tlačová správa

Zimný festival Ďalekého východu venovaný

55. výročie Štátneho inštitútu umenia Ďalekého východu

V roku 2017 oslavuje Štátny inštitút Ďalekého východu svoje 55. výročie.

Prvá univerzita v Rusku, ktorá spájala tri druhy umenia – hudbu, divadlo, maľbu – bola založená ako Ďaleký východný pedagogický inštitút umenia. V roku 30. výročia (1992) bol premenovaný na Far Eastern State Institute of Arts, v roku 2000 sa inštitút stal akadémiou, v roku 2015 bol opäť premenovaný na Far Eastern State Institute of Arts.

V spoločnej príprave hudobníkov, výtvarníkov, činoherných umelcov a režisérov mala nájsť mnoho styčných bodov: spoločné alebo príbuzné disciplíny, široké možnosti, ktoré sa otvárajú v oblasti syntetických umení, napríklad opera, kde sa hrá hudba, maľba. a divadlo sa spája, tvorivá vzájomne obohacujúca komunikácia.

Ministerstvo kultúry zobralo vznik novej univerzity vážne. Boli vydané zodpovedajúce príkazy: o pridelení záštity nad Hudobnou fakultou - Moskovským štátnym konzervatóriom. Čajkovskij; cez divadelnú fakultu - do Štátneho ústavu divadelného umenia. Lunacharsky; nad výtvarnou fakultou - Ústavom maľby, sochárstva a architektúry. Repin. Okrem toho bolo týmto vzdelávacím inštitúciám nariadené darovať zo svojich fondov stojany, knihy o umení, akademické práce, odliatky starých hláv na kreslenie, hudobné nástroje, poznámky, knihy do knižnice. Stredné vzdelávacie inštitúcie - zabezpečiť dostatočný počet uchádzačov o Ďaleký východný pedagogický inštitút umenia.

Vytvorenie Inštitútu umenia sa stalo udalosťou v kultúrnom živote Prímorského kraja a celého Ďalekého východu. Naskytla sa príležitosť vyškoliť vysokokvalifikovaný personál pre divadlá, orchestre, učiteľov pre školy a vysoké školy a umelcov.

Základ vysokoškolského vzdelávania v oblasti umenia na Ďalekom východe položili vynikajúci učitelia, absolventi centrálnych univerzít: Moskovské konzervatórium: V.A. Guterman, M.R. Dreyer, V. M. Kasatkin, E. A. Kalganov, A. V. Mitin; absolventi Leningradského konzervatória: A.S. Vvedensky, E.G. Urinson; Uralské konzervatórium - A.I. Zhilin, Konzervatórium Odessa - S.L. Yaroshevich, GITIS - O.I. Starostin a B.G. Kulnev, absolvent Leningradského umeleckého inštitútu. Repin V.A. Goncharenko a ďalší. Hudobný odbor sa začal študovať podľa zaužívaného plánu konzervatórií, výtvarný odbor - podľa plánu ústavu. Surikov, divadelný - podľa plánu šk. Ščepkin.

Štátny inštitút umenia Ďalekého východu je od samého začiatku až po súčasnosť centrom profesionálneho hudobného, ​​divadelného a umeleckého vzdelávania na Ďalekom východe. Ústav má vytvorený trojstupňový systém umeleckého vzdelávania (detská umelecká škola - vysoká škola - kreatívna univerzita):

detské estetické centrum „World of Art“, detská umelecká škola;

Vysoká škola hudobná;

vysoká škola: špecializačné, bakalárske, magisterské, postgraduálne a asistentsko-stáročné programy; doplnkové programy pre pokročilý výcvik a odbornú rekvalifikáciu.

Ústav má tri fakulty: hudobnú (konzervatórium), divadelnú a výtvarnú, je vytvorená zahraničná katedra (od roku 1998).

Štátny inštitút umenia Ďalekého východu je členom Spoločnej rady pre dizertáciu D 999.025.04 na Federálnej univerzite Ďalekého východu (odbory 17.00.02 - Hudobné umenie (dejiny umenia) a 24.00.01 - Teória a dejiny kultúry (Dejiny umenia) a kultúrne štúdiá).

Vedecká a tvorivá činnosť ústavu je rozsiahla a pestrá. Tu je len niekoľko najvýznamnejších projektov:

"Kultúra Ďalekého východu Ruska a krajín ázijsko-pacifického regiónu: východ - západ" - každoročná vedecká konferencia

I a II Všeruská hudobná súťaž (regionálne scény).

Medzinárodná súťaž mladých hudobníkov-interpretov "Muzikál Vladivostok"

"Umenie Vladivostok" - Medzinárodná výstava-súťaž tvorivých prác študentov a mladých umelcov Ďalekého východu, Ruska a krajín APEC.

Celoruská olympiáda v hudobno-teoretických predmetoch „Majstrovské diela svetovej hudobnej kultúry“ pre študentov odborných vzdelávacích inštitúcií a detských umeleckých škôl.

Regionálna kreatívna škola "Divadelný surf"

"Debut mladých hudobníkov-interpretov, laureátov medzinárodných súťaží - obyvateľov miest a obcí Ďalekého východu".

Profesijný rozvoj učiteľov vzdelávacie inštitúcie odboru kultúry a umenia kultúry a všeobecnovzdelávacie školy „Akadémie umení“.

I Ďaleký východ súťaž-festival populárnej hudby.

Regionálny festival detskej tvorivosti.

Festival zimného umenia Ďalekého východu

Súťaž divadelného umenia Ďalekého východu „Zlatý kľúč“ pre učiteľov detských hudobných škôl a detských umeleckých škôl pomenovaných po ňom. G.Ya.Nizovský.

I Medzinárodný rusko-čínsky festival detského umenia „Východný kaleidoskop“.

Súťaž čitateľov Ďalekého východu „Moja láska je moje Rusko“

Krajská súťaž interpretov súčasnej hudby.

Súťaž o najlepšie prevedenie diel skladateľov druhej polovice 20. storočia

"Tkačevské čítania" - súťaž čitateľov. Ľudový umelec Ruskej federácie L.A. Tkačev, "Divadelná nádej"

"plein air"

Vzdialené majstrovské kurzy pomocou Disklavier. Vladivostok - Moskva.

« Z histórie tvorivých škôl Inštitútu umenia: pôvod, tradície, vynikajúci učitelia...“.

AKTUÁLNY KREATÍVNY TÍM:

Symfonický orchester - laureát Grand Prix VII. Ďalekého východu súťaže inštrumentálnej hudby "Metronóm".

Orchester ľudových nástrojov- víťaz prvých cien IV. a V. medzinárodných súťaží pre mladých hudobníkov-interpretov „Musical Vladivostok“ 2005–2007, víťaz Grand Prix V celoruskej súťaže pomenovanej po. N.N. Kalinina (Petrohrad, 2009)

Akademický zbor - Laureát regionálnej súťaže "Singing Ocean", víťaz Grand Prix VI International Competition "Musical Vladivostok".

Súbor komornej hudby "Concertone" - Laureát medzinárodnej súťaže Shenderev (1997, III. cena), II. medzinárodná súťaž v Pekingu (1999, II. cena).

Ruské inštrumentálne trio "Vladivostok" v rovnakom zložení od svojho založenia v roku 1990: Ctihodní umelci Ruskej federácie Nikolaj Lyakhov (balalajka), Alexander Kapitan (gombíková harmonika), Sergej Arbuz (kontrabas balalajka).

Laureáti: Medzinárodná súťaž pomenovaná po. G.Shendereva (Rusko, 1997 - Strieborný diplom); 17. medzinárodná súťaž "Grand Prix" (Francúzsko, Bischwiller, 1997 - Grand Prix a zlatá medaila); II Medzinárodná súťaž hráčov na bajan-akordeón (Čína, Peking, 1999 - 1. cena); 38. medzinárodná súťaž Bayan akordeón, (Nemecko, Klingenthal, 2001 - 3. cena).

operné štúdio- Laureát 1. ceny medzinárodnej súťaže "Muzikál Vladivostok" (2014, 2016)

Trio "Expecto" - laureát medzinárodných súťaží bayan-akordeonistov v Harbine (ČĽR, 2014, 1 cena), v Castelfidardo (Taliansko), 2015, 1 cena, "zlatá medaila".

Kvarteto "Koláž" laureát medzinárodných súťaží hráčov na bajan-akordeón v Harbine (ČĽR, 2016, 1 cena).

Trio "Orient" laureát medzinárodnej súťaže v Lanciane (Taliansko, 2014, 1 cena).

Absolventi, ktorí významne prispeli k rozvoju kultúry,

umenie a umelecké vzdelávanie

Muzikológovia, doktori dejín umenia: profesor Ruskej štátnej pedagogickej univerzity. Hercena E.V. Gertsman, profesor Petrohradského konzervatória, ctený umelecký pracovník Karélie U Gen-Ir, profesor Moskovského štátneho konzervatória. P.I. Čajkovskij R.L. Pospelová, profesorka Ruskej akadémie vied. Gnesinykh E.M. Alkon, profesor Katedry výtvarného umenia Školy umenia a športu Ďalekého východu federálnej univerzity G.V. Alekseeva, profesor Moskovského štátneho inštitútu kultúry N.I. Efimová, profesorka, herectvo Vedúci katedry filozofie, histórie, teórie kultúry a umenia Moskovského štátneho hudobného inštitútu. A.G. Schnittke A.G. Alyabiev, profesor Štátneho inštitútu umenia Ďalekého východu O.M. Shushkova, Yu.L. Fidenko.

Účinkujúci hudobníci: Ctihodný umelec Ruskej federácie, vedúci súboru "Jang" N.I. Erdenko, ctený umelec Ruskej federácie, vedúci katedry orchestrálneho dirigovania, profesor Ruskej hudobnej akadémie. Gnesinykh B.S. Raven, ctený umelec Ruskej federácie, profesor F.G. Kalman, ctený umelec Ruskej federácie, profesor A.K. Kapitán, laureát medzinárodnej súťaže, ctený umelec RS (Y), profesor Katedry orchestrálnych strunových nástrojov Vyššej hudobnej školy RS (Y) (inštitút) pomenovaný po. V.A. Bosíková O.G. Košelev.

Herci: Ľudoví umelci Ruskej federácie A. Michajlov, S. Stepančenko, Ju. Kuznecov, S. Strugačev, laureát štátnej ceny V. Priemychov, ctená umelkyňa Ruskej federácie V. Tsyganova; Ľudoví umelci Ruskej federácie, herci Regionálneho činoherného divadla Primorsky. Gorky, profesor odboru zručnosti herca A.P. Slavsky, V. N. Sergiyakov, ľudový umelec Ruskej federácie, laureát ceny ruskej vlády v oblasti kultúry, umelecký riaditeľ Prímorského regionálneho akademického divadla pomenovaného po M. Gorkij E.S. Zvenyatsky, ocenení umelci A.I. Záporožec, S. Salakhutdinová.

Ctihodní umelci Ruskej federácie S.A. Litvínov, S.M. Čerkasov, I.I. Dunkay.

Všetkých pozývame na koncerty

Festival zimného umenia Ďalekého východu,

Informácie o koncertoch - na webovej stránke www.dv-art.ru

Domov > Dokument

Dmitrij Borovský, máj 1998

Umenie: Prehľad Ďalekého východu

Rozľahlý región, konvenčne označovaný ako Ďaleký východ, zahŕňa Čínu, Japonsko, Kóreu, Mongolsko a Tibet – krajiny, ktoré majú množstvo podobností, no zároveň výrazné rozdiely v kultúre.

Všetky krajiny Ďalekého východu boli ovplyvnené starovekými civilizáciami Číny a Indie, kde už v 1. tisícročí pred Kristom vznikli filozofické a náboženské učenia, ktoré položili základ pre koncepciu prírody ako uceleného Kozmu – živého a zduchovneného organizmus, ktorý žije podľa vlastných zákonov.

Príroda bola v centre filozofického a umeleckého hľadania celého stredoveku a jej zákony boli považované za univerzálne, určujúce život a vzťahy ľudí. Vnútorný svet človeka sa porovnával s rozmanitými prejavmi prírody. To ovplyvnilo vývoj symbolickej metódy vo výtvarnom umení a definovalo jej alegorický poetický jazyk. V Číne, Japonsku a Kórei sa pod vplyvom takéhoto postoja k prírode formovali druhy a žánre umenia, budovali sa architektonické súbory úzko späté s okolitou krajinou, zrodilo sa krajinné záhradníctvo a napokon vznikla krajinomaľba.

Pod vplyvom starovekej indickej civilizácie sa začal šíriť budhizmus, hinduizmus sa začal šíriť aj v Mongolsku a Tibete. Tieto náboženské systémy priniesli do krajín Ďalekého východu nielen nové myšlienky, ale mali priamy vplyv aj na rozvoj umenia. Vďaka budhizmu sa vo všetkých krajinách regiónu objavil dovtedy neznámy nový umelecký jazyk sochárstva a maliarstva, vznikli súbory, ktorých charakteristickým znakom bolo vzájomné pôsobenie architektúry a výtvarného umenia.

Rysy obrazu budhistických božstiev v sochárstve a maliarstve sa počas mnohých storočí vyvíjali ako zvláštny symbolický jazyk, ktorý vyjadroval myšlienky o vesmíre, morálnych zákonoch a osude človeka. Tak sa upevnili a zachovali kultúrne skúsenosti a duchovné tradície mnohých národov. Obrazy budhistického umenia stelesňovali myšlienky konfrontácie dobra a zla, milosrdenstva, lásky a nádeje. Všetky tieto vlastnosti určili originalitu a univerzálny význam vynikajúcich výtvorov umeleckej kultúry Ďalekého východu.

