(rukavikár), často volený do rôznych verejných funkcií. Nenavštevoval bohoslužby, za čo platil vysoké pokuty (je možné, že bol tajným katolíkom).

Shakespearova matka, rodená Mary Arden (1537--1608), patrila k jednej z najstarších saských rodín.

Predpokladá sa, že Shakespeare študoval na stratfordskom „gymnáziu“ (anglicky „gymnázium“), kde získal seriózne vzdelanie: stratfordský učiteľ latinčiny a literatúry písal poéziu v latinčine. Niektorí učenci tvrdia, že Shakespeare navštevoval školu kráľa Edwarda VI. v Stratforde nad Avonou, kde študoval diela básnikov ako Ovidius a Plautus, ale školské časopisy sa nezachovali a teraz sa nedá nič povedať s istotou.

Busta Shakespeara v St. Trinity v Stratforde

Všetky zachované Shakespearove podpisy na dokumentoch (-) sa vyznačujú veľmi slabým rukopisom, na základe čoho sa niektorí bádatelia domnievajú, že bol v tom čase vážne chorý. Shakespeare zomrel 23. apríla 1616. Tradične sa predpokladá, že zomrel v deň svojich narodenín, no nie je isté, že Shakespeare sa narodil 23. apríla.

Shakespearov autogram na jeho závete

O tri dni neskôr bolo Shakespearovo telo pochované v St. Trojica. Na jeho náhrobnom kameni je napísaný epitaf:

V kostole bola postavená aj maľovaná busta Shakespeara, vedľa ktorej sú ďalšie dva epitafy – v latinčine a v angličtine. Latinský epitaf porovnáva Shakespeara s múdrym pyloským kráľom Nestorom, Sokratom a Vergíliom.

Po Shakespearovi zostala vdova Anne († 1623) a obe dcéry. Posledným priamym potomkom Shakespeara bola jeho vnučka Elizabeth Barnard (1608-1670), dcéra Susan Shakespeare a doktora Johna Halla. Traja synovia Judith Shakespeare (vydatá Queenie) zomreli mladí bez potomkov.

Tvorba

Shakespearovo literárne dedičstvo sa delí na dve nerovnaké časti: poetickú (básne a sonety) a dramatickú. V. G. Belinsky napísal, že „by bolo príliš odvážne a zvláštne dať Shakespearovi rozhodujúcu výhodu nad všetkými básnikmi ľudstva, ako správny básnik, ale ako dramatik je teraz ponechaný bez súpera, ktorého meno by sa dalo uviesť vedľa jeho mena. “.

Dramaturgia

Anglická dráma a divadlo za čias Williama Shakespeara

Na začiatku vlády Alžbety (Alžbeta I. Anglická, 1533-1603), ktorá nastúpila na trón v roku 1558, neexistovali žiadne špeciálne budovy na predvádzanie, hoci vtedy už existovalo pomerne veľa fungujúcich hereckých súborov. Na tieto účely slúžili hostince alebo sály vzdelávacích inštitúcií a súkromné ​​domy. V roku 1576 postavil podnikateľ James Burbage (1530-1597), ktorý začínal ako herec v súbore Leicester's Men, prvú špeciálnu budovu pre divadelné predstavenia – The Theatre. Bol postavený mimo mesta, na okraji Shoreditch (Shoreditch). William Shakespeare bol súčasťou Burbage's Chamberlain's Men, ktorá bola vytvorená z hercov predtým patriacich do troch rôznych spoločností, najmenej od roku 1594. Keď James Burbage v roku 1597 zomrel, nájomná zmluva na pozemok, na ktorom sídlilo divadlo, vypršala. Kým sa rozhodovalo o vydaní nových priestorov, vystúpenia súboru sa konali v neďalekom divadle Curtain Theatre (The Curtain, 1577-1627), ktoré založil Henry Lanman. Medzitým Thearte rozobrali a kus po kuse previezli na druhú stranu rieky. Začiatkom roku 1599 bola stavba dokončená a otvorilo sa nové divadlo, ktoré nazvali The Globe. Vlastníkmi polovice budovy sa stali Burbageovi synovia Cuthbert a Richard (Cuthbert Burbage a Richard Burbage, 1567-1619), ktorí ponúkli, že zvyšok jej hodnoty rozdelia medzi viacerých akcionárov zo skupiny. Shakespeare sa tak stal jedným zo spolumajiteľov Globe. V roku 1613 pri predstavení „Henry VIII.“ praskla slamená strecha divadla, ktoré zhorelo do tla. O rok neskôr bol na rovnakom mieste postavený „druhý glóbus“ (The second Globe) so škridlovou strechou. V anglickom divadelnom prostredí vtedy vznik nových hier často prebiehal na základe využitia existujúcich textov, ktoré sa obmieňali a dopĺňali. Túto metódu použil vo svojej práci aj William Shakespeare, ktorý zdokonalil materiály nachádzajúce sa v rôznych zdrojoch. V období rokov 1595 až 1601 dochádza k aktívnemu rozvoju jeho spisovateľskej kariéry. Shakespearova zručnosť prináša slávu jeho dielam a súboru.

anglických dramatikov, predchodcov a súčasníkov Williama Shakespeara

V ére Shakespeara spolu s vtedy úspešným divadlom Globe v Londýne existovalo niekoľko ďalších pozoruhodných divadiel, ktoré medzi sebou súťažili. Divadlo "Rose" (The Rose, 1587-1605), ktoré postavil obchodník Philip Henslowe (Philipp Henslowe, 1550-1616). Divadlo Swan (The Swan, 1595-1632), ktoré dal postaviť klenotník a obchodník Francis Langley (Francis Langley, 1548-1602), Divadlo Fortune, ktorého výstavba sa začala v roku 1600 a iné. Jedným z najznámejších Shakespearových dramatikov bol talentovaný básnik Christopher Marlowe (1564-1593), pod ktorého vplyv Shakespeare nepochybne spadol už na začiatku svojej tvorby a všetky jeho hry sa potom uvádzali v Divadle ruže. Patril medzi dramatikov – „akademikov“, ktorí mali diplomy z Oxfordu či Cambridge, medzi ktoré patrili aj Robert Greene (Robert Greene, 1558-1592), John Lyly (John Lyly, 1554-1606), Thomas Nashe (Thomas Nashe, 1567- 1601), George Peele (1556-1596) a Thomas Lodge (Thomas Lodge, 1558-1625). Spolu s nimi pôsobili ďalší spisovatelia, ktorí nemali vysokoškolské vzdelanie a ktorých spisy tak či onak ovplyvnili Shakespearovu tvorbu. Toto je Thomas Kyd (Thomas Kyd, 1558-1594), ktorý napísal staršiu hru o Hamletovi, John Day (John Day, 1574-1638?), Henry Porter (Henry Porter, † 1599), autor hry „Two shrews from Abingdon“ (The Two Angry Women of Abingdon), na základe ktorej vznikla Shakespearova komédia „Veselé paničky z Windsoru“ (Veselé paničky z Windsoru, 1597-1602).

Divadelná technika v ére Williama Shakespeara

Divadelná technika v dobe Shakespeara - Shakespearovské divadlo nepochybne zodpovedá systému hry, pôvodne inscenovanej skupinami potulných komikov v hostincoch a hotelových dvoroch; tieto hotelové dvory zvyčajne pozostávali z budovy obklopenej na druhom poschodí otvoreným poschodovým balkónom, pozdĺž ktorého sa nachádzali izby a vstupy do nich. Potulná tlupa, ktorá vstúpila na taký dvor, usporiadala scénu blízko jedného z obdĺžnikov jeho stien; diváci sedeli na nádvorí a na balkóne. Javisko bolo upravené do podoby drevenej plošiny na kozách, z ktorej časť vychádzala na otvorené nádvorie a druhá, zadná, zostala pod balkónom. Z balkóna spadol záves. Okamžite sa tak vytvorili tri plošiny: predná - pred balkónom, zadná - pod balkónom za oponou a horná - samotný balkón nad javiskom. Rovnaký princíp je základom prechodnej formy anglického divadla 16. a začiatku 17. storočia. Prvé verejné stacionárne divadlo bolo postavené v Londýne (alebo skôr mimo Londýna, mimo mestských hraníc, keďže divadlá v meste neboli povolené) v roku 1576 hereckou rodinou Burbageovcov. V roku 1599 vzniklo divadlo Globe, s ktorým je spojená väčšina Shakespearovej tvorby. Shakespearovo divadlo ešte nepozná hľadisko, ale dvor pozná ako reminiscenciu na hotelové dvory. Takúto otvorenú aulu bez strechy obklopovala galéria alebo dve galérie. Javisko bolo zastrešené strechou a predstavovalo rovnaké tri plošiny hotelového dvora. Predná časť javiska sa takmer z tretiny vklinila do hľadiska - stojaceho parteru (teda doslova nesie svoj názov "par terre" - na zemi). V hustom ringu obkolesila pódium aj demokratická časť publika, ktorá zaplnila parter. Privilegovanejšia, aristokratická časť publika sa usadila - ležiaca a na stoličkách - na samotnom javisku po jeho okrajoch. Dejiny divadla tejto doby zaznamenávajú neustálu nevraživosť a hádky, niekedy až boj, medzi týmito dvoma skupinami divákov. Pomerne hlučne tu pôsobilo triedne nepriateľstvo remeselníkov a robotníkov voči aristokracii. Vo všeobecnosti to ticho, ktoré naša poslucháreň pozná, nebolo v Shakespearovom divadle. Zadnú časť javiska oddeľoval posuvný záves. Väčšinou sa tam hrali intímne scény (napr. v Desdemoninej spálni), hrali sa tam aj vtedy, keď bolo treba rýchlo preniesť dianie na iné miesto a ukázať postavu v novej polohe (napr. v Marlovej dráme „Tamerlane“ tamže je poznámka: "záves je stiahnutý a Zenokrat leží v posteli, Tamerlán sedí vedľa nej", alebo v Shakespearovej "Zimnej rozprávke": "Pauline odťahuje záves a odhaľuje Hermionu stojacu v podobe sochy" ). Predná plošina bola hlavným javiskom, slúžila aj na sprievody, vtedy obľúbené v divadle, na predvádzanie vtedy mimoriadne obľúbeného šermu (scéna v poslednom dejstve Hamleta). Vystúpili tu aj klauni, žongléri, akrobati, ktorí zabávali divákov medzi scénami hlavnej hry (v Shakespearovskom divadle neboli žiadne prestávky). Následne, pri neskoršom literárnom spracovaní shakespearovských drám, sa niektoré z týchto klaunských intermezzí a klaunských poznámok dostali do tlačeného textu. Každé vystúpenie nevyhnutne končilo „džigou“ – špeciálnym druhom piesne s tancom v podaní klauna; scéna hrobárov v Hamletovi za Shakespearových čias bola klauniádou, pátosom bola naplnená neskôr. V shakespearovskom divadle stále nie je ostrý rozdiel medzi dramatickým hercom a akrobatom, šašom. Pravda, tento rozdiel sa už rozvíja, je cítiť, vzniká. Ale okraje ešte nie sú vymazané. Spojenie shakespearovského herca s bifľošom, histriónom, žonglérom, klaunským „diablom“ stredovekého mystéria, s fraškovitým bifľošom, sa zatiaľ nepodarilo pretrhnúť. Je celkom pochopiteľné, prečo kotolník zo „Skrotenia zlej ženy“ pri slove „komédia“ pripomína predovšetkým triky žongléra. Horná scéna sa používala, keď mala byť akcia znázornená logikou udalostí vyššie, napríklad na stenách pevnosti („Coriolanus“), na Júliinom balkóne („Rómeo a Júlia“). V takýchto prípadoch má skript poznámku „hore“. Praktizovalo sa napríklad také usporiadanie - na vrchu bola znázornená hradba pevnosti a opona zadnej plošiny stiahnutá dole znamenala súčasne otváranie mestských brán pred víťazom. Takýto systém divadla vysvetľuje aj štruktúru Shakespearových drám, ktoré dodnes nepoznajú žiadne delenie na dejstvá (toto rozdelenie bolo urobené až po Shakespearovej smrti, vo vydaní z roku 1623), ani exaktný historizmus, ani obrazový realizmus. Paralelnosť zápletiek v jednej a tej istej hre, taká charakteristická pre alžbetínskych dramatikov, sa v poslednom čase vysvetľuje zvláštnou štruktúrou javiska, otvorenej pre divákov z troch strán. Tejto scéne dominuje takzvaný zákon „časovej kontinuity“. Vývoj jednej zápletky umožnil pokračovanie druhej akoby „v zákulisí“, čím sa medzi segmentmi tejto zápletky vyplnil zodpovedajúci interval „divadelného času“. Akcia je postavená na krátkych epizódach aktívneho hrania a prenáša sa z miesta na miesto relatívnou rýchlosťou. To sa odráža aj v tradícii mysterióznych scén. Takže nový výstup tej istej osoby, alebo dokonca len pár krokov pozdĺž javiska so zodpovedajúcim textovým vysvetlením, už naznačil nové miesto. Napríklad v knihe Veľa kriku pre nič hovorí Benedict chlapcovi: „Mám knihu na okne v mojej izbe, prines ju sem do záhrady“ – to znamená, že akcia sa odohráva v záhrade. Niekedy v dielach Shakespeara nie je miesto alebo čas naznačené tak jednoducho, ale celým jeho poetickým popisom. Toto je jeden z jeho obľúbených trikov. Napríklad vo filme „Rómeo a Júlia“, na obraze nasledujúcom po scéne mesačnej noci, Lorenzo, ktorý vchádza, hovorí: „Jasný úsmev svitajúceho šedookého Pochmúrneho už poháňa noc a pozláti oblak východu pruhmi. svetla ...“ Alebo slová prológu k prvému dejstvu „Henry V“: „ ... Predstavte si, že sa tu rozprestierajú roviny dvoch kráľovstiev, ktorých brehy, naklonené tak blízko seba, sa oddeľujú úzky, ale nebezpečný Mocný oceán. Pár krokov Romeo s priateľmi znamenalo, že sa presťahoval z ulice do domu. Na označenie miesta sa používali aj „tituly“ – tabuľky s nápisom. Niekedy scéna zobrazovala viacero miest naraz a na orientáciu diváka v akcii stačili nápisy s ich názvami. Po skončení scény postavy opustili javisko, niekedy dokonca zostali - napríklad prezlečení hostia, ktorí kráčali po ulici k domu Kapuletovcov („Rómeo a Júlia“), neopustili javisko a objavenie sa lokajov s obrúskami znamenalo, že už dorazili a sú v komnatách Kapuletov. Dráma v tejto dobe nebola vnímaná ako „literatúra“. Dramatik sa autorstvu nevenoval a nie vždy to bolo možné. Tradícia anonymnej drámy prišla zo stredoveku prostredníctvom potulných družín a naďalej fungovala. Takže meno Shakespeare sa pod názvami jeho hier objavuje až v roku 1593. To, čo divadelný dramatik napísal, nemal v úmysle vydať, ale mal na mysli výlučne divadlo. Významná časť dramatikov alžbetínskej éry bola viazaná na konkrétne divadlo a zaviazala sa dodávať repertoár tomuto divadlu. Súťaž družstiev si vyžiadala obrovské množstvo hier. Za obdobie rokov 1558 až 1643 sa ich počet v Anglicku odhaduje na vyše 2000 mien. Veľmi často tú istú hru používa niekoľko súborov, pričom každý prerábajú svojím vlastným spôsobom a prispôsobujú ho súboru. Anonymné autorstvo vylúčilo literárne plagiátorstvo a dalo by sa hovoriť len o „pirátskych“ metódach súťaženia, keď hru ukradnú podľa približného záznamu a pod. A v Shakespearovom diele poznáme množstvo hier, ktoré boli zápletiek z už existujúcich drám. Takými sú napríklad Hamlet, Kráľ Lear a ďalší. Meno autora hry verejnosť nepožadovala. To zase viedlo k tomu, že napísaná hra bola len „základom“ predstavenia, autorský text bol počas skúšok akokoľvek pozmenený. Vystúpenia šašov sa často označujú poznámkou „šašo hovorí“, čím sa obsah šašovskej scény podáva divadlu alebo improvizáciám samotného šaša. Autor predal svoj rukopis divadlu a následne si naň neuplatňoval žiadne autorské nároky ani práva. Spoločná a teda veľmi rýchla práca viacerých autorov na jednej hre bola veľmi bežná, napríklad niektorí rozvíjali dramatickú intrigu, iní - komickú časť, šašov, iní zobrazovali všelijaké "hrozné" efekty, ktoré boli veľmi e. Koncom éry, začiatkom 17. storočia, sa už literárna dráma dostávala na javisko. Odcudzenie medzi „učenými“ autormi, sekulárnymi „amatérmi“ a profesionálnymi dramatikmi je čoraz menšie. Pre divadlo začínajú pracovať literárni autori (napríklad Ben Jonson), divadelníci zasa čoraz častejšie začínajú vychádzať.

