เกี่ยวกับซิมโฟนี บทเรียน “ดนตรีซิมโฟนี ซิมโฟนีคลาสสิกมีกี่ส่วน

คำ "ซิมโฟนี"แปลจากภาษากรีกว่า "ความสอดคล้อง" และแท้จริงแล้ว เสียงของเครื่องดนตรีหลายชนิดในวงออเคสตราสามารถเรียกได้ว่าเป็นดนตรีก็ต่อเมื่อเครื่องดนตรีเหล่านั้นเข้ากันเท่านั้น และแต่ละเครื่องดนตรีไม่ได้สร้างเสียงขึ้นมาเอง

ใน กรีกโบราณเป็นชื่อเรียกเสียงร้องที่ไพเราะพร้อมเพรียงกัน ในโรมโบราณ วงดนตรีหรือวงออเคสตราเริ่มถูกเรียกเช่นนี้ ในยุคกลาง ดนตรีฆราวาสโดยทั่วไปและเครื่องดนตรีบางชนิดเรียกว่าซิมโฟนี

คำนี้มีความหมายอื่น ๆ แต่ล้วนมีความหมายถึงความเชื่อมโยง การมีส่วนร่วม การรวมกันที่กลมกลืน ตัวอย่างเช่น ซิมโฟนีก็เรียกว่าซิมโฟนีที่เกิดขึ้นใน จักรวรรดิไบแซนไทน์หลักการของความสัมพันธ์ระหว่างคริสตจักรกับหน่วยงานทางโลก

แต่วันนี้เราจะพูดถึงเฉพาะดนตรีซิมโฟนีเท่านั้น

ความหลากหลายของซิมโฟนี

ซิมโฟนีคลาสสิค- นี่คือผลงานดนตรีในรูปแบบโซนาต้าไซคลิก มีไว้สำหรับการแสดงโดยวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

ซิมโฟนี (นอกเหนือจากวงซิมโฟนีออร์เคสตรา) อาจรวมถึงคณะนักร้องประสานเสียงและเสียงร้องด้วย มีซิมโฟนี-สวีท, ซิมโฟนี-แรปโซดี, ซิมโฟนี-แฟนตาซี, ซิมโฟนี-บัลลาด, ซิมโฟนี-ตำนาน, ซิมโฟนี-บทกวี, ซิมโฟนี-เรเควี่ยม, ซิมโฟนี-บัลเลต์, ซิมโฟนี-ละคร และซิมโฟนีละคร เป็นประเภทของโอเปร่า.

ซิมโฟนีคลาสสิกมักมี 4 การเคลื่อนไหว:

ส่วนแรก - เข้า ก้าวอย่างรวดเร็ว(อัลเลโกร ) ในรูปแบบโซนาต้า

ส่วนที่สอง - ใน อย่างช้าๆมักจะอยู่ในรูปแบบของการแปรผัน rondo, rondo sonata, การเคลื่อนไหวสามแบบที่ซับซ้อน, ไม่ค่อยอยู่ในรูปแบบของโซนาตา;

ส่วนที่สาม - เชอร์โซหรือมินูเอต- ในรูปแบบสามส่วน da capo พร้อมทั้งสาม (นั่นคือตามโครงการ A-trio-A)

ส่วนที่สี่ - ใน ก้าวอย่างรวดเร็วในรูปแบบโซนาตา ในรูปแบบรอนโดหรือรอนโดโซนาตา

แต่มีซิมโฟนีที่มีท่อนน้อยกว่า (หรือมากกว่า) นอกจากนี้ยังมีซิมโฟนีการเคลื่อนไหวเดียว

โปรแกรมซิมโฟนีเป็นเพลงซิมโฟนีที่มีเนื้อหาเฉพาะซึ่งกำหนดไว้ในรายการหรือแสดงในชื่อเรื่อง หากซิมโฟนีมีชื่อ ชื่อนี้ก็คือโปรแกรมขั้นต่ำ เช่น "Symphony Fantastique" โดย G. Berlioz

จากประวัติความเป็นมาของซิมโฟนี

ถือเป็นผู้สร้างซิมโฟนีและออร์เคสตรารูปแบบคลาสสิก ไฮเดน.

และต้นแบบของซิมโฟนีคือภาษาอิตาลี ทาบทาม(ผลงานดนตรีออเคสตราที่แสดงก่อนเริ่มการแสดง: โอเปร่า, บัลเล่ต์) ซึ่งพัฒนาขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 มีส่วนสำคัญในการพัฒนาซิมโฟนีโดย โมสาร์ทและ เบโธเฟน- เหล่านี้ นักแต่งเพลงสามคนเรียกว่า "เวียนนาคลาสสิก" คลาสสิกของเวียนนาสร้างดนตรีบรรเลงระดับสูงซึ่งมีเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างมากมายรวมอยู่ในความสมบูรณ์แบบ รูปแบบศิลปะ- กระบวนการก่อตั้งวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตรา - องค์ประกอบถาวรและกลุ่มออเคสตรา - ก็เกิดขึ้นในช่วงเวลานี้เช่นกัน

วีเอ โมสาร์ท

โมสาร์ทเขียนในทุกรูปแบบและแนวเพลงที่มีอยู่ในยุคของเขาเขาให้ความสำคัญกับโอเปร่าเป็นพิเศษ แต่ยังให้ความสนใจกับดนตรีไพเราะเป็นอย่างมาก เนื่องจากตลอดชีวิตของเขาเขาทำงานโอเปร่าและซิมโฟนีไปพร้อม ๆ กันดนตรีบรรเลงของเขาจึงโดดเด่นด้วยความไพเราะ โอเปร่าอาเรียและความขัดแย้งอันดราม่า โมสาร์ทสร้างซิมโฟนีมากกว่า 50 บท ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือสามซิมโฟนีสุดท้าย - หมายเลข 39, หมายเลข 40 และหมายเลข 41 (“ ดาวพฤหัสบดี”)

K. Schlosser "เบโธเฟนในที่ทำงาน"

เบโธเฟนได้สร้างซิมโฟนี 9 ซิมโฟนี แต่ในแง่ของการพัฒนารูปแบบซิมโฟนิกและการเรียบเรียงดนตรี เขาเรียกได้ว่าเป็นนักแต่งเพลงซิมโฟนีที่ใหญ่ที่สุดในยุคคลาสสิก ใน Ninth Symphony ซึ่งเป็นการแสดงที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา ทุกส่วนถูกหลอมรวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยธีมที่ตัดกัน ในซิมโฟนีนี้ เบโธเฟนได้แนะนำท่อนร้อง หลังจากนั้นผู้แต่งคนอื่นๆ ก็เริ่มทำเช่นนั้น ในรูปแบบของซิมโฟนีเขาพูดคำใหม่ อาร์. ชูมันน์.

แต่แล้วในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 รูปแบบของซิมโฟนีที่เข้มงวดเริ่มเปลี่ยนไป ระบบสี่ส่วนกลายเป็นทางเลือก: มันปรากฏขึ้น ส่วนหนึ่งซิมโฟนี (Myaskovsky, Boris Tchaikovsky) ซิมโฟนีจาก 11 ส่วน(Shostakovich) และแม้กระทั่งจาก 24 ส่วน(โฮวาเนส). ตอนจบแบบคลาสสิกในจังหวะเร็วถูกแทนที่ด้วยตอนจบแบบช้า (ซิมโฟนีที่หกของ P.I. Tchaikovsky, ซิมโฟนีที่สามและเก้าของมาห์เลอร์)

ผู้เขียนซิมโฟนี ได้แก่ F. Schubert, F. Mendelssohn, J. Brahms, A. Dvorak, A. Bruckner, G. Mahler, Jean Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Tchaikovsky, A. Borodin, N . ริมสกี- Korsakov, N. Myaskovsky, A. Scriabin, S. Prokofiev, D. Shostakovich และคนอื่น ๆ

ดังที่เราได้กล่าวไปแล้วว่าองค์ประกอบของมันก่อตัวขึ้นในยุคของคลาสสิกเวียนนา

พื้นฐานของวงซิมโฟนีออร์เคสตราคือเครื่องดนตรีสี่กลุ่ม: สายโค้งคำนับ(ไวโอลิน วิโอลา เชลโล ดับเบิลเบส) เครื่องเป่าลมไม้(ฟลุต, โอโบ, คลาริเน็ต, บาสซูน, แซกโซโฟนที่มีหลากหลาย - เครื่องบันทึกโบราณ, ผ้าคลุมไหล่, ชาลูโม ฯลฯ รวมถึงตัวเลข เครื่องดนตรีพื้นบ้าน– บาลาบัน, ดูดุก, ซาเลกา, ฟลุต, ซูร์นา) ทองเหลือง(แตร, ทรัมเป็ต, คอร์เน็ต, ฟลูเกลฮอร์น, ทรอมโบน, ทูบา) กลอง(ทิมปานี ระนาด ไวบราโฟน ระฆัง กลอง สามเหลี่ยม ฉิ่ง แทมบูรีน คาสทาเน็ต ทอม-ทอม และอื่นๆ)

บางครั้งมีเครื่องดนตรีอื่นๆ รวมอยู่ในวงออเคสตราด้วย: พิณ, เปียโน, อวัยวะ(เครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด-ลม เครื่องดนตรีประเภทที่ใหญ่ที่สุด) เซเลสต้า(เครื่องดนตรีประเภทเคาะคีย์บอร์ดขนาดเล็กที่ดูเหมือนเปียโนและเสียงเหมือนระฆัง) ฮาร์ปซิคอร์ด.

ฮาร์ปซิคอร์ด

ใหญ่วงซิมโฟนีออร์เคสตราสามารถมีนักดนตรีได้มากถึง 110 คน , เล็ก– ไม่เกิน 50.

ผู้ควบคุมวงจะเป็นผู้ตัดสินใจว่าจะนั่งที่นั่งในวงออเคสตราอย่างไร การจัดนักแสดงในวงซิมโฟนีออร์เคสตราสมัยใหม่มีจุดมุ่งหมายเพื่อให้เกิดความดังที่สอดคล้องกัน ในอีก 50-70 ปี ศตวรรษที่ XX แพร่หลายมากขึ้น "ที่นั่งแบบอเมริกัน":วางไวโอลินตัวแรกและตัวที่สองไว้ทางด้านซ้ายของผู้ควบคุมวง ทางด้านขวาคือวิโอลาและเชลโล ในส่วนลึกมีเครื่องเป่าลมไม้และลมทองเหลือง, ดับเบิ้ลเบส; ด้านซ้ายเป็นกลอง

การจัดที่นั่งของนักดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตรา

จากภาษากรีก Symponia - ความสอดคล้อง

ดนตรีสำหรับวงออเคสตรา ส่วนใหญ่เป็นเพลงซิมโฟนิก มักอยู่ในรูปแบบโซนาตา-ไซคลิก มักประกอบด้วย 4 ส่วน; มีส.มีชิ้นส่วนมากน้อยจนมีชิ้นเดียว. บางครั้งใน S. นอกเหนือจากวงออเคสตราแล้วยังมีการแนะนำคณะนักร้องประสานเสียงและเสียงร้องเดี่ยวด้วย เสียง (จึงเป็นเส้นทางสู่ S. cantata) มีวงออเคสตราสำหรับเครื่องสาย แชมเบอร์ ลม และวงออเคสตราอื่นๆ สำหรับวงออเคสตราที่มีเครื่องดนตรีเดี่ยว (คอนเสิร์ตคอนเสิร์ต) ออร์แกน นักร้องประสานเสียง (วงดุริยางค์ประสานเสียง) และกระทะจีน วงดนตรี (แกนนำ C) คอนเสิร์ตซิมโฟนี - ส. พร้อมเครื่องดนตรี (เดี่ยว) คอนเสิร์ต (ตั้งแต่ 2 ถึง 9) ซึ่งมีโครงสร้างคล้ายกับคอนเสิร์ต S. มักจะใกล้เคียงกับแนวเพลงอื่นๆ: S.-suite, S.-rhapsody, S.-fantasy, S.-ballad, S.-legend, S.-poem, S.-cantata, S.-requiem, S. .-บัลเล่ต์, S.-drama (ประเภทของแคนทาทา), ละคร. S. (สกุล) โดยธรรมชาติแล้ว S. ยังสามารถเปรียบได้กับโศกนาฏกรรม ละคร และบทเพลง บทกวีกล้าหาญ มหากาพย์ เพื่อให้เข้าใกล้วงจรของแนวเพลงมากขึ้น บทละครจะนำมาแสดงเป็นซีรีส์ ดนตรี ภาพวาด โดยทั่วไปแล้ว ในตัวอย่างนี้ เธอผสมผสานความแตกต่างของส่วนต่างๆ เข้ากับความสามัคคีของแนวคิด ความหลากหลายของภาพที่หลากหลาย ด้วยความสมบูรณ์ของแรงบันดาลใจ ละคร ส. ครอบครองสถานที่เดียวกันในดนตรีเช่นเดียวกับละครหรือนวนิยายในวรรณคดี เนื่องจากเป็นประเภทสูงสุดของ Instr ดนตรีนั้นเหนือกว่าประเภทอื่นๆ ทั้งหมดด้วยความเป็นไปได้ที่กว้างที่สุดซึ่งหมายถึง ความคิดและความมั่งคั่งของสภาวะทางอารมณ์

เบื้องต้นที่ ดร. กรีซคำว่า "S" หมายถึงการผสมผสานของโทนเสียงที่กลมกลืนกัน (ควอต, ห้า, อ็อกเทฟ) รวมถึงการร้องเพลงร่วมกัน (วงดนตรี, คณะนักร้องประสานเสียง) พร้อมเพรียงกัน ต่อมาใน ดร. โรมก็กลายเป็นชื่อของเครื่องดนตรี วงดนตรี, วงออเคสตรา ในวันพุธ. ศตวรรษ S. ถูกเข้าใจว่าเป็นผู้สอนทางโลก ดนตรี (ในแง่นี้คำนี้ใช้ในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18) บางครั้งก็เป็นดนตรีโดยทั่วไป นอกจากนี้นี่คือชื่อของรำพึงบางแห่ง เครื่องมือ (เช่น hurdy-gurdy- ในศตวรรษที่ 16 คำนี้ใช้ในชื่อ คอลเลกชันของ motets (1538), มาดริกัล (1585), เครื่องดนตรีเสียง การเรียบเรียง (“Sacrae symphonies” - “Sacred symphonies” โดย G. Gabrieli, 1597, 1615) จากนั้นจึงบรรเลง โพลีโฟนิค ละคร (ต้นศตวรรษที่ 17) มันถูกกำหนดให้กับรูปหลายเหลี่ยม (มักเป็นคอร์ด) ตอนต่างๆ เช่น บทนำหรือสลับฉากในกระทะ และคำแนะนำ โปรดักชั่น โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับการแนะนำ (การทาบทาม) สู่ห้องสวีท แคนทาทาส และโอเปร่า ในบรรดาการทาบทามโอเปร่ามีสองประเภทเกิดขึ้น: Venetian - ประกอบด้วยสองส่วน (ช้า, เคร่งขรึมและเร็ว, ความทรงจำ) ต่อมาพัฒนาเป็นภาษาฝรั่งเศส การทาบทามและเนเปิลส์ - สามส่วน (เร็ว - ช้า - เร็ว) เปิดตัวในปี 1681 โดย A. Scarlatti ซึ่งใช้ส่วนอื่นรวมกัน โซนาต้าไซคลิก แบบฟอร์มจะค่อยๆมีความโดดเด่นใน S. และได้รับการพัฒนาในหลายแง่มุมโดยเฉพาะอย่างยิ่ง

