Domaći skladatelji prve polovice 20. stoljeća. Veliki ruski skladatelji

20-09-2006

Budući da sam se “pridružio” divnoj antologiji LABUD ne od samog početka njenog pojavljivanja na Internetu, već pet godina kasnije, nenamjerno su me zainteresirali članci o glazbene teme, postavljen prije mog dolaska. Zanimao me članak Dmitrija Gorbatova o Šostakoviču u broju 194 almanaha.

Ono što je napisano u članku o Šostakoviču doživio sam normalno, a njegovo nesvrstavanje među najveće skladatelje 20. stoljeća, kao i autorova objašnjenja po tom pitanju, nisu izazvali odbacivanje.

No, u Dodatku 1 članka nalazi se popis najvećih skladatelja 20. stoljeća, što me iznenadilo i nasmijalo. Pritom, ne samo ja, nego i moj prijatelj, profesionalni glazbenik i skladatelj.

Iz članka D. Gorbatova

Dovoljan je bio jedan pogled na popis da se uoči naslov koji nije odgovarao popisu. Činjenica je da znamo imena skladatelja koji su najveći. I definicija najveći, tj. najveći, ne može se vezati ni za jedno doba. Bach, Mozart, Beethoven bili su i ostali najveći skladatelji, ali živjeli su u različitim stoljećima. Stoga svaki skladatelj novijeg doba, da bi ga se moglo nazvati najvećim, mora imati zasluge koje bi mu omogućile da stane u ravan s navedenim skladateljima. I razne vrste pigmejskih skladatelja dvadesetog stoljeća, koji su pronašli ili otkrili nešto ^novo^ u Glazbi, ali nisu napravili revoluciju u njoj, već su samo negdje ostavili tragove (ponekad i prljave) najveća pozivanje je apsolutno neovlašteno i nepošteno.

U gornjem popisu niti jedan od navedenih skladatelja za naslov najveći ne radi, pa se sa svakim od njih treba pozabaviti i dodijeliti mu odgovarajući status, počevši od Sjajno i ispod.

No, prije nego što prijeđemo na ovu zanimljivu stvar, pokušajmo dokučiti ruskog skladatelja Modesta Musorgskog, za neke posebne zasluge autor je premješten iz 19. stoljeća u 20. stoljeće s dodjelom statusa najveći skladatelj dvadesetog stoljeća.

Počevši od 1908. godine, na Zapadu su gotovo četvrt stoljeća vodeće operne kuće u mnogim zemljama izvodile izvedbe “Borisa Godunova” Modesta Musorgskog uz sudjelovanje velikog Chaliapina u ulozi cara Borisa. Slaba orkestracija samog skladatelja bila je neuspješna i opera je izvedena u briljantnoj orkestraciji skladatelja Nikolaja Rimskog-Korsakova. Uspjeh opere uvijek je posvuda bio golem. A kad je opera izvedena iu luksuznim postavama nekih opernih kuća, nastala je senzacija.

U postšaljapinovsko sovjetsko doba bile su i veličanstvene izvedbe “Borisa Godunova” u Boljšoj teatru s Aleksandrom Pirogovim u naslovnoj ulozi i Ivanom Kozlovskim kao Svetom ludom.

Ali iznenada, u nekim glazbenim sferama, naporima spletkara i špekulanata, prekrasna orkestracija Rimskog-Korsakova počela je biti kritizirana, a neki pigmejski skladatelji počeli su nuditi vlastite verzije. Istodobno su počeli optuživati ​​Rimski-Korsakova da je svojom orkestracijom uškopio prekrasnu glazbu Musogskog: glazbu od koje navodno nema ništa bolje u ruskoj glazbi.

U prvim je redovima, naravno, bio Šostakovič, koji je napravio čak dvije orkestracije “Borisa Godunova”.

Nagnuo se prema “Borisu” uz orkestraciju -
Bogohulna sovjetska perestrojka
I prilično je osakatio operu,
Stavljanje okova u nizu uz glazbu.

Vrijeme je prošlo, a mnoge stvari su se posložile. I samo si operni magarci mogu priuštiti da se obrate Šostakovičevim urednicima tijekom sljedeće produkcije Borisa. Čak i Rostropovič, uz svu svoju slavu, teško da bi ovako nešto uspio progurati.

Sada o pravoj veličini Musorgskog kao ruskog skladatelja.

Nudim svoju verziju.

Bez sumnje, veliki ruski skladatelj Modest Musorgski nije superiorniji od Glinke, Dargomizskog, Rimski-Korsakova, Čajkovskog ili Rahmanjinova. Ali po mom mišljenju, on je znatno inferioran Čajkovskom.

Ne treba ga uzeti u obzir za glazbu u operama “Boris Godunov” i “Hovanščina”. inovator. U tim se operama, kao što će postati jasno iz daljnjih rasprava, Musorgski pokazao izvanrednim i kvalitetnim. sastavljač.

Musorgski je dobro znao inovativan operu Aleksandra Dargomyzhskog “Kameni gost”, a kada ju je skladatelj skladao, aktivno je sudjelovao kao pjevač. Poznavao je i Verdijevu operu “Il Trovatore”, o čemu svjedoči N. Rimski-Korsakov u svojoj knjizi “Kronika mog glazbenog života”. Treba pretpostaviti da je opera “Rigoletto” bila poznata i Musorgskom.

Vrlo dugo poznanstvo (50 godina) i često slušanje opere “Boris Godunov” dalo mi je ideju da su izvrsni Godunovljevi recitativi kreativna umjetnička rusko-talijanska fuzija recitatorskih stilova “Kamenog gosta” i

"Rigoletto". Tako se tragovi Rigolettova monologa Pari siamo, pri pažljivom uzastopnom slušanju Borisovih recitativa, mogu pronaći kroz cijelu operu, počevši od Borisova monologa „Ja sam dostigao najveću moć“.

Okrećući se sličnom analizom sljedećoj operi Musorgskog, Khovanshchina,” može se primijetiti značajan odmak skladatelja od glazbena struktura“Boris Godunov” prema većoj arioznosti vokalnog mesa. Štoviše, neke arije, monolozi, pa čak i pojedini fragmenti, čak i više nego u “Borisu Godunovu”, nalikuju nekim arijama iz Verdijeva Trubadura.” Na primjer, Marfina arija (^proricanje sudbine^) u prvom stavku nalikuje Azuceninoj ariji Stride la vampa, au kantileni ("u opasnosti ste od sramote") po strukturi je bliska Azuceninu solu u posljednjem činu Si; la stanchezza mopprime; a melodija Shaklovityjeve arije ^...ti si nesretna u sudbini, dragi Rus'^ bliska je melodiji Manricove arije Ah! Si, ben mio.

Ali ispada da nisam jedini tako pametan: u sovjetskom libretu sa puni tekst“Hovanščina”, objavljena 1929. (s uvodnim člankom i bilješkama Sergeja Bugoslavskog), dvije su zanimljive bilješke. Jedna je prije teksta kantilene iz Marthine ^proricanja sudbine: ^široka žalobna melodija u rusko-talijanskom stilu^, a druga je bilješka koja se odnosi na tekst Šaklovitjeve arije: ^Arija talijansko-ruskog stila u način Glinke iz doba “Ivana Susanina”^.

Svemu napisanom može se dodati i to da je Musorgski postao toliko oduševljen skladanjem fraza s melodijama u talijanskom stilu da je Marthin solo u samostanu (obraćanje Andreju Khovanskom): “Jesi li čuo u daljini, iza ove šume” - briljantno primjer talijanskog recitativa, koji bi se mogao organski uklopiti u ulogu Azucene u “Il Trovatore”.

U vezi s mojom gore navedenom verzijom fenomena Musorgskog, u potpunosti odbacujem autorovu tvrdnju da Znanost o glazbi i estetika, u mnogočemu, opravdano pripisuje rad M.P. Musorgskog do dvadesetog stoljeća. kao i sve autorove argumente o ovom pitanju iznesene u članku.

Po mom mišljenju, u jednom se trenutku u sovjetskoj muzikologiji razvio patološki nezdrav stav prema velikom ruskom skladatelju Musorgskom, pripisujući mu neke posebne glazbene zasluge i inovativni talent, koji on nije imao. Prema D. Gorbatovu, neki su muzikolozi čak "pronašli" tragove djela Musorgskog u Verdijevim operama i u Hindemithovoj glazbi, što sigurno nije trebalo posuđivati.

Analiza glazbe "Hovanščine" pokazuje da je u njoj skladatelj oštro odstupio od recitativnog stila konstruiranja monologa "Borisa Godunova", koji se uspješno uklapao u Puškinov tekst. Musorgski je vjerojatno osjetio neprikladnost ponavljanja.

A to potvrđuje nepostojanje inovativnog principa kompozicije, nakon čijeg svladavanja nema potrebe za kardinalnim promjenama u prijelazu na sljedeći esej isti profil i mjerilo.

Zanimljiva definicija koja naglašava razliku između “Hovanščine” i “Borisa Godunova” nalazi se u spomenutom uvodnom članku S. Bugoslavskog u libreto opere: ^ “Hovanščina” na svoj način. glazbeni dizajn nije “glazbena drama”, nego opera u starom smislu: ovdje dominira melodijsko, bolje rečeno pjevno načelo...^. Takav skladateljski “odmak” ujedno pobija pokušaje da se Musorgski prikaže kao inovativni skladatelj koji je iz devetnaestog zakoračio u dvadeseto stoljeće.

Pozdravit ću one glazbenike koji se mogu složiti s mojom verzijom, koja također sadrži poziv na odustajanje od fikcija o prošlosti ruske glazbe i apsurdnih pokušaja izvrtanja stvarnih kulturnih vrijednosti, po analogiji s pokušajima da se Rusija predstavi kao domovina slonovi.

I u skladu s tim, priznanje golemog i briljantnog djela velikog ruskog skladatelja Nikolaja Rimskog-Korsakova, kao JEDINO potrebnog za opere Modesta Musorgskog, a ne podložnog više ničijem ^kreativno^-prijevarnom uplitanju.

Na temelju navedenog dopustit ću si isključiti Musorgskog s popisa skladatelja dvadesetog stoljeća. Ali u isto vrijeme, dopustite mi da primijetim da je u devetnaestom stoljeću skladatelj još uvijek stvarao, i, štoviše, najveći, koji bi, ako treba(?), više nego itko drugi, sa svim svojim djelima, bio dostojan svrstati se među skladatelje dvadesetog stoljeća. Ovo je Richard Wagner.

Sada ću si dopustiti da razmotrim popis preostalih 18 ^najvećih^ skladatelja dvadesetog stoljeća kako bih utvrdio razinu njihove razumne veličine: od Sjajno i ispod. Pokušat ću procijeniti razinu usklađenosti svakog od ovih skladatelja s jednom od tri vrijednosti: velik, osobito ugledan i ugledan.

Po mom mišljenju, kada se utvrđuje veličina bilo kojeg skladatelja, ne može se zanemariti njegova popularnost među ljubiteljima klasične glazbe. Pritom treba biti siguran da skladateljeva popularnost nije umjetna, napuhana, nalik Šostakovoj, koja će tijekom 21. stoljeća nedvojbeno postupno nestati. Za istinski velike skladatelje, popularnost bi trebala samo rasti kroz stoljeća.

Sjajno skladatelji 20. stoljeća

• Bela Bartok (1881–1945) Mađarska
• Benjamin Britten (1913-1976) Engleska
• Claude Debussy (1862–1918) Francuska
• Maurice Ravel (1875-1937) Francuska
• Aleksandar Skrjabin (1871–1915) Rusija
• Igor Stravinski (1882–1971) Rusija
• Arnold Schoenberg (1874–1951) Austrija
• Richard Strauss (1864-1949) Njemačka

(Uzeo sam slobodu dodati imena tri velika skladatelja koja je D. Gobatov izostavio, vjerojatno zbog neumjesnosti svrstavanja u kategoriju “najvećih”.).

Posebno izvanredan skladatelji 20. stoljeća

• Charles Ives (1874–1954) SAD
• Alban Berg (1885–1935) Austrija
• Anton Webern (1883–1945) Austrija
• Paul Hindemith (1895–1963) Njemačka

(Ovdje sam odlučio ne proširivati ​​popis, iako bih im želio dodati ime Hansa Pfitznera).

Ovi skladatelji koje sam nazvao posebno izvanredan, po mom mišljenju, ne može se nazvati Sjajno samo zbog nedostatka popularnosti. Je li moguće skladatelje smatrati i nazivati ​​velikima kada većina ljubitelja klasične glazbe ne zna ni njihova imena ni njihove skladbe?

Izvanredan skladatelji 20. stoljeća

• Witold Lutoslawski (1913–1994) Poljska
• Olivier Messiaen (1908–1992) Francuska
• Sergej Prokofjev (1891–1953) Rusija

(Ovdje sam se odlučio ograničiti na imena s popisa D. Gorbatova, iako bi bilo sasvim moguće dodati još 2-3 tuceta imena).

Glazba Witolda Lutosławskog je dobra, iako ne blista velikom originalnošću (ponekad se osjeća utjecaj Debussyja, Bartóka ili Stravinskog).

Posebno za Fischer-Dieskaua napisao je koncert za bariton i orkestar.

Olivier Messiaen, učitelj “tvoraca” anti-glazbe (Xenakis, Stockhausen, Boulez), bio je vrlo nadaren glazbenik i izumitelj novih tehnoloških sustava zvučne materije. Njegove glazbene skladbe, uglavnom vjerskog karaktera, specifične su i vrlo popularne u Francuskoj. Za neiskusne ljubitelje klasične glazbe slušanje Messiaenove glazbe težak je zadatak. U svojoj operi-oratoriju “Sv. Franjo Asiški” zabilježio je Fischer-Dieskau.