Otázka periodizácie

Bádatelia Shakespearovho diela (dánsky literárny kritik G. Brandes, vydavateľ ruských kompletných diel Shakespeara S. A. Vengerova) koncom 19. - začiatkom 20. storočia na základe chronológie diel predstavili jeho duchovný vývoj od r. "veselá nálada", viera v triumf spravodlivosti, humanistické ideály na začiatku cesty k sklamaniu a zničenie všetkých ilúzií na konci. V posledných rokoch sa však objavil názor, že záver o osobnosti autora na základe jeho diel je omyl.

V roku 1930 Shakespearovský učenec E. K. Chambers navrhol chronológiu Shakespearovho diela podľa žánrov, neskôr ju opravil J. McManway. Boli štyri obdobia: prvé (1590-1594) - rané: kroniky, renesančné komédie, "tragédia hrôzy" ("Titus Andronicus"), dve básne; druhá (1594-1600) - renesančné komédie, prvá zrelá tragédia ("Rómeo a Júlia"), kroniky s prvkami tragédie, antická tragédia ("Julius Caesar"), sonety; tretia (1601-1608) - veľké tragédie, antické tragédie, "temné komédie"; štvrtá (1609-1613) - rozprávkové drámy s tragickým začiatkom a šťastným koncom. Niektorí učenci Shakespeara, vrátane A. A. Smirnova, spojili prvé a druhé obdobie do jedného raného obdobia.

Prvé obdobie (1590-1594)

Prvé obdobie je približne 1590-1594 rokov.

Podľa literárnych metód možno to nazvať obdobím napodobňovania: Shakespeare je stále úplne vydaný na milosť a nemilosť svojim predchodcom. Podľa nálady toto obdobie definovali zástancovia biografického prístupu k štúdiu Shakespearovho diela ako obdobie idealistickej viery v najlepšie stránky života: „Mladý Shakespeare nadšene trestá neresti vo svojich historických tragédiách a nadšene spieva o vysokých a poetických citoch – priateľstve. , sebaobetovanie a najmä lásku“ (Vengerov) .

Pravdepodobne Shakespearovými prvými hrami boli tri časti Henricha VI. Ako zdroj pre túto a nasledujúce historické kroniky slúžili Holinshedove kroniky. Témou, ktorá spája všetky shakespearovské kroniky, je zmena v sérii slabých a neschopných vládcov, ktorí priviedli krajinu k občianskym sporom a občianskej vojne a k obnoveniu poriadku s nástupom dynastie Tudorovcov. Rovnako ako Marlowe v Edwardovi II., Shakespeare neopisuje len historické udalosti, ale skúma motívy konania postáv.

S. A. Vengerov videl prechod do druhej tretiny „v neprítomnosť hračka poézia mladosti, ktorá je pre prvé obdobie taká charakteristická. Hrdinovia sú ešte mladí, ale už prežili slušný život a hlavná vec pre nich v živote je potešenie. Porcia je pikantná, živá, no už v nej vôbec nie sú nežné pôvaby dievčat Dvoch Veroniiek a ešte viac Júlie.

Shakespeare zároveň vytvára nesmrteľný a najzaujímavejší typ, ktorý doteraz nemal vo svetovej literatúre obdobu – Sir John Falstaff. Úspech oboch častí Henrich IV„V neposlednom rade je zásluha tejto najvýraznejšej postavy v kronike, ktorá sa okamžite stala populárnou. Postava je nepochybne negatívna, no s komplexným charakterom. Materialista, egoista, človek bez ideálov: česť nie je nič pre neho, pozorný a bystrý skeptik. Popiera pocty, moc a bohatstvo: peniaze potrebuje len ako prostriedok na získanie jedla, vína a žien. Podstatou komiksu, zrnkom obrazu Falstaffa však nie je len jeho vtip, ale aj veselý smiech na sebe a na svete okolo neho. Jeho sila je v poznaní ľudskej povahy, všetko, čo človeka zväzuje, sa mu hnusí, je zosobnením slobody ducha a bezohľadnosti. Človeka z doznievajúcej éry ho netreba tam, kde je mocný štát. Uvedomenie si, že takáto postava nie je na mieste v dráme o ideálnom vládcovi, v " Henry V Shakespeare to odstraňuje: publikum je jednoducho informované o Falstaffovej smrti. Podľa tradície sa verí, že na žiadosť kráľovnej Alžbety, ktorá chcela Falstaffa opäť vidieť na javisku, ho Shakespeare vzkriesil v roku „ Veselé paničky z Windsoru» . Ale toto je len bledá kópia bývalého Falstaffa. Stratil znalosti o svete okolo seba, už neexistuje zdravá irónia, smiech na sebe. Zostal len samoľúby nezbedník.

Oveľa úspešnejší je pokus o návrat k Falstaffovmu typu v záverečnej hre druhej tretiny - "Dvanásta noc". V osobe Sira Tobyho a jeho sprievodu tu máme akoby druhé vydanie Sira Johna, aj keď bez jeho iskrivého dôvtipu, ale s rovnakou nákazlivou dobromyseľnou rytierskosťou. Dokonale zapadá aj do rámca „falstaffovského“ obdobia, z veľkej časti hrubým výsmechom žien v "Skrotenie zlej ženy".

Tretie obdobie (1600-1609)

Tretie obdobie jeho umeleckej činnosti, približne pokrývajúce 1600-1609 rokov prívrženci subjektivistického biografického prístupu k Shakespearovmu dielu nazývajú obdobie „hlbokej duchovnej temnoty“, pričom vystupovanie melancholickej postavy Jacquesa v komédii považujú za znak zmeneného svetonázoru. "Tak ako to máš rád" a nazývať ho takmer predchodcom Hamleta. Niektorí bádatelia sa však domnievajú, že Shakespeare sa na obraz Jacquesa len vysmieval melanchólii a obdobie údajných životných sklamaní (podľa priaznivcov biografickej metódy) fakty Shakespearovej biografie v skutočnosti nepotvrdzujú. Čas, keď dramatik vytvoril najväčšie tragédie, sa zhoduje s rozkvetom jeho tvorivých síl, riešením materiálnych ťažkostí a dosiahnutím vysokého postavenia v spoločnosti.

Okolo roku 1600 vytvoril Shakespeare "Hamlet", podľa mnohých kritikov je jeho najhlbším dielom. Shakespeare zachoval dej známej tragédie o pomste, ale všetku svoju pozornosť presunul na duchovný nesúlad, vnútornú drámu hlavného hrdinu. Do tradičnej drámy o pomste sa dostal nový typ hrdinu. Shakespeare predbehol svoju dobu - Hamlet nie je obvyklým tragickým hrdinom, ktorý sa mstí za Božiu spravodlivosť. Keď dospeje k záveru, že harmóniu nie je možné obnoviť jedným úderom, prežíva tragédiu odcudzenia sa svetu a odsudzuje sa na osamelosť. Hamlet je podľa definície L. E. Pinského prvým „reflexívnym“ hrdinom svetovej literatúry.

Hrdinami Shakespearových „veľkých tragédií“ sú vynikajúci ľudia, v ktorých sa mieša dobro a zlo. Tvárou v tvár disharmónii okolitého sveta robia neľahkú voľbu – ako v ňom existovať, vytvárajú si svoj osud a nesú zaň plnú zodpovednosť.

Shakespeare zároveň vytvára drámu, ktorá je v Prvom fóliu z roku 1623 klasifikovaná ako komédia, v tomto vážnom diele o nespravodlivom sudcovi nie je takmer žiadny komiks. Jeho názov odkazuje na Kristovo učenie o milosrdenstve, v priebehu akcie je jeden z hrdinov v smrteľnom nebezpečenstve a koniec možno považovať za podmienečne šťastný. Toto problematické dielo nezapadá do konkrétneho žánru, ale existuje na hranici žánrov: vraciame sa k morálke, smeruje k tragikomédii.

• Sonety venované priateľovi: 1 -126
• Spievanie priateľovi: 1 -26
• Skúšky priateľstva: 27 -99
• Horkosť odlúčenia: 27 -32
• Prvé sklamanie z priateľa: 33 -42
• Túžba a strach: 43 -55
• Rastúce odcudzenie a melanchólia: 56 -75
• Rivalita a žiarlivosť voči iným básnikom: 76 -96
• "Zima" odlúčenia: 97 -99
• Oslava obnoveného priateľstva: 100 -126
• Sonety venované snemu milencovi: 127 -152
• Záver - radosť a krása lásky: 153 -154

Sonet 126 porušuje kánon – má len 12 riadkov a iný rýmový vzor. Niekedy sa považuje za úsek medzi dvoma podmienenými časťami cyklu – sonetmi venovanými priateľstvu (1-126) a adresovanými „temnej dáme“ (127-154). Sonet 145 písaný jambickým tetrametrom namiesto pentametrom a štýlom sa líši od ostatných; niekedy sa pripisuje ranému obdobiu a jeho hrdinka sa stotožňuje so Shakespearovou manželkou Annou Hathawayovou (ktorej priezvisko, možno ako slovná hračka „nenávisť“ je prezentované v sonete).

Problémy so zoznamovaním

Prvé publikácie

Odhaduje sa, že polovica (18) Shakespearových hier vyšla tak či onak ešte za života dramatika. Za najvýznamnejšiu publikáciu Shakespearovej pozostalosti sa považuje fólia z roku 1623 (tzv. „First Folio“), ktorú vydali Edward Blount a William Jaggard v rámci tzv. "Kolekcia Chester"; tlačiari Worrall a Col. Toto vydanie obsahovalo 36 Shakespearových hier – všetky okrem „Perikles“ a „Dvaja vznešení príbuzní“. Práve toto vydanie je základom všetkých výskumov v oblasti Shakespeara.

Tento projekt bol možný vďaka úsiliu Johna Hemingeho a Henryho Condella (1556-1630 a Henryho Condella, d.1627), priateľov a kolegov Shakespeara. Knihe predchádza posolstvo čitateľom v mene Hemingeho a Condella, ako aj poetické venovanie Shakespearovi – Pamiatke môjho milovaného, ​​Autorovi – od dramatika Bena Jonsona (Benjamin Jonson, 1572-1637), ktorý bol zároveň jeho literárnym oponentom, kritikom a priateľom, ktorý prispel k vydaniu Prvého fólia, alebo ako sa tiež nazýva - „Veľkého fólia“ (Veľké fólio z roku 1623).

Kompozície

Hry bežne považované za shakespearovské

• The Comedy of Errors (g. – prvé vydanie, – pravdepodobný rok prvej výroby)
• Titus Andronicus (g. - prvé vydanie, autorstvo je diskutabilné)
• Rómeo a Júlia
• Sen noci svätojánskej
• Kupec benátsky ( r. - prvé vydanie, - pravdepodobný rok napísania)
• Kráľ Richard III (r. - prvé vydanie)
• Measure for Measure (g. – prvé vydanie, 26. december – prvá výroba)
• King John (r. - prvé vydanie pôvodného textu)
• Henry VI (r. - prvé vydanie)
• Henry IV (r. - prvé vydanie)
• Love's Labour's Lost (g. - prvé vydanie)
• Ako sa vám páči (písanie - - gg., d. - prvé vydanie)
• Twelfth Night (písanie - nie neskôr, d. - prvé vydanie)
• Julius Caesar (písanie -, g. - prvé vydanie)
• Henry V (r. - prvé vydanie)
• Veľa kriku pre nič (r. - prvé vydanie)
• Veselé paničky z Windsoru (g. - prvé vydanie)
• Hamlet, princ Dánsky ( r. - prvé vydanie, r. - druhé vydanie)
• Všetko je v poriadku a končí dobre (písanie - - gg., g. - prvé vydanie)
• Othello (vytvorenie - najneskôr v roku, prvé vydanie - rok)
• Kráľ Lear (26.12
• Macbeth (stvorenie - c., prvé vydanie - c.)
• Anthony a Kleopatra (stvorenie - d., prvé vydanie - d.)
• Coriolanus ( r. - rok písania)
• Pericles (g. – prvé vydanie)
• Troilus a Cressida († - prvé vydanie)
• Tempest (1. novembra - prvá produkcia, mesto - prvé vydanie)
• Cymbeline (písanie - g., g. - prvé vydanie)
• Zimná rozprávka (napr. jediné zachované vydanie)
• Skrotenie zlej ženy ( r. - prvá publikácia)
• Dvaja Verónčania ( r. - prvá publikácia)
• Henry VIII ( r. - prvá publikácia)
• Timon z Atén († - prvé vydanie)

Apokryfy a stratené diela

Hlavný článok: Apokryfy a stratené diela Williama Shakespeara

Rukopisom veľmi podobným Shakespearovým podpisom sú napísané (bez cenzúry) tri strany spoločnej, nikdy neinscenovanej hry „Sir Thomas More“. Pravopis rukopisu sa zhoduje s tlačenými vydaniami Shakespearových hier (v tom čase ešte nevznikol spoločný systém anglického pravopisu). Potvrdené Shakespearovo autorstvo a štylistický rozbor.

Existuje tiež množstvo hier a básní pripisovaných Shakespearovi (alebo tvorivým tímom s jeho účasťou).

• Vláda kráľa Edwarda III., možno spoluautor s Thomasom Kydom (1596).
• Love's Efforts Rewarded (1598) – hra buď stratená, alebo známa pod iným názvom („Všetko je v poriadku, ale končí dobre“ alebo „Skrotenie zlej ženy“).
• Cardenio („Dvojité klamstvá, alebo milenci v núdzi“) – spoluautor s Johnom Fletcherom (1613, vyd. 1728 Lewis Theobald). Podľa tradičného pohľadu je publikácia z roku 1728 falzifikát, pričom sa stráca text, do ktorého Shakespeare prispel. V poslednej dobe sa však množstvo výskumníkov domnieva, že známy text „Cardenio“ nie je falošný a môže obsahovať Shakespearovské riadky.
• Yorkshire Tragedy (n/a, ed. 1619, Jaggard)
• Sir John Oldcastle (n/a, vyd. 1619, Jaggard)

falzifikáty

• Vortigern a Rowena - autor. William Henry Ír

"Shakespearova otázka"

Shakespearov život je málo známy – zdieľa osudy veľkej väčšiny iných anglických dramatikov tej doby, ktorých osobný život súčasníkov málo zaujímal. Existuje názor, takzvaný antistratfordizmus alebo nestratfordizmus, ktorého prívrženci popierajú autorstvo Shakespeara (Shakspera) zo Stratfordu a veria, že „William Shakespeare“ je pseudonym, pod ktorým iná osoba alebo skupina osôb sa skrýval. Pochybnosti o platnosti tradičného názoru sú známe minimálne od roku 1848 (a niektorí antistratfordovci vidia náznaky toho aj v skoršej literatúre). Zároveň medzi nestratfordčanmi nepanuje jednota v tom, kto presne bol skutočným autorom Shakespearových diel. Počet pravdepodobných kandidátov navrhnutých rôznymi výskumníkmi v súčasnosti predstavuje niekoľko desiatok.

