slávnych amerických umelcov. Školská encyklopédia

Každá krajina má svojich hrdinov súčasného umenia, ktorých mená sú známe, na ktorých výstavách sa stretávajú davy fanúšikov a zvedavcov a ktorých diela sú distribuované do súkromných zbierok.

V tomto článku vám predstavíme najpopulárnejších súčasných umelcov v Spojených štátoch.

Iva Morrisová

Americká umelkyňa Iva Morris sa narodila do veľkej rodiny ďaleko od umenia a umelecké vzdelanie získala po škole. V roku 1981 získala bakalársky titul v odbore umenia na Univerzite v Novom Mexiku. Dnes sa Iva venuje umeniu už viac ako 20 rokov, jej diela sú známe doma aj v zahraničí a opakovane jej prinášajú ceny a ocenenia. Možno ich nájsť v galériách Albuquerque, Sante Fe, Nové Mexiko, Madrid.

Warren Chang

Umelec Urren Cheng sa narodil v roku 1957 v Kalifornii, získal titul Bachelor of Fine Arts v odbore maľba na Pasadena College of Design a nasledujúcich 20 rokov pracoval ako ilustrátor pre rôzne spoločnosti, pričom svoju kariéru profesionálneho umelca začal až v roku 2009. Chengov štýl maľby je zakorenený v diele umelca zo 16. storočia Jana Vermeera – Warren Cheng pracuje realistickým spôsobom a vytvára dve hlavné kategórie: biografické interiéry a obrazy zobrazujúce pracujúcich ľudí. V súčasnosti vyučuje na Akadémii výtvarných umení v San Franciscu.

Christopher Traedy Ulrich

Umelec Christopher Ulrich z Los Angeles je surrealista s ikonografickým sklonom. Jeho tvorba bola výrazne ovplyvnená antickou mytológiou. Ulrichova prvá samostatná výstava (spoločne s umelcom Billym Shireom) sa konala v júni 2009.

Michael DeVoreMichael DeVore

Mladý umelec, rodák z Oklahoma City Michael Devore, pracuje v klasickej realistickej tradícii. Do umenia vstúpil s pomocou a podporou svojej rodiny a predtým, ako začal študovať výtvarné umenie na Pepperdine University v Malibu, vo svojom domovskom štáte získal množstvo ocenení. Potom umelec pokračoval v štúdiu v Taliansku. V súčasnosti sú jeho diela vystavované po celom svete a nachádzajú sa v súkromných zbierkach. Michael Devore je členom Oil Painters of America, International Guild of Realism, National Society of Oil and Acrylic Painters a Portrait Painters of America.

Mary Carol Kenney

Mary Carol Kenny sa narodila v Indiane v roku 1953. Vzdelaním je veľmi vzdialene príbuzná výtvarnému umeniu, ale od roku 2002, poháňaná túžbou stať sa umelkyňou, začala navštevovať kurzy sochárstva a keramiky na Santa Barbara City College a potom začala študovať u Rickyho Stricha. V súčasnosti je členkou The Santa Barbara Art Ass, Santa Barbara Sculptor's Guild a je držiteľkou mnohých ocenení v oblasti sochárstva a maľby.

Patricia Watwoodová

Realistická umelkyňa Patricia Watwood sa narodila v roku 1971 v Missouri. Vyštudovala s vyznamenaním Akadémiu výtvarných umení, študovala u Jacoba Collinsa a Teda Setha Jacobsa. Umelcov štýl je moderný klasicizmus: v obrazoch sa prelína mytológia, alegórie a moderný život. V posledných rokoch Patricia prednáša o klasicizme po celej krajine a teraz žije so svojou rodinou v Brooklyne.

Paula Rubino

Paula Rubino je súčasná americká umelkyňa a spisovateľka narodená v roku 1968 v New Jersey a vyrástla na Floride. Má doktorát z práva. V 90. rokoch sa presťahovala do Mexika a zamerala sa na maľovanie. Študovala umenie kresby v Taliansku, kde dokončila svoj prvý román. Vyšla aj séria jej poviedok. V súčasnosti žije na Floride.

Patssy Valdez

Patssy Valdez sa narodila v Los Angeles v roku 1951 a študovala výtvarné umenie na Otis Art Institute, kde v roku 1980 získala titul Distinguished Alumnus. V roku 2005 získal Valdes ocenenie a titul „Latina of Excellence in the Cultural Arts“ od amerického Kongresu Latinskoamerického fóra. Do povedomia sa dostala na začiatku svojej kariéry počas spolupráce s avantgardnou umeleckou skupinou ASCO. Je držiteľom mnohých prestížnych ocenení, vrátane tých, ktoré udeľuje J. Paul Getty Visual Arts Trust Fund a National Endowment for the Arts. Získal Brody Fellowship in Visual Arts. Valdesove obrazy sú súčasťou niekoľkých veľkých zbierok.