Plodni rusko-sovjetski skladatelj Sergej Prokofjev, uz ljudske simfonije, klavirske koncerte i drame, skladao je mnogo, po mom mišljenju, bezbojne, iritantne i antivokalne glazbe (opere “Ognjeni anđeo”, “Semjon Kotko”, “ Kockar” i Klasična simfonija) , kao i sada već nepotrebno sovjetsko ispolitizirano glazbeno smeće.

Sada o avangardnim skladateljima koji su ostali na Gorbatovljevom popisu:

Edgar Varese koji je "ažurirao" glazbeni jezik uz pomoć suvremenih produkcijskih tehnika i glazbenih zvukova;

John Cage, koji je stvorio zvučnu anarhiju;

Iannis Xenakis, koji je koristio. tehnike aleatorike, apstraktna priroda zvučnih kombinacija (njegova je glazba bila namijenjena neobičnom instrumentalnom sastavu i magnetofonima);

Györde Ligeti, koji se okušao u polju glazbenog i instrumentalnog “teatra apsurda”;

Luigi Nono, koji je koristio serijalnu tehniku ​​i aleatoriku;

Steve Reich, minimalistički skladatelj koji je ^stvorio^ glazbu pomoću dva magnetofona uključena u različito vrijeme - treba li ih uopće svrstavati u bilo kakve skupine? stvaran skladatelji dvadesetog stoljeća? (Aleatorika je princip slučajnosti u procesu ^kreativnosti^ i izvedbe).

Godine 1951. Cage je organizirao koncerte u New Yorku na kojima je koristilo 12 radija podešenih na 12 različitih radijskih postaja.

Stravinski je aleatorične skladatelje nazvao "hodajućim neprijateljima umjetnosti".

To je vrlo točna primjedba, prema kojoj ih, vjerojatno, ne treba ni smatrati ni kvalificirati skladateljima XX. stoljeća.

Zaključujući članak, želio bih skrenuti pozornost čitatelja na jednu značajnu okolnost: prilikom sastavljanja popisa "najvećih" skladatelja dvadesetog stoljeća, D. Gorbatov je iz nekog razloga propustio ime jedinog pravog najveći skladatelj ovog stoljeća: Giacomo Puccini (1858-1924).

Giacomo Puccini je, naravno, najveći od svih skladatelja 20. stoljeća.

Puccini je inovator. Njegov visokoumjetnički princip organskog stapanja zvuka orkestra i glasova nije ostvario niti jedan skladatelj prije njega.

Puccini je najveći melodičar dvadesetog stoljeća. Skladatelj je najljepših melodija stoljeća.

Puccini je tvorac najpopularnijih opera dvadesetog stoljeća, a njegove će opere uvijek uveseljavati ljude. Njegova “Tosca” najpopularnija je opera među svim operama koje izvode najveće svjetske operne kuće.

Puccini je pravi skladatelj 20. stoljeća, a kvartet iz Bohème i terzeti iz Turandot harmonijska su remek-djela glazbe 20. stoljeća.

Puccini je skladatelj najljepših ansambala u svojim operama.

Puccini je, bolje od svih stranih skladatelja, uspio uhvatiti nacionalni okus i stvoriti svijetlu glazbu u operi "Madama Butterfly" (u znak zahvalnosti za njezino stvaranje, u Japanu je podignut spomenik u čast skladatelja) i vlastitu, tipično Puccini, ali apsolutno američki country u operi “Djevojka” sa zapada.”

Nacionalni umjetnik SSSR,
laureat Lenjina
i državne nagrade

Na pitanje o čemu sanja, Rodion Konstantinovič je odgovorio: "Da mi Gospodin da još jedan život - toliko zanimljivih i prekrasnih stvari na ovom svijetu."

Rođen 16. prosinca 1932. u Moskvi. Otac - Konstantin Mihajlovič Ščedrin, glazbenik-teoretičar, učitelj, glazbena figura. Majka - Shchedrina Concordia Ivanovna (rođena Ivanova). Supruga: Maya Mikhailovna Plisetskaya, primabalerina Boljšoj teatra Rusije, narodna umjetnica SSSR-a, dobitnica Lenjinove nagrade.

Ščedrin je jedan od najvećih i najpoznatijih skladatelja druge polovice 20. stoljeća. Posjedujući britak suvremeni glazbeni jezik, mogao je stvarati djela dostupna širokom krugu slušatelja. Smišljeni antiavangardni stav prema slušatelju prožima Ščedrinovo djelo kroz njegov život: "odlična glazba mora imati veliku publiku." Pritom je rusku tematiku u svom stvaralaštvu razvio šire od bilo kojeg skladatelja njegove generacije: njegove opere i baleti napisani su gotovo isključivo prema zapletima velikih ruskih pisaca - N. Gogolja, A. Čehova, L. Tolstoja, V. Nabokova, N. Leskova, autor je koralne ruske liturgije “Zapečaćeni anđeo”, koncerata za orkestar “Nestašne pjesme”, “Rings”, “Kolo”, “Četiri ruske pjesme” itd.

Na Rodiona Ščedrina, kao budućeg glazbenika i ruskog skladatelja, presudno je utjecala obitelj. Njegov djed je bio pravoslavni sveštenik u gradu Aleksinu, Tulska gubernija, a put do crkve u kojoj je služio župljani su prozvali „Ščedrinka“. Skladateljev otac, K. M. Ščedrin, rođen je u selu Voroci, Tulska gubernija, a djetinjstvo je proveo u Aleksinu. Bio je nadaren rijetkim glazbenim sposobnostima - "kazetofonsko" pamćenje (zapamćena glazba odjednom), apsolutni ton. Njegove sposobnosti primijetila je glumica V. N. Pashennaya, koja je došla u grad i o svom trošku poslala dječaka u Moskvu, gdje je diplomirao na Moskovskom konzervatoriju.

R. Ščedrin je od djetinjstva bio okružen glazbom: čuo je svog oca kako svira violinu, instrumentalni trio koji su činili njegov otac i njegova braća. Godine 1941. poslan je u Središnju desetogodišnju glazbenu školu na Moskovskom konzervatoriju. Zapravo, počeo je privatno učiti klavir kod M. L. Gekhtmana. Ali počeo je Veliki domovinski rat i mnoge su škole u Moskvi bile zatvorene. U listopadu 1941. obitelj Shchedrin evakuirana je u Kuibyshev, grad koji je imao strogo klasificirano administrativno značenje. Bio je tu i D. Šostakovič, dovršavajući svoju slavnu Sedmu simfoniju; mladi Rodion ju je imao prilike čuti na generalnoj probi pod ravnanjem S. Samosuda. Ondje je evakuiran i Boljšoj teatar. D. Šostakovič i K. Ščedrin radili su u Uniji skladatelja, prvi kao predsjednik, drugi kao izvršni tajnik. Šostakovič je pažljivo pomagao obitelji Ščedrin u teškim domaćim i drugim okolnostima.

Kad se ukazala prilika da se vrati u Moskvu, Rodion je ponovno poslan u Središnju glazbenu školu (1943.). Ali dječak je već imao formirane vlastite ideje o životu: nisu ga zanimale ljestvice u glazbenoj školi, već prave, ozbiljne stvari. Dva puta je bježao na front, a drugi put je stigao iz Moskve u Kronštat. Nakon toga roditelji nisu našli ništa bolje nego da upišu svog sina u Pomorsku školu Nakhimov u Lenjingradu - i tamo su poslali njegove dokumente.

U međuvremenu se dogodio događaj koji je u konačnici doveo do pojave skladatelja Rodiona Ščedrina. Krajem 1944. - početkom 1945. u SSSR-u je otvorena nova obrazovna ustanova - Moskovska zborna škola (dječaci). Njegov tvorac i prvi direktor, slavni zborovođa A. Svešnjikov, pozvao je oca R. Ščedrina da tamo predaje povijest glazbe i glazbeno-teorijske predmete, a on je zauzvrat zamolio da primi svog sina na studij. Rodion je imao savršenu visinu, prilično prihvatljiv glas i konačno mu je dodijeljena glazbena specijalnost (prosinac 1944.).

U Zborskoj školi za dječaka, koji je već nešto vidio, otvorila se sfera koju nije slutio. Kasnije se R. Ščedrin prisjećao: “Pjevanje u zboru me zauzelo, dirnulo neke duboke unutarnje strune... I moja prva skladateljska iskustva (kao i iskustva mojih drugova) bila su povezana sa zborom.” (Rodion Ščedrin. Razgovor s L. Grigorievom i J. Platekom // Muzićki život, 1975, broj 2, str. 6). U razredu zbora pjevala se cijela povijest ove umjetnosti: od majstora " strogi stil„16. stoljeće Josquin des Pres, Palestrina, Orlando Lasso do ruske duhovne glazbe – Česnokov, Grečaninov, Kastalski, Rahmanjinov.

Skladanje se u školi nije posebno učilo, već visoki zbroj glazbena obuka omogućio je učenicima eksperimentiranje u glazbenom sastavu. Kako bi potaknuo njihovu kreativnost, Svešnjikov im je dao priliku da odmah izvode svoje skladbe. Godine 1947. u Zborskoj školi održano je natjecanje u skladanju. Žiri na čelu s A. Hačaturjanom dodijelio je prvu nagradu R. Ščedrinu i to je bio njegov prvi zapaženiji uspjeh na tom polju.

U Zborskoj školi. Sjede (s desna na lijevo): I. Kozlovsky, ravnatelj škole, A. V. Sveshnikov s učiteljima škole. Sasvim desno (stoji) je skladateljev otac K. M. Ščedrin. Za klavirom - budući kompozitor. 1947. godine

Učenici Zborske škole imali su priliku upoznati se s velikim glazbenicima: D. Šostakovičem, A. Hačaturjanom, I. Kozlovskim, G. Ginzburgom, S. Richterom, E. Gilelsom, J. Flierom. “U našoj školi postojala je opojna strast prema glazbi, uključujući klavirsku glazbu”, prisjetio se Ščedrin. Njegov učitelj klavira bio je poznati učitelj G. Dinor, koji je svojim učenicima zadavao skladbe namjerno visoke složenosti. Kao rezultat toga, po završetku koledža, Rodion je imao program dostojan koncertnog pijanista (Bachove fuge, virtuozna djela Chopina i Liszta, Rahmanjinovljeva “Rapsodija na Paganinijevu temu”), ali nije izveden kako treba. Učitelj, razmišljajući o prijemu svog učenika na Moskovski konzervatorij, odlučio ga je pokazati profesoru J. Flieru. Nije bio oduševljen izvedbom programa, ali je odobravao Ščedrinove skladbe i pristao ga uzeti kao svog učenika.

Godine 1950. Ščedrin je upisao Moskovski konzervatorij istovremeno na dva fakulteta - glasovir, u klasi Y. Fliera, i teorijsku kompoziciju, u klasi profesora Yu. Šaporina u kompoziciji.

Nastava s Jakovom Vladimirovičem Flierom, gdje je vladala "gozba glazbe", toliko je fascinirala Ščedrina da je razmišljao o odvajanju od svoje specijalnosti skladatelja, ali učitelj pijanista to nije savjetovao. U klasi klavira, glazbenik u usponu ne samo da je stekao prvoklasnu vještinu pijanista, već je i značajno napredovao u svom općem glazbenom ukusu i znanju. Ščedrin je toliko vjerovao svom učitelju da mu je prvi pokazivao svoje nove opuse i tijekom studentskih i studentskih godina. kasnije godine. Prema skladateljevim riječima, Flierov klavir izdržao je "udarce" svih njegovih većih djela. Profesionalni pijanist Shchedrin je ostao cijeli život, uspješno nastupajući na koncertnoj pozornici izvodeći svoja tehnički teška djela.

U klasi kompozicije Jurija Aleksandroviča Šaporina privlačnost je bila prije svega njegova ljudska osobnost- erudit u ruskoj književnosti i poeziji, pripovjedač i duhovit, osoba koja je komunicirala s A. Blokom, A. N. Tolstojem, M. Gorkim, K. Fedinom, A. Benoisom, K. Petrovom-Vodkinom. Svojim učenicima nije nametao niti jedan put, smatrajući da u glazbi mogu i trebaju postojati sve suprotnosti.

Tako temeljno područje Ščedrinovog interesa kao što je ruski folklor također se intenzivno razvijalo na Moskovskom konzervatoriju. U osnovi stran od etnografskog pristupa, Ščedrin je sve uspio kreativni put vrlo originalna upotreba folklorni elementi, organski ih stapajući s najnovijim skladateljskim nalazima u glazbeni svijet. I u takvoj sintezi nema mu ravna u svojoj generaciji. Obavezan predmet za studente skladatelja" Narodna umjetnost"potrebno sudjelovanje u folklornim ekspedicijama, sa samostalnim snimanjem narodnih pjesama na magnetofon. R. Ščedrin je putovao u krajeve Vologodske oblasti, koji su se pokazali izuzetno bogatim pjesmama (vođa ekspedicije snimio je preko Uostalom, pjesmica nije samo zabavljala i razvijala sposobnost trenutne improvizacije, nego je bila zajedljivi feljton, narodne novine - sve što je živjelo u narodu, ne uklapajući se u službene načine izražavanja mišljenja. njegova ljubav prema pjesmama kroz cijeli život: svoj Prvi koncert za orkestar 1963. nazvao je “Nestašne pjesmice”, a 1999. predstavio je svoju verziju - “Pjesme”, koncert za solo klavir.

