วนใหญ่มาจากอดีตสมาชิกของสมาคมการจัดนิทรรศการการเดินทาง การประกาศ AHRR ถูกกำหนดไว้ในแคตตาล็อกนิทรรศการปี 1922: “หน้าที่พลเมืองของเราต่อมนุษยชาติคือการบันทึกทางศิลปะและสารคดีของช่วงเวลาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ด้วยแรงกระตุ้นการปฏิวัติ เราจะพรรณนาในวันนี้: ชีวิตของกองทัพแดง, ชีวิตของคนงาน, ชาวนา, ผู้นำของการปฏิวัติและวีรบุรุษแห่งแรงงาน
ศิลปิน AHRR พยายามทำให้ภาพวาดของพวกเขาเข้าถึงผู้ชมจำนวนมากในเวลานั้น ในงานของพวกเขา พวกเขามักจะใช้ภาษาเขียนประจำวันของผู้พเนจรตอนปลายอย่างเป็นกลไก AHRR ได้จัดนิทรรศการศิลปะตามหัวข้อจำนวนหนึ่ง ซึ่งมีชื่อเรียกว่า "ชีวิตและชีวิตของคนงาน" (1922), "ชีวิตและชีวิตของกองทัพแดง" (1923), "การปฏิวัติ ชีวิตและแรงงาน" (1924 - 2468), “ ชีวิตและชีวิตของผู้คนสหภาพโซเวียต "(2469) - พวกเขาพูดถึงงานของการสะท้อนโดยตรงของความเป็นจริงสมัยใหม่
ลักษณะเฉพาะของการปฏิบัติของ "Akhrovites" คือพวกเขาไปที่โรงงานและโรงงานไปที่ค่ายทหารแดงเพื่อสังเกตชีวิตและชีวิตของวีรบุรุษของพวกเขาที่นั่น ในระหว่างการเตรียมนิทรรศการ "ชีวิตและชีวิตของชนชาติสหภาพโซเวียต" ผู้เข้าร่วมได้เยี่ยมชมมุมที่ห่างไกลที่สุดของประเทศโซเวียตและนำภาพร่างจำนวนมากซึ่งเป็นพื้นฐานของงานของพวกเขากลับมา ศิลปิน AHRR มีบทบาทสำคัญในการเรียนรู้รูปแบบใหม่ โดยมีอิทธิพลต่อตัวแทนของกลุ่มศิลปะต่างๆ ในสมัยนั้น
ในบรรดาศิลปินของ AHRR ผลงานของ I. I. Brodsky (1883 - 1939) โดดเด่น ผู้ซึ่งกำหนดให้หน้าที่ของเขาคือการจำลองเหตุการณ์และวีรบุรุษแห่งการปฏิวัติที่ถูกต้องแม่นยำ ผืนผ้าใบของเขาอุทิศให้กับกิจกรรมของ V.I. เลนินได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง การเกิดของ Leniniana ที่งดงามนั้นมาจากภาพวาดของ Brodsky ในปี 1929 เรื่อง "Lenin's Speech at the Putilov Factory" และผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาเรื่อง "Lenin in Smolny" (1930) ซึ่งวาดภาพ Lenin ในที่ทำงานของเขา Brodsky เห็น Lenin หลายครั้งและวาดภาพร่างของเขา (12, p. 92)
ผลงานของ Brodsky มีคุณภาพที่สำคัญ - ความถูกต้องซึ่งมีความสำคัญทางประวัติศาสตร์และความรู้ความเข้าใจอย่างมาก อย่างไรก็ตาม ความปรารถนาในสารคดีบางครั้งนำไปสู่การตีความเหตุการณ์เชิงประจักษ์และเป็นธรรมชาติ ความสำคัญทางศิลปะของภาพวาดของ Brodsky ก็ลดลงด้วยธรรมชาตินิยมแบบแห้งและลักษณะสีผสมอาหารของส่วนสำคัญของผลงานของเขา
ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพเหมือน G. G. Ryazhsky (1895 - 1952) เข้าร่วม AHRR ในปี 1923 ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ Delegate (1927) และ Chairwoman (1928) ซึ่งศิลปินได้เปิดเผยลักษณะทั่วไปทางสังคมและจิตวิทยาของผู้หญิงใน สังคมใหม่ ผู้มีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในอุตสาหกรรมและชีวิตทางสังคมของประเทศ "ประธาน" ของเขาเป็นนักกิจกรรม ในอิริยาบถ กิริยา ความภาคภูมิใจในตนเอง ความหย่อนคล้อย เผยให้เห็นถึงฐานะของผู้หญิงในสังคมวัยทำงานยุคใหม่
S.V. Malyutin (1859 - 1937) มีบทบาทสำคัญในการเป็นจิตรกรภาพเหมือนของ AHRR แกลเลอรี่ภาพเหมือนที่เขาเริ่มก่อนการปฏิวัติเสริมในสมัยโซเวียตด้วยภาพเหมือนของ V.K. Byalynitsky-Biruli, A.V. Lunacharsky และอีกหลายคน ในหมู่พวกเขา ภาพเหมือนที่น่าสนใจที่สุดของ Dmitry Furmanov ซึ่งวาดในปี 1922 เผยให้เห็นภาพของนักเขียนนักรบซึ่งเป็นตัวแทนของปัญญาชนโซเวียตคนใหม่อย่างเชื่อได้
ผู้เข้าร่วมงานนิทรรศการ AHRR เป็นจิตรกรชาวรัสเซียคนสำคัญในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 - 20 เอ อี อาร์คิปอฟ ในปี ค.ศ. 1920 Arkhipov ได้สร้างภาพของผู้หญิงชาวนา - "ผู้หญิงที่มีเหยือก", "ผู้หญิงชาวนาในผ้ากันเปื้อนสีเขียว", "ผู้หญิงชาวนาที่มีผ้าพันคอสีชมพูอยู่ในมือ" ฯลฯ ภาพวาดเหล่านี้ถูกวาดด้วย แปรงกว้าง เจ้าอารมณ์และมีสีสัน
E. M. Cheptsov (1874 - 1943) ผู้ซึ่งสานต่อขนบธรรมเนียมประเพณีที่หลงทางในด้านประเภทประจำวัน ทำเครื่องหมายงานของ E. M. Cheptsov ด้วยการสังเกตอย่างใกล้ชิดและให้ความสนใจกับปรากฏการณ์ใหม่ของชีวิต ที่รู้จักกันดีคือภาพวาดของเขา "Meeting of the village cell" (1924) ซึ่งแสดงถึงนักเคลื่อนไหวในหมู่บ้านในช่วงปีแรกของการปฏิวัติ การสังเกตและความจริงใจของผู้เขียน ความเรียบง่ายของรูปลักษณ์ของตัวละครของเขา ความไร้ศิลปะของเครื่องประดับโดยรอบทำให้งานจิตรกรรมขนาดเล็กและเจียมเนื้อเจียมตัวของ Cheptsov เป็นหนึ่งในตัวอย่างที่น่าสนใจที่สุดของงานศิลปะ AHRR
อาจกล่าวได้เช่นเดียวกันเกี่ยวกับผลงานชิ้นหนึ่งของจิตรกรภูมิทัศน์ B. N. Yakovlev (1880 - 1972) "การคมนาคมกำลังดีขึ้น" (1923) ของเขานั้นเรียบง่ายและในขณะเดียวกันก็เป็นเรื่องราวที่ลึกซึ้งเกี่ยวกับยุคที่ยากลำบากของการปฏิวัติปีแรกเกี่ยวกับงานประจำวันของผู้คน ภาพวาดที่สงบและเรียบง่ายนี้เป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกๆ ของภูมิทัศน์อุตสาหกรรมในภาพวาดของสหภาพโซเวียต
สถานที่พิเศษในภาพวาดของ AHRR ถูกครอบครองโดยผลงานของ M. B. Grekov (1882-1934) ผู้ก่อตั้งประเภทการต่อสู้ในศิลปะโซเวียต เป็นเวลากว่าทศวรรษครึ่งจนถึงสิ้นชีวิต เขายุ่งอยู่กับการสร้างชุดภาพวาดที่อุทิศให้กับ First Cavalry Army ซึ่งศิลปินได้เข้าร่วมในการรณรงค์และการต่อสู้ ในงานของเขาโดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงแรกประเพณีของ Vereshchagin ทำให้รู้สึกได้อย่างชัดเจน ตัวเอกของ Grekov คือคนที่รับเอาความยากลำบากทั้งหมดของสงคราม ผลงานของ Grekov ยืนยันชีวิต ในภาพวาดของวัยยี่สิบกลาง ๆ เช่น "Tachanka" (1925) ความแม่นยำในการเดินทางของภาพถูกรวมเข้ากับความโรแมนติก ต่อมา สืบเนื่องมาจากพงศาวดารภาพดั้งเดิมของ First Cavalry Army Grekov ได้สร้างผืนผ้าใบที่ยิ่งใหญ่ ซึ่งภาพวาด "To the Kuban" และ "Trumpeters of the First Cavalry Army" (ทั้งปี - 1934) โดดเด่น
พร้อมกับ AHRR ซึ่งรวมถึงศิลปินรุ่นก่อนและรุ่นกลางซึ่งในช่วงเวลาของการปฏิวัติมีประสบการณ์สร้างสรรค์ที่กว้างขวางกลุ่ม OST (Society of Easel Painters) มีบทบาทอย่างแข็งขันในชีวิตศิลปะในช่วงหลายปีที่ผ่านมา จัดขึ้นในปี พ.ศ. 2468 เป็นการรวมตัวของเยาวชนศิลปะของมหาวิทยาลัยศิลปะโซเวียตแห่งแรก - VHU-TEMAS (3)