Cynthia Grilli

Umelkyňa Cynthia Grilli získala titul bakalára výtvarných umení na Rhode Island School of Design v roku 1992 a v roku 1994 magisterský titul v maľbe na New York Academy of Art. Jej práce boli publikované v mnohých publikáciách v USA, vystavované po celej krajine a sú zahrnuté v súkromných a podnikových zbierkach v Amerike a Európe. Cynthia je dvojnásobnou držiteľkou nadácie Elizabeth Greenshields Foundation.

Eric Fischl

Eric Fischl sa narodil v New Yorku v roku 1948. V roku 1972 ukončil bakalársky titul na California Institute of the Arts. Po ukončení štúdia nejaký čas pracoval ako ochrankár v Chicagskom múzeu moderného umenia. Po presťahovaní do Škótska začal Fischl vyučovať na Vysokej škole umenia a dizajnu v Novom Škótsku a začal priamo maľovať. V Škótsku sa konala jeho prvá samostatná výstava. Žánre jeho tvorby sú veľmi rôznorodé, ale hlavne figuratívna maľba, epizódy zo súčasného amerického života.

Originál prevzatý z vanatik05 v AMERICKÁ MAĽBA - 5 (realistické tradície v 20. storočí)

V roku 1913 Asociácia amerických maliarov a sochárov zorganizovala prvú veľkú medzinárodnú výstavu moderného umenia, Armory Show, v zbrojnici Národnej gardy na Lexington Avenue. Stala sa dôležitou udalosťou v dejinách amerického umenia, vyvolala rôzne emócie: prekvapenie, obdiv, rozhorčenie, uctievanie a úplné odmietnutie americkej verejnosti, zvyknutej na realizmus, do istej miery na impresionizmus, ale nie na avantgardné európske umenie. ktoré videla na tejto výstave. 1300 obrazov, sôch a dekoratívnych diel od viac ako 300 súčasných európskych a amerických umelcov navštívilo nielen New York, ale aj Chicago a Washington.

V recenziách výstavy pršali obvinenia z nemorálnosti, neprofesionality, šialenstva, šarlatánstva, mnohé diela boli nazývané karikatúrami a paródiami na maľbu a Theodore Roosevelt povedal: „Toto vôbec nie je umenie!

Civilné orgány však nezasiahli a nepokúsili sa výstavu uzavrieť a škandály okolo nej len prispeli k úspešnému predaju mnohých diel, ktoré dnes možno vidieť v amerických múzeách a MoMA (The Museum of Modern Art) možno vo všeobecnosti považovať za dediča a pokračovateľa týchto prvých výstav súčasného umenia.

Nepriamo ovplyvnil umelcov realistického smeru a realistické tradície v Amerike nikdy nezomreli, prispeli nielen k zmenám v technike kresby, v námete zápletiek, ale dokonca viedli k vzniku takých nových trendov v maľbe, ako je „magický realizmus“ *

A jeho odnož - "precisionizmus" **, charakteristický pre amerických umelcov,

A v Amerike narodené umelecké hnutie "regionalizmus" *** (alebo regionalizmus).

Tu budeme hovoriť o umelcoch, predstaviteľoch rôznych oblastí realistického umenia v Amerike 20. storočia.

Charles Burchfield(1893-1967), jeden z najvýznamnejších akvarelistov v Amerike, ktorý maľoval svoje obrazy na stojane technikou „suchého štetca“, si skoro (v roku 1915) vyvinul vlastný neorealistický štýl, ktorý kombinuje modernistické tendencie, tradičnú čínsku maľbu a prvky. fauvizmu.

Počas svojho tvorivého života menil smery a techniky, maľoval krajiny a obrazy s historickými námetmi, výjavy pozorované z okna svojho domu a „halucinačné“ kvety v duchu magického realizmu, pohľady na prírodu a jej božskú silu.

Na jeho počesť v roku 1966 vzniklo Buffalo Nature and Arts Center s názvom Birchfield Penny Art Center, ktoré zahŕňa aj najväčšiu svetovú zbierku umelcových diel.

Reginald Marsh(1898-1954), narodený v Paríži, v bohatej rodine umelcov, bol žiakom D. Sloana, známeho predovšetkým ako maliara a ilustrátora mestských scén, pouličného života, newyorských pláží.

Jeho obrazy sa vyznačujú dokumentárnou dôkladnosťou, presiaknutou ironickou láskou k postavám, maľoval veľa pre burlesku a vaudeville, považoval ich za „divadlo obyčajného človeka, vyjadrujúce humor a fantázie chudobných, starých a škaredých“.

Pracoval s olejom a tušom, akvarelom, vaječnou temperou a svoj tvorivý život začal litografiou. Jeho štýl možno opísať ako „sociálny realizmus“, obzvlášť výrazný v rokoch Veľkej hospodárskej krízy, a oddanosť starým majstrom, ktorých prácu uctieval, viedla k vytvoreniu diel obsahujúcich náboženské metafory.

Krátko pred smrťou na infarkt dostal Marsh zlatú medailu za grafické umenie od Americkej akadémie umení.

