Pintura en el impresionismo: características, historia. Artistas impresionistas famosos

El impresionismo es un movimiento pictórico que se originó en Francia en Siglos XIX-XX, que es un intento artístico de capturar algún momento de la vida en toda su variabilidad y movilidad. Las pinturas impresionistas son como una fotografía bien lavada, reviviendo en la fantasía la continuación de la historia vista. En este artículo veremos los 10 más impresionistas famosos paz. Afortunadamente, artistas talentosos mucho más que diez, veinte o incluso cien, así que centrémonos en aquellos nombres que definitivamente necesitas saber.

Para no ofender ni a los artistas ni a sus admiradores, la lista aparece en orden alfabético ruso.

1. Alfred Sisley

Este pintor francés origen inglés considerado el más famoso pintor paisajista segundo mitad del siglo XIX siglo. Su colección contiene más de 900 pinturas, de las cuales las más famosas son "El callejón rural", "La escarcha en Louveciennes", "El puente en Argenteuil", "La nieve temprana en Louveciennes", "El césped en primavera" y muchas otras.

2. Van Gogh

Conocido en todo el mundo historia triste En cuanto a su oreja (por cierto, no se cortó toda la oreja, sino solo el lóbulo), Wang Gon se hizo popular solo después de su muerte. Y durante su vida logró vender un solo cuadro, 4 meses antes de su muerte. Dicen que fue a la vez empresario y sacerdote, pero muchas veces terminaba en hospitales psiquiátricos debido a la depresión, por lo que toda la rebelión de su existencia derivó en obras legendarias.

3. Camille Pissarro

Pissarro nació en la isla de Santo Tomás, en el seno de una familia de judíos burgueses, y fue uno de los pocos impresionistas cuyos padres alentaron su pasión y pronto lo enviaron a estudiar a París. Al artista le gustaba sobre todo la naturaleza, la representaba en todos los colores y, para ser más precisos, Pissarro había talento especial seleccione la suavidad de los colores, la compatibilidad, después de lo cual pareció aparecer aire en las pinturas.

4. Claudio Monet

Desde pequeño, el niño decidió convertirse en artista, a pesar de las prohibiciones familiares. Tras mudarse solo a París, Claude Monet se sumergió en la gris vida cotidiana de una vida dura: dos años de servicio en las fuerzas armadas de Argelia, litigios con acreedores debido a la pobreza y la enfermedad. Sin embargo, uno tiene la sensación de que las dificultades no oprimieron, sino que, por el contrario, inspiraron al artista a crear tales fotos brillantes, como “Impresión, Amanecer”, “Casas del Parlamento en Londres”, “Puente a Europa”, “Otoño en Argenteuil”, “A orillas de Trouville” y muchos otros.

5. Konstantin Korovin

Es bueno saber que entre los franceses, padres del impresionismo, podemos ubicar con orgullo a nuestro compatriota Konstantin Korovin. Un amor apasionado por la naturaleza le ayudó a dar intuitivamente una vivacidad inimaginable a una imagen estática, gracias a la combinación de colores adecuados, la anchura de los trazos y la elección del tema. Es imposible pasar por alto sus cuadros “Muelle en Gurzuf”, “Pescado, vino y fruta”, “ paisaje de otoño», « noche de luna. Invierno" y una serie de sus obras dedicadas a París.

6. Pablo Gauguin

Hasta los 26 años, Paul Gauguin ni siquiera pensó en pintar. Era un empresario y tenía una familia numerosa. Sin embargo, cuando vi por primera vez las pinturas de Camille Pissarro, decidí que definitivamente comenzaría a pintar. Con el tiempo, el estilo del artista cambió, pero las pinturas impresionistas más famosas son "El jardín en la nieve", "En el acantilado", "En la playa de Dieppe", "Desnudo", "Palmeras en Martinica" y otras.

7. Pablo Cézanne

Cézanne, a diferencia de la mayoría de sus colegas, se hizo famoso durante su vida. Logró organizar su propia exposición y obtener considerables ingresos de ella. La gente sabía mucho sobre sus pinturas: él, como nadie, aprendió a combinar el juego de luces y sombras, puso un fuerte énfasis en las formas geométricas regulares e irregulares, la severidad del tema de sus pinturas estaba en armonía con el romance.

8. Pierre Auguste Renoir

Hasta los 20 años, Renoir trabajó como decorador de abanicos para su hermano mayor y solo entonces se mudó a París, donde conoció a Monet, Basil y Sisley. Este conocido le ayudó en el futuro a emprender el camino del impresionismo y hacerse famoso en él. Renoir es conocido como el autor de retratos sentimentales, entre sus más obras destacadas- "En la terraza", "Paseo", "Retrato de la actriz Jeanne Samary", "The Lodge", "Alfred Sisley y su esposa", "En el columpio", "Splash Pool" y muchos otros.

9. Édgar Degas

Si no has oído nada sobre " bailarines azules", "Ensayos de ballet", "Escuela de ballet" y "Absenta": apúrate para conocer la obra de Edgar Degas. La selección de colores originales, temas únicos para las pinturas, la sensación de movimiento de la imagen: todo esto y mucho más hizo de Degas uno de los más artistas famosos paz.