งานหลักของสมาคมคือการต่อสู้เพื่อการฟื้นฟูและพัฒนาภาพเขียนขาตั้งในธีมที่ทันสมัยหรือเนื้อหาที่ทันสมัย ​​ศิลปินของ OST เช่น "Akhrovites" ถือเป็นการต่อสู้เพื่อการฟื้นฟูและการพัฒนาต่อไปของ ภาพวาดขาตั้ง อย่างไรก็ตาม ความทะเยอทะยานและวิธีการสร้างสรรค์ของศิลปิน OST มีลักษณะที่แตกต่างกัน พวกเขาพยายามไตร่ตรองข้อเท็จจริงของแต่ละบุคคลถึงคุณสมบัติใหม่ของยุคร่วมสมัยที่เกี่ยวข้องกับยุคก่อนหน้า ธีมหลักของพวกเขาคืออุตสาหกรรมของรัสเซีย เมื่อเร็ว ๆ นี้ยังคงเป็นเกษตรกรรมและย้อนหลัง ความปรารถนาที่จะแสดงพลวัตของความสัมพันธ์ระหว่างการผลิตสมัยใหม่กับมนุษย์
หนึ่งในตัวแทนที่มีความสามารถมากที่สุดของกลุ่ม OST คือ A.A. Deineka การประกาศ OST ที่ใกล้เคียงที่สุดคือภาพวาดของเขา: "ในการก่อสร้างโรงงานใหม่" (1925), "ก่อนที่จะลงไปในเหมือง" (1924), "นักฟุตบอล" (1924), "คนงานสิ่งทอ" (1926) สิ่งที่น่าสมเพชเป็นรูปเป็นร่างของ Deineka - Ostovets พบทางออกในกราฟิกนักข่าวซึ่งศิลปินทำหน้าที่เป็นนักวาดภาพประกอบในนิตยสารสำหรับการอ่านทั่วไป - เช่น "At the machine tool", "Godless at the machine tool", "Spotlight" "เยาวชน" ฯลฯ งานกลาง Deineka แห่งยุค Ostovo กลายเป็นภาพวาด "Defense of Petrograd" ซึ่งเขียนในปี 1928 สำหรับนิทรรศการเฉพาะเรื่อง "10 ปีแห่งกองทัพแดง" งานนี้เผยให้เห็นสิ่งที่น่าสมเพชหลักและความหมายของประเพณีนวัตกรรมของ OST ซึ่งให้ชีวิตมากที่สุดและพัฒนาขึ้นในศิลปะโซเวียตในยุคต่อ ๆ ไป Deineka รวบรวมความคิดริเริ่มทั้งหมดในสไตล์ของเขาในภาพนี้ลดวิธีการแสดงออกให้เหลือน้อยที่สุด แต่ทำให้พวกเขากระตือรือร้นและมีประสิทธิภาพมาก (8, p. 94)
ในบรรดาสมาชิกคนอื่น ๆ ของ OST ที่ใกล้เคียงที่สุดกับ Deineka ในธรรมชาติของผลงานของพวกเขาในแง่ของสไตล์คือ Yu. I. Pimenov, P. V. Williams, S. A. Luchishkin ผลงาน "Heavy Industry" โดย Pimenov, "The Hamburg Uprising" โดย Williams, "The Ball Has Flew Away" และ "I Love Life" โดย Luchishkin สร้างขึ้นในช่วงเวลาเดียวกัน เปิดเผยและสะท้อนถึงคุณสมบัติที่สำคัญของความเป็นจริงสมัยใหม่อย่างสร้างสรรค์
ตรงกันข้ามกับ Ostovo กลุ่มเยาวชนในองค์ประกอบของมันมีกลุ่มสร้างสรรค์อีกสองกลุ่มที่มีสถานที่สำคัญในชีวิตศิลปะของปีนั้น - "4 Arts" และ OMX (Society of Moscow Artists) - รวมตัวอาจารย์รุ่นก่อน ๆ ที่ก่อตัวขึ้นอย่างสร้างสรรค์ในสมัยก่อนปฏิวัติ ผู้ซึ่งรักษาปัญหาในการรักษาวัฒนธรรมภาพด้วยความเคารพเป็นพิเศษ และถือว่าภาษาและรูปแบบพลาสติกของมันมีความสำคัญมาก ส่วนหนึ่งของงาน สมาคมศิลปะ 4 แห่งเกิดขึ้นในปี 2468 สมาชิกที่โดดเด่นที่สุดของกลุ่มนี้คือ P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin, M. S. Saryan, N. P. Ulyanov, K. N. Istomin, V. A. Favorsky
ผลงานของ Petrov-Vodkin - เช่น "After the Battle" (1923), "The Girl at the Window" (1928), "Anxiety" (1934) มากที่สุดแสดงความหมายทางจริยธรรมของช่วงเวลาต่างๆ - เหตุการณ์สำคัญในการพัฒนา ของสังคมโซเวียต ภาพวาดของเขา "The Death of a Commissar" (1928) เช่น "Defense of Petrograd" ของ Deineka ซึ่งเขียนเกี่ยวกับนิทรรศการ "10 ปีแห่งกองทัพแดง" ตรงกันข้ามกับการประชาสัมพันธ์เฉพาะ - พื้นฐานของการตัดสินใจที่เป็นรูปเป็นร่างของ Deineka - ให้การแก้ปัญหาเชิงปรัชญาของเขาเองกับงาน: ผ่านข้อเท็จจริงที่สรุปความคิดเกี่ยวกับเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนโลกทั้งใบผ่านการเปิดเผยสาระสำคัญทางจริยธรรมของเหตุการณ์เหล่านี้ ผู้บังคับการตำรวจคือบุคคลที่ทำผลงานในนามของมนุษยชาติทั้งในชีวิตและความตาย ภาพลักษณ์ของเขาคือการแสดงออกถึงความอยู่ยงคงกระพันของความคิดที่สดใสที่จะชนะในอนาคตโดยไม่คำนึงถึงและถึงแม้ผู้ส่งความคิดที่กระตือรือร้นที่สุดของเหล่านี้จะตาย สายตาที่พรากจากกันของผู้บังคับการเรือที่กำลังจะตายนั้นเปรียบเสมือนการพรากจากกันของเหล่านักสู้ก่อนการโจมตี - เขาเปี่ยมด้วยศรัทธาในชัยชนะ
แนวคิดเชิงปรัชญาของ Petrov-Vodkin พบว่ามีการใช้พลาสติกอย่างเพียงพอ พื้นที่ที่ปรากฎนั้นขยายออกไปบนพื้นผิวทรงกลมของดาวเคราะห์ การรวมกันของมุมมองตรงและย้อนกลับอย่างน่าเชื่อถือและคมชัดถ่ายทอดภาพพาโนรามา "ดาวเคราะห์" ของสิ่งที่เกิดขึ้น ปัญหาที่เป็นรูปเป็นร่างได้รับการแก้ไขอย่างชัดเจนในระบบสี ในภาพวาดของเขา ศิลปินยึดมั่นในหลักการของไตรรงค์ราวกับเป็นสีหลักของโลก: อากาศสีฟ้าเย็น, น้ำสีฟ้า; ดินสีน้ำตาลแดง ความเขียวขจีของโลกพืช
เครื่องหมายสำคัญในประวัติศาสตร์ภาพวาดของสหภาพโซเวียตถูกทิ้งไว้โดยศิลปินของกลุ่ม OMX ซึ่งจัดขึ้นในปี 1927 หลายคนใกล้ชิดกันในช่วงก่อนการปฏิวัติในสมาคม Jack of Diamonds P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, V. V. Rozhdestvensky และ A. A. Osmerkin มีบทบาทมากที่สุดใน OMC
ในการประกาศของพวกเขา ศิลปิน OMHa กล่าวว่า: "เราต้องการประสิทธิภาพและการแสดงออกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดจากศิลปินในด้านที่เป็นทางการของงานของเขาซึ่งรูปแบบที่แยกออกไม่ได้จากด้านอุดมการณ์ของหลัง" ในรายการนี้มีความผูกพันกับกลุ่ม 4 อาร์ต
หนึ่งในตัวแสดงที่โดดเด่นที่สุดของโปรแกรมนี้ในศิลปะโซเวียตในช่วงปีแรก ๆ คือ P. P. Konchalovsky เขาพยายามที่จะรวมแนวโน้ม "แจ็คออฟไดมอนด์" เข้ากับมรดกของศิลปินรัสเซียที่สมจริง ซึ่งขยายขอบเขตความคิดสร้างสรรค์ของเขาอย่างมากและช่วยให้เขาเข้าสู่ศิลปะโซเวียตในยุค 1920 ได้อย่างเป็นธรรมชาติมากขึ้น ความสมบูรณ์ของสีด้วยความเข้มของสีแต่ละสีทำให้งานของอาจารย์แตกต่างกันเช่น "ภาพเหมือนตนเองกับภรรยาของเขา" (1922), "ภาพเหมือนของ O. V. Konchalovskaya" (1925), "ภาพเหมือนของลูกสาวของ Natasha" (1925) ในปีเดียวกัน P. P. Konchalovsky ได้พยายามสร้างภาพวาดเฉพาะเรื่องซึ่งสิ่งที่ดีที่สุดคือ Novgorodians (1921) และ From the Fair (1926) ศิลปินมีความสนใจในภาพดั้งเดิมของ "ชาวนารัสเซีย" - ทรงพลังหนาทึบอาศัยอยู่ล้อมรอบด้วยวัตถุที่คุ้นเคยตามกฎหมายของประเพณีเก่าและประกอบกับสภาพแวดล้อมของพวกเขาทำให้เกิดสิ่งที่โดยทั่วไปแล้วเป็นของชาติ