Fairfield Porter(1907-1975) sa narodil v rodine architekta a poetky, študoval na Harvarde a v Lige amerických študentov, celý život sa držal realistického smeru, maľoval najmä krajinky a portréty rodiny a priateľov, snažil sa priblížiť nezvyčajné v bežnom živote, aby bol krajší.

V jeho tvorbe je cítiť vplyv jeho otca, architekta, diela Velasqueza a neskôr umelcov Bonnarda a Vuillarda, veril, že „impresionizmus je schopný maľbou obnoviť prítomnosť reality“.

Možno nedostatok dobrých učiteľov olejomaľby, opatrný postoj k zmyselnosti a naturalizmu, ktorý je vlastný mnohým Američanom tých rokov, pomáha vysvetliť trochu primitívnu povahu Porterovej práce, nemotornosť, strnulosť jeho postáv, ich statickú povahu.

A až v neskorších dielach začína prekračovať hranicu impresionizmu a fauvizmu, jeho kresba sa stáva voľnejšou, farby sú jasnejšie, v dielach je viac svetla.

Edward Hopper(1882-1967) sa narodil v Nyacku, v centre jachtárskej budovy na rieke Hudson, v bohatej rodine holandského pôvodu. Hopper prejavil svoj umelecký talent už vo veku 5 rokov, rodičia mu vštepovali lásku k francúzskemu a ruskému umeniu, podporovali jeho vášeň pre maľovanie a rôzne záujmy.

Hopper pracoval s perom a atramentom, dreveným uhlím, akvarelom, olejom a litografiou, maľoval portréty a morské krajiny, politické karikatúry a kresby zo života. V diele Hoppera možno hádať vplyv Roberta Henryho, jedného z jeho učiteľov, a Maneta s Degasom,

William Chase a Rembrandt, najmä jeho „Nočná hliadka“, a žijúci v Paríži, kreslenie scén na uliciach, v kaviarňach a divadlách, zostal v tradíciách realistického umenia, hoci niektorí výskumníci pripisujú jeho prácu precíznosti kvôli jasnému geometrickému tvary, mechanickosť, sterilita a prázdnota priestoru.

Povedal, že jeho „obľúbená vec v maľbe je slnečné svetlo na stene domu“. Počas Veľkej hospodárskej krízy mal Hopper viac šťastia ako mnohí iní umelci – naďalej každoročne vystavoval a počas svojho neskoršieho života sa dobre predával.

Jeho tvorba mala veľký vplyv nielen na výtvarné umenie, ale aj na kinematografiu so svojimi filmovými kompozíciami a dramatickým využitím svetla a tmy.

Pavol Cadmus(1904-1999), predstaviteľ hnutia „magický realizmus“, vo svojej tvorbe spájal prvky erotiky a sociálnej kritiky,

sa preslávil vyslovene homosexuálnymi motívmi vo svojich maľbách a zobrazeniach nahých mužských postáv.

Narodil sa v chudobnej rodine umelca, jeho otec povzbudzoval chlapca ku kresleniu, v 14 rokoch sa zapísal do kurzov na Národnej akadémii dizajnu a potom na Akadémii. Veľa cestoval so svojimi priateľmi, maľoval veľké plátna, ktoré odrážali jeho dojmy z Európy, maľoval mnohofigurálne obrazy zo života rybárov, námorníkov, výjavy mestského života,

A po stretnutí s impresáriom a baletkou Kirsten dostal Cadmus veľa diel na baletné témy, väčšinou zobrazujúcich tanečníkov.

Paul Cadmus žil dlhý život a zomrel vo veku 95 rokov v náručí svojho priateľa a stáleho modela, ktorý bol po jeho boku posledných 35 rokov jeho života. Cadmus rád opakoval slová Ingresa: „Ľudia hovoria, že moje obrazy nie sú vhodné na túto dobu. Možno sa mýlia a ja som jediný, kto drží krok s dobou.

Ivan (Ivan) Albright(1897-1983), jeden z najznámejších predstaviteľov magického realizmu, sa narodil s bratom-dvojčaťom v umelcovej rodine.

Bratia boli takmer celý život nerozluční, obaja študovali na Art Institute of Chicago, brat Malvin sa stal sochárom a Ivan sa stal umelcom, no začínal ako architekt a počas prvej svetovej vojny kreslil lekárske kresby pre nemocnicu. v Nantes. Na svoju prácu bol vždy veľmi náročný, starostlivo vypisoval všetky detaily a mnohé zo svojich diel venoval takým zložitým témam, akými sú život a smrť, materiálnosť a duch, vplyv času na vzhľad a vnútorný svet človeka.

Takáto práca si vyžadovala veľa času a preto bol predaj vzácny, veľa obrazov zostalo v jeho vlastníctve. Albright si vyrábal vlastné farby a uhlíky, bol posadnutý osvetlením do tej miery, že nosil čierne oblečenie a maľoval svoj ateliér na čierno, aby zabránil oslneniu.

Maľoval realisticky, ale prehnane detailne, rád pozoroval plynutie času a len za posledné 3 roky svojho života namaľoval viac ako 20 autoportrétov, aby odrážal zmeny, ktoré sa odohrávajú v človeku.

