Los mejores musicales basados ​​en clásicos de la literatura. Los musicales más famosos del mundo Musicales famosos y sus autores.

Musicales más populares

Andrew Lloyd Weber escribió el famoso musical "El fantasma de la ópera" en parte para darle a su esposa, la cantante Sarah Brightman (fue la primera protagonista femenina) la oportunidad de demostrar todo el alcance de su talento. Base literaria Inspirado en la novela policíaca “gótica” “El fantasma de la ópera” de Gaston Leroux. El musical se estrenó en 1986 en el Royal Theatre de Londres y dos años más tarde la obra se representó en Broadway. El Fantasma de la Ópera fue recibido con entusiasmo: más de 11 millones de personas lo vieron sólo en Nueva York. El musical se representó en 18 países de todo el mundo, recibió más de 50 premios y se hicieron 7 películas basadas en él. El último de ellos, filmado en 2004 por Joel Schumacher (el propio Webber actuó como productor), se ganó el amor y el reconocimiento tanto de los espectadores como de la crítica, y recibió tres nominaciones al Oscar.

El musical El violinista en el tejado se estrenó en Broadway en 1964. El coreógrafo de la actuación, basada en la historia de Sholem Aleichem "Tevye the Milkman", fue Jerome Robbins, el libreto fue escrito por Joseph Stein y la música fue escrita por Jerry Bock. El musical rápidamente ganó reconocimiento: la producción original recibió nueve premios Tony y no abandonó los escenarios durante casi nueve años, después de lo cual fue revivida tres veces más. En 1971, Norman Juice hizo una película basada en el musical, que ganó tres premios Oscar y un Globo de Oro.

La base del legendario musical, creado por el compositor Frederick Lowe y el libretista Alan Lerner, fue el drama Pygmallion de Bernard Shaw. Una versión musical de la historia de un profesor de fonética que convierte a una florista callejera en una " una verdadera dama” y se enamora de ella en el camino, se presentó por primera vez al público en 1956 y pronto ganó gran popularidad tanto en Broadway como en Londres. El musical fue traducido a 11 idiomas y en 1964 se estrenó una película protagonizada por Audrey Hepburn. La versión cinematográfica también fue un éxito rotundo: recibió 12 nominaciones al Oscar y ganó ocho de ellas.

La música del musical de culto fue escrita por Andrew Lloyd Webber y el libreto fue escrito por Tim Rice. “Jesucristo Superstar” fue concebida como una ópera de larga duración, sin episodios “hablados”, sólo voces y recitativos. La ópera rock se lanzó como álbum de audio en 1970 y la grabación se convirtió instantáneamente en un éxito. En 1971, el musical se representó en Broadway, en 1972, en Londres, en 1973, apareció una versión cinematográfica, dirigida por Norman Jewison y galardonada con el Oscar a la mejor música. “Jesucristo Superstar” se presenta en muchos países del mundo y es considerado uno de los símbolos de la “generación hippie”.

El musical internacionalmente popular nació del amor del famoso compositor Andy Lloyd Webber por el Libro de los gatos prácticos del viejo Possum, la serie de poemas infantiles de Eliot. Durante muchos años, Webber escribió música para estos poemas de "fondo" y, como resultado, el material acumulado se transformó en un musical. Se estrenó en Londres en 1981 y un año después Cats se estrenó en Broadway. Y se convirtieron en el musical de mayor duración de la historia, sin abandonar los escenarios durante 20 años (6.400 funciones), se representaron en 30 países, batieron todos los récords de taquilla posibles y reunieron una impresionante colección de premios de teatro y música.

En 1924, el periodista del Chicago Tribune Maurice Watkins publicó una serie de artículos sobre mujeres que mataban a sus maridos o amantes. Más tarde dejó el periódico y entró en la facultad de Derecho, pero aún conservaba el recuerdo del revuelo periodístico en torno a este tipo de delitos. Y un día, como tarea de clase, escribió la obra “Chicago”. La obra se presentó en Broadway e incluso se llevó al cine. Y muchos años después, el famoso director y coreógrafo de Broadway Bob Fosse convirtió a Chicago en un musical. La música, estilizada en los años 20, fue escrita por John Kander. El estreno tuvo lugar en 1975, el musical se representó varias veces en Broadway y Londres y viajó por todo el mundo. En 2002 se estrenó una versión cinematográfica del musical protagonizado por Renee Zellweger, Catherine Zeta-Jones y Richard Gere, que recibió 6 premios Oscar y un Globo de Oro.