Umenie: Japonsko

Japonsko sa nachádza na ostrovoch Tichého oceánu, ktoré sa tiahnu pozdĺž východného pobrežia ázijskej pevniny zo severu na juh. Japonské ostrovy sa nachádzajú v oblasti náchylnej na časté zemetrasenia a tajfúny. Obyvatelia ostrovov sú zvyknutí byť neustále v strehu, uspokojiť sa so skromným životom, rýchlo obnovovať svoje domovy a domácnosti po prírodných katastrofách. Napriek prírodným živlom, ktoré neustále ohrozujú blaho ľudí, japonská kultúra odráža túžbu po harmónii s vonkajším svetom, schopnosť vidieť krásu prírody vo veľkom i v malom. V japonskej mytológii boli božskí manželia Izanagi a Izanami považovaní za predkov všetkého na svete. Od nich vzišla trojica veľkých bohov: Amaterasu - bohyňa Slnka, Tsukiyomi - bohyňa Mesiaca a Susanoo - boh búrky a vetra. Podľa predstáv starých Japoncov božstvá nemali viditeľný vzhľad, ale boli stelesnené v samotnej prírode – nielen v Slnku a Mesiaci, ale aj v horách a skalách, riekach a vodopádoch, stromoch a trávach, ktoré boli uctievaní ako duchovia-kami (slov kami znamená v japončine božský vietor). Toto zbožštenie prírody pretrvalo počas celého obdobia stredoveku a bolo tzv šintoizmus - cesta bohov, ktoré sa stalo japonským národným náboženstvom; Európania to nazývajú šintoizmus.

Pôvod japonskej kultúry má korene v staroveku. Najstaršie umelecké diela pochádzajú zo 4. až 2. tisícročia pred Kristom. Najdlhšie a najplodnejšie pre japonské umenie bolo obdobie stredoveku (6..19. storočie).

Umenie: Japonsko: Architektúra: Tradičný japonský dom

Dizajn tradičného japonského domu vyvinutý v 17.-18. storočí. Je to drevený rám s tromi pohyblivými stenami a jednou pevnou. Steny nenesú funkciu podpery, takže sa dajú od seba odsunúť alebo dokonca odstrániť, pričom slúžia zároveň ako okno. V teplom období boli steny mriežkovou konštrukciou, polepenou priesvitným papierom, ktorý prepúšťal svetlo, a v chladnom a daždivom období boli zakryté alebo nahradené drevenými panelmi. Pri vysokej vlhkosti v japonskej klíme musí byť dom vetraný zospodu. Preto je nad úrovňou terénu vyvýšená o 60 cm.Na ochranu oporných pilierov pred rozpadom boli osadené na kamenné základy.

Ľahký drevený rám mal potrebnú pružnosť, čo znižovalo ničivú silu výtlaku pri častých zemetraseniach v krajine. Strecha, škridlová alebo trstinová, mala veľké baldachýny, ktoré chránili papierové steny domu pred dažďom a prudkým letným slnkom, no v zime, skoro na jar a neskoro na jeseň nezadržiavali nízke slnečné svetlo. Pod baldachýnom strechy bola veranda.

Podlaha obytných miestností bola pokrytá rohožami - tatami, ktoré väčšinou skôr sedeli ako stáli. Preto boli všetky proporcie domu zamerané na sediaceho človeka. Keďže v dome nebol stály nábytok, spali na zemi, na špeciálnych hrubých matracoch, ktoré sa cez deň odkladali do skríň. Jedlo sa, sediac na podložkách, pri nízkych stoloch, slúžili aj na rôzne aktivity. Posuvné vnútorné priečky, potiahnuté papierom alebo hodvábom, mohli rozdeliť vnútorné priestory v závislosti od potrieb, čo umožnilo ich rôznorodejšie využitie, avšak pre každého z jeho obyvateľov nebolo možné úplne odísť do domu, čo ovplyvnilo vnútro -rodinné vzťahy v japonskej rodine a vo všeobecnom zmysle - o črtách národného charakteru Japoncov.

Dôležitý detail domu - výklenok umiestnený v blízkosti pevnej steny - tokonama, kde mohol visieť obraz alebo kompozícia kvetov - ikebany. Bolo to duchovné centrum domu. Vo výzdobe výklenku sa prejavili individuálne vlastnosti obyvateľov domu, ich vkus a umelecké sklony.

Pokračovaním tradičného japonského domu bolo záhrada. Zohral úlohu plota a zároveň prepojil dom s prostredím. Odsunutím vonkajších stien domu sa stratila hranica medzi vnútorným priestorom domu a záhradou a vytvoril sa pocit blízkosti prírody, priamej komunikácie s ňou. To bola dôležitá črta národného postoja. Japonské mestá však rástli, veľkosť záhrady sa zmenšovala, často ju nahrádzala malá symbolická kompozícia kvetov a rastlín, ktoré plnili rovnakú úlohu kontaktu medzi príbytkom a prírodou.

Umenie: Japonsko: Ikebana

Umenie aranžovania kvetov vo vázach - ikebana (kvetinový život) - siaha až k starodávnemu zvyku kladenia kvetov na oltár božstva, ktorý sa rozšíril do Japonska spolu s budhizmom v 6. storočí. Najčastejšie je kompozícia v štýle tej doby - rikka (doručené kvety) - pozostávala z vetvy borovice alebo cyprusu a lotosov, ruží, narcisov, inštalovaných v starých bronzových nádobách.

S rozvojom svetskej kultúry v 10.-12. storočí boli kvetinové kompozície inštalované v palácoch a obytných priestoroch predstaviteľov šľachtickej vrstvy. Na cisárskom dvore sa stali obľúbenými špeciálne súťaže v aranžovaní kytíc. V druhej polovici 15. storočia sa objavil nový smer v umení ikebany, ktorého zakladateľom bol majster Ikenobo Senei. Diela školy Ikenobo sa vyznačovali osobitnou krásou a sofistikovanosťou, boli inštalované na domácich oltároch a prezentované ako darčeky.

V 16. storočí sa s rozšírením čajové obradyšpeciálny typ ikebany bol vytvorený na ozdobenie výklenku - tokonoma v čajovom pavilóne. Požiadavka jednoduchosti, harmónie, zdržanlivých farieb, prezentovaná všetkým predmetom čajového kultu, rozšírená o dizajn kvetov - tyabana (ikebana na čajový obrad). slávny čajový majster Senno Rikyu vytvoril nový, voľnejší štýl - nageire (nedbalo naaranžované kvety), hoci práve v zdanlivom neporiadku spočívala zvláštna zložitosť a krása obrazov tohto štýlu. Jedným z druhov nageire bola takzvaná tsuribana, kedy sa rastliny umiestňovali do zavesenej nádoby v tvare člna. Takéto kompozície boli prezentované osobe, ktorá nastúpila do úradu alebo absolvovala školu, pretože symbolizovali „výstup na otvorené more života“.

V 17. – 19. storočí sa umenie ikebany rozšírilo a vznikol zvyk povinného školenia dievčat v umení výroby kytíc. Kvôli popularite ikebany sa však skladby zjednodušili a museli sa opustiť prísne štýlové pravidlá. rikka v prospech nageire z ktorého vznikol ďalší nový štýl seika alebo shoka (Prírodné kvety). Koncom 19. storočia majster Ohara usin vytvoril štýl moribana, ktorej hlavnou inováciou bolo, že kvety boli umiestnené v širokých nádobách.

V zložení ikebany sú spravidla tri povinné prvky, ktoré označujú tri princípy: Nebo, Zem a Človek. Môžu byť stelesnené ako kvetina, vetva a tráva. Ich vzájomná korelácia a doplnkové prvky vytvárajú diela rôzneho štýlu a obsahu. Úlohou umelca nie je len vytvoriť krásnu kompozíciu, ale aj čo najúplnejšie sprostredkovať svoje myšlienky o živote človeka a jeho mieste vo svete. Diela vynikajúcich majstrov ikebany môžu vyjadrovať nádej a smútok, duchovnú harmóniu a smútok.

Podľa tradície v ikebane sa ročné obdobie nevyhnutne reprodukuje a kombinácia rastlín tvorí symbolické želania dobra, známe v Japonsku: borovica a ruža - dlhovekosť; pivonka a bambus - prosperita a mier; chryzantéma a orchidea - radosť; magnólia - duchovná čistota atď.

Umenie: Japonsko: Sochárstvo: Netsuke

Miniatúrne sochárstvo - netsuke sa rozšírilo v 18. až 19. storočí ako jeden z druhov umeleckých remesiel. Jeho vzhľad je spôsobený tým, že národný japonský kostým - kimono - nemá vrecká a všetky potrebné drobnosti (fajka, vrecúško, krabička na lieky atď) sú pripevnené k opasku pomocou kľúčenky-protizávažia. Netsuke má preto nevyhnutne otvor na šnúrku, pomocou ktorej sa k nej pripevní požadovaný predmet. Už predtým sa používali drobnosti v podobe tyčiniek a gombíkov, no od konca 18. storočia už na tvorbe netsuke pracovali známi majstri, ktorí sa podpisovali na dielach.

Netsuke je umenie mestskej triedy, masové a demokratické. Podľa zápletiek netsuke možno posúdiť duchovné potreby, každodenné záujmy, zvyky a zvyky obyvateľov mesta. Verili v duchov a démonov, ktorí boli často zobrazovaní v miniatúrnych sochách. Obľúbili si figúrky „siedmich bohov šťastia“, medzi ktorými boli najobľúbenejší boh bohatstva Daikoku a boh šťastia Fukuroku. Neustále zápletky netsuke boli nasledovné: prasknutý baklažán s množstvom semien vo vnútri - prianie veľkého mužského potomka, dve kačice - symbol rodinného šťastia. Veľké množstvo netsuke sa venuje každodenným témam a každodennému životu mesta. Ide o potulných hercov a kúzelníkov, pouličných predavačov, ženy venujúce sa rôznym činnostiam, potulných mníchov, zápasníkov, dokonca aj Holanďanov vo svojej exotike, z pohľadu Japoncov, odevoch – širokých klobúkoch, košieľkach a nohaviciach.

Netsuke, vyznačujúce sa tematickou rôznorodosťou, si zachovali svoju pôvodnú funkciu kľúčenky a tento účel diktoval remeselníkom kompaktný tvar bez krehkých vystupujúcich detailov, zaoblený, príjemný na dotyk. S tým súvisí aj výber materiálu: nie veľmi ťažký, odolný, zložený z jedného kusu. Najbežnejšími materiálmi boli rôzne druhy dreva, slonovina, keramika, lak a kov.

Umenie: Japonsko: maľba a grafika

Japonská maľba je veľmi rôznorodá nielen v obsahu, ale aj vo forme: sú to nástenné maľby, obrazovkové maľby, vertikálne a horizontálne zvitky, realizované na hodvábe a papieri, albumové listy a vejáre.

O starodávnom maliarstve možno posúdiť iba odkazy v písomných dokumentoch. Najstaršie zachované vynikajúce diela pochádzajú z obdobia Heian (794-1185). Ide o ilustrácie slávneho „Príbehu princa Genjiho“ od spisovateľa Murasakiho Shikibu. Ilustrácie boli vyhotovené na niekoľkých horizontálnych zvitkoch a doplnené textom. Pripisujú sa štetcom umelca Fujiwara Takayoshiho (prvá polovica 12. storočia).

Charakteristickou črtou kultúry tej doby, ktorú vytvoril pomerne úzky okruh aristokratickej vrstvy, bol kult krásy, túžba nájsť vo všetkých prejavoch hmotného a duchovného života svoje vlastné čaro, niekedy nepolapiteľné a nepolapiteľné. Obraz tej doby, neskôr nazývaný yamato-e (doslova japonská maľba), nevyjadruje akciu, ale stav mysle.

Keď sa k moci dostali drsní a odvážni predstavitelia vojenskej triedy, kultúra éry Heian začala upadať. V maľbe na zvitkoch bol stanovený naratívny princíp: sú to legendy o zázrakoch plné dramatických epizód, životopisy kazateľov budhistickej viery, scény bojov bojovníkov.

V 14. – 15. storočí sa pod vplyvom učenia zenovej sekty, s jej osobitnou pozornosťou k prírode, začala rozvíjať krajinomaľba (spočiatku pod vplyvom čínskych vzorov).

Po storočie a pol japonskí umelci ovládali čínsky umelecký systém, vďaka čomu sa monochromatická krajinomaľba stala majetkom národného umenia. Jeho najvyšší rozkvet sa spája s menom vynikajúceho majstra Toyo Oda (1420..1506), známeho skôr pod pseudonymom Sesshu. Vo svojich krajinách, s použitím len tých najjemnejších odtieňov čierneho atramentu, dokázal odrážať všetku pestrofarebnosť prírodného sveta a jeho nespočetných stavov: vlhkosťou presýtenú atmosféru skorej jari, neviditeľný, ale cítiť vietor a studený jesenný dážď, nehybný ticho zimy.