George Clare Tooker Jr. (1920-2011), ktorého diela reprezentujú trendy socialistického realizmu a magického realizmu, sa narodil v rodine s anglo-francúzsko-španielsko-kubánskymi a americkými koreňmi, na naliehanie rodičov vyštudoval anglickú literatúru na Harvarde, ale väčšinu času venoval maľbe.

Po službe v námornej pechote, odkiaľ bol pre zlý zdravotný stav prepustený, navštevoval kurzy Ligy študentov umenia, veľa pracoval v technike vaječnej tempery a obdivoval umenie talianskej renesancie.

Tookerove obrazy zobrazujú výjavy každodenného amerického života, ľudské postavy v nich sú často rasovo a sexuálne neurčité, vyjadrujúce osamelosť, izoláciu a anonymitu.

Venoval veľkú pozornosť dodržiavaniu geometrických proporcií a symetrie, preto maľoval veľmi pomaly - nie viac ako dva obrazy ročne. Od svojej prvej veľkej výstavy v roku 1951 Tooker neustále úspešne vystavuje a má svoje diela vo veľkých múzeách v Amerike.

Peter Blume(Peter Blum) - (1906-1992), maliar a sochár, v ktorého tvorbe sú prvky precisionizmu, purizmu, kubizmu, surrealizmu a ľudového umenia. Narodil sa v Rusku v židovskej rodine, ktorá v roku 1912 emigrovala do Ameriky a usadila sa v Brooklyne.

Po štúdiu umenia na rôznych vzdelávacích inštitúciách si otvoril vlastné štúdio pod patronátom rodiny Rockefellerovcov. Rovnako ako mnohí jeho realistickí súčasníci bol fanúšikom renesancie, cestoval po Taliansku, jeho prvý obraz, ktorý získal uznanie v roku 1934 - "Večné mesto", uhádne obraz Mussoliniho, ako čerta zo škatuľky, odchod z Kolosea.

Jeho diela, často zobrazujúce deštrukciu, však možno interpretovať ako symboly prestavby a obnovy po druhej svetovej vojne, ako sú kamene, nové trámy, postavy pracujúceho ľudu.

Blumeov umelecký štýl bol zaujímavým hybridom amerického a európskeho umeleckého štýlu, nazýva sa „umelcom rozprávok“.

Andrew Newell Wyeth(1917-2009), predstaviteľ prevažne regionalistického štýlu v realizme, sa narodil v rodine ilustrátora, ktorý dbal na rozvoj talentu u svojich piatich detí, zvykol ich na dobrú literatúru, hudbu, prírodu. . Otec sám učil svoje deti doma a všetky boli talentované: umelci, hudobníci, skladatelia, vynálezcovia.

Ich dom bol kreatívnym prostredím, ktoré často navštevovali celebrity ako Scott Fitzgerald a Mary Pickford. Sám Wyeth sa napodiv považoval za abstrakcionistu, prikladal veľký význam pochopeniu hlbokého významu jednoduchých predmetov, obľúbenými témami jeho obrazov bola zem a ľudia okolo neho.

Jeho najznámejší obraz, Christinin svet, zobrazuje dievča zo susednej farmy postihnuté detskou obrnou, ktoré sa samo plazí k domu v diaľke.

247 obrazov a kresieb bolo venovaných jednej žene, Helge Testorffovej, a študoval ju v rôznych prostrediach a emocionálnych stavoch, čo je v americkom umení jedinečný zážitok.

Aj keď má Wyeth veľa technicky vynikajúcich diel a mal veľkú sledovanosť, jeho umenie je považované za kontroverzné, pričom historik umenia Rosenblum ho opísal ako „najviac preceňovaného a podceňovaného“ umelca.

Grant Wood(1891-1942), jeden z najznámejších predstaviteľov regionalizmu, sa narodil v Iowe, predčasne stratil otca, pracoval v železiarstve, študoval na umeleckej škole a potom na Chicagskom umeleckom inštitúte.

Mladý Grant 4-krát cestoval do Európy, aby študoval maliarske štýly, pričom osobitnú pozornosť venoval impresionizmu a postimpresionizmu, no obdivoval dielo Van Eycka a sníval o tom, že vo svojej tvorbe spojí moderné metódy a jasnosť, jasnosť a hĺbku stredovekého umenia.

Niet divu, že jeho najznámejší obraz sa volá „americká gotika“, odráža tradičný pohľad 19. storočia na roly mužov a žien v Amerike, obraz bol prijatý nejednoznačne, niektorí ho považovali za karikatúru a noviny ho parodovali v rôznych spôsoby.

Neskôr, keď vyučoval maľbu na University of Iowa, sa Wood stal kľúčovou postavou kultúrnej spoločnosti univerzity, ale kvôli klebám o jeho homosexuálnom pomere s jeho osobným tajomníkom bol Wood prepustený a čoskoro zomrel na rakovinu pankreasu.