La base del "Cabaret". se convirtieron en las historias de Christopher Isherwood sobre la vida en Alemania en la década anterior a la guerra, durante la formación del nazismo, y en la obra de John Van Druten "I Am a Camera" sobre el amor de un cantante de cabaret berlinés y un aspirante a escritor estadounidense. El musical, dirigido por el famoso director Harold Prince, se estrenó en Broadway en 1966. El libreto fue escrito por Joe Masteroff, la letra de Fred Ebb y la música de John Kanzer. La obra recibió ocho premios Tony y recibió una residencia permanente en Broadway. Y en 1972 se estrenó una versión cinematográfica, dirigida por Bob Fosse con la brillante Liza Minnelli en el papel principal y recibió 8 premios Oscar.

Un espectáculo espectacular, coreografías intrincadas, atuendos extravagantes y, por supuesto, ¡música única! Todo ello hace que el musical se destaque entre otros géneros teatrales. Bueno, nosotros, a su vez, te invitamos a sumergirte en el mundo. libreto musical y recuerda éxitos icónicos de musicales y óperas rock.

Éxitos de musicales y óperas rock que cautivaron al oyente

10 El musical “Los Miserables” – Estrellas

Nuestro Top 10 abre con el musical “Los Miserables” basado en la novela homónima del legendario escritor francés Victor Hugo. Alain Biboul trabajó en el libreto y Claude-Michel Schonbert en el diseño musical. Su exitosa alianza se refleja brillantemente en la composición "Stars". Por cierto, la producción en inglés no abandonó los escenarios durante 31 años y luego recibió el título del musical de mayor duración en la historia del West End.

9 El musical “Gatos” – Memoria

¿Qué pasa con los gatos? El musical "Cats" del famoso compositor británico Andrew Lloyd Webber nos presenta no solo una trama extraordinaria, sino también una música fascinante. Aquí, sin duda, cabe destacar la composición "Memory", cuyo autor fue Trevor Nunn.

8 Ópera rock “Juno y Avos” - Nunca te olvidaré

¿Cómo podemos recordar los éxitos de los musicales y las óperas rock sin Andrei Voznesensky y sus inmortales poemas? Es "Juno y Avos" la que se considera legítimamente una de las óperas rock rusas más famosas, y la composición de Alexey Rybnikov "Nunca te olvidaré" continúa hasta el día de hoy penetrando en los rincones ocultos del alma de cada vez más generaciones.

7 El musical “Romeo y Julieta” – Les Rois Du Monde

Canciones de versión francesa Este musical ha ocupado repetidamente el primer lugar en las listas musicales. Estamos hablando de la producción de Romeo y Julieta de Gerard Presgurvik. Gerard, como todo un profesional en su campo, escribió no sólo el libreto, sino también la música de la obra. La composición más querida por el público fue "Les Rois Du Monde".

6 El musical “El Rey León” – ¿Puedes sentir el amor esta noche?

Seguramente todos recordamos la conmovedora caricatura de Walt Disney "El Rey León". Así que aquí está para todos los amantes. escenario de teatro la incomparable Julie Taymor decidió montar el musical en colaboración con Disney Theatrical. La banda sonora principal de la producción fue la famosa composición de Elton John “Can you feel the love tonight”, escrita con letra de Tim Rice.

5 El musical “Chicago” – Y todo ese jazz

Un verdadero hito del arte del compositor John Kander se encuentra en el quinto lugar de nuestra clasificación. El musical "Chicago" cobra vida con la banda sonora "And All That Jazz". John Kander es conocido desde hace mucho tiempo por su colaboración a largo plazo con el poeta Fred Ebb, y la composición "And All That Jazz" puede, sin exagerar, considerarse un reflejo de la era rugiente de la década de 1920 en Estados Unidos.