16. storočie otvára éru takzvaného neskorého stredoveku, ktorá trvala tri a pol storočia. V tomto čase sa rozšírili nástenné maľby, ktoré zdobili paláce vládcov krajiny a veľkých feudálov. Jedným zo zakladateľov nového smeru v maľbe bol slávny majster Kano Eitoku, ktorý žil v druhej polovici 16. storočia. Ďalším druhom výtvarného umenia stredoveku sa stalo drevorytie (xylografia), ktoré prekvitalo v 18. – 19. storočí. Rytina, podobne ako žánrová maľba, sa nazývala ukiyo-e (obrazy každodenného sveta). Okrem umelca, ktorý vytvoril kresbu a napísal svoje meno na hotový list, rytinu vytvorili rezbár a tlačiar. Rytina bola spočiatku jednohlasná, maľoval ju ručne sám umelec alebo kupujúci. Potom bola vynájdená dvojfarebná tlač a v roku 1765 umelec Suzuki Harunobu (1725..1770) prvýkrát použil viacfarebnú tlač. Rezbár na to umiestnil pauzovací papier so vzorom na špeciálne pripravenú pozdĺžnu rezanú dosku (z hrušky, čerešne alebo japonského buxusu) a vyrezal potrebný počet dosiek s potlačou v závislosti od farebnej schémy rytiny. Niekedy ich bolo aj viac ako 30 a. Potom tlačiareň pri výbere správnych odtieňov vytlačila na špeciálny papier. Jeho zručnosťou bolo dosiahnuť presnú zhodu kontúr každej farby, získaných z rôznych drevených dosiek.

Všetky rytiny boli rozdelené do dvoch skupín: divadelné, ktoré zobrazovali hercov japonského klasického divadla Kabuki v rôznych rolách, a každodenné písanie, venované zobrazovaniu krás a scén z ich života. Najznámejším majstrom divadelnej rytiny bol Toshyushay Syaraku, ktorý zblízka zobrazil tváre hercov, zdôrazňujúc črty roly, ktorú hrali, charakteristické črty osoby reinkarnovanej ako postavy hry: hnev, strach, krutosť, klamstvo.

Takí vynikajúci umelci ako Suzuki Harunobu a Kitagawa Utamaro sa preslávili v každodennom živote rytím. Utamaro bol tvorcom ženských obrazov, ktoré stelesňovali národný ideál krásy. Jeho hrdinky akoby na chvíľu zamrzli a teraz budú pokračovať vo svojom plynulom ladnom pohybe. Ale táto pauza je najvýraznejším momentom, keď sklon hlavy, gesto ruky, silueta postavy vyjadrujú pocity, v ktorých žijú.

Najznámejším rytcom bol geniálny umelec Katsushika Hokusai (1776-1849). Hokusaiova tvorba vychádza zo stáročnej obrazovej kultúry Japonska. Hokusai vytvoril viac ako 30 000 kresieb a ilustroval asi 500 kníh. Už ako sedemdesiatročný vytvoril Hokusai jedno z najvýznamnejších diel - sériu 36 pohľadov na Fuji, čím sa radí na úroveň najvýraznejších umelcov svetového umenia. Zobrazujúc horu Fuji - národný symbol Japonska - z rôznych miest, Hokusai po prvýkrát odhaľuje obraz vlasti a obraz ľudí v ich jednote. Umelec videl život ako jeden proces v celej rozmanitosti jeho prejavov, siahajúcich od jednoduchých pocitov človeka, jeho každodenných činností až po okolitú prírodu s jej prvkami a krásou. Dielo Hokusaia, ktoré absorbovalo stáročné skúsenosti s umením jeho ľudu, je posledným vrcholom umeleckej kultúry stredovekého Japonska, jeho pozoruhodným výsledkom.

Umenie: Japonsko: zdroje informácií

Encyklopédia Microsoft Encarta 97 Svetové anglické vydanie. Microsoft Corp., Redmond, 1996;

Internetové zdroje (Worldwide Web);

"Encyklopédia pre deti", zväzok 6 ("Náboženstvá sveta"), druhá časť. Vydavateľstvo "Avanta +", Moskva, 1996;

"Encyklopédia pre deti", zväzok 7 ("Umenie"), časť prvá. Vydavateľstvo "Avanta +", Moskva, 1997;

Encyklopédia "Mýty národov sveta". Vydavateľstvo "Sovietska encyklopédia", Moskva, 1991.

Umenie: Japonsko: Slovník

Gravírovanie- vyhliadka grafy, na ktorom je obraz tlačený výtlačok kresby nanesený na dosku z dreva, linolea, kovu, kameňa; samotný obraz na dreve, linoleu, kartóne atď.

Ikebana("živé kvety") - japonské umenie aranžovania kytíc; samotná kytica, zostavená podľa princípov ikebany.

Kondo(Zlatá sála) - hlavný chrám budhistického japonského kláštorného komplexu; neskôr sa stal známym ako Hondo.

Kaizuma- v japonskej architektúre masívna sedlová strecha šintoistickej svätyne; Vyrábala sa zo slamy alebo kôry cyprusu, neskôr z dlaždíc.

Drevorez - rytina na strome.

H´ etsuke- miniatúrna figúrka vyrobená zo slonoviny, dreva alebo iných materiálov; slúžila ako kľúčenka, ktorou sa na opasok pripevňovali drobné predmety (napríklad peňaženka); patriace k japonskému národnému kroju.

Pagoda- v budhistickej architektúre krajín Ďalekého východu a juhovýchodnej Ázie viacstupňová pamätná veža - relikviár s nepárnym (šťastným) počtom úrovní.

R´ impa- Škola japonského maliarstva 17..18 storočia; inklinoval k literárnym predmetom minulých storočí; sprostredkoval lyrické zážitky postáv.

Relikviár- úložisko na ukladanie relikvií.

Tyaniva("čajová záhrada") - v architektúre Japonska záhrada spojená s čajovým obradom - ťahanie; tvorí jeden celok s čajovým pavilónom - chashitsu.

Tyano´ Yu("čajový obrad") - v duchovnom živote Japonska filozofický a estetický rituál zjednocovania ľudí, ktorý im pomáha vypnúť sa od zhonu života.

Ukiyo-e("obrazy každodenného sveta") - škola japonskej maľby a drevorezby 17..19 storočia, odrážajúce život a záujmy mestského obyvateľstva; zdedil tradície žánrovej maľby 15.-16.

Haniva("hlinený kruh") - starodávna japonská pohrebná keramika; pomenované podľa výrobného postupu: ručne vyrezávané hlinené krúžky sa kladú jeden na druhý; obdobie úsvitu - 5..6 storočia.

Yamato-´ uh(„Japonská maľba“) – vo výtvarnom umení Japonska od 10. – 11. storočia samostatný smer, na rozdiel od čínskej maľby; boli reprodukované zápletky stredovekých japonských príbehov, románov a denníkov; Výrazne sa kombinovali siluety, svetlé farebné škvrny, prešpikované zlatými a striebornými flitrami.

Umenie Japonska, strana 7 zo 7

Umenie Indie

Prvou civilizáciou na indickej pôde bola harappská kultúra v údolí Indu, ktorá prekvitala v roku 2500 p.n.l. Pred zmiznutím pod náporom árijských kmeňov sa zvečnila množstvom nádherných majstrovských diel sochárstva a urbanizmu. Árijci sa časom zmocnili celej severnej Indie, no za tisícročnú nadvládu po sebe nezanechali žiadne umelecké pamiatky. Základy indickej umeleckej tradície boli položené až v 3. storočí pred Kristom.

Indické umenie malo pôvodne náboženský charakter, odrážalo svetonázory hinduizmu, džinizmu a budhizmu. Od staroveku sa hinduisti vyznačovali zvýšeným vnímaním okolitého sveta a architektúra právom zaujímala hlavné miesto v ich umení.

V starovekých sochách, ktoré vyšli spod dláta predstaviteľov asketického budhizmu, ešte niet stopy po prekypujúcej láske k životu. Kedysi bolo dokonca zakázané vytvárať portrétne obrazy Budhu. Po zrušení zákazu v severovýchodnej provincii Gandhara sa však začali objavovať sochy Budhu v podobe muža, vytvorené v helénskom „grécko-budhistickom“ štýle, čo malo citeľný vplyv na umenie tzv. celý región.

V provincii Gandhara v prvých storočiach nášho letopočtu. objavila sa nová umelecká škola, ktorá spája tradičné budhistické kánony s niektorými črtami gréckeho umenia, prinesená do Indie vojskami Alexandra Veľkého (koniec 4. storočia pred Kristom). Nespočetné množstvo obrazov Budhu z kameňa a klepania (zmes sadry, mramorových úlomkov a lepidla) tak získalo charakteristickú predĺženú tvár, doširoka otvorené oči a tenký nos.

Pomerne zdržanlivý štýl prevládal aj v klasickej Guptovej ére (320 – 600 n. l.), hoci v tom čase už budhizmus absorboval mnohé prvky hinduistických mýtov. Napríklad yakshini - ženské lesné božstvá - zobrazovali budhistickí sochári v podobe nafúknutých tanečníc spôsobom veľmi vzdialeným od askézy.

V ktoromkoľvek z diel indického umenia – budhistického alebo hinduistického – boli náboženské a filozofické informácie spočiatku zakódované v kódovanej forme. Takže póza, v ktorej je Budha zobrazený, je mimoriadne dôležitá: meditácia alebo učenie. Existujú kanonické znaky vzhľadu Budhu: predĺžené ušné lalôčiky, deformované ozdobami, ktoré nosil v mladosti, keď bol princom; vlasy zhromaždené v špirálových drdoloch na hlave atď. Takéto detaily dávajú divákovi vodítko, ktoré mu pomôže určiť myšlienku, a teda aj rituál potrebný na komunikáciu s božstvom. Hinduistické umenie je tiež silne zakódované. Dôležitý je tu akýkoľvek, aj malý detail – otočenie hlavy božstva, poloha a počet rúk, systém dekorácií. Slávna figurína tancujúceho boha Šivu je celou encyklopédiou hinduizmu. S každým skokom svojho tanca vytvára alebo ničí svety; štyri ramená znamenajú nekonečnú silu; oblúk s plameňmi je symbolom kozmickej energie; malá ženská figúrka vo vlasoch - bohyňa rieky Gangy atď. Šifrovanie významu je charakteristické pre umenie mnohých krajín juhovýchodnej Ázie, ktoré sú súčasťou oblasti hinduistickej kultúry.

Živý obraz života starovekej Indie vytvára nálada nástenných malieb jaskynných chrámov v Ajante, ktoré ohromujú brilantnosťou a harmóniou viacfigurálnych kompozícií.

Ajanta je akýmsi kláštorom – univerzitou, kde žijú a študujú mnísi. Chrámy Ajanta sú vytesané do 29 skál, ktoré sa nachádzajú vedľa farebných brehov rieky Wagharo. Fasády týchto skalných chrámov patria do obdobia Guptu luxusných dekoratívnych sôch.

Sochárske pamiatky Ajanty pokračujú v starých tradíciách, ale formy sú oveľa voľnejšie a vylepšené. Takmer všetko vo vnútri chrámu je popísané. Námety maľby sú prevzaté zo života Budhu a sú spojené s mytologickými scénami starej Indie. Majstrovsky sú tu vyobrazení ľudia, vtáky, zvieratá, rastliny a kvety.

Indickú architektúru možno nazvať akousi sochou, pretože mnohé svätyne neboli postavené z jednotlivých ozdôb, ale boli vytesané z kamenného monolitu a v priebehu práce boli pokryté bohatým kobercom sochárskej výzdoby.

Táto vlastnosť bola obzvlášť výrazná v tisíckach chrámov, ktoré vznikli počas hinduistickej renesancie medzi rokmi 600 a 1200 CE. Viacúrovňové veže pripomínajúce hory sú pokryté vyrezávanými basreliéfmi a sochami, ktoré dodávajú chrámom Mamallapuram a Ellora nezvyčajne organický vzhľad.

Vplyv budhistického a hinduistického umenia je cítiť ďaleko za hranicami Indie. Angkor Wat je najväčší z mnohých hinduistických chrámov postavených v Kalebodja v 10.-12. storočí. Je to obrovský vodný komplex piatich vyrezávaných kužeľových veží, z ktorých stredná sa týčila 60 metrov do neba. Medzi budhistickými chrámami nemá unikátna svätyňa na kopci obdobu. Borobudur, na ostrove Jáva, v ktorom bohatosť sochárskej výzdoby podlieha prísnemu architektonickému dizajnu. Aj na iných miestach – v Tibete, Číne a Japonsku – budhizmus dal vzniknúť vysoko rozvinutým a originálnym umeleckým tradíciám.

Významné zmeny v tradíciách umeleckej tvorivosti nastali so šírením nového náboženstva – islamu, prineseného do Indie arabskými dobyvateľmi v 8. storočí. Vplyv islamskej kultúry dosiahol svoj vrchol za Mughalov, ktorí od 16. storočia ovládali väčšinu Indie. Stavanie veľkolepých mešít a hrobiek preslávili sultán Akbar (1556 - 1605) a jeho nástupcovia - Dzhan-Igry a Shah Jahan.

Tádž Mahal je klenotom indickej architektúry. V smútku za svojou manželkou, ktorá zomrela pri pôrode, postavil cisár Shah Jahan toto mauzóleum z bieleho mramoru v Agre, zručne zdobené mozaikou z drahých kameňov. Kráľovská hrobka je obklopená záhradou a nachádza sa na brehu rieky Jamna. Budova z bieleho mramoru sa týči na sedemmetrovom podstavci. V pôdoryse predstavuje osemuholník, alebo skôr štvorec so zrezanými rohmi. Všetky fasády sú rezané vysokými a hlbokými výklenkami. Mauzóleum je korunované okrúhlou „cibuľovou“ kupolou, ktorú básnici pre svoju ľahkosť a harmóniu prirovnávali k „oblaku spočívajúcemu na vzdušnom tróne“. Jeho pôsobivý objem zdôrazňujú štyri malé kupoly minaretov stojace pozdĺž okrajov plošiny. Vnútorný priestor je malý a zaberajú ho dva kenotafy (falošné hrobky) Mumtaz a samotného Shah Jahana. Samotné pohrebiská sú v krypte pod budovami.