10. Édouard Manet

No confundas a Manet con Monet, son dos. Gente diferente, que trabajaban al mismo tiempo y en el mismo dirección artística. Manet siempre se sintió atraído por escenas de la vida cotidiana, apariencia inusual y tipos, como si accidentalmente "captaran" momentos, posteriormente capturados durante siglos. Entre Pinturas famosas Manet: “Olympia”, “Almuerzo sobre la hierba”, “Bar del Folies Bergere”, “El flautista”, “Nana” y otros.

Si tienes la más mínima oportunidad de ver las pinturas de estos maestros en vivo, ¡te enamorarás para siempre del impresionismo!

Alexandra Skripkina,

El impresionismo es una dirección de la pintura que se originó en Francia en los siglos XIX y XX, que es un intento artístico de capturar algún momento de la vida en toda su variabilidad y movilidad. Las pinturas impresionistas son como una fotografía bien lavada, reviviendo en la fantasía la continuación de la historia vista. En este artículo veremos a los 10 impresionistas más famosos del mundo. Afortunadamente, hay muchos más de diez, veinte o incluso cien artistas talentosos, así que centrémonos en aquellos nombres que definitivamente necesitas saber.

Para no ofender ni a los artistas ni a sus admiradores, la lista aparece en orden alfabético ruso.

1. Alfred Sisley

Este pintor francés de origen inglés está considerado el paisajista más famoso de la segunda mitad del siglo XIX. Su colección contiene más de 900 pinturas, de las cuales las más famosas son "El callejón rural", "La escarcha en Louveciennes", "El puente en Argenteuil", "La nieve temprana en Louveciennes", "El césped en primavera" y muchas otras.

2. Van Gogh

Conocido en todo el mundo por la triste historia de su oreja (por cierto, no se cortó toda la oreja, sino solo el lóbulo), Van Gon se hizo popular solo después de su muerte. Y durante su vida logró vender un solo cuadro, 4 meses antes de su muerte. Dicen que fue a la vez empresario y sacerdote, pero muchas veces terminaba en hospitales psiquiátricos debido a la depresión, por lo que toda la rebelión de su existencia derivó en obras legendarias.

3. Camille Pissarro

Pissarro nació en la isla de Santo Tomás, en el seno de una familia de judíos burgueses, y fue uno de los pocos impresionistas cuyos padres alentaron su pasión y pronto lo enviaron a estudiar a París. Al artista le gustaba sobre todo la naturaleza, la representaba en todos los colores y, para ser más precisos, Pissarro tenía un talento especial para elegir la suavidad de los colores, la compatibilidad, tras lo cual parecía aparecer aire en las pinturas.

4. Claudio Monet

Desde pequeño, el niño decidió convertirse en artista, a pesar de las prohibiciones familiares. Tras mudarse solo a París, Claude Monet se sumergió en la gris vida cotidiana de una vida dura: dos años de servicio en las fuerzas armadas de Argelia, litigios con acreedores debido a la pobreza y la enfermedad. Sin embargo, uno tiene la sensación de que las dificultades no deprimieron, sino que, por el contrario, inspiraron al artista a crear pinturas tan vívidas como "Impresión, amanecer", "Casas del Parlamento en Londres", "Puente a Europa", "Otoño". en Argenteuil”, “En la orilla” Trouville", y muchos otros.

5. Konstantin Korovin

Es bueno saber que entre los franceses, padres del impresionismo, podemos ubicar con orgullo a nuestro compatriota Konstantin Korovin. Un amor apasionado por la naturaleza le ayudó a dar intuitivamente una vivacidad inimaginable a una imagen estática, gracias a la combinación de colores adecuados, la anchura de los trazos y la elección del tema. Es imposible pasar por alto sus cuadros "Muelle de Gurzuf", "Pescado, vino y fruta", "Paisaje de otoño", "Noche de luna". Invierno" y una serie de sus obras dedicadas a París.

6. Pablo Gauguin

Hasta los 26 años, Paul Gauguin ni siquiera pensó en pintar. Era un empresario y tenía una familia numerosa. Sin embargo, cuando vi por primera vez las pinturas de Camille Pissarro, decidí que definitivamente comenzaría a pintar. Con el tiempo, el estilo del artista cambió, pero las pinturas impresionistas más famosas son "El jardín en la nieve", "En el acantilado", "En la playa de Dieppe", "Desnudo", "Palmeras en Martinica" y otras.

7. Pablo Cézanne

Cézanne, a diferencia de la mayoría de sus colegas, se hizo famoso durante su vida. Logró organizar su propia exposición y obtener considerables ingresos de ella. La gente sabía mucho sobre sus pinturas: él, como nadie, aprendió a combinar el juego de luces y sombras, puso un fuerte énfasis en las formas geométricas regulares e irregulares, la severidad del tema de sus pinturas estaba en armonía con el romance.

8. Pierre Auguste Renoir

Hasta los 20 años, Renoir trabajó como decorador de abanicos para su hermano mayor y solo entonces se mudó a París, donde conoció a Monet, Basil y Sisley. Este conocido le ayudó en el futuro a emprender el camino del impresionismo y hacerse famoso en él. Renoir es conocido como autor de retratos sentimentales, entre sus obras más destacadas se encuentran “En la terraza”, “Un paseo”, “Retrato de la actriz Jeanne Samary”, “La logia”, “Alfred Sisley y su esposa”, “ On the Swing”, “The Paddling Pool” y muchos otros.