Čitav zvučni ambijent folklora pokazao se duboko bliskim Ščedrinu, što je on spoznao kroz putovanja u Aleksin, grad iznad rijeke Oke, i kroz razne izlete “u dubinu”, slušajući seljačko pjevanje i sviranje na svirali. “Narodna umjetnost za mene je pastirski krik, jednoglasno drekanje harmonikaša, nadahnute improvizacije seoskih tužbalica, trpke muške pjesme...” (Rodion Ščedrin. Razgovor s L. Grigorijevim i J. Platekom // Glazbeni život, 1975, broj 2, str. 54).

Prvi klavirski koncert koji je Ščedrin stvorio tijekom studentskih dana (1954.) djelo je koje je stvorilo Ščedrina. Istaknuto je sve ono što je autorova osobnost bila u mladosti i što je kasnije proklijalo u njegovom daljnjem stvaralaštvu, uključujući motoriku ritma i jetko zašiljene “rusizme”. Na konzervatoriju je djelovao previše "formalistički". No jedan od profesora preporučio je Uniji skladatelja da taj koncert uvrsti u program idućeg plenuma. Autor ju je sjajno izveo i ubrzo dobio pismo da je on, student 4. godine, primljen u Savez skladatelja (i bez prijave).

Ščedrin je 1955. diplomirao na Moskovskom konzervatoriju, s odličnim uspjehom, u dvije specijalnosti - kompoziciju i klavir. Zatim je do 1959. završio poslijediplomski studij kompozicije kod Yu.Shaporina.

Godina 1958. u Ščedrinovom životu opisana je kao najromantičnija i doista sudbonosna: oženio se balerinom Majom Mihajlovnom Pliseckoj, koja je već stekla slavu. Priča o njihovom poznanstvu bila je sljedeća. Skladatelj je posjetio kuću Lily Brik, bivše muze Mayakovskog, i njezinog supruga, pisca i književnog kritičara V. Katanyana, za čiju je dramu “Oni su poznavali Mayakovskog” napisao glazbu. Jednog dana, kao kuriozitet, vlasnici kuće dali su mu priliku poslušati snimku Pliseckaje kako pjeva (!) glazbu Prokofjevljeva baleta Pepeljuga. Skladatelj je bio zadivljen: najteže melodije reproducirane su apsolutno točno iu odgovarajućim ključevima.

Rodion i Maya su se prvi put osobno upoznali kada su J. Philipa primili u istoj kući. Shchedrin je svirao puno svoje glazbe, što je očaralo publiku. Njemu, tada rijetkom vlasniku vlastitog automobila (kupljenog uz honorar za film “Visina”), pripala je galantna dužnost da počasne goste odveze kući. Plisetskaya ga je, opraštajući se, zamolila da zapiše temu iz filma "Svjetla reflektora" s bilješkama iz ploče za baletnu točku (broj kasnije nije uspio). Konačno ih je spojio balet “Mali grbavi konj” koji je Boljšoj teatar odlučio postaviti 1958. godine. Ovdje je 25-godišnji Ščedrin prvi put vidio Plisecku na probi, gdje je ona, sa svoje strane, pustila na njega "uragan frojdovskih motiva". Iako je Pliseckaja već stekla značajnu umjetničku slavu, bila je pod velikom sumnjom u KGB-u, a novu Ščedrinovu poznanicu stalno je pratilo nadzorno vozilo. Ali nijedna sila nije imala moć da ih razdvoji. Nakon rajskog ljeta u Sortavali (Kući stvaralaštva skladatelja) na jezeru Ladoga, njihov medeni mjesec bio je putovanje Rodionovim automobilom od Moskve do Sočija preko Tule, Harkova, Rostova na Donu i drugih gradova. Zbog neregistriranog braka zabranjen im je pristup svim hotelima, a kao sklonište im je služio samo automobil. Brak Pliseckaje i Ščedrina registriran je u Moskvi 2. listopada 1958. godine. U ovom braku nije bilo djece - takva je bila velika žrtva velika balerina. Ali jedinstveni "brak umjetnosti" ostao je za cijeli život. Svi Ščedrinovi baleti povezani su s plesom Pliseckaje - a to je čitava baletna kultura.

Po završetku postdiplomskog studija 1959., Ščedrin je imao svoje kreativne zasluge u baletu "Mali grbavi konj" (1955.), klavirskim djelima, zborovima i Prvoj simfoniji (1958.). I nisu to samo prekretnice u njegovoj biografiji. “Mali grbavi konj”, u kojem je Pliseckaja plesala Caricu Djevu, postao je redovita predstava za djecu i još uvijek se izvodi u Glazbenom kazalištu Stanislavsky i Nemirovich-Danchenko. Godine 1999., za produkciju u Boljšoj teatru, autor je napravio nova verzija baleta, koji ga je pretvorio u blistavu rusku ekstravaganciju (umjetnik - B. Messerer). "Humoreska", zaražena čisto ščedrinovskom "lukavošću", gotovo pola stoljeća kasnije postala je omiljeni koncertni bis (također u obradama za razne instrumente). Zahvaljujući takvim igrama svojedobno se čak počela oblikovati slika Ščedrina kao utjelovljenja uzavrele životne energije, humora i šale u glazbi. Ščedrinova pjesma iz glazbe za film "Visina" (1957.) - "Veseli marš instalatera visokih zgrada" - zvučala je u tom tonu i postala široko poznata, čvrsto ukorijenjena u masovnom slušanju. Te predodžbe o skladatelju neočekivano je uništila Prva simfonija, svojim prodorom u tešku ratnu tragediju, što je izazvalo veliko negodovanje kritičara (“Dosta nam je jednog Šostakoviča”).

Stigle su burne šezdesete domaće “šezdesete”. U tom desetljeću Ščedrin stvara svoje najizvođenije djelo - balet "Carmen Suite", prvi put se okreće operi ("Ne samo ljubav"), te započinje niz djela u žanru kojem je dao novo značenje, - koncerti za orkestar ("Mischievous ditties" i "Rings"), skladao dva velika oratorija ("Poezija" i "Lenjin u narodnom srcu") i svoje najambicioznije djelo za solo glasovir - 24 preludija i fuge, izveo smjelu stilsku sintezu u Drugom klavirskom koncertu. Pritom je posebno pomno obrađivao polifoniju, serijsku tehniku ​​i kombinacije mnogih glazbenih tema. Istodobno je nastupao kao pijanist i predavao na Moskovskom konzervatoriju.

Opera "Ne samo ljubav" (1961., 2. izd. - 1971.) napisana je prema pričama S. Antonova, uz uključivanje kratkih tekstova u libreto; posvećena M. Pliseckoj. “Pišem kolhoznog Evgenija Onjegina”, rekao je autor i usporedio glavni likčak i s Carmen. Određujući operu za Boljšoj teatar, nastojao je odmaknuti se od monumentalnih statista s transparentima koji su tada bili prihvaćeni na ovoj pozornici u komornu sferu, s iskustvima običnih ljudi. No iako je premijernu izvedbu osmislio umjetnik A. Tyshler, a dirigirao E. Svetlanov, ipak nije bilo moguće promijeniti običaje kazališta. Međutim, sinkrone produkcije "Not Only Love" odvijale su se u Permu i Novosibirsku. Adekvatnost koncepta i izvedbe prve Ščedrinove opere postignuta je mnogo kasnije - u komornim, studijskim i studentskim izvedbama. Važna prekretnica bila je pojava na novoj kazališnoj sceni - Moskovskom komornom glazbenom kazalištu u režiji B. Pokrovskog, kao prva predstava ovog kazališta (1972.).

U Ščedrinovom djelu započela je svijetla crta humora i satire, karakteristična za njega po prirodi: 1963. iz njegovog pera izašle su spomenute "Nestašne pjesme" (Prvi koncert za orkestar) i "Bureaukratijada" (Odmarališna kantata). U “Mischievous Ditties” autor je koristio simfonijska sredstva da reproducira stil pjesmice naizmjeničnog ulaska novog sudionika u pozadini neprekidnog sviranja harmonike. A to je bila nova glazbena forma sa složenom kombinacijom ne dvije ili tri teme, nego sedamdesetak. Iako nisu po ukusu akademskih orkestralnih glazbenika, "Pjesme" su izazvale veliko oduševljenje šire publike, posebice periferne. Iz stranih glazbenika svirao ih je američki dirigent i skladatelj L. Bernstein. Kantata "Birokracija", napisana na tekst "Memo to a Vacationer", puna svježe duhovitosti, bila je satira na nešto više od restriktivnog reda u pansionu. Istovremeno je bila enciklopedija moderne kompozicije - apsorbirala je tehnike koje su do danas ostale nove.

Centar višeglasno djelo Skladatelj je postao golemi ciklus za glasovir - 24 preludija i fuge (1963-64 - svezak 1, 1964-70 - svezak 2). Ščedrin je prožeo čisto akademski žanr, koji je u svoje vrijeme utemeljio J. S. Bach, a nastavio D. Šostakovič, modernom virtuoznošću i sofisticiranom tehnikom pisanja. I sam je postao njegov prvi izvođač.

I baš kao i prije, skladatelj je svoju humorističnu crtu prekrižio čisto tragičnom Drugom simfonijom (1965.), s odjecima rata (tutnjava aviona, škripanje gusjenica tenkova, jauci ranjenika), s epigrafom iz A. Tvardovski “Na dan kada je rat završio” . Istodobno je ponovno uveo novi simfonijski oblik: 25 preludija (autorov podnaslov).

Godine 1966. Ščedrin se upustio u eksperiment koji je svojom smjelošću nadmašio sve u sovjetskoj glazbi. Ovladavši modernom dodekafonskom tehnikom, odlučio ju je u Drugom klavirskom koncertu (1966.) spojiti s njezinom dijametralnom suprotnošću - glazbom jazz improvizacije. Savez skladatelja nije podržao ni jedno ni drugo, a njihovo spajanje dalo je tako eklatantan kontrast da su se oko toga počeli svađati i najljevičarski kolege. Život je pokazao da je autor bio u pravu: Drugi koncert postao je klasik proučavan u povijesti glazbe. Sama tehnika polistilizma (i kolaža) koja se tamo koristi postala je tada duh vremena za mnoge domaće autore. Poslije mu je pribjegao i Ščedrin.

Velika dvorana Konzervatorija. Praizvedba Drugog koncerta za glasovir i orkestar. Solist – autor. 1966

Od 1964. do 1969. Ščedrin je predavao kompoziciju na Moskovskom konzervatoriju. Među njegovim učenicima bili su O. Galakhov (kasnije predsjednik Moskovskog istražnog odbora), B. Getselev i Bugarin G. Minchev. Učiteljica je znala precizno “dijagnosticirati” učeničko djelo, a poučavala je, između ostaloga, kako vješto graditi dramaturgiju cjeline. Značajno je da je on smatrao da je brzina skladanja važna sposobnost. Ščedrin je prestao raditi na konzervatoriju, došavši u sukob s partijskim čelnicima na teoretskom i kompozicijskom odjelu.

Maya Plisecskaya - Carmen Suite (1978)

Balet "Carmen Suite" (1967.) pojavio se izvana kao rezultat hitne pomoći skladatelja svojoj supruzi, kada je bila otpuštena s neodoljivom željom da utjelovi sliku Carmen u koreografiji kubanskog koreografa A. Alonsa. U 20 dana Shchedrin je stvorio svoju poznatu transkripciju brojeva iz opere "Carmen" J. Bizeta, koristeći ne simfonijski orkestar, već gudače i 47 udaraljke, postižući svježu, modernu zvučnu boju. Pliseckaja je plesala balet oko 350 puta. “Carmen Suite” još uvijek vlada diljem svijeta, izvodi se na pozornici, koncertu ili radiju gotovo svaki dan.

Dugogodišnje Ščedrinovo prijateljstvo s pjesnikom A. Voznesenskim, koji je bio idol sovjetske mladeži 1960-ih, i srodnost njihovog umjetničkog svjetonazora doveli su do pojave "Poezije" - Koncerta za pjesnika, mješoviti zbor i Simfonijski orkestar na njegove tekstove (1968). Sam pjesnik je ovdje djelovao kao čitatelj. Na inovativne, bogato aliterirane pjesme Voznesenskog (“Ja sam Goya, ja sam tuga. Ja sam glas...”) odgovorili su Ščedrinov inovativno interpretirani orkestar i zbor, čije su tehnike bile bliske najljevičarskim poljskim nalazima. Ali Ščedrin produbio stil i koncept djela svojim osobnim glazbene tehnike, posebice uvođenje svojevrsnog narodnog pokliča prema poznatoj pjevačici L. Zykini. Rasprava u Velikoj Britaniji otkrila je najsuprotstavljenija mišljenja o djelu.

Bio je u teškoj situaciji i te kako javna osoba. Godine 1968. on je (kao i K. Simonov i A. Tvardovsky) odbio potpisati pismo potpore ulasku trupa zemalja Varšavskog pakta u Čehoslovačku. Radio postaja Glas Amerike počela je redovito o tome izvještavati, navodeći njihova imena. Ščedrin je bio prisiljen na kompromis – u obliku oratorija “Lenjin u srcu naroda” (1969.), kao što je Šostakovič svojedobno napisao “Pjesmu o šumi”. Ali za razliku od Šostakoviča, Ščedrin nikada nije pristupio KPSS-u. Izbjegavajući pompozan ton, Ščedrin je u svom oratoriju koristio svakodnevnu prozu - priču o latvijskom strijelcu, tvorničkom radniku, a uz to i riječi suvremenog pripovjedača M. Krjukova. A glazbenim jezikom nastavio je “Poeziju”. Talentirani oratorij za 100. obljetnicu V. I. Lenjina bio je tako jednostavan službeni položaj nestranački autor, da je za nju i operu “Ne samo ljubav” dobio Državnu nagradu SSSR-a (1972). U inozemstvu je imala veliki uspjeh u Parizu, Londonu, Berlinu.