Za Mughalov prekvitalo miniatúrne umenie, ktoré prišlo z Perzie. Pojem „miniatúra“ sa používa na označenie malebných knižných ilustrácií akéhokoľvek formátu. Sultan Akbar priťahoval umelcov z celej Indie, vrátane hinduistov, aby ich vytvorili. V dvorských dielňach sa rozvinul energický svetský štýl, ktorý sa v mnohom odlišoval od dekoratívnej perzskej tradície. Miniatúry éry Mughalov, ktoré sa trblietajú ako drahokamy a sú plné dynamiky, nám ponúkajú úžasne živý obraz života Indiánov pred vládou fanatického Aurangzeba (1658-1707).

Umenie Číny

Čínska civilizácia je jediná zo všetkých, ktorá si zachovala stáročnú kontinuitu kultúrnych tradícií. Niektoré typické čínske črty – záľuba v hre poltónov a hodvábna textúra jadeitu – siahajú až do praveku. Veľké čínske umenie vzniklo okolo roku 1500 pred Kristom, v ére dynastie Shang-Yin, so vznikom hieroglyfického písma a získaním najvyššieho vládcu božského postavenia „syna nebies“.

Toto 500-ročné obdobie zahŕňa veľké množstvo masívnych, ponurých bronzových nádob na obetovanie predkom, zdobených abstraktnými symbolmi. V skutočnosti ide o mimoriadne štylizované obrazy mýtických bytostí vrátane drakov. Kult predkov, ktorý je súčasťou mnohých civilizácií, zaujal ústredné miesto vo viere Číňanov. V umení neskorších storočí však duch magického tajomstva postupne ustúpil chladnému rozjímaniu.

V ére Shang-Yin sa začal formovať starý obvodový plán miest (Anyang), v strede ktorého bol postavený palác a chrám panovníka. Obytné domy a palác boli postavené z pevnej zmesi zeminy (spraše) a drevenej prísady bez kameňov. Objavili sa piktogramy a hieroglyfické záznamy, základ lunárneho kalendára. Práve v tom čase sa formoval štýl ornamentu, ktorý sa zachoval po mnoho storočí. Jednoduché bronzové jedlá boli zvonka zdobené symbolickými obrázkami a vo vnútri hieroglyfickými nápismi, menami šľachtických ľudí alebo zasväcovacími nápismi. V tomto období sú symbolické obrazy ďaleko od reality a vyznačovali sa abstraktnou formou.

Systém náboženského a filozofického taoizmu a konfucianizmu bol veľkým prínosom pre kultúru a umenie. V polovici prvého tisícročia pred Kr. tvorili základné princípy architektúry a urbanizmu. Bolo vybudovaných veľa opevnení, samostatné obranné múry zo severu ríše sa začali spájať do jedného súvislého Veľkého čínskeho múru (3. stor. pred n. l. – 15. stor.; výška od 5 do 10 metrov, šírka od 5 do 8 metrov a dĺžka 5000 st. km.) so štvorhrannými strážnymi vežami. Rámové konštrukcie sú tvorené, drevené (neskôr murované) typy obdĺžnikového stavebného pôdorysu. Sedlové strechy budov boli pokryté slamou (neskôr škridlami). Rozširujú sa podzemné dvojpodlažné mauzóleá. Ich steny a stropy boli zdobené nástennými maľbami, intarziami, v blízkosti boli umiestnené kamenné sochy fantastických zvierat. Objavili sa charakteristické typy čínskej maľby.

Po stáročiach občianskych sporov Čínu zjednotil cisár dynastie Čchin (asi 221 - 209 pred Kr.). Unikátny archeologický nález hovorí o maniakálnej túžbe po sebazvelebení tohto pána. V roku 1974 bola v cisárovej hrobke nájdená armáda bojovníkov z terakotovej (neglazovanej keramiky) ľudskej veľkosti, ktorí mu mali slúžiť v posmrtnom živote.

V rokoch dynastie Han (209 pred Kristom – 270 po Kr.) sa Čína rozvinula do obrovskej ríše so zložitou sociálnou štruktúrou. Konfucianizmus, etická doktrína, ktorá hlásala umiernenosť a vernosť rodinným a občianskym povinnostiam, mal hlboký vplyv na svetonázor Číňanov, najmä na kastu učených úradníkov, tvorenú systémom skúšok na prijatie do verejnej služby. Úradníci, často umelci a básnici, zohrávali významnú úlohu vo vývoji čínskeho umenia. Nové prvky zaviedol taoizmus, intuitívne a magické učenie blízke prírode, ktoré vzniklo v ére Han.

Hanské umenie sa k nám dostalo predovšetkým vo forme pohrebných darov - odevov, šperkov a kozmetiky, ako aj bronzových a keramických figúrok, basreliéfov a figurálnych dlaždíc. Budhizmus pochádzajúci z Indie inšpiroval čínskych majstrov k hľadaniu nových foriem a umeleckých techník, ktoré sa prejavili v jaskynných chrámoch vytesaných na indický spôsob a sochách Yunygana.

Súdiac podľa niekoľkých pamiatok, ktoré sa k nám dostali, sa v ére Han vyvinuli silné tradície maľby, vyznačujúce sa úžasnou ľahkosťou a voľnosťou štetca. Následne sa maľba stala skutočne masovým umením a Čína po mnoho storočí dala svetu mnoho vynikajúcich umelcov, škôl a hnutí. Jemné vnímanie krásy okolitej prírody dostalo do popredia krajinný žáner, najmä horskú krajinu, ktorá je v čínskom umení veľmi dôležitá – tento žáner nemá v kultúrach obdoby. Obrázky sa často vytvárali ako ilustrácie k básňam alebo iným dielam a dokonalá kaligrafia nápisov bola uctievaná ako umenie samo o sebe.

Hoci sa keramika v Číne vyrába už tisíce rokov, v období Tang (618-906) toto remeslo nadobudlo črty pravého umenia. Práve v tom čase sa objavili nové formy a farebné glazúry, ktoré dodávali výrobkom farebný vzhľad. Medzi najznámejšie pamiatky tejto dynastie patria pohrebné keramické figúrky ľudí a zvierat, ktoré svojou expresivitou neboli horšie ako veľké konštrukčné formy. Nádherné jazdecké figúrky z éry Tang sa vyznačujú osobitnou krásou a výrazom.

Na úsvite éry Tang Číňania zvládli tajomstvo výroby porcelánu. Tento tenký, tvrdý, priesvitný, čisto biely materiál nemal obdobu v jemnosti, ktorá bola zdokonalená vynikajúcim spracovaním za dynastie Song (960-1260) a nasledujúcich dynastií. Slávny modro-biely porcelán bol vyrobený počas mongolskej dynastie Yuan (1260-1368).

Dôležitú úlohu v dejinách čínskej kultúry zohrala staroveká čínska kniha múdrosti a veštenia, nazývaná „Kniha premien“. Svet je tu chápaný ako akési embryo, v rámci ktorého sa spojila mužská svetelná sila – jang a ženská temná sila – jin. Tieto dva princípy neexistujú jeden bez druhého. Kniha premien mala veľký vplyv na ďalší rozvoj estetického myslenia a čínskeho umenia.

Na začiatku éry Song začali Číňania zbierať umelecké diela minulých dynastií a umelci často oživovali štýly staroveku. Umenie éry Ming (1368 – 1644) a ranej éry Qing (1644 – 1912) je však hodnotné samo o sebe, a to aj napriek postupnému ubúdaniu tvorivej energie.

Za dynastií Ming a Čching vznikli symetrické mestá pravidelného pôdorysu s vnútornou a vonkajšou časťou. Hlavné mesto Peking bolo takmer prestavané. Užité umenie dosiahlo takú úroveň, že vytvorilo obraz Číny v Európe.

Umenie Japonska

Od storočia do storočia sa Japonsko vyvíjalo oddelene od všetkých civilizácií, s výnimkou Číny. Rast čínskeho vplyvu začal v 5. – 6. storočí, keď spolu s novým systémom štátnej správy prišlo do Japonska z kontinentu písanie, budhizmus a rôzne druhy umenia. Japonci vždy dokázali absorbovať zahraničné inovácie a dali im národné črty. Napríklad japonské sochárstvo pripisovalo podobnosti portrétov oveľa väčší význam ako čínske.

Rozvoju japonského maliarstva uľahčili kontakty s kontinentom, z ktorého sa začiatkom 7. storočia preberalo umenie výroby farieb, papiera a atramentu.

Veľký význam pre osud japonského maliarstva a sochárstva malo šírenie budhizmu v krajine, pretože potreby budhistickej kultovej praxe vytvorili určitý dopyt po dielach tohto druhu umenia. A tak sa od 10. storočia s cieľom šíriť medzi veriacimi poznatky o udalostiach budhistickej posvätnej histórie hromadne vytvárali takzvané emakimono (dlhé horizontálne zvitky), ktoré zobrazovali výjavy z budhistickej posvätnej histórie alebo z podobenstiev, ktoré s ňou súvisia. .

Japonská maľba v 7. storočí bola ešte veľmi jednoduchá a bezvýznamná. Predstavy o tom poskytujú maľby na arche Tamamushi z chrámu Horyuji, ktoré zobrazovali rovnaké scény, aké boli reprodukované na emakimono. Obrazy sú robené červenou, zelenou a žltou farbou na čiernom podklade. Niektoré maľby na stenách chrámov zo 7. storočia majú veľa spoločného s podobnými maľbami v Indii.

Od 7. storočia sa v Japonsku začal rozvoj žánru a krajinomaľby. Obrazovka pod podmieneným názvom "Žena s vtáčím perím" prežila dodnes. Obrazovka zobrazuje ženu stojacu pod stromom, jej vlasy a kimono sú zdobené pierkami. Kresba je vykonaná ľahkými, plynulými líniami.

Spočiatku boli japonskí umelci, čiastočne kvôli povahe námetu, na ktorom pracovali (budhistická maľba), silne ovplyvnení Čínou: maľovali v čínskom štýle alebo v štýle kara-e. Postupom času sa však na rozdiel od obrazov v čínskom štýle kara-e začali objavovať svetské obrazy v japonskom štýle alebo v štýle yamato-e (maľba Yamato). V 10. – 12. storočí sa v maliarstve stal dominantným štýl yamato-e, hoci diela čisto náboženského charakteru boli stále maľované v čínskom štýle. V tomto období sa rozšírila technika nanášania kontúr obrazu najmenšou zlatou fóliou.

Jedným z príkladov historickej maľby éry Kamakura je slávny zvitok Heiji Monogatari z 13. storočia, ktorý zobrazuje povstanie, ktoré v roku 1159 vyvolal šéf veľkého klanu samurajov Yoshimoto Minamoto. Rovnako ako miniatúry v starých ruských kronikách, zvitky ako Heiji Monogatari nie sú len vynikajúcimi umeleckými dielami, ale aj historickými dôkazmi. Kombináciou textu a obrazu v horúčavách reprodukovali búrlivé udalosti kniežacích sporov druhej polovice 12. storočia, ospevovali vojenské činy a vysoké morálne kvality novej vojenskej šľachty, samurajov, ktorá vstúpila na scénu dejín.

Najväčším umelcom obdobia Muromachi je Sesshu (1420-1506), ktorý vytvoril svoj vlastný štýl. Vlastní vynikajúce dielo japonského maliarstva „Dlhý krajinný zvitok“ z roku 1486 s dĺžkou 17 ma šírkou 4 m. Zvitok zobrazuje štyri ročné obdobia. Sesshu bol vynikajúcim maliarom portrétov, o čom svedčí aj jeho portrét Masuda Kanetaka.

V posledných desaťročiach obdobia Muromači prebiehal proces intenzívnej profesionalizácie maľby. Začiatkom 16. storočia sa objavila slávna škola Kano, ktorú založil Kano Masanobu (1434-1530), ktorý položil základy dekoratívneho smeru v maliarstve. Jedným z raných diel žánrovej maľby školy Kano je obraz plátna od umelca Hijoriho na tému „Obdivujúce javory v Takao“.

Od konca 16. storočia sa hlavnou formou maľby stali nástenné maľby a maľby na skladacích paravánoch. Obrazy zdobia paláce aristokratov, domy občanov, kláštory a chrámy. Štýl dekoratívnych panelov sa vyvíja - áno-mi-eh. Takéto panely boli natreté sýtymi farbami na zlatú fóliu.

Znakom vysokého stupňa rozvoja maliarstva je existencia na konci 16. storočia viacerých maliarskych škôl, medzi ktoré patria Kano, Tosa, Unkoku, Soga, Hasegawa, Kaiho.

V priebehu 17. – 19. storočia zaniklo množstvo kedysi slávnych škôl, no na ich miesto nastupujú nové, ako napríklad drevorezba ukiyo-e, škola Maruyama-Shijo, školy Nanga a európske maliarstvo. Spolu so starobylými mestami Nara a Kjóto, nové hlavné mesto Edo (moderné Tokio), Osaka, Nagasaki atď. sa stali centrami kultúry a umenia neskorého stredoveku (v Japonsku sa to ťahalo takmer do 19. storočia) .

Umenie obdobia Edo (1615-1868) sa vyznačuje zvláštnym demokratizmom a kombináciou umeleckého a funkčného. Príkladom takejto kombinácie je maľovanie na obrazovky. Práve na spárovaných obrazovkách boli napísané „Červené a biele slivkové kvety“ – najvýznamnejšie a najznámejšie zo zachovaných diel veľkého umelca Ogata Korina (1658 – 1716), majstrovské dielo, právom zaradené medzi najlepšie výtvory nielen Japonské, ale aj svetové maliarstvo.