แยกทางกันประมาณ.. 1730 จากโรงละครโอเปร่าที่ออร์ค การแนะนำได้รับการเก็บรักษาไว้ในรูปแบบของการทาบทาม S. กลายเป็นอันอิสระ ประเภทออร์ค ดนตรี. ในศตวรรษที่ 18 จะเติมเต็มให้เป็นพื้นฐาน องค์ประกอบเป็นสตริง เครื่องดนตรี โอโบ และเขาสัตว์ พัฒนาการของส.ได้รับอิทธิพลต่างๆ ประเภทของออร์ค และแชมเบอร์มิวสิค - คอนเสิร์ต, สวีท, ทรีโอโซนาตา, โซนาตา ฯลฯ รวมถึงโอเปร่าที่มีวงดนตรีนักร้องประสานเสียงและอาเรียซึ่งมีผลกระทบต่อท่วงทำนองความสามัคคีโครงสร้างและโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของ S. ที่เห็นได้ชัดเจนมาก เฉพาะเจาะจงแค่ไหน. แนวซิมโฟนีเติบโตเต็มที่เมื่อแยกตัวออกจากดนตรีแนวอื่น โดยเฉพาะการแสดงละคร ได้รับอิสรภาพในด้านเนื้อหา รูปแบบ การพัฒนาแก่นเรื่อง และสร้างวิธีการแต่งทำนองนั้น ซึ่งต่อมาได้ชื่อว่าซิมโฟนิซึม และในทางกลับกันก็มี ผลกระทบ ผลกระทบใหญ่หลวงสู่วงการดนตรีมากมาย ความคิดสร้างสรรค์

โครงสร้างของส.มีวิวัฒนาการ พื้นฐานของซีรีส์นี้คือวงจร 3 ส่วนของประเภทเนเปิลส์ มักทำตามแบบอย่างของชาวเมืองเวนิสและชาวฝรั่งเศส การทาบทามใน S. รวมถึงการแนะนำการเคลื่อนไหวครั้งแรกอย่างช้าๆ ต่อมา minuet ถูกรวมไว้ใน S. - อันดับแรกเป็นตอนจบของรอบ 3 ส่วนจากนั้นเป็นหนึ่งในส่วน (โดยปกติจะเป็นส่วนที่ 3) ของรอบ 4 ส่วนซึ่งตามกฎแล้วตอนจบจะใช้ รูปแบบของรอนโดหรือรอนโดโซนาตา ตั้งแต่สมัยของ L. Beethoven minuet ถูกแทนที่ด้วย scherzo (การเคลื่อนไหวครั้งที่ 3 บางครั้งเป็นครั้งที่ 2) และตั้งแต่สมัยของ G. Berlioz - ด้วยเพลงวอลทซ์ รูปแบบโซนาตาที่สำคัญที่สุดสำหรับ S. จะใช้เป็นหลักในการเคลื่อนไหวครั้งที่ 1 บางครั้งอาจใช้ในการเคลื่อนไหวช้าและครั้งสุดท้ายด้วย ในศตวรรษที่ 18 ส.ได้รับการปลูกฝังมาหลายครั้ง อาจารย์ ในบรรดาพวกเขาคือ G. B. Sammartini ชาวอิตาลี (85 C., แคลิฟอร์เนีย 1730-70 ซึ่งสูญหาย 7 คน) นักแต่งเพลงของโรงเรียน Mannheim ซึ่งเช็กครองตำแหน่งผู้นำ (F. K. Richter, J. Stamitz ฯลฯ . ) ตัวแทนของสิ่งที่เรียกว่า พรีคลาสสิก (หรือต้น) โรงเรียนเวียนนา(M. Monn, G.K. Wagenseil ฯลฯ) ชาวเบลเยียม F.J. Gossec ซึ่งทำงานในปารีสผู้ก่อตั้งชาวฝรั่งเศส S. (29 S., 1754-1809, รวมถึง "Hunting", 1766; นอกจากนี้ 3 S. สำหรับวงออเคสตราทองเหลือง) คลาสสิค ประเภท S. ถูกสร้างขึ้นโดยชาวออสเตรีย คอมพ์ เจ. ไฮเดิน และ ดับเบิลยู. เอ. โมสาร์ท ในงานของ "บิดาแห่งซิมโฟนี" Haydn (104 S. , 1759-95) การก่อตัวของซิมโฟนีเสร็จสมบูรณ์ จากแนวเพลงเพื่อความบันเทิงในชีวิตประจำวันกลายเป็นเครื่องดนตรีประเภทจริงจังที่โดดเด่น ดนตรี. หลัก คุณสมบัติของโครงสร้างของมัน S. ได้พัฒนาเป็นลำดับของความแตกต่างภายใน การพัฒนาอย่างตั้งใจ และความสามัคคี ความคิดทั่วไปชิ้นส่วน โมสาร์ทมีส่วนร่วมในละครของ S. ความตึงเครียดและการแต่งเนื้อเพลงที่เร่าร้อน ความยิ่งใหญ่และความสง่างาม ทำให้มีความสามัคคีทางโวหารมากยิ่งขึ้น (ประมาณ 50 C, 1764/65-1788) C. - Es-dur, g-moll และ C-dur ("Jupiter") คนสุดท้ายของเขา - ความสำเร็จสูงสุดของซิมโฟนี ศิลปะศตวรรษที่ 18 ประสบการณ์เชิงสร้างสรรค์ของโมสาร์ทสะท้อนให้เห็นในผลงานชิ้นหลังของเขา ไฮเดน. บทบาทของแอล. บีโธเฟนผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา (9 ส. , 1800-24) มีความสำคัญอย่างยิ่งในประวัติศาสตร์ของเอส. ลำดับที่ 3 ("Heroic", 1804), ลำดับที่ 5 (1808) และลำดับที่ 9 (โดยมีวงนักร้องประสานเสียงและคณะนักร้องประสานเสียงในตอนจบ พ.ศ. 2367) S. เป็นตัวอย่างของวีรบุรุษ ซิมโฟนีที่ส่งถึงมวลชน รวบรวมการปฏิวัติ น่าสมเพช การต่อสู้. S. ที่ 6 ของเขา ("Pastoral", 1808) เป็นตัวอย่างของการประสานเสียงของโปรแกรม (ดู Program music) และ S. ที่ 7 (1812) ในคำพูดของ R. Wagner คือ "apotheosis of dance" เบโธเฟนขยายขอบเขตของ S. , ไดนามิกของละคร, เพิ่มวิภาษวิธีของธีมเฉพาะให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้น การพัฒนาที่อุดมภายใน สร้างและ ความหมายทางอุดมการณ์กับ.

สำหรับคนออสเตรีย และภาษาเยอรมัน นักแต่งเพลงโรแมนติกของครึ่งแรก ศตวรรษที่ 19 แนวเพลงทั่วไป ได้แก่ โคลงสั้น ๆ (ซิมโฟนี "Unfinished" ของชูเบิร์ต, 1822) และมหากาพย์ (เพลงสุดท้าย - ซิมโฟนีที่ 8 ของชูเบิร์ต) รวมถึงภูมิทัศน์และสไตล์ในชีวิตประจำวันด้วยธีมประจำชาติที่มีสีสัน การระบายสี ("อิตาลี", 2376 และ "สกอตติช", 2373-42, เมนเดลส์โซห์น-บาร์ตโฮลดี- ระดับจิตวิทยาก็เพิ่มขึ้นเช่นกัน ความมั่งคั่งของ S. (4 ซิมโฟนีของ R. Schumann, 1841-51 ซึ่งการเคลื่อนไหวช้าๆ และ scherzos แสดงออกได้มากที่สุด) แนวโน้มที่เกิดขึ้นในหมู่คลาสสิกเกิดขึ้นทันที การเปลี่ยนผ่านจากส่วนหนึ่งไปยังอีกส่วนหนึ่งและการสร้างธีม ความเชื่อมโยงระหว่างท่อนต่างๆ (เช่น ในซิมโฟนีที่ 5 ของเบโธเฟน) ทวีความรุนแรงมากขึ้นท่ามกลางแนวโรแมนติก และ C ก็ปรากฏขึ้น โดยที่ท่อนต่างๆ จะตามมาทีละท่อนโดยไม่มีการหยุดชั่วคราว (ซิมโฟนี "สก็อตติช" ของ Mendelssohn-Bartholdy, ซิมโฟนีที่ 4 ของ Schumann)

การเพิ่มขึ้นของชาวฝรั่งเศส S. มีอายุย้อนไปถึงปี 1830-40 เมื่อการผลิตที่เป็นนวัตกรรมปรากฏขึ้น G. Berlioz ผู้สร้างความโรแมนติก ซอฟต์แวร์ C ที่ใช้ไฟส่องสว่าง โครงเรื่อง (5 ส่วน "Fantastic" S., 1830), S.-concerto ("Harold in Italy", สำหรับวิโอลาและวงออเคสตรา, หลัง J. Byron, 1834), S.-oratorio ("Romeo and Juliet", dram . S. ใน 6 ส่วนพร้อมนักร้องเดี่ยวและนักร้องประสานเสียงหลังจาก W. Shakespeare, 1839), "ซิมโฟนีงานศพ" (การเดินขบวนศพ, โซโลทรอมโบน "ปราศรัย" และ apotheosis - สำหรับวงออร์เคสตราทองเหลืองหรือวงซิมโฟนีออร์เคสตรา, ทางเลือก - และคณะนักร้องประสานเสียง 1840) Berlioz มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยขนาดการผลิตที่ยิ่งใหญ่ องค์ประกอบที่ใหญ่โตของวงออเคสตรา และเครื่องดนตรีที่มีสีสันพร้อมความแตกต่างอันละเอียดอ่อน ปรัชญาและจริยธรรม ปัญหาดังกล่าวสะท้อนให้เห็นในซิมโฟนีของ F. Liszt ("Faust Symphony" แต่ J. W. Goethe, 1854, พร้อมท่อนคอรัสสุดท้าย, 1857; "S. to" ดีไวน์คอมเมดี้"ดันเต้", 2399) คนใบ้ทำหน้าที่เป็นตัวต่อต้านทิศทางทางโปรแกรมของ Berlioz และ Liszt โคมิ เจ. บราห์มส์ ซึ่งทำงานในเวียนนา ใน 4 S. (พ.ศ. 2419-28) พัฒนาประเพณีของเบโธเฟนและยวนใจ ซิมโฟนิซึมผสมผสานความคลาสสิก ความสามัคคีและสภาวะทางอารมณ์ที่หลากหลาย คล้ายกันในสไตล์ แรงบันดาลใจและในขณะเดียวกันก็เป็นชาวฝรั่งเศสแต่ละคน S. ในช่วงเวลาเดียวกัน - 3rd S. (พร้อมออร์แกน) โดย C. Saint-Saens (1887) และ S. d-moll โดย S. Frank (1888) ใน S. “From the New World” โดย A. Dvořák (สุดท้าย ตามลำดับเวลา 9, 1893) ไม่เพียงแต่ภาษาเช็กเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงแรงบันดาลใจของชาวนิโกรและอินเดียด้วย องค์ประกอบ แนวคิดทางอุดมการณ์ของชาวออสเตรียมีความสำคัญ นักซิมโฟนี A. Bruckner และ G. Mahler การผลิตที่ยิ่งใหญ่ Bruckner (8 S., 1865-1894, 9th unfinished, 1896) โดดเด่นด้วยความมีชีวิตชีวาของโพลีโฟนิก โครงสร้าง (อิทธิพลของศิลปะองค์กร และอาจรวมถึงละครเพลงของอาร์. วากเนอร์) ระยะเวลาและพลังของการสะสมทางอารมณ์ สำหรับซิมโฟนีของมาห์เลอร์ (9 ส. , 2381-2452, 4 คนด้วยการร้องเพลงรวมถึงครั้งที่ 8 - "ซิมโฟนีของผู้เข้าร่วมหนึ่งพันคน", 2450; ครั้งที่ 10 ยังไม่เสร็จสมบูรณ์ความพยายามที่จะทำให้เสร็จจากภาพร่างทำโดย D. Cook ในปี 1960; S.-cantata “Song of the Earth” กับนักร้องเดี่ยว 2 คน, 1908) โดดเด่นด้วยความรุนแรงของความขัดแย้ง ความน่าสมเพชและโศกนาฏกรรมอันประเสริฐ และแสดงออกถึงความแปลกใหม่ กองทุน ราวกับว่าตรงกันข้ามกับการเรียบเรียงขนาดใหญ่ซึ่งใช้นักแสดงที่ร่ำรวย เครื่องดนตรี แชมเบอร์ซิมโฟนี และซิมโฟนีเอตต้า ปรากฏขึ้น

นักเขียนที่โดดเด่นที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ในฝรั่งเศส - A. Roussel (4 S. , 1906-34), A. Honegger (สวิสตามสัญชาติ, 5 S. , 1930-50 รวมถึงอันดับ 3 - "Liturgical", 1946, 5th - S. "three re", พ.ศ. 2493), D. Milhaud (12 ส., พ.ศ. 2482-2504), O. Messiaen ("Turangalila" ใน 10 ส่วน, พ.ศ. 2491); ในเยอรมนี - R. Strauss ("Home", 1903, "Alpine", 1915), P. Hindempt (4 S., 1934-58 รวมถึงคนที่ 1 - "Artist Mathis", 1934, 3- I - "Harmony of โลก”, 1951), K. A. Hartman (8th S., 1940-62) และคนอื่น ๆ การมีส่วนร่วมในการพัฒนาของ S. จัดทำโดย Swiss H. Huber (8th S. , 1881-1920 รวมถึง 7 - “ Swiss”, 1917), ชาวนอร์เวย์ K. Sinding (4 S., 1890-1936), H. Severud (9 S., 1920-1961, รวมถึงการต่อต้านฟาสซิสต์โดยการออกแบบ 5-7- I, 1941-1945), K . Egge (5 ส., 1942-1969), Dane K. Nielsen (6 ส., 1891-1925), Finn J. Sibelius (7 ส., 1899-1924), โรมาเนีย J. . 1905-19) ชาวดัตช์ B. Peyper (3 ส., 1917-27) และ H. Badings (10 ส., 1930-1961), ชาวสวีเดน H. Rusenberg (7 ส., 1919-69, และ S. สำหรับเครื่องวิญญาณและเครื่องเคาะจังหวะ, 1968), อิตาลี J. F. Malipiero (11 S., 1933-69), ชาวอังกฤษ R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S.-requiem, 1940, "Spring " S. สำหรับนักร้องเดี่ยว, นักร้องประสานเสียงผสม, นักร้องประสานเสียงเด็กชายและวงซิมโฟนีออร์เคสตรา, 2492), ชาวอเมริกัน C. Ives (5 ส., พ.ศ. 2441-2456), W. Piston ( 8 ส., 2480-65) และ R. Harris (12 S., 1933-69), Brazilian E. Vila Lobos (12 S., 1916-58) และอื่นๆ หลากหลายประเภท C. ศตวรรษที่ 20 เนื่องจากความคิดสร้างสรรค์ที่หลากหลาย ทิศทางระดับชาติ โรงเรียน การเชื่อมโยงนิทานพื้นบ้าน ทันสมัย S. ยังมีโครงสร้าง รูปแบบ และคุณลักษณะที่แตกต่างกัน โดยมุ่งสู่ความใกล้ชิด และในทางกลับกัน มุ่งไปสู่ความยิ่งใหญ่ ไม่แบ่งออกเป็นส่วน ๆ และประกอบด้วยพหูพจน์ ชิ้นส่วน; แบบดั้งเดิม คลังสินค้าและองค์ประกอบฟรี สำหรับซิมโฟนีธรรมดา วงออเคสตราและการเรียบเรียงที่ผิดปกติ ฯลฯ หนึ่งในกระแสดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 เกี่ยวข้องกับการดัดแปลงท่วงทำนองโบราณ - พรีคลาสสิกและคลาสสิกตอนต้น ประเภทและรูปแบบ S. S. Prokofiev จ่ายส่วยให้เขาใน "Classical Symphony" (1907) และ I. F. Stravinsky ใน Symphony in C และ "Symphony in Three Movements" (1940-45) ในศตวรรษที่ 20 บ้าง การเบี่ยงเบนไปจากบรรทัดฐานก่อนหน้านี้ถูกเปิดเผยภายใต้อิทธิพลของลัทธิอัตตานิยม ลัทธิต่ำต้อย และหลักการใหม่อื่นๆ ในการจัดองค์ประกอบ A. Webern สร้าง S. (1928) ด้วยซีรีส์ 12 โทน ในบรรดาตัวแทนของ "เปรี้ยวจี๊ด" เอสถูกอดกลั้น ประเภทและรูปแบบการทดลองใหม่