4 El musical “El Fantasma de la Ópera” – Música de la Noche

Y nuevamente en nuestra calificación está el logro supremo del maestro Andrew Lloyd Webber, basado en la novela del mismo nombre del escritor francés Gaston Leroux. "El Fantasma de la Ópera" no ha abandonado los escenarios de los teatros mundiales desde hace 30 años y recientemente llegó a Rusia. Y la composición "Music of the Night" se ha ganado durante mucho tiempo los corazones de millones de oyentes en todo el mundo.

3 Ópera rock “Jesucristo Superstar” – Sólo quiero decir

Los tres finalistas son inaugurados por la ópera rock más exitosa, “Jesucristo Superstar”, que dio fama mundial a su creador Andrew Lloyd Webber. La ópera rock, que cuenta coloridamente la historia de los últimos días de la vida de Jesucristo, provocó una gran protesta pública y se convirtió en una obra de culto para toda una generación, y la canción principal "Solo quiero decir", grabada por el cantante. Murray Head, causó verdadera sensación.

2 Ópera rock “Mozart” – L'Assasymphonie

La ópera rock Mozart es sin duda un tesoro del siglo XXI. Sus creadores, Dove Attia y Albert Cohen, decidieron mostrar al mundo entero que Mozart era una auténtica estrella del rock de su época, un genio rebelde cuyo destino estuvo lleno de altibajos. La banda sonora "L'Assasymphonie" se convirtió en una verdadera bomba pop-rock que hizo estallar al mundo entero, e incluso recibió los NRJ Music Awards en la categoría "Canción francófona del año".

1 El musical “Notre-Dame de Paris” – Bella

Entonces, Gran Premio El premio del público es para el musical Notre Dame de Paris, basado en la novela de Victor Hugo, mencionada anteriormente en nuestra clasificación. Creada por el compositor Riccardo Cocciante y el poeta Luc Plamondon, la composición “Belle” fue un éxito sin precedentes y también fue reconocida como la mejor canción del cincuentenario. Lo que le da derecho a superar otros éxitos de musicales y óperas rock.

Sólo después de muchos años de largo y doloroso trabajo nace el musical. Se acerca el gran día del estreno.

1. “Mi maravillosa mujer" (Mi hada dama) (1956)

Frederick Lowe (el autor de la música) y Alan Jay Lerner (el autor del libreto y la letra de la canción), después de analizar el material dramático de la obra de Bernard Shaw "Pygmalion", decidieron escribir un musical. La trama del musical repite en gran medida la obra de Shaw, la historia de la transformación. protagonista desde una vulgar florista hasta una joven encantadora.

El profesor de fonética Henry Higgins hace una apuesta con su colega lingüista, el coronel Pickering: se compromete a convertir a una florista londinense llamada Eliza Doolittle en una verdadera dama. Eliza se muda a la casa del profesor, aprender no es fácil, pero al final comienza a progresar. En el baile de la embajada, Eliza aprueba el examen con gran éxito. El final del musical es optimista: Eliza regresa con su maestro Higgins.

El estreno en Broadway del musical tuvo lugar el 15 de marzo de 1956. El estreno en Londres tuvo lugar en abril de 1958. El papel de Higgins fue interpretado por Rex Harrison y Eliza fue interpretada por Julie Andrews. El espectáculo se hizo tremendamente popular inmediatamente; las entradas se agotaron con seis meses de antelación. Sin embargo, el éxito abrumador del musical fue una completa sorpresa para sus creadores.

El musical se representó en Broadway 2.717 veces y en Londres 2.281 veces. Fue traducido a once idiomas, incluido el hebreo, y se representó con éxito en más de veinte países. El musical recibió 6 premios Tony. La grabación original del elenco de Broadway vendió más de cinco millones de copias y la película del mismo nombre de George Cukor se estrenó en 1964. Warner Brothers pagó una cantidad récord de 5,5 millones de dólares por los derechos cinematográficos del musical. El papel de Eliza fue para Audrey Hepburn, y Rex Harrison pasó con éxito de escenario teatral en la gran pantalla. La película fue nominada al Oscar y recibió ocho de 12 estatuillas.