Ruský spisovateľ Lev Nikolajevič Tolstoj vo svojej kritickej eseji „O Shakespearovi a dráme“ založenej na podrobnej analýze niektorých najpopulárnejších diel Shakespeara, najmä: „Kráľ Lear“, „Othello“, „Falstaff“, „Hamlet“ atď. - vystavený ostrej kritike Shakespearových schopností ako dramatika.

Bernard Shaw kritizoval romantický kult Shakespeara v 19. storočí, pričom použil slovo „uctievanie barda“ (angl. bardolatéria).

Shakespearove diela v iných umeleckých formách

Počas renesancie v Anglicku prekvitala dramatická literatúra, ktorá bola úzko spätá so širokým rozvojom vtedajšieho divadelného predstavenia a scénického umenia. Renesančné divadlo sa v Anglicku vyvíjalo trochu inak ako v iných európskych krajinách. Jeho vývoj zo stredovekého divadla tu bol oveľa pozvoľnejší a organickejší ako napríklad v Taliansku či Francúzsku. Anglická dráma si po skúsenostiach s vplyvom antickej aj klasicisticko-humanistickej dramaturgie Európy (predovšetkým talianskej) v podstate zachovala svoj ľudový charakter, vyrastajúci priamo z dramatických žánrov stredoveku - morality a medzihry. Anglické divadlo si aj v čase svojho najväčšieho rozkvetu zachovalo mnohé zo znakov, ktoré ho silne spájali s divadlom stredovekého mesta; to možno povedať tak o štruktúre divadla samotného, ​​ktoré vyrástlo na javiskových tradíciách mestských remeselných a cechových korporácií, ako aj o preň vytvorenej dramatickej literatúre, ktorej mnohé črty, napr. tragické a komické, členenie hry na mnoho samostatných epizód, masové scény, paralelné akcie atď. sa vracajú k črtám stredovekých divadelných hier.

Humanistické divadlo Talianska a Francúzska, opierajúce sa o antickú drámu, sa v prvom rade snažilo oslobodiť od akéhokoľvek vplyvu cirkevných a náboženských tém. V Anglicku sa však rozkvet humanizmu zhodoval s reformáciou, a preto sa tu divadlo pôvodne využívalo v tradičnej stredovekej podobe na zložité náboženské a sociálne boje. Pomerne skoro pod cudzím vplyvom vznikli v Anglicku humanistické „školské“ a „dvorné“ divadlá, ktoré však mali pomerne úzky účel a nemali rozhodujúci vplyv na vývoj nového dramatického štýlu; na druhej strane národné divadelné tradície tu boli natoľko silné, že mali dosah na klasicistické tendencie humanistického divadla. Výsledkom je, že počas renesancie v Anglicku dochádza k akejsi syntéze protichodných dramatických trendov, čo je jednou z najdôležitejších čŕt anglického renesančného divadla a poskytuje mu výnimočné miesto vo svetovej literatúre.

Opísaný proces je vysvetlený špecifickými podmienkami spoločenského vývoja Anglicka v 16. storočí. Nezničilo sa tu, ale rozvinula sa forma divadla, ktorá sa v stredovekom meste rozvinula. Zažil Anglicko v druhej polovici XVI storočia. národné vzopätie, založené na relatívnej rovnováhe síl medzi šľachtou a buržoáziou, zabezpečilo existenciu národného divadla v tej syntetickej podobe, o ktorej nebolo známe, s výnimkou Španielska (pozri kap. 38), umenie tzv. v iných krajinách počas renesancie. Počas celej prvej polovice šestnásteho storočia v anglickom divadle prebiehal boj heterogénnych prvkov, ich vlastných aj prinesených. Mimoriadny vzostup dramaturgickej činnosti spadá do druhej polovice 16. a začiatku 17. storočia. V tom čase sa v Londýne objavilo mnoho verejných platených divadiel, ktoré mali špeciálne budovy a stále profesionálne herecké súbory (na rozdiel od stredovekých „amatérskych“ spolkov, ktoré hrali kdekoľvek a pre celé mesto). Rastúci záujem o divadelné umenie. Pre tieto divadlá pracuje mnoho vynikajúcich dramatikov so Shakespearom na čele. Keďže rozkvet anglickej drámy spadá približne do obdobia vlády kráľovnej Alžbety (1558 – 1603), táto dramaturgia sa zvykne nazývať „alžbetská“.

Stredoveké náboženské divadlo v rozvinutej podobe, akú dostalo v Anglicku v 14. – 15. storočí, tu existovalo aj počas prvej polovice 16. storočia a čiastočne aj neskôr. Predstavenia mystérií (v Anglicku nazývané „zázraky“ alebo „pagenti“) sa napriek ich zákazu parlamentným dekrétom z roku 1543 uvádzali až do 90. rokov 16. storočia, no nové divadlo ich čoraz viac prehlušovalo. Jeden z najlepších rukopisov týchto hier, ktoré sa k nám dostali (takzvaný Chesterov cyklus), bol skopírovaný ešte v 17. storočí. O ich obľúbenosti medzi obyvateľstvom svedčí, že keď vznikli v tieni katolíckej cirkvi, prežili svoj pád počas reformácie a dokázali sa prispôsobiť novým podmienkam. Vysvetľujú to však aj tie realistické prvky, ktoré sa v tomto divadle postupne hromadili a už v 15. storočí. často premenil náboženské akcie na každodenné obrazy našej doby. Aké známe boli Shakespearove dojmy z predstavení mystérií, je zrejmé z jeho poznámok o úlohe Herodesa v podobných predstaveniach v Sne noci svätojánskej a v Hamletovom rozhovore s hercami (3. dejstvo, scéna 2).

V prvej polovici XVI storočia. morálka a medzihry boli obľúbené najmä v Anglicku. Morálka ("morálne jednanie", pozri kap. 15, § 3) bola obzvlášť vhodná forma na presadzovanie nových, humanistických myšlienok, a preto ich spočiatku obzvlášť často využívali humanisti na diskusiu o rôznych etických, náboženských, politických problémoch. Alegorizmus a poučenie sú hlavnými vlastnosťami tohto žánru. Prinášaním na javisko personifikácie cností a nerestí vytvorili moralisti všeobecné typy postáv, no postupne tieto typy podliehajú individualizácii; historické alebo každodenné postavy sa miešajú v hrách so zosobnením morálnych kvalít človeka alebo abstraktnými pojmami.

Načrtáva sa tak cesta pre vývoj novej sekulárnej drámy, vrátane historickej, od morálky.

Príkladom sú diela Johna Balea (John Bale, 1495-1563), horlivého bojovníka za protestantizmus (od roku 1552 biskup). Bayle písal hry o biblických témach a morálke teologického obsahu, ale z jeho dramatických diel, ktoré sa k nám dostali, je najzaujímavejšia hra o „Jánovi, anglickom kráľovi“ (okolo 1548), ktorá je prototypom historické „kroniky“, ktoré boli neskôr tak rozšírené.

V tejto hre sa Bayle obrátil na historickú minulosť Anglicka, aby vyriešil súčasné otázky cirkevného a verejného života a urobil to pomocou dramatických prostriedkov, ktoré mu poskytovala forma morálky. Hra podáva vysoko idealizovaný obraz kráľa Jána Bezzemka (1199-1216) ako bojovníka proti pápežstvu; hovorí o sporoch medzi anglickým kráľom a pápežom Inocentom III., ktorý ho exkomunikoval z cirkvi a vyhlásil za zbaveného trónu. Jánova kapitulácia pred pápežom vyústila do povstania proti kráľovi kléru, rytierstva a slobodného sedliactva a skončila sa podpísaním Jánovej Magna Charty (1215). Baylea zaujíma najmä Jánov zápas s pápežom a nepopulárneho anglického kráľa v rozpore s históriou vykresľuje ako mučeníka a obeť pápežstva a katolíckej cirkvi. Spolu s postavou kráľa sa v hre objavujú alegorické obrazy Anglicka, ktoré sa modlí ku kráľovi za ochranu pred svojimi utláčateľmi - katolíckym duchovenstvom, Povstaním, Šľachtou, Jasným atď. Povstanie uzatvára spojenectvo s Pokrytectvom , Moc a uzurpácia a nakoniec sa všetky tieto personifikácie nepozorovane menia na historické postavy: Vzbura - na Stephena Langtona, pápežského kandidáta na biskupa z Canterbury; Moc - v pápežskom legátovi kardinál Pandolf, ktorý zlomil tvrdohlavosť kráľa; Uzurpácia - do samotného pápežstva atď. Takáto zmes v jednej hre personifikácií a jednotlivých ľudských postáv je veľmi typická pre anglickú morálku, jej stopy sa dlho zachovali v anglickej dráme. Takže už v roku 1520 bola na dvore Henricha VIII. predstavená morálka, na ktorej sa spolu s obrazmi Cirkvi, Cleara atď. podieľali aj Luther a francúzsky kráľ.

Odtiaľ pochádza aj tendencia dávať postavám „hovorcov“, ktorí určujú ich charakter – tendencia, ktorá v literatúre neustále ožívala v obdobiach, keď sa jej budovanie a kazateľský tón stupňovali. Obrazy zovšeobecnenej morálky boli populárne počas celého 16. storočia. Náznak obrazu Márnosti z morálky, pre súčasníkov očividne celkom zrozumiteľný, nájdeme v Kráľovi Learovi. V iných Shakespearových hrách sa dodnes stretávame s takými postavami ako Čas, Zbor atď.

Ďalšie bežné v prvej polovici XVI storočia. akési divadelné predstavenia boli v Anglicku medzihry. Zvolávali sem teda nielen hry komického obsahu, ale aj všelijaké iné komické hry s účasťou viacerých postáv. Preto bola hranica medzi morálkou a medzihrami často nejasná. Nakoniec sa medzihry začali v Anglicku nazývať malé komické hry, svojím typom najbližšie k francúzskym fraškám. Medzihry tohto druhu slúžili ako základ pre rozvoj anglickej každodennej komédie.

Tento charakter už majú medzihry Johna Heywooda (1495-1565), napísané v 20. rokoch 16. storočia. Heywood študoval na Oxforde a mal blízko k Thomasovi Morovi, ktorý sa dostal na dvor Henricha VIII., kde zaujal pozíciu dvorného hudobníka a básnika.

Jedna z prvých Haywoodových medzihier, „Veselá scéna medzi omilostníkom, mníchom, kňazom a jeho susedom Prattom“ (okolo 1520), zobrazuje konfrontáciu medzi žobravým mníchom, ktorý požiadal o povolenie kázať kázeň v kostole, a jeho konkurent, omilostiteľ, ktorý sa snaží prekričať mnícha, chváliac „relikvie“, ktoré tam položil, ako napríklad „palec Najsvätejšej Trojice“ atď. Začína sa medzi nimi šarvátka, ktorú kňaz sotva dokáže zastaviť s pomocou svojho suseda; mních a omilostiteľ sú vylúčení z kostola.

Hra „Štyri P“ je tiež plná humoru. Názov je vysvetlený tým, že v ňom účinkujú štyri postavy, ktorých triedy začínajú v angličtine na písmeno „p“: pútnik, predavač odpustkov, lekárnik a kramár. Prví traja sa medzi sebou hádajú o to, kto z nich vymyslí najneuveriteľnejšiu lož, a obchodník pôsobí ako sudca. Každého zbije pútnik, ktorý tvrdí, že nikdy nevidel ani jednu mrzutú a výstrednú ženu.

Na dvore Henricha VIII., ktorý podľa talianskeho vzoru začínal s maškarádami a mal veľmi rád divadelné predstavenia, sa hrali aj hry na antické mytologické námety a pokúšali sa napodobňovať rímskych komediantov. Takéto napodobeniny však prekvitali najmä na školách, na právnických fakultách a pod.

2

S rozvojom humanizmu sa zintenzívňuje vplyv ukážok antickej drámy. Študentské predstavenia v latinčine na anglických univerzitách sa organizujú od konca 15. storočia. (v Cambridge - od 1482, Oxford - od 1486). V prvej polovici XVI storočia. záujem o „školskú drámu“ sa zintenzívnil a namiesto latinčiny začala čoraz viac používať ľudovú reč, vďaka čomu mohla trochu ovplyvniť ľudovú drámu.

Obľúbenými modelmi pre školské hry boli komédie Plautus a Terence. Do roku 1537 sa zo začiatku 40. rokov datuje medzihra „Thersites“, napodobenina Plautovho „Boastful Warrior“ – medzihra „Jack the Deceiver“, čiastočne kvôli zápletke Plavtovho „Amphitriona“. Komédia Plautus „Menechma“ bola tiež niekoľkokrát preložená a prerobená, čo neskôr vytvorilo základ Shakespearovej „Komédie omylov“. Na rovnakom starodávnom základe vytvoril riaditeľ slávnej školy Eton pri Oxforde Nicholas Udell (Nocolas Udell) prvú „správnu“ anglickú komédiu v piatich dejstvách „Ralph Royster Doyster“ (40. roky). Hlavná postava Ralph je variáciou typu „chvastavého bojovníka“, no celá komédia sa nesie v anglických každodenných tónoch.

Ješitný a hlúpy vyhadzovač Ralph požiada o ruku istú bohatú vdovu Constance, ktorá je však zasnúbená s obchodníkom Goodluckom, ktorý je momentálne preč. Ralphov sluha Matthew Merrigrick zo srandy presvedčí Ralpha, že Constance je do neho blázon, hoci o ňom v skutočnosti nechce ani počuť. Najväčšia komédia sa sústreďuje v scéne, kde sa chce Ralph násilne vlámať do Constanceinho domu; ona, keď vyzbrojila svoje slúžky metlami, lyžicami, vedierkami a iným kuchynským náradím, zorganizuje také odmietnutie, že Ralph musí ustúpiť. Goodluck sa vracia a určuje dátum svadby s Constance. Mladí ľudia zo štedrosti pozvú Ralpha na oslavu. Vidí v tom uznanie svojej odvahy, a preto sa rozhodne prísť na hostinu.

Hra je plná živých a vtipných postrehov okolitej reality. Jeho dej nie je taký primitívny ako v medzihrách z predchádzajúceho obdobia a je zložitejší ako v komédiách Plauta a Terentia. Hlavná zásluha hry spočíva v tom, že jej komika nie je založená na umelej vonkajšej motivácii akcie, ale na Ralphovom sebaklame, teda na zvláštnostiach jeho postavy. Celkovo je komédia pomerne vydareným pokusom aplikovať starodávnu komediálnu techniku ​​na anglický každodenný materiál; vplyv antickej komédie je tu cítiť v expozícii, technikách charakterizácie, členení hry na akty a scény. Ralph Royster Doyster zároveň miestami prezrádza spriaznenosť s anglickou ľudovou drámou. Tak napríklad Merrigrick pripomína menej „parazita“ antickej komédie ako tradičnú pikaresknú postavu „neveria“ stredovekej komédie, z ktorej napokon vyrástla postava takzvaného „klauna“ v „alžbetínskej“ dráme.

Ešte anglickejšia, pokiaľ ide o každodenné farby a kompozície, je komédia Johna Stilla Girton's Gossip's Needle, ktorá sa objavila okolo roku 1556.