2. ศิลปินและสมาคมศิลปะแห่งยุค 30

ทศวรรษที่ 1930 ในประวัติศาสตร์ศิลปะโซเวียตเป็นช่วงเวลาที่ยากลำบาก สะท้อนให้เห็นถึงความขัดแย้งของความเป็นจริงเอง เมื่อรับรู้ถึงการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ที่เกิดขึ้นในสังคม สิ่งที่น่าสมเพชของอุตสาหกรรม ปรมาจารย์ด้านศิลปะ ในเวลาเดียวกันแทบจะไม่สังเกตเห็นความขัดแย้งทางสังคมที่สำคัญ ไม่ได้แสดงความขัดแย้งทางสังคมที่เกี่ยวข้องกับการเสริมความแข็งแกร่งของลัทธิบุคลิกภาพของสตาลิน (1)
เมื่อวันที่ 23 เมษายน พ.ศ. 2475 คณะกรรมการกลางของพรรคได้มีมติ "ในการปรับโครงสร้างองค์กรวรรณกรรมและศิลปะ" พระราชกฤษฎีกานี้ขจัดการจัดกลุ่มศิลปะที่มีอยู่ก่อนหน้านี้ทั้งหมดและระบุวิธีการและรูปแบบของการรักษาเสถียรภาพและการพัฒนากองกำลังสร้างสรรค์ทั้งหมดของศิลปะโซเวียต มติดังกล่าวทำให้การเผชิญหน้ากันระหว่างแต่ละสมาคมอ่อนแอลง ซึ่งเริ่มแย่ลงในช่วงเปลี่ยนทศวรรษ 1920 และ 1930 แต่ในทางกลับกัน แนวโน้มการรวมกันทวีความรุนแรงขึ้นในชีวิตศิลปะ การทดลองแบบเปรี้ยวจี๊ดที่ทำให้ตัวเองรู้สึกว่าในช่วงทศวรรษที่ 1920 ถูกขัดจังหวะ การต่อสู้ที่คลี่คลายกับสิ่งที่เรียกว่ารูปแบบนิยมอันเป็นผลมาจากการที่ศิลปินหลายคนถูกบังคับให้ละทิ้งชัยชนะครั้งก่อนของพวกเขา
การสร้างสหภาพเดียวเกิดขึ้นพร้อมกับการก่อตั้งหลักการสัจนิยมสังคมนิยมซึ่งกำหนดโดย A.M. Gorky ในการประชุม All-Union Congress ครั้งแรกของนักเขียนโซเวียต สัจนิยมสังคมนิยมสันนิษฐานว่าเป็นมรดกของประเพณีศิลปะสมจริงของศตวรรษที่ 19 และมุ่งศิลปินที่วาดภาพความเป็นจริงในการพัฒนาการปฏิวัติ อย่างไรก็ตาม ตามแนวทางปฏิบัติเพิ่มเติมของศิลปะโซเวียต คำว่า "สัจนิยมสังคมนิยม" กลับกลายเป็นว่าไม่เพียงพอและเพียงพอต่อแนวโน้มที่ซับซ้อนและหลายชั้นของวัฒนธรรมใหม่ การประยุกต์ใช้อย่างเป็นทางการกับการปฏิบัติทางศิลปะมักทำให้บทบาทของการเบรกแบบดันทุรังในการพัฒนางานศิลปะ ภายใต้เงื่อนไขของการปรับโครงสร้างทางสังคมในทศวรรษ 1980 คำว่า "สัจนิยมสังคมนิยม" ถูกอภิปรายในวงอาชีพในระดับต่างๆ
แนวโน้มที่ก้าวหน้าหลายอย่างที่ปรากฏในยุค 20 ยังคงพัฒนาต่อไปในยุค 30 เรื่องนี้เกี่ยวข้องกับการปฏิสัมพันธ์ที่เกิดผลดีของโรงเรียนระดับชาติต่างๆ
ศิลปินจากทุกสาธารณรัฐของสหภาพโซเวียตเข้าร่วมในนิทรรศการศิลปะขนาดใหญ่ที่จัดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1930 ในเวลาเดียวกัน นิทรรศการของพรรครีพับลิกันจัดขึ้นในมอสโกที่เกี่ยวข้องกับศิลปะประจำชาติหลายทศวรรษ ประเด็นศิลปะแห่งชาติเป็นปัญหาเฉพาะสำหรับศิลปินแห่งสาธารณรัฐภราดรภาพ
ในช่วงทศวรรษที่ 1930 แนวปฏิบัติของคำสั่งของรัฐและการเดินทางเพื่อธุรกิจที่สร้างสรรค์สำหรับศิลปินได้ขยายตัว มีการจัดแสดงนิทรรศการที่สำคัญ: "15 ปีแห่งกองทัพแดง", "20 ปีแห่งกองทัพแดง", "20 ปีแห่งคมโสม", "อุตสาหกรรมสังคมนิยม", "นิทรรศการผลงานจิตรกรรมโซเวียตที่ดีที่สุด" เป็นต้น ศิลปินโซเวียตเข้าร่วมในนิทรรศการระดับนานาชาติในปารีสและนิวยอร์กแสดงผลงาน All-Union Agricultural Exhibition ในมอสโกที่เกี่ยวข้องกับการเตรียมงานที่มีการสร้างงานอนุสาวรีย์และการตกแต่งจำนวนมากซึ่งโดยพื้นฐานแล้วหมายถึงงานสำคัญ ในการฟื้นคืนชีพของจิตรกรรมชิ้นเอกในรูปแบบศิลปะอิสระที่มีเป้าหมายและรูปแบบของตัวเอง ในงานเหล่านี้การดึงดูดศิลปะโซเวียตไปสู่ความยิ่งใหญ่พบการแสดงออก
หนึ่งในตัวแทนที่สำคัญที่สุดของการวาดภาพขาตั้งในยุคนี้คือศิลปิน Boris Vladimirovich Ioganson (1893 - 1973) ซึ่งในงานของเขาได้หันไปใช้ประเพณีสูงสุดของภาพวาดรัสเซียในศตวรรษที่ 19 เขาตีความมรดกของ Surikov และ Repin โดยแนะนำเนื้อหาปฏิวัติใหม่ในผลงานของเขาซึ่งสอดคล้องกับยุคสมัย จากมุมมองนี้ ภาพวาดของ Ioganson เรื่อง Interrogation of the Communists (1933) และ At the Old Ural Factory (1937) มีความสำคัญเป็นพิเศษ
ภาพวาด "สอบปากคำคอมมิวนิสต์" จัดแสดงเป็นครั้งแรกในนิทรรศการ "15 ปีกองทัพแดง" ในนั้นศิลปินได้แสดงคอมมิวนิสต์ที่ยืนขึ้นเพื่อปกป้องบ้านเกิดของการปฏิวัติและคู่ต่อสู้ของพวกเขา - White Guards ซึ่งพยายามบีบคอรัฐโซเวียตในช่วงสงครามกลางเมือง ศิลปินดำเนินการสรุปประวัติศาสตร์ของเขาในประเพณีของ Repin ผ่านการสาธิตการกระทำเฉพาะในสภาพแวดล้อมเฉพาะ เราไม่ทราบชื่อคนที่ปรากฎที่นี่ ยิ่งเรามองว่าภาพโดยรวมในอดีตเป็นสากลมากขึ้นเท่านั้น คอมมิวนิสต์ในภาพวาดของโยแกนสันถึงวาระที่จะถึงแก่ความตาย แต่ศิลปินแสดงความสงบ ความกล้าหาญ ความแข็งแกร่ง และความแข็งแกร่ง ซึ่งตรงกันข้ามกับความวิตกกังวล ความกังวลใจ ความแตกแยกทางจิตใจที่ปกครองอยู่ในกลุ่ม White Guards ไร้อำนาจไม่เพียงแต่ในสถานการณ์นี้ แต่ยังเหมือนเดิมเมื่อเผชิญกับประวัติศาสตร์ .
ในภาพวาด "At the Old Ural Plant" ซึ่งวาดสำหรับนิทรรศการ "Industry of Socialism" Ioganson เปรียบเทียบภาพของพ่อพันธุ์แม่พันธุ์กับคนงานซึ่งเขาเผยให้เห็นถึงความรู้สึกของจิตสำนึกชั้นตั้งไข่และความเหนือกว่าภายในเหนือผู้เอารัดเอาเปรียบ ด้วยภาพวาดนี้ ศิลปินได้แสดงให้เห็นถึงความขัดแย้งทางประวัติศาสตร์ระหว่างคนรุ่นเก่ากับคนรุ่นใหม่ ฝ่ายปฏิกิริยากับฝ่ายหัวก้าวหน้า และยืนยันถึงอำนาจแห่งชัยชนะของคณะปฏิวัติและกลุ่มหัวก้าวหน้า เหล่านี้เป็นลักษณะเฉพาะใหม่ของประเภทการปฏิวัติประวัติศาสตร์ - โซเวียตในตัวอย่างภาพวาดของ Ioganson
สถานที่พิเศษในช่วงเวลานี้ถูกครอบครองโดยงานหลายด้านของ Sergei Vasilyevich Gerasimov ในแง่ของรูปภาพ ธีมและประเภท งานที่โดดเด่นที่สุดของประเภทประวัติศาสตร์ในผลงานของเขาคือภาพวาด "คำสาบานของพรรคพวกไซบีเรีย" (1933) โดดเด่นด้วยการแสดงออกที่เปิดกว้าง เปิดเผยการแสดงออกของสี การวาดภาพที่คมชัด และองค์ประกอบแบบไดนามิก การทำงานในประเภทประจำวัน S. V. Gerasimov ให้ความสำคัญกับธีมชาวนาเป็นหลัก เพื่อแก้ปัญหานี้ ศิลปินจึงผ่านภาพเหมือน เพื่อสร้างภาพชาวนาที่น่าเชื่อจำนวนหนึ่ง ในระหว่างการก่อสร้างหมู่บ้านฟาร์มส่วนรวม เขาได้วาดภาพเหมือนที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งของ Collective Farm Watchman (1933) ผลงานที่สำคัญที่สุดของการวาดภาพประเภทในช่วงทศวรรษที่ 1930 คือภาพวาด Collective Farm Holiday (1937) ซึ่งจัดแสดงในนิทรรศการ Industry of Socialism นักวิชาการ I. E. Grabar นักวิจารณ์ศิลปะโซเวียตรายใหญ่ที่สุดอธิบายลักษณะภาพนี้อย่างแม่นยำและกระชับ:“ เมื่อผ้าใบที่ยอดเยี่ยม "Collective Farm Holiday" หนึ่งในภาพวาดที่ดีที่สุดของนิทรรศการ "Industry of Socialism" ปรากฏขึ้นการเติบโตที่ไม่ธรรมดาของ เจ้านายกลายเป็นชัดเจน แทบไม่มีศิลปินโซเวียตคนใดเลย ยกเว้น Sergei Gerasimov ที่จะรับมือกับงานการจัดองค์ประกอบ แสง สี และแม้กระทั่งด้วยความช่วยเหลือจากวิธีการและเทคนิคง่ายๆ มันเป็นภาพที่แดดจัดที่สุดในศิลปะรัสเซียในช่วงการปฏิวัติ แม้ว่าจะถูกประหารชีวิตด้วยแผนการที่จำกัดก็ตาม” (1 หน้า 189)
"นักร้อง" ของชาวนาโซเวียตคือ Arkady Alexandrovich Plastov (1893 - 1983) ซึ่งเกี่ยวข้องกับหมู่บ้านรัสเซียโดยกำเนิดของเขา เขาได้รับอิทธิพลอย่างมากตลอดชีวิตจากความประทับใจในวัยเด็กที่ได้สัมผัสใกล้ชิดกับธรรมชาติ กับผืนดิน กับชาวนาที่อาศัยอยู่บนแผ่นดินนี้
หลังจากการปฏิวัติสังคมนิยมครั้งใหญ่ในเดือนตุลาคม Plastov ได้ทำงานที่หมู่บ้าน Prislonikhe ซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขา อุทิศเวลาว่างให้กับการวาดภาพ สะสมภาพสเก็ตช์และความประทับใจสำหรับงานในอนาคตของเขาที่อุทิศให้กับชีวิตชาวนา งานสำคัญชิ้นแรกของ Plastov ที่เต็มไปด้วยอากาศและแสงคือภาพวาด "Bathing the Horses" - สร้างขึ้นโดยเขาสำหรับนิทรรศการ "20 ปีแห่งกองทัพแดง" สำหรับนิทรรศการ "Industry of Socialism" Plastov วาดผ้าใบขนาดใหญ่ "Collective Farm Holiday" ผลงานที่สดใสอีกอย่างของ Plastov ในสมัยนั้นคือ "Collective Farm Herd" (1938) ภาพวาดทั้งหมดเหล่านี้แสดงลักษณะทั่วไปบางประการ Plastov ไม่ได้นึกถึงฉากประเภทนอกภูมิทัศน์นอกธรรมชาติของรัสเซียตีความในลักษณะโคลงสั้น ๆ เสมอเผยให้เห็นความงามในการแสดงออกที่ง่ายที่สุด คุณสมบัติอีกอย่างของผลงานประเภท Plastov คือการไม่มีความขัดแย้งหรือช่วงเวลาพิเศษในเนื้อเรื่องที่ศิลปินเลือก บางครั้งในภาพวาดของเขาเช่นใน "Collective Farm Herd" ไม่มีเหตุการณ์ใด ๆ เลยไม่มีอะไรเกิดขึ้น แต่ในขณะเดียวกัน ศิลปินก็ประสบความสำเร็จในการแสดงออกทางบทกวีของภาพเสมอ
ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ความสามารถของ A.A. Deineka พัฒนาขึ้นในแบบของตัวเอง เขายังคงยึดมั่นในธีม โครงเรื่อง รูปภาพที่ชื่นชอบ สีและระบบการจัดองค์ประกอบภาพในอดีตของเขา จริงอยู่ที่ลักษณะภาพของเขาอ่อนลงบ้าง ตัวอย่างซึ่งเป็นผลงานที่ดีที่สุดของยุค 30 - "แม่" (1932), "พักกลางวันใน Donbass" (1935), "นักบินในอนาคต" (1938) กีฬา, การบิน, ร่างกายที่เปลือยเปล่าที่ได้รับการฝึกฝน, ความรัดกุมและความเรียบง่ายของภาษาภาพ, การรวมกันของสีน้ำตาลส้มและสีน้ำเงินที่ไพเราะถูกทำให้อ่อนลงในบางกรณีโดยเนื้อเพลง, ช่วงเวลาแห่งการไตร่ตรอง นอกจากนี้ Deineka ยังได้ขยายกรอบงานเฉพาะเรื่องของเขา รวมถึงฉากจากชีวิตต่างประเทศซึ่งปรากฏเป็นผลจากการเดินทางไปสหรัฐอเมริกา ฝรั่งเศส เยอรมนี และอิตาลี
อดีตสมาชิก OST อีกคนคือ Yu. I. Pimenov (1903-1977) ได้สร้างหนึ่งในภาพวาดที่ดีที่สุดในยุค 30, New Moscow (1937) ภูมิทัศน์ของใจกลางกรุงมอสโก (จัตุรัส Sverdlov) ดูเหมือนจะมองเห็นได้จากรถเร็วที่ขับโดยหญิงสาวคนหนึ่งโดยหันหลังให้ผู้ชม อาคารที่สร้างขึ้นใหม่ รถยนต์ที่วิ่งเร็ว สีอ่อน อากาศที่อุดมสมบูรณ์ ความกว้างของพื้นที่และกรอบขององค์ประกอบ - ทุกอย่างลงตัวกับโลกทัศน์ที่มองโลกในแง่ดี
ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ภูมิทัศน์ของ G. G. Nissky (1903 - 1987) สาวกของ Ostovites ผู้ซึ่งรับเอาการพูดน้อย ๆ ความคมชัดของการแก้ปัญหาการเรียบเรียงและจังหวะ นี่คือภาพวาดของเขา "Autumn" (1932) และ "On the Way" (1933) ในภูมิประเทศของ Nyssa กิจกรรมการเปลี่ยนแปลงของมนุษย์จะมองเห็นได้เสมอ
ในบรรดาจิตรกรภูมิทัศน์ของคนรุ่นเก่า ผลงานของ N. P. Krymov (1884 - 1958) ผู้สร้างภาพวาดที่มีชื่อเสียงในปี 1937 เรื่อง "Morning in the Gorky Central Park of Culture and Rest in Moscow" เป็นเรื่องที่น่าสนใจ ทิวทัศน์มุมกว้างของสวนสาธารณะ ระยะห่างจากด้านหลัง เส้นขอบฟ้าที่แบนราบซึ่งนำสายตาของผู้ชมไปไกลกว่าผืนผ้าใบ ทุกสิ่งช่วยให้หายใจสดชื่นและความกว้างขวาง
A. Rylov ซึ่งงานก่อตั้งขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ในภาพวาด "Lenin in Razliv" (1934) ผสมผสานภูมิทัศน์กับประเภทประวัติศาสตร์บรรลุความรู้สึกของธรรมชาติความคิดความรู้สึกยืนยันประวัติศาสตร์ มองโลกในแง่ดี
ความน่าดึงดูดใจของภูมิทัศน์แบบพาโนรามาปรากฏอยู่ในผลงานของจิตรกรหลายคนจากสาธารณรัฐต่างๆ ความโน้มถ่วงนี้สัมพันธ์กับความรู้สึกที่เฉียบแหลมของมาตุภูมิ แผ่นดินแม่ ซึ่งในช่วงทศวรรษที่ 1930 มีความแข็งแกร่งและเติบโตขึ้น D. N. Kakabadze (1889 - 1952) ใน "ภูมิประเทศ Imeretian" (1934) ของเขาทำให้ภูเขาคอเคเซียนแผ่กว้างออกไปในระยะไกล - สันเขาหลังสันเขาลาดหลังลาดชัน ในงานของ M. S. Saryan ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ก็มีความสนใจในภูมิทัศน์แห่งชาติในทัศนียภาพอันงดงามของอาร์เมเนีย
ในช่วงเวลานี้ประเภทภาพเหมือนยังได้รับการพัฒนาอย่างมีผลซึ่งศิลปินรุ่นก่อน P. P. Konchalovsky, I. E. Grabar, M. V. Nesterov และคนอื่น ๆ บางคนเปิดเผยตัวเองอย่างมีความสามารถมากที่สุด
P. P. Konchalovsky เป็นที่รู้จักจากผลงานของเขาในประเภทการวาดภาพที่หลากหลายที่สุด ได้สร้างภาพเหมือนทั้งชุดของตัวเลขทางวิทยาศาสตร์และศิลปะของสหภาพโซเวียตในช่วงทศวรรษที่ 1930 และ 1940 ในบรรดาภาพถ่ายบุคคลที่ดีที่สุดของ V. V. Sofronitsky ที่เปียโน (1932), S. S. Prokofiev (1934), V. E. Meyerhold (1937) ในงานเหล่านี้ Konchalovsky นำความสามารถอันยอดเยี่ยมของเขาในการแสดงชีวิตผ่านระบบสีพลาสติก เขาผสมผสานประเพณีที่ดีที่สุดของศิลปะแบบเก่าเข้ากับความคมชัดเชิงนวัตกรรมของการมองเห็นสี เสียงยืนยันชีวิต เสียงที่มีพลังทางอารมณ์ของภาพ
จุดสุดยอดที่แท้จริงของการพัฒนาภาพเหมือนในยุคนั้นคือผลงานของ M.V. Nesterov ตลอดการทำงานของเขาซึ่งรวมเอาศตวรรษที่ 19 และ 20 ไว้ด้วยกัน Nesterov ยังคงเชื่อมต่อกับชีวิต ในช่วงทศวรรษที่ 1930 เขาเติบโตขึ้นอย่างยอดเยี่ยม โดยได้ค้นพบพรสวรรค์ของเขาอีกครั้งในฐานะจิตรกรภาพเหมือน ความหมายที่เป็นรูปเป็นร่างในภาพเหมือนของ Nesterov คือการยืนยันจิตวิญญาณแห่งการสร้างสรรค์ของเวลาผ่านการระบุถึงสิ่งที่น่าสมเพชที่สร้างสรรค์ของผู้คนที่หลากหลายที่สุดซึ่งเป็นตัวแทนของเวลานี้ วงกลมของวีรบุรุษของ Nesterov เป็นตัวแทนของปัญญาชนโซเวียตของคนรุ่นเก่าซึ่งเป็นผู้ที่มีความคิดสร้างสรรค์ ดังนั้นในบรรดาผลงานที่สำคัญที่สุดของ Nesterov คือภาพเหมือนของศิลปิน - พี่น้อง Korin (1930), ประติมากร I. D. Shadr (1934), นักวิชาการ I. P. Pavlov (1935), ศัลยแพทย์ S. S. Yudin (1935), ประติมากร V. I. Mukhina (1940) ). Nesterov ทำหน้าที่เป็นผู้สืบทอดประเพณีภาพเหมือนของ V. A. Serov เขาเน้นลักษณะเน้นท่าทางท่าทางลักษณะเฉพาะของตัวละครของเขา นักวิชาการพาฟลอฟกำหมัดของเขาไว้บนโต๊ะอย่างแน่นหนา และท่านี้เผยให้เห็นความแข็งแกร่งของจิตใจ ซึ่งตรงกันข้ามกับวัยชราอย่างเห็นได้ชัด ศัลยแพทย์ Yudin ยังปรากฎในโปรไฟล์โดยนั่งอยู่ที่โต๊ะ แต่ความหมายของภาพนี้ขึ้นอยู่กับลักษณะท่าทาง "โบยบิน" ของมือที่ยกขึ้น นิ้วที่ยื่นออกมาของ Yudin เป็นนิ้วของศัลยแพทย์ทั่วไป คล่องแคล่วและแข็งแรง พร้อมที่จะเติมเต็มความปรารถนาของเขา Mukhina เป็นภาพในช่วงเวลาแห่งการสร้าง เธอแกะสลักประติมากรรม - ด้วยสมาธิ ไม่สนใจศิลปิน เชื่อฟังแรงกระตุ้นของเธออย่างสมบูรณ์
เครื่องประดับจะได้รับอย่างกระชับในภาพถ่ายบุคคลเหล่านี้ พวกเขารวมอยู่ในลักษณะของคนที่ปรากฎอย่างถูกต้องและถูกต้องด้วยสีแสงสว่างเงา สีสันของภาพบุคคลนั้นมีความกระฉับกระเฉงอย่างมาก อิ่มตัวด้วยโทนสีเพิ่มเติมที่ส่งเสียงดังและกลมกลืนกันอย่างละเอียด ดังนั้นสีที่ซับซ้อนในภาพเหมือนของ Pavlov ซึ่งสร้างขึ้นจากการผสมผสานของโทนสีเย็นและโทนอบอุ่นที่ดีที่สุด แสดงถึงความชัดเจนทางจิตวิญญาณและความสมบูรณ์ของโลกภายในของนักวิทยาศาสตร์ และในภาพเหมือนของพี่น้องตระกูล Korin มันหนาขึ้นเป็นสีน้ำเงินเข้ม สีดำ สีน้ำตาลเข้ม ซึ่งแสดงถึงธรรมชาติอันน่าทึ่งของสถานะสร้างสรรค์ของพวกเขา ภาพเหมือนของ Nesterov ได้นำเข้าสู่งานศิลปะโดยเป็นจุดเริ่มต้นใหม่ที่ยืนยันชีวิต โดยพื้นฐานแล้ว การเผาไหม้อย่างสร้างสรรค์เป็นการแสดงออกที่ธรรมดาและสดใสที่สุดของสภาพของประชาชนในยุคที่ความกระตือรือร้นในการทำงานสูง
ศิลปิน Pavel Dmitrievich Korin (1892 - 1967) อยู่ใกล้กับ Nesterov มากที่สุด เขาเติบโตขึ้นมาท่ามกลางจิตรกร Palekh เขาเริ่มต้นอาชีพด้วยการวาดภาพไอคอนและในปี 1911 ตามคำแนะนำของ Nesterov เขาเข้าเรียนที่โรงเรียนจิตรกรรมประติมากรรมและสถาปัตยกรรมมอสโก Korin ได้ดำเนินการคุณภาพนี้ผ่านงานทั้งหมดของเขาด้วยการเรียกร้องอย่างมากจากตัวเองและผู้คน A. M. Gorky ซึ่งเขาพบในปี 2474 มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของเขาและในชีวิตของศิลปินโดยทั่วไป Gorky ช่วย Korin เดินทางไปต่างประเทศเพื่อศึกษาอนุสรณ์สถานที่ดีที่สุดของศิลปะโลก
บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมแกลเลอรีภาพเหมือนของนักวิทยาศาสตร์ ศิลปิน นักเขียนในยุคของเรา ซึ่ง Korin ได้สร้างขึ้นมาหลายปี เริ่มต้นด้วยภาพของ A.M. Gorky (1932) โดยพื้นฐานแล้วในงานนี้ได้มีการเปิดเผยคุณสมบัติหลักของ Korin จิตรกรภาพเหมือน ภาพเหมือนของกอร์กีเป็นงานที่ยิ่งใหญ่อย่างแท้จริง โดยมีภาพเงาที่กำหนดไว้อย่างชัดเจน พื้นหลังที่ตัดกัน การเติมสีที่กว้างของพื้นที่ขนาดใหญ่ของผืนผ้าใบ ภาพวาดที่แสดงออกอย่างคมชัดแสดงถึงลักษณะทั่วไปทางประวัติศาสตร์ของบุคลิกภาพของนักเขียน สำหรับสิ่งนี้ สำหรับภาพถ่ายบุคคลอื่นๆ ของ Korin ช่วงที่รุนแรงนั้นมีลักษณะเฉพาะด้วยสีเทาเข้ม สีน้ำเงินเข้ม บางครั้งถึงโทนสีดำ ขอบเขตนี้ ตลอดจนรูปแบบการแกะสลักที่ชัดเจนของศีรษะและรูปร่างของบุคคลที่แสดงภาพ แสดงถึงคุณสมบัติทางอารมณ์ของธรรมชาติของศิลปิน (6)
ในช่วงทศวรรษที่ 1930 Korin ได้สร้างภาพเหมือนของนักแสดง L. M. Leonidov และ V. I. Kachalov ศิลปิน M. V. Nesterov นักเขียน A. N. Tolstoy และนักวิทยาศาสตร์ N. F. Gamaleya เห็นได้ชัดว่าสำหรับเขาเช่นเดียวกับครูสอนจิตวิญญาณ M.V. Nesterov ความสนใจในคนที่มีความคิดสร้างสรรค์นั้นไม่ใช่เรื่องบังเอิญ
ความสำเร็จของการวาดภาพในช่วงทศวรรษที่ 1930 ไม่ได้หมายความว่าเส้นทางของการพัฒนานั้นเรียบง่ายและปราศจากความขัดแย้ง ในหลาย ๆ ผลงานในช่วงหลายปีที่ผ่านมา คุณลักษณะที่สร้างขึ้นโดยลัทธิของ I.V. Stalin ปรากฏขึ้นและเสถียร นี่เป็นสิ่งที่น่าสมเพชจอมปลอมของทัศนคติต่อชีวิตที่หลอกลวงแบบฮีโร่ โรแมนติกหลอกๆ หลอกๆ ในแง่ดีต่อชีวิต ซึ่งกำหนดสาระสำคัญและความหมายของศิลปะ "พิธีการ" การแข่งขันเกิดขึ้นระหว่างศิลปินในการต่อสู้เพื่อ "แผนการสุดยอด" ที่ไม่ผิดเพี้ยนซึ่งเกี่ยวข้องกับภาพลักษณ์ของ I. V. Stalin ความสำเร็จของอุตสาหกรรม ความสำเร็จของชาวนาและการรวมกลุ่ม มีศิลปินจำนวนหนึ่งที่ "เชี่ยวชาญ" ในเรื่องนั้นๆ สิ่งที่มีแนวโน้มมากที่สุดในเรื่องนี้คือ Alexander Gerasimov (“ Stalin and K. E. Voroshilov ในเครมลิน” และผลงานอื่น ๆ ของเขา)