Thomas Hart (Hart) Benton(1889-1975) sa narodil v rodine politikov, jeho otec, plukovník, právnik a filantrop, bol štyrikrát zvolený do Kongresu. Otec chcel, aby jeho syn nasledoval jeho kroky, ale chlapec sa zaujímal o umenie, jeho matka podporovala jeho voľbu a vstúpil do Inštitútu umenia v Chicagu a potom odišiel do Paríža, aby pokračoval v štúdiu na Julian Academy.

Po návrate do Ameriky pokračoval v maľovaní a slúžil počas prvej svetovej vojny v americkom námorníctve, kde pracoval na vytváraní maskovacích obrazov lodí a lodeníc, čo si vyžadovalo realistický dokumentárny obraz a neskôr ovplyvnilo jeho štýl. Začiatkom 20. rokov sa Benton vyhlásil za „nepriateľa modernizmu“, stal sa jedným z popredných predstaviteľov regionalizmu a pridŕžal sa „ľavicových“ názorov.

Zaujal ho El Greco, vplyv jeho tvorby vidno v práci na obrovských freskách, odrážajúcich rôzne etapy a udalosti v živote krajiny.

Benton učil na Art Students League v New Yorku, mnohí z jeho študentov sa stali známymi umelcami (Hopper, Pollack, Marsh), ale boli prepustení za odsudzovanie nadmerného vplyvu homosexuálov v umeleckom svete. Po druhej svetovej vojne stratil regionalizmus ako smer svoj význam, Benton pokračoval v maľovaní fresiek,

aktívne pracoval asi 30 rokov, ale nemal svoju bývalú popularitu.

John Stewart Curry(1897-1946) sa narodil na farme v Kansase, staral sa o zvieratá, mal rád atletiku, od detstva bol obklopený reprodukciami obrazov Rubensa a Dorého, čo zohralo rolu pri jeho následnej voľbe umeleckého štýlu.

John študoval na Art Institute of Chicago, pracoval ako ilustrátor časopisov, strávil rok v Paríži štúdiom diel Courbeta, Daumiera, Tiziana a Rubensa. Po návrate do USA chvíľu pracoval vo svojej dielni, cestoval s cirkusom, bol vymenovaný za prvého umelca na University of Wisconsin-Madison, cestoval po celej krajine, aby podporoval rozvoj umenia vo farmárskych komunitách.

Maľoval pre ministerstvo spravodlivosti vo Washingtone a pre Kapitol v Kansase. Carrey bol jedným z troch (Benton a Wood) pilierov amerického regionalizmu, ktorý bol obzvlášť dôležitý počas Veľkej hospodárskej krízy.

Zobrazoval scény práce, rodiny a pôdy a zvládania katastrof, aby svetu demonštroval vytrvalosť, tvrdú prácu a vieru ľudí, čo Carrey považoval za podstatu amerického života.

Ak mám byť úprimný, realistickými umelcami vo všeobecnosti sa veľmi neinšpirujem, mám určitý záujem o tvorbu len jednotlivých predstaviteľov magického realizmu (Cadmus, Bloome, Hopper), ale vo všeobecnosti mi toto obdobie v americkom umení nie je blízke. , čo môžem urobiť.
Ďalšia a posledná časť bude venovaná súčasnému americkému umeniu. Koniec byť...
Ako vždy, prezentácia s mnohými ďalšími obrázkami a dobrou hudbou:

* Magický realizmus- Ako umelecké hnutie sa na americkej pôde rozvinul magický realizmus, ktorý sa stal ekvivalentom európskeho surrealizmu. Diela majstrov magického realizmu v mnohých ohľadoch reagovali na vkus a potreby amerického publika šokujúce, šokujúce svojou úprimnosťou, no v kombinácii s anekdotou situácií a karikatúrou postáv sa realita podobala skôr nepokojný sen alebo halucinačné delírium.
**Precisionizmus, alebo presigizmus (anglická precíznosť – presnosť, jasnosť) – smer charakteristický pre americkú maľbu 30. rokov, akýsi magický realizmus. Hlavným námetom pre precisionistov je obraz mesta, hlavnou témou je mechanistická estetika, priestor obrazov je sterilný, zdá sa, že je z nich odčerpaný vzduch, nie je v ňom človek.
***regionalizmus alebo regionalizmus (z angl. regional - local) - umelecký smer v umení Spojených štátov amerických rokov 1920-1940, ktorý vychádzal z túžby vytvoriť skutočne americké umenie na rozdiel od avantgardných hnutí prichádzajúcich z Európy. Regionalistickí umelci, inšpirovaní myšlienkami národnej identity, sa zamerali na zobrazenie „autentickej“ Ameriky. Témou ich diel sú americké krajiny, výjavy zo života farmárov, život malých miest, epizódy z histórie, miestne legendy a folklórne príbehy.

"Knihy mi dávajú veľký pocit osobného a kreatívneho uspokojenia. Keď pracujem na knihe, prajem si, aby mi nikdy nezazvonil telefón. Moje uspokojenie pochádza zo skutočných známok na papieri."