El musical “My Fair Lady” sigue siendo amado por el público y gracias al productor Cameron Mackintosh y al director Trevor Nunn, el espectáculo todavía se puede ver en Londres.

2. “El sonido de la música” (1959)

En 1958, los guionistas estadounidenses Howard Lindsay y Russell Cruise, junto con el productor Richard Halliday y su esposa, la actriz Mary Martin, se unieron para trabajar en una obra basada en la película alemana "La familia Von Trapp". La película contaba la historia de una familia austriaca que, huyendo de la persecución nazi, se vio obligada a abandonar su tierra natal e ir a Estados Unidos. La historia no fue inventada: la película se basó en un libro escrito por una participante directa en los eventos descritos, Maria von Trapp.

Mary Martin era una estrella del teatro musical y, aunque esta vez se trataba de una actuación dramática, no podía negarse el placer de actuar como cantante. Originalmente para arreglo musical los autores tenían la intención de utilizar la producción Canciones folk e himnos religiosos del repertorio de la familia von Trapp. Sin embargo, Mary quiso interpretar una canción escrita especialmente para ella. Martin contó con la ayuda del compositor Richard Rodgers y el libretista Oscar Hammerstein. Compusieron números musicales completamente nuevos, convirtiendo la obra en el musical "El sonido de la música".

El 16 de noviembre de 1959 tuvo lugar el estreno en Broadway. El director de la obra fue David Jay Donahue. El papel principal, por supuesto, lo interpretó Mary Martin, el papel del Capitán von Trapp lo interpretó Theodor Bikel. El público, enamorado de Mary Martin, hizo todo lo posible por entrar en el musical, lo que aseguró excelentes ingresos en taquilla.

The Sound of Music se presentó 1.443 veces y ganó 8 premios Tony, incluido el de Mejor Musical, y el álbum original recibió un Grammy. En 1961, el musical realizó una gira por Estados Unidos y ese mismo año se estrenó en Londres, donde estuvo en cartelera durante más de seis años, convirtiéndose así en el musical estadounidense de mayor duración en la historia del West End.

En junio de 1960, 20th Century Fox adquirió los derechos cinematográficos por 1,25 millones de dólares. La trama de la película era algo diferente de la historia contada en la obra, pero fue en esta versión donde "El sonido de la música" ganó fama mundial. El estreno mundial de la película tuvo lugar en Nueva York el 2 de marzo de 1965. La película fue nominada al Oscar en 10 categorías, de las cuales ganó cinco.

La adaptación cinematográfica no se convirtió en la última página de la historia del musical; todavía es amada por el público y se representa en todo el mundo. En los años 90, el espectáculo se podía ver en Reino Unido, Sudáfrica, China, Países Bajos, Suecia, Islandia, Finlandia, Perú, Israel y Grecia.

3. “Cabaret” (1966)

La base literaria de esta legendaria actuación fue la serie de cuentos "Berlin Stories" de Christopher Isherwood sobre la Alemania de principios de los años 30 y la obra "I Am a Camera" de John Van Druten. El musical cuenta la historia del romance entre el joven escritor estadounidense Cliff Bradshaw y la cantante del cabaret berlinés “Kit-Kat Club” Sally Bowles.

El destino de un joven inglés, Brian Roberts, un aspirante a escritor obligado a ganar un dinero extra dando clases, le lleva al Berlín de los años 30. Conocer a la estadounidense Sally, una cantante de cabaret, le brinda a Brian una experiencia nueva e inolvidable. El escritor y el cantante se enamoraron, pero están destinados a vivir la separación. Sally se niega a ir con su amante a París y Cliff se marcha de Berlín con el corazón roto. Cabaret, último refugio el espíritu de libertad, lleno de gente con esvásticas en la manga...

El estreno tuvo lugar el 20 de noviembre de 1966. La producción estuvo a cargo del famoso director de Broadway Harold Prince, John Kantzer escribió la música, la letra fue escrita por Fred Ebb y el libreto fue escrito por Joe Masteroff. El elenco original incluía a Joel Gray (maestro de ceremonias), Jill Haworth (Sally), Bert Convy (Cliff) y otros.