Gossip Gherton opravuje roľníkovi Hodgeovi kožené nohavice: keď vidí, že mačka sa zakráda po mlieku, odoženie ju, no stratí ihlu. Začína sa dlhé pátranie po tejto ihle, všetci sa rozčuľujú, obviňujú susedov z krádeže, čarujú s diablom. Dochádza k bitke, až si napokon roľník oblečie nohavice a potopiac sa do kresla dostane informáciu, kde sa nachádza.

Táto hra je mimochodom zaujímavá, pretože sedliaci hovoria dialektom; pijanská pieseň v druhom dejstve je tiež dosť populárna.

V 60. rokoch XVI. v Anglicku je už veľa komédií rôzneho typu. Niektoré z nich sú napodobeniny starožitností, iné - talianske komédie, zase často založené na starožitných vzorkách. Napríklad Gaskoňská komédia The Changelings je remakeom Ariostových The Changelings. Niekedy sú zápletky hier prevzaté zo španielskej literatúry; tak je "Celestina" prerobená na veselú anglickú komédiu "Calisto a Melibea".

V Anglicku je tiež renesančná tragédia, ktorej vzorom bola, podobne ako v iných krajinách, najmä tragédia Seneca. Preklady týchto tragédií („Trójske ženy“, „Thieste“, „Furious Hercules“ atď.) sa v Anglicku objavili v pomerne veľkom počte v rokoch 1560 až 1581. Ich vplyv na seba nenechal dlho čakať. V roku 1561 bola inscenovaná hra, ktorá sa zvyčajne považuje za prvú anglickú tragédiu – „Gorboduk, alebo Ferrex a Porrex“ od Thomasa Nortona (prvé tri dejstvá) a Thomasa Sequila (posledné dve dejstvá).

Jeho dej je prevzatý z legendárnej histórie Británie, ktorú v stredovekej anglickej kronike rozprával Geoffrey z Monmouthu. Britský kráľ Gorboduk počas svojho života rozdeľuje svoje kráľovstvo medzi svojich dvoch synov - Ferrexa a Porrexa. Mladší z nich, Porrex, zabije staršieho, aby ovládol celú krajinu. Kráľovná matka, ktorá Ferrexa milovala viac, zabije jeho vraha. To spôsobí v krajine rozhorčenie, dôjde k povstaniu, počas ktorého sú Gorboduk a jeho manželka zabití. Medzi pánmi, ktorí ostávajú vládcami, začínajú spory o trón.

Hra je namierená proti feudálnym rozbrojom stredoveku. „Gorboduk“ nepochybne vďačí za mnohé črty svojej konštrukcie seneckým tradíciám: hra je rozdelená do piatich dejstiev, na konci každého dejstva sa objavuje chór a napokon sú do tragédie uvedení „poslovia“, ktorí ohlasujú udalosti. ktoré sa odohrali v zákulisí, najmä početné vraždy. Tragický konflikt v tejto hre má však vonkajší charakter, keďže tragédia nevyplýva z charakterov postáv, ale je generovaná okolnosťami, ktoré ležia mimo nich. Autori Gorboduka, ktorí si osvojili mnohé črty antickej dramaturgie, však nedokázali odolať tradíciám stredovekej ľudovej drámy. Predovšetkým je príznačné, že dej hry je prevzatý z národnej, hoci legendárnej histórie, a nie z antiky; ďalej akcia pokračuje po katastrofe v treťom dejstve; napokon každému dejstvu predchádza niečo ako alegorická pantomíma v štýle stredovekých predstavení.

Táto hra je zaujímavá tým, že je napísaná prázdnym veršom. Bola to prvá skúsenosť s použitím bianco veršov v anglickej dráme, ktorá sa v nej čoskoro stala obľúbenou.

Po Gorbodukovi sa objavilo mnoho ďalších hier napísaných v duchu antických drám, predovšetkým Senecom. Niektorí čerpali námety od antických historikov, iní od stredovekých spisovateľov, no vo väčšine týchto diel sa spájajú postupy antickej dramaturgie s črtami stredovekej drámy.

3

Dramaturgia sa oveľa intenzívnejšie rozvíjala od 70. rokov 16. storočia. V tomto období dochádza v Londýne k dôležitým zmenám v javiskových podmienkach a technickej organizácii divadelných predstavení. Dovtedy tu bolo dvorské divadlo, založené už od čias Henricha VIII.; bola určená pre vybraný šľachtický okruh divákov zoskupených okolo kráľovskej rodiny a cudzincov sem púšťali len na zvláštne pozvanie. Mestské obyvateľstvo hlavného mesta sa muselo uspokojiť s občasnými vystúpeniami príležitostných divadelných súborov potulných profesionálnych hercov, ktorí prišli do Londýna. Najčastejšie sa ich predstavenia odohrávali na hotelových dvoroch upravených na tento účel. Vedenie mesta sa však kvôli vplyvu puritánov nepriateľských voči divadlu často postavilo proti organizácii týchto predstavení v meste. Avšak v tretej štvrtine XVI storočia. Záujem mešťanov o divadelné predstavenia tohto druhu vzrástol natoľko, že bolo potrebné vytvoriť stále divadlo v budove, ktorá bola na to špeciálne postavená. Takéto divadlá skutočne vznikli v 70. rokoch a odvtedy ich počet neustále pribúda.

V XVI storočí. mestské stále divadlá v Londýne existovali v dvoch variantoch: verejné a súkromné; rozdiel medzi nimi sa však postupne vyrovnával. Súkromné ​​a verejné divadlá sa od seba líšili najmä zložením divákov a charakteristikou hereckých skupín. Súkromné ​​spočiatku slúžili špeciálne pozvaným osobám, neskôr sa líšili na drahších miestach, a preto mali bohatších návštevníkov. Vystupovali tu prevažne „detské družiny“ (tvorené napr. deťmi – zboristami kráľovskej kaplnky). Verejné divadlá sa vyznačovali lacným vstupným a počítali s pestrým a pestrým davom divákov, nenachádzali sa v centrálnej časti mesta (ako súkromné ​​divadlá), ale mimo nej, na severnom alebo južnom brehu Temže. Vo verejných divadlách vystupovali len profesionálne „dospelé“ herecké súbory a ich javiská boli často zložité. V roku 1576 postavil divadelný podnikateľ James Burbage prvé verejné divadlo v nábrežnej časti Londýna a v tom istom roku sa v centrálnej časti hlavného mesta objavilo prvé súkromné ​​divadlo (tzv. „Blackfrier's“). Po divadle Burbage (jednoducho nazývané „Divadlo“) vzniklo množstvo divadiel, ktoré sa navzájom striedali („Záves“, „Ruža“, „Labuť“, „Glóbus“ atď.). Divadlo sa stalo jednou z obľúbených zábav obyvateľov mesta a začalo hrať čoraz väčšiu spoločensko-politickú úlohu.

Londýnske divadlá tejto doby, verejné aj súkromné, mali špeciálnu úpravu, ktorá ich výrazne odlišovala od tých súčasných. Divadelné budovy, postavené zjavne výlučne z dreva, mali buď okrúhly alebo oválny tvar, alebo tvar mnohostenov. Najrozšírenejší bol oválny tvar, mal ho napríklad divadlo Swan, o ktorého štruktúre máme predstavu z kresby Holanďana DeWitta, ktorý navštívil Londýn okolo roku 1596, a z vysvetliviek v jeho cestovateľskom denníku. Divadlo Globe malo tiež oválny tvar, keďže Shakespeare v prológu „Henry V“ ho nazýva „drevené písmeno O“. Väčšina divákov sedela na priestrannom „nádvorí“ obklopenom stenami, pozdĺž ktorých prebiehalo niekoľko radov galérií; vo verejných divadlách nebola strecha nad stánkami. V galériách sedeli diváci, na rozdiel od návštevníkov stánkov, ktorí sledovali predstavenie v stoji. Jedna alebo dve nižšie poschodia galérií boli rozdelené do boxov, boli to najdrahšie miesta určené pre privilegovaných divákov.

Najdôležitejšou črtou verejných divadiel bolo zložité usporiadanie javiska. Herci tu nemali jednu scénu, ale hneď niekoľko. Hlavné pódium bola plošina, ktorá siahala hlboko do stánkov, často sa ku koncu zužovala a oplotená nízkymi zábradliami. Keďže táto plošina nepriliehala k stenám ani boxom na oboch stranách, diváci stojaci v parteri vypĺňali aj priestor, ktorý bol medzi javiskom a boxami nižšieho poschodia. Chýbala tam opona, ktorá by oddeľovala hlavné pódium od divákov, aby sa naň mohli pozerať zo všetkých strán. Jeho zadná časť však bola prekrytá baldachýnom, niekedy sa týčila nad úroveň hlavného pódia a bola vybavená posuvným závesom; okrem toho tu bolo tretie, horné pódium v ​​podobe balkóna nad zadným javiskom, niekedy vytvorené z časti galérie umiestnenej nad zadnou časťou plošiny. Akcia prebiehala postupne na jednej, potom na druhej, potom na tretej z týchto scén, čo v mnohých ohľadoch určovalo osobitú štruktúru dramatických diel tohto obdobia. Hoci javisko bolo chudobné na kulisy (najmä vo verejných divadlách) a predstavenia sa vyznačovali primitívnou konvenčnosťou inscenácie, divadlá neboli úplne zbavené prostriedkov na výpravu. Ilúziu posilňovali javiskové efekty predvedené pomocou niektorých technických zariadení, ale aj zvukomalebnosť v zákulisí (hromy, štekot psov, kohútie kikiríka a pod.), hudba sprevádzajúca predstavenie a najmä expresívna hra tzv. herci. Významnú úlohu v tomto smere zohral aj samotný scénický text, ktorý obsahoval opisy miest, kde sa akcia odohráva, napríklad krásy okolitej prírody, či náznaky času, kedy sa akcia odohráva. Vďaka kombinácii všetkých týchto techník bolo možné dosiahnuť rôzne ilúzie, ako napríklad tmu, hoci predstavenie bolo za denného svetla.

Najväčšiu pomoc však režisérom v tomto smere poskytol divadelný divák, ktorý na predstavenie reagoval živo a emotívne a mal ľahko vzrušiteľnú predstavivosť. Pestré, zmiešané zloženie divadelného publika vo verejných divadlách alžbetínskej éry predstavuje aj ich veľmi výraznú črtu. Verejné divadlá navštevovali bohatí občania a aristokracia, ktoré sa nachádzali v boxoch galérií nižších vrstiev a niekedy dokonca aj na samotnom proscéniu; hornú galériu a stánky zaplnilo demokratickejšie publikum - každý, kto za vstup zaplatil najmenšiu sumu (1-2 pence). Voľný prístup do divadiel spôsobil rôznorodosť sály a zmenil ich na zábavu národného charakteru. Táto okolnosť mala veľký význam pre dramaturgiu tohto obdobia.

Obľúbenosť divadla medzi všetkými vrstvami spoločnosti by mala vysvetľovať rozmanitosť a rôznorodosť repertoáru, ktorý je preň vytvorený. Tento repertoár vytvorila skupina významných dramatikov, ktorí sú Shakespearovými bezprostrednými predchodcami. Väčšina z nich pracovala pre divadlá všetkých druhov. V ich tvorbe sa heterogénne dramatické prúdy predchádzajúceho obdobia spájajú viac-menej organicky a tvoria pozoruhodný umelecký celok, z ktorého napokon vyrastá shakespearovské divadlo.

Začiatkom 80. rokov John Lily, autor románu Eufues, nakrúcal svoje komédie písané pre súdne divadlo. Tieto komédie („Žena v mesiaci“, „Sappho a Phaon“, „Endymion“ atď.) sú dramatické pastorále, presýtené antickou mytológiou, no obsahujú aj komický prvok, umocnený jemnými vtipnými dialógmi v štýle príznačnom pre tento spisovateľ. Pre jedno zo súkromných divadiel napísala Lily aj komédiu „Alexander a Campaspe“, v ktorej sa rozvíja starodávna legenda o tom, ako Alexander Veľký, ktorý zadal portrét krásnej zajatkyne Campaspe umelcovi Apellesovi, ho veľkoryso daroval Apellesovi. keď sa dozvedel o ich vzájomnej láske. V Lilyiných hrách nahradil predchádzajúcu reč vo veršoch elegantný a flexibilný prozaický dialóg. Thomas Kidd a Christopher Marlo išli inou cestou.

Thomas Kyd (Thomas Kyd, 1558-1594) je považovaný za zakladateľa patetickej, melodrámy blízkej, tragédie – žánru, ktorý dostal názov „krvavá“ tragédia vďaka hromadeniu vrážd a zverstiev všetkého druhu v ňom. Kid stál ďaleko od dvora a aristokratických kruhov a polícia ho podozrievala z voľnomyšlienkárstva. Bol známy najmä svojou Španielskou tragédiou (okolo roku 1584), ktorá mala v londýnskych divadlách dlhú históriu. Konštrukčná technika „Španielskej tragédie“ umne spája techniky Senekových tragédií a stredovekej anglickej drámy; tu sa objavuje duch zabitých sprevádzaný alegorickou postavou Pomsty, ktorí predpovedajú budúce udalosti a zároveň hrajú úlohu chóru zhŕňajúceho všetko, čo sa divákovi deje pred očami. Návrat k hrám ako „Gorboduk“ či „Cambise“, „Španielska tragédia“ však v porovnaní s nimi robí výrazný krok vpred: jej postavy sú jasnejšie načrtnuté a sú v užšom spojení s vývojom akcie; je to tragédia pomsty, zúriaca násilnou silou v srdciach urazených ľudí.

Jednou z ústredných postáv tejto tragédie je starý Španiel, dvoran Jeronimo, ktorý pomstí smrť svojho syna Horatia, ktorého tajne zavraždili Španiel Lorenzo a portugalský dedič princ Baltazar, ktorý bol väzňom v Španielsku; raz mu Horatio daroval život na bojisku. Dôvodom vraždy bola Baltazárova láska k Horatiovej milovanej Bellimperii. Hieronimo nájde mŕtvolu svojho syna, no vrahov nepozná. Po informácii, že ide o vysokých úradníkov, tomu dlho nechce uveriť, váha, odkladá plány na pomstu, predstiera blázna, aby sa konečne dozvedel pravdu. Keď portugalský kráľ príde do Španielska oslobodiť svojho syna zo zajatia, Hieronimo príde s rafinovanou pomstou vrahom. Usporiada divadelné predstavenie na dvore, na ktorom sa zúčastňuje on sám, Bellimperia, Lorenzo a Balthazar. V záverečnej scéne pod rúškom pokračujúceho predstavenia Hieronimo skutočne dobodá Lorenza na smrť a dievča prebodne Baltazára; potom sa zabijú a v patetických monológoch odhalia tajomstvo zločinu a pomstu, ktorú spôsobil.

Podobne ako „Gorboduk“ sa teda „Španielska tragédia“ končí smrťou všetkých postáv, no v „Gorboduk“ sa podľa metód antickej drámy odohrávajú vraždy v zákulisí a v „Španielskej tragédii“ sa všetko odohráva miesto pred divákom, ako v stredovekej dráme . V dejových situáciách a technike majú Kidove hry veľa spoločného so Shakespearovým Hamletom (téma pomsty, zjavenie sa ducha zavraždeného, ​​predstierané šialenstvo, hra v hre atď.). Je to o to zaujímavejšie, že práve Kidovi sa pripisuje hra o Hamletovi, ktorá sa k nám nedostala a ktorá predchádzala Shakespearovej.