9. Édgar Degas

Si no has oído nada sobre “Blue Dancers”, “Ballet Rehearsal”, “Ballet School” y “Absinthe”, date prisa y conoce el trabajo de Edgar Degas. La selección de colores originales, temas únicos para las pinturas, la sensación de movimiento de la imagen: todo esto y mucho más convirtió a Degas en uno de los artistas más famosos del mundo.

10. Édouard Manet

No confundas a Manet con Monet: son dos personas diferentes que trabajaron al mismo tiempo y en la misma dirección artística. Manet siempre se sintió atraído por escenas de la vida cotidiana, apariencias y tipos inusuales, como si accidentalmente "captara" momentos, posteriormente capturados durante siglos. Entre los cuadros famosos de Manet se encuentran "Olympia", "El almuerzo sobre la hierba", "El bar del Folies Bergere", "El flautista", "Nana" y otros.

Si tienes la más mínima oportunidad de ver las pinturas de estos maestros en vivo, ¡te enamorarás para siempre del impresionismo!

Impresionismo (fr. impresionismo, de impresión- impresión) - una dirección en el arte de este último tercios del XIX- principios del siglo XX, que se originó en Francia y luego se extendió por todo el mundo, cuyos representantes buscaron desarrollar métodos y técnicas que permitieran capturar de la manera más natural y vívida mundo real en su movilidad y variabilidad, para transmitir sus impresiones fugaces. Por lo general, el término "impresionismo" se refiere a una dirección en la pintura (pero esto es, ante todo, un grupo de métodos), aunque sus ideas también encontraron su encarnación en la literatura y la música, donde el impresionismo también apareció en un cierto conjunto de métodos y técnicas para la creación literaria y obras musicales, en el que los autores buscaron transmitir la vida de forma sensual y directa, como reflejo de sus impresiones.

La tarea del artista en ese momento era representar la realidad de la manera más creíble posible, sin mostrar los sentimientos subjetivos del artista. si le ordenaron retrato ceremonial- entonces era necesario mostrar al cliente de forma favorable: sin deformidades, expresiones faciales estúpidas, etc. Si se trataba de un complot religioso, entonces era necesario evocar un sentimiento de asombro y asombro. Si es un paisaje, entonces muestra la belleza de la naturaleza. Sin embargo, si el artista despreciaba al hombre rico que encargó el retrato, o era incrédulo, entonces no tenía otra opción y lo único que quedaba era desarrollar su propia técnica única y esperar suerte. Sin embargo, en la segunda mitad del siglo XIX, la fotografía comenzó a desarrollarse activamente y la pintura realista comenzó a dejarse de lado, ya que incluso entonces era extremadamente difícil transmitir la realidad de manera tan creíble como en una fotografía.

En muchos sentidos, con la llegada de los impresionistas, quedó claro que el arte puede tener valor como representación subjetiva del autor. Después de todo, cada persona percibe la realidad de manera diferente y reacciona a ella a su manera. Es aún más interesante ver cómo en los ojos. Gente diferente refleja la realidad y las emociones que experimentan.

El artista tiene ahora una increíble cantidad de oportunidades para expresarse. Además, la autoexpresión en sí se ha vuelto mucho más libre: tome una trama o un tema no estándar, cuente algo que no sea un tema religioso o histórico, utilice su propia técnica única, etc. Por ejemplo, los impresionistas querían expresar una impresión fugaz, la primera emoción. Por eso su trabajo es vago y aparentemente inacabado. Esto se hizo para mostrar una impresión instantánea, cuando los objetos aún no habían tomado forma en la mente y sólo se veían ligeros destellos de luz, medios tonos y contornos borrosos. Los miopes me entenderán) imagina que aún no has visto el objeto completo, lo ves de lejos o simplemente no miras de cerca, pero ya te has formado alguna impresión al respecto. Si intentas representar esto, es probable que termines con algo parecido a pinturas impresionistas. Una especie de boceto. Por eso resultó que para los impresionistas lo más importante no era lo que se representaba, sino cómo.

Los principales representantes de este género en la pintura fueron: Monet, Manet, Sisley, Degas, Renoir, Cezanne. Por otra parte, es necesario señalar a Umlyam Turner como su predecesor.

Hablando de la trama:

Sus pinturas presentaban sólo los aspectos positivos de la vida, sin afectar problemas sociales, incluidos el hambre, las enfermedades y la muerte. Esto provocó más tarde una división entre los propios impresionistas.

Esquemas de color

Los impresionistas pagaron gran atención color, abandonando fundamentalmente las tonalidades oscuras, especialmente el negro. Tal atención a la combinación de colores de sus obras llevó el color en sí a un nivel muy lugar importante en la imagen y empujó a generaciones futuras de artistas y diseñadores a prestar atención al color como tal.

Composición

La composición impresionista recordaba a pintura japonesa, se utilizaron esquemas compositivos complejos, otros cánones (no proporción áurea o centro). En general, la estructura de la imagen se ha vuelto cada vez más asimétrica, más compleja e interesante desde este punto de vista.

La composición entre los impresionistas comenzó a tener un significado más independiente, se convirtió en uno de los temas de la pintura, a diferencia de la clásica, donde más a menudo (pero no siempre) desempeñaba el papel de un esquema según el cual se construía cualquier obra. . A finales del siglo XIX, quedó claro que se trataba de un callejón sin salida y que la composición en sí podía transmitir ciertas emociones y sustentar la trama de la imagen.

Precursores

El Greco: porque utilizó técnicas similares al aplicar pintura y adquirió el color de él. significado simbolico. También se distinguió por su originalidad y su individualidad, que es lo que también buscaban los impresionistas.