บรรณานุกรม

1. Vereshchagin A. ศิลปิน เวลา. เรื่องราว. บทความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์จิตรกรรมประวัติศาสตร์รัสเซีย XVIII - ต้น XX ศตวรรษ - L.: ศิลปะ 2516
2. จิตรกรรม 20 - 30 ปี / เอ็ด ว.ส.มานินทร์. - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: ศิลปินแห่ง RSFSR, 1991
3. Zezina M. R. , Koshman L. V. , Shulgin V. S. ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซีย - ม.: สูงกว่า. โรงเรียน พ.ศ. 2533
4. Lebedev P.I. ศิลปะโซเวียตในช่วงที่มีการแทรกแซงจากต่างประเทศและสงครามกลางเมือง - ม., 1987.
5. Likhachev D. S. ศิลปะรัสเซียตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงเปรี้ยวจี๊ด - ม.: อาร์ต, 2535.
6. Ilyina T. V. ประวัติศาสตร์ศิลปะ ศิลปะในประเทศ - ม.: สูงกว่า. โรงเรียน พ.ศ. 2537
7. ประวัติศาสตร์ศิลปะของชนชาติสหภาพโซเวียต ใน 9 เล่ม - ม., 2514 - 2527
8. ประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียและโซเวียต / เอ็ด. เอ็มเอ็ม อัลเลโนวา - ม.: ม.ปลาย, 2530.
9. Polikarpov V.M. วัฒนธรรม. – ม.: การ์ดาริกา, 1997.
10. Rozin V.M. ความรู้เบื้องต้นเกี่ยวกับการศึกษาวัฒนธรรม – ม.: ฟอรั่ม, 1997.
11. Stepanyan N. ศิลปะแห่งรัสเซียแห่งศตวรรษที่ XX รูปลักษณ์จากยุค 90 - มอสโก: EKSMO-PRESS, 1999
12. Suzdalev P.K. ประวัติจิตรกรรมโซเวียต - ม., 1973.

© การจัดวางเนื้อหาบนแหล่งข้อมูลอิเล็กทรอนิกส์อื่นๆ พร้อมด้วยลิงก์ที่ใช้งานอยู่เท่านั้น

เอกสารทดสอบใน Magnitogorsk, เอกสารทดสอบที่จะซื้อ, เอกสารสำหรับเทอมในกฎหมาย, เอกสารเกี่ยวกับเทอมในกฎหมาย, เอกสารสำหรับเทอมใน RANEPA, เอกสารเกี่ยวกับเทอมในกฎหมายใน RANEPA, เอกสารการสำเร็จการศึกษาในทางกฎหมายใน Magnitogorsk, ประกาศนียบัตรทางกฎหมายใน MIEP, ประกาศนียบัตรและเอกสารภาคเรียนใน VSU, การทดสอบใน SGA, วิทยานิพนธ์ปริญญาโทใน Chelga

วันนี้แกลเลอรี่ "ศิลปินของเรา" เปิดนิทรรศการ "ในความทรงจำของนักสะสม Alexander Zavolokin" มีการนำเสนอผลงานกราฟิกประมาณ 120 ชิ้นในช่วงปี ค.ศ. 1920 และ 30

วันนี้ 30 พฤษภาคมในแกลเลอรี "ศิลปินของเรา" (หมู่บ้านกระท่อม Borki, 36, 19 กม. ของทางหลวง Rublyovo-Uspenskoe) นิทรรศการ "ในความทรงจำของนักสะสม Alexander Zavolokin" เปิดขึ้น