4

Jedným z najvýznamnejších a najtalentovanejších predchodcov Shakespeara bol Christopher Marlowe (1564-1593). Bol synom chudobného obuvníka z Canterbury. S podporou priateľov a pravdepodobne aj vplyvných patrónov mohol Marlo vstúpiť na univerzitu v Cambridge, kde získal bakalársky a neskôr aj magisterský titul. Potom sa začal zaujímať o divadlo, zrejme aj on sám bol nejaký čas hercom, okolo roku 1587 prišiel do Londýna a venoval sa výlučne tvorivosti, rotoval v kruhoch bohémskych spisovateľov, kde si čoskoro vydobyl povesť nebezpečného voľnomyšlienkára a ateistu. Jedna z výpovedí proti Marlovi ho vykresľuje ako šéfa ateistického okruhu mladých spisovateľov a pripisuje mu na tú dobu veľmi nebezpečné myšlienky: Marlo vraj neveril v Boha, tvrdil, že Kristus je hodný popravy ako Barabáš, že obyvatelia Indie a iné národy starovekého sveta žili a písali asi pred šestnástimi tisíckami rokov, zatiaľ čo podľa Biblie svet stvorený Bohom existuje len šesť tisíc rokov. Marlov krátky život je málo známy. V roku 1593 bol zavraždený v krčme neďaleko Londýna za pomerne záhadných okolností, ktoré sa dnes jeho životopisci prikláňajú k interpretácii v zmysle, že išlo o politickú vraždu, ktorú zorganizovala londýnska tajná polícia s cieľom zlikvidovať nebezpečnú osobu. Puritáni privítali správu o smrti mladého „bezbožníka“ s hlbokou radosťou. Jeden z kazateľov v tom dokonca videl „boží prst“ a povedal, že Marlo „dosiahol také šialenstvo, že zaprel Boha, svojho syna Ježiša Krista, a nielen že sa slovami rúhal proti Trojici, ale dokonca o tom napísal knihy, v ktorej tvrdil, že spasiteľ je podvodník a Mojžiš je kúzelník a čarodejník, že biblia je zbierkou prázdnych absurdných rozprávok a náboženstvo je výmysel politikov.

Titulná strana Tragickej histórie Dr. Fausta od Marlo, ed. 1631

Vo svojich dielach Marlo, samozrejme, nemohol otvorene hlásať takéto myšlienky, ale v jeho diele sa materialistický a humanistický svetonázor stále celkom jasne prejavuje. Vo svojich mladistvých impulzoch a vzostupoch a pádoch myslenia bol Marlo jedným z najjasnejších hovorcov titánstva renesancie. Marlo vytvoril hrdinskú tragédiu silnej osobnosti, ktorej odvážne myšlienky a odhodlané túžby sú stredobodom dramatickej akcie. Už v prológu svojej prvej hry „Tamerlán Veľký“ (okolo roku 1587), ktorá mala v Londýne veľký úspech, Marlowe sľúbil, že predvedie vznešenú hrdinskú drámu, oslobodenú od „klaunérie“ a klaunského vtipu rýmovaných veršov. Táto dráma skutočne ukazuje mocný, titánsky obraz slávneho stredoázijského dobyvateľa zo 14. storočia, ktorý si podmaňuje všetku akciu. Tamerlána a dôsledne zobrazuje jeho život, od chvíle, keď bol ešte obyčajným pastierom, až po hodinu, keď zomiera ako vládca celého východného sveta. V rýchlo sa meniacich epizódach hry si Tamerlán, obdarený obrovskou vôľou k moci a neotrasiteľnou vierou vo vlastné sily, jednu po druhej podmaňuje východné monarchie – Perziu, Sýriu, Turecko, Egypt, Babylon. Teraz sa zjavuje na bojisku, teraz na voze ťahanom vládcami, ktorých si podmanil; nesie za sebou v železnej klietke tureckého sultána Bajazeta. Vo svojom zázračnom vzostupe z temnoty k absolútnej nadvláde nikdy nezaváha ani nezlyhá. Vo svojom obraze, ktorý sa výrazne líši od historickej osobnosti Tamerlána, Marlo ospravedlňuje trúfalosť, silu silnej vôle, neobmedzené možnosti človeka, ktorý vďačí za všetko sám sebe. Toto je oslava nového človeka, hrdinu renesancie.

Tamerlán však nie je stelesnením brutálneho násilia, nie je mu cudzia ani zvláštna demokracia: oslobodzuje napríklad zajatých otrokov v Alžírsku. Je nepriateľom východných despotizmov a ich porážkou spochybňuje celý patriarchálny spôsob života, ktorý sa vyvinul v priebehu storočí, všetky právne, sociálne a náboženské predsudky minulosti; v jednej zo záverečných scén Tamerlán napríklad nariaďuje priniesť Korán do babylonského chrámu a v prítomnosti všetkých kráľov, ktorých zajal, slávnostne spáliť. Tamerlán, tento impozantný a niekedy krutý vládca, má tiež pocity štedrosti, vznešenosti, vášnivej, všetko pohlcujúcej lásky; v rovnakých hrdinských a patetických tónoch je vykreslená jeho láska k dcére egyptského sultána Zenokrata. Tamerlane napokon nie je len milovníkom moci – verí v neobmedzené sily mysle a pre neho, ako aj pre ľudí renesancie, sú sila a vedomosti od seba neoddeliteľné. „Náš duch, schopný pochopiť zázračnú štruktúru sveta a merať cestu každej planéty, sa večne usiluje o nekonečné poznanie,“ hovorí Tamerlane a označuje cestu k ústrednému obrazu ďalšej Marlovej hry – Faust.

Marlo bol prvým spisovateľom, ktorý zdramatizoval legendu o Faustovi, uvedenú krátko predtým v nemeckej ľudovej knihe. Jeho hra „Tragické dejiny života a smrti doktora Fausta“, napísaná pravdepodobne okolo rokov 1588 – 1589, výrazne upravuje filozofický a morálny význam povesti, hoci dejovo má veľmi blízko k ľudovej knihe. Marlov Faust má rovnakú titánsku povahu ako Tamerlán: svoju dušu dáva diablovi za poznanie, pozemské šťastie a moc. Dohoda s Mefistom by z neho mala urobiť „pána sveta“, dať mu nevýslovné bohatstvo a neobmedzenú moc. Ale toto všetko chce Faust využiť nielen na úzke osobné, egoistické účely; napríklad má v úmysle založiť množstvo univerzít, zvýšiť vojenskú silu svojej vlasti, obklopiť ju nepreniknuteľnou medenou stenou, dobyť susedné krajiny: Taliansko, Afriku a Španielsko atď. Marlowova interpretácia obrazu Mefistofela nie je o nič menšia. zvláštne: nevyzerá ako stredoveké diablovské legendy a nie sú v ňom žiadne komické črty - veľa v ňom svojím pátosom anticipuje obrazy Satana v Miltonovi a Byronovi. Mefistofeles Marlo je duch „vyčerpaný utrpením“, ktorý nosí v srdci peklo, a zároveň rebel proti božským silám; zjavuje sa Faustovi ani nie tak v dôsledku magických kúziel, ale preto, že Faust sa podobne ako Satan rúha Bohu a nenávidí Krista.

Ústredným obrazom Marlovej hry „Žid z Malty“ (po roku 1589) je Barabáš, obdarený rovnakými nadľudskými črtami ako postavy, ktoré mu predchádzali. Barabáš je však pomstychtivý darebák, žrút peňazí a dravec, ktorého všetky ľudské vlastnosti sú negatívne. Jeho myšlienky smerujú k získaniu nevýslovného bohatstva, páchaniu zločinov a pomste za pohŕdanie, ktoré mu pripadlo. Zradou, zradou, úplatkom bojuje s celým svetom a zomiera len vtedy, keď má dosť krvi svojich mnohých obetí.

Akcia sa odohráva na ostrove Malta. Rytieri, ktorí vlastnia ostrov, sa zmocnili Barabášovho majetku, aby zaplatili odškodné Turkom, a Barabáš sa s neúprosnou vytrvalosťou mstí kresťanom za násilie spáchané na ňom. Robí z moslimov nástroj svojej pomsty. Barabáš podnieti vášeň dvoch rytierov, ktorí sú zaľúbení do jeho dcéry. Keď sa títo rytieri zabijú v súboji, nešetrí svoju dcéru, ktorá sa do jedného z nich zamilovala, a otrávi ju aj so všetkými mníškami z kláštora, kam utiekla pred svojím krutým otcom.

V prológu tejto hry vystupuje Machiavelli, ktorému Marlowe vložil do úst mnohé zo svojich obľúbených materialistických a ateistických názorov, napríklad, že náboženstvo je len nástrojom na dosahovanie politických cieľov a že „jediným hriechom je nevedomosť“. Samotná hra ukazuje, že chamtivosť, chamtivosť, sebectvo a iné neresti buržoázneho sveta nezávisia od náboženského presvedčenia a národných čŕt.

Marlo vlastní aj historickú kroniku „Edward II“ (1592-1593), ktorá sa svojou technikou a remeselnou vyspelosťou približuje historickým Shakespearovým kronikám. Na rozdiel od všetkých predchádzajúcich hier od Marlowa, v "Edward II" nie sú žiadne titánske postavy a nadľudské vášne; Namiesto hrdinských a trochu zovšeobecnených obrazov ambicióznych ľudí, vládcov a ráznych pováh, hra predstavuje obyčajných, ba slabých ľudí, ktorí problémy moci a etiky správania riešia oveľa každodennejšími spôsobmi.

Hra zobrazuje anglického kráľa Edwarda II. (1307-1327), ktorý vedie boj s mocnými pánmi a potom so svojou rodinou kvôli svojim nehodným obľúbencom - Gavestonovi a Spencerovi. Kráľovná Izabela svojho manžela miluje, no postupne sa kvôli jeho urážlivému postoju voči nej zatvrdí. V spojenectve so svojím milencom Mortimerom, ktorý ju podriadil svojmu vplyvu, dosiahne Edwardovu abdikáciu z trónu, uväzní ho a napokon pomocou vyslaného vraha zradne zabije. Na rozdiel od Isabelly sa zo slabomyslného Edwarda, ktorý bol hračkou v rukách jeho obľúbencov, v dôsledku prežitého žiaľu stáva silný a odvážny človek. Skúšky a súženia mu otvorili oči pre život a ľudí okolo neho a smelo čelí smrti.

Proti spontánnym, búrlivým impulzom Marlowových raných hier v "Edward II" stojí oveľa ucelenejšie a hlbšie vnímanie reality, niekdajšej statickej postavy - ich rozvíjania v rámci dramatickej akcie av tesnej závislosti od nej. "Edward II" - jedno z najdôležitejších diel Marlowa na ceste k nastoleniu realizmu v dráme "Elizabeth".

Marlo mal veľký vplyv na tvorbu Shakespeara a iných dramatikov tej doby. Shakespeare si od neho osvojil nielen prázdne verše (vďaka Marlowemu, ktoré sa napokon udomácnili v anglickej dráme), ale aj mnohé ideové črty a štylistické prostriedky jeho hier, napríklad typ tragického hrdinu, okolo ktorého sa sústreďuje dej, vysoký pátos charakterizácie, riešenie mnohých etických a spoločensko-politických problémov. „Richard III“ a „Benátsky kupec“ od Shakespeara sú rovnako zaviazaní „Maltskému židovi“ od Marlowa. V „Richardovi II“ je aj istá príbuznosť s „Edwardom II“, ktorý navyše v mnohých ohľadoch anticipuje „Kráľa Leara“ a „Macbetha“. Tulák Lear, podobne ako uväznený Edward, je presiaknutý vedomím márnosti ľudského života a iluzórnej povahy moci. Lady Macbeth je príbuzná kráľovnej Izabely a v samotnom Macbethovi ožívajú črty mocichtivého Tamerlána. Marlowov vplyv sa teda neobmedzuje len na rané obdobie Shakespearovej tvorby, ale zasahuje aj do jeho veľkých tragédií.

5

Ďalším významným dramatikom, ktorý sčasti podobne ako Marlowe pripravoval Shakespearovo dielo, bol Robert Greene (1553-1590), ktorý okrem už spomínaných príbehov zanechal mnoho dramatických diel. V Dejinách mnícha Bacona a mnícha Bengaya (1589) Green zobrazil vynikajúceho anglického vedca 13. storočia. Roger Bacon, bojovník proti scholastike a zakladateľ teórie empirického poznania, ktorý za to ťažko trpel tmárstvom francúzskych mníchov, do ktorých rádu mal tú smolu patriť. Ale v čase, keď bola napísaná Greenova hra, bol Roger Bacon úplne zabudnutý, a preto Greene mohol použiť iba ľudovú legendu o ňom, ktorá z Bacona urobila jednoduchého čarodejníka. Tento obraz v zelenom nemá nič spoločné s obrazom odbojného hľadača pravdy – Fausta v Marlowe.

Baconove kúzla slúžia len na ľúbostné účely princa z Walesu, budúceho kráľa Edwarda I., ktorý chce využiť služby čarodejníckeho mnícha, aby získal srdce svojej lesníckej dcéry. Dvoran, ktorého k nej poslal princ ako prostredníka, sa do nej sám zamiluje. Princ vidí ich maznanie v Baconovom magickom zrkadle, rozzúri sa, ale čoskoro sa upokojí, najmä keď je už zasnúbený s francúzskou princeznou.

Zápletku o stredovekom čarodejníkovi, ktorá sa pod Marlowovým perom zmenila na grandióznu filozofickú drámu, teda Green spracoval v takmer komediálnom štýle, nie však bez lyrických tónov.

Greenove hry sa od väčšiny diel jeho súčasných dramatikov líšia nápadným demokratizmom a národnosťou. Green ochotne privádza na scénu roľníkov a remeselníkov a zobrazuje ich v sympatických až hrdinských tónoch. Jeho drámy sú v ostrom kontraste s „klaunériou“ predchádzajúcich hier, ktoré vždy surovo komicky zobrazujú „mužika“. V tomto smere je obzvlášť kuriózna jedna z jeho najlepších hier „George Green, Weckfield Field Watchman“ (1592), ktorá vznikla na základe ľudových balád o Robinovi Hoodovi.

Zobrazuje, ako bohatý roľník (zeman) George Green pomáha kráľovi Edwardovi III. potlačiť povstanie jedného zo severných feudálov, ktorí sa za týmto účelom spojili so Škótmi. Kráľ chce vidieť osobu, ktorá mu urobila láskavosť. Keď sa prezlečie, vydá sa hľadať sedliaka a nájde ho v spoločnosti veselého Robina Hooda, s ktorým sa George Green dokázal spriateliť. Kráľ odpúšťa Robinovi Hoodovi a Green chce byť pasovaný za rytiera, čo však odmieta. Hra končí veselou hostinou, na ktorej sa za rovnakých podmienok zúčastňujú kráľ, roľníci a remeselníci.

Mnohé scény hry (napríklad scéna Greenovho súboja s Robinom Hoodom, končiaca uzavretím priateľského spojenectva medzi nimi) vyrástli z ľudových balád.

V poslednom desaťročí šestnásteho storočia Anglická dráma dosiahla svoj plný rozvoj. Rôznorodosť žánrov, vysoké zvládnutie techniky, bohatý ideový obsah charakterizujú anglickú drámu, ktorú vytvorili Lily, Marlo, Kid, Green, Lodge, Peel a ďalší predchodcovia Shakespeara, ktorí boli galaxiou vynikajúcich dramatikov. Prekonal ich však najvýraznejší zo všetkých spisovateľov anglickej renesancie – Shakespeare.

Cryptoprocessing .com je popredným svetovým poskytovateľom krypto platieb.

VIII. PREKURZORY

Postupne sa rozvíjala nová dramaturgia, ktorá nahradila divadlo stredoveku - mystériá, alegorická morálka a primitívne ľudové frašky.

