Každé predstavenie alebo predstavenie hrané na javisku má priniesť divákovi okrem iného aj estetický pôžitok z toho, čo videl. Preto je také dôležité obliecť postavy do vhodných divadelných kostýmov. Potom bude ľahké cítiť ducha éry diela, zachytiť charakter postáv a užiť si krásu podívanej.

Divadelné kostýmy od staroveku po súčasnosť

Oblečenie hercov prešlo od vzniku divadla ako takého až do súčasnosti:

• Snažili sa vytvárať javiskové obrazy v staroveku, experimentovali s improvizovanými materiálmi. Už v starovekej Číne a Japonsku bolo možné pozorovať hercov v špecifických odevoch, najmä na slávnostných či rituálnych predstaveniach. V Indii sa v staroveku pouliční tanečníci obliekali aj do nezvyčajných žiarivých sárí, aby upútali pozornosť. A s príchodom umenia maľovania prírodnými farbivami sa sárí stalo nie monofónnym, ale vzorovaným.
• Je to „divadlo“, ktoré možno nazvať kostýmom, ktorý sa objavil v starovekom Grécku. Boli použité groteskné masky, mejkap a špeciálna farba oblečenia postáv naznačovala postavenie či povolanie hrdinu predstavenia.
• Potom sa európske divadlo začalo rozvíjať v ére feudalizmu, keď predstavenia, tzv. „záhady“ dávali potulní umelci – histrióny. Vzhľad postáv sa vyznačoval eleganciou a bohatými prvkami dekorácie.
• Renesancia so svojimi komédiami dell'arte sa vyznačuje grotesknosťou. Pomocou oblečenia, účesov a parochní, pokrývok hlavy, topánok, masiek a mejkapu vznikali vtipné obrázky, zdôrazňovali sa prirodzené črty konkrétnych postáv, ktoré boli zosmiešňované alebo potešujúce diváka (efektné pierka na klobúkoch, farebné pantalóny).
• V nasledujúcich storočiach boli v každom európskom a východnom štáte nejaké divadlá, muzikálové salóny, opery, balety atď. Kostýmy sa stali rozmanitejšími, často prenášajúcimi ducha historickej doby, moderné oblečenie, oslobodzujúce sa od nadmernej štylizácie. Na javisku tak bolo možné vidieť divákovi známe obrazy, ako aj prerobené historické kostýmy, naturalistické zjavy a fantazijné líčenie.

Osobitnú pozornosť si zaslúži ruský divadelný kostým. Za jeho prvých tvorcov sú považovaní bifľáci. Svetlé košele, kaftany s vlečkami, lykové topánky, čiapky so zvončekmi, nášivky na nohaviciach - všetky tieto prvky kostýmu pripomínali roľnícke oblečenie, ale v prehnane satirickej podobe. Bolo tam kostolné divadlo, kde boli účinkujúci oblečení v bielych šatách ako anjeli. V školských divadlách mali postavy svoje vlastné emblémy. A za cára Alexeja Michajloviča fungovalo profesionálne divadlo. Preto prvky panovníckeho kroja mali znaky kráľovskej dôstojnosti, používali sa zákazkové výšivky, ručne sa prišívali drahé kamene a nádherné ozdoby.

Druhy

Je obvyklé rozlišovať tri hlavné typy kostýmov:

1. Osobné. Tento typ je figuratívno-plastickou kompozíciou, ktorá je priamou súčasťou celého obrazu interpreta roly. V obleku je postava často úplne skrytá. Sám herec to uvedie do pohybu a nahovorí. Takže pre Pekingskú operu boli charakteristické obrazy posvätného chrámu alebo draka.
2. Hra. Je to prostriedok na transformáciu vzhľadu umelca a dôležitý prvok jeho hry. Transformácia postáv v rituálnych a folklórnych akciách podľa charakteru mala často základ v použití grotesky a paródie, napríklad keď sa mladí muži prezliekali za dievčatá.
3. Rovnako ako oblečenie postavy. Je to hlavný v moderných predstaveniach, často presne pripomínajúci tradičné oblečenie konkrétnej epochy inscenácie. Na základe takéhoto obleku vznikajú vyššie uvedené dva typy.

Vlastnosti krajčírstva

Prispôsobenie javiskového oblečenia je pomerne zložitá a kreatívna činnosť. Je potrebné zvoliť správne materiály, doplnky, v prípade potreby vytvoriť výšivku a aplikáciu. Divadelný kostým musí spĺňať tieto požiadavky:

• Presne stelesniť éru, berúc do úvahy historické, etnografické, národné črty diela a hrdinov.
• Porovnajte zámer režiséra, aby vyjadril podstatu charakteru postavy.
• Dať efekt obrazu herca v očiach diváka.
• Je dobré sedieť podľa postavy jeho majiteľa.
• Pohodlie nosenia kostýmu (obzvlášť dôležité pre tanečníkov zúčastňujúcich sa vystúpení).

Keďže kostýmový výtvarník vyberá divadelný kostým na konkrétnu rolu a konkrétneho herca, je potrebné ho ušiť na mieru. Na tento účel je lepšie obrátiť sa na odborníkov. Tailoring Factory je šijacia výroba v Moskve a Moskovskej oblasti, tu si môžete objednať ušitie kostýmu pre predstavenie, operu a balet. Vyberú sa najlepšie materiály a aplikujú sa moderné technológie šitia.

DIVADELNÝ KOSTÝM, výkonnostný prvok. V histórii divadla sú známe tri hlavné typy divadelného kostýmu: postava, hra a oblečenie postavy. Tieto tri hlavné typy kostýmov existujú vo všetkých štádiách divadelného umenia – od rituálnych rituálov a folklórneho preddivadla až po modernú umeleckú prax.