Grabado japonés: porque ganó gran popularidad en Europa en aquellos años y demostró que se puede construir una imagen siguiendo reglas completamente diferentes a los cánones clásicos. arte europeo. Esto se aplica a la composición, uso del color, detalles, etc. Además, en los dibujos y grabados japoneses y, en general, orientales, se representaban con mucha más frecuencia escenas cotidianas, lo que estaba casi ausente en el arte europeo.

Significado

Los impresionistas dejaron una huella brillante en el arte mundial, desarrollaron técnicas de escritura únicas y brindaron un gran impacto en todas las generaciones posteriores de artistas con sus obras brillantes y memorables, protestan contra escuela clasica y un trabajo único con el color. Buscando la máxima espontaneidad y precisión en la transmisión del mundo visible, comenzaron a pintar principalmente al aire libre y resaltaron la importancia de los bocetos del natural, que casi reemplazaron el tipo de pintura tradicional, creada cuidadosa y lentamente en el estudio.

Al aclarar constantemente su paleta, los impresionistas liberaron la pintura de barnices y pinturas terrosos y marrones. La negrura convencional, de “museo”, en sus lienzos da paso a un juego infinitamente diverso de reflejos y sombras coloreadas. Han ampliado enormemente las posibilidades Artes visuales, revelando no solo el mundo del sol, la luz y el aire, sino también la belleza de las nieblas de Londres, la atmósfera inquieta de la vida. Gran ciudad, la dispersión de sus luces nocturnas y el ritmo del movimiento incesante.

Debido al propio método de trabajo al aire libre, el paisaje, incluido el paisaje urbano que descubrieron, ocupó un lugar muy importante en el arte de los impresionistas. Sin embargo, no se debe suponer que su pintura se caracterizaba únicamente por una percepción “paisajística” de la realidad, que a menudo se les reprochaba. La gama temática y argumental de su trabajo fue bastante amplia. El interés por las personas, y en particular por la vida moderna en Francia, en un sentido amplio, fue característico de varios representantes de esta tendencia. Su patetismo vitalista y fundamentalmente democrático se oponía claramente al orden mundial burgués.

Al mismo tiempo, el impresionismo y, como veremos más adelante, el postimpresionismo son dos caras, o mejor dicho, dos etapas temporales sucesivas de ese cambio fundamental que marcó el límite entre el arte de los tiempos Nuevo y Contemporáneo. En este sentido, el impresionismo, por un lado, completa el desarrollo de todo lo que ocurre después del arte del Renacimiento, cuyo principio rector era el reflejo del mundo circundante en formas visualmente fiables de la realidad misma, y ​​por otro lado, es el comienzo de la mayor revolución en la historia de las bellas artes después del Renacimiento, que sentó las bases de una etapa artística cualitativamente nueva.

arte del siglo XX.

“Exposición de Impresionistas”, tomando como base el título del cuadro “Impresión” de Claude Monet. Sol naciente "(francés: Impression, soleil levant). Inicialmente, este término era algo despectivo, indicando una actitud correspondiente hacia los artistas que pintaban de la nueva manera "descuidada".

Impresionismo en la pintura.

Orígenes

A mediados de la década de 1880, el impresionismo dejó gradualmente de existir como movimiento único y se desintegró, dando un notable impulso a la evolución del arte. A principios del siglo XX, las tendencias que se alejaban del realismo cobraron impulso y una nueva generación de artistas se alejó del impresionismo.

Origen del nombre

Han pasado décadas. Y la nueva generación de artistas llegará a un verdadero colapso de las formas y al empobrecimiento de los contenidos. Luego, tanto la crítica como el público vieron a los impresionistas condenados como realistas y, poco después, como clásicos del arte francés.

Detalles de la filosofía del impresionismo.

El impresionismo francés no surgió. problemas filosóficos y ni siquiera intentó penetrar bajo la superficie coloreada de la vida cotidiana. En cambio, el impresionismo, al ser un arte en hasta cierto punto amanerado y manierista, se centra en la superficialidad, la fluidez de un momento, el estado de ánimo, la iluminación o el ángulo de visión.

Al igual que el arte del Renacimiento (Renacimiento), el impresionismo se basa en las características y habilidades de percibir la perspectiva. Al mismo tiempo, la visión renacentista explota con la probada subjetividad y relatividad de la percepción humana, que hace que el color y la forma sean componentes autónomos de la imagen. Para el impresionismo, lo que se representa en la imagen no es tan importante, pero sí cómo se representa.

Las pinturas impresionistas no llevan crítica social, no abordan problemas sociales como el hambre, las enfermedades, la muerte, presentando sólo los aspectos positivos de la vida. Esto provocó más tarde una división entre los propios impresionistas.

Impresionismo y sociedad

El impresionismo se caracteriza por la democracia. Por inercia, el arte en el siglo XIX era considerado un monopolio de los aristócratas, estratos superiores población. Eran los principales clientes de pinturas y monumentos, y eran los principales compradores de pinturas y esculturas. Escenas con el arduo trabajo de los campesinos, páginas trágicas La modernidad, los aspectos vergonzosos de las guerras, la pobreza y el malestar social fueron condenados, desaprobados y no comprados. Las críticas a la moralidad blasfema de la sociedad en las pinturas de Théodore Géricault y Francois Millet encontraron respuesta sólo entre los partidarios de los artistas y unos pocos expertos.