Ščedrinovo stvaralaštvo 1970-ih i 80-ih obilježeno je njemu svojstvenom stalnom umjetničkom inventivnošću, ali nije sadržavalo one oštre stilske zaokrete ovisno o promjenjivoj modi koja je postala sudbina mnogih skladatelja na Zapadu i u SSSR-u (iskoraci iz avangarde do “nove jednostavnosti” i do pokušaja sintetiziranja krajnosti). U njegovoj su glazbi oduvijek koegzistirali elementi avangardne profinjenosti i pučke jednostavnosti, koje je neprestano sintetizirao. Još je 60-ih formulirao tezu o svom putu: “U umjetnosti moraš ići svojim putem.” na svoj način. Može biti i kratka, i duga, i široka, i uska, ali mora biti svoja" (Sovjetska muzika, 1963, br. 6, str. 12). U skladu s vlastitom skladateljskom individualnošću, Ščedrin je čvrsto stajao u središtu. , još nevidljivo uzdižući se iznad uzavrelih struja suprotnih struja.

Godine 1973. Ščedrin je izabran na važnu vodeću dužnost - predsjednika Saveza skladatelja Ruske Federacije, na što ga je blagoslovio D. Šostakovič, njegov osnivač i prvi predsjednik. U tom je svojstvu radio do 1990. godine, svojevoljno ga je napustio, nakon čega je ostao u ulozi počasnog predsjednika Istražnog odbora Rusije. Činjenica da je tolike godine na čelu goleme ruske skladateljske organizacije stajao ozbiljan skladatelj inovativne orijentacije odigrala je izuzetno progresivnu ulogu. Velika je bila i njegova osobna pomoć skladateljima, muzikolozima i dirigentima. „Ščedrin je dugo vremena bio na čelu Saveza skladatelja Rusije i malo ljudi zna koliko je mladih talenata, odbačenih, proganjanih od strane vlasti, pomogao ovaj čovjek“, kaže o njemu Vladimir Spivakov (Rodion Ščedrin. Autoportret. Knjižica Muzički festival uz skladateljev 70. rođendan. M., 2002).

Skladatelj piše desetke književnih djela, otkrivajući snažan smisao za riječi. Stvara libreta za svoja scenska djela: opere “Mrtve duše” (tada “Lolita”), balete “Galeb” (zajedno s V. Leventhalom), “Dama sa psom”. Objavio desetke članaka - o J. Flieru, Y. Shaporinu, O. Messiaenu, L. Bernsteinu, A. Svešnjikovu, K. Eliasbergu, A. Borodinu, A. Webernu, I. Stravinskom, predgovor romanu V. Orlova "Violist" Danilov" ".

Njegova suradnja s M. Pliseckajom se nastavlja: njoj su posvećeni baleti “Ana Karenjina”, “Galeb” i “Dama sa psom”. U "Ani Karenjini" prema L. Tolstoju (1971.) odabran je samo ljubavni događaj i dan je podnaslov "Lirski prizori" - poput P. Čajkovskog u njegovoj operi "Evgenije Onjegin". Misao Čajkovskog odrazila se i na glazbeni stil baleta, sve do aplikacija njegovih djela, nastalih u vrijeme kada je Tolstoj radio na ovom romanu. U baletu “Galeb” prema A. Čehovu (1979.) Ščedrin se pojavio i kao skladatelj i kao libretist (koautor), a Pliseckaja je plesala glavni lik Ninu Zarečnaju i utjelovila simboličnog Galeba, a za prvi put postao jedini koreograf predstave. Skladatelj je uz pomoć orkestra stvorio izrazito ekspresivan “galebov krik” koji se provukao kroz cijeli balet dajući mu još veću tragičnost. U njoj su dobro pogodene “strijeljane” sudbine junaka, a scenska drama projicirala je “krik” u vremenu. Glazbeni oblik baleta postao je inovativan - ciklus od 24 preludija s dodatkom tri interludija i jednog postludija. Kada je jedna engleska filmska grupa pripremala televizijski program o razvoju glazbene umjetnosti, snimila je “Galeba” za dio “Glazba budućnosti”.

Ana Karenjina - Rodion Ščedrin (film-balet)

Značajna prekretnica u Ščedrinovom glazbenom i kazališnom radu bila je opera "Mrtve duše" prema N. Gogolju (1976., postavljena 1977.), s libretom skladatelja. Autor je u operu uveo takvu inovaciju kao što je zamjena violina orkestra komornim (drugim) zborom, i što je najvažnije, podjela pozornice na dvije paralelne scene, raslojavajući operu kao da je u dvije autonomne opere - "pučka" i “profesionalni”. Ova paralelna dramaturgija predstave, prvi put izvedene u Boljšoj teatru, činila je srž semantičkog koncepta djela: suprotstavljanje narodne Ruse i “mrtvih duša” zemljoposjednika. U “narodnoj operi” skladatelj je koristio ruske narodne tekstove i narodne glasove, ali nije citirao izvorne melodije. Dao je simbolično značenje muškim frazama, posebno pitanju "hoće li stići ili neće?" Istodobno je folklorne elemente zasitio najoštrijim modernim disonancama i grozdovima. "Profesionalna opera" - groteskni svijet Gogoljevih veleposjednika - Ščedrin je zadržao stil sličan radu s vokalima u Rossinijevim operama. Ako se narodna glazba Rusa izvodila u glatkom, otegnutom legato pjevanju, onda je u dijelovima parodiranih veleposjednika prilično zamjetno korišten poskočni staccato. Njihove su arije sofisticirane i izuzetno teške za pjevanje: Čičikovljevi virtuozni odlomci, Korobočkino brbljanje, Sobakevičevi sveobuhvatni skokovi melodije, itd. Vokalni ansambli su impresivni - sedam, osam, deset i dvanaest glasova. U ruhu dviju antitetičkih opera pojavile su se esencije višeg reda: kontrast vječnog, nepromjenjivog i ispraznog, smrtnog.

“Mrtve duše” koje je Boljšoj teatar u Moskvi postavio 7. lipnja 1977. bile su remek-djelo teatralnosti. Redatelj je bio B. Pokrovski, scenograf V. Levental, zborovođa V. Minin, pjevači su sudjelovali A. Vorošilo (Čičikov), L. Avdeeva (Korobočka), V. Piavko (Nozdrev), A. Maslennikov (Selifan) i drugo. Dirigent Yu.Temirkanov vodio je 42 probe, nakon čega je operu prebacio u Kirov (Marijinski) teatar u Lenjingradu. Domaću izvedbu kojom je ravnao Temirkanov, snimila Melodiya, BMG je izdao u inozemstvu i dobio je nagradu kritike. „Izvanredno je precizno utjelovio jedinstvenu gogoljevsku intonaciju u glazbi i istodobno uspio pisati britko moderno djelo. To je bila glazba zemlje u kojoj smo tada živjeli: oštra, uglata i nevjerojatno beznadna”, piše A. Vorošilo (Rodion Ščedrin. Autoportret. Knjižica glazbenog festivala. M., 2002.).

Menuhin i Ščedrin

1981. obilježio je Ščedrin stvaranjem majstorski izbrušenih zborskih i klavirskih djela: “Strofe Evgenija Onjegina” - šest zborova na stihove A. S. Puškina iz njegovog romana u stihovima, “Pogubljenje Pugačova” - pjesma za zbor a ca. -ppella na riječi iz „Priča Pugačova" A. S. Puškina, „Bilježnica za mladež", 15 skladbi za klavir. Zborski opusi uključuju i „Concertino" iz 1982. (bez riječi). Skladatelj je još uvijek uronjen u rusku književnost i Ruska tema. Konkretno, ideja ruskih zvona provlači se kroz sva djela: na kraju “Onjeginovih strofama”, u epizodama “Pogubljenja Pugačova”, u broju 11 “Ruska zvona” iz “Bilježnica za mlade” iu finalu “Concertina” - “Ruska zvona”.

Osobito veliki i ozbiljni bili su Ščedrinovi planovi 1983.-84., što je bilo povezano i s posvetama njegovom svetom imenu - J. S. Bachu uz 300. obljetnicu njegova rođenja (1985.). Godine 1983. njemu u čast podigao je glazbeni spomenik u obliku iznimno dugog djela - 2 sata i 12 minuta - "Glazbena ponuda" za orgulje, tri flaute, tri fagota i tri trombona. Bio je to inovativan koncept glazbene meditacije, gdje ljudi nisu trebali samo slušati glazbu, već i izvršiti čin kolektivnog obožavanja onoga kome je bila posvećena. U prvoj verziji djelo je zbog svoje iznimne dužine daleko nadilazilo uobičajene norme koncertne percepcije. U to se uvjerio i sam autor, govoreći kao orguljaš na premijeri u Velikoj dvorani Moskovskog konzervatorija (1983.): publika je postupno počela napuštati dvoranu. U drugim uvjetima to je percipirano adekvatno (na primjer, na Bachovom maratonu u Njemačkoj). Autor je napravio kompaktnu verziju "Offering" - dugu sat i pol, sa snimkom zvuka djela na disku u katedrali Dome u Rigi (1987.). Svojim naslovom, Ščedrinovo djelo je namjerno povezano s Bachovim "Glazbenim prinosom", koji je dao pruskom kralju i skladatelju Fridriku II 1747. godine. Ščedrinovo poštovanje prema Bachu izraženo je u mnogim analogijama s velikim skladateljem i njegovom erom: izravno citiranje majstorovih dvaju preludija za orgulje, tekstura poput Bachovih preludija, razne polifone tehnike, pametan "drhtavi oblik", motiv Bachova monograma - B-A-C-N . U duhu Bachova vremena, "Prinos" je prožet simbolima - kao nijedno drugo Ščedrinovo djelo: imena Bach, Berg i Ščedrin šifrirana su u obliku slova, čak i datum rođenja i visina skladatelja, citira se melodija korala R. Alea, koju koriste i Bach i Berg, na određenom mjestu partiture naznačeno je “poljubiti instrument” (za fagote i trombone). Solaže na orguljama koje se provlače kroz cijelo djelo stvaraju podsjećanje i molitveno raspoloženje, a tri puhačka tria (3x3 su također sveti brojevi) oslikavaju religiozni zaplet. Ščedrinova gigantska glazbena freska nema ravne među poznatim glazbenim posvetama.

Druga Ščedrinova skladba za 300. godišnjicu Bacha bila je “Eho sonata” za solo violinu (1984.). Pravi odjek ovdje je izražen u formi tehnike sviranja violine, uz odvajanje njegove tihe zvučne “sjene” od glazbenog “govora” violinista, a kratke aplikacije iz poznatih Bachovih djela pojavljuju se kao simbolika echo - kristali harmonične klasike, oljušteni od oštro disonantne moderne glazbene zvučnosti. Sonata je postala repertoar za violiniste iz različitih zemalja - izvodili su je U. Hölscher, M. Vengerov, D. Sitkovetsky, S. Stadler i drugi.

Godine 1984. Ščedrin je napisao "Autoportret" za simfonijski orkestar. Psihološki je dijametralno suprotan ustaljenoj slici Ščedrina kao nositelja uzbudljive energije, majstora humora i šale. Ovo je autorovo najmračnije tragično djelo, pa je njegova praizvedba na otvaranju II Moskovskog međunarodnog glazbenog festivala (1984.) bila u suprotnosti s ozračjem skladateljeva praznika. U naslovu drame Ščedrin je pošao od slikarskog iskustva: "Nadahnuo me primjer slikara. Gotovo svi su naslikali svoje portrete: možda je to odražavalo potrebu koju su spoznali da upoznaju sebe. Ponekad je tako umjetnik dolazi do razumijevanja osobe, života, vremena” (Jakovlev M. Umjesto okvira za portret // Glazba u SSSR-u, 1985., travanj - lipanj, str. 15). U autorskoj napomeni govori o “oponašanju melankoličnih zvukova usamljene balalajke, pijanom mrmljanju fagota (kao da pjevuši starinski napjev prolaznika), ... beskrajnom, ravnom i tužnom krajoliku moja zemlja." Ščedrin je svim strunama svoje duše reagirao na ono što se oko njega događalo. 1984 - krajnja točka Sovjetska stagnacija, koja se činila nepremostivom. Godinu dana kasnije, glavni tajnik Centralnog komiteta KPSS-a M. Gorbačov došao je na ideju perestrojke pod prijetnjom ekonomskog i općeg kolapsa zemlje.

Nastao 1985. godine, balet “Dama sa psom” prema istoimenoj priči A. Čehova inspiriran je 60. obljetnicom M. Pliseckaje. Libreto su napisali R. Shchedrin i V. Leventhal, M. Pliseckaja bila je i koreograf i izvođač glavne uloge - Ane Sergejevne, za čiju je ulogu kostime kreirao poznati pariški couturier P. Cardin. Čista liričnost radnje ostvarena je kao jednočinka u trajanju od 45-50 minuta, koja se sastoji od pet opsežnih plesnih dueta - pas de deux. Glazbena struktura baleta prožeta je zanosnom melodijom, utjelovljujući prelijevanje lirskih osjećaja likova, orkestar je transparentan – samo gudački sastav uz dodatak dviju oboa, dviju roga i čeleste, glazbeni oblik cjelina je skladna. Ovo je Ščedrinovo najpoetičnije i najlirskije baletno djelo.