Jedným z najpopulárnejších žánrov japonských malých výtvarných umení bolo netsuke. V netsuke sa lámal umelecký kánon stredoveku v kombinácii s renesančnou uvoľnenosťou umenia v ére Edo. Zdá sa, že tieto diela miniatúrnych sôch sústreďujú tisíce rokov japonskej plastickej skúsenosti: od divokej dogu z Jomon, haniwa neskorých Kurganov až po kanonickú kultúru stredoveku, kamenných budhov a živého stromu Enku. Netsuke majstri si požičali bohatstvo výrazu, zmysel pre proporcie, úplnosť a presnosť kompozície, dokonalosť detailov z klasického dedičstva.

Materiál pre netsuke bol veľmi odlišný: drevo, slonovina, kov, jantár, lak, porcelán. Nad každou vecou majster pracoval niekedy celé roky. Ich námet sa nekonečne líšil: obrazy ľudí, zvierat, bohov, historických postáv, postáv ľudových presvedčení. Rozkvet tohto čisto mestského úžitkového umenia spadá do druhej polovice 18. storočia.

Kedysi v minulom storočí sa Európa a potom Rusko prostredníctvom rytiny prvýkrát zoznámili s fenoménom japonského umenia. Majstri ukiyo-e dosiahli maximálnu jednoduchosť a zrozumiteľnosť ako pri výbere zápletiek, tak aj pri ich realizácii. Námetom rytín boli väčšinou žánrové výjavy z každodenného života mesta a jeho obyvateľov: obchodníkov, umelcov, gejš.

Ukiyo-e ako špeciálna umelecká škola navrhla množstvo prvotriednych majstrov. Počiatočné štádium vývoja grafickej rytiny je spojené s menom Hisikawa Moronobu (1618-1694). Prvým majstrom viacfarebného rytia bol Suzuki Haranobu, ktorý pracoval v polovici 18. storočia. Hlavným motívom jeho tvorby sú lyrické výjavy s prevládajúcim vplyvom nie na akciu, ale na prenášanie pocitov a nálad: neha, smútok, láska.

Podobne ako starodávne vycibrené umenie éry Heian, aj majstri ukiyo-e oživili v novom mestskom prostredí akýsi kult vycibrenej ženskej krásy, len s tým rozdielom, že namiesto horských heianskych aristokratov sa stali pôvabné gejše zo zábavných štvrtí Edo. hrdinky rytín.

Umelec Utamaro (1753-1806) je azda ojedinelým príkladom majstra v dejinách svetového maliarstva, ktorý sa vo svojej tvorbe bezvýhradne venoval zobrazovaniu žien – v rôznych životných okolnostiach, v rôznych pózach a na toaletách. Jedným z jeho najlepších diel je Geisha Usama.

Žáner japonskej rytiny dosiahol najvyššiu úroveň v diele Katsushika Hokusaia (1760-1849). Charakterizuje ho úplnosť pokrytia života dovtedy neznámeho v japonskom umení, záujem o všetky jeho aspekty – od náhodnej pouličnej scény až po majestátne prírodné javy.

Vo veku 70 rokov vytvoril Hokusai svoju najznámejšiu sériu grafík „36 pohľadov na Fuji“, po ktorej nasledovali série „Mosty“, „Veľké kvety“, „Cesta cez vodopády krajiny“, album „100 pohľadov z Fuji“. Každá rytina je cennou pamiatkou výtvarného umenia a séria ako celok dáva hlboký originálny koncept bytia, vesmíru, miesta človeka v ňom, tradičný v tom najlepšom zmysle slova, t. zakorenené v tisícročnej histórii japonského umeleckého myslenia a úplne inovatívne, miestami odvážne, pokiaľ ide o spôsoby vykonávania.

Hokusaiho tvorba adekvátne prepája stáročné umelecké tradície Japonska s moderným prostredím umeleckej tvorivosti a jej vnímania. Hokusai brilantne oživil krajinársky žáner, ktorý dal v stredoveku také majstrovské diela ako Sesshu's Winter Landscape, a preniesol ho z kánonu stredoveku priamo do umeleckej praxe 19.-20. storočia, pričom ovplyvnil a ovplyvnil nielen francúzskych impresionistov. a postimpresionistov (Van Gogh, Gauguin, Matisse), ale aj o ruských umelcoch Sveta umenia a iných, už moderných školách.

Umenie farebného gravírovania ukiyoe bolo celkovo vynikajúcim výsledkom a možno aj akýmsi dotvorením jedinečných ciest japonského výtvarného umenia.



Malé dejiny umenia. Umenie krajín Ďalekého východu. Vinogradova N.A., Nikolaeva N.S.

M.: 1979. - 374 s.

Tento zväzok „Malých dejín umenia“ je venovaný umeniu krajín Ďalekého východu. Patrí do pera sovietskych výskumníkov N. Vinogradovej a N. Nikolaevovej. Na rozsiahlom území, konvenčne označovanom ako Ďaleký východ, sa rozvinula živá a originálna kultúra, ktorá zanechala vynikajúce diela ľudského génia v literatúre, filozofii a výtvarnom umení. Na materiáli architektúry, sochárstva, maliarstva a dekoratívnych remesiel Číny, Kórey, Japonska a Mongolska, pokrývajúceho chronologický rámec od staroveku do konca 19. storočia, autori presvedčivo ukazujú, že umenie krajín Ďalekého východu , nie je izolovaný od historického a kultúrneho procesu, dodržiavajúc jeho najvšeobecnejšie zákony, zároveň je samostatným fenoménom svetového umenia. Kniha je vybavená vedeckým aparátom - synchronistickou tabuľkou, slovníkom, bibliografiou. Bohato ilustrované farebnými a farebnými ilustráciami.

Formát: pdf

Veľkosť: 24 MB

Stiahnuť ▼: yandex.disk

OBSAH
6 Predhovor Ya. S. Nikolaeva
9 ČÍNA N.A. Vinogradova
10 Úvod
16 Umenie najstarších a najstarších období (IV. tisícročie pred Kristom - III. storočie nášho letopočtu)
31 Umenie 4.-6. storočia
47 Umenie 7.-13. storočia
117 Umenie konca XIII-XIV storočia
125 Umenie konca 14.-19. storočia
153 KÓREA N. A. Vinogradova
154 Úvod
158 Umenie najstarších a najstarších období (3. tisícročie pred Kristom – prvé storočia pred Kristom)
163 Umenie obdobia troch kráľovstiev – Goguryeo, Baekje a Silla (prvé storočie pred Kristom – 7. storočie po Kr.)
177 Umenie VIII-IX storočia. Jednotné obdobie Silla
189 Umenie X-XIV storočia. Goryeo obdobie
196 Umenie 14. - začiatok 19. storočia
207 JAPONSKO N. S. Nikolaeva
208 Úvod
211 Umenie najstarších a najstarších období (IV. tisícročie pred Kristom – VI. storočie nášho letopočtu)
220 Umenie 6. – 8. storočia
242 Umenie 9.-12. storočia
263 Umenie XIII-XV storočia
289 Umenie 16. - začiatok 17. storočia
306 Umenie druhej polovice 17.-19. storočia
329 MONGOLSKO N. A. Vinogradova
330 Úvod
333 Umenie staroveku a staroveku
337 Umenie feudálneho obdobia (XIII - začiatok XX storočia)
353 APLIKÁCIÍ
354 Slovník pojmov
357 Synchronizačná tabuľka
367 Stručná bibliografia
371 Menný zoznam
umelcov a architektov

Tento zväzok je venovaný dejinám umenia národov Číny, Kórey, Japonska a Mongolska od staroveku po 19. storočie. V priebehu niekoľkých tisícročí sa na obrovskom území, bežne označovanom ako Ďaleký východ, rozvinula živá a originálna kultúra, ktorá zanechala vynikajúce diela ľudského génia v literatúre, filozofii, výtvarnom umení a architektúre.
Dlhé historické obdobie, o ktorom sa v knihe hovorí, zahŕňa dva po sebe nasledujúce typy kultúry – starovekú a stredovekú. Už v staroveku vytvorili národy Ďalekého východu významné pamiatky duchovnej a materiálnej kultúry. Ale ich hlavným prínosom pre kultúru ľudstva sú vynikajúce diela maliarstva, sochárstva, architektúry a dekoratívneho umenia vytvorené v stredoveku.

Oficiálna história organizácie sa začala písať v októbri 1938 z iniciatívy V. V. Bezrodného. Umelec, pedagóg a verejný činiteľ Vasilij Vasilievič Bezrodnyj vyštudoval Akadémiu umení v Petrohrade. I. E. Repin, Katedra divadelnej tvorby. Podľa súčasníkov to bol moderne zmýšľajúci človek so znalosťami a vysokou umeleckou kultúrou.

Vo Vladivostoku tých rokov bolo vyššie umelecké vzdelanie zriedkavým javom. Profesionálne zručnosti a vízie umenia V. V. Bezrodného sa formovali v bývalej cisárskej akadémii umení, kde pôsobili A. P. Ostroumová-Lebedeva, I. I. Brodskij, M. P. Bobyshev, B. V. Ioganson, D. N. Kardovsky.

Atmosféru na akadémii tých rokov môže posúdiť špeciálna sála otvorená v roku 2013 vo Výskumnom múzeu Ruskej akadémie umení (NIM RAH) v Petrohrade. Ide o sálu venovanú Akadémii umení v jednom z pre ňu zložitých období – 20. – začiatkom 30. rokov 20. storočia, kedy bol nezvyčajný, pestrý obraz rôznych, niekedy aj vzájomne sa vylučujúcich trendov. To ovplyvnilo formáciu umelca.

Jednou z vlastností V. V. Bezrodného, ​​formovaného v tom čase, možno nazvať všestrannosť jeho tvorivej povahy. To ovplyvnilo atmosféru v novovytvorenej organizácii v Primorye a charakter činnosti samotného V. V. Bezrodného, ​​ktorý sa angažoval nielen v záležitostiach miestneho zväzu umelcov, ale usiloval sa aj o založenie umeleckého školstva.

O prvých krokoch Prímorskej organizácie umelcov V. I. Kandyba napísal toto: „Dňa 10. októbra 1938 sa prvýkrát v histórii regiónu stretli umelci z rôznych častí Prímoria.

Toto stretnutie sa stalo zakladajúcim. Jeho výsledkom bolo vytvorenie organizačného výboru Zväzu prvotných umelcov, ktorý 1. augusta 1939 zaregistroval organizačný výbor Zväzu sovietskych umelcov v Moskve.

Za predsedu bol zvolený V. V. Bezrodnyj, za podpredsedu a predsedu výstavného výboru V. F. Inozemcev a za technického tajomníka T. G. Alešunina. Slávne „štvrtky“ v N. I. Kramskoy s kreslením, rozprávaním o umení sa vo Vladivostoku premenili na pokročilé školiace štúdio pre umelcov. Boli pravidelné stretnutia, práca na sebe. Tu vládlo štúdio, jedinečný duch kamarátstva, solidarity, nadšenia a tvorivých túžob. Nie bez dôvodu sa už v roku 1939 podľa plánu organizačného výboru otvorila spoločná výstava diel umelcov Primorye. Zúčastnilo sa ho 18 ľudí so 120 prácami.

Tvorivú organizáciu tvorili I. A. Zyryanov, P. V. Muldin, O. I. Bogashevskaya-Sushkova, S. S. Serezhin, M. A. Tsyganov, V. M. Fomin, N. A. Mazurenko, V. M. Sviridov, F. I. Rodionov, S. P. Budrin, Pravkov, V. Pravkov. , I. F. Palškov (Suchan, s. 1972 - Partizansk), P. P. Medvedev (Artem), V. M. Zotov (Ussurijsk), S. P. Čajka (Ussurijsk), I. S. Dereka (Ussurijsk), S. F. Arefin (Ussurijsk), Jurijsk (Ussurijsk) Arsurijsk Aslanov (Ussurijsk).

Členovia prvého zloženia organizácie mali rôzne úrovne vzdelania a rôzne profesionálne skúsenosti. Takže M. A. Tsyganov vyštudoval klubový inštruktor na technickej škole v Rostove, potom pracoval v klube pluku ako umelec počas svojej služby v Červenej armáde (1932-34), P. V. Muldin začal svoju kariéru ako študent umelca ussurijského kina. S. F. Arefin absolvoval školenie v Štúdiu vojnových umelcov. I. F. Palshkov (1887-1954) absolvoval Strednú školu technického kreslenia baróna Stieglitza v roku 1912 a mal skúsenosti s prácou v chintzových továrňach Serpukhov, Ivano-Voznesensk, ako aj s účasťou na výstavách Spoločnosti Nestranícky umelci v Petrohrade (1914 – 1915) a získal uznanie za krajinu, štúdie a kresby. V roku 1916 sa I. F. Palshkov podieľal na výstavbe kostola v škole ľudového umenia cisárovnej Alexandry Feodorovnej, za čo mu bol udelený vzácny odznak s vyobrazením štátneho znaku. Napriek týmto rozdielom však umelcov spájala jedna vec: ich práca odrážala prírodu a mnohostranný život Primorského kraja.

V roku 1939 v dome V. V. Bezrodného na Puškinskej 12 pracoval Organizačný výbor Asociácie primárnych umelcov. Tento dom sa nezachoval. V. V. Bezrodnyj sa v roku 1936 presťahoval do Vladivostoku z Ussurijska.