Los impresionistas adoptaron una posición bastante intermedia y de compromiso sobre este tema. Bíblico, literario, mitológico, temas historicos inherente al academicismo oficial. Por otro lado, deseaban fervientemente reconocimiento, respeto e incluso premios. Indicativa es la actividad de Edouard Manet, que durante años buscó reconocimientos y premios del Salón oficial y de su administración.

En cambio, surgió una visión de la vida cotidiana y la modernidad. Los artistas solían pintar personas en movimiento, mientras se divertían o se relajaban, imaginando el aspecto de un determinado lugar bajo una determinada iluminación, y la naturaleza también era el motivo de sus obras. Se abordaron temas como el coqueteo, el baile, la estancia en cafés y teatros, paseos en barco, playas y jardines. A juzgar por las pinturas de los impresionistas, la vida es una serie de pequeñas vacaciones, fiestas, pasatiempos agradables fuera de la ciudad o en un ambiente agradable (varias pinturas de Renoir, Manet y Claude Monet). Los impresionistas fueron de los primeros en pintar en el aire, sin terminar su trabajo en el estudio.

Técnica

El nuevo movimiento se diferenciaba de la pintura académica tanto técnica como ideológicamente. En primer lugar, los impresionistas abandonaron el contorno, reemplazándolo con pequeños trazos separados y contrastantes, que aplicaron de acuerdo con las teorías del color de Chevreul, Helmholtz y Rud. El rayo de sol se divide en componentes: violeta, azul, cian, verde, amarillo, naranja, rojo, pero como el azul es un tipo de azul, su número se reduce a seis. Dos colores colocados uno al lado del otro se realzan y, por el contrario, al mezclarse pierden intensidad. Además, todos los colores se dividen en primarios, o básicos, y duales, o derivados, siendo cada color dual complementario del primero:

• Azul - Naranja
• rojo verde
• Amarillo - Violeta

Por lo tanto, fue posible no mezclar pinturas en la paleta y obtener color deseado aplicándolos correctamente al lienzo. Esto más tarde se convirtió en el motivo del abandono del negro.

Luego, los impresionistas dejaron de concentrar todo su trabajo en los lienzos de los estudios; ahora prefieren el plein air, donde es más conveniente capturar una impresión fugaz de lo que ven, lo que fue posible gracias a la invención de los tubos de pintura de acero, que, a diferencia de ellos, bolsas de cuero, se podían cerrar para que la pintura no se secara.

Además, los artistas utilizaron pinturas opacas, que no transmiten bien la luz y no son aptas para mezclar porque rápidamente se vuelven grises, lo que les permitió crear pinturas sin “; interno", A " externo» luz reflejada desde la superficie.

Las diferencias técnicas contribuyeron al logro de otros objetivos: en primer lugar, los impresionistas intentaron capturar una impresión fugaz, los cambios más pequeños en cada objeto dependiendo de la iluminación y la hora del día, la encarnación más alta fueron los ciclos de pinturas de Monet "Pajares"; , “Catedral de Rouen” y “Parlamento de Londres”.

En general, hubo muchos maestros que trabajaron en el estilo impresionista, pero los fundadores del movimiento fueron Édouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frédéric Bazille y Berthe Morisot. Sin embargo, Manet siempre se llamó a sí mismo un “artista independiente” y nunca participó en exposiciones, y aunque Degas participó, nunca pintó sus obras al aire libre.

Cronología por artista

Impresionistas

Exposiciones

• Primera exposición(15 de abril - 15 de mayo)

• Segunda exposición(Abril )

DIRECCIÓN: calle. Lepeletier, 11 (Galería Durand-Ruel). Participantes: Basil (póstumamente, el artista murió en 1870), Beliard, Bureau, Debutin, Degas, Caillebotte, Cals, Lever, Legros, Lepic, Millet, Monet, Morisot, L. Otten, Pissarro, Renoir, Roir, Sisley, Tillo, francisco

• Tercera exposición(Abril )

DIRECCIÓN: calle. Lepeletye, 6. Participantes: Guillaumin, Degas, Caillebotte, Cals, Cordey, Lever, Lamy, Monet, Morisot, Alphonse Moreau, Piette, Pissarro, Renoir, Roir, Cezanne, Sisley, Tillo, Francois.

• Cuarta exposición(10 de abril - 11 de mayo)

DIRECCIÓN: Avenida Ópera, 28. Participantes: Bracquemont, Madame Bracquemont, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cals, Cassatt, Lebourg, Monet, Piette, Pissarro, Roir, Somm, Tillo, Foren.

• Quinta exposición(1 de abril - 30 de abril)

DIRECCIÓN: calle. Pirámide, 10. Participantes: Bracquemont, Madame Bracquemont, Vidal, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cassatt, Lebourg, Lever, Morisot, Pissarro, Raffaelli, Roir, Tillo, Foren.

• Sexta exposición(2 de abril - 1 de mayo)

DIRECCIÓN: Boulevard Capucines, 35 (estudio del fotógrafo Nadar). Participantes: Vidal, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Cassatt, Morisot, Pissarro, Raffaelli, Roir, Tillo, Foren.

• Séptima exposición(Marzo )

DIRECCIÓN: Faubourg-Saint-Honoré, 251 (En Durand-Ruel). Participantes: Vignon, Guillaumin, Gauguin, Caillebotte, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley.