La producción tuvo 1.165 funciones y recibió 8 premios Tony, incluido el de Mejor Musical. En 1972 se estrenó la película “Cabaret” de Bob Fosse con Joel Gray (animador), Liza Minnelli (Sally) y Michael York (Brian). La película recibió ocho premios Oscar.

En 1987, Joel Gray repitió su papel de presentador en una reposición del programa. En 1993 en Londres, y luego, cinco años más tarde, en Broadway, se estrenó completamente nueva producción“Cabaret”, creada por el director Sam Mendes. Esta versión de la obra también recibió numerosos premios. El musical tuvo aproximadamente 2.377 funciones y 37 avances antes de cerrar el 4 de enero de 2004.

4. Jesucristo Superestrella (1971)

Jesucristo fue concebido por Andrew Lloyd Webber (música compuesta) y Tim Rice (libreto) no como un musical tradicional, sino como una ópera en toda regla escrita por un moderno. lenguaje musical, respetando todas las tradiciones operísticas (aria del héroe, coro, aria de la heroína, etc.). A diferencia de los musicales tradicionales, en "Jesucristo" no hay partes dramáticas: todo se basa en voces y recitativos. La combinación de música rock con motivos clásicos, el uso de vocabulario moderno en los textos, su alta calidad, el llamado principio cantado (toda la historia se cuenta exclusivamente a través de canciones, sin el uso de diálogos no cantados) - hizo de "Jesucristo Superstar" un verdadero éxito.

El musical “Jesucristo Superstar” cuenta la historia de los últimos siete días de la vida de Jesús de Nazaret, vistos a través de los ojos de su discípulo Judas Iscariote, quien estaba decepcionado por lo que se habían convertido las enseñanzas de Cristo. La trama abarca el período que va desde la entrada de Jesús en Jerusalén hasta su ejecución en el Gólgota.

La ópera se escuchó por primera vez como álbum en 1970, en el que Rol principal Interpretado por Ian Gillan, quien es el vocalista del "elenco dorado" de Deep Purple, el papel de Judas fue interpretado por Murray Head, Mary Magdalene - Yvonne Elliman. El musical se mostró por primera vez en el escenario de Broadway en 1971. Algunos críticos creen que Jesús fue retratado como el primer hippie de la tierra. La producción de Broadway duró sólo 18 meses.

Una nueva producción del musical se creó en un teatro de Londres en 1972, el papel de Jesús fue interpretado por Paul Nicholas, Judas - Stephen Tate. Esta producción tuvo más éxito, estuvo en escena durante ocho años y se convirtió en el musical de mayor duración. El director estadounidense Norman Jewison hizo un largometraje basado en la obra en 1973. En 1974 la película recibió el Oscar a la mejor música. Además de la excelente música y voz, la película es interesante por su inusual interpretación del tema de Cristo, que representa una alternativa al cristianismo ortodoxo.

Uno de los musicales más famosos, también llamado ópera rock, generó mucha polémica y se convirtió en una obra de culto para toda una generación de hippies, sin perder su relevancia en la actualidad. “Jesucristo Superstar” ha sido traducido al idiomas diferentes, se ha representado muchas veces y durante más de 30 años en escenarios de Australia, Nueva Zelanda, Hungría, Bulgaria, Francia, Suecia, Estados Unidos, México, Chile, Panamá, Bolivia, Alemania, Japón y el Reino Unido.

5. “Chicago” (1975)

El 11 de marzo de 1924, en Chicago, Illinois, el Chicago Tribune publicó un artículo de la periodista Maureen Dallas Watkins sobre cierta actriz de programas de variedades que mató a su novio. Dado que las historias sobre crímenes sexuales eran particularmente populares entre los lectores, el 3 de abril de 1924 se publicó otro artículo de Watkins. Esta vez se trataba de Mujer casada quien le disparó a su amante. El revuelo que acompañó a estos y otros historias de crimen, causó una fuerte impresión en Maureen. Posteriormente, dejó el periódico y se fue a estudiar teatro a la Universidad de Yale. Fue allí donde escribió la obra "Chicago" como tarea de formación.