V tridsiatych rokoch šestnásteho storočia napísal biskup Bayle, horlivý protestant, hru namierenú proti katolicizmu. Svoje myšlienky ilustroval príkladom z histórie Anglicka – bojom kráľa Jána Bezzemka (vládol v rokoch 1199 až 1216) proti pápežovi. V skutočnosti bol tento kráľ bezvýznamnou osobou, ale protestantskému biskupovi bol drahý, pretože bol v nepriateľstve s pápežom. Bayle napísal morálku, v ktorej pôsobili zosobnené cnosti a neresti. Ústredná postava hry sa volala Cnosť. Ale zároveň sa to volalo Kráľ Ján. Medzi zachmúrenými postavami zosobňujúcimi neresti sa jedna volala Nezákonne uchopená moc, je tiež pápežkou; meno druhej je Podnecovanie k revolte, je tiež legátkou pápeža. Baylov „Kráľ Ján“ je svojráznou hrou, v ktorej sa spojili alegórie starej stredovekej morálky s novým historickým žánrom, ktorý neskôr prekvital v Shakespearových historických hrách. Baylovho „kráľa Jána“ prirovnali literárni historici ku kokonu: už to nie je húsenica, ale tiež to nie je motýľ.

Potom, v tridsiatych rokoch 16. storočia, sa v Anglicku začala rozvíjať takzvaná „školská“ dráma. Nazýva sa tak preto, že vznikol medzi múrmi univerzít a škôl: hry napísali profesori a učitelia, hrali ich študenti a školáci. Ale možno ju nazvať aj „školskou“ drámou v tom zmysle, že autori hier, ktorí ju sami vytvorili, sa ešte len učili písať hry štúdiom antických autorov a ich napodobňovaním. V tridsiatych rokoch šestnásteho storočia bola napísaná prvá komédia v angličtine, Ralph Royster-Deuster; jej autorom bol v tom čase známy učiteľ Nicholas Youdl, riaditeľ školy Eton. V päťdesiatych rokoch napísali učení právnici Sackville a Norton prvú tragédiu v angličtine – „Gorboduk“.

Ale toto všetko bola len „škola“. Skutočné, životom plné dramatické diela sa objavili až vtedy, keď ľudia z univerzít – „univerzitné hlavy“ – začali dávať svoje hry profesionálnym hercom. Stalo sa to v osemdesiatych rokoch XVI.

V roku 1586 sa objavujú dve hry, ktoré si zaslúžia osobitnú pozornosť. Autorom prvej je Thomas Kidd (napísal aj prvú hru o Hamletovi, ktorá sa k nám, žiaľ, nedostala).

Detská hra je typická „tragédia hromu a krvi“, ako sa vtedy hovorilo. Už samotný názov je veľavravný – „Španielska tragédia“. Ide o pokus, stále primitívny, zobraziť silu ľudských citov. Na scéne sa objavuje strašná postava Pomsty, ktorá pripomína obrazy starej morálky. Vzápätí vyjde Duch zavraždenej Andrey, ktorý sa sťažujúc na odporných vrahov zavolá na svojho hrozného spoločníka. Akcia začína. Mladý muž Horatio miluje krásne dievča Belimperia a ona miluje jeho. Ale Belimperiu miluje aj Baltazár, syn portugalského kráľa. Balthasara odvezú na pomoc bratovi Belimperia - zločincovi Lorenzovi. Za mesačnej noci, keď si mladí ľudia, sediaci v záhrade, vyznávajú lásku, vyjdú na javisko maskovaní zabijaci a zabijú Horatia dýkami. Na vtedajšej anglickej scéne s obľubou zobrazovali vraždy a iné „horory“: herca dali pod biely plášť s fľašou červeného octu; dýka prepichla bublinu a na bielom plášti sa objavili červené škvrny. Po bodnutí Horatia dýkami vrahovia zavesia jeho mŕtvolu na strom - zrejme, aby jasnejšie ukázali publiku mŕtvolu zafarbenú krvou. Atentátnici potom Belimperiu násilím odvezú. Horatiov otec, starý Jeronimo, vybieha za jej krikmi – v jednej košeli, s mečom v rukách. Keď vidí mŕtvolu svojho syna visieť na strome, prednesie hromový monológ, vyzývajúci k pomste... Všetko, čo sa deje na javisku, pozoruje Pomsta a Duch zavraždenej Andrey, ktorá s radosťou očakáva pomstu, lebo Horatiovi vrahovia sú aj jeho vrahmi. Ale starý Jeronimo váha: nie je ľahké pomstiť sa kráľovmu synovi. Nešťastný starec túžobne premýšľa o živote. „Ó, svet!" zvolá. „Nie, nie svet, ale súbor zločinov!" Prirovnáva sa k osamelému cestovateľovi, ktorý zablúdil v zasneženej noci... Andreinho ducha zachváti úzkosť. Obráti sa na Vengeance, no vidí, že spí. "Vstávaj, Pomsta!" zvolá zúfalo. Pomsta sa prebúdza. A potom starého Jeronima napadne myšlienka. Aby dosiahol svoj cieľ, plánuje zahrať hru na dvore (čitateľ si už všimol isté podobnosti medzi touto tragédiou a Shakespearovým Hamletom; opäť pripomíname, že Kidd bol autorom prvej hry o Hamletovi). V predstavení, ktoré naštudoval Jeronimo, sa do jeho plánu zasvätila Belimperia, ako aj Balthazar a Lorenzo. V priebehu hry sa postavy musia navzájom zabiť. Starý Jeronimo to robí tak, že namiesto „divadelných“ vrážd dochádza k skutočným vraždám. Predstavenie sa končí, no herci nevstávajú zo zeme. Španielsky kráľ požaduje od Jeronima vysvetlenie. Hieronimo odmieta odpovedať a na potvrdenie svojho odmietnutia si odhryzne vlastný jazyk a vypľuje ho. Potom kráľ prikáže dať mu pero, aby napísal vysvetlenie. Hieronimo znameniami žiada, aby mu dal nôž na nabrúsenie pera, a bodne sa týmto nožom. Nad hromadou zakrvavených mŕtvol sa objaví veselá Pomsta, čo naznačuje, že skutočná odplata ešte len príde: začína sa v pekle.

Všetko v tejto hre je skrz naskrz divadelné, podmienené, melodramatické. „Španielska tragédia“ Thomasa Kidda je praotcom onoho „romantického“ trendu v dramaturgii Shakespearovej éry, z ktorého vznikli také tragédie ako napríklad „Biely diabol“ či „Vovodkyňa z Malfi“ od Shakespeara. súčasný - Webster.

V tom istom roku 1586 bola napísaná hra úplne iného druhu. Jej názov je „Arden z mesta Feversham“ (Táto hra bola svojho času pripisovaná Shakespearovi, ale bez dostatočného odôvodnenia.) (jej autor je nám neznámy). Toto je rodinná dráma. Rozpráva o tom, ako mladá žena Alice Ardenová a jej milenec Moseby zabili Alicinho manžela. Samotná vražda je vykreslená s veľkou silou, keď sa Alice márne snaží zmyť škvrny krvi (tento motív s grandióznou silou rozvinul Shakespeare v tej slávnej scéne, v ktorej Lady Macbeth blúdi v polospánku, premožená spomienkami). Všetko v tejto hre je životne dôležité, realistické. A samotnú zápletku si autor požičal z reálneho života. V epilógu autor prosí divákov, aby mu odpustili, že v hre nie sú „ozdoby“. Umeniu podľa autora stačí „jednoduchá pravda“. Túto hru možno nazvať praotcom tohto trendu v dramaturgii Shakespearovej éry, ktorá sa snažila zobrazovať každodenný život, ako napríklad úžasná dráma Thomasa Heywooda „Žena zabitá láskavosťou“. Shakespearova tvorba spája oba prúdy – romantický aj realistický.

To bol prológ. Skutočné udalosti sa začínajú objavením hier Christophera Marlowa na londýnskej scéne. Marlowe sa narodil, podobne ako Shakespeare, v roku 1564 a bol od neho len o dva mesiace starší. Vlasťou Marlo bolo starobylé mesto Canterbury. Otec Christophera Marla vlastnil obchod s obuvou. Rodičia poslali svojho syna na univerzitu v Cambridge v nádeji, že z neho urobia kňaza. Marlo však po skončení univerzity namiesto kostolného oltára skončil na scéne londýnskeho javiska. Nebolo mu však súdené stať sa hercom. Podľa legendy si zlomil nohu a musel skončiť s herectvom. Potom sa začal venovať písaniu divadelných hier. Jeho grandiózny epos v dvoch častiach a desiatich dejstvách „Tamerlane Veľký“ sa objavil v rokoch 1587-1588. V tomto epose Marlo rozpráva o živote, vojnách a smrti slávneho veliteľa XIV.

„Skýtsky pastier“, „zbojník z Volhy“ je v Marlovej hre nazývaný Tamerlánom východnými kráľmi, ktorých zvrhne z trónu, pričom sa zmocní ich kráľovstiev. Tamerlánova armáda podľa Marla pozostáva z „jednoduchých vidieckych chlapcov“. Marlo vykresľuje Tamerlána ako svalnatého obra. Je to muž fenomenálnej fyzickej sily, nezničiteľnej vôle a elementárneho temperamentu. Pripomína mohutné postavy vytvorené Michelangelovým dlátom. Motív velebenia pozemského života, taký typický pre renesanciu, zaznieva v tomto grandióznom dramatickom epose nahlas; z javiska znejú slová: "Myslím, že nebeské rozkoše sa nedajú porovnávať s kráľovskou radosťou na zemi!"

Tamerlane, rovnako ako samotný Marlo, je vášnivý voľnomyšlienkár. V jednom zo svojich búrlivých hromových monológov hovorí, že cieľom človeka je „navždy stúpať k nekonečnému poznaniu a byť večne v pohybe, ako nepokojné nebeské sféry“. Tento báječný hrdina je plný prebytku sily. Na javisko prichádza na voze, do ktorého sú namiesto koní zapriahnutí králi, ktorých zajal. "Hej, ty rozmaznané ázijské žvásty!" kričí a bičom ich poháňa ďalej.

Ďalšou Marlovou hrou bola Tragická história doktora Fausta (Táto hra je dostupná v ruskom preklade: Tragická história doktora Fausta. Preklad K. Balmonta. Moskva, 1912.). Išlo o prvé dramatické spracovanie slávnej legendy. Marlova hra odrážala ľudskú túžbu podmaniť si prírodné sily, tak charakteristickú pre renesanciu. Faust predáva svoju dušu Mefistofelovi, aby „získal zlaté dary poznania“ a „prenikol do pokladnice prírody“. Sníva o tom, že svoje rodné mesto uzavrie medeným múrom a zneprístupní ho nepriateľovi, zmení tok riek, hodí most cez Atlantický oceán, naplní Gibraltár a spojí Európu a Afriku do jedného kontinentu... „Aké je to grandiózne všetko je!" - povedal Goethe, ktorý pre svojho "Fausta" použil niektoré črty Marlovej tragédie.

Veľkolepý rozsah fantázie, mohutný tlak síl, akoby s ťažkosťami, charakterizujú Marlovu tvorbu. „Marlov silný verš,“ napísal Ben Jonson. Shakespeare hovorí aj o Marlovom „mocnom výroku“ (V Shakespearovej komédii „Ako sa vám páči“ hovorí pastierka Phoebe: „Mŕtvy pastier, teraz chápem tvoj mocný výrok – ten, kto miloval, vždy miloval na prvý pohľad.“ Posledná veta je citát z Marlovej básne "Hrdina a Leander" "Mŕtvy pastier" - Marlo (tak ho pomenoval Shakespeare, pravdepodobne preto, že Marlo bol autorom básne o zaľúbenom pastierovi).

Puritáni, ktorí vytvorili kódex novej buržoáznej morálky, boli rozhorčení nad vášnivým voľnomyšlienkárom, ktorý otvorene hlásal svoje názory. Jedna za druhou prichádzali výpovede na kráľovskú tajnú radu. A dokonca aj pospolitý ľud, hoci Marlowove hry mali medzi nimi obrovský úspech, sa občas nie bez poverčivého strachu pozrel na to, čo sa deje na javisku. V Londýne sa dokonca šírila taká fáma. Raz po predstavení "Faust" sa ukázalo, že herec, ktorý hral úlohu Mefistofelesa, bol chorý a nechodil do divadla. Kto teda v ten deň hral Mefistofela? Herci sa nahrnuli do šatne a až potom podľa vône síry uhádli, že v ten deň na londýnskom pódiu vystupuje samotný diabol.

Marlo napísal niekoľko ďalších hier (jeho najlepšia hra, pokiaľ ide o živosť ľudských portrétov, ktoré vytvoril, je historická kronika „Kráľ Edward II“). Ale jeho úžasný talent nebol predurčený rozvinúť sa v plnej sile. 30. mája 1593 bol v krčme zabitý tridsiaty Christopher Marlowe. Puritáni sa radovali. „Pán nasadil tohto štekajúceho psa na hák pomsty,“ napísal jeden z nich.

Okolo smrti Marlo vzniklo mnoho legiend. Niektoré legendy hovorili, že Marlo zomrel v opitej bitke, keď sa pohádal so svojím vrahom o prostitútku; iní, že padol pri obrane cti nevinného dievčaťa. Tieto legendy sa až donedávna vážne počúvali. A až v roku 1925 sa americkej profesorke Leslie Hotson podarilo nájsť v anglických archívoch dokumenty, ktoré vrhli nové svetlo na okolnosti Marlovej smrti (Hotsonove objavy sú uvedené v knihe: Leslie Hotson. Smrť Cristophera Marlowa, 1925). A ukázalo sa, že vražda Marlo bola dielom tajnej rady kráľovnej Alžbety; pri vražde Marla bol prítomný istý Field, agent tajnej rady (Podrobnosti o vražde Marla nájdete v mojom článku „Christopher Marlo“ („Literárny kritik“, 1938, N 5). O Marlovi , pozri aj článok profesora A. K. Dzhivelegova v 1- v prvom čísle I. zväzku „Dejiny anglickej literatúry“, ktorý vydala Akadémia vied ZSSR, M.-L., 1944, a tiež v monografii od r. Prof. N. I. Storozhenko „Shakespearovi predchodcovia“, zväzok 1, Petrohrad, 1872.) .

Tak zomrel, bez toho, aby plne odhalil svoje tvorivé schopnosti, „otec anglickej drámy“ Christopher Marlowe. A práve v tom roku, keď zapadla jeho hviezda, horiaca jasným, vášnivým a nerovnomerným leskom, začala na divadelnom nebi Londýna stúpať hviezda Williama Shakespeara. Na rozdiel od svojich predchodcov, ktorí boli vysokoškolsky vzdelaní, „vysokoškoláci“, bol tento nový dramatik iba herec.

Shakespearových predchodcov sme spomenuli len niekoľko. V skutočnosti Shakespeare hojne využíval celú literárnu minulosť svojej vlasti. Veľa si požičal od Chaucera (napríklad Shakespearova báseň „Lucretia“ so svojimi dejovými koreňmi nás zavedie do Chaucerových „Legend of Good Women“; obrázky Theseusa a Hippolyty v komédii „Sen noci svätojánskej“ boli pravdepodobne inšpirované „ Príbeh rytiera" zo slávnych Chaucerových "Canterburských rozprávok"; Chaucerova báseň "Troilus a Cressida" ovplyvnila rovnomennú Shakespearovu komédiu atď.). Shakespeare dlžil veľa Edmundovi Spenserovi, autorovi knihy The Faerie Queene, a ďalším básnikom svojej školy. Z „Arcadie“ od Philipa Sidneyho si Shakespeare vypožičal zápletku, ktorú stelesnil do obrazu Gloucestra, ktorého zradil jeho syn Edmund („kráľ Lear“) – Shakespeare vzdal hold aj eufuizmu. Napokon spomedzi Shakespearových predchodcov treba spomenúť bezmenných rozprávačov anglických ľudových balád (V sovietskych časoch anglické ľudové balady prekladali S. Marshak, E. Bagritsky, T. Shchepkina-Kupernik a ďalší (pozri zbierku „Balady a piesne o the English People“ zostavený autorom tejto knihy) . Detgiz, 1942).). Práve v anglickej ľudovej balade sa rodí tragická akčná dráma, ktorá je taká typická pre tvorbu Shakespeara a jeho súčasníkov. Mnohé myšlienky a pocity, ktoré medzi ľuďmi oddávna existovali a odzrkadľovali sa v ľudových baladách a piesňach, našli v Shakespearovom diele brilantné umelecké stelesnenie. Korene tejto tvorivosti siahajú hlboko do ľudovej pôdy.