• Octava exposición(15 de mayo - 15 de junio)

DIRECCIÓN: calle. Laffitte, 1. Participantes: Madame Braquemont, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Casset, Morisot, Camille Pissarro, Lucien Pissarro, Redon, Roir, Seurat, Signac, Tillo, Forain, Schuffenecker.

Impresionismo en la literatura.

En la literatura, el impresionismo no se desarrolló como un movimiento separado, pero sus características se reflejaron en el naturalismo y el simbolismo.

En primer lugar, se caracteriza por la expresión de la impresión privada del autor, el rechazo de una imagen objetiva de la realidad, la descripción de cada momento, que debería haber implicado la ausencia de trama, historia y la sustitución del pensamiento por la percepción, y razón con instinto. Las principales características del estilo impresionista fueron formuladas por los hermanos Goncourt en su obra "Diario", donde frase famosa « Ver, sentir, expresar: todo esto es arte."convertirse posición central para muchos escritores.

En el naturalismo, el principio fundamental era la veracidad, la lealtad a la naturaleza, pero está sujeta a impresión y, por tanto, la apariencia de la realidad depende de cada persona y de su temperamento. Esto se expresa más plenamente en las novelas de Emile Zola, sus descripciones detalladas de olores, sonidos y percepciones visuales.

El simbolismo, por el contrario, exigía un rechazo del mundo material y un retorno al ideal, pero la transición sólo es posible a través de impresiones fugaces, que revelan la esencia secreta en las cosas visibles. Un ejemplo sorprendente impresionismo poético - colección

“El nuevo mundo nació cuando lo pintaron los impresionistas”

Henri Kahnweiler

Siglo XIX. Francia. En la pintura sucedió algo sin precedentes. Un grupo de jóvenes artistas decidió romper con tradiciones de 500 años. En lugar de un dibujo claro, utilizaron un trazo amplio y "descuidado".

Y abandonaron por completo las imágenes habituales que representan a todos en una fila. Y damas de fácil virtud y caballeros de dudosa reputación.

El público no estaba preparado para la pintura impresionista. Fueron ridiculizados y reprendidos. Y lo más importante es que no les compraron nada.

Pero la resistencia fue rota. Y algunos impresionistas vivieron para ver su triunfo. Es cierto que ya tenían más de 40 años. Como Claude Monet o Auguste Renoir. Otros esperaron el reconocimiento sólo al final de sus vidas, como Camille Pissarro. Algunos no vivieron para verlo, como Alfred Sisley.

¿Qué revolucionario logró cada uno de ellos? ¿Por qué el público tardó tanto en aceptarlos? Aquí están los 7 más famosos. impresionistas franceses, a quien todo el mundo conoce.

1. Édouard Manet (1832-1883)

Édouard Manet. Autorretrato con paleta. 1878 Colección privada

Manet era mayor que la mayoría de los impresionistas. Él fue su principal inspiración.

El propio Manet no pretendía ser el líder de los revolucionarios. Él era mundano. soñé sobre premios oficiales.

Pero esperó mucho tiempo para recibir el reconocimiento. El público quería ver diosas griegas o, en el peor de los casos, bodegones, para que queden bonitos en el comedor. Manet quería escribir vida moderna. Por ejemplo, cortesanas.

El resultado fue "Desayuno sobre la hierba". Dos dandis se relajan en compañía de damas de fácil virtud. Uno de ellos, como si nada, se sienta junto a los hombres vestidos.

Édouard Manet. Desayuno en el pasto. 1863, París

Compárese su Almuerzo sobre la hierba con Romanos en decadencia de Thomas Couture. La pintura de Couture causó sensación. El artista se hizo famoso al instante.

"Desayuno sobre la hierba" fue acusado de vulgaridad. A las mujeres embarazadas no se les recomendaba en absoluto que la miraran.

Tomás Costura. Romanos en su decadencia. 1847 Museo de Orsay, París. artchive.ru

En la pintura de Couture vemos todos los atributos del academicismo ( pintura tradicional Siglos XVI-XIX). Columnas y estatuas. Pueblo de apariencia apolínea. Colores apagados tradicionales. Modales de poses y gestos. Una trama de la vida lejana de un pueblo completamente diferente.

“Desayuno sobre la hierba” de Manet tiene un formato diferente. Antes de él, nadie había representado a las cortesanas con tanta facilidad. Cercano a ciudadanos respetables. Aunque muchos hombres de aquella época pasaban así su tiempo libre. Fue vida real gente real.

Una vez interpreté a una dama respetable. Feo. No podía halagarla ni con un cepillo. La señora quedó decepcionada. Ella lo dejó llorando.

Édouard Manet. Angelina. 1860 Museo de Orsay, París. Wikimedia.commons.org

Entonces continuó experimentando. Por ejemplo, con el color. No intentó representar el llamado color natural. Si veía el agua de color marrón grisáceo como azul brillante, entonces la representaba como azul brillante.

Esto, por supuesto, irritó al público. “Ni siquiera el mar Mediterráneo puede presumir de ser tan azul como el agua de Manet”, bromeaban.

Édouard Manet. Argenteuil. Museo de 1874 Bellas Artes, Tournai, Bélgica. Wikipedia.org

Pero el hecho sigue siendo un hecho. Manet cambió radicalmente el propósito de la pintura. La pintura se convirtió en la encarnación de la individualidad del artista, que pinta como le place. Olvidándose de patrones y tradiciones.