ครั้งแรกในหมู่ชาวรัสเซีย ผู้แต่งหันไปใช้แนว S. (ยกเว้น D. S. Bortnyansky ซึ่งมี "Concert Symphony", 1790 เขียนขึ้นเพื่อ วงดนตรีห้อง) มิช. Y. Vielgorsky (S. ที่ 2 ของเขาแสดงในปี 1825) และ A. A. Alyabyev (S. e-moll ส่วนหนึ่งของเขา, 1830 และประเภทชุด S. Es-dur 3 ส่วนที่ไม่ระบุวันที่พร้อมแตรคอนเสิร์ต 4 ตัวรอดชีวิตมาได้ ) ต่อมา A.G. Rubinstein (6th S. , 1850-86 รวมถึง 2 - "Ocean", 1854, 4 - "Dramatic", 1874) M. I. Glinka ผู้แต่ง S.-overture ที่ยังไม่เสร็จที่ด้านล่างของภาษารัสเซีย ธีม (พ.ศ. 2377 สร้างเสร็จในปี พ.ศ. 2480 โดย V. Ya. Shebalin) มีอิทธิพลอย่างเด็ดขาดต่อการก่อตัวของโวหาร ไอ้รัสเซีย ส. ด้วยซิมโฟนีทั้งหมดของเขา ความคิดสร้างสรรค์ซึ่งผลงานประเภทอื่นมีอิทธิพลเหนือกว่า ในส. รัสเซีย ผู้เขียนแสดงออกถึงความเป็นชาตินิยมอย่างชัดเจน ตัวละคร รูปภาพของผู้คนจะถูกบันทึก ชีวิตประวัติศาสตร์ เหตุการณ์สะท้อนถึงแรงจูงใจของบทกวี ในบรรดาผู้แต่งเพลง "The Mighty Handful" N. A. Rimsky-Korsakov (3 S. , 1865-74) เป็นคนแรกที่ทำหน้าที่เป็นผู้เขียน S. ผู้สร้างชาวรัสเซีย มหากาพย์ S. ปรากฏตัวโดย A.P. Borodin (2nd S. , 1867-76; ยังไม่เสร็จในวันที่ 3, 1887, บันทึกบางส่วนจากความทรงจำโดย A.K. Glazunov) ในงานของเขาโดยเฉพาะใน "Bogatyrskaya" (2nd) S. Borodin ได้รวบรวมภาพของผู้คนขนาดยักษ์ ความแข็งแกร่ง. ท่ามกลางความสำเร็จสูงสุดของโลกซิมโฟนี - การผลิต P. I. Tchaikovsky (6 ส., 1800-93 และโปรแกรม S. “Manfred” หลังจาก J. Byron, 1885) อันดับที่ 4, 5 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งอันดับที่ 6 ("น่าสมเพช" ที่มีการจบลงอย่างช้าๆ) S. มีลักษณะเป็นโคลงสั้น ๆ - ละครได้รับพลังอันน่าเศร้าในการแสดงออกของการชนกันของชีวิต พวกเขามีจิตวิทยาลึกซึ้ง ด้วยความเข้าใจอันลึกซึ้ง พวกเขาถ่ายทอดประสบการณ์อันหลากหลายของมนุษย์ เส้นมหากาพย์ S. ต่อโดย A.K. Glazunov (8 S. , 1881-1906, รวมถึง 1 - "Slavic"; ยังไม่เสร็จ 9, 1910, - ส่วนหนึ่ง, เครื่องดนตรีโดย G. Ya. Yudin ในปี 1948) , 2 S. เขียนโดย M. A. Balakirev (2441, 2451), 3 S - โดย R. M. Gliere (2443-54, 3 - "Ilya Muromets") ซิมโฟนีดึงดูดคุณด้วยเนื้อเพลงที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ S. Kalinnikova (2 S. , 1895, 1897) สมาธิที่ลึกซึ้ง - S. c-moll S. I. Taneyeva (ที่ 1, จริง ๆ แล้ว 4, 1898), ละคร น่าสมเพช - ซิมโฟนีของ S. V. Rachmaninov (3 S. , 1895, 1907, 1936) และ A. N. Scriabin ผู้สร้าง 6 ส่วนที่ 1 (1900), 5 ส่วนที่ 2 (1902) และ 3 ส่วนที่ 3 (“ บทกวีศักดิ์สิทธิ์ ”, 1904) โดดเด่นด้วยการแสดงละครพิเศษ ความซื่อสัตย์และพลังแห่งการแสดงออก

ส. ครอบครอง สถานที่สำคัญใน พ.ศ. ดนตรี. ในผลงานของนกฮูก นักแต่งเพลงได้รับการพัฒนาอย่างเข้มข้นและมีชีวิตชีวาโดยเฉพาะจากประเพณีอันสูงส่งของดนตรีคลาสสิก การแสดงดนตรีประสานเสียง Sovs หันไปหา S นักแต่งเพลงทุกรุ่นเริ่มต้นจากปรมาจารย์อาวุโส - N. Ya. Myaskovsky ผู้สร้าง 27 S. (พ.ศ. 2451-50 รวมถึงวันที่ 19 - สำหรับวงออร์เคสตราทองเหลือง พ.ศ. 2482) และ S. S. Prokofiev ผู้แต่ง 7 S. (พ.ศ. 2460-2495) ) และปิดท้ายด้วยนักแต่งเพลงหนุ่มมากความสามารถ บุคคลสำคัญในสาขานกฮูก ส. - ดี. ดี. โชสตาโควิช ในทศวรรษที่ 15 (พ.ศ. 2468-2514) ความลึกของจิตสำนึกของมนุษย์และความดื้อรั้นของศีลธรรมได้รับการเปิดเผย กองกำลัง (5 - 1937, 8 - 1943, 15 - 1971) รวบรวมธีมที่น่าตื่นเต้นของความทันสมัย ​​(ที่ 7 - ที่เรียกว่า Leningradskaya, 1941) และประวัติศาสตร์ (11 - "1905", 1957; 12 - "1917", 1961) เห็นอกเห็นใจสูง อุดมคตินั้นตรงกันข้ามกับภาพมืดมนของความรุนแรงและความชั่วร้าย (5 ตอนที่ 13 อิงจากเนื้อเพลงของ E. A. Yevtushenko สำหรับเบส นักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา พ.ศ. 2505) พัฒนาประเพณี และทันสมัย ประเภทของโครงสร้างของวงจรโซนาต้าผู้แต่งพร้อมกับวงจรโซนาต้าที่ตีความอย่างอิสระ (วงจรโซนาต้าจำนวนหนึ่งของเขามีลักษณะตามลำดับ: ช้า - เร็ว - ช้า - เร็ว) ใช้โครงสร้างอื่น ๆ (เช่นในวันที่ 11 - “1905”) ดึงดูดเสียงของมนุษย์ (นักร้องเดี่ยว นักร้องประสานเสียง) ใน 11 ตอนที่ 14th S. (1969) ซึ่งมีการเปิดเผยแก่นเรื่องของชีวิตและความตายโดยมีภูมิหลังทางสังคมที่กว้างใหญ่ เสียงร้องเพลงสองเสียงจะถูกขับเดี่ยวโดยมีเครื่องสายสนับสนุน และระเบิด เครื่องมือ

ตัวแทนของผู้คนจำนวนมากทำงานอย่างมีประสิทธิผลในภูมิภาค S. ระดับชาติ กิ่งก้านของนกฮูก ดนตรี. ในหมู่พวกเขามีปรมาจารย์นกฮูกที่มีชื่อเสียง ดนตรีเช่น A.I. Khachaturian - อาร์เมเนียที่ใหญ่ที่สุด นักซิมโฟนีผู้แต่งเพลงสีสันสดใสและเจ้าอารมณ์ (1st - 1935, 2nd - "S. with a bell", 1943, 3rd - S.-poem, พร้อมออร์แกนและอีก 15 ไปป์, 1947); ในอาเซอร์ไบจาน - K. Karaev (S. 3 ของเขา, 1965 โดดเด่น), ในลัตเวีย - Y. Ivanov (15 S. , 1933-72) ฯลฯ ดูดนตรีโซเวียต

วรรณกรรม: Glebov Igor (Asafiev B.V.) การสร้างซิมโฟนีสมัยใหม่ "ดนตรีสมัยใหม่", 2468, หมายเลข 8; Asafiev B.V., Symphony ในหนังสือ: บทความเกี่ยวกับโซเวียต ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีเล่ม 1 ม.-ล. 2490; 55 ซิมโฟนีโซเวียต, เลนินกราด, 2504; Popova T. , Symphony, M.-L. , 1951; Yarustovsky B. , ซิมโฟนีเกี่ยวกับสงครามและสันติภาพ, M. , 1966; ซิมโฟนีโซเวียต 50 ปี (รวม) ฉบับปรับปรุง เอ็ด G. G. Tigranov, เลนินกราด, 2510; Konen V. , โรงละครและซิมโฟนี..., M. , 1968, 1975; Tigranov G. เกี่ยวกับระดับชาติและนานาชาติในซิมโฟนีโซเวียตในหนังสือ: ดนตรีในสังคมสังคมนิยม เล่ม 1 1, ล., 1969; Rytsarev S., Symphony ในฝรั่งเศสก่อน Berlioz, M., 1977. Brenet M., Histoire de la symphonie a orchestra depuis ses origines jusqu"a Beethoven, P., 1882; Weingartner F., Die Symphonie nach Beethoven, V. 1898 . Lpz., 1926; his, Ratschldge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien, Bd 1-3, Lpz., 1906-23, "Bd 1, 1958 (คำแปลภาษารัสเซีย - Weingartner R., การแสดงซิมโฟนีคลาสสิก. คำแนะนำสำหรับผู้ควบคุมวง, t. .1 ม. 2508); Goldschmidt H., Zur Geschichte der Arien- und Symphonie-Formen, "Monatshefte für Musikgeschichte", 1901, Jahrg 33, ลำดับที่ 4-5, Heuss A., Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; Torrefranca F., Le origini della sinfonia, "RMI", 1913, v. 20 น. 291-346, 1914, โวลต์. 21 น. 97-121, 278-312, 1915, ข้อ 22, น. 431-446 Bekker P., Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V., (1918) (การแปลภาษารัสเซีย - Becker P., Symphony จาก Beethoven ถึง Mahler, ed. และบทนำโดย I. Glebov, L., 1926 ); Nef K., Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R., Die รูปแบบการ Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, "AfMw", 1922, Jahrg 4, H. 1, เหมือนกัน, Die Theorie der Sinfonie und die Beurteilung einzelner Sinfoniekomponisten bei den Musikschriftstellern des 18 Jahrhunderts, Lpz., 1925, Tutenberg Fr., Die opera buffa-Sinfonie und ihre Beziehungen zur klassischen Sinfonie, "AfMw", 1927 , จ่าร์ก. 8 หมายเลข 4; เหมือนกัน Die Durchführungsfrage ใน der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 1926/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr., Die deutsche vorklassische Sinfonie, V., (1940), Walin S., Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh., (1941), Сarse A., ซิมโฟนีศตวรรษที่ 18, L., 1951; Borrel E., La symphonie, P., (1954), Brook B.S., La symphonie française dans la Seconde moitié du XVIII siècle, v. 1-3 ป. 2505; Kloiber R., Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie, วีสบาเดิน, 1964

บี.เอส. สไตน์เพรส

Tannhäuser: ฉันกำลังเปิดส่วนใหม่เกี่ยวกับรูปแบบดนตรีและแนวเพลง และหน้าแรกเปิดด้วยคำว่า "SYMPHONY" อย่างถูกต้อง... ฉันจะเพิ่มรูปภาพของนักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยมและรูปภาพอื่นๆ ลงในข้อความ ฉันไม่ได้เพิ่มทุกอย่างลงในตัวฉัน ชื่อที่มีชื่อเสียงนักซิมโฟนี แต่ฉันจะแนะนำคุณให้รู้จักกับชื่อที่ถูกลืม "ใหม่" ต่อไป ฉันจะไม่โหลดคลิปเสียงและวิดีโอมากเกินไป... ส่วนนี้

ซิมโฟนี(จากภาษากรีก "ความสอดคล้อง") - ชิ้นส่วนสำหรับวงออเคสตราประกอบด้วยหลายส่วน ซิมโฟนีเป็นรูปแบบดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในบรรดาดนตรีออเคสตราคอนเสิร์ต

โครงสร้างคลาสสิก

เนื่องจากโครงสร้างมีความคล้ายคลึงกันกับโซนาตา ซิมโฟนีจึงสามารถเรียกได้ว่าเป็นแกรนด์โซนาตาสำหรับวงออเคสตรา โซนาต้าและซิมโฟนีรวมถึงคอนแชร์โต้, ทริโอ, ควอร์เตต ฯลฯ อยู่ใน "วงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิก" - วงจร รูปแบบดนตรีงานที่เป็นธรรมเนียมที่จะต้องนำเสนอการเคลื่อนไหวอย่างน้อยหนึ่งการเคลื่อนไหว (โดยปกติจะเป็นครั้งแรก) ในรูปแบบโซนาต้า วงจรโซนาตา-ซิมโฟนิกเป็นรูปแบบวงจรที่ใหญ่ที่สุดในบรรดารูปแบบเครื่องดนตรีล้วนๆ

เช่นเดียวกับโซนาตา ซิมโฟนีคลาสสิกมีสี่การเคลื่อนไหว:
- ส่วนแรกเขียนด้วยจังหวะเร็วเขียนในรูปแบบโซนาต้า
- ส่วนที่สองเป็นการเคลื่อนไหวช้าๆ เขียนในรูปแบบของ rondo ซึ่งมักจะอยู่ในรูปแบบของโซนาต้าหรือน้อยกว่า แบบฟอร์มการเปลี่ยนแปลง;
- การเคลื่อนไหวครั้งที่สาม scherzo หรือ minuet ในรูปแบบไตรภาคี
- การเคลื่อนไหวที่สี่ ด้วยจังหวะเร็ว ในรูปแบบโซนาต้าหรือในรูปแบบของ rondo, rondo sonata
หากการเคลื่อนไหวครั้งแรกเขียนด้วยจังหวะปานกลาง ในทางกลับกัน อาจตามมาด้วยการเคลื่อนไหวครั้งที่สองอย่างรวดเร็วและการเคลื่อนไหวที่สามช้า (เช่น ซิมโฟนีที่ 9 ของ Beethoven)

เมื่อพิจารณาว่าซิมโฟนีได้รับการออกแบบสำหรับวงออเคสตราขนาดใหญ่ แต่ละส่วนของวงในนั้นจึงถูกเขียนในวงกว้างและมีรายละเอียดมากกว่า ตัวอย่างเช่น ในโซนาตาเปียโนธรรมดา เนื่องจากความมั่งคั่งของวิธีการแสดงออกของวงซิมโฟนีออร์เคสตราทำให้มีการนำเสนอดนตรีโดยละเอียด คิด.