Americký ilustrátor detských kníh Pinkney Jerry sa narodil 22. decembra 1939 v Germantown. Na strednej škole si jeho lásku a talent na kreslenie všimol karikaturista John Liney, ktorý ho povzbudil v kariére umelca. Po absolvovaní Dobbinsovej odbornej školy dostal Pinkney plné štipendium na štúdium na Philadelphia Museum College of Art. Neskôr sa presťahoval do Bostonu, kde sa venoval dizajnu a ilustrácii, nakoniec si otvoril vlastné štúdio Jerry Pinkney Studio a neskôr sa presťahoval do New Yorku. Pinkney Jerry stále žije a pracuje v New Yorku, počas rokov svojej tvorivej kariéry vyučoval semináre na Univerzite, umeleckých školách po celej krajine.

"Chcel som ukázať, čo dokáže afroamerický umelec v tejto krajine na národnej úrovni vo výtvarnom umení. Chcem byť silným vzorom pre svoju rodinu a pre ostatných Afroameričanov."

V roku 1776 Amerika vyhlásila svoju nezávislosť a odvtedy sa vlastne začína rozvoj národného výtvarného umenia, ktoré malo odrážať históriu krajiny.

Umelci 18. storočia väčšina z nich bola samouk a vychádzala zo štýlu britského umenia.
A v XIX storočí. Prvá maliarska škola, Hudson River School, už bola založená.

Hudson River School

Hudson River School bol názov skupiny amerických krajinárov. Ich tvorba sa vyvíjala v štýle romantizmu. Obrazy zobrazovali údolie rieky Hudson a jeho okolie. Umelci najčastejšie zobrazovali americkú divočinu a spochybňovali realizovateľnosť technologického pokroku.

Thomas Cole "Oxbow" (1836). Metropolitné múzeum umenia (New York)
Hudson River School nebola vo vtedajšej maľbe homogénnym fenoménom: existovala napríklad odnož v štýle impresionizmu, ktorá bola tzv. luminizmus. Luminizmus venoval veľkú pozornosť umelcovmu vnímaniu svetla. Luminizmus sa od impresionizmu líši tým, že sa viac dbá na detaily, robí sa skrytý ťah štetcom. Ale vo všeobecnosti sú tieto dva štýly podobné.

Fitz Henry Lane "Loď v hmle" (1860)
Zakladateľom školy bol umelec Thomas Cole. K rieke Hudson odišiel na jeseň roku 1825. Potom sa k nemu pridal jeho blízky priateľ Asher Brown Duran. Ďalší umelci školy:

Albert Bierstadt
John William Casillier
Kostol Fredericka Edwina
Thomas Cole
Samuel Colman
Jasper Francis Cropsey
Thomas Doughty
Robert Scott Duncanson
Sanford Robinson Gifford
James McDougal Hart
William Hart
William Stanley Haseltine
Martin Johnson Headey Dr.

Obraz umelcov Hudsonovej školy sa vyznačoval jednoduchosťou a spontánnosťou.

Thomas Cole (1801-1848)

Thomas Cole sa narodil v Anglicku. V roku 1818 jeho rodina emigrovala do Spojených štátov. Cole dostal základy profesie od potulného maliara portrétov Steina. Ale portrétovanie sa mu nevydarilo a začal maľovať krajinky. Uspel aj v alegorických maľbách, napríklad v sérii Journey of Life, pozostávajúcej z obrazov o štyroch obdobiach života človeka: detstvo, mladosť, zrelosť a staroba. Tento cyklus je uložený v Národnej galérii umenia (Washington, USA)

T. Cole "Detstvo"
Na prvom obrázku umelec zobrazil dieťa v člne, ktorý pláva na rieke života. Túto loď poháňa anjel. Dieťa ešte nie je schopné samostatnosti. Jeho obzory, ako na obrázku, sú obmedzené. Postava na prove lode drží presýpacie hodiny, ktoré symbolizujú čas.

T. Cole "Mládež"
Tá istá loď, ale už je v nej mladý muž. Loďku už ovláda sám, no anjel ho stále neopúšťa – sleduje ho z brehu.

Anjel muža ďalej sleduje, no on je ponorený do svojich problémov, ktoré ho premáhajú – to zdôrazňuje pochmúrna farba obrazu, stromy vyrúbané víchricou...

T. Cole "Staroba"
A teraz sa životná cesta človeka končí. Na lodi už nie je postava presýpacích hodín - čas pozemského života sa skončil. A loď je celá ošarpaná...
Anjel strážny k nemu zostúpil, aby nasmeroval jeho ďalšiu cestu do iného sveta, a v diaľke sú viditeľní ďalší anjeli. Cole o tomto obrázku povedal: "Puta telesnej existencie odpadávajú a myseľ je už schopná vidieť záblesky večného života."