El 30 de diciembre de 1926 se estrenó en Broadway la obra “Chicago”. La obra tuvo 182 funciones, en 1927 se hizo una película del mismo nombre y en 1942 se estrenó la película "Roxie Hart", dirigida por William Wellman y protagonizada por Ginger Rogers.

Bob Fosse, el famoso coreógrafo y director de Broadway, no podía ignorar semejante trama. Para implementar el proyecto, Fossey reclutó al compositor John Kander y a los libretistas Fred Ebb y Bob Fosse. La partitura de “Chicago” es una brillante estilización de los éxitos estadounidenses de finales de los años 20 y, en términos de su presentación, material musical y su tema, “Chicago”, está muy cerca del vodevil.

Esta es la historia de la bailarina del cuerpo de ballet Roxie Hart, quien asesinó a su amante a sangre fría. Una vez en prisión, Roxy conoce a Velma Kelly y otros asesinos. Roxy recibe ayuda de la directora de la prisión, la matrona Mama Morton, y del entrometido abogado Billy Flynn. El tribunal declara inocente a Roxy, pero esto no le alegra. EN escena final musical, el animador anuncia el debut de “el dúo de dos pecadores brillantes”, las reinas del mundo criminal de Chicago, Velma Kelly y Roxie Hart. Se abrieron paso en el mundo del espectáculo.

El musical se estrenó en el 46th Street Theatre el 3 de junio de 1975, protagonizado por Gwen Verdon como Roxy, Chita Rivera como Velma y Jerry Orbach como Billy. Chicago abrió en el West End recién en 1979. Esta producción no tenía nada en común con la actuación de Bob Fosse. Después de 898 funciones en Broadway y 600 funciones en el West End, el espectáculo fue cancelado. En 1996, el espectáculo fue revivido bajo la dirección de Walter Bobby y la coreógrafa Ann Rinking. Las cuatro funciones representadas en City Center fueron recibidas con tal entusiasmo que los productores del espectáculo decidieron trasladarlo a Broadway. El elenco incluía a Rinking como Roxy, Bebe Neuwirth como Velma, James Naughton como Billy Flynn y Joel Gray como Amos. “Chicago” recibió seis premios Tony, así como un premio Grammy al Mejor Álbum.

En 1997, el musical se estrenó en el Adelphi Theatre de Londres. “Chicago” de Londres recibió el premio Laurence Olivier al “Mejor Musical” y Ute Lemper recibió el premio al “Mejor Musical”. Mejor actriz musical." La obra, en una versión actualizada, se representó en Canadá, Australia, Singapur, Hong Kong, Holanda, Argentina, Alemania, Suecia, México, Japón, Suiza, Austria, Portugal y Rusia.

A finales de 2002, el estudio de cine Miramax estrenó una adaptación cinematográfica del musical protagonizado por Catherine Zeta-Jones (Velma), Renee Zellweger (Roxy) y Richard Gere (Billy Flynn), dirigida y coreografiada por Rob Marshall. La película “Chicago” fue recibida con entusiasmo por el público y recibió el premio Globo de Oro en la categoría “Mejor Musical o Comedia”. Además, la película fue nominada al Oscar en 12 nominaciones, de las cuales ganó seis.

6. “Evita” (1978)

En octubre de 1973, Tim Rice conducía un automóvil y escuchó accidentalmente el final de una transmisión de radio. El programa trataba sobre Evita Perón, la esposa del dictador argentino Juan Perón, y esta historia interesó al poeta. Tim Rice consideró que la historia de vida de Eva bien podría convertirse en el tema de un nuevo musical. Su coautor, Lloyd Webber, no estaba entusiasmado con esta idea, pero después de pensarlo, estuvo de acuerdo.

Rice estudió en detalle la biografía del personaje principal de su futuro musical, visitó bibliotecas de Londres y viajó a Argentina, donde escribió. mayoría historia. “Evita” combina varios estilos musicales, la partitura incluye motivos latinoamericanos. Tim Rice introduce a un narrador en el musical, un tal Che (cuyo prototipo es Ernesto Che Guevara).