Kostým postavy je akousi figuratívno-plastickou kompozíciou na postave interpreta, ktorú uvádza do pohybu a vyjadruje (vyslovovaním textu alebo spevom), pričom niekedy úplne skrýva postavu, podobne ako maska ​​zakrývala jeho tvár. Príklady kostýmu postavy v rituáloch a obradoch rôznych krajín sveta. Zvonovitá silueta indického kostýmu bola parafrázou vežovo-stanového chrámu Nagar Shakhara a posvätnej hory Menu (stred a os sveta v hinduistickej mytológii). Čínsky - svojim tvarom, dizajnom, ornamentikou a farbou vyjadruje starodávnu kozmologickú symboliku prirodzeného striedania Svetla a Tmy, splynutia Neba a Zeme v akte stvorenia sveta. Šamanský kostým národov Severu stelesňuje obrazy fantastického vtáka spojeného s „horným svetom“ a zvieraťom (obyvateľom „dolného sveta“). Južná ruština je akýmsi modelom vesmíru. V tradičných predstaveniach pekinskej opery bol kostým obrazom impozantného draka, v japonskom divadle "Nie" - motívy prírody av barokovej ére 17. storočia. - Fair alebo World. Ak pre rituálne rituálne a folklórne vystúpenia boli kostýmy postavy (ako všetky ostatné prvky scénografie) ovocím práce anonymných ľudových majstrov, potom ich v 20. storočí, od samého začiatku, začali skladať umelci: I. Bilibin - v opere Zlatý kohútik N. Rimskij-Korsakov (1909), K. Frych - in bure W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - v cár Maximilián, P. Filonov - v tragédii Vladimír Majakovskij, nakoniec, K.Malevich - v projekte víťazstvo nad slnkom(všetky tri inscenácie v roku 1913). A potom, koncom 10. rokov – prvá polovica 20. rokov 20. storočia. celý rad kostýmov postáv vytvorili talianski futuristi E. Prampolini, F. Depero a ďalší, O. Schlemmer z nemeckého Bauhausu a v balete P. Picasso, ktorý predviedol groteskných Manažérov v r. Paráda E. Satie a F. Leger – černošské božstvá v Stvorenie sveta D. Millau. Napokon kubistická kostýmová „architektúra“ A. Vesnina nadobudla charakterový význam v predstaveniach A. Tairova – v r. Zvestovanie, jeho suprematistické kompozície na postavách hrdinov Phaedra. Na ďalšie scény – „škrupinové obleky“ Y. Annenkova v hre Plyn G. Kaiser a A. Petrickij - v Viy, ako aj fantastické koláže ako kostýmy postáv pre predstavenie audítor, ktoré vytvorili žiaci P. Filonova (N. Evgrafov, A. Landsberg a A. Sashin) na tému známky, erby, pečate, obálky a pod.- postava prepošta, recepty, podpisy, striekačky, klyzmy, teplomery - postava Doktora, fľaše, klobásy, šunky, melóny atď. - postava Man-Tavern. V druhej polovici 20. stor kostýmy ako samostatné vizuálne postavy, zobrazené oddelene od hercov, ako prvok scénografie, vytvorili M. Kitaev a S. Stavceva, a ako rôzne druhy kompozícií na postavách hercov - K. Shimanovskaya, D. Mataitene, Yu Charikov.

Herný kostým je prostriedkom na transformáciu vzhľadu herca a jedným z prvkov jeho hry. V rituálnych a folklórnych vystúpeniach mala premena najčastejšie groteskno-parodický charakter, keď sa muži prezliekali za ženy, ženy za mužov, mládenci za starcov, krásky za bosorky, prípadne sa zobrazovali rôzne zvieratá. Zároveň sa použilo všetko, čo bolo po ruke: zhupan, kabát z ovčej kože, puzdro, ovčia koža - vždy obrátená naruby, zábavnejšia a zábavnejšia, ako aj akékoľvek iné, nejako smiešne, „obrátené“ oblečenie, napríklad príliš skrátené nohavice, neprimerane široká košeľa, pančuchy s dierami, všelijaké strapačky, handry, handry, vrecia, povrazy; všetko, čo príroda dala, bolo aj použité: tráva, kvety, slama, lístie. Nakoniec sa na obliekanie používali aj rôzne umelé ozdoby: farebný papier, brezová kôra, fólia, sklo, stuhy, zrkadielka, zvončeky, pierka atď. Techniky groteskného maškarného prešli tak do predstavení starogréckych komédií, ako aj do tradičného divadla Východu, kde sa spájali s pestrou hrou herca s prvkami jeho kostýmu: dlhé rukávy a bažantie perá - v Pekingskej opere vlaky , uteráky a ventilátory - v japončine „Ale“. Predstavenia talianskej commedia dell'arte, hry Shakespeara a Lope de Vega boli postavené na nekonečných prevlekoch a prevlekoch. Koncom 18. stor Emma Hart (Lady Hamilton) postavila svoj slávny tanec na hre so šatkou, po ktorej sa podobné techniky (manipulácia so šatkami, prikrývkami, závojmi a inými podobnými prvkami kostýmu) hojne využívali v baletnom divadle 19. najvyššia umelecká výška v tvorbe L.Baksta, ktorého náčrty choreografických obrazov obsahovali dynamiku rôznych lietajúcich látok, opaskov, šatiek, sukní, šatiek, pršiplášťov, pelerín, príveskov, podväzkov. Na činohernej scéne pokračovala tradícia kostýmu, ktorý hrá popri pohyboch herca - pomocou kubofuturistickej expresivity - A. Exter v predstaveniach Komorného divadla. Salome O. Wilde a Rómeo a Júlia W. Shakespeare, po ňom jej žiak P. Čeliščev a ďalší majstri začiatku 20. rokov: V. Chodasevič a I. Nivinskij, I. Rabinovič a G. Jakulov, S. Ejzenštejn a G. Kozincev, napokon opäť na baletnej scéne, v inscenáciách K. Goleizovského - B. Erdmana. Ak hrané kostýmy v tomto období tvorili celý trend v scénografii, tak v druhej polovici 20. storočia. umelci a režiséri ich používali tiež pomerne široko, ale z nutnosti, ako prvok „palety“ im dostupných výrazových prostriedkov. Medzi autorov moderných divadelných kostýmov patria gruzínski umelci Sameuli, G. Aleksi-Meskhishvili a N. Ignatov, príklady podobného druhu nájdeme aj v divadlách iných krajín: v Poľsku, v Českej republike, v Nemecku, v Taliansku.

Kostým, ako odev postavy, je často základom pre zostavovanie vyššie diskutovaných druhov kostýmov (postava a hra), vo všetkých obdobiach historického vývoja divadla vo väčšej či menšej miere existuje stelesnenie na javisku toho, čo ľudia nosili v danom období. Tak to bolo v antickej tragédii a tak to zostáva aj v predstaveniach našej doby. Všeobecný vývoj tohto typu kostýmu bol zároveň charakterizovaný posunom od konvenčných foriem skutočného odevu (v období baroka a klasicizmu) k jeho stále väčšej historickej, geografickej, národnej spoľahlivosti, presnosti a autentickosti. V divadle naturalizmu a psychologického realizmu sa kostým stáva plne adekvátnym charakteru postavy, vyjadruje nielen jej sociálne postavenie, ale aj stav mysle. Zároveň dnes aj v minulých storočiach zostáva kostým predmetom osobitej tvorivosti umelcov (medzi ktorých patria najvýznamnejší majstri výtvarného umenia a scénografie) a skladajú ho (aj zdanlivo každodenné kostýmy každodennej potreby spomenúť fantastické ), nielen ako samostatné dielo, ale ako podstatnú zložku predstavenia.

DIVADELNÝ KOSTÝM, výkonnostný prvok. V histórii divadla sú známe tri hlavné typy divadelného kostýmu: postava, hra a oblečenie postavy. Tieto tri hlavné typy kostýmov existujú vo všetkých štádiách divadelného umenia – od rituálnych rituálov a folklórneho preddivadla až po modernú umeleckú prax.

