Francuski skladatelj Jean-Philippe Rameau: biografija, kreativnost i zanimljive činjenice. Francuski skladatelj Paul Mauriat

Najbuntovnija skupina pokazala se skupina mladih ljudi nastala na samom kraju Prvog svjetskog rata. Po analogiji s ruskom "Petoricom", odnosno " silna hrpa“, Dobila je ime „Šesterki“, koje joj je 1920. dodijelio novinar A. Kolle. U njemu su bili: Darius Milhaud, Arthur Honegger, Georges Auric, Francis Poulenc, Louis Duray i Germain Taifer (trebali su im se pridružiti prijatelji i istomišljenici Šestorice, Jacques Iber, Jean Viener i Alexis Roland-Manuel). Glasnik te nove skupine bio je pjesnik, publicist, dramatičar, scenarist, umjetnik i glazbeni amater Jean Cocteau, čiji je pamflet Pijetao i Harlekin (1918.) stekao umjetničko značenje.

Stav "šestorice" skladatelja: afirmacija francuske glazbe, pozivanje na ideale francuski klasicizam, na profinjenu glazbu čembalista J. Rama, F. Couperina, težnju i inovativnost. Usredotočite se na obnovu glazbeni jezik temeljen na nacionalnim tradicijama kroz svakodnevnu glazbu; rad u složenim sintetičkim žanrovima (kazalište, balet, kino, cirkus); implementacija značajki neoklasicizma, ekspresionizma, urbanizma - pokušaj odražavanja ritma, buke velikog grada.

Tipični radovi: F. Poulenc "Jutarnja serenada", "Crnačka rapsodija", J. Auric "fokstrot", J. Iber "Mali bijeli magarac", D. Millau "Plavi ekspres", "Bik na krovu", "Brazilski plesovi".

Arthur Honegger(1899. - 1965.) - najznačajniji od "šestorice" skladatelja. "Pacific 231" (1923.) - skladba mladog Honeggera. Onomatopeja kretanja lokomotive. Ozbiljnost teme u kasnijem stvaralaštvu skladatelja: oratoriji "Kralj David", "Ivana Orleanska na lomači", pet simfonija. Odraz tema Drugog svjetskog rata i obrane mira u simfonijama treća (1946.) i peta (1950.) Blizina simfonija D. Šostakoviča Tragični sadržaj Simfonije br. -dio ciklusa:

1. dio - spor, grub, sumoran s intenzivnom disonantnom glazbom;

2 dio - tragičko-groteskni scherzo;

3. dio - brzo finale, ispunjeno osjećajem bijesa, užasa s koračnom oporbenom temom i melodičnom melodijom širokih poteza.

Eric Satie(17.5.1866. - 1.7.1925.) - francuski skladatelj. Godine 1883. upisao je Pariški konzervatorij u razred A. Gilmana (orgulje), ali ga je godinu dana kasnije napustio. Neko je vrijeme radio kao pijanist u kabareu na Montmartreu. Baveći se samostalno skladanjem, počeo je pisati klavirska djela, kao i glazbu za kazališne predstave. Tek u dobi od 40 godina Sati se odlučuje ozbiljno baviti kompozicijom i ulazi u Scholu Cantorum, gdje su mu učitelji bili V. d "Andy i A. Roussel. Zahvaljujući Satijevu originalnom i samostalnom umjetničkom mišljenju, Sati je oko sebe ujedinio niz mladi glazbenici koji su simpatizirali antiwagnerov pokret u francuskoj umjetnosti. estetski pogledi mnogi francuski skladatelji prve četvrtine 20. stoljeća. Satijeva djela prepuna su oštrih harmonija, odlikuju se originalnim ritmom i neobičnim oblikom. Duh groteske i zlonamjerne ironije sugerirali su Satiju ekscentrične naslove mnogih njegovih klavirskih djela: "Osušeni embriji", "Tri komada u obliku kruške", "Trzavi komadi", "Automatski opisi", "Vječni i Instant Clocks“, „Cold Pieces“ i pl. i dr. Najpoznatija Satiejeva djela uključuju glasovirske skladbe "Gymnopedia" (1888; orkestrirao Debussy). Djagiljev je za svoju trupu naručio Satiejev balet "Parada" (u stvaranju baleta sudjelovali su G. Cocteau, Myasin i Picasso), u čiju partituru je skladatelj uveo zviždaljke lokomotive, pisaće strojeve itd.

OPERA BORIS GODUNOV

Opera u četiri čina s prologom; libreto Musorgskog prema istoimenoj tragediji A. S. Puškina i "Povijest ruske države" N. M. Karamzina. Prva proizvodnja: Petersburg, Opera Mariinskii, 27. siječnja 1874. godine. Radnja se odvija u Moskvi 1598-1605.

Ideju da napiše operu prema zapletu Puškinove povijesne tragedije Boris Godunov (1825.) Musorgskom je predložio njegov prijatelj, istaknuti povjesničar, profesor VV Nikolski. Musorgski je bio iznimno fasciniran mogućnošću da prevede temu odnosa između cara i naroda, koja je bila izrazito aktualna za njegovo vrijeme, da narod dovede kao glavni lik u operi.

Rad, započet u listopadu 1868., nastavio je s golemim kreativnim poletom. Mjesec i pol kasnije prvi čin je već bio spreman. Skladatelj je sam napisao libreto opere, oslanjajući se na materijale iz "Povijesti ruske države" N. M. Karamzina i drugih povijesnih dokumenata. Kako je skladba odmicala, pojedini prizori su se izvodili u krugu "kučkista" koji su se okupljali ili kod A. S. Dargomyzhskog ili kod Glinkine sestre, L. I. Šestakove. "Radost, divljenje, divljenje bili su univerzalni", prisjetio se V. V. Stasov.

Krajem 1869. opera "Boris Godunov" dovršena je i predstavljena kazališnom odboru. Ali njezini su članovi, obeshrabreni ideološkom i umjetničkom novošću opere, odbili djelo pod izlikom nepostojanja dobitnika ženska uloga. Skladatelj je napravio niz promjena, dodao je poljsku točku i scenu u blizini Kromyja. Međutim, ni drugo izdanje "Borisa", dovršeno u proljeće 1872., ravnateljstvo carskih kazališta nije prihvatilo.