Z diel zahraničnej literatúry Shakespeara ovplyvnili predovšetkým talianske poviedky Boccaccio a Bandello, z ktorých Shakespeare prebral množstvo námetov pre svoje hry. Shakespearovou referenčnou knihou bola zbierka talianskych a francúzskych poviedok preložených do angličtiny pod názvom „The Hall of Delights“. Pre svoje "rímske tragédie" ("Julius Caesar", "Coriolanus", "Antony a Kleopatra") Shakespeare prevzal zápletky z Plutarchových Životov slávnych ľudí, ktoré čítal v Northovom anglickom preklade. Medzi jeho obľúbené knihy patrili aj Ovidiove Metamorfózy v anglickom preklade od Goldinga.

Shakespearovo dielo pripravilo mnoho básnikov, spisovateľov a prekladateľov.

Postupne sa rozvíjala nová dramaturgia, ktorá nahradila divadlo stredoveku - mystériá, alegorická morálka a primitívne ľudové frašky.

V tridsiatych rokoch šestnásteho storočia napísal biskup Bayle, horlivý protestant, hru namierenú proti katolicizmu. Svoje myšlienky ilustroval príkladom z histórie Anglicka – bojom kráľa Jána Bezzemka (vládol v rokoch 1199 až 1216) proti pápežovi. V skutočnosti bol tento kráľ bezvýznamnou osobou, ale protestantskému biskupovi bol drahý, pretože bol v nepriateľstve s pápežom. Bayle napísal morálku, v ktorej pôsobili zosobnené cnosti a neresti. Ústredná postava hry sa volala Cnosť. Ale zároveň sa to volalo Kráľ Ján. Medzi zachmúrenými postavami zosobňujúcimi neresti sa jedna volala Nezákonne uchopená moc, je tiež pápežkou; meno druhej je Podnecovanie k revolte, je tiež legátkou pápeža. Baylov „Kráľ Ján“ je druh hry, v ktorej sa alegórie starej stredovekej morálky spojili s novým historickým žánrom, ktorý neskôr prekvital v Shakespearových historických hrách. Baylovho „kráľa Jána“ prirovnali literárni historici ku kokonu: už to nie je húsenica, ale ešte ani motýľ.

V tridsiatych rokoch 16. storočia sa zároveň v Anglicku začala rozvíjať takzvaná „školská“ dráma. Nazýva sa tak preto, že vznikol medzi múrmi univerzít a škôl: hry napísali profesori a učitelia, hrali ich študenti a školáci. Ale možno ju nazvať aj „školskou“ drámou v tom zmysle, že autori hier, ktorí ju sami vytvorili, sa ešte len učili písať hry štúdiom antických autorov a ich napodobňovaním. V tridsiatych rokoch šestnásteho storočia bola napísaná prvá komédia v angličtine, Ralph Royster-Deuster; jej autorom bol v tom čase známy učiteľ Nicholas Youdl, riaditeľ školy Eton. V päťdesiatych rokoch napísali učení právnici Sackville a Norton prvú tragédiu v angličtine – Gorboduk.

Ale toto všetko bola len „škola“. Skutočné, životom plné dramatické diela sa objavili až vtedy, keď ľudia z univerzít – „univerzitné hlavy“ – začali dávať svoje hry profesionálnym hercom. Stalo sa to v osemdesiatych rokoch XVI.

V roku 1586 sa objavujú dve hry, ktoré si zaslúžia osobitnú pozornosť. Autorom prvej je Thomas Kidd (napísal aj prvú hru o Hamletovi, ktorá sa k nám, žiaľ, nedostala).

Detská hra je typická „tragédia hromu a krvi“, ako sa vtedy hovorilo. Už samotný názov je veľavravný – „Španielska tragédia“. Ide o pokus, stále primitívny, zobraziť silu ľudských citov. Na scéne sa objavuje strašná postava Pomsty, ktorá pripomína obrazy starej morálky. Vzápätí vyjde Duch zavraždenej Andrey, ktorý sa sťažujúc na odporných vrahov zavolá na svojho hrozného spoločníka. Akcia začína. Mladý muž Horatio miluje krásne dievča Belimperia a ona miluje jeho. Ale Belimperiu miluje aj Baltazár, syn portugalského kráľa. Balthasara odvezú na pomoc bratovi Belimperia - zločincovi Lorenzovi. Za mesačnej noci, keď si mladí ľudia, sediaci v záhrade, vyznávajú lásku, vyjdú na javisko maskovaní zabijaci a zabijú Horatia dýkami. Na vtedajšej anglickej scéne s obľubou zobrazovali vraždy a iné „horory“: pod biely plášť dali hercovi fľašu červeného octu; dýka prepichla bublinu a na bielom plášti sa objavili červené škvrny. Po bodnutí Horatia dýkami vrahovia zavesia jeho mŕtvolu na strom - zrejme, aby jasnejšie ukázali publiku mŕtvolu zafarbenú krvou. Atentátnici potom Belimperiu násilím odvezú. Horatiov otec, starý Jeronimo, vybieha za jej krikmi – v jednej košeli, s mečom v rukách. Keď vidí mŕtvolu svojho syna visieť na strome, vysloví hromový monológ, ktorý volá po pomste... Všetko, čo sa deje na javisku, pozoruje Pomsta a Duch zavraždenej Andrey, ktorá sa raduje a čaká na pomstu, pretože Horatiovi vrahovia sú aj jeho vrahmi. Ale starý Jeronimo váha: nie je ľahké pomstiť sa kráľovmu synovi. Nešťastný starec túžobne premýšľa o živote. "Ó svet! zvolá. "Nie, nie svet, ale súbor zločinov!" Prirovnáva sa k osamelému cestovateľovi, ktorý zablúdil v zasneženej noci... Andreinho ducha zachváti úzkosť. Obráti sa na Vengeance, no vidí, že spí. "Vstávaj, Pomsta!" zvolá zúfalo. Pomsta sa prebúdza. A potom starého Jeronima napadne myšlienka. Na dosiahnutie svojho cieľa plánuje na súde uviesť hru (čitateľ si už všimol isté podobnosti medzi touto tragédiou a Shakespearovým Hamletom, ešte raz pripomíname, že Kidd bol autorom prvej hry o Hamletovi). V predstavení, ktoré naštudoval Jeronimo, sa do jeho plánu zasvätila Belimperia, ako aj Balthazar a Lorenzo. V priebehu hry sa postavy musia navzájom zabiť. Starý Jeronimo to robí tak, že namiesto „divadelných“ vrážd dochádza k skutočným vraždám. Predstavenie sa končí, no herci nevstávajú zo zeme. Španielsky kráľ požaduje od Jeronima vysvetlenie. Hieronimo odmieta odpovedať a na potvrdenie svojho odmietnutia si odhryzne vlastný jazyk a vypľuje ho. Potom kráľ prikáže dať mu pero, aby napísal vysvetlenie. Hieronimo znameniami žiada, aby mu dal nôž na nabrúsenie pera, a bodne sa týmto nožom. Nad hromadou zakrvavených mŕtvol sa objaví veselá Pomsta, čo naznačuje, že skutočná odplata ešte len príde: začína sa v pekle.

Všetko v tejto hre je skrz naskrz divadelné, podmienené, melodramatické. „Španielska tragédia“ Thomasa Kidda je praotcom onoho „romantického“ trendu v dramaturgii Shakespearovej éry, z ktorého vznikli také tragédie ako napríklad „Biely diabol“ alebo „Vovodkyňa z Malfi“ od Shakespearovho súčasníka – Webster.

V tom istom roku 1586 bola napísaná hra úplne iného druhu. Jeho názov je „Arden z mesta Feversham“ (jeho autor je nám neznámy). Toto je rodinná dráma. Rozpráva o tom, ako mladá žena Alice Ardenová a jej milenec Moseby zabili Alicinho manžela. Samotná vražda je vykreslená s veľkou silou, keď sa Alice márne snaží zmyť škvrny krvi (tento motív s grandióznou silou rozvinul Shakespeare v tej slávnej scéne, v ktorej Lady Macbeth blúdi v polospánku, premožená spomienkami). Všetko v tejto hre je životne dôležité, realistické. A samotnú zápletku si autor požičal z reálneho života. V epilógu autor prosí divákov, aby mu odpustili, že v hre nie sú „ozdoby“. Umeniu podľa autora stačí „jednoduchá pravda“. Túto hru možno nazvať praotcom tohto trendu v dramaturgii Shakespearovej éry, ktorá sa snažila zobrazovať každodenný život, ako napríklad úžasná dráma Thomasa Heywooda „Žena zabitá láskavosťou“. Shakespearova tvorba spája oba prúdy – romantický aj realistický.

To bol prológ. Skutočné udalosti sa začínajú objavením hier Christophera Marlowa na londýnskej scéne. Marlowe sa narodil, podobne ako Shakespeare, v roku 1564 a bol od neho len o dva mesiace starší. Vlasťou Marlo bolo starobylé mesto Canterbury. Otec Christophera Marla vlastnil obchod s obuvou. Rodičia poslali svojho syna na univerzitu v Cambridge v nádeji, že z neho urobia kňaza. Marlo však po skončení univerzity namiesto kostolného oltára skončil na scéne londýnskeho javiska. Nebolo mu však súdené stať sa hercom. Podľa legendy si zlomil nohu a musel skončiť s herectvom. Potom sa začal venovať písaniu divadelných hier. Jeho grandiózny epos v dvoch častiach a desiatich dejstvách „Tamerlane Veľký“ sa objavil v rokoch 1587-1588. V tomto epose Marlo rozpráva o živote, vojnách a smrti slávneho veliteľa XIV.

„Skýtsky pastier“, „zbojník z Volhy“ nazývajú východní králi v Marlovej hre Tamerlán, ktorého zvrhne z trónu a dobyje ich kráľovstvá. Tamerlánova armáda podľa Marla pozostáva z „jednoduchých vidieckych chlapcov“. Marlo vykresľuje Tamerlána ako svalnatého obra. Je to muž fenomenálnej fyzickej sily, nezničiteľnej vôle a elementárneho temperamentu. Pripomína mohutné postavy vytvorené Michelangelovým dlátom. Motív velebenia pozemského života, taký typický pre renesanciu, zaznieva v tomto grandióznom dramatickom epose nahlas; z javiska zaznejú slová: „Myslím si, že nebeské pôžitky nemožno porovnávať s kráľovskou radosťou na zemi!“

Tamerlane, rovnako ako samotný Marlo, je vášnivý voľnomyšlienkár. V jednom zo svojich búrlivých hromových monológov hovorí, že cieľom človeka je „navždy stúpať k nekonečnému poznaniu a byť navždy v pohybe, ako nebeské sféry, ktoré nepoznajú odpočinok“. Tento báječný hrdina je plný prebytku sily. Na javisko prichádza na voze, do ktorého sú namiesto koní zapriahnutí králi, ktorých zajal. "Hej, ty rozmaznané ázijské žvásty!" kričí a bičom ich poháňa ďalej.

Ďalšou Marlovou hrou bola Tragická história doktora Fausta. Išlo o prvé dramatické spracovanie slávnej legendy. Marlova hra odrážala ľudskú túžbu podmaniť si prírodné sily, tak charakteristickú pre renesanciu. Faust predáva svoju dušu Mefistofelovi, aby „získal zlaté dary poznania“ a „prenikol do pokladnice prírody“. Sníva o tom, že svoje rodné mesto uzavrie medeným múrom a zneprístupní ho nepriateľovi, zmení tok riek, hodí most cez Atlantický oceán, naplní Gibraltár a spojí Európu a Afriku do jedného kontinentu... „Aké je to grandiózne všetko je!" - poznamenal Goethe, ktorý pre svojho Fausta využil niektoré črty Marlovej tragédie.

Veľkolepý rozsah fantázie, mohutný tlak síl, akoby s ťažkosťami, charakterizujú Marlovu tvorbu. „Marlov silný verš,“ napísal Ben Jonson. Shakespeare tiež hovorí o „mocnom výroku“ Marlowa.

Puritáni, ktorí vytvorili kódex novej buržoáznej morálky, boli rozhorčení nad vášnivým voľnomyšlienkárom, ktorý otvorene hlásal svoje názory. Jedna za druhou prichádzali výpovede na kráľovskú tajnú radu. A dokonca aj pospolitý ľud, hoci Marlowove hry mali medzi nimi obrovský úspech, sa občas nie bez poverčivého strachu pozrel na to, čo sa deje na javisku. V Londýne sa dokonca šírila taká fáma. Raz, po predstavení Fausta, sa ukázalo, že herec, ktorý hral rolu Mefistofela, bol chorý a nechodil do divadla. Kto teda v ten deň hral Mefistofela? Herci sa nahrnuli do šatne a až potom podľa vône síry uhádli, že v ten deň na londýnskom pódiu vystupuje samotný diabol.

Marlo napísal niekoľko ďalších hier (jeho najlepšia hra, pokiaľ ide o živosť ľudských portrétov, ktoré vytvoril, je historická kronika „Kráľ Edward II“). Ale jeho úžasný talent nebol predurčený rozvinúť sa v plnej sile. 30. mája 1593 bol v krčme zabitý tridsiaty Christopher Marlowe. Puritáni sa radovali. „Pán nasadil tohto štekajúceho psa na hák pomsty,“ napísal jeden z nich.

Okolo smrti Marlo vzniklo mnoho legiend. Niektoré legendy hovorili, že Marlo zomrel v opitej bitke, keď sa pohádal so svojím vrahom o prostitútku; iní, že padol pri obrane cti nevinného dievčaťa. Tieto legendy sa až donedávna vážne počúvali. A až v roku 1925 sa americkej profesorke Leslie Hotson podarilo nájsť v anglických archívoch dokumenty, ktoré vrhli nové svetlo na okolnosti Marlovej smrti (Hotsonove objavy sú uvedené v knihe: Leslie Hotson. Smrť Cristophera Marlowa, 1925). A ukázalo sa, že vražda Marlo bola dielom tajnej rady kráľovnej Alžbety; pri vražde Marlo bol prítomný istý Field - agent tajnej rady.

Tak zomrel, bez toho, aby plne odhalil svoje tvorivé schopnosti, „otec anglickej drámy“ Christopher Marlowe. A práve v tom roku, keď zapadla jeho hviezda, horiaca jasným, vášnivým a nerovnomerným leskom, začala na divadelnom nebi Londýna stúpať hviezda Williama Shakespeara. Na rozdiel od svojich predchodcov, ktorí boli vysokoškolsky vzdelaní, „vysokoškoláci“, bol tento nový dramatik iba herec.