Alexander Zavolokin เป็นที่รู้จักของทุกคนที่ในช่วงต้นทศวรรษ 2000 ที่เกี่ยวข้องกับกระบวนการทางศิลปะ ทุกคนที่มีส่วนร่วมในการจัดนิทรรศการ ภัณฑารักษ์ เจ้าของแกลเลอรี่ พนักงานพิพิธภัณฑ์ ศิลปิน และนักวิจารณ์ศิลปะ Alexander Zavolokin ทำงานเป็นเวลาหลายปีที่กระทรวงวัฒนธรรมของสหพันธรัฐรัสเซียในตำแหน่งรองหัวหน้าแผนกศิลปะร่วมสมัยของหน่วยงานกลางด้านวัฒนธรรมและภาพยนตร์แห่งสหพันธรัฐรัสเซีย ด้วยพลังงานของเขา Biennale of Contemporary Art เกิดขึ้นในมอสโกเขาใช้เวลาหลายปีในชีวิตและทำงานในศาลารัสเซียที่ Venice Biennale

ความรักและการบริการศิลปะไม่สามารถหลีกเลี่ยงชีวิตส่วนตัวของเขาได้ แม้แต่ผู้ที่รู้เกี่ยวกับกิจกรรมสะสมของ Alexander Zavolokin และมีเพียงไม่กี่คนในกลุ่มคนรู้จักของเขาที่มีความคิดเพียงเล็กน้อยเกี่ยวกับขอบเขตที่แท้จริงของงานอดิเรกของเขา ตอนนี้ สองปีหลังจากการเสียชีวิตอย่างกะทันหันของ A. Zavolokin แกลเลอรี Our Artists ได้นำเสนอผลงานกราฟิกประมาณ 120 ชิ้นต่อสาธารณชนจากคอลเล็กชันของ Alexandra และ Alexander Zavolokin แนวคิดของนิทรรศการคือการแสดงลายมือของนักสะสม รสนิยม และความรู้สึกของยุคสมัย นิทรรศการประกอบด้วยภาพวาด ภาพสเก็ตช์ทิวทัศน์และเครื่องแต่งกาย อดีตบรรณารักษ์และภาพประกอบหนังสือ ส่วนใหญ่มาจากช่วงทศวรรษ 1920-30 โดย Lev Bruni, Vasily Vatagin, Alexander Vedernikov, Vera Ermolaeva, Vladimir Konashevich, Nikolai Kupreyanov, Boris Kustodiev, Alexander Labas, Vladimir Lebedev, Dmitry Mitrokhin, Alexei Pakhomov, Alexandra Platunova, Vera Pestel, Ivan Puni, Sergei Romanovich, Mikhail Sokolov, Pavel Sokolov-Skal, Antonina Sofronova, Vera Favorskaya, Artur Fonvizin, Alexander Shevchenko, Vasily Shukhaev และศิลปินอื่น ๆ

“การพบปะกับคอลเล็กชั่นจริง ๆ นำมาซึ่งความสุขและความประหลาดใจของการค้นพบเสมอ ไม่ว่าจะเป็นงานศิลปะครั้งแรก และต่อด้วยมนุษย์ ขณะเลือกผลงานสำหรับนิทรรศการ เราตกตะลึงกับขนาดของคอลเล็กชันกราฟิกของซาโวโลคินส์ โดยพื้นฐานแล้วการตีพิมพ์ผลงานทั้งหมดสามารถทำหน้าที่เป็นหนังสืออ้างอิงที่ดีเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของกราฟิกรัสเซียและโซเวียต จากคอลเล็กชั่นขนาดใหญ่ของ Alexandra และ Alexander Zavolokins เราได้คัดแยกชิ้นส่วนที่จำกัดเฉพาะช่วงทศวรรษ 1900-30 เป็นส่วนที่น่าสนใจและสะสมยากที่สุด... นักสะสมตัวจริงโดยเลือกจากโลกรอบตัวเขาว่าสิ่งใดมีค่าและเป็นของจริงสำหรับเขา สร้างขึ้นตามแนวเส้นตามจังหวะ ในภาพและนิทรรศการรูปแบบคอลเลกชันของเขาในใจของผู้ชมวิธีการทำความเข้าใจศิลปะของโลก” Natalia Kournikova ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของแกลเลอรี่“ ศิลปินของเรากล่าว ” ภัณฑารักษ์ของนิทรรศการ

มีการจัดเตรียมแคตตาล็อกสำหรับการเปิดนิทรรศการซึ่งมีบทความเกี่ยวกับบันทึกความทรงจำเกี่ยวกับ Alexander Zavolokin โดยเพื่อนร่วมงานและเพื่อน ๆ ของเขา Mikhail Shvydkoy, Alexandra Golitsyna, Leonid Tishkov, Zoya Kirnoza, Stefan Couturier และอื่น ๆ

สิ่งเหล่านี้ไม่ใช่งานของช่างภาพมืออาชีพเลย ซึ่งใครๆ ก็พยายามกล่าวหาว่าเป็นคนข้างเดียว นี่คือภาพถ่ายจากอัลบั้มส่วนตัว - ชีวิตจริงที่คนโซเวียตทั่วไปอาศัยอยู่ในช่วงทศวรรษที่ 20 - 50
แน่นอนว่าพวกเขาไม่สามารถเทียบได้กับระดับงานของช่างภาพข่าวมืออาชีพ ส่วนใหญ่เป็นช่างภาพมือสมัครเล่น แต่พวกเขาสะท้อนชีวิตตามที่เห็น คนเหล่านั้นและจัดการบางส่วนเพื่อบันทึกไว้ในรูปถ่ายครอบครัว ...
เบื้องหลังยังเหลืออีกเยอะ ตัวอย่างเช่น โครงการการศึกษาที่ประชากร 80% ที่ไม่รู้หนังสือของประเทศได้รับการสอนให้อ่านและเขียน ชาวนาในยุคนั้นได้กล้องมาจากไหน แต่มันไม่ใช่อย่างนั้น ดูสิ่งที่ล้อมรอบคนโซเวียตในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เสื้อผ้า ใบหน้าที่สะท้อนถึงเวลาของพวกเขา บางครั้งพวกเขาจะพูดถึงเวลาของพวกเขาได้ดีกว่านักประวัติศาสตร์ นักโฆษณาชวนเชื่อ และนักวิเคราะห์คนอื่นๆ

เด็กวัย 20 กลางๆ
หนังสือเรียน - ครั้งแรกในชีวิต การศึกษาสำหรับทุกคนเป็นครั้งแรกในโลกที่ได้รับจากอำนาจของสหภาพโซเวียต


2469 เชเรโปเวตส์ ฉลองวันที่ 1 พฤษภาคม
เด็กจรจัดข้างแท่น - ผลที่ตามมาของสงครามกลางเมือง คนเร่ร่อนจะถูกกำจัดภายในช่วงต้นทศวรรษที่ 30 เท่านั้น


พ.ศ. 2471 ภูมิภาคครัสโนยาสค์ สภาคองเกรสของพรรคแรงงาน
ดูว่าพนักงานปาร์ตี้แต่งตัวอย่างไร - เช่นเดียวกับคนทั่วไปในปีที่ผ่านมา
ในปี ค.ศ. 1920 ไม่ใช่ทุกคนที่มีชุดสูท และพนักงานปาร์ตี้มีเสื้อคลุม 2 ตัวหรือแม้แต่ตัวเดียวในตู้เสื้อผ้าตามปกติ


ฉลองครอบครัว 20-30s

ภาพถ่ายของผู้หญิง 2473 มอสโก


กลุ่มคน 2473 ไม่ทราบที่ตั้ง


สภาหมู่บ้าน 30 วินาที เขต Pavlo-Posadsky ภูมิภาคมอสโก


รถเผาไม้ (!) ไมล์รถ 1931
นักออกแบบที่กระตือรือร้นในยุค 30 ในเวลานั้นน้ำมันในสหภาพโซเวียตไม่ค่อยดีนัก - ทุนสำรองที่สำรวจเกือบทั้งหมดกระจุกตัวอยู่ในคอเคซัส แหล่งน้ำมันของ Tataria และ Siberia ถูกค้นพบเฉพาะในทศวรรษที่ 1940 และ 1950 เมื่อมีการสร้างฐานสำหรับการสำรวจทางธรณีวิทยา ก่อนหน้านี้ ประเทศขาดแคลนนักธรณีวิทยา อุปกรณ์ วิศวกร การขนส่ง ... แทบไม่มีอะไรเลย ทั้งหมดนี้ถูกสร้างขึ้นในยุค 30


2474 ทีมที่ดีที่สุดในการก่อสร้างโรงงานเหล็กและเหล็กกล้า Kuznetsk, Novokuznetsk
กำลังวางรากฐานของอุตสาหกรรมหนัก
ดูหน้าคนพวกนี้สิ พวกเขาสร้างโรงงานและเมืองสำหรับลูกหลานของพวกเขาเพื่อเราโดยไม่เสียสละตัวเอง ในอีก 10 ปีข้างหน้า พวกเขาจะปกป้องสิ่งที่พวกเขาทำในสงครามที่เลวร้ายที่สุดในประวัติศาสตร์ของมนุษย์ ตายเพื่อที่เราจะมีชีวิตอยู่ได้ และเราปล่อยให้ทุกอย่างถูกขโมยและทำลาย เราสามารถมองเข้าไปในดวงตาได้หรือไม่?