En el verano de 1976, en el primer festival en Sydmonton, los invitados recibieron las primeras grabaciones de demostración del nuevo musical de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice. Pronto comenzó la grabación del álbum en el estudio Olympic. El papel de Evita fue interpretado por la actriz Julie Covington, el Che fue interpretado por el joven cantante Colm Wilkinson y Perona fue interpretado por Paul Jones. El álbum fue un gran éxito. Apenas tres meses después de su lanzamiento, el número de copias vendidas fue de 500 mil, e incluso en Argentina, donde el disco estaba prohibido, toda familia que se precie consideró necesario adquirirlo.

El famoso director Hal Prince comenzó a trabajar en la producción. Elaine Paige se convirtió en la nueva Evita y el famoso cantante de rock David Essex fue invitado a interpretar el papel del Che. El estreno de “Evita” tuvo lugar el 21 de junio de 1978. La obra fue un gran éxito y recibió un premio del West End. sociedad de teatro En la categoría “Mejor Musical de 1978”, Elaine Paige recibió el premio a la Mejor Actuación en un Musical. El disco con la grabación del elenco original londinense de “Evita” se convirtió en oro en las primeras semanas después de salir a la venta.

El 8 de mayo de 1979 se inauguró Evita en Los Ángeles. Cuatro meses después del estreno americano, el 21 de septiembre de 1979, la obra fue representada por primera vez en Broadway por el mismo elenco. “Evita” se ganó el corazón del público y recibió 7 premios Tony.

Después del éxito en Broadway, el musical se representó en una gran cantidad de países: Australia, España, México, Austria, Japón, Israel, Corea, Sudáfrica, Hungría. El rodaje comenzó veinte años después del nacimiento de “Evita”. La dirección fue confiada a Alan Parker, Eva Perón fue interpretada por Madonna, la estrella de cine española Antonio Banderas fue invitada a interpretar el papel del Che y el actor británico Jonathan Pryce fue invitado a Perón. Se escribió una nueva canción especialmente para la película: "You Must Love Me", que le valió a sus autores un Oscar.

7. “Los Miserables” (1980)

La novela “Los Miserables” de Victor Hugo renació en el musical creado por el compositor Claude-Michel Schonberg y el libretista Alain Boublil. El trabajo en el musical continuó durante dos años y finalmente se grabó un boceto de dos horas del futuro musical. Con la participación del libretista Jean-Marc Natel, este boceto se convirtió en un álbum conceptual, que se publicó en 1980 y vendió 260.000 copias. El sello distintivo del musical fue un grabado que representa a la pequeña Cosette.

La versión escénica fue presentada a los parisinos el 17 de septiembre de 1980 en el Palacio de Deportes. A la actuación asistieron más de medio millón de personas. Maurice Barrier interpretó el papel de Jean Valjean, Jacques Mercier - Javert, Rose Laurence - Fantine, Marie - Eponine, Fabienne Guyon - Cosette.

En 1982, el joven director Peter Ferago, a quien le gustó mucho el álbum conceptual "Los Miserables", llamó la atención del productor británico Cameron Mackintosh. McIntosh convirtió el proyecto en un espectáculo del más alto calibre. Trabajó en la creación de una nueva versión del musical “Los Miserables” equipo fuerte: los directores fueron Trevor Nunn y John Kaed, el texto en inglés fue compuesto por Herbert Kretzmer en estrecha colaboración con los propios creadores del musical. La obra se representó en el Barbican Theatre bajo los auspicios de la Royal Shakespeare Company. El estreno de la nueva versión del musical tuvo lugar el 8 de octubre de 1985. El Palace Theatre de Londres se enorgullece de presentar la producción más antigua del musical Los Miserables. En total, la obra se representó más de seis mil veces en este teatro.