"Boris" je postavljen samo zahvaljujući energičnoj potpori naprednih umjetničkih snaga, posebice pjevačice Yu. F. Platonove, koja je operu odabrala za svoju dobrotvornu izvedbu. Premijera je održana 27. siječnja (8. veljače) 1874. u Marijinskom kazalištu. Demokratska javnost je "Borisa" dočekala s oduševljenjem. Reakcionarna kritika i društvo plemstva i posjednika oštro su negativno reagirali na operu. Ubrzo se opera počinje davati proizvoljnim skraćenjima, da bi 1882. bila posve skinuta s repertoara.

"Boris Godunov" je narodna glazbena drama, višestruka slika epohe, upečatljiva Shakespeareovskom širinom i smjelošću kontrasta. Likovi su prikazani s iznimnom dubinom i psihološkom pronicljivošću. Tragedija usamljenosti i propasti cara otkriva se nevjerojatnom snagom, buntovni, buntovni duh ruskog naroda inovativno je utjelovljen.

Prolog se sastoji od dvije slike. Orkestarski uvod u prvi izražava tugu i tragično beznađe. Pripjev "Kome nas ostavljaš" srodan je tugaljivim narodnim tužbalicama. Apel činovnika Ščelkalova "Pravoslavni! Neumoljivi boljar!" prožet veličanstvenom svečanošću i suzdržanom tugom.

Druga slika prologa je monumentalna koralna scena kojoj prethodi zvonjava zvona. Svečana maestrala Borisu “Već ko na nebu rumeno sunce” temelji se – na pravom narodnom napjevu. U središtu slike je Borisov monolog "Jadi duše", u čijoj se glazbi kraljevska veličina spaja s tragičnom propašću.

Prvi prizor prvog čina otvara se kratkim orkestralnim uvodom; glazba prenosi monotono škripanje kroničareva pera u tišini osamljene ćelije. Odmjeren i strogo miran Pimenov govor (monolog "Još jedna, posljednja priča") ocrtava strog i dostojanstven izgled starca. ohol, jak karakter osjetio u svojoj priči o moskovskim kraljevima. Grgur je prikazan kao neuravnotežen, gorljiv mladić.

Druga slika prvog čina sadrži sočne domaće scene. Među njima su pjesme krčmarice "Uhvatih sivog zmaja" i Varlaamova "Kako je bilo u gradu u Kazanu" (na narodne riječi); potonji je zasićen elementarna sila i izbrisati.

Drugi čin široko ocrtava sliku Borisa Godunova. Veliki monolog „Stigao sam vrhovnu vlast"prožet je nemirnim tugaljivim osjećajem, uznemirujućim kontrastima. Borisov duševni nesklad eskalira u razgovoru sa Šujskim, čiji govori zvuče insinuirajuće i licemjerno, a do krajnjih granica dolazi u završnoj sceni halucinacija ("scena sa zvonima").

Prva slika trećeg čina otvara se elegantno gracioznim zborom djevojaka "Na azurnoj Visli". Marinina arija "Kako tromo i tromo", uzdržana u ritmu mazurke, oslikava portret arogantne aristokratkinje.

Orkestarski uvod u drugu scenu prikazuje večernji krajolik. Melodije Pretendentove ljubavne ispovijesti romantično su uzburkane. Scena Pretendenta i Marine, izgrađena na oštrim kontrastima i hirovitim promjenama raspoloženja, završava duetom punim strasti "O careviću, molim te".

Prva slika četvrtog čina je dramski narodni prizor. Iz žalobnog jecaja pjesme Svete lude “Mjesec jaše, mačić plače” izrasta zbor “Kruha!”, nevjerojatan po snazi ​​tragedije.

Druga slika četvrtog čina završava psihološki oštrom scenom Borisove smrti. Njegov posljednji monolog "Zbogom sine moj!" slikano tragično prosvijetljenim, pacificiranim tonovima.

Treća slika četvrtog čina monumentalna je pučka scena izuzetna po obimu i snazi. Podrugljivo i prijeteće zvuči početni zbor "Ne leti preko neba" (na izvornu narodnu melodiju pohvalne pjesme). Na melodiju se temelji pjesma Varlaama i Misaila "Sunce, mjesec uveo". narodni ep. Vrhunac slike je buntovni zbor "Razlijeto, razbistrilo", pun spontanog, neukrotivog veselja. Srednji dio zbora "O ti, silo" je zamašna melodija ruske plesne pjesme koja, razvijajući se, dovodi do zastrašujućih, ljutitih uzvika "Smrt Borisu!". Opera završava svečanim ulaskom Pretendenta i naricanjem Svete lude.

OPERA RUSLAN I LJUDMILA

Opera u pet činova; libreto skladatelja i V. Širkova istoimena pjesma A. S. Puškin.
Prva produkcija: Petersburg, 27. studenog 1842. Radnja se odvija u Kijevu i vilinskim zemljama za vrijeme Kijevske Rusije.

“Prvu misao o Ruslanu i Ljudmili dao mi je naš poznati komičarŠahovski.

Skladatelj je počeo raditi na operi 1837. godine, bez još gotovog libreta. Zbog Puškinove smrti, bio je prisiljen obratiti se manjim pjesnicima i amaterima među prijateljima i poznanicima. Među njima su bili N. V. Kukolnik (1809-1868), V. F. Shirkov (1805-1856), N. A. Markevich (1804-1860) i drugi.

Tekst opere uključivao je neke fragmente pjesme, ali općenito je napisan iznova. Glinka i njegovi libretisti unijeli su brojne izmjene u glumci. Neki su likovi nestali (Rogdai), drugi su se pojavili (Gorislava); pretrpjeli su neke promjene i priče pjesme. Ideja opere uvelike se razlikuje od književnog izvora.

Briljantna Puškinova mladenačka pjesma (1820), temeljena na temama ruskog bajkovitog epa, ima značajke lagane ironije i razigranog odnosa prema likovima. Glinka je odlučno odbio takvo tumačenje radnje. Stvorio je djelo epskog opsega, puno velikih misli, širokih životnih generalizacija.