Začína pracovať v divadle Tichomorskej flotily, vytvára náčrty kulís a kostýmov. Umelec zároveň prichádza so vzdelávacími iniciatívami: vytvára „Štúdio námorných umelcov“ v Klube námorníkov, ktorý sa v tom čase nachádzal v budove luteránskeho kostola, kde sú vojaci Červeného námorníctva a Červenej armády. zasnúbený.

V roku 1939 bola v Klube námorníkov (dnes Puškinovo divadlo, Puškinskaja ul. 27) z iniciatívy Bezrodného vytvorená ateliérová škola, v ktorej študovali podľa programu strednej umeleckej školy. Povedomie o potrebe odborného (a nie ateliérového) vzdelávania podnecuje V. V. Bezrodného vytrvať pri vytváraní vladivostockej umeleckej školy. V roku 1943 Ľudový komisariát školstva ZSSR schválil rozhodnutie o otvorení umeleckej školy vo Vladivostoku, ktorej riaditeľom bol T. G. Aleshunin (neskôr presunutý na Ďaleký východný pedagogický inštitút umenia, organizovaný v roku 1962, do funkcie vicevice -rektor pre hospodárske záležitosti). V roku 1944 sa uskutočnil prvý zápis žiakov, v ďalšom školskom roku 1945-1946 mala škola dva učebné odbory maliarskeho a divadelného odboru a jeden odbor sochárstva.

V roku 2014 oslávila Vysoká škola umenia vo Vladivostoku 70. výročie svojho založenia a v súčasnosti sa pripravuje materiál na vytvorenie albumu venovaného histórii školy a jej úlohe pri formovaní a rozvoji umeleckého školstva na území Prímorska a na Ďalekom východe. V tomto článku by som chcel zdôrazniť prepojenie tvorivej organizácie a školy: vtedajší učitelia VCU V. V. Bezrodnyj, B. F. Lobas, V. S. Zdanovič, G. M. Tsaplin, F. N. Babanin, K. I. Šebeko, V. I. Prokurov, A. M. Rodionov , M. A. Kostin, N. P. Žogolev, D. P. Kosnitskij, Yu I. Gerasimov, N. M. Timofeev, E. E. Makeev, L. A. Kozmina, A. A. Obmanec, M. V. Kholmogorova, A. P. Žogoleva, V. V. Medvedev sú členmi organizácie Zväzu Primorsky a ďalší boli členmi Primorského zväzu a ďalších. Umelci Ruska.

Postupom času sa organizačná a tvorivá práca Prímorskej organizácie umelcov dostala na kvalitatívne novú úroveň: regionálne výstavy umenia sa stali pravidelnými, do umeleckého života prišli absolventi Vysokej školy umenia vo Vladivostoku. V roku 1959 sa organizácia Primorsky presťahovala do novej budovy na ulici. Aleutskaya, 14a.

Nová, svetlá etapa sa začala v živote Prímorského zväzu umelcov v polovici 50. rokov 20. storočia. Toto sú roky profesionálnej formácie I. V. Rybachuka, K. I. Shebeka, K. P. Kovala, N. A. Mazurenko, S. F. Arefina, V. N. Gerasimenka, T. M. Kushnareva, V. M. Medvedského, V. M. Sviridova, B. F. Lobasu, A. V. Teleshov, prvé prehľady v týchto rokoch, atď. diela primorských umelcov sa objavili v časopise "Khudozhnik". Všeobecnú charakteristiku tohto desaťročia sformuloval V. I. Kandyba: „...je to skôr obdobie formovania a hromadenia síl, zakorenenie na prímorskej pôde mladého rastu priekopníckych umelcov.“ Úloha priekopníckych umelcov v umeleckom vývoji reality Ďalekého východu je veľká.

Koncom 50. rokov 20. storočia boli stanovené tie znaky, ktoré umožnili nazvať prímorské umenie na nasledujúcich zónových výstavách. Toto je prevládajúca úloha krajiny, túžba zvládnuť žáner dejovo-tematického obrazu spojeného s históriou regiónu, povaha práce v ňom (Prímorský kraj je územie námorníkov, rybárov, baníkov), záujem v téme Sever, Čukotka, Kamčatka, Kurily.

Za objaviteľov severskej tematiky nielen na Ďalekom východe, ale aj v sovietskom umení sú považovaní I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko. Výstava „Tri majstri“ v sálach Prímorskej pobočky VTOO „Zväz umelcov Ruska“ v roku 2014 za účasti I. V. Rybachuka a K. I. Shebeka umožnila pozrieť sa na tento materiál z pohľadu moderného víziu témy v umení a ešte raz zhodnotiť rozsah toho, čo sa urobilo. Sever prilákal V.M. Medvedského, I.A. Iončenkovej, N. D. Volkovej (Ussuriysk) a ďalších umelcov, čo ich podnietilo k hľadaniu špeciálnych umeleckých prostriedkov, ktoré by primerane odrážali prírodu a človeka Severu.

Ďalšou nemenej významnou témou v umení umelcov Primorye bola téma Shikotan. Keď sa táto téma stala predmetom najnovšieho výskumu v súvislosti s pozornosťou venovanou domácemu umeniu 60. rokov vo všeobecnosti, ukázalo sa, že je spojená s prácou viac ako dvoch desiatok umelcov Prímorského územia a trvala desaťročia, čo dalo impulz k existencii skupiny Shikotan. Prvé obdobie existencie skupiny sa spája s menami Y. I. Volkova, I. A. Kuznecova, V. S. Račeva, E. N. Korzhu. História vzniku skupiny je spojená s osobnosťou O. N. Lošakova, po absolvovaní Moskovského umeleckého inštitútu. V. I. Surikov, ktorý prišiel do Vladivostoku učiť na umeleckú školu. Krajina, portrét, dejovo-tematický obraz - tieto žánre boli stelesnené v desiatkach plátien, ktorých hlavným obsahom bola „povaha Ďalekého východu, teda človek v jednoduchom a silnom vzťahu s ňou“. V dielach Shikotanov sa realizoval prísny štýl - trend v umení šesťdesiatych rokov, krátky čas, ale napriek tomu ovplyvnil nasledujúci postoj sovietskych umelcov až do konca osemdesiatych rokov. Skupinové výstavy sa konali vo Vladivostoku v Moskve.

O. N. Loshakov sa zúčastňuje jesennej výstavy 2014 ako čestný hosť.

S rozvojom dejovo-tematickej maľby sa spája obdobie 60. rokov 20. storočia V. I. Kandyba a výtvarní kritici z hlavného mesta: „Druhá polovica 60. rokov bola poznačená udalosťou veľkého významu pre prímorské maliarstvo - sformovaním tzv. dejovo-tematická maľba. Zo vzácneho, no vždy vítaného hosťa sa stala povinnou stálicou väčšiny našich výstav.

Akútny deficit pre ňu jasne ustúpil.“ V. I. Bochantsev, Y. I. Volkov, V. N. Doronin, N. P. Zhogolev, K. I. Shebeko, S. A. Litvinov a ďalší patria medzi „umelcov“. Hrdina doby “a kladne hodnotený kritikmi bol portrét. Najdôležitejšou témou výstavy "Sovietsky Ďaleký východ", ktorá bola otvorená v roku 1965 vo Vladivostoku, bol príbeh o súčasníkovi: "námorníci, veľrybári, rybári, stavbári, pastieri sobov - to sú zlatí sypači úžasných postáv." V tomto žánri pracujú I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko, V. A. Goncharenko, V. N. Doronin, A. V. Teleshov, M. I. Tabolkin. Toto obdobie sa vyznačuje túžbou po širokom pokrytí tém, ktoré odrážajú všetky aspekty života Primorye a Ďalekého východu. Úspechy v tejto oblasti sa spájajú s významnými udalosťami v umeleckom živote.

V roku 1962 bol organizovaný Pedagogický inštitút umenia Ďalekého východu s hudobnou, divadelnou a umeleckou fakultou (do roku 1992 sa tak nazýval, od roku 1992 do roku 2000 - Štátny inštitút umenia Ďalekého východu, od roku 2000 - Štátna akadémia umení Ďalekého východu ). Tento krok spôsobila personálna situácia v tvorivých organizáciách, ktorú prvý rektor ústavu G. V. Vasiliev v memorande ministrovi kultúry RSFSR A. I. Popovovi označil za „katastrofálne zlú“. V. A. Goncharenko, dekan inštitútu a v rokoch 1973 až 1993 rektor, píše, že otvorenie univerzity vo Vladivostoku vnímali umelci (vrátane) ako „dar osudu, nečakanú, nečakanú šancu. A musím povedať, že každý to využil v rámci svojich možností. Z nich (študenti prvej promócie - pozn. autora) vyšli bystrí umelci a úžasní učitelia: Yu.I. Volkov, O. P. Grigoriev, I. A. Iončenkov, D. P. Kosnitskij, P. J. Rogal, V. A. Snytko, Y. V. Sobčenko, V. N. Starovoitov, G. M. Tsaplin. Osobitne vyzdvihujem S. A. Litvinova, ktorý vyrastal na našej akadémii, prvého profesora maľby na Ďalekom východe, ktorý bol úplne a úplne formovaný umeleckým životom Prímora.

Absolventi umeleckých univerzít v Leningrade a Moskve V. A. Goncharenko, K. I. Shebeko, V. I. Kandyba (umelecký kritik) prišli vyučovať do novovzniknutého inštitútu - Inštitútu maľby, sochárstva a architektúry. I. E. Repina, V. N. Doronin, V. I. Bochantsev - Moskovský umelecký inštitút. V. I. Surikov. V roku 1967 nastúpili na pedagogickú dráhu S. A. Litvinov a Y. V. Sobchenko spomedzi absolventov inštitútu prvého štúdia.

V roku 1977 sa jedným z pedagógov stal N. P. Zhogolev (Inštitút maľby, sochárstva a architektúry pomenovaný po I. E. Repinovi). Ich pedagogická a tvorivá práca, účasť na výstavách, kreativita ich žiakov urobili z umeleckého života regiónu „organickú, rovnocennú, tvorivo originálnu súčasť celoruského života“. Na maliarsku fakultu Štátneho inštitútu Ďalekého východu začali vstupovať nielen absolventi Vysokej školy umenia vo Vladivostoku, ale aj školy na Sibíri a v strednom Rusku (Irkutsk, Kemerovo, Blagoveshchensk, Novoaltaisk, Ivanovo, Ryazan atď.).

Druhým faktorom, ktorý ovplyvnil rozvoj umeleckého života, bola organizácia zóny Ďalekého východu.

V roku 1960 bol vytvorený Zväz umelcov Ruskej federácie. V roku 1960 sa v Moskve konala 1. republiková výstava „Sovietske Rusko“ a predtým miestne organizácie usporiadali zónové výstavy, na ktorých sa zúčastňujú všetci členovia tvorivých tímov. Seriózna práca výstavných výborov prispieva k veľkej profesionálnej návratnosti a umelci dostávajú možnosť korelovať svoju tvorbu s tvorbou umelcov z iných území. Na základe výsledkov zónových výstav boli vybrané diela na celoruskú úroveň. Tento systém bol zachovaný mnoho rokov, čo vám umožnilo vstúpiť do všeobecného umeleckého života v krajine a zostáva dodnes. Mimochodom, Vladivostok bol trikrát miestom konania zónovej výstavy - v rokoch 1967, 1974 a 1985.

Tradície založené v 60. rokoch pokračovali až do konca 80. rokov. Samostatné výstavy umelcov Primorye sa konajú v Moskve, albumy reprodukcií K. I. Shebeka a K. P. Kovala vychádzajú v sérii „Umelci Ruskej federácie“. Úspech prímorských umelcov nespočíva len v maľbe, ale aj v stojanovej a knižnej grafike, plagátovej tvorbe (najvýznamnejším umelcom v tomto smere bol E. I. Datsko, ktorý sa na tejto výstave zúčastňuje ako čestný hosť), sochárstve, umení a remeslách. a monumentálne umenie.

Takže pre knižné vydavateľstvo Ďalekého východu, vydavateľstvo Štátnej univerzity Ďalekého východu, vydavateľstvo Dalnauka, skupinu umelcov, ktorí pozoruhodne prispeli k rozvoju knižnej grafiky na území Primorského, V. S. Chebotarev, S. M. Čerkasov, F. G. Zinatulin, E. I. Petrovskij, V. I. Voroncov, V. G. Ubiraev, S. V. Gorbach a i. „Fakulta umenia sa stala výlučne maliarskou fakultou,“ školenie v odbore grafiky poskytla ZUŠ vo Vladivostoku. Tu od roku 1960 pôsobil V. S. Chebotarev, ktorý vyštudoval Inštitút maľby, sochárstva a architektúry pomenovaného po V.S. I. E. Repin (dielňa A. F. Pakhomova, odbor grafik). V. S. Chebotarev sa zúčastňuje na výstavách s grafickými dielami. Pracuje pre knižné vydavateľstvá Ďalekého východu. Vzostup prímorskej grafiky, ktorý je spojený s menom umelca, znamená, že mnohí jeho absolventi začali pracovať v tejto oblasti umenia.

V roku 1978 sa v organizácii Primorsky objavila sekcia umenia a remesiel, ktorá združovala umelcov z Vladivostoku, Artemu, Nakhodky, dediny. Kavalerovo. V súvislosti s otvorením továrne na výrobu kobercov a porcelánky v Artyome, továrne na suveníry a porcelánky vo Vladivostoku, továrne na umeleckú keramiku v Spassku-Dalniy, prišli do Prímorského kraja mladí, kreatívne aktívni umelci, ktorí vyštudovali Moskovskú Vyššia umelecká priemyselná škola, umelecká škola v Odese. M. Grekova, Leningradská Vyššia priemyselná škola, Moskovský technologický inštitút, Leningradská Vyššia priemyselná škola. V. Mukhina, Irkutská škola umenia.