Las innovaciones no fueron perdonadas durante mucho tiempo. Recibió reconocimiento sólo al final de su vida. Pero ya no lo necesitaba. Estaba muriendo dolorosamente por enfermedad incurable.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Autorretrato con boina. 1886 Colección privada

A Claude Monet se le puede llamar un impresionista de libro de texto. Como fue fiel a esta dirección durante toda su larga vida.

No pintó objetos ni personas, sino una construcción monocromática de reflejos y manchas. Trazos separados. Temblores de aire.

Claude Monet. Piscina infantil. 1869 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. metmuseum.org

Monet no solo pintó la naturaleza. También tuvo éxito en paisajes urbanos. Uno de los mas famosos - .

Hay mucha fotografía en esta imagen. Por ejemplo, el movimiento se transmite a través de una imagen borrosa.

Tenga en cuenta: los árboles y las figuras distantes parecen estar envueltos en una neblina.

Claude Monet. Bulevar de los Capucines en París. 1873 (Galería de arte europeo y americano de los siglos XIX y XX), Moscú

Ante nosotros hay un momento congelado en la bulliciosa vida de París. Sin puesta en escena. Nadie está posando. Las personas se representan como una colección de pinceladas. Tal falta de trama y efecto de “fotograma congelado”... caracteristica principal impresionismo.

A mediados de los años 80, los artistas se desilusionaron del impresionismo. La estética es, por supuesto, buena. Pero la falta de trama deprimió a muchos.

Sólo Monet siguió persistiendo, exagerando el impresionismo. Esto se convirtió en una serie de pinturas.

Representó el mismo paisaje decenas de veces. En diferentes momentos del día. EN tiempos diferentes del año. Mostrar cómo la temperatura y la luz pueden cambiar la misma especie más allá del reconocimiento.

Así aparecieron innumerables pajares.

Pinturas de Claude Monet en el Museo de Bellas Artes de Boston. Izquierda: Pajares al atardecer en Giverny, 1891. Derecha: Pajar (efecto nieve), 1891.

Tenga en cuenta que las sombras de estas pinturas están coloreadas. Y no gris ni negro, como era costumbre antes de los impresionistas. Este es otro de sus inventos.

Monet logró disfrutar del éxito y bienestar material. Después de los 40 ya se olvidó de la pobreza. Tengo una casa y un hermoso jardín. Y creó para su propio placer. largos años.

Lea sobre la pintura más emblemática del maestro en el artículo.

3. Augusto Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Auto retrato. 1875 Instituto de Arte Sterling y Francine Clark, Massachusetts, Estados Unidos. Pinterest.ru

El impresionismo es la pintura más positiva. Y el más positivo entre los impresionistas fue Renoir.

No encontrarás drama en sus pinturas. Incluso pintura negraél no lo usó. Sólo la alegría de ser. Incluso las cosas más banales de Renoir lucen hermosas.

A diferencia de Monet, Renoir pintaba personas con más frecuencia. Los paisajes eran menos importantes para él. En los cuadros sus amigos y conocidos se relajan y disfrutan de la vida.

Pierre-Auguste Renoir. Desayuno de los remeros. 1880-1881 Colección Phillips, Washington, Estados Unidos. Wikimedia.commons.org

No encontrarás ninguna profundidad en Renoir. Estaba muy contento de unirse a los impresionistas, que abandonaron por completo los temas.

Como él mismo dijo, finalmente tiene la oportunidad de pintar flores y llamarlas simplemente “Flores”. Y no inventes ninguna historia sobre ellos.

Pierre-Auguste Renoir. Mujer con sombrilla en el jardín. 1875 Museo Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com

Renoir se sentía mejor en compañía de mujeres. Pidió a sus doncellas que cantaran y bromearan. Cuanto más estúpida e ingenua fuera la canción, mejor para él. Y la charla de los hombres lo cansaba. No es de extrañar que Renoir sea famoso por sus cuadros de desnudos.

La modelo del cuadro “Desnudo en luz de sol”parece aparecer sobre un fondo abstracto y colorido. Porque para Renoir nada es secundario. El ojo del modelo o una sección del fondo son equivalentes.

Pierre-Auguste Renoir. Desnudo a la luz del sol. 1876 ​​Museo de Orsay, París. wikimedia.commons.org

Renoir vivió una larga vida. Y nunca dejé el pincel y la paleta. Incluso cuando sus manos estaban completamente encadenadas por el reumatismo, ató el cepillo a su mano con una cuerda. Y dibujó.

Al igual que Monet, esperó el reconocimiento después de 40 años. Y vi mis cuadros en el Louvre, al lado de mis obras maestros famosos.

Lea sobre uno de los retratos más encantadores de Renoir en el artículo.

4. Édgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Auto retrato. 1863 Museo Calouste Gulbenkian, Lisboa, Portugal. cultural.com

Degas no fue un impresionista clásico. No le gustaba trabajar plein air (al aire libre). No encontrarás una paleta deliberadamente aligerada con él.

Al contrario, le encantaba una línea clara. Tiene mucho negro. Y trabajó exclusivamente en el estudio.

Pero aún así siempre se le pone en fila con otros grandes impresionistas. Porque era un impresionista del gesto.

Ángulos inesperados. Asimetría en la disposición de los objetos. Personajes tomados por sorpresa. Estos son los principales atributos de sus pinturas.

Detuvo momentos de la vida, sin permitir que los personajes recobraran el sentido. Basta con mirar su “Orquesta de Ópera”.