U operi se pjeva o junaštvu, plemenitosti osjećaja, vjernosti u ljubavi, ismijava se kukavičluk, osuđuje prijevara, zloba i okrutnost. Skladatelj kroz cijelo djelo provlači misao o pobjedi svjetla nad tamom, o pobjedi života.

Operu je Glinka pisao pet godina s dugim prekidima: dovršena je 1842. Premijera je održana 27. studenoga (9. prosinca) iste godine na pozornici Boljšoj teatar U Petersburgu.

Ruslan i Ljudmila je epska opera. Monumentalne slike Kijevske Rusije, legendarni likovi velikog kneza Svetozara, heroja Ruslana, proročkog narodnog pjevača Bayana uvode slušatelja u atmosferu drevna vremena, rađaju ideju o ljepoti i veličini narodni život. značajno mjesto opera je okupirana fantastičnim slikama kraljevstva Chernomor, dvorca Naina, čija je glazba obdarena istočnjački okus. Glavni sukob - sraz sila dobra i zla - ogleda se u glazbi opere zbog reljefne opozicije glazbene karakteristike glumci. Vokalne dionice dobrota, folklorne scene pune su pjesama. Negativni likovi su ili lišeni glasovne karakteristike(Chernomor), ili ocrtano uz pomoć recitativnog "govornika" (Naina). Epsko skladište naglašeno je obiljem zborskih masovnih scena i neužurbanim razvojem radnje, kao u epskom pripovijedanju.

Ideja djela - trijumf svijetlih sila života - otkriva se već u uvertiri, u kojoj se koristi slavna glazba finala opere. U središnjem dijelu uvertire javljaju se tajanstveni, fantastični zvuci.

Prvi čin impresionira širinom i monumentalnošću glazbeno utjelovljenje. Čin počinje uvodom koji uključuje niz brojeva. Bayanova pjesma "Slučajevi prošlih dana", praćena harfama koje oponašaju harfu, održava se u odmjerenom ritmu, punom veličanstvene smirenosti. Druga Bayanova pjesma "Ima pustinja zemlja" ima lirski karakter. Uvod završava snažnim čestitarskim zborom »Svijetlomu Knezu i zdravlje i slava«. Ljudmilina kavatina „Tužna sam, mili roditelju“ - razvijena scena sa zborom - odražava različita raspoloženja djevojke, razigrane i graciozne, ali sposobne za veliko iskreno osjećanje. Zbor "Lel tajanstveni, opojni" uskrsava duh drevnih poganskih pjesama. Scena otmice počinje oštrim akordima orkestra; glazba poprima fantastičan, tmuran okus, što je sačuvano iu kanonu “What a beautiful moment” koji prenosi stanje ošamućenosti koje je sve obuzelo. Čin okrunjuje kvartet sa zborom “Oj viteže, nego na pusto polje”, pun hrabre odlučnosti.

Drugi čin, koji se sastoji od tri prizora, započinje simfonijskim uvodom koji prikazuje surov, tajanstven sjeverni krajolik, obavijen budnom tišinom.

Na prvoj slici Finnova balada zauzima središnje mjesto; njezina glazba stvara plemenitu sliku, punu duboke ljudskosti i moralne ljepote.

Druga slika je suprotna od prve. Pojava Naine ocrtana je bodljikavim ritmovima kratkih orkestralnih fraza, hladnih instrumentalnih tonova. Dobro naciljan komični portret likujući kukavice uhvaćen je u Farlafovom rondu "Bliži se čas mog trijumfa".

U središtu treće slike je Ruslanova veličanstvena glazbena arija; njezin polagani uvod "O polje, polje, koje te mrtvim kostima posulo" odaje ugođaj duboke, koncentrirane meditacije; drugi dio, u brzom energičnom pokretu, obdaren je junačkim značajkama.

Treći čin najraznovrsniji je po boji i slikovitosti glazbe. Izmjenični zborovi, plesovi, solo točke oslikavaju atmosferu Naina čarobnog dvorca. Gibka melodija perzijskog zbora “Noć mrak pada u polje” zvuči dražesno zavodljivo, prožeto slatkom klonulošću. Cavatina Gorislava "Luxury Star of Love" puna je vrućih, strastvenih osjećaja. Ratmirova arija "A žega i žega zamijeni noć sjenom" zapažena je naglašenim orijentalnim prizvukom: hirovita melodija spore dionice i gipki valcerski ritam brze ocrtavaju gorljivu narav hazarskog viteza.

Četvrti čin odlikuje se bujnom dekorativnošću, svjetlinom neočekivanih kontrasta. Ljudmilina arija “Oh, dijeliš, dijeliš” - detaljna monološka scena; duboka tuga prelazi u odlučnost, ogorčenje i protest. Černomorski marš daje sliku bizarne povorke; uglasta melodija, prodorni zvuci svirala, treperavi zvuci zvona stvaraju grotesknu sliku zlog čarobnjaka. Prati se marš istočnjački ples: turski - uglađen i trom, arapski - pokretljiv i hrabar; plesna suita završava vatrenom, vihornom lezginkom.

U petom činu postoje dvije scene. U središtu prve je Ratmirova romansa “Ona je moj život, ona je moja radost”, prožeta blaženstvom i strašću.

Druga scena je finale opere. Strogi, žalosni zbor "Oj ti, svjetlo-Ljudmila" blizak je narodnim tužaljkama. Drugi potez “Ptica se jutrom ne probudi” obojen je tugom koju prekidaju žalobne Svetozareve opaske. Glazbu prizora buđenja raspiruje jutarnja svježina, poezija procvata života; melodiju punu živog, drhtavog osjećaja („Radost, jasna sreća“) pjeva Ruslan; Pridružuje mu se Ljudmila, a zatim i ostali sudionici i zbor. Završni zbor (“Slava velikim bogovima”) zvuči radosno, lagano i veselo (uvertira).

OPERA KNEZ IGOR

Opera u četiri čina s prologom; libreto skladatelja prema ruskoj epskoj pjesmi "Priča o Igorovom pohodu". Praizvedba: Sankt Peterburg, Marijinski teatar, 23. listopada 1890., režija K. Kuchera.