ประวัติความเป็นมาของซิมโฟนี

คำว่าซิมโฟนีถูกใช้ในสมัยกรีกโบราณ ยุคกลาง และยุคเรอเนซองส์เพื่ออธิบายเครื่องดนตรีต่างๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเครื่องดนตรีที่สามารถสร้างเสียงได้มากกว่าหนึ่งเสียงในแต่ละครั้ง ดังนั้นในประเทศเยอรมนีจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีจึงเป็นคำทั่วไปสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดหลากหลายชนิด - พิณและเวอร์จิล ในฝรั่งเศสนี่เป็นชื่อของออร์แกนถัง ฮาร์ปซิคอร์ด กลองสองหัว ฯลฯ

คำว่าซิมโฟนีเพื่อแสดงถึงผลงานดนตรีที่ฟังดูเข้ากัน เริ่มปรากฏในชื่อผลงานสไตล์บาโรกบางชิ้นในศตวรรษที่ 16 และ 17 โดยผู้แต่งเช่น Giovanni Gabrieli (Sacrae Symphoniae, 1597 และ Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri ( Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie Musicali, 1610) และ Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629)

ต้นแบบของซิมโฟนีถือได้ว่าเป็นการทาบทามของอิตาลี ซึ่งเกิดขึ้นภายใต้โดเมนิโก สการ์ลัตติ เมื่อปลายศตวรรษที่ 17 แบบฟอร์มนี้เรียกว่าซิมโฟนีแล้วและประกอบด้วยสามส่วนที่ตัดกัน: allegro, andante และ allegro ซึ่งรวมเป็นหนึ่งเดียว เป็นรูปแบบนี้ที่มักถูกมองว่าเป็นผู้บุกเบิกโดยตรงของซิมโฟนีออเคสตรา คำว่า "การทาบทาม" และ "ซิมโฟนี" ถูกใช้สลับกันในช่วงศตวรรษที่ 18

บรรพบุรุษที่สำคัญอื่นๆ ของซิมโฟนีคือชุดออเคสตราซึ่งประกอบด้วยการเคลื่อนไหวหลายอย่างในรูปแบบที่ง่ายที่สุดและส่วนใหญ่อยู่ในคีย์เดียวกัน และริปิเอโนคอนแชร์โต ซึ่งเป็นรูปแบบที่ชวนให้นึกถึงคอนแชร์โตสำหรับเครื่องสายและต่อเนื่อง แต่ไม่มีเครื่องดนตรีเดี่ยว ผลงานของ Giuseppe Torelli และ Antonio Vivaldi ถูกสร้างขึ้นในรูปแบบนี้ บางทีคอนแชร์โต Ripieno ที่โด่งดังที่สุดอาจเป็น Brandenburg Concerto No. 3 ของ Johann Sebastian Bach

Joseph Haydn ถือเป็นผู้ก่อตั้งรูปแบบซิมโฟนีคลาสสิก ในซิมโฟนีคลาสสิก เฉพาะการเคลื่อนไหวครั้งแรกและครั้งสุดท้ายเท่านั้นที่มีโทนเสียงที่เหมือนกัน และการเคลื่อนไหวตรงกลางจะถูกเขียนด้วยคีย์ที่เกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวหลัก ซึ่งเป็นตัวกำหนดโทนเสียงของซิมโฟนีทั้งหมด ตัวแทนที่โดดเด่นของซิมโฟนีคลาสสิกคือ Wolfgang Amadeus Mozart และ Ludwig van Beethoven เบโธเฟนขยายวงซิมโฟนีออกไปอย่างมาก ซิมโฟนีหมายเลข 3 ของเขา ("Eroic") มีขนาดและขอบเขตอารมณ์ที่เหนือกว่าทั้งหมด งานยุคแรกซิมโฟนีหมายเลข 5 ของเขาอาจเป็นซิมโฟนีที่โด่งดังที่สุดเท่าที่เคยเขียนมา ซิมโฟนีหมายเลข 9 ของเขากลายเป็นหนึ่งใน "ซิมโฟนีประสานเสียง" แรกๆ โดยมีการรวมท่อนสำหรับนักร้องเดี่ยวและนักร้องประสานเสียงในการเคลื่อนไหวครั้งสุดท้าย

ซิมโฟนีโรแมนติกเป็นการผสมผสานระหว่างรูปแบบคลาสสิกกับการแสดงออกที่โรแมนติก แนวโน้มซอฟต์แวร์ก็กำลังพัฒนาเช่นกัน เพลงประกอบปรากฏขึ้น บ้าน คุณสมบัติที่โดดเด่นยวนใจคือการเติบโตของรูปแบบ องค์ประกอบของวงออเคสตรา และความหนาแน่นของเสียง ผู้เขียนซิมโฟนีที่โดดเด่นที่สุดในยุคนี้ ได้แก่ Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Tchaikovsky, A. Bruckner และ Gustav Mahler

เริ่มต้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในศตวรรษที่ 20 มีการเปลี่ยนแปลงเพิ่มเติมของซิมโฟนี โครงสร้างการเคลื่อนไหวทั้งสี่กลายเป็นทางเลือก: ซิมโฟนีสามารถมีได้ตั้งแต่หนึ่งการเคลื่อนไหว (ซิมโฟนีที่ 7 ของ Jean Sibelius) ถึงสิบเอ็ดการเคลื่อนไหว (ซิมโฟนีที่ 14 ของ D. Shostakovich) หรือมากกว่านั้น นักแต่งเพลงหลายคนทดลองใช้ซิมโฟนีหลายเมตร เช่น ซิมโฟนีที่ 8 ของกุสตาฟ มาห์เลอร์ ที่เรียกว่า "Symphony of a Thousand Participants" (เนื่องจากต้องใช้ความเข้มแข็งของวงออเคสตราและคณะนักร้องประสานเสียงในการแสดง) การใช้รูปแบบโซนาต้าเป็นทางเลือก
หลังจากซิมโฟนีที่ 9 ของแอล. บีโธเฟน ผู้แต่งมักเริ่มนำท่อนร้องมาใส่ในซิมโฟนีมากขึ้น อย่างไรก็ตาม ขนาดและเนื้อหาของเนื้อหาดนตรียังคงที่

Joseph Haydn - 108 ซิมโฟนี

Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) ซิมโฟนี

ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน - 9 ซิมโฟนี

Franz Schubert - 9 ซิมโฟนี

Robert Schumann - 4 ซิมโฟนี

Felix Mendelssohn - 5 ซิมโฟนี

Hector Berlioz - ซิมโฟนีหลายรายการ

Antonin Dvorak - 9 ซิมโฟนี

โยฮันเนส บราห์มส์ - 4 ซิมโฟนี

Pyotr Tchaikovsky - 6 ซิมโฟนี (เช่นเดียวกับซิมโฟนี Manfred)

Anton Bruckner - 10 ซิมโฟนี

กุสตาฟ มาห์เลอร์ - 10 ซิมโฟนี

Jean Sibelius - 7 ซิมโฟนี

Sergei Rachmaninov - 3 ซิมโฟนี

Igor Stravinsky - 5 ซิมโฟนี

Sergei Prokofiev - 7 ซิมโฟนี

Dmitri Shostakovich - 15 ซิมโฟนี (รวมถึงซิมโฟนีหลายห้อง)

Alfred Schnittke - 9 ซิมโฟนี

บรรยาย

แนวเพลงไพเราะ

ประวัติความเป็นมาของการกำเนิดซิมโฟนีเป็นแนวเพลง

ประวัติความเป็นมาของซิมโฟนีในฐานะแนวเพลงย้อนกลับไปเมื่อประมาณสองศตวรรษครึ่ง

ในช่วงปลายยุคกลางในอิตาลี มีความพยายามที่จะรื้อฟื้นละครโบราณ นี่เป็นจุดเริ่มต้นของศิลปะดนตรีและละครประเภทที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง - โอเปร่า
ในโอเปร่ายุโรปตอนต้น การขับร้องไม่ได้มีบทบาทสำคัญในฐานะนักร้องเดี่ยวกับกลุ่มนักดนตรีที่ติดตามพวกเขา เพื่อไม่ให้รบกวนมุมมองของผู้ชมต่อศิลปินบนเวที วงออเคสตราจึงตั้งอยู่ในช่องพิเศษ ระหว่างแผงลอยกับเวที ในตอนแรกสถานที่นี้ถูกเรียกว่า "วงออเคสตรา" และต่อมาคือนักแสดงเอง

ซิมโฟนี(กรีก) - ความสอดคล้องในช่วงศตวรรษที่ 16-18 แนวคิดนี้หมายถึง “การผสมผสานของเสียงที่ไพเราะ”, “ความสามัคคี” ร้องเพลงประสานเสียง" และ "ผลงานดนตรีโพลีโฟนิก"

« ซิมโฟนี"เรียกว่า ดนตรีบรรเลงระหว่างการแสดงโอเปร่า. « ออร์เคสตรา"(กรีกโบราณ) ถูกเรียกว่า บริเวณหน้าเวทีละครซึ่งเดิมเป็นที่ตั้งของคณะนักร้องประสานเสียง

เฉพาะในยุค 30 และ 40 เท่านั้น ในศตวรรษที่ 18 แนวออเคสตราอิสระได้ก่อตั้งขึ้น ซึ่งต่อมาถูกเรียกว่าซิมโฟนี

ประเภทใหม่คือ งานที่ประกอบด้วยหลายส่วน (วงจร) และส่วนแรกซึ่งมีความหมายหลักของงานจะต้องสอดคล้องกับ "รูปแบบโซนาต้า" อย่างแน่นอน

บ้านเกิดของวงซิมโฟนีออร์เคสตราคือเมืองมันน์ไฮม์ ที่นี่ในโบสถ์ของผู้มีสิทธิเลือกตั้งในท้องถิ่นมีการจัดตั้งวงออเคสตราซึ่งศิลปะมีอิทธิพลอย่างมากต่อความคิดสร้างสรรค์ของวงออเคสตราและต่อการพัฒนาดนตรีซิมโฟนิกที่ตามมาทั้งหมด
« วงออร์เคสตราสุดพิเศษนี้มีพื้นที่และขอบมากมาย- เขียนโดย Charles Burney นักประวัติศาสตร์ดนตรีชื่อดัง นี่คือเอฟเฟกต์ที่เสียงจำนวนมากสามารถสร้างขึ้นได้ถูกนำมาใช้: ที่นี่เป็นที่ที่ "creacendo" "diminuendo" เกิดขึ้นและ "เปียโน" ซึ่งก่อนหน้านี้ใช้เป็นเสียงสะท้อนเป็นหลักและมักจะมีความหมายเหมือนกันกับมันและ " forte” ถือเป็นสีทางดนตรี มีเฉดสีเป็นของตัวเอง เช่น สีแดงหรือสีน้ำเงินในการวาดภาพ...”

นักแต่งเพลงกลุ่มแรกๆ บางส่วนที่ทำงานในแนวซิมโฟนี ได้แก่:

อิตาลี - Giovanni Sammartini, ฝรั่งเศส - Francois Gossec และนักแต่งเพลงชาวเช็ก - Jan Stamitz

แต่ถึงกระนั้น Joseph Haydn ก็ถือเป็นผู้สร้างแนวซิมโฟนีคลาสสิก เขาเป็นเจ้าของตัวอย่างแรกที่ยอดเยี่ยมของโซนาต้าคีย์บอร์ด ทรีโอเครื่องสาย และควอร์เตต มันเป็นงานของ Haydn ที่แนวซิมโฟนีถือกำเนิดและเป็นรูปเป็นร่างและมาถึงขั้นสุดท้ายอย่างที่เราพูดกันว่าเป็นรูปทรงคลาสสิก

I. Haydn และ W. Mozart สรุปและสร้างขึ้นใน ความคิดสร้างสรรค์ไพเราะสิ่งที่ดีที่สุดที่ดนตรีออเคสตรามีมากมายต่อหน้าพวกเขา และในเวลาเดียวกัน ซิมโฟนีของ Haydn และ Mozart ได้เปิดโอกาสที่เป็นไปได้อย่างไม่สิ้นสุดสำหรับแนวเพลงใหม่ ซิมโฟนีชุดแรกของผู้แต่งเหล่านี้ได้รับการออกแบบสำหรับวงออเคสตราขนาดเล็ก แต่ต่อมา I. Haydn ได้ขยายวงออเคสตราไม่เพียงแต่ในเชิงปริมาณเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการใช้การผสมผสานเสียงที่แสดงออกของเครื่องดนตรีที่สอดคล้องกับแผนของเขาอย่างใดอย่างหนึ่งเท่านั้น

นี่คือศิลปะแห่งการใช้เครื่องมือหรือการเรียบเรียง

การเรียบเรียง- เป็นการสร้างสรรค์การออกแบบที่มีชีวิต ความคิดทางดนตรีนักแต่งเพลง. เครื่องมือวัดคือความคิดสร้างสรรค์ - หนึ่งในแง่มุมของจิตวิญญาณของการแต่งเพลงนั่นเอง

ในช่วงสร้างสรรค์ของ Beethoven ในที่สุดองค์ประกอบคลาสสิกของวงออเคสตราก็ถูกสร้างขึ้นซึ่งรวมถึง:

สตริง

องค์ประกอบสองเท่า เครื่องมือไม้,

2 (บางครั้ง 3-4) เขา

2 ทิมปานี องค์ประกอบนี้เรียกว่า เล็ก.