Kostým postavy je akousi figuratívno-plastickou kompozíciou na postave interpreta, ktorú uvádza do pohybu a vyjadruje (vyslovovaním textu alebo spevom), pričom niekedy úplne skrýva postavu, podobne ako maska ​​zakrývala jeho tvár. Príklady kostýmu postavy v rituáloch a obradoch rôznych krajín sveta. Zvonovitá silueta indického kostýmu bola parafrázou vežovo-stanového chrámu Nagar Shakhara a posvätnej hory Menu (stred a os sveta v hinduistickej mytológii). Čínsky - svojim tvarom, dizajnom, ornamentikou a farbou vyjadruje starodávnu kozmologickú symboliku prirodzeného striedania Svetla a Tmy, splynutia Neba a Zeme v akte stvorenia sveta. Šamanský kostým národov Severu stelesňuje obrazy fantastického vtáka spojeného s „horným svetom“ a zvieraťom (obyvateľom „dolného sveta“). Južná ruština je akýmsi modelom vesmíru. V tradičných predstaveniach pekinskej opery bol kostým obrazom impozantného draka, v japonskom divadle "Nie" - motívy prírody av barokovej ére 17. storočia. - Fair alebo World. Ak pre rituálne rituálne a folklórne vystúpenia boli kostýmy postavy (ako všetky ostatné prvky scénografie) ovocím práce anonymných ľudových majstrov, potom ich v 20. storočí, od samého začiatku, začali skladať umelci: I. Bilibin - v opere Zlatý kohútik N. Rimskij-Korsakov (1909), K. Frych - in bure W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - v cár Maximilián, P. Filonov - v tragédii Vladimír Majakovskij, nakoniec, K.Malevich - v projekte víťazstvo nad slnkom(všetky tri inscenácie v roku 1913). A potom, koncom 10. rokov – prvá polovica 20. rokov 20. storočia. celý rad kostýmov postáv vytvorili talianski futuristi E. Prampolini, F. Depero a ďalší, O. Schlemmer z nemeckého Bauhausu a v balete P. Picasso, ktorý predviedol groteskných Manažérov v r. Paráda E. Satie a F. Leger – černošské božstvá v Stvorenie sveta D. Millau. Napokon kubistická kostýmová „architektúra“ A. Vesnina nadobudla charakterový význam v predstaveniach A. Tairova – v r. Zvestovanie, jeho suprematistické kompozície na postavách hrdinov Phaedra. Na ďalšie scény – „škrupinové obleky“ Y. Annenkova v hre Plyn G. Kaiser a A. Petrickij - v Viy, ako aj fantastické koláže ako kostýmy postáv pre predstavenie audítor, ktoré vytvorili žiaci P. Filonova (N. Evgrafov, A. Landsberg a A. Sashin) na tému známky, erby, pečate, obálky a pod.- postava prepošta, recepty, podpisy, striekačky, klyzmy, teplomery - postava Doktora, fľaše, klobásy, šunky, melóny atď. - postava Man-Tavern. V druhej polovici 20. stor kostýmy ako samostatné vizuálne postavy, zobrazené oddelene od hercov, ako prvok scénografie, vytvorili M. Kitaev a S. Stavceva, a ako rôzne druhy kompozícií na postavách hercov - K. Shimanovskaya, D. Mataitene, Yu Charikov.

Herný kostým je prostriedkom na transformáciu vzhľadu herca a jedným z prvkov jeho hry. V rituálnych a folklórnych vystúpeniach mala premena najčastejšie groteskno-parodický charakter, keď sa muži prezliekali za ženy, ženy za mužov, mládenci za starcov, krásky za bosorky, prípadne sa zobrazovali rôzne zvieratá. Zároveň sa použilo všetko, čo bolo po ruke: zhupan, kabát z ovčej kože, puzdro, ovčia koža - vždy obrátená naruby, zábavnejšia a zábavnejšia, ako aj akékoľvek iné, nejako smiešne, „obrátené“ oblečenie, napríklad príliš skrátené nohavice, neprimerane široká košeľa, pančuchy s dierami, všelijaké strapačky, handry, handry, vrecia, povrazy; všetko, čo príroda dala, bolo aj použité: tráva, kvety, slama, lístie. Nakoniec sa na obliekanie používali aj rôzne umelé ozdoby: farebný papier, brezová kôra, fólia, sklo, stuhy, zrkadielka, zvončeky, pierka atď. Techniky groteskného maškarného prešli tak do predstavení starogréckych komédií, ako aj do tradičného divadla Východu, kde sa spájali s pestrou hrou herca s prvkami jeho kostýmu: dlhé rukávy a bažantie perá - v Pekingskej opere vlaky , uteráky a ventilátory - v japončine „Ale“. Predstavenia talianskej commedia dell'arte, hry Shakespeara a Lope de Vega boli postavené na nekonečných prevlekoch a prevlekoch. Koncom 18. stor Emma Hart (Lady Hamilton) postavila svoj slávny tanec na hre so šatkou, po ktorej sa podobné techniky (manipulácia so šatkami, prikrývkami, závojmi a inými podobnými prvkami kostýmu) hojne využívali v baletnom divadle 19. najvyššia umelecká výška v tvorbe L.Baksta, ktorého náčrty choreografických obrazov obsahovali dynamiku rôznych lietajúcich látok, opaskov, šatiek, sukní, šatiek, pršiplášťov, pelerín, príveskov, podväzkov. Na činohernej scéne pokračovala tradícia kostýmu, ktorý hrá popri pohyboch herca - pomocou kubofuturistickej expresivity - A. Exter v predstaveniach Komorného divadla. Salome O. Wilde a Rómeo a Júlia W. Shakespeare, po ňom jej žiak P. Čeliščev a ďalší majstri začiatku 20. rokov: V. Chodasevič a I. Nivinskij, I. Rabinovič a G. Jakulov, S. Ejzenštejn a G. Kozincev, napokon opäť na baletnej scéne, v inscenáciách K. Goleizovského - B. Erdmana. Ak hrané kostýmy v tomto období tvorili celý trend v scénografii, tak v druhej polovici 20. storočia. umelci a režiséri ich používali tiež pomerne široko, ale z nutnosti, ako prvok „palety“ im dostupných výrazových prostriedkov. Medzi autorov moderných divadelných kostýmov patria gruzínski umelci Sameuli, G. Aleksi-Meskhishvili a N. Ignatov, príklady podobného druhu nájdeme aj v divadlách iných krajín: v Poľsku, v Českej republike, v Nemecku, v Taliansku.