Winslow Homer (1836-1910)

Fotografia z roku 1880
Americký maliar a grafik, zakladateľ realistickej maľby. Je známy najmä svojimi morskými krajinami. Maľoval olejom a akvarelom. Jeho tvorba ovplyvnila celý nasledujúci vývoj americkej maľby.
Homer bol ovplyvnený rôznymi umeleckými smermi, no vychádzal predovšetkým z čisto amerických námetov.
Jeho maľba raného obdobia je svetlá a pokojná, zatiaľ čo neskoršie obdobie sa vyznačuje tmavými tónmi a tragickými témami.

W. Homer „Hmlový signál“. Boston Museum of Fine Arts (USA)
Témou obrazu je boj človeka s morom, pomer krehkého ľudského života a večnej prírody.

Thomas Cowperthwaite Eakins (Aikins) (1844-1916)

Americký umelec, fotograf, pedagóg, najväčší predstaviteľ americkej realistickej maľby.

T. Eakins. Autoportrét (1902)
Vyštudoval Pensylvánsku akadémiu výtvarných umení, ďalej sa zdokonaľoval v Európe, hlavne v Paríži pod vedením Jeana Leona Geroma. Učil na Vysokej škole výtvarných umení, bol jej riaditeľom.
Veľkú pozornosť venoval štúdiu a zobrazovaniu aktu, prejavujúceho voľnomyšlienkárstvo, za čo ho vyhodili. V Eakinsovej maľbe a fotografiách zaujíma ústredné miesto nahé a polonahé telo. Vlastní veľa obrázkov športovcov. Pre Eakinsa bol obzvlášť zaujímavý prenos pohybov ľudského tela.

T. Eakins "Plávanie" (1895)
Maľoval portréty v mnohofigurálnom prostredí.
Najznámejším dielom je Grossova klinika.

T. Eakins "Gross Clinic" (1875)
Obraz zobrazuje slávneho filadelfského chirurga Samuela Grossa, ktorý riadi operáciu pred študentmi lekárskej akadémie. Umelec zobrazuje Dr. Grossa ako génia ľudského myslenia, no jeho súčasníkov obraz šokoval svojou realizmom.
T. Eakins je známy aj množstvom významných portrétov, vrátane portrétu amerického básnika a publicistu Walta Whitmana (1887-1888), ktorý sám básnik považoval za najlepší.

T. Eakins. Portrét Whitmana (1887)

James Abbot McNeil Whistler (1834-1903)

Anglo-americký maliar, portrétista, lept a litograf. Predchodca impresionizmu a symbolizmu.

D. Whistler. Autoportrét. Inštitút umenia (Detroit)
Narodil sa v Lowell, Massachusetts. Jeho otec George Washington Whistler, známy železničný inžinier, bol v roku 1842 pozvaný stavať cesty v Rusku, navrhol Nikolajevskú železnicu. V Rusku navštevoval James Akadémiu umení. V Spojených štátoch študoval na vojenskej škole, no pre slabé výsledky ho vyhodili.

D. Whistler „Aranžmán v šedej a čiernej farbe. Umelcova matka (1871). Musee d'Orsay (Paríž)
Toto je najznámejšie dielo Jamesa Whistlera.
Študoval maľbu v Paríži, potom v Benátkach (zaoberal sa akvarelovými skicami a leptami).
V prvom období Whistlerovej tvorby bola túžba zachytiť prvý dojem z objektu – krajiny alebo človeka – blízka impresionizmu. Ale v mnohých otázkach sa nezhodol s impresionistami: neschvaľoval plenérový kult, farebnú tonalitu premýšľal vopred. V neskorších dielach Whistler používa extrémne zriedené priehľadné farby podobné akvarelu, ktoré sprostredkúvajú pocit nestabilnej pohyblivosti atmosférického prostredia.

D. Whistler "Symfónia v šedom a zelenom oceáne" (1866-1872)

domáci žáner

Veľký rozvoj americkej maľby XIX storočia. dostal žáner domácnosti. Spočiatku bol tento žáner založený na zobrazovaní provinčného života kartami, tancami atď.

Eastman Johnson, Šťastie opusteného dostavníka (1871)
Ale po začatí priemyselnej revolúcie a urbanizácie v Spojených štátoch začali umelci zobrazovať život obyvateľov veľkých miest.

John Gast "Americký pokrok" (okolo 1872)
Obraz zobrazuje alegorickú Kolumbiu s učebnicou v rukách. Vedie civilizáciu na západ spolu s americkými osadníkmi a naťahuje telegrafné vedenie pozdĺž cesty. Na obrázku sú rôzne druhy hospodárskych aktivít prvých osadníkov, história dopravy. Indiáni a divoké zvieratá sú zobrazené ako utekajúce pred osadníkmi.

"Škola smetného koša"

Na prelome XIX a XX storočia. Spojené štáty americké zaznamenali rýchly rast vo veľkých mestách. Vtedajšie fotoaparáty sa ešte nedali použiť na rýchle zachytenie incidentov, a tak si spravodajské noviny na ilustráciu najímali umelcov. Tak vznikla „Trash Can School“, do ktorej patrili Robert Henry, Glenn Colman, Jerome Myers a George Bellows. Hlavnými objektmi ateliérových skečov boli ulice s ich typickými predstaviteľmi: bezdomovci, prostitútky, pouliční umelci a imigranti. Pôvod, vzdelanie a politické názory týchto umelcov boli rôzne. Ale Robert Henry veril, že život a aktivity chudobných, proletariátu a strednej triedy sú hodné stelesnenia v maľbe - to je realita doby.