Na výstavách umeleckých remesiel vystavovali výtvarníci sekcie umelecký textil (tapisérie, batika, makramé), porcelán, keramiku, dekoračné predmety z kovu, dreva, kameňa s motívmi Ďalekého východu. V priebehu rokov do sekcie patrili A. V. Katsuk, P. F. Fedotov, A. S. Pesegov, O. P. Grigoriev, O. G. a A. G. Kalyuzhny, A. P. Onufrienko, V. F. . Kosenko, V. K. Zacharenko (Nachodka), T. G. Matyukhina (Artem), T. G. Limonenko, G. M. Maksimyuk, G. G. Dobrynina, T. M. Suslova a ďalší E. V. Barsegov, N. M. Shaymordanova, V. G. Nenazhivin.

V publikáciách venovaných Primorskej organizácii Zväzu umelcov Ruska zaznamenávajú rovnováhu rôznych žánrov maľby, vo veľkom počte diel grafiky, sochárstva, umeleckých remesiel a monumentálneho umenia. Umelci Primorye sú autormi dobrej úrovne maliarskych diel, aktívne sa zúčastňujú na regionálnych, republikových, celoruských výstavách, prispievajú k formovaniu obrazu mesta (mozaikové panely, umelecké formy v rôznych častiach mesta, interiér dizajn a fasády verejných budov). Celkovo možno 60. – 80. roky 20. storočia považovať za obdobie formovania mnohotvárneho prímorského umenia s vlastnou tvárou.

V 90. rokoch sa zmeny, ktoré nastali v spoločensko-politickom živote krajiny, premietajú do umeleckého života. Hlavnú tézu tejto doby, umelcov, ktorí prišli k umeniu koncom 80. rokov, sformulovali v booklete výstavy „Generácia 80. rokov“: „Generácia 80. rokov mala dobu, v ktorej boli ako priekopníci dovolené tvoriť mimo akejkoľvek ideológie, na vlastnú päsť... Úplná sloboda prejavu, na ktorú si však treba ešte zvyknúť. Najťažšia je generácia, ktorá vyrástla v jednej dobe a musí žiť v inej. Prežívajú tu tí najsilnejší, alebo skôr posadnutí, pre ktorých je maľovanie život. Hlavným problémom je na jednej strane hľadanie možností prostredníctvom umenia na vyjadrenie problematickej vízie moderného života, na druhej strane túžba po individualite, ktorá určuje miesto umelca v celkovom rade. V tomto období zohrávajú osobitnú úlohu mladí umelci. Ich výstavy poukazujú na „existenciu diametrálne odlišných tendencií a smerov v umení, nezlučiteľnosť postojov a vkusu, vzájomne sa vylučujúce prístupy k zobrazovaniu človeka. Paleta estetického hľadania mladých maliarov... sa stala komplexnejšou,... za hlavný princíp sa hlási viacero spôsobov interpretácie reality súčasne – od bezpodmienečného odkrývania prírody a priamych výpovedí o svete až po alegorické obrazy a symbolické konštrukcie, ako aj ako celý konglomerát techník vypožičaných z technických arzenálov moderného modernizmu. Túto tézu odhaľujú výstavy tvorivých skupín Vladivostok, Shtil, Lik, ktorých činnosť spadá do konca 80. a začiatku 90. rokov 20. storočia.

Za jednu z prelomových výstav tejto doby možno považovať 2. výstavu mladých umelcov Ďalekého východu „Územie nádeje“ (1995, Vladivostok). Pri analýze prezentovaného materiálu V. I. Kandyba píše: „Teraz bolestne veľa hovoríme o ťažkostiach života umelca v Rusku. Ale ako veľmi by som si prial, aby sa napriek nim napriek všetkému stal náš Ďaleký východ požehnaným územím nádeje pre kreativitu. Tak, ako je táto výstava pre nás, vyžarujúca svetlo mladosti a nádeje.“ Čo motivuje jedného z popredných umeleckých kritikov Ďalekého východu, aby hľadel do budúcnosti s optimizmom? Okrem všeobecnej prognózy si všíma diela L. A. Kozminu, I. G. a O. G. Nenazhivina, E. A. Tkačenka, A. G. Filatova, I. I. Butusova a ine, aj ked ich nepovazuju za pristupne pre kazdeho, ale všímaju si prácu s formou a farbou, významy a asociácie. Z pohľadu dnešných umelcov, ktorých mená vo svojom článku vymenoval V. I. Kandyba, reagoval na výzvy doby, ich tvorba je toho bezvýhradným potvrdením.

Ale v deväťdesiatych rokoch sa tieto výzvy stali akútnymi. Problém nových foriem, nastolený technologickým pokrokom, bol aktuálny: v umeleckom živote sa formuje skutočné umenie, ktoré nie je spojené s tradičnými schopnosťami umelca. Kríza nastala aj v oblasti umeleckej kritiky, ktorá predtým analyzovala a zovšeobecňovala fenomény umeleckého života a v nových podmienkach sa začala podobať umeleckej žurnalistike, ktorá síce prispela k vytvoreniu obrazu doby, ale nedokázala reflektovať. situáciu ako celok.

Ak hovoríme o tvorivej únii ako ekonomickom organizme, zásadné zmeny zasiahli aj túto sféru života: umelecký fond ako forma organizácie zamestnania umelca prestáva na Primorskom území existovať. Samozrejme, 90. roky možno nazvať krízovým obdobím pre umenie regiónu.

Život nás zároveň nabáda hľadať nové formy vzťahov so spoločnosťou. V roku 1992 Vladivostok stráca svoj štatút uzavretého prístavného mesta, kontakty s umelcami z iných krajín sú možné a rozvíjajú sa. Obyvatelia Primorye sa začínajú zúčastňovať na veľkých umeleckých podujatiach v ázijsko-pacifickom regióne a vstupujú na umelecký trh. Objavili sa neštátne galérie „Artetage“ (zakladateľ a riaditeľ A. I. Gorodniy), „Arka“ (zakladateľ a riaditeľ V. E. Glazková). Vďaka nim sa formuje primárne chápanie postavy kurátora, ktorý presadzuje myšlienku výstavy v súlade s vlastnou víziou umeleckého procesu, témy a zabezpečuje ich realizáciu. Treba si všimnúť snahu A. I. Gorodného pri formovaní kolektívnych výstav s veľkým počtom účastníkov, členov Zväzu výtvarníkov, podávajúcich prierez toho či onoho umeleckého fenoménu: „110 autoportrétov“, „Detské portrét“, „Vladivostok: krajiny a tváre“, „Umelci v Andreevke“ a iné. Skúsenosti s prácou na týchto miestach, ktoré umožnili zoznámiť sa s umením umelcov z iných regiónov Ruska a zahraničia, ktorí predstavujú súčasné umenie , fotografia, určite potrebuje hĺbkový výskum a zovšeobecnenie. V tomto článku si všimneme nasledovné: Múzeum Artetage aj Galéria Arka pracovali a naďalej spolupracujú s umelcami, ktorí sú členmi Zväzu umelcov Ruska. „Artetage“ je stálym partnerom pobočky Primorsky pri organizovaní rozsiahlych výstav (prímorská organizácia VTOO „Zväz umelcov Ruska“: 70 rokov, „Štátna akadémia umení Ďalekého východu: 50 rokov“, „Umelci do flotila" atď.)

Do roku 2000 sa formoval moderný obraz umeleckého života. Členovia kreatívneho zväzu sa aktívne zúčastňujú na výstavách rôznych úrovní v Rusku i v zahraničí, na najväčších umeleckých veľtrhoch v ázijsko-pacifickom regióne (KIAF, Guangzhou Art Fair atď.). V rámci summitu APEC 2012, bienále vizuálnych umení Vladivostok atď. sa konali veľké výstavy umenia za účasti vladivostockých umelcov. Umelci iniciujú rôzne akcie. Medzi najvýznamnejšie patrí séria umeleckých plavieb organizovaných S. D. Gorbačovom na jachte Allegro v polovici 90. rokov.

Myšlienka vytvorenia v roku 2001 hnutia "House of Prishvin" (na čele s cteným umelcom Ruskej federácie V. I. Oleinikov), ktoré spájalo spisovateľov, umelcov, miestnych historikov v súvislosti s kreatívnym prehodnotením pobytu M. Prishvina v Primorye, viedol nielen k množstvu výstav, ale aj k sérii tvorivých stretnutí v knižniciach Prímorského kraja.

V roku 2006 V. F. Kosenko, A. P. Onufrienko a množstvo ďalších umelcov, dizajnérov a architektov prišli s myšlienkou projektu Harmony of the Environment, ktorý zahŕňal množstvo výstav. Najvýraznejšou z nich bola výstava „Mesto, more, vietor, plachta“ (bola načasovaná na narodeniny Vladivostoku). Prezentovalo sa monumentálne umenie, maľba, grafika, umelecké remeslá, architektonické a dizajnérske projekty. Myšlienkou výstavy je určiť miesto umelca v mestskom prostredí. V čase, keď bola výstava vytvorená, už existovali pozitívne skúsenosti s obnovou železničnej stanice a Tsesarevičského oblúka vo Vladivostoku členmi Prímorskej organizácie Zväzu umelcov Ruska. Projekt sprevádzala séria publikácií v periodikách, ktoré hovoria o pokusoch nielen o vytvorenie skutočného umeleckého produktu, ale aj o formovanie verejnej mienky (v tejto myšlienke sa pokračuje aj v súčasnosti: v septembri 2014 Alliance Francaise Vladivostok predstavila vzdelávací projekt „Súčasné umenie v meste architektúry“, ktorý vyvolal veľké nadšenie u študentov študujúcich architektúru a dizajn). V istom zmysle v roku 2006 umelci z Primorye predbehli dobu. A v roku 2013 bol pokračovaním projektu návrh kina Vladivostok so sériou keramických panelov od G.G. Dobrynina a V.F. Kosenko.

Ďalšou zaujímavou iniciatívou bolo vytvorenie neziskovej Nadácie pre vizuálne umenie „MOST“ v roku 2009, ktorej autorom boli A. L. Arsenenko a V. N. Starovoitov. Za hlavnú aktivitu organizátori označili činnosť v oblasti umenia. Jednou z akcií fondu Dary mágov je charitatívna výstava diel umelcov z Primorye v múzeu a výstavnom komplexe P.I. V. K. Arseniev na ulici. Petra Veľkého, 6 - podľa plánu organizátorov bola vykonaná za účelom následného presunu finančných prostriedkov z predaja obrazov na vytvorenie primeraného priestoru v múzeu pre osoby s obmedzenou schopnosťou pohybu.

Tieto príklady naznačujú, že v súčasnej fáze sa oblasť tvorivého hľadania umelca rozšírila.

Štátna akadémia umení Ďalekého východu tiež rozširuje svoj obvyklý záber činnosti. Do roku 2009 sa na Katedre maľby vytvoril nový pedagogický kolektív. Vynovené oddelenie sa hlási výstavou v sálach Prímorskej štátnej galérie umenia „Maľované“, čo je samo o sebe mimoriadny krok. V úvodnom článku k výstavnému katalógu V.I.Kandyba píše, že za takmer polstoročie existencie akadémie nebol nápad na kolektívnu výstavu pedagógov fakulty. Výstava bola míľnikom, ktorý znamenal zmenu generácií nielen v dielňach, ale aj v triedach akadémie, kde v roku 2009 I. I. Butusov, A. V. Glinshchikov, A. A. Enin, E. E. Makeev, V. Medvedev, I. B. Obukhov, N. A. Popoviča, ktorí sa „stanú členmi jedného tímu, umelci a pedagógovia v jednej osobe, spolu stelesňujú tvorivý potenciál fakulty a hlavnú cestu jej rozvoja v budúcnosti“.

V roku 2009 sa po prvýkrát z iniciatívy Štátnej umeleckej akadémie Ďalekého východu uskutočnila medzinárodná súťaž mladých umelcov „ArtVladivostok“, ktorá bola ukončená výstavou na základe výsledkov. Každoročne sa stávajú výstavy v sálach Primorskej pobočky VTOO „Zväzu umelcov Ruska“ a Prímorskej štátnej galérie umenia po výsledkoch plenérov a 2. a 3. súťaže „ArtVladivostok“. V zozname výstav a umeleckých podujatí mladí umelci, čerství absolventi akadémie, uvádzajú plenéry v Petrohrade, Florencii, účasť na celoruských umeleckých podujatiach (pripravuje sa výstava „Je to skvelé!“ v múzeu Artetazh na OH 2014).

Počas obdobia pôsobenia vo funkcii predsedu A. A. Pyrkova sa vďaka úsiliu dekana maliarskej fakulty N. A. Popoviča vytvorila mládežnícka sekcia Prímorskej pobočky VTOO „Zväz umelcov Ruska“.

V súčasnosti má Prímorská pobočka Zväzu umelcov Ruska VTOO 124 ľudí vrátane umeleckých kritikov: doktor dejín umenia V. M. Markov, kandidát dejín umenia O. I. Zotova, ctený pracovník kultúry Ruskej federácie L. I. Varlamova, ctený pracovník kultúry Ruskej federácie N. A. Levdanskaja. Členom Zväzu umelcov je aj riaditeľ múzea "Artetazh" A. I. Gorodniy.