Kostým, ako odev postavy, je často základom pre zostavovanie vyššie diskutovaných druhov kostýmov (postava a hra), vo všetkých obdobiach historického vývoja divadla vo väčšej či menšej miere existuje stelesnenie na javisku toho, čo ľudia nosili v danom období. Tak to bolo v antickej tragédii a tak to zostáva aj v predstaveniach našej doby. Všeobecný vývoj tohto typu kostýmu bol zároveň charakterizovaný posunom od konvenčných foriem skutočného odevu (v období baroka a klasicizmu) k jeho stále väčšej historickej, geografickej, národnej spoľahlivosti, presnosti a autentickosti. V divadle naturalizmu a psychologického realizmu sa kostým stáva plne adekvátnym charakteru postavy, vyjadruje nielen jej sociálne postavenie, ale aj stav mysle. Zároveň dnes aj v minulých storočiach zostáva kostým predmetom osobitej tvorivosti umelcov (medzi ktorých patria najvýznamnejší majstri výtvarného umenia a scénografie) a skladajú ho (aj zdanlivo každodenné kostýmy každodennej potreby spomenúť fantastické ), nielen ako samostatné dielo, ale ako podstatnú zložku predstavenia.

Tanec, divadlo a rôzne predstavenia pevne vstúpili do života každého človeka. Diváci, ktorí sú na predstavení, hodnotia nielen hru hercov, ale aj ich imidž. Javiskový kostým to pomáha odhaliť najviac.

Rozsah použitia a hlavné úlohy

Kostým je možné ušiť na mieru pre individuálne aj skupinové vystúpenia. Môžete to vidieť v nasledujúcich bodoch:

• Divadlo.
• Tancujte.
• Propagačné akcie a prehliadky kostýmov.
• Strip show.
• Športové súťaže. Rytmická gymnastika a krasokorčuľovanie.

Scénický kostým zohráva dôležitú úlohu a pomáha dotvárať obraz. Rieši nasledujúce úlohy:

1. S ním môžete najširšie odhaliť postavu.
2. Mení postavu a vzhľad postavy v závislosti od požadovanej situácie.
3. Pomáha vytvárať potrebný čas, éru, jej štýl a miesto pôsobenia.
4. Je to dôležitá súčasť na vyjadrenie vnútorného sveta vo filme alebo hre.
5. Môže sa stať symbolom celej éry.

Pozrime sa bližšie na divadelný kostým, bez ktorého sa nezaobíde ani jedno predstavenie. Predstavenia, ale aj filmy si pevne vydobyli svoje miesto v modernom kultúrnom živote.

divadelný outfit

Javiskový kostým nie je len oblečenie, ale aj make-up, obuv, doplnky, vlasy. Iba spolu sa navzájom dopĺňajú a najviac odhaľujú obraz. V predstaveniach kostým vyjadruje vnútorný stav, pomáha pochopiť, čo hrdina práve urobil alebo sa chystá urobiť.

Ešte pred začiatkom predstavenia či nakrúcania filmu umelec vytvára náčrty. Tvoria sa v závislosti od nápadu, zámeru režiséra, štýlu inscenácie a charakteru postavy. Následne náčrty pomôžu hercovi jasnejšie vyjadriť najmenšie nuansy hrdinu: jeho chôdzu, spôsob obliekania, výrazy tváre a dokonca aj polohu hlavy.

Nevhodne vybraný scénický kostým neplní svoju priamu povinnosť a navyše spôsobuje veľa nepríjemností. Je strhaný, priľne k okolitej scenérii, vyrušuje herca z hry a nedovoľuje mu naplno sa vžiť do roly.

Aj vďaka kostýmu divák okamžite určí sociálne postavenie hrdinu. Neomylne spozná bohatého šľachtica, jednoduchého robotníka, vojaka či učiteľa.

Šitie scénických kostýmov

Okrem divadelného umenia je veľmi obľúbené odievanie v tanečných predstaveniach. Vďaka širokej distribúcii a dopytu vznikla obrovská konkurencia. Na získanie publika skutočne nestačí poskytnúť jednoduchý tanec, je potrebné predviesť skutočnú šou. Veľkú úlohu preto zohrávajú javiskové kostýmy, ktoré vytvárajú úžasné a úžasné obrazy.

Existuje veľa rôznych druhov tanca, ako aj štýlov. Pre nich vznikajú projekty, ktoré pomáhajú odhaliť individuálny svet a charakter.

1. Moderný tanec. Kostým sa vyznačuje mestským štýlom s prítomnosťou subkultúr. Je veľmi podobné športovému oblečeniu v tom, že vyžaduje voľnosť pohybu, ale môže sa meniť pod vplyvom iných hudobných trendov.
2. Spoločenský tanec. Krása tu prevláda. Krásne spoločenské šaty sú úspešným začiatkom tanečného páru. Malo by byť elegantné a elegantné. Scénický kostým je zdobený kamienkami, strapcami alebo pierkami.
3. Pri šití takéhoto kostýmu prevláda táborový outfit. Svetlé tkaniny sa používajú na vizualizáciu rôznych vagónov a stanov.
4. latino tanec. Predpokladom prispôsobenia takéhoto oblečenia je strih, ktorý vám umožní dať pohybom voľnosť. Často sa používajú rezy po celej dĺžke nohy.
5. Je to jasný predstaviteľ ruskej kultúry, v ktorej je kombinácia mnohých druhov výtvarného umenia. Ľudový javiskový odev pre mužov predstavuje národná košeľa, nohavice z ľanu alebo farbené a kaftan. Dámsku tvorí košeľa s výšivkou na hrudi a dlhými rukávmi, zástera, náprsenka a letné šaty. Každá časť má svoju vlastnú verziu ornamentu. Pokrývku hlavy predstavuje uzavretá čiapka, obväz alebo obruč. To všetko dopĺňajú rôzne kokoshniky, čelenky a korunky.

Detské scénické kostýmy

Ak sa dieťa venuje tancu, potrebuje oblečenie, ktoré je pohodlné a neobmedzuje ho v pohybe. V javiskových kostýmoch cíti svoju osobitosť, dôležitosť a naladí sa aj na maximálnu prácu a disciplínu.

Dievčatá potrebujú špeciálnu sukňu alebo šaty, špeciálne topánky, ako aj pančuchy alebo ponožky. Všetko závisí od typu tanca, ktorému sa dieťa venuje. Chlapci by mali mať nohavice, opasok a košeľu (napríklad na spoločenské tance).

Bohužiaľ, takéto kostýmy sú drahé a vyrábajú sa na objednávku s použitím materiálov s ozdobnými doplnkami. Jednoduchšie bude objednať scénický kostým pre chlapca. Neexistujú naňho žiadne prísne požiadavky a dievčenské šaty by mal iba vypínať.

Odoslanie dobrej práce do databázy znalostí je jednoduché. Použite nižšie uvedený formulár

Študenti, postgraduálni študenti, mladí vedci, ktorí pri štúdiu a práci využívajú vedomostnú základňu, vám budú veľmi vďační.

• 3
• 2. Antický divadelný kostým 5
• 7
• 9
• 5. Divadelný kostým Európy z XVIv. až po modernú dobu 13
• 17

1. Čo je to divadelný kostým?