ครอบครัว. เลนินกราด 2473-31
ปัญญาชนและผู้เชี่ยวชาญในช่วงหลายปีที่ผ่านมาได้รับเงินที่ดีมาก


พักผ่อนบนน้ำ ภูมิภาคคิรอฟ 2475 - 2479


18 เม.ย. พ.ศ. 2477 "กองพลน้อยทำงาน" งานศิลปะทางการเกษตร Neverovsko-Sloboda "พันธสัญญาของเลนิน" S.Neverovo-Sloboda Ver.Landeh เขตชุยสค์ สิ่งแวดล้อม
คนงานเกษตรในจังหวัดไซบีเรียห่างไกล อาร์เทลเป็นองค์กรพัฒนาเอกชนและสหกรณ์ของผู้ประกอบการที่เป็นสหซึ่งตัวเองได้ทำข้อตกลงกับรัฐและสหกรณ์อื่น ๆ จ่ายภาษี ฯลฯ
ขบวนการสหกรณ์ได้รับการพัฒนาอย่างมากในสหภาพโซเวียตสตาลิน นอกจากฟาร์มส่วนรวมซึ่งเป็นองค์กรสหกรณ์แล้ว ยังมีโรงงานอุตสาหกรรมมากกว่า 114,000 แห่ง ซึ่งมีพนักงานประมาณ 2 ล้านคน พวกเขาผลิตเกือบ 6% ของผลผลิตอุตสาหกรรมรวมของสหภาพโซเวียตในองค์ประกอบของมัน: 40% ของเฟอร์นิเจอร์ทั้งหมดของประเทศ, 70% ของเครื่องใช้โลหะทั้งหมด, 35% ของเสื้อถัก, เกือบ 100% ของของเล่น
ในสหกรณ์การเกษตรในชนบท คนงาน (ทั้งกลุ่มเกษตรกรและเกษตรกรรายบุคคล) มักจะได้รับการจ้างงานนอกเวลา พวกเขารวมอยู่ในยุค 30 ถึง 30 ล้านคน
ขบวนการสหกรณ์ในสหภาพโซเวียตถูกทำลายโดยครุสชอฟพร้อมกับการตีแผ่ของฮิสทีเรียต่อต้านสตาลิน

พ.ศ. 2477 ทริปตั้งแคมป์ตามทางหลวงทหารจอร์เจีย
คุณลองนึกภาพคนงานในซาร์รัสเซียที่ไปปีนเขาด้วยค่าใช้จ่ายของรัฐได้ไหม? ดังที่ G. Wells กล่าวไว้ นี่เป็นประเทศเดียวในโลกที่มีการเล่นดนตรีคลาสสิกแก่คนงาน

"หลังอาบน้ำ" กลางยุค 30
“คนโซเวียตข่มขู่ » © ดูว่ามีความกลัวบนใบหน้าเหล่านี้หรือไม่? ในรูปถ่ายใด ๆ ใบหน้าที่เปิดกว้างมองโลกในแง่ดีและสดใส


กลุ่มเกษตรกร. ภูมิภาคคิรอฟ ระหว่าง พ.ศ. 2475 ถึง พ.ศ. 2479
เกษตรกรส่วนรวมโซเวียตสามัญในทุ่งนา


ภูมิภาคโกลมนา กลางยุค 30


2478 ภูมิภาค Oryol บ้านพัก Bogdanovsky
คนทั้งประเทศมีส่วนร่วมในกีฬา เหล่านี้เป็นสาวโซเวียตธรรมดาไม่ใช่ทีมยิมนาสติกเลย พยายามเลียนแบบสิ่งที่พวกเขาทำ

นักศึกษาวิทยาลัยครุศาสตร์ ค.ศ. 1935 ภูมิภาคคิรอฟ
เครื่องแบบถูกมอบให้กับนักเรียนโดยรัฐโซเวียต นี่คือประเทศที่สวมรองเท้าพนันเมื่อหลายปีก่อนและอ่านไม่ออกเขียนไม่ได้


ชายหนุ่มแห่งยุค 30 ภูมิภาคคิรอฟ
ป้าย - ผ่านมาตรฐาน TRP (พร้อมสำหรับแรงงานและการป้องกัน) และ GTSO (เหมือนกัน แต่ถูกสุขอนามัย) ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา จำเป็นอย่างยิ่งที่เด็กชายที่เคารพตนเองจะได้รับตราดังกล่าว บุคคลนั้นมีค่าด้วยคุณสมบัติส่วนตัวไม่ใช่โดยกระเป๋าเงินและสายสัมพันธ์ของผู้ปกครอง ผู้ที่ใช้การเชื่อมต่อถูกดูหมิ่น
ในอีกไม่กี่ปีข้างหน้าคนเช่นนี้จะชนะสงคราม สร้างมหาอำนาจโลกตั้งแต่เริ่มต้น ส่งมนุษย์สู่อวกาศ
ให้ความสนใจกับใบหน้าที่รวบรวมไว้ เอาแต่ใจ และเป็นผู้ใหญ่ของเด็กชายเหล่านี้ - พวกเขามีอายุประมาณ 16 ปี และเปรียบเทียบกับปัจจุบัน


เกม "Pioneer Bench" ค่ายผู้บุกเบิก 2480
เด็กแต่ละคนสามารถไปค่ายผู้บุกเบิกได้โดยไม่เสียค่าใช้จ่ายใดๆ เลยตลอดฤดูร้อน ซึ่งพวกเขาได้รับการเลี้ยงดู ฝึกฝน และสอน ในประเทศตะวันตก เรื่องนี้ยังคิดไม่ถึง และนี่เป็นเรื่องธรรมดาตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 30


สโนว์โมบิลบนน้ำแข็งของแม่น้ำโวลก้าใกล้กับสะพาน Kanavdinsky กลางยุค 30
ไฮเทคของปีที่ผ่านมา พวกเขามีบทบาทสำคัญในการพัฒนาเทคโนโลยีการบินและมีการใช้กันอย่างแพร่หลายในการพัฒนาภาคเหนือ ฟินแลนด์ และสงครามโลกครั้งที่สอง

Vera Voloshina 1 ตุลาคม 2484 สองเดือนต่อมาในวันที่ 29 พฤศจิกายน หญิงสาวที่สวยมากคนนี้จะต้องตาย
ประติมากรรมแปดเมตร หญิงสาวที่มีไม้พายโดยประติมากรที่ยอดเยี่ยม Ivan Shadr (Ivanov) นางแบบคือ Vera Voloshina นักกีฬาโซเวียตที่ยอดเยี่ยมซึ่งหายตัวไปในเดือนพฤศจิกายน 1941 ระหว่างปฏิบัติการก่อวินาศกรรมหลังแนวศัตรู
หนึ่งเดือนก่อนที่เธอจะเสียชีวิต รูปปั้นนั้นถูกทำลายโดยระเบิดเยอรมัน เพียงหนึ่งในสี่ของศตวรรษต่อมา รายละเอียดของการตายของเธอกลายเป็นที่รู้จัก - เธอได้รับบาดเจ็บสาหัสเมื่อเธอกลับจากภารกิจที่ถูกจับโดยชาวเยอรมันและหลังจากการทรมานเป็นเวลานานถูกแขวนคออยู่ในป่า สิ่งนี้เกิดขึ้น 10 กม. จากสถานที่แห่งความตายของ Zoya Kosmodemyanskaya ในวันเดียวกัน Vera Voloshina ซึ่งประสบความสำเร็จในลักษณะเดียวกันคือผู้จัดงาน Komsomol ของกลุ่มลาดตระเวนและก่อวินาศกรรมซึ่งรวมถึง Zoya
เวร่าเป็นนักกระโดดร่มที่ยอดเยี่ยมเช่นกัน และประติมากรพูดติดตลกว่าเขาได้ให้เธอดูหอคอยร่มชูชีพเป็นพิเศษ


นักศึกษาธรณีวิทยา 2480


รูปภาพเกี่ยวกับอะไรชัดเจนจากจารึกที่ด้านบน ให้ความสนใจ - ชายหนุ่มเกือบทั้งหมดมีตรา TRP การเป็นสมาชิก Komsomol dystrophic นั้นช่างบ้าคลั่ง สมาชิกคมโสมและคอมมิวนิสต์สามารถมีอาวุธประจำตัวได้


ครอบครัวมอสโกธรรมดา 2482-2483


พ.ศ. 2482 คาคัสเซีย หมู่บ้าน
จักรยานในดินแดนโซเวียตกลายเป็นเรื่องธรรมดา เกือบทุกคนสามารถซื้อมันและลูก ๆ ของพวกเขาได้ ตัวอย่างเช่น ในตะวันตก ไม่ใช่ทุกคนที่สามารถซื้อจักรยานได้ในปีนั้น แผนห้าปีสำหรับสินค้าอุปโภคบริโภคเริ่มต้นขึ้นและประสบความสำเร็จอย่างมาก มาตรฐานการครองชีพของชาวโซเวียตเติบโตอย่างรวดเร็วตั้งแต่ปี 2482 ... จนถึง 22 มิถุนายน 2484

2485 ในอีกสองเดือนเขาจะตายในการต่อสู้ใกล้ Vyazma

บนซากปรักหักพังของบ้านพื้นเมือง 2485 ภูมิภาคมอสโก


คำสาบาน 1944


พ.ศ. 2490 โรงเรียนในชนบทในภูมิภาค Vologda
ในภาพถ่ายของปีแรกหลังสงคราม แม้แต่บนใบหน้าของเด็ก ยังมองเห็นร่องรอยของความเครียดรุนแรงและชีวิตที่ยากลำบาก ร่องรอยของสงครามปรากฏบนใบหน้ามนุษย์แม้ในช่วงต้นทศวรรษ 50 แล้วพวกเขาก็ค่อยๆ หายไป และใบหน้าของเด็กอายุ 10 ขวบก็เลิกเป็นผู้ใหญ่ที่ไร้เดียงสา
เกือบทุกคนสูญเสียหรือบาดเจ็บสาหัสคนใกล้ชิดคนหนึ่ง ถ้าไม่ใช่จากครอบครัว ก็จากเพื่อน ครอบครัว เพื่อนร่วมชั้น มารดาของพวกเขาหลายคนเป็นม่าย


คันทรี บอยส์ 2490


4 ชั้น "A" ปลายเดือนตุลาคม 2491 หมู่บ้านใกล้ Smolensk


"ทรินิตี้ 2492". ภูมิภาคคิรอฟ
ในช่วง 20 ปีที่ผ่านมา "ทุกคนรู้" ว่าพิธีกรรมทางศาสนาเป็นสิ่งต้องห้ามในสหภาพโซเวียตโดยเด็ดขาด และความหวาดกลัวก็รุนแรงเป็นพิเศษในช่วงเวลาของสตาลิน อย่างที่เรามั่นใจ: วางไม้กางเขนบนหลุมศพ แต่งต้นคริสต์มาส - และเดินขบวนไปที่ Kolyma และมันก็เป็นแบบนี้


ชั้นปี 1950 หนึ่งในโรงเรียนมอสโก


"Outdoor Recreation" - ปลายยุค 40 - ต้นยุค 50


ที่โต๊ะในสถาบัน 2492 ภูมิภาคคิรอฟ


วันหยุดของการปฏิวัติเดือนตุลาคม ต้นยุค 50


ฉบับหนังสือพิมพ์ท้องถิ่น. ฟังข่าว. ภูมิภาควลาดิเมียร์ จุดเริ่มต้น 50s


ชาวเคานัส 1950


นักเรียนอายุ 50 ปี

หนุ่มน้อย. อูฟา 2496


Village Boys, วิล. ชูปาคีโน แคว้นโอริล พ.ศ. 2496
อย่างไรก็ตามพวกเขากล่าวในทีวีว่า "ซิป" ปรากฏในสหภาพโซเวียตในยุค 60 เท่านั้นซึ่งอยู่ห่างไกลจาก "ประเทศอารยะธรรม" ในสินค้าอุปโภคบริโภค มันหมายความว่า "ทำไมเราถึงต้องการพื้นที่ถ้าเราไม่สามารถสร้างสายฟ้าได้" เห็นได้ชัดว่าชายทางด้านซ้ายของภาพถลกหนังคนอเมริกันที่ตายไปแล้ว


พ.ศ. 2497 พร้อมทำงานและป้องกันตัว ผ่านมาตราฐาน GTO

"นาเดีย" - กลางทศวรรษ 50, มอสโก
ใบหน้าของพวกเขาไม่ได้สะท้อนถึงสงครามอีกต่อไป พวกเขากลายเป็นคนไร้กังวลและซุกซน เด็ก ๆ ที่พยายามจะ "อ้วน" ได้ดีขึ้นในยุค 50 หลังจากสงครามที่หิวโหย

ริกา-50

ในสังคมไดนาโมปี 1955


ในอพาร์ตเมนต์ใหม่ คนงานในโรงงาน "เรดตุลาคม" Shubin A.I. มอสโก, ทูชิโนะ, พ.ศ. 2499


Boys, Kolomna, 1958.