Shakespearových predchodcov sme spomenuli len niekoľko. V skutočnosti Shakespeare hojne využíval celú literárnu minulosť svojej vlasti. Veľa si požičal od Chaucera (napríklad Shakespearova báseň „Lucretia“ so svojimi dejovými koreňmi nás zavedie do Chaucerových „Legend of Good Women“; obrázky Theseusa a Hippolyty v komédii „Sen noci svätojánskej“ boli pravdepodobne inšpirované „ Príbeh rytiera“ zo slávnych Chaucerových Canterburských rozprávok, Chaucerova báseň Troilus a Cressida ovplyvnili rovnomennú Shakespearovu komédiu atď.). Shakespeare dlžil veľa Edmundovi Spenserovi, autorovi knihy The Faerie Queene, a ďalším básnikom svojej školy. Z „Arcadie“ od Philipa Sidneyho si Shakespeare vypožičal zápletku, ktorú stelesnil do obrazu Gloucestra, ktorého zradil jeho syn Edmund („kráľ Lear“) – Shakespeare vzdal hold aj eufuizmu. Napokon z predchodcov Shakespeara treba spomenúť bezmenných rozprávačov anglických ľudových balád. Práve v anglickej ľudovej balade sa rodí tragická akčná dráma, ktorá je taká typická pre tvorbu Shakespeara a jeho súčasníkov. Mnohé myšlienky a pocity, ktoré medzi ľuďmi oddávna existovali a odzrkadľovali sa v ľudových baladách a piesňach, našli v Shakespearovom diele brilantné umelecké stelesnenie. Korene tejto tvorivosti siahajú hlboko do ľudovej pôdy.

Z diel zahraničnej literatúry Shakespeara ovplyvnili predovšetkým talianske poviedky Boccaccio a Bandello, z ktorých Shakespeare prebral množstvo námetov pre svoje hry. Zbierka talianskych a francúzskych poviedok preložených do angličtiny s názvom The Hall of Delights bola Shakespearovou príručkou. Pre svoje "rímske tragédie" ("Julius Caesar", "Coriolanus", "Antony a Kleopatra") Shakespeare prevzal zápletky z Plutarchových Životov slávnych ľudí, ktoré čítal v Northovom anglickom preklade. Medzi jeho obľúbené knihy patrili aj Ovidiove Metamorfózy v anglickom preklade od Goldinga.

Shakespearovo dielo pripravilo mnoho básnikov, spisovateľov a prekladateľov.

WORKSHOP 1 Téma: „Anglické divadlo éry Adrazhennia. Kreativita W. Shakespeara“ 1. Agilná charakteristika vývoja anglického divadelného umenia éry Adragen. 2. Kreativita W. Shakespeare. Periyadyzatsyya tvorivý dramatik (aptymystychny, tragický, romantický). 3. Shakespearove drámy sú najodvážnejším a najodvážnejším umením zo všetkých. Pastanovove hry Shakespeare na scéne európskych divadiel. 4. Shakespearov fenomén v skutočnej divadelnej zručnosti. Skúšam ab aўtarstvo creatў. 5. Divadlo "Glóbus": história a súčasnosť. Pabudova kulisy, javisková technika, hereckí majstri.

Divadlo renesancie. anglické divadlo

Divadlo anglickej renesancie sa zrodilo a rozvíjalo na trhovom námestí, čo určilo jeho národnú britskú chuť a demokraciu. Najpopulárnejšími žánrami na areálových scénach boli moralita a frašky. Počas vlády Alžbety Tudorovej boli mystériá zakázané. Od začiatku 16. storočia sa anglické divadelné umenie blížilo k novej etape – začiatku rozvoja humanistickej drámy, ktorá sa začala formovať na pozadí politického zápasu medzi kráľovskou mocou a katolíckou cirkvou.

Z javiska zaznela ostrá kritika a propaganda novej humanistickej ideológie, odetá do šiat zaužívaných medzičasov a morálky. V hre humanistu Johna Rastella „Interlude on the Nature of the Four Elements“ (1519) sú okrem postáv tradičných pre morálku tieto postavy: Smäd po poznaní, Lady Nature, Experience a ako opozícia im - diabol Nevedomosť a smilnica Smäd po rozkoši. Nezmieriteľný boj týchto postáv v hre končí víťazstvom osvietenstva nad tmárstvom a ignoranciou.

John Bale - významná osobnosť anglickej reformácie a slávny spisovateľ, autor hry "King John". Pridaním sociálnych tém do morálky položil základ dramaturgii v žánri historickej kroniky.

Nové divadlo sa zrodilo zo stredovekej frašky. Dvorný básnik, hudobník a organizátor farebných okuliarov John Gaywood rozvinul frašku písaním satirických medzihier. Vysmieval sa v nich podvodom mníchov a predavačov odpustkov, intrigám duchovenstva, bažiaceho po zisku, prefíkaným trikom kňazov, ktorí svoje hriechy zakrývali okázalou zbožnosťou. Okrem hlavného hrdinu - darebáka - a negatívnych postáv - cirkevníkov - sa na krátkych každodenných scénach podieľali aj prostoduchí a dobromyseľní prostí ľudia. Satirické medzihry zo začiatku 16. storočia sa stali spojivom medzi stredovekým fraškovým divadlom a vznikajúcim činoherným divadlom.

Zoznámenie Angličanov s talianskou kultúrou a umením prispelo k aktívnemu vnímaniu a popularizácii antickej kultúry a výdobytkov starovekej civilizácie. Intenzívne štúdium latinského jazyka a diela Senecu a Plauta viedli k prekladom antických tragédií a komédií do angličtiny. Predstavenia založené na týchto prekladoch sa stali veľmi obľúbenými medzi aristokratickým a univerzitným prostredím.

Aristokrati a osvietená verejnosť zároveň obdivovali Petrarcove sonety a básne Ariosta. V raznočinskej spoločnosti boli známe romány Boccaccia a Bandella. Na kráľovskom dvore boli maškary predstavené ako zábavné zábavné podujatia, na ktorých sa odohrávali scénky z talianskych pastorel.

Prvé ukážky národnej komédie a tragédie sa objavili na javisku v polovici 16. storočia. Nicholas Udol, autor prvej anglickej komédie Ralph Royster Doyster (okolo roku 1551), bol vzdelaným dvorným organizátorom zábavy a snažil sa prostredníctvom svojich diel naučiť ľudí „dobrým pravidlám života“.

Hra Gorboduk (1562) od Thomasa Nortona a Thomasa Sequila bola prvýkrát uvedená na dvore kráľovnej Alžbety a je považovaná za prvú anglickú tragédiu. Jasne ukazuje napodobňovanie rímskej tragédie: rozdelenie hry na 5 dejstiev, zborový spev a monológy poslov, krvavé zločiny, ale dej vychádza z historickej skutočnosti zo stredovekých dejín. Morálka tragédie spočívala v alegorickej pantomíme a medzihrách, ktoré herci predvádzali medzi dejstvami a vysvetľovali nečakané dejové zvraty.

Po fraškárskych záhadách a primitívnych fraškách sa na základe antickej a talianskej dramaturgie zrodila nová anglická dramaturgia, v ktorej bol kompozičný základ, proporcionalita častí, logika vo vývoji akcie a postáv.

Dramaturgovia novej generácie mali takmer všetci vysokoškolské vzdelanie a pochádzali z demokratického prostredia. Spojením sa do tvorivej skupiny s názvom „University Minds“ sa vo svojich dielach snažili syntetizovať vysokú humanistickú kultúru aristokratov a ľudovú múdrosť s jej folklórom.

Predchodca W. Shakespeara – slávny anglický dramatik John Lily (asi 1554 – 1606) – bol dvorným básnikom. Vo svojej najzaujímavejšej komédii „Alexander a Campaspe“ (1584), napísanej podľa príbehu gréckeho historika Plínia, ukázal štedrosť Alexandra Veľkého, ktorý videl lásku svojho priateľa, umelca Apella, k zajatcovi. Campaspe, podľahla svojej priateľke. V boji medzi povinnosťou a citom teda zvíťazila povinnosť. Proti idealizovanému obrazu Alexandra v hre stojí skeptická postava filozofa Diogena, ktorého ľudová múdrosť a zdravý rozum víťazia nad sebavedomím a aroganciou panovníka a jeho okolia.

John Lily položil základ takzvanej romantickej komédii. Do dramatickej akcie vniesol lyrický prvok, čím dal prozaickej reči jasnú poetickú príchuť. Ukázal cestu budúcej fúzii dvoch žánrov komédie – romantickej a frašky.

Skutočným predkom anglickej renesančnej drámy bol Christopher Marlowe (1564-1593), známy dramatik, autor diel filozofického a ateistického obsahu. Syn obuvníka, ktorý svojou vytrvalosťou dosiahol titul magistra, sa vyznačoval odvahou a voľnomyšlienkárstvom. K. Marlo uprednostnil prácu herca v divadelnom súbore pred kariérou kňaza, ktorá sa pred ním otvorila po absolvovaní univerzity v Cambridge. Jeho prvé dramatické dielo Tamerlán Veľký bol plné ateistických myšlienok. Toto monumentálne dielo vzniklo v dvoch častiach v priebehu dvoch rokov (I. časť v roku 1587 a II. časť v roku 1588). „Tamerlán Veľký“ je dramatizovaná biografia slávneho východného dobyvateľa z konca XIV. storočia Timura. Marlo dal svojmu hrdinovi silu a vzhľad legendárneho hrdinu. A čo je obzvlášť dôležité, z ušľachtilého feudála, ktorým Timur skutočne bol, urobil „pastiera nízkeho pôvodu“, ktorý sa len silou svojej vôle, energie a mysle povzniesol nad legitímnych vládcov.

Hra K. Marlo „Tragický príbeh doktora Fausta“ (1588) odhaľuje odvrátenú stránku ľudského života. Odmietanie asketických princípov a bezpodmienečné podriadenie sa najvyššej autorite pre túžbu po poznaní a radosť zo života si odieva do obrazu ateistu Dr. Fausta. Dráma oslobodeného vedomia doktora Fausta a osamelosti, ktorá nasledovala, ho vedie k pokániu, pričom vyzdvihuje obrovskú energiu boja za slobodu myslenia.

Posledná tragédia K. Marla „Edward II.“, napísaná na materiáli historických kroník, sa stala základom anglickej drámy, ktorú W. Shakespeare vo svojich dielach úspešne rozvíjal.

Súčasne s hrami K. Marlowa boli na javisku uvedené hry ďalších dramatikov zo skupiny University Minds: Thomas Kyd – „Španielska tragédia“ (1587) a Robert Greene – „Monk Bacon a Monk Bongay“, „James IV. “ a „George Green, poľný strážca Weckfield“ (1592).

Tvorivá komunita dramatikov zo skupiny University Minds predbehla novú etapu vo vývoji národnej drámy - zrod renesančnej tragédie a komédie. Postupne sa objavil obraz nového hrdinu - odvážneho a odvážneho, oddaného humanistickému ideálu.

Anglické ľudové divadlo zhromaždilo na konci 16. storočia na svoje predstavenia obrovské davy ľudí, ktorí absorbovali všetky revolučné myšlienky a napodobňovali statočných hrdinov, ktorí v boji bránili svoju ľudskú dôstojnosť. Počet divadelných súborov neustále pribúdal, predstavenia z hotelových dvorov a mestských námestí sa presúvali do divadiel špeciálne vybudovaných na tento účel.

V roku 1576 postavil James Burbage v Londýne prvé divadlo, ktoré sa volalo „The Theater“. Nasledovala výstavba niekoľkých divadelných budov naraz: „Opona“, „Blackfriars“, „Rose“ a „Swan“. Napriek tomu, že mestská rada svojim nariadením v roku 1576 zakázala divadelné predstavenia v samotnom Londýne, divadlá sa nachádzali na južnom brehu Temže, v oblasti, ktorá bola nad sily obecnej rady.

Herci londýnskych divadiel, nepočítajúc tých známych, ktorí sa tešili záštite šľachticov, boli ľudia s nízkymi príjmami a bez práv. Kráľovský dekrét postavil umelcov na roveň tulákom bez domova a stanovil trestanie súborov, ktoré nemali bohatých patrónov. Napriek tvrdému prístupu k divadlám zo strany úradov ich obľuba z roka na rok stúpala a ich počet stúpal.

Forma organizácie divadelných súborov bola v tom čase dvojakého typu: podielové spoločenstvo hercov so samosprávou a súkromný podnik na čele s podnikateľom, ktorý vlastnil rekvizity a od dramatikov kúpil práva na inscenáciu hry. Súkromný podnikateľ si mohol najať akúkoľvek skupinu, čím hercov dostal do otroctva jeho rozmarov.

Kvantitatívne zloženie súboru nebolo viac ako 10 - 14 ľudí, ktorí v repertoári divadla museli hrať niekoľko rolí. Ženské roly hrali pekní mladí muži, ktorí dosiahli spoľahlivý výkon s plasticitou pohybov a lyrickosťou hlasu. Celkový herecký prejav hercov prechádzal štádiom prechodu od epického štýlu a vznešeného pátosu k zdržanlivej forme vnútornej drámy. Hlavnými hercami tragického žánru v ére W. Shakespeara boli Richard Burbage a Edward Alleyn.

William Shakespeare sa narodil 23. apríla 1564 v malom mestečku Stratford-upon-Avon (anglicky Stratford-upon-Avon). Jeho otec John Shakespeare bol výrobcom rukavíc a v roku 1568 bol zvolený za starostu mesta. Jeho matka, Mary Shakespeare z rodu Ardenovcov, patrila k jednej z najstarších anglických rodín. Predpokladá sa, že Shakespeare študoval na stratfordskom „gymnáziu“, kde študoval latinský jazyk, základy gréčtiny a získal vedomosti o antickej mytológii, histórii a literatúre, premietnuté do jeho tvorby. Vo veku 18 rokov sa Shakespeare oženil s Anne Hathaway, z ktorej sa narodila dcéra Susanna a dvojičky Hamnet a Judith. V rokoch 1579 až 1588 bežne nazývané „stratené roky“, pretože. neexistujú presné informácie o tom, čo Shakespeare urobil. Okolo roku 1587 Shakespeare opustil svoju rodinu a presťahoval sa do Londýna, kde sa začal venovať divadelnej činnosti.

Prvú zmienku o Shakespearovi ako spisovateľovi nachádzame v roku 1592 v umierajúcej brožúre dramatika Roberta Greena „Za groš mysle kúpený za milión výčitiek“, kde o ňom Greene hovoril ako o nebezpečnom konkurentovi („povstalec“, „ vrana vychvaľujúca sa v našich perách). V roku 1594 bol Shakespeare uvedený ako jeden z akcionárov skupiny Richarda Burbagea „Sluhovia lorda Chamberlaina“ (ChamberlainЂЂЂs Men) a v roku 1599 sa Shakespeare stal jedným zo spolumajiteľov nového divadla Globe. Do tejto doby sa Shakespeare stáva pomerne bohatým mužom, kupuje druhý najväčší dom v Stratforde, získava právo na rodinný erb a šľachtický titul gentlemana. Shakespeare sa dlhé roky zaoberal úžerou a v roku 1605 sa stal farmárom cirkevných desiatkov. V roku 1612 Shakespeare opustil Londýn a vrátil sa do rodného Stratfordu. 25. marca 1616 bol notárom spísaný testament a 23. apríla 1616 v deň jeho narodenín Shakespeare zomiera.

Nedostatok biografických informácií a množstvo nevysvetliteľných skutočností spôsobilo, že na úlohu autora Shakespearových diel bolo nominovaných pomerne veľké množstvo ľudí. Doteraz existuje veľa hypotéz (prvé prednesené koncom 18. storočia), že Shakespearove hry napísal úplne iný človek. Za viac ako dve storočia existencie týchto verzií sa o „rolu“ autora týchto hier hlásili najrôznejší záujemcovia – od Francisa Bacona a Christophera Marla až po piráta Francisa Drakea a kráľovnú Alžbetu. Existovali verzie, že pod menom Shakespeare sa skrýval celý tím autorov. Momentálne je už 77 kandidátov na autorstvo. Nech je to však ktokoľvek – a v početných sporoch o osobnosť veľkého dramatika a básnika sa pointa nebude klásť tak skoro, možno nikdy – výtvory génia renesancie aj dnes inšpirujú režisérov a hercov po celom svete.

Celá kariéra Shakespeara - obdobie od roku 1590 do roku 1612. zvyčajne rozdelené do troch alebo štyroch období.