Do roku 2003 pobočka Nakhodka (dnes N POBOČKA MESTA AKHODKA VTOO "ÚNIA UMELCOV RUSKA"). Skupina umelcov Nakhodka bola založená v roku 1980 z iniciatívy vodcov mesta Nakhodka. Boli pozvaní absolventi umeleckých univerzít krajiny, ktorým bolo poskytnuté ubytovanie: V. V. Zakharenko, V. K. Zakharenko - absolventi Moskovskej vysokej školy umeleckého priemyslu, V. E. Ežkov - absolvent Inštitútu maľby, sochárstva a architektúry. I.E. Repina, Y. A. Reznichenko, N. P. Saunin sú absolventmi Inštitútu umenia Ďalekého východu. V roku 1982 bol pozvaný člen Zväzu umelcov ZSSR, laureát Ceny Primorského Komsomolu V. P. Lakhansky. Od roku 1982 bol zvolený za člena predstavenstva organizácie Primorsky a viedol tvorivú skupinu Nakhodka. Zároveň v meste pôsobili umelci N. M. Kublov, V. P. Vodnev, V. A. Gorban, V. P. Popov, Y. I. Tukhov, G. A. Omelchenko a ďalší.pôsobia ešte v 80. rokoch. Vyhlásila sa Olga P. Kozich (absolventka Inštitútu umenia Ďalekého východu). Kozichova grafika sa vyznačuje presnosťou kompozičného riešenia, sebavedomým vzorom a komplexnou farebnou schémou. Veľký prínos do umenia grafiky mali V. P. Bykov (v sovietskych časoch umelci veľa cestovali po Čukotke, zachytávajúc Sever v sérii grafických listov) a F. F. Konyukhov. Dielo G. A. Omelčenka je spojené s Nakhodkou. Na 1. zónovej výstave „Sovietsky Ďaleký východ“ sa umelec podieľal na grafickom cykle „Rybárske dni“ a „Far Eastern Frontiers“, ale potom sa venoval výlučne maľbe. Objav sa stal jedným z hlavných námetov výtvarníka plagátu V. A. Gorbana. Pozoruhodným fenoménom bolo dielo krajinára N. P. Saunina. Od roku 1964 N. M. Kublov žil a tvoril v Nachodke, hlavnou témou jeho diel bola téma lásky k malej vlasti, stelesnená vo farebne bohatých plátnach. Od roku 1983 v Nachodke žije a tvorí sochár E. K. Sambursky (absolvoval Frunze Art College, dielňu N. I. Ladyagina). V roku 1987 boli do Nachodky pozvaní absolventi Inštitútu umenia Ďalekého východu V. K. a N. S. Usov.

80. roky boli tvorivým obdobím. Jadro skupiny – mladí výtvarníci a členovia Zväzu výtvarníkov V. P. Lakhanskij a G. A. Omelchenko, aktívne pracovali v maľbe, grafike, umeleckom remesle. Každoročné mestské výstavy (od roku 1980 po súčasnosť) - v sálach múzea a výstaviska, na ktorých sa zúčastňujú umelci rôznych generácií, priťahujú pozornosť obyvateľov mesta. Umelci sa tiež zúčastňujú na regionálnych, krajských, republikových a celoúnijných výstavách, nadväzujú medzinárodné vzťahy. V. P. Lakhanskij, V. V. Zakharenko, V. P. Bykov sa stali účastníkmi medzinárodného projektu v meste Otaru (Japonsko), G. A. Omelchenko, V. P. Lakhansky, V. P. Bykov boli účastníkmi výstavy v meste Maizuru (Japonsko), výmenné výstavy boli medzi umelcami mesta Nakhodka a umelcami miest Maizuru a Otaru (Japonsko). Realizujú sa tvorivé zájazdy do akademických dačí Zväzu výtvarníkov, uskutočňujú sa plenéry, organizujú sa stretnutia umelcov a divákov, stretnutia so študentmi umeleckých škôl mesta, súťaže. Umelci V. V. Zakharenko, V. K. Zakharenko, V. P. Bykov, F. F. Konyukhov, N. P. Saunin, Y. A. Rezničenko, V. E. Ežkov, O. P. Kozich, V. K. Usov, N. S. Usova. Vďaka vedeniu mesta boli takmer pre všetkých členov Únie výtvarníkov zabezpečené tvorivé dielne.

Deväťdesiate roky sa ukázali byť rovnakou krízou pre umelcov z Nakhodky ako pre ostatných. Vzhľadom na územnú odľahlosť mesta Nachodka od Vladivostoku (180 km) a zloženie členov Zväzu umelcov v meste Nachodka, viac ako 10 osôb, bolo z iniciatívy Konstantina R. Avarského rozhodnuté. vytvoril nachodskú pobočku Únie umelcov. Registrácia Úradom spravodlivosti pre územie Primorsky sa uskutočnila v júni 2003.

Do roku 1990 bola súčasťou Primorskej organizácie ussurijská pobočka Zväzu umelcov Ruska (dnes U MESTSKÁ ORGANIZÁCIA SSURI VTOO "ÚNIA UMELCOV RUSKA"). Ussurijsk je druhým umeleckým centrom Prímorského kraja. Umelecké tradície tu vznikli v 40. rokoch 20. storočia. Ussurijská organizácia VTOO „Zväz umelcov Ruska“ vznikla 20. júna 1943 ako pobočka Primorskej organizácie Zväzu umelcov Ruska. 12. marca 1944 organizácia otvorila 1. výstavu ussurijských umelcov.

Významnú úlohu pri tvorbe tvorivej skupiny ussurijských umelcov zohralo Štúdio vojenských umelcov, ktoré v januári 1940 založili absolventi Akadémie umení v Petrohrade bratia Fridmanovci - Ovsey Isakovich, umelecký vedúci. ateliéru vojenských výtvarníkov, pedagóg oddelenia bojového maliarstva na Akadémii umení a Rafail Isakovich, riaditeľ ateliéru a výtvarnej dielne. Pre ateliér a prácu umelcov v Ussurijsku bola na ulici postavená špeciálna budova. Volodarsky, 42. Počas vojnových rokov riadil ateliér v dome dôstojníkov A. N. Romashkin.

V 50. rokoch začali fungovať umelecké a výrobné dielne. Ussurijská organizácia nebola početná: tvorivé jadro tvorilo 10-15 ľudí. Život malej organizácie má vždy svoje pozitívne a negatívne stránky. V tejto situácii bolo pozitívne, že kompaktný tím dokázala uchvátiť myšlienka jednej osoby – lídra. V 50. rokoch 20. storočia bol za vedúceho považovaný S. F. Arefin, ktorý sa začal zúčastňovať regionálnych výstav od 40. rokov 20. storočia. S. F. Arefin vyrastal v Ussurijsku, počas Veľkej vlasteneckej vojny slúžil na veliteľstve Ďalekého východu, kde absolvoval kurzy pre vojenských umelcov. Po návrate do Ussurijska sa pripojil k Zväzu umelcov, aktívne sa venoval nielen tvorivej práci, ale aj sociálnej práci v organizácii. V roku 1966 sa umelec presťahoval do Vladivostoku a na mnoho rokov prakticky opustil maliarske stojany a stal sa divadelným umelcom.

K. P. Koval nepochybne zohral vedúcu úlohu v kreatívnom rozvoji. Jeho diela sa koncom 50. rokov objavili na celozväzových a republikových výstavách. Absolvent Ateliéru vojenských umelcov v Ussurijsku považoval za hlavnú školu pomenovanú akademickú dachu. I. E. Repina. Vďaka tvorivým návštevám u akademika K. P. Koval bol v Moskve známy a bol nazývaný „Koval z Ussurijska“. Bol úžasným pedagógom, nadväzujúcim na tradíciu ateliérového vzdelávania v Ussurijsku a istým spôsobom nadväzoval na pedagogickú líniu V. V. Bezrodného v ussurijskej krajine. Žiakov jeho ateliéru nazývali „podkovári“. K. P. Koval venoval všetok svoj veľkorysý, silný talent prímorskej krajine, ktorej prednosti si všimol majster krajinár A.A. Gritsai. Prirodzený talent, veľká pracovná schopnosť umožnili K. P. Kovalovi stať sa vysoko profesionálnym umelcom, človekom s „tvorivým začiatkom“. Vďaka nemu sa definícia „ussurijskej školy maľby“ objavila na výstavách v regióne Ďalekého východu a v celom Rusku. Podmanivá sila jeho talentu zhromaždila a inšpirovala ussurijských umelcov. Redaktor ussurijských mestských novín M. Dubranov o tom píše: „Sú ľudia, ktorí sú osudom predurčení nechať v dejinách ľudstva nejaký termín. Z ... histórie Ussurijska možno takýmto ľuďom bez akéhokoľvek preháňania pripísať umelca Kima Petroviča Kovala.

V 40. rokoch 20. storočia S. F. Arefin, G. K. Aslanov, Yu. V 50-tych a 70-tych rokoch sa k nim pripojili a stali sa členmi Zväzu umelcov Ruska N. P. Borisov, B. A. Vjalkov, K. P. Koval, V. M. Medvedskij, N. Ya. Gritsuk, P. Ya. German, A. V. Tkachenko, B. N. Loshkarev, V. A. Lutchenko, N. D. Volkov, V. A. Serov, G. G. Lagerev, A. A. Usenko, v 80. rokoch - Yu P. Galyutin, O. K. Nikitchik, I. T. Nikitchik, A. V. Pikhtovnikov. V 90. rokoch vstúpili do organizácie noví členovia: Y. P. Larionov, M. R. Pikhtovnikova, E. A. Pikhtovnikov, N. N. Kazantsev, S. V. Gorbach, M. P. Sobolevskij.

18. marca 1985 bola otvorená budova Domu umelcov postavená úsilím ussurijských umelcov. A.V. Pikhtovnikov, ktorý viedol komisiu kultúry v mestskej rade poslancov. Za prínos k rozvoju umenia Ruska a Ďalekého východu boli umelci organizácie ocenení titulom ctený umelec Ruskej federácie a ctený umelec Ruskej federácie (K. P. Koval), ctený umelec Ruskej federácie. (A. V. Tkachenko, V. A. Serov, N. D. Volkov, O. K. Nikitchik, I. I. Dunkai).

Téma kreatívnej dachy v Andreevke je úzko spätá s organizáciou Ussuri. Andreevka, v umeleckom prostredí označovaná ako „dača umelcov“, sa ukázala ako prekvapivo atraktívne miesto nielen na rekreáciu a rybolov. Tu, na pozemkoch okresu Khasansky Primorye, pokračovali tradície domov kreativity centrálneho pásu Ruska. Jedným z nich je akademická dacha. I. E. Repin vo Vyšnom Volochku slúžil ako miesto komunikácie a učenia pre obyvateľov Primorye, kde boli účastníkmi tak ctihodní umelci Moskvy, Leningradu a iných miest Sovietskeho zväzu, ako aj tí, ktorí sa ešte museli stať majstrom. kreatívne preteky.

Primortsy vydláždil trvalú cestu do Vyšného Volochku. V pôvodne ruských krajinách, v úzkom kontakte so slávnymi umelcami šesťdesiatych rokov A. A. Gritsaiom, V. N. Gavrilovom, A. D. Romanyčevom, A. P. a S. P. Tkačevom, došlo k pochopeniu hĺbky profesie umelca. Každý má vo svojej tvorivej batožine skicu od Akademika, kde sa, mimochodom, nachádza dodnes, napriek radikálne zmeneným okolnostiam umeleckého života.

V 70. rokoch 20. storočia, po sérii dlhých ciest, bolo rozhodnuté urobiť si vlastnú tvorivú daču: „do Andreevky prvýkrát prišlo niekoľko prímorských maliarov K. Koval, A. Tkachenko, A. Teleshov, V. Prokurov, V. Medvedsky. Andreevka je malá dedina na juhu Primorye v okrese Khasansky, ktorá sa nachádza na pobreží zálivu Troitsa v Japonskom mori. Miesto je úžasne krásne. Tu je teraz kreatívna dača "Andreevka". Obsahuje ussurijskú organizáciu Zväzu umelcov Ruska. Umelci z Ďalekého východu - Primorye, Chabarovsk, Blagoveshchensk - sem prichádzajú pracovať a odpočívať a v dobrých časoch prišli umelci z Moskvy, Leningradu, pobaltských štátov a stredného Ruska, “píše R. P. Kosheleva, referent Zväzu umelcov. ruskej VTOO. Redaktor novín našiel miesto pre publikáciu o Andreevke na stránke s nadpisom „V domoch kreativity“ vedľa materiálu o Akademickej dači vo Vyšnom Volochku, čo nie je náhodné. Andreevka bola miestom inšpirácie a práce pre desiatky umelcov rôznych generácií a zároveň akýmsi spojivom s centrom Ruska.

V roku 1990 sa pobočka Ussuri s 10 zamestnancami oddelila od pobočky Primorsky a získala štatút nezávislej organizácie.

Dnes pobočka Primorsky, mesto Nakhodka a mestské organizácie Ussuriysk VTOO „Zväz umelcov Ruska“ úzko spolupracujú pri organizovaní umeleckých výstav a plenérov v Rusku a zahraničí.

Oľga ZOTOVÁ

člen VTOO "Zväz umelcov Ruska",

výkonný tajomník pobočky Primorsky

VTOO "Únia umelcov Ruska",

doktorát z dejín umenia,

Docent, FEFU School of Humanities

© PRI KOPÍROVANÍ A CITOVANÍ MATERIÁLOV Z STRÁNKY

V súčasnosti je na Ďalekom východe dvanásť kreatívnych organizácií umelcov: druhá najväčšia je Primorská pobočka VTOO „Zväz umelcov Ruska“.

Činnosť organizácie je úzko spätá s dejinami výtvarného umenia nielen Prímoria a Ďalekého východu, ale celého Ruska.