G. Berlioz และ R. Wagner พยายามเพิ่มระดับเสียงของวงออเคสตราโดยการเพิ่มองค์ประกอบ 3-4 เท่า

จุดสุดยอดของดนตรีไพเราะของโซเวียตคือผลงานของ S. Prokofiev และ D. Shostakovich

ซิมโฟนี...เมื่อเปรียบเทียบกับนวนิยายและเรื่องราว ภาพยนตร์มหากาพย์และละคร จิตรกรรมฝาผนังที่งดงาม ความหมายการเปรียบเทียบทั้งหมดนี้ชัดเจน ในประเภทนี้เป็นไปได้ที่จะแสดงสิ่งที่สำคัญซึ่งบางครั้งก็เป็นสิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับงานศิลปะซึ่งบุคคลนั้นอาศัยอยู่ในโลก - ความปรารถนาที่จะมีความสุข แสงสว่าง ความยุติธรรม และมิตรภาพ

ซิมโฟนีคือดนตรีชิ้นหนึ่งสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา ซึ่งเขียนในรูปแบบโซนาตา-ไซคลิกโดยปกติจะประกอบด้วย 4 ส่วน แสดงถึงความคิดเชิงศิลปะที่ซับซ้อนเกี่ยวกับชีวิตมนุษย์ ความทุกข์ทรมานและความสุขของมนุษย์ แรงบันดาลใจและแรงกระตุ้น มีซิมโฟนีที่มีท่อนมากขึ้นเรื่อยๆ จนถึงท่อนเดียว

เพื่อปรับปรุงเอฟเฟ็กต์เสียง บางครั้งซิมโฟนีก็รวมอยู่ด้วย นักร้องประสานเสียงและเสียงร้องเดี่ยวมีซิมโฟนีสำหรับเครื่องสาย แชมเบอร์ วงจิตวิญญาณ และวงออเคสตราอื่นๆ สำหรับวงออเคสตราที่มีเครื่องดนตรีเดี่ยว ออร์แกน คณะนักร้องประสานเสียง และวงดนตรีร้อง... . สี่ส่วนซิมโฟนีแสดงถึงความแตกต่างโดยทั่วไปของสภาวะชีวิต: ภาพการต่อสู้ดิ้นรน (การเคลื่อนไหวครั้งแรก) ตอนตลกขบขันหรือการเต้นรำ (มินูเอตหรือเชอร์โซ) การใคร่ครวญอย่างสูงส่ง (การเคลื่อนไหวช้าๆ) และตอนจบของการเต้นรำอันศักดิ์สิทธิ์หรือพื้นบ้าน

ดนตรีไพเราะเป็นดนตรีที่มุ่งหมายให้บรรเลงโดยซิมโฟนิก
วงออเคสตรา;ดนตรีบรรเลงที่สำคัญและหลากหลายที่สุด
ครอบคลุมงานใหญ่หลายส่วนอุดมด้วยอุดมการณ์ที่ซับซ้อน
เนื้อหาทางอารมณ์และดนตรีชิ้นเล็กๆ ธีมหลักของดนตรีไพเราะคือธีมของความรักและธีมของความเป็นปฏิปักษ์

ซิมโฟนีออร์เคสตรา,
การผสมผสานเครื่องดนตรีที่หลากหลายทำให้เกิดจานสีที่หลากหลาย
สีเสียงวิธีการแสดงออก

ยังคงได้รับความนิยมมากในปัจจุบัน งานไพเราะ: แอล. บีโธเฟน ซิมโฟนี หมายเลข 3 (“Eroic”), หมายเลข 5, การทาบทาม “Egmont”;

พี ไชคอฟสกี ซิมโฟนี หมายเลข 4, หมายเลข 6, ทาบทาม “โรมิโอและจูเลียต” คอนเสิร์ต (โฟโน,

S. Prokofiev Symphony หมายเลข 7

I. Stravinsky ชิ้นส่วนจากบัลเล่ต์ "Petrushka"

เจ. เกิร์ชวินซิมโฟแจ๊ส “Rhapsody in Blue”

ดนตรีสำหรับวงออเคสตราได้รับการพัฒนาโดยมีปฏิสัมพันธ์อย่างต่อเนื่องกับศิลปะดนตรีประเภทอื่นๆ: แชมเบอร์ ออร์แกน การร้องประสานเสียง ดนตรีโอเปร่า

ประเภทลักษณะของศตวรรษที่ 17-18: ห้องสวีทคอนเสิร์ต- วงดนตรีออเคสตรา ทาบทามตัวอย่างโอเปร่า ประเภทของห้องสวีทของศตวรรษที่ 18: การเบี่ยงเบนความสนใจ, การขับกล่อม, น็อคเทิร์น.

ดนตรีซิมโฟนีที่เพิ่มขึ้นอย่างทรงพลังเกี่ยวข้องกับการส่งเสริมซิมโฟนี การพัฒนาเป็นรูปแบบโซนาตาแบบวนรอบ และการปรับปรุง ประเภทคลาสสิกวงซิมโฟนีออร์เคสตรา พวกเขามักจะเริ่มรู้จักซิมโฟนีและดนตรีซิมโฟนิกประเภทอื่นๆ นักร้องประสานเสียงและเสียงร้องเดี่ยว- หลักการไพเราะในงานร้องและออเคสตรา โอเปร่า และบัลเล่ต์มีความเข้มข้นมากขึ้น แนวเพลงซิมโฟนิกก็รวมถึง ซิมโฟนีเอตต้า, ดนตรีไพเราะหลากหลายรูปแบบ, แฟนตาซี, แรปโซดี, ตำนาน, คาปริซิโอ, เชอร์โซ, เมดเลย์, มาร์ช, การเต้นรำต่างๆ, เพชรประดับต่างๆ ฯลฯการแสดงดนตรีซิมโฟนีคอนเสิร์ตยังรวมถึง ชิ้นส่วนออเคสตราแต่ละชิ้นจากโอเปร่า บัลเลต์ ละคร ละคร ภาพยนตร์

ดนตรีไพเราะแห่งศตวรรษที่ 19 เป็นตัวเป็นตน โลกอันยิ่งใหญ่ความคิดและอารมณ์ สะท้อนถึงประเด็นทางสังคมในวงกว้าง ประสบการณ์ที่ลึกซึ้งที่สุด รูปภาพของธรรมชาติ ชีวิตประจำวันและจินตนาการ ตัวละครประจำชาติ รูปภาพ ศิลปะอวกาศ, กวีนิพนธ์, นิทานพื้นบ้าน

มีอยู่ หลากหลายชนิดวงออเคสตรา:

วงดนตรีทหาร (ประกอบด้วย เครื่องลม-ทองเหลือง และไม้)

วงเครื่องสาย:.

วงซิมโฟนีออร์เคสตราเป็นวงดนตรีที่ใหญ่ที่สุดและมีความสามารถมากที่สุด มีไว้สำหรับการแสดงคอนเสิร์ต เพลงออเคสตรา- วงซิมโฟนีออร์เคสตราในรูปแบบสมัยใหม่ไม่ได้เกิดขึ้นทันที แต่เป็นผลมาจากกระบวนการทางประวัติศาสตร์อันยาวนาน

คอนเสิร์ตซิมโฟนีออร์เคสตราซึ่งต่างจากวงโอเปร่าออร์เคสตรา ตั้งอยู่ตรงบนเวทีและอยู่ในสายตาของผู้ชมตลอดเวลา

เนื่องจากประเพณีทางประวัติศาสตร์ วงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตร้าคอนเสิร์ตและโอเปร่าจึงมีองค์ประกอบที่แตกต่างกันมานานแล้ว แต่ในปัจจุบันความแตกต่างนี้เกือบจะหายไปแล้ว

จำนวนนักดนตรีทั้งหมดในวงซิมโฟนีออร์เคสตราไม่คงที่ โดยสามารถผันผวนได้ระหว่าง 60-120 คน (และมากกว่านั้น) ผู้เข้าร่วมกลุ่มใหญ่ดังกล่าวต้องการความเป็นผู้นำที่มีทักษะสำหรับเกมที่มีการประสานงาน บทบาทนี้เป็นของผู้ควบคุมวง

จนถึงต้นศตวรรษที่ 19 ผู้ควบคุมวงเองก็เล่นเครื่องดนตรีบางอย่างในระหว่างการแสดง - ตัวอย่างเช่นไวโอลิน อย่างไรก็ตาม เมื่อเวลาผ่านไป เนื้อหาของดนตรีซิมโฟนีมีความซับซ้อนมากขึ้น และข้อเท็จจริงนี้ทีละเล็กทีละน้อย บังคับให้ผู้ควบคุมวงละทิ้งการรวมกันดังกล่าว

เฟลกอนโตวา อนาสตาเซีย

ชั้น 7ความเชี่ยวชาญ "ทฤษฎีดนตรี"มาอูดอด ชิ หมายเลข 46, เคเมโรโว

ไซเกรวา วาเลนตินา อาฟานาซีฟนา

ที่ปรึกษาทางวิทยาศาสตร์,ครูสาขาวิชาทฤษฎี MAOU DOD "DSHI No. 46"

การแนะนำ

เมืองใหญ่ทุกเมืองมีวงซิมโฟนีออร์เคสตรา ยังเป็นที่ต้องการใน โรงโอเปร่าและในสังคมฟิลฮาร์โมนิก แต่แนวเพลงซิมโฟนีเอง ซึ่งเป็นแนวเพลงเชิงวิชาการที่น่านับถือมากที่สุดแนวหนึ่ง กำลังถูกแทนที่ด้วยแชมเบอร์และ ดนตรีอิเล็กทรอนิค- และอาจถึงเวลานั้นจะมาถึงเมื่อแนวเพลงที่ยอดเยี่ยมเช่นซิมโฟนีจะไม่แสดงในคอนเสิร์ตอีกต่อไป อย่างน้อยพวกเขาก็เกือบจะหยุดแต่งซิมโฟนีแล้ว ความเกี่ยวข้องหัวข้อวิจัย: ความสนใจอย่างไม่ลดละในคำถามเกี่ยวกับการดำรงอยู่ของประเภท "ซิมโฟนี" ในอนาคต อะไรรอซิมโฟนีในศตวรรษที่ 21: การเกิดใหม่หรือการลืมเลือน วัตถุประสงค์ของการศึกษาเป็นซิมโฟนีที่เป็นแนวเพลงและเป็นวิธีที่จริงจังในการทำความเข้าใจโลกและการแสดงออกถึงตัวตนของมนุษย์ สาขาวิชาที่ศึกษา: วิวัฒนาการของแนวเพลงซิมโฟนิกจากต้นกำเนิดจนถึงปัจจุบัน เป้าหมายของงาน:ศึกษาคุณสมบัติของการพัฒนาแนวเพลงไพเราะ วัตถุประสงค์ของการวิจัย: วิเคราะห์เนื้อหาทางวิทยาศาสตร์และทฤษฎีเกี่ยวกับปัญหา อธิบายกฎซิมโฟนิก บรรทัดฐาน แบบจำลอง และแนวโน้มในการพัฒนาแนวเพลง

บทฉัน. ประวัติความเป็นมาของคำว่า "ซิมโฟนี"

ซิมโฟนี (จากภาษากรีก ซิมโฟนี - ความสอดคล้อง จาก sýn - ร่วมกัน และ โทรศัพท์ - เสียง) งานดนตรีในรูปแบบโซนาตาไซคลิก มีไว้สำหรับการแสดงโดยวงดุริยางค์ซิมโฟนี หนึ่งในแนวเพลงที่สำคัญที่สุดของดนตรีซิมโฟนิก ในซิมโฟนีบางเพลง นักร้องประสานเสียงและนักร้องเดี่ยวก็มีส่วนร่วมด้วย Symphony เป็นหนึ่งในแนวดนตรีที่ซับซ้อนที่สุด “สำหรับฉัน การสร้างซิมโฟนีหมายถึงการสร้างโลกโดยใช้เทคโนโลยีดนตรีสมัยใหม่ทุกรูปแบบ” กุสตาฟ มาห์เลอร์ นักแต่งเพลงชาวออสเตรียกล่าว

ในตอนแรก ในภาษากรีกโบราณ "ซิมโฟนี" เป็นชื่อที่ตั้งให้กับเสียงที่ไพเราะและร้องเพลงพร้อมกัน ในกรุงโรมโบราณ นี่เป็นชื่อของวงดนตรีหรือวงออเคสตราอยู่แล้ว ในยุคกลาง ดนตรีฆราวาสโดยทั่วไปถือเป็น "ซิมโฟนี" (ในฝรั่งเศสความหมายนี้ยังคงอยู่จนถึงศตวรรษที่ 18) และเครื่องดนตรีบางชนิด (โดยเฉพาะ hurdy-gurdy) สามารถเรียกเช่นนี้ได้ ในเยอรมนีจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีเป็นคำทั่วไปสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดหลากหลายชนิด - พิณและเวอร์จิล ในฝรั่งเศส เป็นชื่อที่ตั้งให้กับออร์แกนถัง ฮาร์ปซิคอร์ด กลองสองหัว ฯลฯ

ในช่วงปลายยุคบาโรก คีตกวีบางคน เช่น Giuseppe Torelli (1658-1709) แต่งผลงานให้กับวงเครื่องสายและเบสโซต่อเนื่องเป็น 3 จังหวะ โดยมีลำดับจังหวะเร็ว-ช้า-เร็ว แม้ว่างานดังกล่าวมักเรียกว่า "คอนเสิร์ต" แต่ก็ไม่ต่างจากงานที่เรียกว่า "ซิมโฟนี"; ตัวอย่างเช่น มีการใช้ธีมการเต้นรำในตอนจบของทั้งคอนเสิร์ตและซิมโฟนี ความแตกต่างเกี่ยวข้องกับโครงสร้างของส่วนแรกของวงจรเป็นหลัก: ในซิมโฟนีมันง่ายกว่า - ตามกฎแล้วเป็นรูปแบบไบนารีสองส่วนของการทาบทามบาร็อค, โซนาต้าและสวีท (AA BB) เฉพาะในศตวรรษที่สิบหกเท่านั้น มันเริ่มนำมาใช้กับ ผลงานแต่ละชิ้นเดิมทีเป็นนักร้องนำโดยนักแต่งเพลงเช่น Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 และ Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie Musicali, 1610) และ Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629) คีตกวีชาวอิตาลีแห่งศตวรรษที่ 17 คำว่า "ซิมโฟนี" (ซินโฟเนีย) มักหมายถึงการบรรเลงโอเปร่า โอราโตริโอ หรือแคนตาตา และคำในความหมายก็ใกล้เคียงกับแนวคิดของ "โหมโรง" หรือ "ทาบทาม"

ต้นแบบของซิมโฟนีถือได้ว่าเป็นทาบทามของอิตาลี ซึ่งเกิดขึ้นภายใต้โดเมนิโก สการ์ลัตติ เมื่อปลายศตวรรษที่ 17 แบบฟอร์มนี้เรียกว่าซิมโฟนีแล้วและประกอบด้วยสามส่วนที่ตัดกัน: allegro, andante และ allegro ซึ่งรวมเป็นหนึ่งเดียว คุณสมบัติของรูปแบบโซนาต้าถูกระบุไว้ในส่วนแรก เป็นรูปแบบนี้ที่มักถูกมองว่าเป็นผู้บุกเบิกโดยตรงของซิมโฟนีออเคสตรา ในทางกลับกัน ซิมโฟนีรุ่นก่อนคือโซนาตาออเคสตราซึ่งประกอบด้วยการเคลื่อนไหวหลายอย่างในรูปแบบที่ง่ายที่สุดและส่วนใหญ่อยู่ในคีย์เดียวกัน คำว่า "การทาบทาม" และ "ซิมโฟนี" ถูกใช้สลับกันในช่วงศตวรรษที่ 18

ในศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีแยกออกจากโอเปร่าและกลายเป็นแนวคอนเสิร์ตอิสระ โดยปกติจะมี 3 จังหวะ (“เร็ว - ช้า - เร็ว”) การใช้คุณลักษณะของชุดเต้นรำสไตล์บาโรก โอเปร่าและคอนแชร์โต้ นักแต่งเพลงจำนวนหนึ่ง และเหนือสิ่งอื่นใด เจ.บี. Sammartini ได้สร้างแบบจำลองของซิมโฟนีคลาสสิก ซึ่งเป็นงานสามการเคลื่อนไหวสำหรับวงออเคสตราเครื่องสาย ซึ่งการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วมักอยู่ในรูปแบบของ rondo ธรรมดาหรือรูปแบบโซนาตาในยุคแรก เครื่องดนตรีอื่นๆ ได้ถูกเพิ่มเข้าไปในสายอย่างค่อยเป็นค่อยไป เช่น โอโบ (หรือฟลุต) เขาสัตว์ ทรัมเป็ต และกลองทิมปานี สำหรับผู้ฟังแห่งศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีถูกกำหนดโดยบรรทัดฐานคลาสสิก: เนื้อสัมผัสแบบโฮโมโฟนิก, ความสามัคคีแบบไดโทนิก, ความแตกต่างอันไพเราะ, ลำดับการเปลี่ยนแปลงไดนามิกและธีมที่กำหนด ศูนย์กลางที่ปลูกฝังซิมโฟนีคลาสสิกคือเมืองมันไฮม์ของเยอรมัน (ที่นี่ Jan Stamitz และนักเขียนคนอื่น ๆ ขยายวงจรไพเราะเป็นสี่ส่วนโดยแนะนำการเต้นรำสองชุดจากชุดบาโรก - มินูเอต์และทรีโอ) และเวียนนาที่ซึ่งไฮเดิน โมสาร์ท , เบโธเฟน (เช่นเดียวกับรุ่นก่อนซึ่ง Georg Monn และ Georg Wagenseil โดดเด่นได้ยกระดับแนวซิมโฟนีขึ้นไปอีกระดับ Johann Sebastian Bach (1685-1750, Germany)

บทครั้งที่สอง- ซิมโฟนีของนักแต่งเพลงชาวต่างประเทศ

1. คลาสสิกเวียนนา

1.1. ฟรานซ์ โจเซฟ ไฮเดิน

ในงานของ Franz Joseph Haydn (1732-1809) ในที่สุดวงจรไพเราะก็ก่อตัวขึ้น ซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของเขายังคงไม่แตกต่างไปจากแชมเบอร์มิวสิคเลย และแทบจะไม่ไปไกลกว่าความบันเทิงทั่วไปและแนวเพลงในชีวิตประจำวันในยุคนั้นเลย เฉพาะในยุค 70 เท่านั้นที่มีผลงานที่แสดงออกมากกว่านี้ โลกลึกรูปภาพ ("Funeral Symphony", "Farewell Symphony" ฯลฯ) ซิมโฟนีของเขาค่อยๆ เต็มไปด้วยเนื้อหาดราม่าที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น ความสำเร็จสูงสุดของการแสดงซิมโฟนีของ Haydn คือซิมโฟนี "ลอนดอน" ทั้งสิบสองชุด

โครงสร้างโซนาต้าอัลเลโกร. ซิมโฟนีแต่ละเพลง (ยกเว้น C minor) เริ่มต้นด้วยการแนะนำอย่างช้าๆ ของตัวละครที่สง่างาม เคร่งขรึม เน้นการคิด บทกวีที่ไพเราะ หรือใคร่ครวญอย่างสงบ (ปกติจะเป็นจังหวะ Largo หรือ Adagio) การแนะนำอย่างช้าๆ แตกต่างอย่างมากกับอัลเลโกรที่ตามมา (ซึ่งเป็นส่วนแรกของซิมโฟนี) และในขณะเดียวกันก็เป็นการเตรียมการ ไม่มีความแตกต่างที่เป็นรูปเป็นร่างที่ชัดเจนระหว่างธีมของส่วนหลักและส่วนรอง ทั้งสองเพลงมักเป็นเพลงพื้นบ้านและมีลักษณะการเต้นรำ มีเพียงคอนทราสต์ของโทนสีเท่านั้น: โทนเสียงหลักของส่วนหลักจะตัดกับโทนเสียงที่โดดเด่นของส่วนด้านข้าง การพัฒนาที่สร้างขึ้นโดยการแยกแรงจูงใจได้รับการพัฒนาที่สำคัญในซิมโฟนีของ Haydn ส่วนสั้นๆ แต่ใช้งานมากที่สุดจะแยกออกจากธีมของปาร์ตี้หลักหรือปาร์ตี้ด้านข้าง และอยู่ภายใต้ธีมที่ค่อนข้างยาว การพัฒนาที่เป็นอิสระ(การปรับอย่างต่อเนื่องในคีย์ที่แตกต่างกัน ดำเนินการด้วยเครื่องมือที่แตกต่างกันและในรีจิสเตอร์ที่แตกต่างกัน) สิ่งนี้ทำให้การพัฒนามีลักษณะแบบไดนามิกและทะเยอทะยาน

ส่วนที่สอง (ช้า)มีบุคลิกที่แตกต่างกัน: บางครั้งก็เป็นโคลงสั้น ๆ บางครั้งก็เหมือนเพลงในบางกรณีเหมือนเดินขบวน พวกเขายังมีรูปร่างแตกต่างกันไป ที่พบมากที่สุดคือรูปแบบสามส่วนและรูปแบบที่หลากหลายที่ซับซ้อน

มินูเอตส์การเคลื่อนไหวครั้งที่สามของซิมโฟนี "ลอนดอน" มักเรียกว่า Menuetto มินิเอตของ Haydn จำนวนมากมีลักษณะของการเต้นรำแบบคันทรี่ด้วยท่าเดินที่ค่อนข้างหนักหน่วง ท่วงทำนองที่ไพเราะ สำเนียงที่ไม่คาดคิด และการเปลี่ยนจังหวะ ซึ่งมักจะสร้างเอฟเฟกต์ที่ตลกขบขัน มินูเอต์แบบดั้งเดิมขนาดสามจังหวะยังคงอยู่ แต่จะสูญเสียความซับซ้อนของชนชั้นสูงและกลายเป็นการเต้นรำแบบชาวนาที่เป็นประชาธิปไตย

รอบชิงชนะเลิศในตอนจบของซิมโฟนีของ Haydn ภาพแนวเพลงที่ย้อนกลับไปสู่เพลงเต้นรำโฟล์กมักจะดึงดูดความสนใจ รูปแบบส่วนใหญ่มักจะเป็นโซนาตาหรือรอนโดโซนาตา ในตอนจบของซิมโฟนี "ลอนดอน" บางช่วง เทคนิคของการแปรผันและการพัฒนาโพลีโฟนิก (การเลียนแบบ) ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย โดยเน้นย้ำถึงการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วของดนตรีและสร้างพลังให้กับโครงสร้างดนตรีทั้งหมด [ 4, น. 76-78]

วงออเคสตราองค์ประกอบของวงออเคสตราก็ถูกกำหนดไว้ในงานของ Haydn ด้วย มันขึ้นอยู่กับเครื่องมือสี่กลุ่ม ส่วนเครื่องสายซึ่งเป็นส่วนนำของวงออเคสตราประกอบด้วยไวโอลิน วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบส กลุ่มไม้ประกอบด้วย ฟลุต โอโบ คลาริเน็ต (ไม่ได้ใช้ในซิมโฟนีทุกประเภท) และบาสซูน กลุ่มทองเหลืองของ Haydn ประกอบด้วยเขาและแตร จากกลอง เครื่องดนตรีของ Haydnใช้เฉพาะกลองทิมปานีในวงออเคสตรา ข้อยกเว้นคือ "London Symphony" ที่สิบสอง, G major ("Military") นอกจากกลองทิมปานีแล้ว Haydn ยังแนะนำรูปสามเหลี่ยม ฉาบ กลองใหญ่- โดยรวมแล้วงานของ Franz Joseph Haydn มีซิมโฟนีมากกว่า 100 รายการ

1.2. โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) พร้อมด้วย Haydn ยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของดนตรีซิมโฟนิสต์ของยุโรปในขณะที่ ซิมโฟนีที่ดีที่สุดโมสาร์ทปรากฏตัวต่อหน้า London Symphonies ของ Haydn ด้วยซ้ำ โมสาร์ทแก้ปัญหาวงจรซิมโฟนิกด้วยวิธีของเขาเองโดยไม่ต้องทำซ้ำ Haydn จำนวนซิมโฟนีทั้งหมดของเขาเกิน 50 แม้ว่าตามจำนวนต่อเนื่องที่ยอมรับในดนตรีวิทยาของรัสเซีย แต่ซิมโฟนีสุดท้าย - "จูปิเตอร์" - ถือเป็นวันที่ 41 การปรากฏตัวของซิมโฟนีของโมสาร์ทส่วนใหญ่มีมาตั้งแต่สมัย ช่วงปีแรก ๆความคิดสร้างสรรค์ของเขา ในช่วงยุคเวียนนา มีการสร้างซิมโฟนีเพียง 6 เพลงสุดท้ายเท่านั้น ได้แก่: "Linzskaya" (1783), "Prague" (1786) และสามซิมโฟนีในปี 1788

ซิมโฟนีเพลงแรกของโมสาร์ทได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานของเจ.เอส. บาค. มันแสดงให้เห็นทั้งในการตีความวัฏจักร (ส่วนเล็ก ๆ 3 ส่วน, ไม่มีมินูเอต, เล็ก ๆ องค์ประกอบออเคสตรา) และในรายละเอียดที่แสดงออกที่หลากหลาย (ความไพเราะของธีม ความแตกต่างที่แสดงออกของเมเจอร์และไมเนอร์ บทบาทนำของไวโอลิน)

การเยี่ยมชมศูนย์กลางหลักของซิมโฟนียุโรป (เวียนนา, มิลาน, ปารีส, มันน์ไฮม์) มีส่วนทำให้วิวัฒนาการของการคิดซิมโฟนีของโมซาร์ท: เนื้อหาของซิมโฟนีได้รับการตกแต่งให้สมบูรณ์, ความแตกต่างทางอารมณ์จะสว่างขึ้น, การพัฒนาเฉพาะเรื่องมีความกระตือรือร้นมากขึ้น, ขนาดของชิ้นส่วน ขยายใหญ่ขึ้น และเนื้อสัมผัสของวงออเคสตราก็ได้รับการพัฒนามากขึ้น ต่างจาก "London Symphonies" ของ Haydn ซึ่งโดยทั่วไปแล้วจะพัฒนาซิมโฟนีประเภทหนึ่ง ซิมโฟนีที่ดีที่สุดของ Mozart (หมายเลข 39-41) ไม่ได้ให้ความสำคัญกับการพิมพ์ แต่เป็นซิมโฟนีที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวอย่างแท้จริง แต่ละคนรวบรวมสิ่งใหม่ที่เป็นพื้นฐาน ความคิดทางศิลปะ- ซิมโฟนีสองเพลงจากสี่เพลงสุดท้ายของโมสาร์ทมีการแนะนำอย่างช้าๆ ส่วนอีกสองเพลงไม่มี ซิมโฟนีหมายเลข 38 (“ปราก”, ดีเมเจอร์) มี 3 การเคลื่อนไหว (“ซิมโฟนีไม่มีไมนูเอต”) ที่เหลือมี 4 การเคลื่อนไหว

ให้มากที่สุด คุณสมบัติลักษณะการตีความแนวซิมโฟนีของโมสาร์ทสามารถนำมาประกอบกับ:

· ละครความขัดแย้ง อย่างมากที่สุด ระดับที่แตกต่างกันส่วนของวงจร ธีมแต่ละธีม องค์ประกอบเฉพาะต่างๆ ภายในธีม - ความแตกต่างและความขัดแย้งปรากฏในซิมโฟนีของโมสาร์ท ธีมซิมโฟนีของโมสาร์ทหลายเพลงเริ่มแรกปรากฏเป็น "ตัวละครที่ซับซ้อน": สร้างขึ้นจากองค์ประกอบที่ตัดกันหลายประการ (เช่น ธีมหลักในตอนจบของวันที่ 40 ซึ่งเป็นการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีจูปิเตอร์) ความแตกต่างภายในเหล่านี้เป็นแรงกระตุ้นที่สำคัญที่สุดสำหรับการพัฒนาอันน่าทึ่งในเวลาต่อมา โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการพัฒนา:

1. การตั้งค่ารูปแบบโซนาต้า ตามกฎแล้ว โมสาร์ทกล่าวถึงสิ่งนี้ในทุกส่วนของซิมโฟนีของเขา ยกเว้นมินิเอต มันคือรูปแบบโซนาต้าซึ่งมีศักยภาพมหาศาลในการเปลี่ยนแปลงธีมเริ่มต้น ซึ่งสามารถเปิดเผยข้อมูลที่ลึกซึ้งที่สุดได้ โลกฝ่ายวิญญาณบุคคล. ในการพัฒนาโซนาตาของ Mozart ธีมใดๆ ของนิทรรศการสามารถได้รับความสำคัญอย่างเป็นอิสระ รวมถึง การเชื่อมต่อและขั้นสุดท้าย (ตัวอย่างเช่นในซิมโฟนี "จูปิเตอร์" ในการพัฒนาส่วนแรกธีมของ z.p. และ st.p. ได้รับการพัฒนาและในส่วนที่สอง - st.t.);

2. บทบาทที่ยิ่งใหญ่ของเทคโนโลยีโพลีโฟนิก เทคนิคโพลีโฟนิกต่างๆ มีส่วนช่วยอย่างมากต่อละคร โดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานต่อมา (ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดคือตอนจบของซิมโฟนีจูปิเตอร์)

3. การออกจากประเภทเปิดในเพลงไพเราะและตอนจบ คำจำกัดความของ "แนวเพลงในชีวิตประจำวัน" ไม่สามารถใช้ได้กับพวกเขา ไม่เหมือนของ Haydn ในทางตรงกันข้ามโมสาร์ทใน minuets ของเขามักจะ "ทำให้เป็นกลาง" หลักการเต้นโดยเติมดนตรีด้วยละคร (ในซิมโฟนีหมายเลข 40) หรือการแต่งเนื้อร้อง (ในซิมโฟนี "จูปิเตอร์");

4. การเอาชนะตรรกะชุดสุดท้ายของวงจรซิมโฟนิกครั้งสุดท้ายเป็นการสลับส่วนต่างๆ การเคลื่อนไหวของซิมโฟนีทั้งสี่ของโมสาร์ทแสดงถึงความสามัคคีตามธรรมชาติ (เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในซิมโฟนีหมายเลข 40);

5.เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับ ประเภทเสียงร้อง- ดนตรีบรรเลงคลาสสิกก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลอันแข็งแกร่งของโอเปร่า ในโมสาร์ท อิทธิพลของการแสดงออกทางโอเปร่านี้รู้สึกได้อย่างแข็งแกร่งมาก มันแสดงให้เห็นไม่เพียงแต่ในการใช้น้ำเสียงโอเปร่าที่มีลักษณะเฉพาะเท่านั้น (เช่นในธีมหลักของซิมโฟนีที่ 40 ซึ่งมักจะถูกเปรียบเทียบกับธีมของ Cherubino “ฉันบอกไม่ได้ ฉันอธิบายไม่ได้...” ). ดนตรีไพเราะของโมสาร์ทเต็มไปด้วยการผสมผสานระหว่างโศกนาฏกรรมและความตลกขบขัน ความประเสริฐและความธรรมดา ซึ่งชวนให้นึกถึงผลงานโอเปร่าของเขาอย่างชัดเจน