Radnja se odvija: u prologu, u prvom i četvrtom činu - u gradu Putivlu, u drugom i trećem činu - u taboru Polovaca 1185. godine.

Sve je nevjerojatno u knezu Igoru. Prvo, naravno, odlična glazba. Drugo, činjenica da je operu skladala osoba čije se profesionalno zanimanje nije bavila glazbom, već kemijom (AP Borodin bio je akademski kemičar). Treće, mnogo toga u operi, iako ju je skladao Borodin, nije on zapisao i orkestrirao; operu su dovršili skladateljevi prijatelji N. A. Rimski-Korsakov, A. K. Glazunov i A. K. Ljadov.

Uvertiru, iako ju je skladao A. P. Borodin, on nije stavio na papir. Snimljena je, dovršena i orkestrirana nakon njegove smrti i po sjećanju A. K. Glazunova, koji ju je mnogo puta čuo kako je na klaviru izvodi sam autor. Četvrto, svi su ti skladatelji često radili u tako bliskom kontaktu jedni s drugima da je gotovo nemoguće odrediti što je u Knezu Igoru napisano jednom, a što drugom rukom; drugim riječima, glazbeni stil opere predstavlja nešto umjetnički apsolutno cjelovito.

U travnju 1869. V. V. Stasov ponudio je Borodinu prekrasan spomenik kao zaplet za operu. staroruska književnost"Priča o Igorovom pohodu" (1185-1187). Prema skladatelju, radnja mu se "strašno svidjela". Kako bi dublje ušao u duh antike, Borodin je posjetio okolicu Putivlja (kod Kurska), proučavao povijesni izvori: kronike, stare priče ("Zadonščina", " Masakr u Mamajevu“), studije o Polovcima, glazbi njihovih potomaka, epovima i epskim pjesmama. Skladatelju je veliku pomoć pružio V. V. Stasov, najveći poznavatelj ruske povijesti i antičke književnosti.

Tekst i glazba "Igora" nastajali su istovremeno. Opera je nastajala 18 godina, ali nije dovršena. Nakon Borodinove smrti, A. K. Glazunov obnovio je uvertiru po sjećanju i dovršio nedostajuće epizode opere na temelju autorovih skica, dok je N. A. Rimski-Korsakov veći dio instrumentirao. Praizvedba je doživjela veliki uspjeh 23. listopada (4. studenoga) 1890. u Petrogradu, na pozornici Marijinskog teatra.

"Knez Igor" - narodno-epska opera. Epsko skladište "Igora" očituje se u junačkom glazbene slike, u mjerilu oblika, u ležernom, kao u epici, tijeku radnje.

U velikoj uvertiri temeljenoj na melodijama opere suprotstavljene su slike Rusa i Polovaca. Srednja epizoda daje sliku žestoke borbe.

Moćni pripjev prologa "Slava crvenom suncu" (na izvorni tekst iz Lay) srodan je grubim, veličanstveno strogim melodijama starih epskih pjesama. Ovaj je zbor uokviren zlokobnom orkestralnom slikom pomrčine i recitativnom scenom u kojoj su prikazani preplašeni bojari, zabrinuta, puna ljubavi Jaroslavna, grubi Galicki i hrabro nepopustljivi Igor.

Glazba prve slike (prvi čin), sa svojim bezobzirnim, buntovnim karakterom, oštro je u kontrastu s raspoloženjem prologa. Pjesma Galitskog "If only I could wait for honor" nalikuje brzom plesu. U djevojačkom zboru "Oj, poletno" suptilno su reproducirane osobitosti žalobnih narodnih tužbalica. Gruba komična pjesma lakrdijaša "Što je s princom i Volodimirom" zvuči lažljivo važno.

Na drugoj slici reljefno je ocrtana slika šarmantno ženstvene, ali snažne Jaroslavne. U ariozu »Mnogo je vremena prošlo od tada« do izražaja dolazi njezina čežnja i tjeskobne slutnje; čedno suzdržana, stroge naravi, glazba postupno dobiva strastveno uzbuđen karakter. Nadalje, radnja se dramatizira, a najveću napetost postiže u sceni Jaroslavne s bojarima. Zborovi bojara "Hrabro, princezo" i "Mi, princezo, nismo prvi put" puni su grube, strašne snage.

Drugi čin posvećen je slikama polovcanskog logora. U Končakovninoj kavatini "Danje svjetlo blijedi" čuju se ljubavni zvici, strastvena čežnja, čulno blaženstvo. Poeziju mladenačke ljubavi, čar raskošne južne noći raspiruje Vladimirova kavatina „Polako se gasio dan“. Igorova arija "Nema sna, nema odmora" - višestruki portret protagonista; Ovdje su uhvaćene tužne misli o sudbini domovine, i strastvena žeđ za slobodom, i osjećaj ljubavi prema Jaroslavlju. Kan Končak u svojoj ariji “Je li zdrav, kneže” djeluje dominantno, okrutno i velikodušno. Čin završava blistavo šarenim scenama plesa, uz pratnju zbora. U kontrastu se izmjenjuju lagani ženski ples, neobuzdani muški pun elementarne snage i brzi, lagani ples dječaka. Postupno, sve grupe su uključene u nasilan temperamentan vihorni ples.

U trećem činu (taj se čin obično prikazuje u produkcijama) u prikazu Polovaca dolazi do izražaja borbenost i okrutnost.

U četvrtom činu glazba se razvija od žalosti do sveopćeg likovanja. Duboka, neizbježna tuga čuje se u ariozu Jaroslavne "Oh, plačem", bliskom narodnim tužaljkama. Ariozo rezultira narodnom tužbalicom - zborom seljana "Oj, ne zavijaše siloviti vjetar", koja zvuči kao prava ruska otegnuta pjesma. Svečani i svečani završni zbor „Da se zna, uslišao je Gospodin molitve“.