Divadlo je druh umenia, ktoré nemôže existovať bez publika, takže všetko v ňom je určené na vonkajší efekt. Divadelný kostým (spolu s falošnými fúzmi a bradou, parochňami, kozmetikou, maskami) je súčasťou divadelného líčenia. Make-up (z francúzskeho "grimer" - "maľovať tvár") je umenie zmeniť vzhľad herca pre danú rolu a prostriedky na to potrebné.

Divadlo (a s ním aj make-up) sa zrodilo v hĺbke magického synkretického obradu staroveku. Ľudia v ňom videli liečivú silu, ktorá očisťuje telo od rôznych vášní.

Všetky národy sveta od pradávna majú sviatky spojené s každoročnými cyklami umierania a znovuzrodenia prírody. Tieto sviatky dali život divadlu.

Starí Gréci milovali a uctievali mladého boha Dionýza. Najvyššie božstvo - Zeus - uctievali len raz za štyri roky (olympijské hry); Athena - raz za dva roky; Apollo - raz za dva roky; ale Dionýzos trikrát do roka. Je to pochopiteľné: Dionýz bol bohom vinárstva.V marci prichádzali ľudia zo všetkých gréckych miest do Atén do Veľkej Dionýzie. Cez týždeň uzatvárali obchody, politické spojenectvá a len tak sa zabávali.

Sviatok sa začal dovozom dreveného Dionýza v člne na kolesách. Túto loď sprevádzal zbor satyrov-mámí. Preto bol vzhľad tohto božstva vždy spojený s obliekaním a karnevalovými kostýmami.

Vrchol prázdnin nastal na tretí deň. V tento deň boli Dionýzovi obetované samce, pretože sa narodil zo stehna Zeusa a bol spojený s čisto mužským princípom. Obeťami mohli byť kohúti, býci, ale najčastejšie kozy. Keď zabili takého „obetného baránka“, spievali smutnú „koziu pieseň“ – tragédiu. Potom sa kôš s črevami a falusom kozy vyniesol na pole, aby zúrodnil zem, postupne sa opíjal vínom zasväteným Dionýzovi. Po návrate domov nosiči koša niekoho pokarhali (napríklad miestneho politika). Pri vstupe do mesta zavesili pri mužovom dome komos (črevá kozy). Táto akcia, tento dav a tie veselé piesne. ktoré spievala, sa nazývali komos ("bujarosti"). Odtiaľ pochádza komédia. Pravda, existujú aj iné verzie vzniku divadla.

Čo sa týka oblečenia účastníkov sviatku, je známe, že išlo o zvieracie kože (pre väčšiu podobnosť so satyrmi s kozími nohami). Neskôr sa vďaka súťaži básnikov na javisku stali tragické a komické piesne samostatnými divadelnými žánrami.

2. Antický divadelný kostým

Oficiálny rok zrodu antického divadla je 534 pred Kristom. e .. keď bola tragédia Thespides prvýkrát predstavená na Veľkej Dionýzii.

V tom čase už bol divadelný kostým veľmi odlišný od každodenného. Umelec, ktorý bol spočiatku iba jeden, vyšiel na pódium vo veľkolepých a jasných šatách. Na tvári mal masku spojenú s parochňou a vybavený kovovým hlasovým rezonátorom umiestneným pri ústach. Maska mala otvory na oči. Herec sa obul do koturnov na vysokej platforme. To všetko sa počítalo na odľahlosť diváka, pretože do gréckeho divadla pod holým nebom sa zmestilo až 17 000 ľudí. Svetlé šaty, veľká maska, vysoké topánky umožnili lepšie vidieť umelca. Rezonátor zosilnil zvuk (hoci akustika v starovekých divadlách bola taká, že slovo vyslovené šeptom v strede javiska sa dostalo do posledných radov).

Rôznych druhov masiek bolo až sedemdesiat. Boli potrebné aj preto, že všetky úlohy vtedy hrali muži. Herec menil masku v priebehu akcie, keď účinkoval v novej úlohe a keď divákovi ukázal zmenu nálady svojej postavy. Masky vyjadrovali typický prejav radosti, smútku, podvodu a pod. Boli vyrobené z dreva alebo sadry a následne namaľované.

Dôležitú úlohu zohrala farebná symbolika. Vládcovia mali purpurové rúcha; ich ženy boli biele; vyhnanci sú čierni alebo modrí; mladí muži sú červení; obyčajné ženy sú žlté; getre sú pestré.

Kostýmy boli sprevádzané trvalými atribútmi, aby diváci ľahšie spoznali postavu. Vládca mal žezlo, pútnik mal palicu, Dionýz mal kvitnúcu vetvu plyšu (thyrsus), Apollo mal luk a šípy, Zeus mal blesky atď.

Tragickí herci vďaka dlhým šatám a vysokým topánkam pôsobili monumentálne a pohybovali sa plynulo. Komici uprednostňovali kratšie a obtiahnuté outfity. Znázorňujúci satyrov a sileni sa držali vzadu na chvoste, nasadili si zvieraciu masku (alebo rohy) a to vyčerpalo ich make-up. Takéto oblečenie im umožnilo voľne skákať po pódiu. V Ríme boli viac milované ľahké žánre a tragédie uprednostňovali komédiu. Tam na javisko vstúpila pantomíma. Cirkusové vystúpenia boli veľmi obľúbené. Diváci ľahšie vnímajú flyaky (z gréckeho „flyax“ – „vtip“) – paródie na tragédie a komédie; memy - malé scénky na každodenné témy; atellani - vtipné improvizácie.

Kostým sa priblížil ku každodenným outfitom. Pravda, farebná symbolika bola stále zachovaná. V mímoch už neboli masky a diváci mohli pozorovať mimiku hercov. V týchto predstaveniach hrali nielen muži, ale aj ženy, čo umocňovalo erotický moment a vytváralo zámienky na verejný striptíz.

Grécko-rímsky divadelný kostým ovplyvňoval javiskový kostým aj v neskorších dobách.

3. Divadelný kostým európskeho stredoveku

V stredoveku ľudia nezabudli ani na antiku a takmer každý kresťanský sviatok sprevádzalo klaunské predstavenie naruby: koruna – šašo, čiapka – kráľ.

Histrions sa potulujú po Európe (z latinského "histrio" - "herec"), ktorí sa vo Francúzsku nazývajú žongléri, v Anglicku - miništranti. v Nemecku - shpilmans a v Rusku - bifľoši. Sú divadlom jedného herca, lebo vedia hrať, spievať. chodiť po lane, žonglovať. Kostým týchto ľudí bol vhodný pre akrobaciu: trikoty, mäkké topánky, krátka opásaná tunika, vedľa histriónov cestovali tuláci: polovzdelaní školáci, seminaristi, kňazi-rasstrigi. Hranice ako také ešte neexistovali a jazyky sa príliš nerozchádzali od jedného základu, čo umožnilo porozumieť všade. Oblečenie Vagantov sa nelíšilo od každodenného kostýmu stredovekej osoby.