1.3. ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน

ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน (ค.ศ. 1770-1827) ได้ทำให้แนวเพลงซิมโฟนีสมบูรณ์ยิ่งขึ้น ในซิมโฟนีของเขา ความกล้าหาญ ละคร และปรัชญาได้รับความสำคัญอย่างยิ่ง ส่วนของซิมโฟนีมีความเชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิดมากขึ้น และวงจรก็มีความสามัคคีมากขึ้น หลักการของการใช้เนื้อหาเฉพาะเรื่องที่เกี่ยวข้องกันในการเคลื่อนไหวทั้งสี่ซึ่งดำเนินการในซิมโฟนีที่ห้าของเบโธเฟนนำไปสู่การเกิดขึ้นของสิ่งที่เรียกว่า ซิมโฟนีวัฏจักร เบโธเฟนเข้ามาแทนที่มินิเอตอันเงียบสงบด้วยเชอร์โซที่มีชีวิตชีวาและมักจะวุ่นวาย เขายกระดับการพัฒนาเฉพาะเรื่องไปสู่ระดับใหม่ โดยกำหนดให้ธีมของเขาเผชิญกับการเปลี่ยนแปลงทุกประเภท รวมถึงการพัฒนาที่ขัดแย้งกัน การแยกส่วนของธีม การเปลี่ยนโหมด (หลัก - รอง) การเปลี่ยนแปลงจังหวะ

เมื่อพูดถึงซิมโฟนีของ Beethoven เราควรเน้นย้ำถึงนวัตกรรมด้านออเคสตราของเขา ท่ามกลางนวัตกรรม:

1. การก่อตัวที่แท้จริงของกลุ่มทองแดง แม้ว่าทรัมเป็ตจะยังคงเล่นและบันทึกร่วมกับกลองทิมปานี แต่ในทางปฏิบัติแล้วทรัมเป็ตและแตรเริ่มได้รับการปฏิบัติเป็นกลุ่มเดียว พวกเขายังเข้าร่วมด้วยทรอมโบนซึ่งไม่ได้อยู่ในวงซิมโฟนีออร์เคสตราของ Haydn และ Mozart ทรอมโบนเล่นในตอนจบของซิมโฟนีที่ 5 (ทรอมโบน 3 ตัว) ในฉากพายุฝนฟ้าคะนองในวันที่ 6 (ที่นี่มีเพียง 2 เท่านั้น) รวมถึงในบางส่วนของวันที่ 9 (ในเชอร์โซและในตอนสวดมนต์ของตอนจบ เช่นเดียวกับใน coda);

2. การบดอัดของ "ชั้นกลาง" บังคับให้แนวดิ่งเพิ่มขึ้นด้านบนและด้านล่าง ขลุ่ยปิคโคโลปรากฏด้านบน (ในทุกกรณีข้างต้น ยกเว้นตอนสวดมนต์ในตอนจบของซิมโฟนีที่ 9) และด้านล่าง - คอนทราบาสซูน (ในตอนจบของซิมโฟนีที่ 5 และ 9) แต่ไม่ว่าในกรณีใด วงออเคสตราของเบโธเฟนจะมีฟลุตและบาสซูนสองตัวเสมอ

3. Beethoven เป็นการสานต่อประเพณีของ London Symphonies ของ Haydn และซิมโฟนีรุ่นหลังๆ ของ Mozart โดยได้เพิ่มความเป็นอิสระและความสามารถพิเศษของชิ้นส่วนต่างๆ ของเครื่องดนตรีเกือบทั้งหมด รวมถึงทรัมเป็ต (การแสดงเดี่ยวอันโด่งดังนอกเวทีใน Leonora ทาบทามหมายเลข 2 และหมายเลข 3) และกลองทิมปานี . เขามักจะมีสาย 5 ส่วน (ดับเบิลเบสแยกออกจากเชลโล) และบางครั้งก็มากกว่านั้น (การเล่นแบบแบ่ง) เครื่องเป่าลมไม้ทั้งหมด รวมทั้งบาสซูน และแตร (ในการขับร้องในวง Scherzo ทั้งสามของซิมโฟนีที่ 3 หรือแยกกัน) สามารถเล่นเดี่ยวได้ โดยแสดงเนื้อหาที่สว่างมาก

2. ยวนใจ

ลักษณะเด่นที่สำคัญของแนวโรแมนติกคือการเติบโตของรูปแบบองค์ประกอบของวงออเคสตราและความหนาแน่นของเสียง นักแต่งเพลงแนวโรแมนติกยังคงรักษารูปแบบดั้งเดิมของวัฏจักร แต่กลับเต็มไปด้วยเนื้อหาใหม่ สถานที่ที่โดดเด่นในหมู่พวกเขาถูกครอบครองโดยซิมโฟนีเนื้อเพลงซึ่งหนึ่งในตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดคือ Symphony in B minor โดย F. Schubert บรรทัดนี้ยังคงดำเนินต่อไปในซิมโฟนีของ F. Mendelssohn-Bartholdy ซึ่งมักมีลักษณะเป็นภาพวาดและทิวทัศน์ ดังนั้นซิมโฟนีจึงได้รับคุณลักษณะทางโปรแกรมซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของนักประพันธ์เพลงโรแมนติก Hector Berlioz นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสผู้โดดเด่น เป็นคนแรกที่สร้างโปรแกรมซิมโฟนี โดยเขียนโปรแกรมบทกวีในรูปแบบของเรื่องสั้นเกี่ยวกับชีวิตของศิลปิน อย่างไรก็ตาม ความตั้งใจทางโปรแกรมใน เพลงโรแมนติกมักถูกรวบรวมในรูปแบบของบทกวีซิมโฟนีตอนเดียว จินตนาการ ฯลฯ ผู้เขียนซิมโฟนีที่โดดเด่นที่สุดในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 นั่นคือ G. Mahler ซึ่งบางครั้งก็ดึงดูดองค์ประกอบเสียงร้อง ตัวแทนของโรงเรียนแห่งชาติแห่งใหม่ได้สร้างสรรค์ซิมโฟนีอันสำคัญทางตะวันตกในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - A. Dvorak ในสาธารณรัฐเช็ก ในศตวรรษที่ 20 - K. Szymanowski ในโปแลนด์, E. Elgar และ R. Vaughan Williams ในอังกฤษ, J. Sibelius ในฟินแลนด์ คุณสมบัติที่เป็นนวัตกรรมใหม่ซิมโฟนีแตกต่างออกไป นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส A. Honegger, D. Milhaud และคนอื่นๆ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ในขณะที่ซิมโฟนีขนาดใหญ่ (มักสำหรับวงออเคสตราขยาย) มีอิทธิพลเหนือ ต่อมา "แชมเบอร์ซิมโฟนี" ซึ่งมีขนาดพอประมาณและมีไว้สำหรับวงดนตรีเดี่ยวก็เริ่มมีบทบาทสำคัญมากขึ้น

2.1. ฟรานซ์ ชูเบิร์ต (1797-1828)

ซิมโฟนีโรแมนติกที่สร้างโดยชูเบิร์ตถูกกำหนดไว้เป็นหลักในสองซิมโฟนีสุดท้าย - ลำดับที่ 8, B minor เรียกว่า "ยังไม่เสร็จ" และอันดับที่ 9, C Major พวกเขาแตกต่างอย่างสิ้นเชิงตรงข้ามกัน มหากาพย์ที่ 9 ตื้นตันใจกับความรู้สึกถึงความสุขที่พิชิตได้ทั้งหมด “ยังไม่เสร็จ” รวบรวมหัวข้อของการกีดกันและความสิ้นหวังอันน่าเศร้า ความรู้สึกดังกล่าวซึ่งสะท้อนถึงชะตากรรมของคนทั้งรุ่นยังไม่พบรูปแบบการแสดงออกที่ไพเราะต่อหน้าชูเบิร์ต สร้างขึ้นสองปีก่อนหน้าซิมโฟนีที่ 9 ของเบโธเฟน (ในปี พ.ศ. 2365) "Unfinished" ถือเป็นการเกิดขึ้นของแนวซิมโฟนิกใหม่ - โคลงสั้น ๆ - จิตวิทยา

คุณสมบัติหลักอย่างหนึ่งของซิมโฟนี B-minor คือวงจรของมันซึ่งประกอบด้วยการเคลื่อนไหวเพียงสองการเคลื่อนไหว นักวิจัยหลายคนพยายามเจาะลึก "ความลึกลับ" ของงานนี้: ซิมโฟนีที่ยอดเยี่ยมยังไม่เสร็จจริงหรือ? ในอีกด้านหนึ่ง ไม่ต้องสงสัยเลยว่าซิมโฟนีถูกสร้างขึ้นเป็นวงจร 4 ส่วน: ภาพร่างเปียโนดั้งเดิมของมันมีชิ้นส่วนขนาดใหญ่ของการเคลื่อนไหวที่ 3 - เชอร์โซ การขาดความสมดุลของโทนเสียงระหว่างการเคลื่อนไหว (H minor ในท่อนที่ 1 และ E Major ในท่อนที่ 2) ยังเป็นข้อโต้แย้งที่ชัดเจนในความจริงที่ว่าซิมโฟนีไม่ได้ถูกสร้างขึ้นล่วงหน้าเป็นท่อนที่ 2 ในทางกลับกัน ชูเบิร์ตมีเวลาเพียงพอหากต้องการจบซิมโฟนี: หลังจากที่ "Unfinished" เขาสร้างขึ้น จำนวนมากผลงานรวมทั้งซิมโฟนี 9 ตอนที่ 4 มีข้อโต้แย้งอื่น ๆ สำหรับและต่อต้าน ในขณะเดียวกัน "Unfinished" ได้กลายเป็นหนึ่งในซิมโฟนีที่มีเพลงประกอบละครมากที่สุด โดยไม่ให้ความรู้สึกเกินควรเลย แผนของเธอในสองส่วนกลายเป็นจริงอย่างสมบูรณ์

ฮีโร่ของ "ยังไม่เสร็จ" มีความสามารถในการประท้วงอย่างสดใส แต่การประท้วงครั้งนี้ไม่ได้นำไปสู่ชัยชนะของหลักการที่ยืนยันชีวิต ในแง่ของความรุนแรงของความขัดแย้ง ซิมโฟนีนี้ไม่ด้อยไปกว่าผลงานละครของเบโธเฟน แต่ความขัดแย้งนี้อยู่ในระนาบที่แตกต่างออกไป มันถูกถ่ายโอนไปยังขอบเขตโคลงสั้น ๆ - จิตวิทยา นี่คือละครแห่งประสบการณ์ ไม่ใช่การกระทำ พื้นฐานของมันไม่ใช่การต่อสู้ของสองหลักการที่ตรงกันข้าม แต่เป็นการต่อสู้ภายในบุคลิกภาพนั่นเอง นี่คือ คุณลักษณะที่สำคัญที่สุดการแสดงซิมโฟนีโรแมนติก ตัวอย่างแรกคือซิมโฟนีของชูเบิร์ต

บทสาม- ซิมโฟนีในรัสเซีย

มรดกอันไพเราะของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย - P.I. ไชคอฟสกี, A.P. โบโรดินา, เอ.จี. กลาซูนอฟ, สเครอาบิน, S.V. รัชมานินอฟ. เริ่มตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 รูปแบบของซิมโฟนีที่เข้มงวดเริ่มล่มสลาย การเคลื่อนไหวสี่แบบเป็นทางเลือก: มีทั้งซิมโฟนีแบบเคลื่อนไหวเดียว (Myaskovsky, Kancheli, Boris Tchaikovsky) เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวที่สิบเอ็ด (Shostakovich) และแม้แต่การเคลื่อนไหวที่ยี่สิบสี่ (Hovaness) ตอนจบที่ช้าซึ่งเป็นไปไม่ได้ในซิมโฟนีคลาสสิกปรากฏขึ้น (ซิมโฟนีที่หกของไชคอฟสกี, ซิมโฟนีที่สามและเก้าของมาห์เลอร์) หลังจากซิมโฟนีหมายเลข 9 ของเบโธเฟน ผู้แต่งเริ่มนำท่อนเสียงร้องมาใส่ในซิมโฟนีบ่อยขึ้น

ซิมโฟนีที่สองของ Alexander Porfirievich Borodin (1833-1887) เป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของงานของเขา มันเป็นผลงานชิ้นเอกไพเราะของโลกด้วยความสว่างความคิดริเริ่มสไตล์เสาหินและการนำภาพของมหากาพย์พื้นบ้านรัสเซียไปใช้อย่างชาญฉลาด โดยรวมแล้วเขาเขียนซิมโฟนีสามเพลง (เพลงที่สามยังเขียนไม่เสร็จ)

Alexander Konstantinovich Glazunov (1865-1936) เป็นหนึ่งในนักซิมโฟนิสต์ชาวรัสเซียที่ใหญ่ที่สุด สไตล์ของเขาทำลายประเพณีการสร้างสรรค์ของ Glinka และ Borodin, Balakirev และ Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky และ Taneyev อย่างมีเอกลักษณ์ เขาเป็นผู้เชื่อมโยงระหว่างภาพยนตร์คลาสสิกของรัสเซียก่อนเดือนตุลาคมกับโซเวียตรุ่นเยาว์ ศิลปะดนตรี.