คิสโลวอดสค์ พิธีดื่มน้ำแร่. 2500 ผู้เขียน - Javad Baghirov


อพาร์ทเมนต์ Kyiv 2500

บากู เดินเหนื่อย 2502 ผู้แต่ง - Javad Baghirov


อุปกรณ์สำหรับขายน้ำหอมและโคโลญจน์ 50s
นับตั้งแต่ยุค 50 คุณสามารถ "เติมน้ำหอม" หรือโคโลญจ์ตัวเองในร้านค้าขนาดใหญ่ได้ มีค่าใช้จ่าย 15 kopecks ก่อน "การปฏิรูปครุสชอฟ"

Ivanova Anna นักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 9 โรงเรียนมัธยมหมายเลข 380

งานนี้ประกอบด้วยคำอธิบายของยุค แนวโน้มหลัก และทิศทางของภาพวาดโซเวียตในยุค 20-30 ของศตวรรษที่ 20

ดาวน์โหลด:

ดูตัวอย่าง:

https://accounts.google.com

คำบรรยายสไลด์:

ในปี ค.ศ. 1920 สมาคม "การเป็น" และ "มีด" (สมาคมจิตรกรใหม่) ปรากฏขึ้น ศิลปินใช้เทคนิคดั้งเดิมโดยให้ความสำคัญกับภูมิทัศน์และสิ่งมีชีวิต Four Arts Society (2467-2474) ปรากฏขึ้นซึ่งรวมถึงจิตรกร (P. Kuznetsov, A. Kravchenko, Sorin ฯลฯ ) และประติมากร (Mukhina, Matveev) สถาปนิก (Zholtovsky, Shchusev, Shchuko เป็นต้น) ). Four Arts ต่อต้านอย่างรุนแรงต่อเปรี้ยวจี๊ด "Makovets" (1921-1926) ไม่ได้เป็นเพียงสมาคมเท่านั้น แต่ยังเป็นนิตยสารที่ใช้ชื่อเดียวกันอีกด้วย สมาคมรวมถึง L. Zhegin, N. Chernyshev, V. Favorsky, A. Fonvizin, A. Shevchenko, S. Gerasimov

ในนามของรัสเซียเปรี้ยวจี๊ด "คำยืนยันของศิลปะใหม่" - UNOVIS (1919-1920) พูดซึ่งเป็นครั้งแรกตั้งรกรากใน Vitebsk (Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov ฯลฯ ) แล้วแพร่กระจายไปยัง เมืองอื่นๆ ในปี 1923 GINHUK (State Institute of Artistic Culture) ก่อตั้งขึ้นในเมือง Petrograd ในมอสโก INKhUK มีมาตั้งแต่ปี 1920 อันดับแรก ประธานคือ Kandinsky ตามด้วย Rodchenko จากนั้น Osip Brik สมาชิกของ UNOVIS และ INHUK ต่างก้าวร้าวต่อศิลปะดั้งเดิมของอดีตและเทศนา "ความคิดสร้างสรรค์ร่วมกันของคอมมิวนิสต์"

ดูตัวอย่าง:

หากต้องการใช้ตัวอย่างการนำเสนอ ให้สร้างบัญชี Google (บัญชี) และลงชื่อเข้าใช้: https://accounts.google.com

คำบรรยายสไลด์:

Lazar Lissitzky "พวกเขากำลังบินไปยังโลกจากระยะไกล" Anna Leporskaya "หญิงชาวนาในทุ่ง" Kazimir Malevich "ชาวนา"

ปรากฏการณ์ที่หลากหลายและขัดแย้งกันของวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงต้นศตวรรษที่ 20: สัญลักษณ์, ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม, คอนสตรัคติวิสต์, เรยอนนิสม์, ลัทธิสูงสุด, ลัทธิแห่งอนาคต, คิวโบ - อนาคต

นักสัญลักษณ์พยายามแสดงประสบการณ์ทางจิตวิญญาณประสบการณ์ทางอารมณ์ในภาพ สัญลักษณ์ควรจะ "สวมความคิดในรูปแบบของความรู้สึก" Vrubel, "ปีศาจ" Borisov-Musatov, "ดอกไม้พฤษภาคม"

Cubism เป็นขบวนการสมัยใหม่ในทัศนศิลป์ (ส่วนใหญ่เป็นภาพวาด) ที่เกิดขึ้นในช่วงไตรมาสที่ 1 ของศตวรรษที่ 20 การเกิดขึ้นของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมมีสาเหตุมาจากปีพ. ศ. 2450 Lentulov "ภูมิทัศน์ที่มีประตูสีเหลือง" Chagall "ฉันและหมู่บ้าน"

คอนสตรัคติวิสต์เป็นรูปแบบภาพวาดที่สร้างขึ้นครั้งแรกในรัสเซียในปี 1913 เมื่อวลาดิมีร์ ตาตลิน ประติมากรชาวรัสเซีย ระหว่างเดินทางไปปารีส ได้เห็นผลงานของบราเก้และปีกัสโซ เมื่อ Tatlin กลับมาที่รัสเซียเขาเริ่มสร้างผลงานที่คล้ายคลึงกัน พวกเขากลายเป็นจุดเริ่มต้นของคอนสตรัคติวิสต์ซึ่งมีลักษณะพิเศษกับพื้นหลังของศิลปะในสมัยนั้น Alexander Radchenko Lyubov Popova

Rayonism เป็นเทรนด์ในการวาดภาพแนวเปรี้ยวจี๊ดของรัสเซีย ซึ่งเป็นหนึ่งในแนวโน้มแรกสุดในศิลปะนามธรรม มันขึ้นอยู่กับการเปลี่ยนแปลงของสเปกตรัมแสงและการส่งผ่านแสง เชื่อกันว่าบุคคลไม่รับรู้ถึงวัตถุ แต่ "ผลรวมของรังสีที่มาจากแหล่งกำเนิดแสงสะท้อนจากวัตถุและติดอยู่ในขอบเขตการมองเห็นของเรา" รังสีบนผืนผ้าใบถูกส่งโดยใช้เส้นสี Mikhail Larionov, "Glass" Romanovich, "Lilies in the pond"

นักอนาคตนิยมได้สร้างต้นแบบของอนาคตขึ้นมาโดยการทำลายแบบแผนทางวัฒนธรรม พวกเขาเป็นเหมือนนักปฏิวัติในงานศิลปะ เนื่องจากเป้าหมายคือการรื้อฟื้นอุดมการณ์และมุมมองทางจริยธรรมโดยทั่วไปของรุ่นก่อนทั้งหมด Goncharova "เสาเกลือ" เอกซ์เตอร์ "ไวน์"

ความสมจริงในปีแรกของการปฏิวัติมี "สี" ที่แตกต่างกันในผลงานของศิลปินที่แตกต่างกัน: สัญลักษณ์ - ใน Kustodiev, Yuon, Konenkov, การโฆษณาชวนเชื่อ - ใน Chekhonin, โรแมนติก - ใน Rylov Konenkov Chekhonin

ดูตัวอย่าง:

หากต้องการใช้ตัวอย่างการนำเสนอ ให้สร้างบัญชี Google (บัญชี) และลงชื่อเข้าใช้: https://accounts.google.com

คำบรรยายสไลด์:

ภาพวาดของสหภาพโซเวียตในช่วงทศวรรษที่ 20-30 ของศตวรรษที่ 20 เสร็จสิ้นโดยนักเรียนเกรด 9a โรงเรียนมัธยมหมายเลข 380 Ivanova Anna

Rylov "ในพื้นที่สีฟ้า"

พวกเขาถูกพิมพ์เป็นจำนวนมากในภาษาประจำชาติต่าง ๆ และดังนั้นจึงเจาะเข้าไปในมุมที่ห่างไกลที่สุดของประเทศ ดังนั้นโปสเตอร์แรกของสำนักพิมพ์ของคณะกรรมการบริหารกลาง All-Russian "The Tsar, Pope and the Fist" (1918) ได้รับการตีพิมพ์ทันทีใน 10 ภาษา ความเหลื่อมล้ำของเส้น, ภาพเงา, สี, จารึก, ดั้งเดิมของภาษามีส่วนทำให้เข้าใจอย่างรวดเร็วของสิ่งที่ปรากฎบนโปสเตอร์, การวางแนวโฆษณาชวนเชื่ออย่างรวดเร็ว โปสเตอร์สามารถเข้าถึงได้โดยผู้ไม่รู้หนังสือและไม่รู้หนังสืออย่างสมบูรณ์เรียกร้องให้ต่อสู้กับศัตรูในรูปแบบที่ทุกคนเข้าใจได้

ดังนั้นการวาดภาพในยุค 20-30 ในสหภาพโซเวียตจึงเริ่มถูกควบคุมโดยทางการ แต่ก็มีสังคมที่ศิลปินนำแนวคิดใหม่ความคิดมาสู่ชีวิตพยายามถ่ายทอดวิสัยทัศน์ของพวกเขาเกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้นในประเทศและ โลก.