Paul Mauriat ... Pri samom izgovoru njegovog imena, glazba počinje zvučati u sjećanju ... francuski kompozitor, jedan od najveći majstori XX. stoljeća, rođen je u Marseilleu 1925. u obitelji glazbenika, a s 10 godina bez oklijevanja je upisao konzervatorij. Omiljeni stil glazbe bio mu je jazz, ali u isto vrijeme bio je fasciniran klasične simfonije, što ga je inspiriralo da stvori vlastiti orkestar - Paul je već sa 17 godina održavao koncerte. Kad je druga Svjetski rat, svirao je diljem Francuske dajući ljudima nadu u mirnu budućnost.

Nakon rata zapazila ga je sjevernoamerička tvrtka "A&R", što znači "Artists and Repertoire", ponudivši mu da postane korepetitor u raznim emisijama. Bio je to prvi korak prema slavi i priznanju - Pariz je otvorio svoje ruke mladom skladatelju, zakonodavcu ne samo mode, već i svjetske glazbe. Tamo je francuski skladatelj Paul Mauriat postao aranžer za veličanstvenog šansonijera. poslijeratno desetljeće mladi glazbenik bio je glazbeni direktor slavnih osoba kao što su Maurice Chevalier, Dalida, Escudiero, Aznavour, Henry Salvador - nebrojene turneje, koncerti, snimanja... Kasnije, kasnih 60-ih i ranih 70-ih, pisati će za Mireille Mathieu.

Godine 1957. francuski skladatelj Paul Mauriat objavio je svoj premijerni album za kojim je vladala velika potražnja. Naziv ploče bio je prilično jednostavan - "Paul Mauriat". Sljedeća 1958. godina donijela mu je nagradu na festivalu Zlatni pijetao šansone za pjesmu "Rendez-vos au lavandou".

Godine 1964. izlazi album "Paul Mauriat and His Orchestra". Paul Mauriat počinje koristiti pseudonime - Niko Popadopoulos, Richard Audrey, Eduardo Rouault i mnogi mnogi drugi. Vjerovao je da će to pomoći boljem razumijevanju međunarodnog karaktera njegova djela, i nije izgubio - svjetska slava mu je došla.

Paralelno je skladao soundtrackove - glazbu za filmove, od kojih su neki "Taxi to Tobruk", "Blow Up the Bank", "Horace 62", "The Godfather". Početkom 90-ih izdao je soundtrack za film "Glumi, sestro!", Koji su tada počeli ponovno snimati poznati umjetnici svijeta i poznat je do danas. Paul Mauriat razvio je vlastiti stil, koji je postao jedinstven u svojoj širini i rasponu - bila je to neobična, lagana, svijetla i nezaboravna glazba.

Paul Mauriat ušao je u Top 100 prema jednom od američkih časopisa kao prvi francuski instrumentalni umjetnik. Glavnu ulogu u svojim djelima dao je gudaču - najsloženiji staccato i legato, virtuozno sviranje violončelista i eksperimenti s aranžmanima dali su njegovoj glazbi neopisiv "francuski" šarm, iako su njegova djela odavno izašla iz ograničenih glazbenih okvira. . Njegov pristup nisu cijenili samo francuski skladatelji - koristio je različite zemlje.

Francuski skladatelj Paul Mauriat nagrađen je "Zlatnim diskom" u Francuskoj, titulom Commander of the Arts i priznanjem na međunarodnoj razini: njegova se glazba čula u svim vrstama reklama, programa (u SSSR-u poznati "In Animal Svijet" i "Kinopanorama"), serije.

Godine 1998. Moriah se povukao sa pozornice, održavši svoj posljednji koncert u Osaki. A 2006. godine, u 81. godini života, na jugu Francuske u gradu Perpignanu, u svom domu, preminuo je francuski skladatelj Paul Mauriat. Iako je pridonio neprocjenjiv doprinos u glazbi, suvremenici i bliski prijatelji pamtili su ga kao suzdržanog, skromnog, prijateljski raspoloženog najvećeg skladatelja.

Tradicije francuske glazbene kulture počele su se postavljati još prije 15. stoljeća. Pouzdano se zna da je na njega uvelike utjecala kultura germanskih i keltskih plemena koja su živjela na današnjem teritoriju Francuske. Razvoj glazbe u ovoj zemlji odvijao se u interakciji sa stvaralaštvom naroda susjednih zemalja - Talijana i Nijemaca. Zato se francuska glazbena baština pokazala tako šarenom i raznolikom.

podrijetla

U početku je u Francuskoj u prvi plan došla narodna glazba bez koje obični ljudi nisu mogli zamisliti svoje postojanje. S dolaskom kršćanstva rođen je crkvena glazba koji se postupno počeo mijenjati pod utjecajem naroda.

Najpoznatiji skladatelj liturgija toga doba zove se Ilarije iz pokrajine Poitiers. Živio je u 3. stoljeću i bio je najpametniji teolog i učitelj crkve.

Oko 10. stoljeća svjetovna je glazba počela dobivati ​​popularnost. Izvodi se na feudalnim dvorovima, na trgovima velikih gradova, u samostanima. Od instrumenata tu su bubanj, flauta, tambura, lutnja.

12. stoljeće obilježeno je otkrićem glazbena škola u Notre Dameu, veliki pariška katedrala. Njegovi su skladatelji postali tvorci novih glazbenih žanrova (dirigiranje, motet).

U 13. stoljeću najistaknutiji glazbenik bio je Adam de la Alle, koji je ponovno promislio rad trubadura, ustupivši mjesto pravoj glazbenoj umjetnosti. Njegovo najzanimljivije ostvarenje je "Igra Robina i Marion". Postao je autor poezije i glazbe za ovu predstavu koja je uspješno postavljena na dvoru grofa Artoisa.

Ars nova - smjer europske glazbe, koji je razvijen u Francuskoj, postao je utjelovljenje novih ideja glazbenika. Francuski skladatelji Guillaume de Machaux i Philippe de Vitry postali su glavni teoretičari ovog razdoblja. De Vitry je napisao glazbenu pratnju pjesme "The Romance of Fauvel", de Machaux je postao autor "Mise Notre Dame". Ovo je prvo djelo koje je napisao jedan skladatelj, a ne u suradnji s nekim drugim.

renesanse

Od sredine 15. do druge polovice 16.st francuska glazba razvija se pod utjecajem nizozemske škole i takvih unutarnjih političkih promjena kao što su rat za ujedinjenje Francuske, uspostava centralizirana država uspon buržoazije.