Vaganti hrali zábavné predstavenia - comu, v ktorých bola cirkev zosmiešňovaná v podobe Matky blázna, kvôli ktorej predstavitelia oficiálneho náboženstva prenasledovali umelcov.

Cirkev však potrebovala aj zväčšiť spektákl svojich „reprezentácií“, a tak priamo vo vnútri chrámu vzniká liturgická dráma. Epizódy z Biblie inscenovali samotní kňazi vo svojich uniformách. No čím viac sa moment hry v týchto inscenáciách zvyšoval, tým „neslušnejšie“ sa medzi múrmi kostola stávali. Preto sa predstavenie prenieslo najskôr na verandu a potom na námestie. Objavil sa nový žáner – zázrak („zázrak“), predstavujúci zázračné udalosti spojené s Pannou Máriou a Ježišom. Na základe zázraku sa objavuje záhada („tajomstvo“) – divadelná akcia, vzdialene spojená s biblickým príbehom.

Postavami mystérií mohli byť nielen Panna Mária, Ježiš a biblickí proroci, ale aj čerti, diabol a spravodliví mešťania. Preto sa kostým stal rozmanitejším. Kristus, apoštoli, proroci konali v rúchach kléru. A samotnými predstaviteľmi týchto rolí mohli byť kňazi alebo mnísi (to nebolo zakázané). Obchodníci, remeselníci a iní hrdinovia mali odevy mešťanov svojej doby. Fantastické postavy oblečené v zložitom kostýme s nepostrádateľnými atribútmi, ako sú rohy, chvosty a vlčie či baranie kože pre diabla. Masky mohli mať personifikované choroby (mor, kiahne), hriechy (obžerstvo, pochlebovanie), cnosti (pravdivosť, nádej).

Často sa však nevyrábali špeciálne kostýmy (rovnako ako kulisy). Celkom stačilo nápisov „Raj“, „Peklo“, „Boh otec“ atď.

Svetlo bolo hlavnou kategóriou stredovekej estetiky, takže najdôležitejšie božské postavy boli v bielych a lesklých šatách a diablovi potomkovia boli v čiernom. Vera bola oblečená v bielych šatách. Nádej je zelená. Láska je v červenom.

Rovnako ako v antickom divadelnom kostýme mali hrdinovia konštantné atribúty: Viera mala kríž, Nádej mala kotvu, Láska mala srdce alebo ružu, Lakomosť mala peňaženku, Rozkoš mal pomaranč, Flattery mal líščí chvost.

Divadelný kostým sa postupom času čoraz viac podobal bežnému domácemu a ten domáci sa stával viac divadelným.

4 Divadelný kostým krajín juhovýchodnej Ázie

Synkretizmus primitívnej kultúry (neoddeliteľnosť rôznych druhov kultúrnej činnosti) sa prejavil v magických mestách, kde v hĺbke mytológie vedľa seba koexistovali tance, hudba, maľba, divadelné predstavenia atď. e. tanec a pantomíma boli súčasťou uctievania bohov v starovekej Indii. Eposy „Mahab-harap“ a „Ramayana“, ktoré sa objavili v 1. tisícročí pred Kristom. tvorili základ klasického divadla Indie a krajín, kde existuje hinduizmus, pretože tieto eposy sú posvätnými knihami tohto náboženstva. V rôznych formách (aktuálne divadlo, bábkové divadlo, tieňové divadlo, balet) stále existujú inscenácie epizód Mahábháraty a Rámájany. A teraz používajú veľmi svetlé, drahé kostýmy, masky alebo masky podobný make-up. Nie sú tu žiadne scenérie, všetko sa odohráva v lone majestátnej prírody.

V Číne sa divadlo vyvinulo aj z tanečných a akrobatických prvkov, ktoré boli súčasťou posvätných obradov. V 7. – 10. storočí sa rozšírili tance na historické a hrdinské témy popretkávané malými divadelnými medzihrami. Prvýkrát sa objavili špeciálne divadelné kostýmy.

V 13. – 14. storočí dosiahlo čínske divadlo svoj vrchol v podobe zaju. Toto zmiešané predstavenie zahŕňalo hudbu, spev, tanec a akrobaciu.

Neboli tam žiadne kulisy, takže hra hercov a ich vzhľad boli obzvlášť dôležité. Všetky úlohy hrali muži. Najžalostnejšie scény sa odohrávali spomalene.

Všetky hnutia boli prísne kanonizované. Samotní herci o sebe hovorili ako o hrdinoch, určovali čas a miesto konania.

V nasledujúcich storočiach zaju nezomrelo, ale premenilo sa do rôznych podôb. Tak ako predtým, na javisku je málo rekvizít a to, čo tam je, sa používa polyfunkčne: stôl je hora, aj oltár a vyhliadková plošina; čierne vlajky symbolizujú vietor, červené vlajky oheň atď. Farebná symbolika sa používa v líčení a kostýme: červená je odvaha, biela je podlosť, žltá je farba cisára.

V Japonsku sa tiež rozvinulo niekoľko druhov divadelných predstavení, ktoré prežili dodnes. Kan'ami Kpetsugu a jeho syn Zeami na prelome 14. a 15. storočia vytvorili divadlo Noh z nesúrodých piesňových a tanečných čísel. Sami boli herci, režiséri, autori a skladatelia (a Zeami bol tiež teoretikom divadla No). Ich práca prišla v čase, keď bol spôsob života Japoncov výrazne divadelný: vládcovia boli ľudia nízkeho pôvodu a ako všetci nováčikovia sa obzvlášť držali rituálu. Túžba po predstavení vyvolala masívne čajové obrady alebo oslavy obdivovania čerešňových kvetov (čo je samo o sebe absurdné, pretože pre Japoncov je to niečo veľmi osobné). Divadelné predstavenia No sa stali povinnou súčasťou obradov a recepcií. Často mnohohodinové (a dokonca aj mnohodňové) predstavenia na historické a hrdinské témy začali meniť priebeh skutočných udalostí (napríklad priebeh dovolenky). Vládcovia si na obrazy javiskových hrdinov zvykli. A šógun (vojenský diktátor) Tojotomi Hidejoši sa z veľkého obdivovateľa divadla No zmenil na svojho herca a v roku 1593 počas trojdňového predstavenia na počesť narodenia svojho syna exceloval v desiatich hrách. Hral sám seba.

Divadlo Noh má charakteristické črty, ktoré už boli spomenuté: absencia kulís, pomalosť pohybov na dôležitých miestach predstavenia, mužskí herci. Scény sa odvíjali pred obrazom borovice na zlatom pozadí. Obraz borovice sa vrátil k najstarším agrárnym magickým symbolom a zlato zosobňovalo slnko a bohyňu Amaterasu. Okrem toho takéto pozadie symbolizovalo splynutie s prírodou, najmä preto, že akcie mohli presiahnuť javisko a spojiť sa so skutočnou atmosférou recepcie alebo dovolenky.