Edgar Degas. Orquesta de ópera. 1870 Museo de Orsay, París. commons.wikimedia.org

En primer plano está el respaldo de una silla. El músico nos da la espalda. Y al fondo las bailarinas en el escenario no encajaban en el “marco”. Sus cabezas son "cortadas" sin piedad por el borde de la imagen.

Por eso sus bailarinas favoritas no siempre aparecen representadas en hermosas poses. A veces simplemente hacen estiramientos.

Pero esa improvisación es imaginaria. Por supuesto, Degas pensó cuidadosamente en la composición. Esto es sólo un efecto de cuadro congelado, no un cuadro congelado real.

Edgar Degas. Dos bailarines de ballet. 1879 Museo Shelburne, Vermut, EE.UU.

A Edgar Degas le encantaba pintar mujeres. Pero la enfermedad o las características del cuerpo no le permitían tener contacto físico con ellos. Nunca ha estado casado. Nadie lo ha visto nunca con una dama.

La ausencia de temas reales en su vida personal añadió un erotismo sutil e intenso a sus imágenes.

Edgar Degas. Estrella del ballet. 1876-1878 Museo de Orsay, París. wikimedia.comons.org

Tenga en cuenta que en el cuadro "Ballet Star" solo está representada la propia bailarina. Sus colegas detrás de escena apenas son visibles. Sólo unas pocas piernas.

Esto no significa que Degas no completara el cuadro. Esta es la recepción. Mantenga solo las cosas más importantes enfocadas. Haz que el resto desaparezca, ilegible.

Lea sobre otras pinturas del maestro en el artículo.

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Édouard Manet. Retrato de Berthe Morisot. 1873 Museo Marmottan-Monet, París.

Berthe Morisot rara vez se sitúa en la primera fila de los grandes impresionistas. Estoy seguro de que es inmerecido. Es en su obra donde encontrarás todas las características y técnicas principales del impresionismo. Y si te gusta este estilo, amarás su trabajo con todo tu corazón.

Morisot trabajó con rapidez e impetuosidad, trasladando sus impresiones al lienzo. Las figuras parecen estar a punto de disolverse en el espacio.

Berthe Morisot. Verano. 1880 Museo Fabray, Montpellier, Francia.

Al igual que Degas, a menudo dejaba algunos detalles sin terminar. E incluso partes del cuerpo de la modelo. No podemos distinguir las manos de la niña del cuadro “Verano”.

El camino de Morisot hacia la autoexpresión fue difícil. No sólo se dedicó a pintar “descuidadamente”. Ella todavía era una mujer. En aquella época, una dama soñaba con casarse. Después de lo cual se olvidó cualquier afición.

Por lo tanto, Bertha rechazó el matrimonio durante mucho tiempo. Hasta que encontró un hombre que respetaba su ocupación. Eugene Manet era hermano del artista Edouard Manet. Obedientemente llevaba un caballete y pinturas detrás de su esposa.

Berthe Morisot. Eugène Manet con su hija en Bougival. 1881 Museo Marmottan-Monet, París.

Pero aún así, esto fue en el siglo XIX. No, no usé pantalones Morisot. Pero no podía permitirse una libertad total de movimiento.

No podía ir sola al parque a trabajar, sin estar acompañada de alguien cercano a ella. No podía sentarme solo en un café. Por eso, sus cuadros son de personas del círculo familiar. Marido, hija, parientes, niñeras.

Berthe Morisot. Una mujer con un niño en un jardín de Bougival. 1881 Museo Nacional Gales, Cardiff.

Morisot no esperó el reconocimiento. Murió a la edad de 54 años a causa de una neumonía, sin vender casi ninguna de sus obras durante su vida. En su certificado de defunción había un guión en la columna "ocupación". Era impensable que una mujer fuera llamada artista. Incluso si realmente lo fuera.

Lea sobre las pinturas del maestro en el artículo.

6. Camille Pissarro (1830 – 1903)

Camille Pissarro. Auto retrato. 1873 Museo de Orsay, París. Wikipedia.org

Camille Pissarro. Sin conflicto, razonable. Muchos lo percibieron como un maestro. Ni siquiera los compañeros más temperamentales hablaban mal de Pissarro.

Fue un fiel seguidor del impresionismo. En gran necesidad, con esposa y cinco hijos, todavía trabajaba duro en su estilo favorito. Y nunca pasó a la pintura de salón para hacerse más popular. No se sabe de dónde sacó la fuerza para creer plenamente en sí mismo.

Para no morirse de hambre, Pissarro pintó abanicos, que fueron comprados con entusiasmo. ¡Pero el verdadero reconocimiento le llegó después de 60 años! Finalmente pudo olvidarse de su necesidad.

Camille Pissarro. Diligencia en Louveciennes. 1869 Museo de Orsay, París

El aire en las pinturas de Pissarro es espeso y denso. Una extraordinaria fusión de color y volumen.

El artista no tuvo miedo de pintar los fenómenos naturales más cambiantes, que aparecen por un momento y desaparecen. Primera nevada, sol helado, largas sombras.

Camille Pissarro. Escarcha. 1873 Museo de Orsay, París

Sus obras más famosas son vistas de París. Con amplios bulevares y una multitud bulliciosa y heterogénea. De noche, de día, con diferente clima. En cierto modo hacen eco de una serie de pinturas de Claude Monet.