Pomoc sestry George Bellows Edith Cavell (1918)
Škola „Trash Can School“ spôsobila revolúciu vo výtvarnom umení Spojených štátov, bola predchodcom

) vo svojich expresívnych zametacích prácach dokázala zachovať priehľadnosť hmly, ľahkosť plachty, hladké hojdanie lode na vlnách.

Jej obrazy udivujú svojou hĺbkou, objemom, sýtosťou a textúrou je taká, že z nich nemožno spustiť oči.

Teplá jednoduchosť Valentina Gubareva

Primitívny umelec z Minska Valentin Gubarev nehnať sa za slávou a robiť len to, čo miluje. Jeho tvorba je v zahraničí šialene populárna, no jeho krajania takmer nepoznajú. V polovici 90. rokov sa Francúzi zamilovali do jeho každodenných náčrtov a podpísali s umelcom zmluvu na 16 rokov. Obrazy, ktoré, ako sa zdá, by mali byť zrozumiteľné len nám, nositeľom „skromného kúzla nerozvinutého socializmu“, sa páčili európskej verejnosti a začali sa výstavy vo Švajčiarsku, Nemecku, Veľkej Británii a ďalších krajinách.

Zmyselný realizmus od Sergeja Marshennikova

Sergej Marshennikov má 41 rokov. Žije v Petrohrade a tvorí v najlepších tradíciách klasickej ruskej školy realistického portrétu. Hrdinky jeho obrazov sú vo svojich polonahých ženách nežné a bezbranné. Mnohé z najznámejších obrazov zobrazujú umelcovu múzu a manželku Natáliu.

Myopický svet Philipa Barlowa

V modernej dobe obrazov s vysokým rozlíšením a vzostupu hyperrealizmu dielo Philipa Barlowa okamžite upúta pozornosť. Od diváka sa však vyžaduje určité úsilie, aby sa prinútil pozrieť sa na rozmazané siluety a svetlé miesta na plátnach autora. Pravdepodobne takto ľudia trpiaci krátkozrakosťou vidia svet bez okuliarov a kontaktných šošoviek.

Sunny Bunnies od Laurenta Parceliera

Obraz Laurenta Parceliera je úžasný svet, v ktorom nie je ani smútok, ani skľúčenosť. Nenájdete v ňom pochmúrne a upršané obrázky. Na jeho plátnach je veľa svetla, vzduchu a jasných farieb, ktoré umelec aplikuje charakteristickými rozpoznateľnými ťahmi. To vytvára pocit, že obrazy sú utkané z tisícok slnečných lúčov.

Mestská dynamika v dielach Jeremyho Manna

Olej na drevených paneloch od amerického umelca Jeremyho Manna maľuje dynamické portréty modernej metropoly. „Abstraktné formy, línie, kontrast svetlých a tmavých škvŕn – to všetko vytvára obraz, ktorý navodzuje pocit, ktorý človek prežíva v dave a ruchu veľkomesta, no zároveň dokáže vyjadriť pokoj, ktorý pramení z kontemplácie tichej krásy,“ hovorí umelec.

Iluzívny svet Neila Simona

Na obrazoch britského umelca Neila Simonea (Neil Simone) nie je všetko také, ako sa na prvý pohľad zdá. „Svet okolo mňa je pre mňa sériou krehkých a neustále sa meniacich tvarov, tieňov a hraníc,“ hovorí Simon. A v jeho obrazoch je naozaj všetko iluzórne a prepojené. Hranice sú zmyté a príbehy sa prelínajú jeden do druhého.

Milostná dráma Josepha Lorasso

Súčasný americký umelec talianskeho pôvodu Joseph Lorusso prenáša na plátno výjavy, ktoré videl v každodennom živote obyčajných ľudí. Jeho emotívne obrazy napĺňajú objatia a bozky, vášnivé impulzy, chvíle nežnosti a túžby.

Život na dedine Dmitrija Levina

Dmitrij Levin je uznávaným majstrom ruskej krajiny, ktorý sa etabloval ako talentovaný predstaviteľ ruskej realistickej školy. Najdôležitejším zdrojom jeho umenia je jeho pripútanosť k prírode, ktorú nežne a vášnivo miluje a cíti sa byť jej súčasťou.

Svetlý východ Valery Blokhin

Na východe je všetko iné: iné farby, iný vzduch, iné životné hodnoty a realita je báječnejšia ako fikcia - takto uvažuje súčasný umelec Valery Blokhin. V maľbe Valery zo všetkého najviac miluje farby. Jeho práca je vždy experiment: nepochádza z postavy, ako väčšina umelcov, ale z farebnej škvrny. Blokhin má svoju vlastnú špeciálnu techniku: najprv umiestni abstraktné škvrny na plátno a potom dokončí realitu.