Herecký kostým do 17. storočia. sa nelíšil od domáceho kroja šľachty (neskôr sa začal vyrábať podľa rytín a vzoriek XIV-XV storočia). Existovala tradícia - dať hercom drahé šaty (rozšírilo sa to najmä za čias divadelného vládcu Tojotomiho Hidejošiho). V dôsledku toho sa divadlo Noh stalo aj múzeom luxusného oblečenia. V súčasnosti je najstarším odevom zachovaným v divadle šógunov kostým z 15. storočia.

V roku 1615 vydal vládca Ieyasa Totkugawa kódex upravujúci farby a kvalitu látok. Zákaz drahých materiálov sa dotkol aj divadla Noh. Režiséri začali hľadať iné obrazné vyjadrenie, už nie kvôli drahým outfitom. Látka kostýmu sa zmenila na symbolickú knihu, ktorá sa dala naplniť informáciami. Teraz štylizovaný kanonický kostým divadla No odhaľuje charakteristický obraz. Všetko v nej je symbolické – od strihu až po výšivku.

Farba hrá dôležitú úlohu. Biela znamená vznešenosť, červená patrí bohom a krásam, bledomodrá sa spája s vyrovnanosťou, hnedá znamená nízky rod.

Muži hrajú v divadle Noh, preto sú masky a fanúšikovia dôležité. Veľkosť, sfarbenie, vzor, ​​pohyb vejára charakterizuje postavu. Masky sú jednoduché, ale veľmi elegantné. Sú vyrobené z cyprusu, opatrené základným náterom a brúsené. Maska sa nosí cez parochňu a zapína sa pomocou viazačiek. Najmenšia zmena osvetlenia alebo uhla mu dáva nový výraz. Existujú masky rôznych pohlaví, veku, postáv a dokonca aj fantastických tvorov.

5. Divadelný kostým Európy zo 16. storočia. až po modernú dobu

V období renesancie sa v Európe začali objavovať prvé stále súbory pracujúce na profesionálnej báze. Túlajú sa alebo sú prikované na jednom mieste. Ľudia sa radšej smejú ako plačú, a tak herci nasadili svetlo, komické inscenácie, frašky a paródie. Potulní komedianti pokračovali v stredovekých tradíciách a (ako celá kultúra renesancie) sa obrátili k antickému dedičstvu. Po prvé, takéto skupiny vznikli v Taliansku. Práve tam sa objavilo divadlo commedia dell „arte“, teda „komédia masiek“.

V commedia dell'arte bola jedna scenéria - mestská ulica. Neexistovalo žiadne trvalé sprisahanie: opýtal sa ho vedúci súboru (kapokomiko) a herci improvizovali ako v starovekom atellani. Tie triky a poznámky, ktoré spôsobili súhlas verejnosti, sa opakovali a upevňovali. Akcia sa točila okolo lásky mladých, ktorej prekážali starí a pomáhalo služobníctvo.

Najdôležitejšiu úlohu v komédii zohrala maska. Čierna maska ​​​​môže pokrývať celú tvár alebo jej časť. Niekedy to bol zalepený nos alebo hlúpe okuliare. Hlavná vec je vytvoriť typickú tvár, poukazujúcu na karikatúru.

Na kostým boli kladené dve požiadavky: pohodlnosť a komickosť. Preto na jednej strane pripomínal odev stredovekých histriónov a na druhej strane bol doplnený o charakteristické vtipné detaily.

Napríklad Pantalone – skúpy obchodník – bol vždy so svojou peňaženkou. Jeho oblečenie pripomínalo oblečenie benátskych obchodníkov: sako previazané vlečkou, krátke nohavice, pančuchy, plášť a okrúhla čiapka. Ale jedného dňa umelec vyšiel na pódium v ​​širokých červených nohaviciach, publiku sa tento charakteristický detail páčil. Výsledkom bolo, že Pantalone a jeho nohavice splynuli v mysliach ľudí natoľko, že časom sa z osobného mena sformoval bežný názov pantalonov pre dámsku spodnú bielizeň.

Doktor - ďalší hrdina commedia dell'arte - predniesol paródiu na vedca a vyšiel v čiernom akademickom šate s čipkovaným golierom a manžetami. V rukách mal vždy papierové zvitky na hlave – široký klobúk.

Kapitán, vojenský dobrodruh, mal na sebe kyrys, kvety, čižmy nad kolená s obrovskými ostrohami, krátky plášť a klobúk s pierkami. Jeho trvalým atribútom bol drevený meč, ktorý sa v prípade potreby určite zapichol do pošvy.

Najpočetnejšími a najrozmanitejšími postavami boli sluhovia (zanni), pretože práve oni pôsobili ako „motory pokroku“ v milostnom konflikte. Pulcinella mala obrovský zahnutý nos; Harlekýn má toľko nášiviek, že časom boli štylizované do šachovnicového vzoru, Pierrot má širokú bielu košeľu s prestrihnutým golierom a dlhé nohavice; Brighella má širokú bielu blúzku a zodpovedajúce nohavice.

Toto populárne divadlo bolo vďaka svojim ľahkým zápletkám oveľa populárnejšie ako divadlá Shakespeara alebo Lope de Vega, ktoré dávali prednosť nie spektáklu, ale hĺbke obsahu. Napríklad pre diela Lope de Pega sa objavil dokonca názov „komédie s plášťom a mečom“, pretože umelci v nich hrali naozaj len v každodenných pre autora moderných kostýmoch.

Paralelne s vandrovkami existovali aj dvorné divadlá, ktorých kostýmy sa rátali na stovky a vyznačovali sa vysokou cenou. Boli zobrazené oddelene od predstavenia hry.

V XVII-XVIII storočia sa vývoj divadelného kostýmu znížil. K slovu sa dostáva, dialógy pohltia všetku pozornosť divákov. Na javisku je použitý domáci kostým zbavený historizmu. Toto je obvyklý módny oblek tej doby. Pravda, v hre neuvidíte otrhaného sluhu ani zle oblečenú pastierku. Kostým je ušľachtilý. To je dôsledok teatralizácie života. Divadlo je tak hlboko zakorenené v každodennom živote, že sa stiera hranica „divadelný – každodenný“ kostým. Treba poznamenať, že v storočiach XVII-XVIII divadelný kostým často určuje módu (čo už bolo spomenuté v predchádzajúcich kapitolách). Herci sa obliekali lepšie a extravagantnejšie ako ostatní. V 17. storočí pre Monsieur a la fashion boli na javisku usporiadané špeciálne miesta pre divákov, kde nielen sledovali predstavenie, ale diskutovali o umelcoch a ich kostýmoch.