3.1. ปิออตร์ อิลิช ไชคอฟสกี (1840)-1893)

ประการแรก ซิมโฟนีในรัสเซียคือไชคอฟสกี ซิมโฟนีชุดแรก "Winter Dreams" เป็นผลงานชิ้นสำคัญชิ้นแรกของเขาหลังจากสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เหตุการณ์นี้ซึ่งดูเป็นธรรมชาติมากในทุกวันนี้ ถือเป็นเหตุการณ์ที่ไม่ธรรมดาอย่างยิ่งในปี 1866 ซิมโฟนีรัสเซียซึ่งเป็นวงออเคสตราแบบหลายการเคลื่อนไหวเป็นจุดเริ่มต้นของการเดินทาง มาถึงตอนนี้มีเพียงซิมโฟนีแรกของ Anton Grigorievich Rubinstein และรุ่นแรกของ First Symphony ของ Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov เท่านั้นที่มีอยู่ซึ่งไม่ได้รับชื่อเสียง ไชคอฟสกีรับรู้โลกอย่างมาก แต่ซิมโฟนีของเขาแตกต่างไปจากนี้ ซิมโฟนีมหากาพย์ Borodin - เป็นโคลงสั้น ๆ ดราม่าขัดแย้งกันอย่างรุนแรงในธรรมชาติ

หกซิมโฟนีของไชคอฟสกีและ โปรแกรมซิมโฟนี“มันเฟรด” คือโลกศิลปะที่แตกต่างกัน สิ่งเหล่านี้คืออาคาร ซึ่งแต่ละแห่งสร้างขึ้นตามโครงการ “ส่วนบุคคล” แม้ว่า "กฎ" ของแนวเพลงซึ่งเกิดขึ้นและพัฒนาบนดินแดนยุโรปตะวันตกนั้นได้รับการสังเกตและตีความด้วยทักษะที่โดดเด่น แต่เนื้อหาและภาษาของซิมโฟนียังเป็นของชาติอย่างแท้จริง นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมเพลงพื้นบ้านจึงฟังดูเป็นธรรมชาติในซิมโฟนีของไชคอฟสกี

3.2. อเล็กซานเดอร์ นิโคเลวิช สเครอาบิน (1872)-1915)

ซิมโฟนีของ Scriabin ถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของการหักเหอย่างสร้างสรรค์ ประเพณีที่แตกต่างกันซิมโฟนีคลาสสิกแห่งศตวรรษที่ 19 ประการแรก นี่คือประเพณีการแสดงซิมโฟนิซึมของไชคอฟสกีและเบโธเฟนบางส่วน นอกจากนี้ ผู้แต่งยังนำคุณลักษณะบางอย่างของซิมโฟนีโรแมนติกแบบเป็นโปรแกรมของ Liszt มาใช้ด้วย คุณสมบัติบางอย่างของสไตล์ออเคสตราของซิมโฟนีของ Scriabin เชื่อมโยงเขาเข้ากับวากเนอร์เป็นส่วนหนึ่ง แต่แหล่งข้อมูลต่างๆ ทั้งหมดนี้ได้รับการประมวลผลอย่างลึกซึ้งโดยเขาอย่างเป็นอิสระ ซิมโฟนีทั้งสามมีความเชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิดด้วยแนวคิดทางอุดมการณ์ร่วมกัน แก่นแท้ของมันสามารถกำหนดได้ว่าเป็นการต่อสู้ของบุคลิกภาพของมนุษย์กับกองกำลังที่ไม่เป็นมิตรที่ยืนขวางทางไปสู่การสถาปนาเสรีภาพ การต่อสู้ครั้งนี้จบลงด้วยชัยชนะของฮีโร่และชัยชนะแห่งแสงสว่างอย่างสม่ำเสมอ

3.3. มิทรี ดมิตรีวิช โชสตาโควิช (1906)-1975)

Shostakovich - นักแต่งเพลงและนักซิมโฟนี หากสำหรับ Prokofiev ด้วยความสนใจเชิงสร้างสรรค์ที่หลากหลายสิ่งที่สำคัญที่สุดคือละครเพลงดังนั้นสำหรับ Shostakovich ในทางกลับกันแนวเพลงหลักคือซิมโฟนี ที่นี่คือที่ที่แนวคิดหลักของงานของเขาพบรูปแบบที่ลึกซึ้งและครอบคลุม โลกแห่งซิมโฟนีของโชสตาโควิชนั้นใหญ่มาก ในนั้นเราเห็นชีวิตทั้งชีวิตของมนุษยชาติในศตวรรษที่ 20 พร้อมด้วยความซับซ้อน ความขัดแย้ง สงคราม และความขัดแย้งทางสังคม

The Seventh (“Leningrad”) Symphony เป็นหนึ่งในผลงานที่สำคัญที่สุดของผู้แต่ง มันเป็นสี่ส่วน ขนาดของมันใหญ่โต: ซิมโฟนีกินเวลานานกว่า 70 นาที ซึ่งการเคลื่อนไหวครั้งแรกใช้เวลาเกือบครึ่งหนึ่ง “ปีศาจอะไรที่สามารถเอาชนะคนที่สามารถสร้างดนตรีแบบนี้ได้” หนังสือพิมพ์อเมริกันฉบับหนึ่งเขียนในปี 1942 Seventh Symphony ของ Shostakovich สามารถเรียกได้ว่าเป็น "Heroic Symphony" แห่งศตวรรษที่ 20 อย่างถูกต้อง

3.4. อัลเฟรด การ์ริวิช ชนิตต์เค (1934)-1998)

Schnittke - โซเวียตและ นักแต่งเพลงชาวรัสเซียนักทฤษฎีดนตรีและอาจารย์ (ผู้เขียนบทความเกี่ยวกับนักแต่งเพลงชาวรัสเซียและโซเวียต) หนึ่งในบุคคลสำคัญทางดนตรีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ศิลปินผู้มีเกียรติของ RSFSR Schnittke เป็นหนึ่งในผู้นำด้านดนตรีแนวหน้า แม้จะได้รับความนิยมอย่างมากในดนตรีของนักแต่งเพลงที่โดดเด่นคนนี้ แต่คะแนนของซิมโฟนีหลายเพลงของเขายังไม่ได้รับการตีพิมพ์และไม่พร้อมใช้งานในรัสเซีย Schnittke ได้หยิบยกปัญหาทางปรัชญาขึ้นมาในงานของเขา ซึ่งปัญหาหลักคือมนุษย์และสิ่งแวดล้อม ซิมโฟนีชุดแรกประกอบด้วยลานตาที่มีสไตล์ แนวเพลง และทิศทางดนตรีที่แตกต่างกัน จุดเริ่มต้นของการสร้าง First Symphony คือความสัมพันธ์ระหว่างสไตล์ดนตรีที่จริงจังและเบา ซิมโฟนีที่สองและสี่ส่วนใหญ่สะท้อนถึงการก่อตัวของการตระหนักรู้ในศาสนาของผู้แต่ง ซิมโฟนีที่สองฟังดูเหมือนพิธีมิสซาโบราณ ซิมโฟนีที่สามเป็นผลมาจากความต้องการภายในของเขาที่จะแสดงทัศนคติต่อ วัฒนธรรมเยอรมัน, รากเหง้าของชาวเยอรมัน ใน Third Symphony ประวัติศาสตร์ดนตรีเยอรมันทั้งหมดผ่านไปต่อหน้าผู้ฟังในรูปแบบของข้อความสั้น ๆ Alfred Schnittke ใฝ่ฝันที่จะสร้างซิมโฟนีทั้งเก้า - และด้วยเหตุนี้จึงได้ถ่ายทอดคำนับแบบหนึ่งให้กับ Beethoven และ Schubert ผู้เขียนหมายเลขเดียวกัน Alfred Schnittke เขียน Ninth Symphony (1995-97) ในขณะที่เขาป่วยหนักอยู่แล้ว เขามีจังหวะสามจังหวะและไม่ขยับเลย ผู้แต่งไม่มีเวลาทำคะแนนให้เสร็จในที่สุด เป็นครั้งแรกที่ Gennady Rozhdestvensky ดำเนินการเสร็จสิ้นและฉบับออเคสตรา ภายใต้การดูแลของการแสดงครั้งแรกจัดขึ้นที่มอสโกเมื่อวันที่ 19 มิถุนายน 2541 เวอร์ชันบรรณาธิการใหม่ของซิมโฟนีดำเนินการโดย Alexander Raskatov และแสดงในเดรสเดนเมื่อวันที่ 16 มิถุนายน พ.ศ. 2550

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 การผสมผสานหลักการของแนวเพลงต่างๆ ในงานเดียว ได้แก่ ซิมโฟนิก การร้องประสานเสียง แชมเบอร์ เครื่องดนตรี และเสียงร้อง ได้รับความนิยมมากที่สุด ตัวอย่างเช่น Fourteenth Symphony ของ Shostakovich ผสมผสานซิมโฟนี เสียงร้องแชมเบอร์ และดนตรีบรรเลงเข้าด้วยกัน การแสดงประสานเสียงของ Gavrilin เป็นการผสมผสานระหว่างการแสดงออราทอริโอ ซิมโฟนี วงจรเสียงร้อง บัลเล่ต์ และการแสดงละคร

3.5. มิคาอิล จูราฟเลฟ

ในศตวรรษที่ 21 มีนักประพันธ์เพลงที่มีพรสวรรค์มากมายที่ร่วมไว้อาลัยให้กับซิมโฟนีนี้ หนึ่งในนั้นคือมิคาอิล Zhuravlev ด้วยละครเพลงและแถลงการณ์ทางการเมืองของเขา ผู้แต่งจึงก้าวเข้าสู่แนวเดียวกันกับบุคคลดังกล่าวอย่างกล้าหาญ ประวัติศาสตร์ดนตรีเช่น แอล. บีโธเฟน, พี. ไชคอฟสกี และ ดี. โชสตาโควิช ซิมโฟนีที่ 10 ของ M. Zhuravlev ในปัจจุบันสามารถเรียกได้อย่างง่ายดายว่า "ซิมโฟนีวีรชนแห่งศตวรรษที่ 21" นอกเหนือจากแง่มุมทางจริยธรรมทั่วไปของซิมโฟนีนี้แล้ว ควรสังเกตด้านความเป็นมืออาชีพอย่างแท้จริงด้วย ผู้เขียนไม่ได้มุ่งมั่นในการสร้างสรรค์นวัตกรรมเพื่อประโยชน์ของนวัตกรรม บางครั้งเขาก็เป็นนักวิชาการที่เน้นย้ำและต่อต้านศิลปินที่เสื่อมทรามและเปรี้ยวจี๊ดอย่างเด็ดเดี่ยว แต่เขาสามารถพูดสิ่งใหม่อย่างแท้จริงได้ ซึ่งเป็นคำพูดของเขาเอง ประเภทไพเราะ- นักแต่งเพลง M. Zhuravlev ใช้หลักการของรูปแบบโซนาต้าอย่างเชี่ยวชาญอย่างน่าอัศจรรย์ แต่ละครั้งแสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้อันไม่มีที่สิ้นสุด อันที่จริงการเคลื่อนไหวครั้งที่ 3 และ 4 ที่รวมกันนั้นเป็นตัวแทนของ "super-sonata" ซึ่งการเคลื่อนไหวครั้งที่ 4 ทั้งหมดถือได้ว่าเป็นการขยายไปยังส่วนที่แยกจากกันของ coda นักวิจัยในอนาคตจะยังคงต้องรับมือกับการตัดสินใจจัดองค์ประกอบที่ไม่ธรรมดานี้

บทสรุป

เดิมทีซิมโฟนีถูกเรียกว่าผลงานที่ไม่เข้ากับกรอบของการแต่งเพลงแบบดั้งเดิม - ในแง่ของจำนวนส่วน, อัตราส่วนจังหวะ, การรวมกันของสไตล์ที่แตกต่างกัน - โพลีโฟนิก (ซึ่งถือว่าโดดเด่นในศตวรรษที่ 17) และโฮโมโฟนิกที่เกิดขึ้นใหม่ (ด้วย เสียงประกอบ) ในศตวรรษที่ 17 ซิมโฟนี (ซึ่งหมายถึง "ความสอดคล้องข้อตกลงการค้นหาเสียงใหม่") เรียกว่าสิ่งผิดปกติทุกชนิด ประพันธ์ดนตรีและในศตวรรษที่ 18 สิ่งที่เรียกว่าซิมโฟนีแบบไดเวอร์ติเมนโตก็แพร่หลาย ซึ่งถูกสร้างขึ้นเพื่อให้เสียงในงานปาร์ตี้และกิจกรรมทางสังคมต่างๆ ซิมโฟนีกลายเป็นการกำหนดประเภทเฉพาะในศตวรรษที่ 18 ในแง่ของการแสดง ซิมโฟนีถือเป็นแนวเพลงที่ซับซ้อนมากอย่างถูกต้อง ต้องมีองค์ประกอบขนาดใหญ่ การมีเครื่องดนตรีหายากมากมาย ทักษะของออร์เคสตราและนักร้อง (หากเป็นซิมโฟนีพร้อมข้อความ) และเสียงที่ยอดเยี่ยม เช่นเดียวกับดนตรีแนวอื่นๆ ซิมโฟนีก็มีกฎของตัวเอง ดังนั้น บรรทัดฐานสำหรับซิมโฟนีคลาสสิกคือวงจรการเคลื่อนไหวสี่จังหวะ โดยมีโซนาตา (รูปแบบที่ซับซ้อนที่สุด) อยู่ที่ขอบ โดยมีการเคลื่อนไหวช้าๆ และการเต้นรำในช่วงกลางขององค์ประกอบ โครงสร้างนี้ไม่ได้ตั้งใจ ซิมโฟนีสะท้อนให้เห็นถึงกระบวนการของความสัมพันธ์ของบุคคลกับโลก: กระตือรือร้น - ในส่วนแรก, สังคม - ในส่วนที่สี่, การไตร่ตรองและการเล่น - ในส่วนกลางของวงจร เมื่อถึงจุดเปลี่ยนในการพัฒนา ดนตรีไพเราะได้เปลี่ยนแปลงกฎเกณฑ์ที่มั่นคง และปรากฏการณ์เหล่านั้นในแวดวงศิลปะที่ตอนแรกทำให้เกิดความตกใจจึงเกิดความคุ้นเคย ตัวอย่างเช่นซิมโฟนีที่มีเสียงร้องและบทกวีไม่ได้เป็นเพียงอุบัติเหตุ แต่เป็นหนึ่งในเทรนด์ในการพัฒนาแนวเพลง

นักแต่งเพลงสมัยใหม่ในปัจจุบันชอบแนวแชมเบอร์ซึ่งต้องใช้นักแสดงจำนวนน้อยกว่ามากกว่ารูปแบบซิมโฟนิก คอนเสิร์ตประเภทนี้ยังใช้แผ่นเสียงที่มีการบันทึกเสียงหรือเอฟเฟกต์อิเล็กทรอนิกส์อะคูสติกบางประเภทอีกด้วย ภาษาดนตรีซึ่งปัจจุบันได้รับการปลูกฝังในดนตรีสมัยใหม่ เป็นแนวทดลองและเชิงสำรวจอย่างมาก เชื่อกันว่าการเขียนเพลงสำหรับวงออเคสตราในปัจจุบันหมายถึงการวางไว้บนโต๊ะ หลายคนเชื่อว่าเวลาของซิมโฟนีในฐานะแนวเพลงที่นักแต่งเพลงรุ่นเยาว์ได้จบลงแล้วอย่างแน่นอน แต่เป็นเช่นนั้นจริงเหรอ? เวลาจะตอบคำถามนี้

บรรณานุกรม:

1. Averyova O.I. วรรณกรรมดนตรีในประเทศแห่งศตวรรษที่ 20: หนังสือเรียน เงินสงเคราะห์โรงเรียนดนตรีเด็ก: วันพฤหัสบดี ปีที่สอนวิชานี้ - อ.: ดนตรี, 2552. - 256 น.
2. โบโรดิน. Second Symphony (“ Bogatyrskaya”) / บทความ - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
3. วีรชนซิมโฟนีแห่งศตวรรษที่ 21 / บทความโดย V. Filatov // ร้อยแก้ว ru - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
4. เลวิก บี.วี. วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ: อุปกรณ์ช่วยสอน- ฉบับที่ 2. - ม.: ดนตรี, 2518. - 301 น.
5. Prokhorova I. วรรณกรรมดนตรีของต่างประเทศ: สำหรับชั้นประถมศึกษาปีที่ 5 โรงเรียนดนตรีเด็ก: ตำราเรียน ม.: ดนตรี, 2000. - 112 น.
6. วรรณกรรมดนตรีรัสเซีย ฉบับที่ 4. เอ็ด. เอ็ม.เค. มิคาอิโลวา, E.L. ทอด. - เลนินกราด: "ดนตรี", 2529 - 264 หน้า
7. ซิมโฟนี // ยานเดกซ์ พจนานุกรม › TSB, 1969-1978 - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://slovari.yandex.ru/~books/TSE/Symphony/
8. ซิมโฟนี // วิกิพีเดีย. สารานุกรมฟรี - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://ru.wikipedia.org/wiki/Symphony http://www.tchaikov.ru/symphony.html
9. ชูเบิร์ต, ซิมโฟนี "ยังไม่เสร็จ" // การบรรยายเกี่ยวกับวรรณกรรมดนตรี musike.ru - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://musike.ru/index.php?id=54