Gorbačovljeva perestrojka koja je nastupila 1985. godine, koja je radikalno promijenila život poglavito cjelokupne sovjetske inteligencije, otvorila je neviđene mogućnosti za kontakte s inozemstvom. Godine 1988. održana je nova vrsta događaja - sovjetsko-američki festival "Stvaranje glazbe zajedno". Isprva su Amerikanci htjeli sami održati festival Ščedrina, ali Ministarstvo kulture SSSR-a nije dalo suglasnost za to. Tada je organiziran međunarodni forum s maksimalnom zastupljenošću iz SSSR-a. U Massachusetts je stiglo oko 300 ljudi, među kojima A. Schnittke, S. Gubaidulina, A. Petrov, G. Kancheli, B. Tiščenko, V. Laurusas. U proizvodnji" Mrtve duše“Crni pjevači sudjelovali su na Ščedrinu. Svjetski odjek festivala, umjetnički i politički, bio je ogroman.

Val perestrojke doveo je na vlast ljude tako aktivne poput Ščedrina. Skladatelj je također postao učinkovit političar. Godine 1989. od Saveza skladatelja izabran je u Vrhovni sovjet SSSR-a. Osim toga, imajući vlastiti politički program, pridružio se poznatoj Međuregionalnoj skupini narodnih zastupnika za perestrojku u SSSR-u, čiji su članovi bili akademik A. Saharov, budući prvi predsjednik Rusije B. Jeljcin, budući gradonačelnik Moskve G. Popov, i filozof Yu Afanasyev. Posebno su tražili višestranačje i alternativne izbore, što stranačkim vlastima nikako nije odgovaralo. Na televiziji se mogla gledati borba između Ščedrina koji je krenuo na podij i Gorbačova koji mu nije dao riječ. Ščedrin je sudjelovao u rehabilitaciji u domovini M. Rostropoviča i G. Višnevske, koji su protjerani iz zemlje.

Dolaskom još jednog značajnog datuma - 1000. obljetnice prihvaćanja kršćanstva u Rusiji - Ščedrin je napisao eseje koji su pokazali duboko značenje ove teme za njega, unuka svećenika i njega samog, koji je bio kršten u djetinjstvu: "Stihera za tisućgodišnjicu krštenja Rusije” (1987.) i “Zapečaćeni anđeo” (1988.).

Orkestralna “Stihira za tisućgodišnjicu krštenja Rusije” napisana je na temelju drevnog izvora, pisanog kukicama - stihire za blagdan Vladimirske ikone cara Ivana Groznog, koju je skladatelj predstavio u svom tumačenje. Ščedrin je ponovno stvorio svijet drevnog ruskog pjevanja - njegovu tišinu, neužurbanost i spokoj, odraz u njemu ruskog ravnog krajolika, što je utjecalo na glatkoću melodije, koja teče bez pauza, i varijabilnost pjevanja. Partitura označava trenutke kada glasovi glazbenika pjevaju uz njihove dionice. Skladatelj je djelo poslao na prvu izvedbu u SAD Rostropoviču, kojemu ga je i posvetio. On je ovu akciju smatrao građanski podvig i mogao je premijerno biti izveden u Washington Kennedy Centeru (1988). Kod kuće je izdan prvi ruski CD - sa snimkom Ščedrinove "Stihire" i stihire Ivana Groznog.

Ruska liturgija “Zapečaćeni anđeo”, ili zborska glazba prema N. Leskovu na kanonske crkvenoslavenske tekstove za mješoviti zbor a cappella sa sviralom (flautom) u 9 dijelova, prvi put je izvedena u Moskvi, od strane dva zbora - Moskovskog komornog. Zbor i Akademski ruski zbor pod ravnanjem V. Minina. 60-minutno djelo je zborsko remek-djelo, koje ima utjecaj ne samo glazbeno, već i duhovno i etički, poput službe za župljane. Također je službeno zabilježeno: 1992. godine dodijeljena mu je Državna nagrada Ruske Federacije, jedna od prvih u novoj Rusiji.

Leskovljeva priča “Zapečaćeni anđeo” nije poslužila kao program za Ščedrinovu glazbu; iz nje su preuzeti pojedini elementi: naslov, tekst za broj 1 (“Anđeo Gospodnji”), slika frulaša, “krug pročišćenja” zapleta - čista ikona, spaljena pečatom i ponovno čista. Na zahtjev dirigenta mogao bi se ubaciti tekst iz Leskova (to je snimka na CD-u u SAD-u). A što se tiče liturgije, skladatelj nije namjeravao reproducirati cijeli njezin slijed, već je odabrao samo nekoliko tekstova (iz Obihoda, Meneja, Trioda) s preustrojima i skraćenjima. Stilski, glazba koristi načela ruskog Znamenny napjeva - glatko pjevanje, "ravnomjernost" melodije i odsutnost pauza. Što se tiče zborske tehnike, ovo je enciklopedija ruskog zborskog pisma, koja je osim melodije znamennog tipa uključivala i narodnu subvokalnost, zvučnu strukturu akorada, kolorit oktavističkih basova, diskantni dječački solo, efekt “hrama”. jeka” i oponašanje zvonjave. "Zapečaćeni anđeo" postao je izvanredno zborsko djelo 20. stoljeća i ruske sakralne glazbe.

Od kasnih 1980-ih, Shchedrin je počeo primati sve više i više kreativnih prijedloga iz inozemstva, odgovarajući na njih stvaranjem djela na svoju omiljenu rusku temu, čime ih je široko distribuirao u različitim dijelovima svijeta: njegov mjuzikl "Nina i 12 mjeseci" bio je postavljen u Japanu.(1988.) i izveo "Krugalice" (Četvrti koncert za orkestar, 1989.), za 100. obljetnicu Čikaškog simfonijskog orkestra napisao "Starinsku glazbu ruskih provincijskih cirkusa" (Treći koncert za orkestar, 1989.), skladao komorna djela za Finsku i Pariz. U vezi s “Cirkuskom glazbom” Ščedrin je istaknuo (u anotaciji): “U ovom djelu namjerno težim šarenilu, glazbenom slikarstvu, humoru, spektakularnom, vanjskom, zabavnom.... “Cirkus” je napisan godinama perestrojke, u godinama nade i vjere u emancipaciju i rekonstrukciju ruskog društva. Možda me osjećaj nade u dobre promjene napunio energijom i optimizmom?.." (Kao ruski element predstavio je pjesmu "Oči crne" ”, koju članovi orkestra pjevaju uz igru.) “Kralj “moderni orkestar nazivaju profesionalci, što znači maksimalnu izražajnost zvuka uz maksimalnu koncentraciju i uštedu”, tako M. Rostropovič govori o Ščedrinu (Rodion Shchedrin. Self -portret.Knjižica glazbenog festivala, 2002.).

Početak 1990-ih, uz poremećaj cjelokupne društvene strukture zemlje - raspad SSSR-a, formiranje nove države - Ruske Federacije - donio je značajne promjene u Ščedrinovom životu. Oslabljeno gospodarstvo i ozbiljni materijalni problemi stvorili su tako jasnu prijetnju stvaralaštvu da je skladatelj bio prisiljen otići živjeti u Njemačku, u München (1991.-92.). Slijedila ga je supruga M. Pliseckaja. Obojica su zadržala rusko državljanstvo. Počele su jačati veze sa zapadnim izdavačima i izvođačima. Pritom je skladatelj sačuvao i osnažio najvažnija svojstva njegova stila - demokratska širina i ruska usmjerenost teme. No izbor glazbenih žanrova postao je drugačiji: nisu se pojavili novi baleti (samo grupna glazba), pojavila se jedna opera - "Lolita", ali su koncerti za soliste s orkestrom - za klavir, violinu, violu, violončelo, trubu - neobično procvjetali. kontakata s velikim glazbenicima mir. Ispostavilo se da je velika većina djela povezana s ruskom temom, a važnost lirskog načela je porasla. U vezi sa Ščedrinovim obljetnicama, velikih festivala njemu u čast – u domovini i u mnogim zemljama svijeta. Postao je priznati klasik ruske i svjetske glazbe.

Opera "Lolita" prema istoimenom romanu V. Nabokova s ​​libretom samog skladatelja (1994.) nije mogla biti postavljena na velikim svjetskim jezicima zbog problema s autorskim pravima, a tada se javila ideja da se postavi u Kraljevskoj švedskoj operi – na švedskom jeziku. Praizvedba je održana u Stockholmu 14. prosinca 1994.: dirigent - M. Rostropovich, Lolita - L. Gustafson, Humbert Humbert - P.-A. Walgren, Quilty - B. Haugan. Atmosfera skandala koja je uvijek pratila ovaj Nabokovljev zaplet ovdje je došla do izražaja u javnim demonstracijama za otkazivanje izvedbe i pozivima umjetnicima da odbiju sudjelovati u njoj. No produkcija je bila veliki uspjeh, s recenzijama u tisku diljem svijeta.

Iako opera ima sposobnost ukloniti naturalizam svakog zapleta, Ščedrin je pokušao produbiti moralnu stranu romana kako u libretu tako i u glazbi. U Prologu Humbert već sjedi zatvorska ćelija, a tijekom cijele opere postoji zbor sudaca koji ga optužuju, a nasuprot tome zbor dječaka u crkvi pjeva molitvu prosvjetljenja. Da bi se ublažila tragična napetost drame, nasuprot tome, tu su umetci animiranih dueta iz Advertisinga. Visoki duh opere vlada u dugim, sporim ljubavnim scenama dvoje glavnih likova, u uzvišenom glazbenom zvuku scene "Humbertov grijeh". Ščedrin je stvorio svijetle vokalne dionice - mladu Lolitu, svojim pjevanjem u visokom srebrnom registru, ostarjelog zavodnika Quiltyja sa svojim falsetom ili životinjskim krikom. Opera završava katarzičnim epilogom, produbljujući Nabokovljevo finale. Prema riječima piščeva sina, D. Nabokova, "da je moj otac ovo vidio, bio bi sretan."

Tjeskoba i bol zbog nedaća Rusije oživjeli su gudačku glazbu “Ruske fotografije”, posvećenu orkestru “Moskovski virtuozi” pod ravnanjem V. Spivakova (1994.). Ovo su slike ruskog života u različitim vremenima. 1 sat - "Drevni grad Aleksin", u znak sjećanja na mog djeda i djetinjstvo, 2 sata - "Žohari u Moskvi", kada se napad stvarno dogodio, iako glazba nije eksplicitna, 3 sata - "Staljin-koktel" , sa slikom treska bubnjeva, jecaja žrtava, odjeka pogubljenja, s citatima iz kantate o Staljinu A. Aleksandrova i “Marša entuzijasta” I. Dunajevskog, 4 sata - “Večernja zvona”, s raspoloženjem pustoš, nemir u srcu i pjevanje uz riječi “Vječnaja pamjat”.

U središtu razdoblja 90-ih tri su značajna koncerta - za violončelo, violinu i violu, posvećena vrhunskim suvremenim glazbenicima.

Koncert za violončelo "Sotto voce concerto" (posvećen M. Rostropoviču, 1994.) po svojoj koncepciji pripada djelima s vječnom temom - život i smrt. Podnaslov se odnosi na omiljenu Ščedrinovu ideju - dramu koja se čuje kroz zid, kao i poseban pianissimo u izvedbi Rostropoviča. Glazba oslikava živopisne tragične epizode, ali nudi inovativan način prevladavanja zemaljske tragedije - kao izlaz u izvanljudski svijet korištenjem blok-flaute sa zvukom trske, poput ruske svirale.

Koncert za violinu i gudački orkestar “Concerto cantabile” (posvećen M. Vengerovu, 1997.) neoromantičarsko je djelo, stilski nesrodno “ranom” i “srednjem” Ščedrinu. Usporediv je samo s stihovima njegove “Dame sa psom”. “Pod riječju “cantabile” prije svega mislim na ton duševnog stanja, djelomično i na način zvuka, a također i na ispreplitanje, ukrštanje, stapanje, slaganje, svađu, protukretanje pjevačkih linija solista i orkestra. ” (iz autorove napomene). Skladatelj je svoj koncert u švicarskom filmu o njemu opisao kao “moj dnevnik osjećaja” J. Gachota.
"Concerto dolce", koncert za violu uz pratnju gudačkog orkestra i harfe (1997.), pripremljen je i očevim sviranjem na ovom instrumentu, i Ščedrinovim predgovorom "Violistu Danilovu" V. Orlova, i, naravno, jedinstvena vještina Yu. Bashmeta, kojem je posvećena. Iako se koncert zove “Dolce”, ne počinje niti završava ovim likom. Velika dolce epizoda smještena je u središte forme i posebno je značajna rezervirana za reprizu. Čisto ruski elementi umetnuti su u glazbu, označeni kao "balalajka" i "zvona" - oba su prvi put uključena u djelo za violu. Karakteristično je da Ščedrin završava koncerte “Dolce” i “Cantabile” energičnom, voljnom kodom.

Komorna djela sredine 90-ih obilježena su Ščedrinovim invencijama u prirodi glazbenog zvuka: “Glazba izdaleka” za dvije blok flaute i Drugu klavirsku sonatu (1996.), “Balalajku” za solo violinu bez gudala (1997.), nastavak ideja “Ruskih napjeva” za violončelo solo (1990).

Godine 1997., u povodu skladateljeva 65. rođendana, festivali njegove glazbe održani su u Finskoj, Francuskoj, Njemačkoj, au Rusiji su proslave trajale 19 dana u četiri grada: Moskvi, Sankt Peterburgu, Nižnjem Novgorodu, Samari.