Pod utjecajem skladatelja kao što su Gilles Benchois, Josquin Despres, Orlando di Lasso, formira se novi sloj u glazbenoj umjetnosti Francuske. Kraljevski dvor ne stoji po strani. Tu se pojavljuju kapele i odobravaju mjesto glavnog intendanta glazbe. Prvi je bio talijanski violinist Baltazarini di Belgioiso.

Procvat nacionalne glazbene kulture pada na 16. stoljeće, kada se ističe kao žanr šansone, značajnu ulogu dobivaju glazba za orgulje. Jean Titluz postao je utemeljitelj i ideolog ovog smjera.

Bilo je rašireno stvaralaštvo hugenota, koje je zbog vjerskih sukoba potisnuto u drugi plan. Francuski skladatelji, najveći predstavnici ovog sloja, Claude Goudimel i Claude Lejeune postali su autori stotina psalama. Obojica su stradali tijekom Bartolomejske noći.

17. stoljeće

Glazba ovog stoljeća razvijala se pod utjecajem ustaljenih apsolutna monarhija. Dvorski život pod Lujem XV. bio je poznat po raskoši i obilju. Stoga ne čudi što, među ostalim zabavama, takva glavni žanrovi poput opere i baleta.

Kardinal Mazarin zalagao se za razvoj sofisticirane umjetnosti. Njegovo talijansko porijeklo bilo je razlog popularizacije kulture ove zemlje u Francuskoj. Prvi pokušaji stvaranja nacionalne opere pripadaju Elisabeth Jacquet de la Guerre, koja je napisala "Kefala i Procris" 1694. godine.

Otvoren 1671. Royal Operno kazalište dao zemlji divne skladatelje. Marc-Antoine Charpentier stvorio je stotine djela, uključujući opere Orfejev silazak u pakao, Medeja i Pariški sud. Andre Kampra autor je opere-baleta "Galantna Europa", "Karneval u Veneciji", glazbenih tragedija "Ifigenija u Tauridi", "Ahilej i Deidamija".

17. stoljeće bilo je razdoblje formiranja francuska školačembalisti. Među njegovim sudionicima mogu se istaknuti Chambonnière i Jean-Henri d'Anglebert.

18. stoljeće

Glazbeni i društveni život u ovom se stoljeću dramatično mijenja. Koncertna djelatnost prelazi preko suda. Od 1725. održavali su se redoviti javni koncerti u kazalištima. U Parizu su osnovana društva "Amateur Concertos" i "Friends of Apollo" u kojima su amateri mogli uživati ​​u izvođenju instrumentalne glazbe.

Suita za čembalo dosegla je svoj vrhunac 1930-ih. Francois Couperin napisao je više od 250 djela za čembalo i postao poznat ne samo u svojoj domovini, već iu inozemstvu. Također ima kraljevske opere i djela za orgulje.

Za glazbu 18. stoljeća velika vrijednost ima djelo Jeana Philippea Rameaua, koji nije bio samo talentirani skladatelj, već i istaknuti teoretičar u svom području. Njegovo lirske tragedije Kastor i Poluks, Hipolit i Arisija, balet-opera Gallant Indias također su traženi među suvremenim redateljima.

Gotovo sva glazbena djela do sredine 18. stoljeća bila su ili crkvena ili mitološka. No, raspoloženje u društvu zahtijevalo je nove interpretacije i žanrove. Na toj je osnovi opera buff stekao popularnost, što se sa satirične strane i pokazalo visoko društvo i tantijeme. Prve libreta za takve opere napisao je Charles Favard.

Veliki utjecaj na operni stil i glazbeno-teorijsku osnovu ovog žanra imali su francuski skladatelji 18. stoljeća.

19. stoljeća

Velika francuska revolucija donijela je značajne promjene u glazbenoj kulturi. Do izražaja je došla vojna limena glazba. Otvorene su posebne škole za obuku vojnih glazbenika. U operi su sada dominirali domoljubni zapleti s novim nacionalnim herojima.

Razdoblje restauracije obilježeno je usponom romantične opere. Francuski skladatelj Berlioz najistaknutiji je predstavnik tog vremena. Njegovo prvo programsko djelo bila je "Fantastična simfonija", odražavajući pretjeranu emocionalnost, tipična raspoloženja tog vremena. Postao je tvorac dramatične simfonije "Romeo i Julija", uvertire "Kralj Lear", opere "Benvenuto Cellini". U svojoj rodnoj zemlji, Hector Berlioz je procijenjen dvosmisleno. Bio je povezan s posebnim na kreativan način koju je sam sebi odabrao. Njegova su djela ispunjena nevjerojatnim orkestralnim efektima koje je skladatelj bio prvi francuski glazbenik koji je koristio.

Sredina 19. stoljeća obilježena je početkom razvoja operete u zemlji. Ali već sedamdesetih godina 19. stoljeća dolazi do izražaja lirska glazba, ali s realističkim tendencijama. Utemeljiteljem ovog žanra smatra se Charles Gounod. Njegove opere - Nesvjesni doktor, Faust, Romeo i Julija - izražavaju sav skladateljev inovativni razvoj.

Na desetke djela značajnih za francusku kulturu stvorio je Georges Bizet, koji je živio kratkog vijeka. Studirao je na konzervatoriju od svoje 10. godine i od samog početka stvarao veliki uspjeh. Osvojio je nekoliko značajnih glazbenih natjecanja, što mu je omogućilo da nekoliko godina ode u Rim. Nakon povratka u Pariz, Georges Bizet je počeo raditi na operi svog života, Carmen. Njegova premijera održana je 1875. Javnost nije prihvatila i nije razumjela ovaj rad. Skladatelj je umro iste godine, a da nikada nije vidio trijumf "Carmen".

NA posljednjih godina U 19. stoljeću francuski skladatelji pišu pod utjecajem njemačkih, osobito Richarda Wagnera.

20. stoljeće

Novo stoljeće obilježeno je širenjem impresionizma u glazbenoj kulturi. Veliki francuski skladatelji postali su pristaše ovog stila. Najsjajniji je bio K. Debussy. Sve glavne značajke svojstvene ovom smjeru odrazile su se na njegov rad. Estetika impresionizma nije stajala po strani od drugog Francuza. Maurice Ravel je u svojim djelima miješao različite stilske trendove svog vremena.