V 17. – 18. storočí prekvitali syntetické žánre: opera, balet, cirkus (hoci boli známe už skôr). Tieto žánre zahŕňajú dramatickú akciu, kaskadérske kúsky, hudbu, spev a jasný, nezabudnuteľný make-up. Syntetické žánre absorbujú prvky každodenného života. Napríklad spoločenský tanec kankán (francúzsky kankán) s charakteristickým vysokým pohadzovaním nohami vznikol okolo 70. rokov 18. storočia. Postupne sa stáva neoddeliteľnou súčasťou operety – žánru hudobnej a tanečnej komédie.

V 19. storočí ožil záujem o históriu vo všetkých oblastiach kultúry. Vďaka archeologickým a literárnym nálezom bolo možné dozvedieť sa viac o kostýmoch staroveku, preto sa v historických hrách po prvýkrát pokúšajú reprodukovať pôvodné kostýmy minulosti.

Rozvoj kritického realizmu ako metódy umenia a spôsobu vnímania sveta vedie k tomu, že na javisku už neuvidíte sedliacke ženy v peignoiroch a naškrobených sluhov. V divadle sa objavujú také rekvizity, o ktorých sa predtým v slušnej spoločnosti nahlas nespomínalo. Hľadanie nových foriem výrazu vedie k naturalistickému líčeniu. Tu je to, čo V. A. Gilyarovsky píše vo svojich esejach o Moskve a Moskovčanoch:

"V roku 1879 bol chlapec v Penze s divadelným kaderníkom Shishkovom študent, malý Mitya. Bol obľúbencom podnikateľa Penzy V.P. Dalmatova, ktorý mu dovolil dotýkať sa iba jeho vlasov a naučil ho líčiť." “ a prikázal Miťovi pripraviť holohlavú parochňu, ktorá na predstavenie priniesla mokrý býčí mechúr a začala Dalmatovovi navliekať upravené vlasy... Na hercov plač herci vbehli do šatne.

- Si veľký umelec, Vasilij Panteleymonovič, ale dovoľ mi, aby som bol umelcom svojho vlastného podnikania! - zdvihol hlavu na vysokého V.P. Dalmatova, ospravedlňoval sa chlapec. - Len to skúste!

V.P. Dalmatov nakoniec súhlasil - a o pár minút bola bublina nasadená, miestami premastená a oči B.P. Dalmatova žiarili potešením: úplne nahá lebka s čiernymi očami a výrazným mejkapom pôsobila silným dojmom.

Trend modernizmu dáva na prelome 19. a 20. storočia vznik novým formám divadelného kostýmu. Outfity sú štylizované, menia sa na symboly. Európania objavili divadlá východu, čo sa odrazilo aj na scénickom kostýme.

V prvých rokoch po októbrovej revolúcii divadelný kostým úplne zmizol, nahradili ho „montérky“, keďže herci sú „pracovníci divadelnej práce“.

Postupne sa všetko vrátilo do starých koľají a na javisko sa opäť vrátil divadelný kostým. Navyše v XX storočí. bolo také nové divadlo ako divadlo módy. Prehliadky modelov sa zmenili na hudobno-dramatické predstavenia. A tak sa domáci kostým napokon otvorene „zosobášil“ s divadlom.

Zoznam použitej literatúry

2. Gelderod M. de. Divadlo: So.: Per. od fr. / Post-min. L. Andrea, p. 653-694

3. Komentujte. S. Shkunaeva; Umelecké N. Aleksejev. -M.: Umenie, 2003. -717 s.

4. Divadlo De Filippo E.: Hry: Per. s tým. /Neskôr. L. Veršinina, s. 759-775; Umelecké N. Aleksejev. -M.: Umenie, 2007. -775 s.

Podobné dokumenty

Charakteristika divadelného kostýmu. Požiadavky na jeho náčrt. Analýza obrazu ľudskej postavy; techniky a nástroje používané v grafických zdrojoch. Využitie grafických techník divadelného kostýmu pri tvorbe odevnej kolekcie.

semestrálna práca, pridaná 28.09.2013


Antropomorfologická charakteristika postavy. Analýza historického kostýmu. Vlastnosti mužského obleku. Zdôvodnenie výberu základného modelu. Umelecká a kompozičná analýza analógových modelov. Výpočet a konštrukcia výkresov navrhovaného výrobku.

semestrálna práca, pridaná 28.04.2015


Kostým ako objekt sociokultúrnej analýzy: história vývoja, význam, úloha, funkcie a typológia. Opis semiotických aspektov kostýmu, atribútov, doplnkov, sociálneho a psychologického základu. Analýza symboliky kostýmu „dandy“.

práca, pridané 24.01.2010


Pojem dekoratívneho umenia ako výrazového prostriedku divadelného umenia. Hlavné výrazové prostriedky divadelného umenia: úloha kulisy, kostýmu, mejkapu pri odhaľovaní obrazu postáv, vizuálna a optická úprava predstavenia.

kontrolné práce, doplnené 17.12.2010


História európskeho kroja 19. storočia. Rozdiely medzi empírovým štýlom a klasicizmom. Charakteristika zloženia kroja. estetický ideál krásy. Hlavné typy oblečenia, jeho dizajnové riešenia. Spoločenské šaty, topánky, klobúky, účesy, šperky.

ročníková práca, pridaná 27.03.2013


Historická charakteristika dynastie Ming. Národné čínske oblečenie ako súčasť histórie Číny. Ornament, ozdobné prvky a symbolika kroja. Zásady výtvarného stvárnenia kostýmu, jeho originalita. Všeobecná povaha farebnej schémy.

abstrakt, pridaný 23.05.2014


Úloha a význam kostýmu v starovekom svete: Egypt, Grécko, Rimma, India a Byzancia. Kroj západnej Európy v stredoveku. Renesančný kostým: taliansky, španielsky, francúzsky, nemecký, anglický. Empírový štýl a romantizmus, rokoko a baroko.

ročníková práca, pridaná 26.12.2013


Charakteristika vývoja kroja barokovej éry, estetický ideál krásy a črty látok, farieb, ozdôb. Zvláštnosti dámskych a pánskych kostýmov, obuvi a účesov. Charakteristiky rezného systému barokovej éry, ich odraz v modernej móde.

ročníková práca, pridaná 12.7.2010


Všeobecná charakteristika kultúry a umenia Japonska. Opis princípov formovania japonského kostýmu. Druhy kimon, strih a doplnky. Moderná interpretácia japonského kostýmu v dielach známych dizajnérov (J. Galliano, A. McQueen, Is. Miyake, M. Prada).

abstrakt, pridaný 01.07.2013


Dámske účesy Byzantskej ríše. Charakteristické črty mužských účesov XV-XVI storočia. Vývoj dvorného kostýmu v Rusku v 18. storočí. "Románsky" štýl v modernom ženskom obraze. Vplyv šľachtického kroja na kroje iných vrstiev.