Na rubu tisućljeća (1999.) Njemačka je primila Ščedrina časnu ponudu: da napiše orkestralni Preludij Beethovenovoj Devetoj simfoniji, prekretničkom djelu za cijelu njemačku kulturu. Za svoju obljetnicu, Orkestar Bavarskog radija naručio je skladbu koja je postala “Symphonie con-certante” (Treća simfonija) “Lica ruskih bajki” (2000.), odražavajući slike “Samogudke”, “Sestre Alyonushke i brata” Ivanuška”, “Princeza-žabe” i drugi. Godine 1999. Ščedrin je stvorio jedan od svojih najdojmljivijih koncerata - Peti koncert za klavir i orkestar (posvećen finskom pijanistu O. Mustonenu), koji je nakon praizvedbe u Los Angelesu (1999.) krenuo sigurnim putem po svjetskim pozornicama. . Zahvaljujući narudžbi Simfonijskog orkestra iz Pittsburgha nastala je "Lolita Serenade" iz glazbe opere (2001.).

Skladateljev 70. rođendan 2002. proslavljen je veličanstvenim festivalom u Moskvi i Sankt Peterburgu, koji je pokazao vitalnost njegova rada tijekom svih godina i neiscrpan potencijal u stvaranju novih djela (među ruskim praizvedbama su "Parabola concertante", " Koncertna parabola" za violončelo, gudački orkestar i timpane, 2001.). Praizvedba simfonijskih etida za orkestar “Dijalozi sa Šostakovičem” (2002.) održana je u Carnegie Hallu. Svjetska praizvedba Ščedrinove opere za koncertnu pozornicu "Začarani lutalica" prema priči N. Leskova održana je u Lincoln centru u New Yorku (19. prosinca 2002.): Njujorška filharmonija, zbor, pjevači - A. Anger , L. Paasikivi, E Akimov, dirigent L. Maazel.

"Ja sam Rus, svi su mi korijeni ovdje. Čak i da sam negdje na Ognjenoj zemlji, to bih i ostao", kaže o sebi Ščedrin (R. Ščedrin. Netko planira preodgajati Ruse... Razgovor sa S. Birjukovom // Labor, 22.12.95. S velikom domišljatošću znao je i zna unijeti ruske elemente u svoj glazbeni jezik, reproducirajući stihire, molitve, pjesmice, pastirske napjeve, zvonjavu, glasove ožalošćenih, cirkusku glazbu, sviranje balalajke, guslarenje, cigansku pjesmu. , aplikacije Čajkovskog itd. Pritom je cjelokupna aura njegovih skladbi tipično moderna: oštrina disonantnih zvučnih sparivanja, poigravanje s prostorima glazbene pozornice, tehnika kolaža, iznimno raznolika artikulacija i inovativni načini izvođenje na svim instrumentima.

Ščedrinova glazba nabijena je onom sunčanom vitalnošću koja je umnogome nedostajala ljudima u umjetnosti 20. stoljeća. Zato je ljudski odaziv na njegovu "glazbenu ponudu" u cijelom svijetu tako velik. Slijedeći cijeli život vlastiti put, zauzeo je stabilnu poziciju u samom središtu glazbene kulture, a prema riječima R. W. Emersona, “on je heroj koji nepomično stoji u središtu”.

SKLADATELJ: Rodion Ščedrin (video)

Kreativne zasluge R. K. Ščedrina nagrađene su brojnim počasnim naslovima i nagradama: Narodni umjetnik SSSR-a (1981.), Lenjinova nagrada (1984.), Državna nagrada SSSR-a (1972.), Državna nagrada Rusije (1992.), Orden zasluga za domovine III stupnja (2002). Dobitnik nagrade D. D. Šostakovič (Rusija, 1992.), Kristalne nagrade Svjetskog ekonomskog foruma (Davos, 1995.), počasni profesor Moskovskog konzervatorija (1997.), “Skladatelj godine” Simfonijskog orkestra iz Pittsburgha (2002.).

Dopisni član Bavarske akademije likovnih umjetnosti (1976.), počasni član Društva F. Liszt (SAD, 1979.), počasni član Akademije likovnih umjetnosti DDR-a (1982.), počasni član Međunarodnog glazbenog vijeća ( 1985), član Berlinske akademije umjetnosti (1989).

Njemu su posvećene knjige: I. Likhachev. Glazbeni teatar Rodiona Ščedrina (M., 1977.); V. Komissinskog. O dramskim načelima R. Ščedrina (Moskva, 1978); M. Tarakanov. Djelo Rodiona Ščedrina (M., 1980.); H. Gerlacha. Zum Schaffen von Rodion Schtschedrin (Berlin, 1982.); Yu. Paisov. Zbor u djelima Rodiona Ščedrina (M., 1992.); V. Kholopova. Put kroz centar. Skladatelj Rodion Ščedrin (M., 2000.); ona je i u njemačkoj verziji - V. Cholopova. Der Weg im Zentrum (Mainz, Schott, 2002) i drugi. Godine 2002. objavljena je knjiga samog skladatelja: R. Ščedrin. Monolozi različitih godina (Moskva, 2002).

6. (1872 - 1915)

Aleksandar Nikolajevič Skrjabin - ruski skladatelj i pijanist, jedan od najsvjetlije ličnosti ruska i svjetska glazbena kultura. Skrjabinovo originalno i duboko poetsko stvaralaštvo isticalo se svojom inovativnošću čak i u pozadini rađanja mnogih novih trendova u umjetnosti povezanih s promjenama u javni život na prijelazu u 20. stoljeće.
Rođen u Moskvi, majka mu je rano umrla, otac nije mogao obratiti pažnju na svog sina, jer je služio kao veleposlanik u Perziji. Skrjabina su odgajali teta i djed, a od djetinjstva je pokazivao glazbeni talent. Isprva je studirao u kadetskom zboru, uzimao privatne satove klavira, a nakon završetka zbora upisao se na Moskovski konzervatorij, razrednik mu je bio S. V. Rahmanjinov. Nakon završenog konzervatorija Skrjabin se u potpunosti posvetio glazbi - kao koncertni pijanist-skladatelj obišao je Europu i Rusiju dirigirajući najviše vrijeme u inozemstvu.
Vrhunac Skrjabinovog skladateljskog stvaralaštva bile su godine 1903.-1908., kada je nastala Treća simfonija (" Božanstvena pjesma"), simfonijska "Pjesma ekstaze", "Tragične" i "Sotonske" pjesme za klavir, 4. i 5. sonata i druga djela. "Pjesma ekstaze", koja se sastoji od nekoliko tema-slika, koncentrirala je Srjabinove kreativne ideje i njegovo je briljantno remek-djelo skladno je spojio skladateljevu ljubav prema moći veliki orkestar i lirski, prozračni zvuk solo instrumenata. Utjelovljena u "Poemi ekstaze" je kolosalna Vitalna energija, vatrena strast, snaga snažne volje ostavlja neodoljiv dojam na slušatelja i zadržava snagu svog utjecaja do danas.
Još jedno Skrjabinovo remek-djelo je “Prometej” (“Pjesma o vatri”), u kojem je autor potpuno obnovio svoj harmonijski jezik, odstupivši od tradicionalnog tonskog sustava, a prvi put u povijesti ovo je djelo trebalo biti popraćeno glazbom u boji. , no premijera je iz tehničkih razloga održana bez svjetlosnih efekata.
Posljednji nedovršeni “Misterij” bio je plan Skrjabina, sanjara, romantičara, filozofa, da apelira na cijelo čovječanstvo i nadahne ga da stvori novi fantastični svjetski poredak, sjedinjenje Univerzalnog duha s materijom.

Citat A. N. Skrjabina: “Reći ću im (ljudima) - da... ne očekuju ništa od života osim onoga što mogu sami sebi stvoriti... Reći ću im da nema ničega tugovati, da nema gubitka "Da se ne boje očaja, koji jedini može iznjedriti pravi trijumf. Jak je i moćan onaj koji je iskusio očaj i pobijedio ga."

Citat o A. N. Skrjabinu: "Skrjabinov rad bio je njegovo vrijeme, izraženo zvukovima. Ali kada privremeno, prolazno nađe svoj izraz u djelu velikog umjetnika, ono dobiva trajno značenje i postaje trajno." G. V. Plehanova

A. N. Skrjabin "Prometej"

7. (1873 - 1943)

Sergej Vasiljevič Rahmanjinov najveći je svjetski skladatelj s početka 20. stoljeća, talentirani pijanist i dirigent. Kreativna slika skladatelja Rahmanjinova često se definira epitetom "najruskiji skladatelj", ističući u ovoj kratkoj formulaciji njegove zasluge u objedinjavanju glazbenih tradicija moskovske i peterburške škole skladanja i stvaranju vlastitog jedinstvenog stila, koji se ističe u svjetskoj muzičkoj kulturi.
Rođen je u Novgorodska gubernija, od svoje četvrte godine počeo je učiti glazbu pod vodstvom svoje majke. Studirao je na Konzervatoriju u Sankt Peterburgu, nakon 3 godine studija prešao je na Moskovski konzervatorij i diplomirao s velikom zlatnom medaljom. Ubrzo je postao poznat kao dirigent i pijanist te je skladao glazbu. Katastrofalna praizvedba inovativne Prve simfonije (1897.) u Sankt Peterburgu izazvala je kreativnu skladateljsku krizu iz koje je Rahmanjinov izašao početkom 1900-ih sa zrelim stilom koji je ujedinio rusko crkveno pjevanje, odlazeći europski romantizam, moderni impresionizam i neoklasicizam, sve puno složene simbolike. Tijekom tog stvaralačkog razdoblja nastala su njegova najbolja djela, uključujući 2. i 3. klavirski koncert, Drugu simfoniju i njegove najveće omiljeni komad- poema "Zvona" za zbor, soliste i orkestar.
Godine 1917. bio je prisiljen napustiti našu zemlju i nastaniti se u SAD. Gotovo deset godina nakon odlaska nije ništa skladao, ali je išao na velike turneje po Americi i Europi i bio je priznat kao jedan od najvećih pijanista tog doba i veliki dirigent. Uz sve svoje užurbane aktivnosti, Rahmanjinov je ostao ranjiva i nesigurna osoba, koja je težila samoći, pa čak i usamljenosti, izbjegavajući dosadnu pozornost javnosti. Svoju domovinu iskreno je volio i nedostajao mu je, pitajući se nije li pogriješio što ju je napustio. Stalno se zanimao za sva događanja u Rusiji, čitao knjige, novine i časopise, financijski pomagao. Njegova posljednja djela - Simfonija br. 3 (1937.) i "Simfonijski plesovi" (1940.) plod su njegova stvaralačkog puta, utkavši sve ono najbolje od njegova jedinstvenog stila i žalosni osjećaj nenadoknadivog gubitka i čežnje za domovinom.

Citat S.V. Rahmanjinova:
“Osjećam se poput duha koji sam luta svijetom koji mi je stran.”
"Najviše visoka kvaliteta Svaka umjetnost je njena iskrenost."
"Veliki skladatelji uvijek su i prije svega obraćali pozornost na melodiju kao vodeće načelo u glazbi. Melodija je glazba, glavni temelj svake glazbe... Melodijska inventivnost, u najvišem smislu riječi, glavna je životni cilj skladatelj... Zbog toga su veliki skladatelji prošlosti pokazali toliko zanimanje za narodne melodije svojih zemalja."

Citat o S.V. Rahmanjinovu:
"Rahmanjinov je stvoren od čelika i zlata: Čelik je u njegovim rukama, zlato je u njegovom srcu. Ne mogu razmišljati o njemu bez suza. Ne samo da sam se divio velikom umjetniku, nego sam volio i osobu u njemu." I. Hoffman
"Rahmanjinovljeva glazba je Ocean. Njegovi valovi - glazbeni - počinju tako daleko iza horizonta, i podižu vas tako visoko i spuštaju tako polako... da osjećate tu Moć i Dah." A. Končalovskog

Zanimljiva činjenica: tijekom Velikog domovinskog rata Rahmanjinov je održao nekoliko dobrotvornih koncerata, prihod od kojih je poslao u Fond Crvene armije za borbu protiv nacističkih okupatora.

S.V. Rahmanjinov. Klavirski koncert br. 2

8. (1882-1971)
Igor Fedorovič Stravinski jedan je od najutjecajnijih svjetskih skladatelja 20. stoljeća, predvodnik neoklasicizma. Stravinski je postao "ogledalo" glazbene ere; njegovo djelo odražava mnogostrukost stilova koji se stalno presijecaju i teško ih je klasificirati. On slobodno kombinira žanrove, forme, stilove, birajući ih iz stoljeća glazbena povijest i podložna vlastitim pravilima.
Rođen u blizini Sankt Peterburga, studirao je na Pravnom fakultetu Sveučilišta u Sankt Peterburgu, samostalno proučavao glazbene discipline, uzimao privatne sate kod N. A. Rimskog-Korsakova, bila je to jedina skladateljska škola Stravinskog, zahvaljujući kojoj je do savršenstva ovladao skladateljskom tehnikom. Profesionalno se počeo baviti skladanjem relativno kasno, ali je njegov uspon bio brz - serija od tri baleta: “Žar ptica” (1910.), “Petruška” (1911.) i “Posvećenje proljeća” (1913.) odmah ga je dovela u red skladatelji prve veličine.
Godine 1914. napustio je Rusiju, kako se pokazalo, gotovo zauvijek (1962. bilo je turneja u SSSR-u). , prisiljen promijeniti nekoliko država - Rusiju, Švicarsku, Francusku, a završio je i život u SAD-u. Njegovo djelo podijeljeno je u tri razdoblja - “rusko”, “neoklasično”, američko “masovna proizvodnja”, razdoblja su podijeljena ne po vremenu njegova života u različite zemlje, već prema autorovom "rukopisu".
Stravinski je bio vrlo visoko obrazovana, društvena osoba, sa odličan osjećaj humor. Njegov krug poznanika i dopisnika uključivao je glazbenike, pjesnike, umjetnike, znanstvenike, poslovne ljude i državnike.
Posljednje najviše dostignuće Stravinskog - "Requiem" (Pogrebne himne) (1966.) upilo je i spojilo prijašnje umjetničko iskustvo skladatelja, postavši pravom apoteozom majstorova djela.
Jedna jedinstvena značajka ističe se u radu Stavinskog - "jedinstvenost", nije uzalud nazvan "skladateljem tisuću i jednog stila", stalna promjena žanra, stila, smjera radnje - svako njegovo djelo je jedinstveno, ali se stalno vraćao nacrtima u kojima se može vidjeti rusko podrijetlo, čuju se ruski korijeni.