20. stoljeće bilo je razdoblje stvaranja kreativne asocijacije, čiji su članovi bili umjetnici. Slavna "Francuska šestorka", nastala pod vodstvom Erica Satiea i Jeana Cocteaua, postala je najmoćnija zajednica skladatelja tog vremena.

Udruga je dobila naziv zbog analogije s Ruskom unijom skladatelja - Moćna šačica. Okupila ih je želja da se odmaknu od stranog utjecaja (u ovom slučaju njemačkog) i da razviju nacionalni sloj ove umjetnosti.

U udruženju su bili Louis Duray ("Lirske ponude", "Autoportreti"), Darius Milhaud (opera "Kriva majka", balet "Stvaranje svijeta"), Arthur Honegger (opera "Judita", balet "Shota Rustaveli") , Georges Auric (glazba za filmove "Princeza od Clevesa", "Rimski praznici"), Francis Poulenc (opera "Dijalozi karmelićanki", kantata "Un ballo in maschera") i Germaine Taifer (opera "Mala sirena", balet "Prodavač ptica").

Godine 1935. rođena je još jedna udruga - "Mlada Francuska". Njegovi sudionici bili su Olivier Messiaen (opera "Sveti Franjo Asiški"), Andre Jolivet (baleti "Ljepotica i zvijer", "Ariadna").

Takav novi trend poput glazbene avangarde pojavio se nakon 1950. godine. Njegov svijetli predstavnik i inspirator bio je Pierre Boulez, koji je studirao s Messiaenom. Godine 2010. ušao je među dvadeset najboljih dirigenata svijeta.

Razvoj suvremene umjetnosti u Francuskoj bio je olakšan pionirskim radom stupova akademske glazbe kao što su Debussy i Ravel.

Debussy

Achille-Claude Debussy, rođen u Saint-Germain-en-Laye, sa rano djetinjstvo osjetio privlačenje ljepotom. Već s 10 godina upisao je Pariški konzervatorij. Učenje mu je bilo lako, dječak je čak pobijedio na malom internom natjecanju. Ali Claude je bio opterećen satovima harmonije, budući da je učitelj bio neprijateljski raspoložen prema dječakovim eksperimentima sa zvukovima.

Prekinuvši studij, Claude Debussy odlazi na putovanje s ruskim veleposjednikom N. von Meckom kao kućni pijanist. Vrijeme provedeno na ruskom tlu imalo je blagotvoran učinak na Claudea. Uživao je u djelima Čajkovskog, Balakirjeva i drugih skladatelja.

Vrativši se u Pariz, Debussy je nastavio studirati na konzervatoriju i pisati. Još uvijek razvija vlastiti stil. prekretnica u životu Claudea bilo je poznanstvo s E. Satiejem, koji je svojim inovativnim idejama pokazao put kompozitoru početniku.

Debussyjev zreli stil konačno se uobličio 1894., kada je napisao Faunovo poslijepodne, slavni simfonijski preludij.

Ravel

Maurice Ravel rođen je na jugu Francuske, ali kako bi naučio svoj omiljeni posao, preselio se u Pariz godine mlada dob. Učitelj mu je bio francuski skladatelj pijanist Charles de Berio.

Kao i na Debussyja, na Mauricea je uvelike utjecao njegov susret s Ericom Satiejem. Nakon nje, Ravel je s osvetom počeo skladati, nadahnut skladateljevim govorima i idejama.

Još dok je studirao na konzervatoriju, Ravel je napisao niz djela španjolski motivi("Habanera", "Stari menuet"), koje pozdravljaju kolege glazbenici. Međutim, stil skladatelja jednom se okrutno našalio s njim. Ravelu nije bilo dopušteno sudjelovati u natjecanju za prestižnu Rimsku nagradu, navodeći dobna ograničenja. Ali skladatelj još nije imao 30 godina i mogao je, u skladu s pravilima, predati svoju skladbu. Godine 1905. zbog toga je u glazbenom svijetu izbio veliki skandal.

Nakon Prvog svjetskog rata, u koji se Ravel dobrovoljno prijavio, emocionalno načelo smatralo se glavnim u njegovim djelima. To objašnjava nagli prijelaz s pisanja opera na instrumentalne skladbe (suita "Grobnica Couperina"). Također surađuje sa Sergejem Djagiljevim i piše glazbu za balet Daphnis and Chloe.

U isto vrijeme, skladatelj počinje raditi na svom najznačajnijem djelu - "Bolero". Glazba je dovršena 1928.

Posljednje djelo Mauricea Ravela bile su "Tri pjesme" napisane za Fjodora Šaljapina.

Legrand

Za rusku publiku ime jednog francuskog skladatelja zvuči vrlo poznato. Riječ je o Michelu Legrandu, autoru glazbe za kultne filmove.

Michel Jean rođen je u obitelji dirigenta i pijanista. Od djetinjstva, dječak je bio fasciniran glazbena umjetnost, pa je upisao Pariški konzervatorij. Nakon završetka studija odlazi u SAD, gdje počinje pisati glazbu za filmove.

U Francuskoj je radio s renomiranim redateljima Jean-Lucom Godardom i Jacquesom Demyjem. Njegovo najpopularnije djelo je glazba za film "Kišobrani iz Cherbourga".

Napisao jazz glazba. Od 1960-ih radio je u Hollywoodu. Među poznata djela skladatelj - glazba za "The Thomas Crown Affair", "The Other Side of Midnight". Michel Legrand je trostruki dobitnik Oscara.

21. stoljeće

Akademska glazba još uvijek je tražena u Francuskoj. Ne brojite sve festivale i ustanovljene nagrade za postignuća u ovom području. U Parizu, koji je kulturni centar zemlje, tu su Nacionalni konzervatorij, Opera Bastille, Opera Garnier, Kazalište Champs Elysees. Postoje deseci orkestara poznatih u cijelom svijetu.