Citat I. F. Stravinskog: "Cijeli život govorim ruski, imam ruski slog. Možda to nije odmah vidljivo u mojoj glazbi, ali je inherentno u njoj, to je u njenoj skrivenoj prirodi."

Citat o I. F. Stravinskom: “Stravinski je istinski ruski skladatelj... Ruski duh je neuništiv u srcu ovog istinski velikog, mnogostranog talenta, rođenog u ruskoj zemlji i s njom usko povezan...” D. Šostakovič

Zanimljivost (bajka):
Jednom u New Yorku, Stravinski je uzeo taksi i iznenadio se kada je pročitao svoje prezime na znaku.
-Jeste li skladateljev rođak? - upitao je vozača.
- Postoji li skladatelj s takvim prezimenom? - iznenadio se vozač. - Prvi put čujem. Međutim, Stravinski je ime vlasnika taksija. Nemam nikakve veze s glazbom - prezivam se Rossini...

I.F. Stravinskog. Suite "Žar ptica"

9. (1891—1953)

Sergej Sergejevič Prokofjev jedan je od najvećih ruskih skladatelja 20. stoljeća, pijanist i dirigent.
Rođen je u Donjecka regija, glazbom se bavi od djetinjstva. Prokofjev se može smatrati jednim od rijetkih (ako ne i jedinim) ruskim glazbenim “čudima”, od svoje 5. godine bavio se skladanjem, s 9 je napisao dvije opere (naravno, ta su djela još nezrela, ali pokazuju želju za stvaranjem), s 13 godina položio je ispite na Sanktpeterburškom konzervatoriju, među učiteljima mu je bio. Početak njegove profesionalne karijere izazvao je buru kritika i nerazumijevanja njegova individualnog, temeljno antiromantičarskog i krajnje modernističkog stila; paradoks je da je, rušeći akademske kanone, struktura njegovih skladbi ostala vjerna i potom postala sputivačem modernistički sveporicajući skepticizam. Od samog početka svoje karijere Prokofjev je puno nastupao i išao na turneje. Godine 1918. otišao je na međunarodnu turneju, uključujući i posjet SSSR-u, da bi se konačno vratio u domovinu 1936. godine.
Zemlja se promijenila i Prokofjevljevo "slobodno" stvaralaštvo bilo je prisiljeno popustiti pred realnošću novih zahtjeva. Prokofjevljev talent procvjetao je novom snagom - on piše opere, balete, glazbu za filmove - britak, jake volje, izuzetno točna glazba s novim slikama i idejama, postavio je temelje sovjetskoj klasičnoj glazbi i operi. 1948. dogodila su se tri tragična događaja gotovo istodobno: njegova prva supruga Španjolka uhićena je pod sumnjom za špijunažu i prognana u logore; izdana je rezolucija Polibiroa Centralnog komiteta Svesavezne komunističke partije boljševika u kojoj su Prokofjev, Šostakovič i drugi napadnuti i optuženi za “formalizam” i štetnost njihove glazbe; Došlo je do naglog pogoršanja skladateljevog zdravlja; povukao se u svoju daču i praktički je nije napustio, ali je nastavio skladati.
Jedno od najsjajnijih djela Sovjetsko razdoblje postale su opere "Rat i mir", "Priča o pravom čovjeku"; baleti “Romeo i Julija” i “Pepeljuga” koji su postali novi standard svjetske baletne glazbe; "Čuvar svijeta"; glazba za filmove "Aleksandar Nevski" i "Ivan Grozni"; simfonije br. 5,6,7; klavirska djela.
Djelo Prokofjeva zadivljuje svojom svestranošću i širinom tema; originalnost njegova glazbenog mišljenja, svježina i originalnost činili su cijelu eru u svjetskoj glazbenoj kulturi 20. stoljeća i izvršili snažan utjecaj na mnoge sovjetske i strane skladatelje.

Citat S. S. Prokofjeva:
„Može li umjetnik stajati po strani od života?.. Držim se uvjerenja da je skladatelj, poput pjesnika, kipara, slikara, pozvan služiti čovjeku i narodu... On je, prije svega, dužan biti građanin u svojoj umjetnosti, da veliča ljudski život i vodi ljude u svijetlu budućnost..."
"Ja sam manifestacija života, koja mi daje snagu da se oduprem svemu neduhovnom"

Citat o S. S. Prokofjevu: "... svi aspekti njegove glazbe su prekrasni. Ali postoji jedna potpuno neobična stvar ovdje. Očigledno, svi mi imamo neke neuspjehe, sumnje, samo Loše raspoloženje. I u takvim trenucima, čak i ako ne sviram ili slušam Prokofjeva, nego samo razmišljam o njemu, dobijem nevjerojatan naboj energije, osjećam veliku želju za životom i glumom.” E. Kissin

Zanimljivost: Prokofjev je jako volio šah i obogatio je igru ​​svojim idejama i postignućima, uključujući i šah “devet” koji je izmislio - ploču 24x24 s devet kompleta figura na njoj.

S. S. Prokofjev. Koncert br. 3 za klavir i orkestar

10. Dmitrij Dmitrijevič ŠOSTAKOVIČ (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič jedan je od najznačajnijih i najizvođenijih svjetskih skladatelja, njegov utjecaj na modernu klasičnu glazbu je nemjerljiv. Njegove kreacije su pravi izrazi unutarnja ljudska drama i kronika teških događaja 20. stoljeća, gdje se duboko osobno isprepliće s tragedijom čovjeka i čovječanstva, sa sudbinom rodne zemlje.
Rođen u Sankt Peterburgu, prvi satovi glazbe dobio od majke, diplomirao na Sanktpeterburškom konzervatoriju, po ulasku na koji ga je njegov rektor Aleksandar Glazunov usporedio s Mozartom - pa je sve zadivio svojom lijepom glazbeno pamćenje, istančan sluh i dar za kompoziciju. Već u ranim 20-ima, po završetku konzervatorija, Šostakovič je imao gomilu vlastitih djela i postao jedan od najbolji skladatelji zemljama. Svjetska slava došla je Šostakoviču nakon pobjede 1927. godine.
Do određenog razdoblja, naime prije produkcije opere "Lady Macbeth of Mtsensk", Šostakovič je djelovao kao slobodni umjetnik - "avangarda", eksperimentirajući sa stilovima i žanrovima. Teško rušenje ove opere, organizirano 1936., i represije 1937. označile su početak kasnije Šostakovičeve stalne unutarnje borbe da izrazi svoje stavove vlastitim sredstvima u uvjetima državnog nametanja trendova u umjetnosti. U njegovom su životu politika i stvaralaštvo vrlo tijesno isprepleteni, bio je hvaljen od vlasti i progonjen, obnašao je visoke dužnosti i s njih smjenjivan, on i njegova rodbina nagrađivani su i bili na rubu uhićenja.
Nježna, inteligentna, delikatna osoba, svoj oblik izražavanja stvaralačkih načela našao je u simfonijama, gdje je mogao što otvorenije govoriti istinu o vremenu. Od cjelokupnog Šostakovičevog opsežnog stvaralaštva u svim žanrovima, središnje mjesto zauzimaju simfonije (15 djela), a dramatično najintenzivnije su 5, 7, 8, 10, 15 simfonija, koje su postale vrhunac sovjetske simfonijske glazbe. U komornoj glazbi otkriva se sasvim drugačiji Šostakovič.
Unatoč činjenici da je sam Šostakovič bio “domaći” skladatelj i praktički nikada nije putovao u inozemstvo, njegova se glazba, humanistička u biti i istinski umjetnička po obliku, brzo i široko proširila svijetom i izvodili su je najbolji dirigenti. Veličine Šostakovičevog talenta toliko su goleme da potpuno shvaćanje ovog jedinstvenog fenomena svjetske umjetnosti tek predstoji.

Citat D. D. Šostakoviča: “Prava glazba je sposobna izraziti samo humane osjećaje, samo napredne humane ideje.”

D. Šostakovič. Simfonija br. 7 "Lenjingradska"

D. Šostakovič. Valcer br. 2

Emtext-align: justifynbsp; naslov=

Mnogi od nas uspjeli su doći iz 20. stoljeća u 21. bez vremenskog stroja. Kako kažu, živimo na spoju dva stoljeća. Stoga, kada govorimo o tome tko su moderni skladatelji i kojem stoljeću pripadaju, to moramo uzeti u obzir. Nedavno se modernost smatrala 20. stoljećem. Ali kada je došlo 21. stoljeće, prethodno stoljeće automatski je postalo prošlost.

Terminologija

Prije nego počnete govoriti o navedenoj temi, trebali biste se odlučiti za potrebnu terminologiju. Prvo, što je klasična glazba kao takva? Drugo, tko su moderni skladatelji? Zanimljivo mišljenje Stephena Fryja pomoći će vam da razumijete ove probleme. Njegove knjige o povijesti klasične glazbe toliko su divne da je ponekad nemoguće otrgnuti se od njih. Vrlo jasno i vrlo jasno definira postavljena pitanja.

Klasična glazba. Ako ovaj pojam promatramo u užem smislu riječi, postaje jasno da se odnosi na prilično kratko razdoblje klasicizma koje je dominiralo od 1750. do 1830. godine. U širem smislu, klasična glazba odnosi se na svaku ozbiljnu glazbu koja zahtijeva pažnju slušanja i određeni emocionalni napor.

Moderni skladatelji. Opće je prihvaćeno da je klasična glazba izdržala test vremena. Sukladno tome, kako može biti moderan? Određena metamorfoza dogodila se upravo kada smo ušli u 21. stoljeće, a 20. ostavili u prošlosti. Tako ispada da moderni klasični skladatelji pripadaju 20. stoljeću. Što onda s klasičnom glazbom u 21. stoljeću? Ovdje se misli da se koristi u širem smislu te riječi - kao ozbiljna glazba koja tjera na razmišljanje i zahtijeva neku vrstu emotivnog napora.

Veliki ruski skladatelji 20. stoljeća. Popis

Popis u nastavku nije kronološki, već abecedni. Naravno, moguće je izdvojiti ili istaknuti one posebno istaknute. No budući da su svi ovi pojedinci najsjajniji predstavnici svog stoljeća, slobodno ih se tako može nazvati - velikim modernim skladateljima 20. stoljeća. Nisu navedeni samo skladatelji rođeni na prijelazu u 20. stoljeće. Njihovi su radovi bili poznati već u tom razdoblju ili je njihovo stvaralaštvo procvalo u 20. stoljeću.

Strani skladatelji 20. stoljeća. Popis

Ruski skladatelji 21. stoljeća

Nemoguće je neke glazbene stvaraoce svrstati u određeno stoljeće. Uostalom, mnoga su djela modernih skladatelja objavljena i zaslužila su vrijednu pozornost kako u 20. stoljeću tako iu 21. To se posebno odnosi na živuće skladatelje koji su se u prošlom stoljeću uspjeli proslaviti svojim visokoumjetničkim stvaralaštvom i nastaviti skladati glazbu u sadašnjoj. Riječ je o Rodionu Konstantinoviču Ščedrinu, Sofiji Asgatovnoj Gubajdulini i drugima.

No, postoje i malo poznati ruski skladatelji 21. stoljeća koji su stvorili prekrasne skladbe, ali njihova imena nisu uspjela postati popularna.

• Batagov Anton.
• Bakši Aleksandar.
• Ekimovsky Victor.
• Karmanov Pavel.
• Korovicin Vladimir.
• Markelov Pavel.
• Martinov Vladimir.
• Pavlova Alla.
• Pekarski Mark.
• Savalov Jurij.
• Saveljev Jurij.
• Sergejeva Tatjana.

Ovaj popis može se značajno proširiti.

O suvremenim skladateljima

Pekarski Mark (r. 1940.). Proslavio se svojim ansamblom udaraljki. Atmosfera na njegovim koncertima je pogodna za smijeh, jer se skladatelj tijekom izvođenja glazbe (iu pauzama) zna dobro našaliti.

Martynov Vladimir (r. 1946.) - minimalistički skladatelj. Kombinira religioznost i "naprednost". Suvremeni majstor ozbiljne glazbe u stanju je prenijeti puno s minimalnim sredstvima.

Ekimovsky Victor (r. 1947.). Pozornost privlače njegova programska djela vedrih naslova. To su “B” (glazba napisana za flaute i fonogram), “Siamese Concerto” (namijenjen za dva klavira), “Sublimations” (za simfonijski orkestar), “27 Destructions” (za udaraljke) i mnogi drugi.

(r. 1951.). U njezinim djelima osjeća se utjecaj glazbe A. Skrjabina. Puno leta, vibracija, vatre. Drugi klavirski koncert plijeni pažnju slušatelja svojim dinamičnim razvojem i iznenadnim završetkom koji slušatelja odvodi u srednji vijek, a potom ga vraća u njega.

Alla Pavlova (r. 1952.) - emigrantska skladateljica. Trenutno živi u Americi. Njezina glazba je melodična i tužna i žalosna u isto vrijeme. Napisala je šest simfonija u molu, koje su čitave tragedije.

Kao što vidimo, glazba modernih skladatelja je raznolika, nevjerojatna i atraktivna. Mnogi kreatori vole eksperimente i traže nove forme. Među njima je Bakshi Alexander (r. 1952.). Među njegovim djelima posebno se ističe “Neodgovoreni poziv”, pisano za violinu, 6-7 Mobiteli i gudački orkestar.

Markelov Pavel (r. 1967.). Jedno od njegovih omiljenih područja je sakralna glazba. Napisao je simfonije za orkestar, sonate slobodnog stiha za glasovir i 20 simfonija za zvona.

Suvremeni skladatelji za djecu

Istaknuti predstavnici su Jurij Savalov, Vladimir Korovicin, Jurij Saveljev.

Jurij Savalov bio je talentiran skladatelj, izvrstan pedagog i izvrstan aranžer. S entuzijazmom je vodio orkestar u Dječjoj glazbenoj školi. Bio je i dobar izvođač. Svirao je klavijature i puhačke instrumente. Svako od njegovih devet klavirskih djela ima podnaslov: “Majka”, “Ispovijest”, “Vjetar lutanja”, “Nadahnuće”, “Bal u prinčevom dvorcu”, “Preludij”, “Marš”, “Valcer”, “Uspavanka”. ”. Svi su vrlo zanimljivi, raznoliki i lijepi.

Vladimir Korovicin rođen je 1955. Njegov opus sastoji se od glazbe napisane u raznim romansama, duhovnih djela pisanih za zbor, komorni i simfonijski orkestar. Za djecu je napisao zbirku dječjih pjesama „Raduj se suncu“ i „Dječji album“ za klavir. Predstave su izvrsna dopuna repertoaru učenika. Nazivi predstava točno odražavaju njihov karakter i raspoloženje: „Palčica“, „Drvene cipele“, „Varijacije seljaka s harmonikom“, „Emelja vozi na peći“, „Tužna princeza“, „Djevojačko kolo“ .

Pjesme za djecu

Dječje pjesme modernih skladatelja pune su optimizma i vedrine. Unatoč činjenici da su neki od njih stvoreni prije pola stoljeća, ostaju ne samo relevantni, već i prilično moderni. Najviše se smatraju V. Shainsky, I. Dunaevsky, D. Kabalevsky, G. Gladkov. S velikim zadovoljstvom slušamo njihove vesele i razigrane pjesme, pjevamo ih sami i zajedno s djecom.

Ne znaju svi da je G. Gladkov stvorio melodije iz popularnih filmova i crtića kao što su "Crvenkapica", "O Fedotu strijelcu", "Djeca kapetana Granta", "Po naredbi štuke", “Vrana od plastelina” i drugi.

Još jedan legendarni kreator moderne pjesme za djecu - V. Shainsky. Ima ih preko tri stotine. Dovoljno je poslušati “Plavu kočiju”, “Prasicu”, “Chunga-Changa”, “Antoshka” i mnoge druge da shvatite koliko je talentiran skladatelj.

Dakle, moderni skladatelji se smatraju ne samo živućim ili nedavno umrlim skladateljima 21. stoljeća, već i majstorima 20. stoljeća. Obojica su stvarali glazbu različitih žanrova i karakteristika, vrijednu pažnje slušatelja i muzikologa.

Melodije i pjesme ruskog naroda inspirirale su stvaralaštvo slavnih skladatelja druge polovice 19. stoljeća. Među njima su bili i P.I. Čajkovski, M.P. Musorgski, M.I. Glinka i A.P. Borodin. Njihovu tradiciju nastavila je cijela plejada izvrsnih glazbenih ličnosti. Ruski skladatelji 20. stoljeća i dalje su popularni.

Aleksandar Nikolajevič Skrjabin

Kreativnost A.N. Skrjabin (1872. - 1915.), ruski skladatelj i talentirani pijanist, pedagog i inovator, nikoga ne može ostaviti ravnodušnim. U njegovoj originalnoj i impulzivnoj glazbi ponekad se čuju mistični trenuci. Skladatelja privlači i privlači slika vatre. Čak iu naslovima svojih djela Skrjabin često ponavlja riječi kao što su vatra i svjetlost. Pokušao je pronaći mogućnost spoja zvuka i svjetla u svojim djelima.

Skladateljev otac Nikolaj Aleksandrovič Skrjabin bio je poznati ruski diplomat i aktivni državni savjetnik. Majka - Lyubov Petrovna Skryabina (rođena Shchetinina), bila je poznata kao vrlo talentirana pijanistica. Diplomirala je s pohvalama na Konzervatoriju u St. Nju profesionalna djelatnost započela je uspješno, ali je ubrzo nakon rođenja sina umrla od konzumacije. Godine 1878. Nikolaj Aleksandrovič je završio studije i dobio namještenje u ruskom poslanstvu u Carigradu. Odgoj budućeg skladatelja nastavila je njegova bliska rodbina - njegova baka Elizaveta Ivanovna, njezina sestra Maria Ivanovna i očeva sestra Lyubov Alexandrovna.

Unatoč činjenici da je u dobi od pet godina Scriabin savladao sviranje klavira, a nešto kasnije počeo učiti glazbene skladbe, prema obiteljskoj tradiciji dobio je vojno obrazovanje. Završio je 2. moskovski kadetski korpus. Paralelno je pohađao privatne satove klavira i glazbene teorije. Kasnije je upisao Moskovski konzervatorij i diplomirao s malom zlatnom medaljom.

Na početku svog stvaralaštva Skrjabin je svjesno slijedio Chopina i birao iste žanrove. Međutim, već se tada pojavio njegov vlastiti talent. Početkom 20. stoljeća napisao je tri simfonije, zatim “Poemu ekstaze” (1907.) i “Prometej” (1910.). Zanimljivo je da je skladatelj partituru Prometheus nadopunio laganim klavijaturskim dijelom. Prvi je upotrijebio laganu glazbu, čija je svrha otkrivanje glazbe metodom vizualne percepcije.

Skladateljeva nesretna smrt prekinula je njegov rad. Nikada nije ostvario svoj plan da stvori “Mystery” – simfoniju zvukova, boja, pokreta, mirisa. U ovom djelu Skrjabin je cijelom čovječanstvu želio ispričati svoje najskrovitije misli i nadahnuti ih da stvore novi svijet, obilježen sjedinjenjem Univerzalnog Duha i Materije. Njegovo najviše značajna djela bili samo predgovor ovom grandioznom projektu.

Poznati ruski skladatelj, pijanist, dirigent S.V. Rahmanjinov (1873. - 1943.) rođen je u imućnoj plemićkoj obitelji. Rahmanjinovljev djed bio je profesionalni glazbenik. Prve satove klavira dala mu je majka, a kasnije su pozvali učitelja glazbe A.D. Ornatskaja. Godine 1885. roditelji su ga poslali u privatni internat kod profesora Moskovskog konzervatorija N.S. Zverev. Red i disciplina u obrazovna ustanova imale su značajan utjecaj na formiranje budućeg karaktera skladatelja. Kasnije je diplomirao na Moskovskom konzervatoriju sa zlatnom medaljom. Još kao student Rahmanjinov je bio vrlo popularan među moskovskom publikom. Već je stvorio svoj “Prvi klavirski koncert”, kao i neke druge romanse i drame. A njegov “Preludij u cis-molu” postao je vrlo popularna skladba. Sjajni P.I. Čajkovski je skrenuo pozornost na diplomski rad Sergeja Rahmanjinova - operu "Oleko", koju je napisao pod dojmom pjesme A.S. Puškin "Cigani". Pjotr ​​Iljič ostvario je njegovu produkciju u Boljšoj teatru, pokušao je pomoći uvrštavanju ovog djela na repertoar kazališta, ali je neočekivano umro.

Od svoje dvadesete godine Rahmanjinov je predavao na nekoliko instituta i davao privatne sate. Na poziv poznatog filantropa, kazališnog i glazbenog umjetnika Savve Mamontova, skladatelj je u dobi od 24 godine postao drugi dirigent Moskovskog ruskog privatna opera. Tamo se sprijateljio s F.I. Šaljapin.

Rahmanjinovljeva karijera prekinuta je 15. ožujka 1897. zbog neprihvaćanja njegove inovativne Prve simfonije od petrogradske javnosti. Recenzije ovog djela bile su doista porazne. Ali skladateljevo najveće razočarenje bila je negativna recenzija koju je ostavio N.A. Rimski-Korsakov, čije je mišljenje Rahmanjinov iznimno cijenio. Nakon toga pao je u dugotrajnu depresiju iz koje se uspio izvući uz pomoć hipnotizera N.V. Dalia.

Godine 1901. Rahmanjinov je završio rad na Drugom klavirskom koncertu. I od tog trenutka započela je njegova aktivna kreativna aktivnost kao skladatelja i pijanista. Jedinstveni stil Rahmanjinova ujedinio je Ruse crkvene pjesme, romantizma i impresionizma. Melodiju je smatrao glavnim vodećim načelom u glazbi. Najveći izraz To je pronađeno u autorovom omiljenom djelu - pjesmi "Zvona", koju je napisao za orkestar, zbor i soliste.

Krajem 1917. Rahmanjinov i njegova obitelj napuštaju Rusiju, rade u Europi, a potom odlaze u Ameriku. Skladatelj je teško doživio raskid s domovinom. Tijekom Velikog domovinskog rata dao je humanitarni koncerti, čiji je prihod poslan u Fond Crvene armije.

Glazba Stravinskog ističe se stilskom raznolikošću. Na samom početku svog stvaralaštva temeljio se na rus glazbene tradicije. A onda se u djelima može čuti utjecaj neoklasicizma, karakterističnog za glazbu Francuske tog razdoblja i dodekafonije.

Igor Stravinski rođen je u Oranienbaumu (danas grad Lomonosov), 1882. Otac budućeg skladatelja Fjodora Ignatijeviča poznati je operni pjevač, jedan od solista Marijinskog kazališta. Njegova majka bila je pijanistica i pjevačica Anna Kirillovna Kholodovskaya. Od devete godine učitelji su mu davali satove klavira. Nakon završene srednje škole, na zahtjev roditelja, upisao je pravni fakultet sveučilišta. Dvije godine, od 1904. do 1906., pohađao je poduku kod N.A. Rimskog-Korsakova, pod čijim je vodstvom napisao svoja prva djela - scherzo, klavirsku sonatu i suitu "Faun i pastirica". Sergej Djagiljev visoko je cijenio talent skladatelja i ponudio mu suradnju. Rezultat zajedničkog rada bila su tri baleta (u postavi S. Diaghilev) - "Žar ptica", "Petruška", "Posvećenje proljeća".

Neposredno prije Prvog svjetskog rata skladatelj je otišao u Švicarsku, a zatim u Francusku. U svom radu dolazi novo razdoblje. Proučava glazbene stilove 18. stoljeća, piše operu Kralj Edip i glazbu za balet Apollo Musagete. Njegov autorski rukopis mijenjao se nekoliko puta tijekom vremena. Skladatelj je godinama živio u SAD-u. Njegov posljednji poznato djelo"Rekvijem". Posebnost skladatelja Stravinskog je sposobnost stalne promjene stilova, žanrova i glazbenih pravaca.

Skladatelj Prokofjev rođen je 1891. u malom selu u Jekaterinoslavskoj guberniji. Svijet glazbe otvorila mu je majka, vrsna pijanistica koja je često izvodila djela Chopina i Beethovena. Postala je prava glazbena mentorica za svog sina, a uz to ga je učila njemački i francuski.

Početkom 1900. mladi Prokofjev uspio je pohađati balet “Uspavana ljepotica” i poslušati opere “Faust” i “Knez Igor”. Dojam dobiven iz predstava moskovskih kazališta izražen je u vlastitu kreativnost. Napisuje operu "Div", a potom i uvertiru "Pustih obala". Roditelji ubrzo shvaćaju da ne mogu nastaviti podučavati sina glazbi. Uskoro se ambiciozni skladatelj, u dobi od jedanaest godina, upoznao s poznatim ruskim skladateljem i učiteljem S.I. Taneyev, koji je osobno zamolio R.M. Gliera raditi sa Sergejem glazbena kompozicija. S. Prokofjev je s 13 godina položio prijemni ispit za petrogradski konzervatorij. Na početku svoje karijere, skladatelj je puno obilazio i nastupao. Međutim, njegov je rad izazvao nerazumijevanje javnosti. To je bilo zbog značajki radova, koje su izražene u sljedećem:

• modernistički stil;
• rušenje utvrđenih glazbenih kanona;
• ekstravaganciju i domišljatost kompozicijskih tehnika

Godine 1918. odlazi S. Prokofjev i vraća se tek 1936. Već u SSSR-u piše glazbu za filmove, opere i balete. No nakon što je, zajedno s nizom drugih skladatelja, optužen za “formalizam”, praktički se preselio živjeti u zemlju, ali je nastavio pisati glazbena djela. Njegova opera “Rat i mir”, baleti “Romeo i Julija”, “Pepeljuga” postali su vlasništvo svjetske kulture.

Ruski skladatelji 20. stoljeća, koji su živjeli na prijelazu stoljeća, ne samo da su sačuvali tradiciju prethodne generacije kreativna inteligencija, ali i stvorili svoju jedinstvenu umjetnost, kojoj su uzori ostali radovi P.I. Čajkovski, M.I. Glinka, N.A. Rimski-Korsakov.