Glazba francuskih skladatelja postaje poznata široj javnosti zahvaljujući kinu. Uz operu i simfonijska glazba pišu i za filmove. Uglavnom su to djela za francusku filmsku industriju, ali neki skladatelji idu i na inozemstvo. Najuspješniji živući francuski skladatelji 21. stoljeća su:

1. Antoine Duhamel ("Ukradeni poljupci", "Lijepo doba").
2. Maurice Jarre ("Doktor Živago", "Hod u oblacima").
3. Vladimir Kosma ("Ubod kišobranom", "Tate").
4. Bruno Coulet ("Belfegor-duh Louvrea", "Koristi").
5. Louis Aubert (opere "Modra šuma", "Šarmantna noć").
6. Philippe Sarde ("Kći D" Artagnana "," Princeza de Montpensier ").
7. Eric Serra (zvučni zapisi za Leon, Ivanu Orleansku, Peti element).
8. Gabriel Yared ("Engleski pacijent", "Hladna planina").

Među tim melodijama postoji motiv za bilo koje raspoloženje: romantično, pozitivno ili turobno, da se opustite i ne razmišljate ni o čemu, ili, obrnuto, da saberete svoje misli.

Talijanski skladatelj i pijanist djeluje u smjeru minimalizma, često se okreće ambijentu i vješto spaja klasičnu glazbu s drugima. glazbeni stilovi. Širokom krugu poznat je po atmosferičnim skladbama koje su postale soundtrackovi za filmove. Na primjer, sigurno ćete prepoznati glazbu s francuske vrpce "1 + 1" koju je napisao Einaudi.

Glass je jedna od najkontroverznijih ličnosti u svijetu moderne klasike, koja je ili hvaljena do neba ili kritizirana do neba. Sa svojim Philip Glass Ensembleom je pola stoljeća i napisao je glazbu za više od 50 filmova, uključujući Trumanov Show, Iluzionist, Okus života i Fantastična četvorka. Melodije američkog minimalističkog skladatelja brišu granicu između klasične i popularne glazbe.

Autor mnogih soundtracka, najbolji filmski skladatelj 2008. prema izboru Europske filmske akademije i postminimalist. Očarao je kritičare prvim albumom Memoryhouse, u kojem je Richterova glazba bila nadređena čitanju poezije, a kasniji albumi također su koristili fiktivnu prozu. Osim što piše vlastite ambijentalne skladbe, bavi se i aranžiranjem klasičnih djela: Vivaldijeva Četiri godišnja doba zauzela je prvo mjesto iTunesove ljestvice klasične glazbe u njegovom aranžmanu.

Ovaj tvorac instrumentalne glazbe iz Italije nije povezan sa senzacionalnom kinematografijom, ali je već poznat kao skladatelj, virtuoz i iskusan učitelj klavira. Ako Marradijevu glazbu opišete u dvije riječi, onda će to biti riječi "senzualna" i "magična". Njegove kreacije i naslovnice svidjet će se onima koji vole retro klasike: u motivima se vide note prošlog stoljeća.

Slavni filmski skladatelj stvorio je glazbenu pratnju za mnoge filmove i crtiće s velikom zaradom, uključujući Gladijator, Pearl Harbor, Početak, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagaskar, Kralj lavova. Njegova se zvijezda šepuri na Stazi slavnih u Hollywoodu, a na polici su Oscar, Grammy i Zlatni globus. Zimmerova glazba raznolika je kao i ovi filmovi, ali bez obzira na ton, pogađa živac.

Hisaishi je jedan od najpoznatijih japanskih skladatelja, koji je osvojio četiri nagrade Japanske filmske akademije za najbolju filmsku glazbu. Postao je poznat po tome što je napisao soundtrack za anime Nausicaä of the Valley of the Wind Hayaoa Miyazakija. Ako ste obožavatelj studija Ghibli ili kaseta Takeshija Kitana, sigurno ćete se diviti Hisaishijevoj glazbi. Uglavnom je lagan i lagan.

Ovaj islandski multiinstrumentalist tek je dječak u usporedbi s navedenim majstorima, no do svoje tridesete uspio je postati priznati neoklasicist. Snimio je pratnju za balet, dobio nagradu BAFTA za soundtrack britanske TV serije "Ubojstvo na plaži" i izdao 10 studijskih albuma. Arnaldsova glazba podsjeća na jak vjetar na pustoj morskoj obali.

Najviše poznata djela Lee Ru Ma - Poljubi kišu i rijeka teče u tebi. Korejski New Age skladatelj i pijanist piše popularne klasike koje mogu razumjeti slušatelji na bilo kojem kontinentu, s bilo kojeg glazbeni ukus i obrazovanje. Njegove lagane i senzualne melodije za mnoge su postale početak ljubavi prema klavirskoj glazbi.

Dustin O'Halloran

Američki skladatelj zanimljiv je jer nema glazbeno obrazovanje, ali u isto vrijeme piše najugodniju i vrlo traženu glazbu. Upotrijebljene su melodije O'Halloran vrhunska oprema i nekoliko filmova. Možda najuspješniji soundtrack album bio je za melodramu Like Crazy.Ovaj skladatelj i pijanist zna puno o umjetnosti dirigiranja i kako stvarati elektronička glazba. Ali njegovo glavno polje je moderna klasika. Cacchapalla je snimio mnogo albuma, od kojih tri s Royalom Filharmonijski orkestar. Njegova glazba teče kao voda, super se opustiti uz nju.

Koje druge moderne skladatelje vrijedi poslušati

Ako volite ep, dodajte Klausa Badelta na svoju playlistu, koji je surađivao sa Zimmerom na Piratima Karibi". Također, Jan Kaczmarek, Alexandre Desplat, Howard Shore i John Williams ne smiju se propustiti - potrebno je napisati poseban članak za popis svih njihovih djela, zasluga i nagrada.

Ako želite više ukusnog neoklasicizma, obratite pozornost na Nielsa Frama i Sylvaina Chauveaua.

Ako vam nije dosta, sjetite se tvorca glazbene podloge za "Amelie" Jana Tiersena ili otkrijte japanskog skladatelja Tammona: on piše prozračne melodije poput snova.

Glazba kojih skladatelja volite, a kojih ne? Koga biste još dodali na ovaj popis?