En 1987, “Los Miserables” cruzó el Atlántico y se instaló en Broadway, iniciando así su marcha triunfal por todo el mundo. A pesar de que el musical tiene más de veinte años, no abandona los escenarios y sigue gozando de gran popularidad en todo el mundo. Los Miserables ha sido traducido a muchos idiomas: japonés, hebreo, húngaro, islandés, noruego, alemán, polaco, sueco, holandés, danés, checo, español, mauritano, criollo, flamenco, finlandés y portugués. En total, el musical "Los Miserables" fue visto por residentes de doscientas ciudades en treinta y dos países de todo el mundo. La creación de Alain Boublil y Claude-Michel Schonberg fue vista por más de 20 millones de espectadores en todo el mundo.

8. “Gatos” (1981)

La base de "Cats" fue un ciclo de poemas infantiles de T.S. El "Libro de los gatos prácticos del viejo zarigüeya" de Eliot, publicado en 1939 en Inglaterra. Se trata de una colección de bocetos irónicos de personajes y hábitos de gatos, detrás de los cuales se pueden adivinar fácilmente varios tipos humanos.

Andrew Lloyd Webber comenzó a componer canciones basadas en los poemas de Eliot a principios de los años 1970. En 1980, el compositor había acumulado suficiente material musical que decidió transformar en un musical. El espectáculo sobre gatos estaba condenado al éxito: los británicos son conocidos por su amor por estos animales. El equipo del musical estaba formado por personas talentosas: el productor Cameron Mackintosh, el director Trevor Nunn, el diseñador teatral John Napier y la coreógrafa Gillian Lynn.

A la hora de llevar las canciones de Webber al escenario, el principal problema al que se enfrentaron los creadores del musical fue la falta de argumento. Afortunadamente, gracias a la viuda de T. S. Eliot, Valerie, los autores tuvieron a su disposición las cartas y los borradores del poeta, de los que extrajeron ideas para el esquema argumental de la obra.

A los actores del musical se les impusieron exigencias especiales: no sólo debían cantar bien y tener una dicción perfecta, sino también ser extremadamente flexibles. En el Reino Unido, reclutar un grupo de 20 personas resultó difícil, por lo que el elenco incluía al director del Royal Ballet, Wayne Sleep, el cantante pop Paul Nicholas, la actriz Elaine Paige y la joven cantante y bailarina Sarah Brightman.

En el teatro "Cats", creado por el diseñador John Napier, no hay telón; la sala y el escenario son un solo espacio, y la acción no se desarrolla frontalmente, sino en toda la profundidad. El escenario está diseñado como un vertedero y está formado por montañas de basura pintorescas, el decorado está equipado con una electrónica sofisticada. Los actores se transforman en elegantes gatos usando capas de maquillaje, medias pintadas a mano, pelucas de pelo de yak, cuellos de piel, colas y collares brillantes.

El musical se estrenó el 11 de mayo de 1981 en Londres y un año después la obra se estrenó en Broadway. Hasta su cierre el 11 de mayo de 2002, la obra se presentó en Londres desde gran éxito, ganándose el título de producción teatral de mayor duración en la historia del teatro inglés (más de 6.400 representaciones). El musical “Cats” batió todos los récords imaginables en Estados Unidos. En 1997, después de 6.138 funciones, el musical fue reconocido como el artista número uno de larga duración de Broadway. A lo largo de 21 años, la producción londinense fue vista por más de 8 millones de personas y sus creadores ganaron 136 millones de libras esterlinas.

Durante su existencia, el musical se representó más de cuarenta veces, fue visitado por más de 50 millones de espectadores en treinta países, traducido a 14 idiomas y el importe bruto total fue actualmente superó los 2.200 millones de dólares. Entre los premios para “Cats” se encuentran el premio Laurence Olivier y el premio Evening Standard al mejor musical, siete premios Tony y el premio Molière francés. Las grabaciones de los elencos originales de Londres y Broadway recibieron premios Grammy.

9. “El fantasma de la ópera” (1986)

El nacimiento del musical comenzó en 1984, cuando el compositor británico Andrew Lloyd Webber se casó con la joven actriz y cantante Sarah Brightman. Teniendo en cuenta la voz de Sarah, Lloyd Webber compuso "Requiem", pero quería mostrar el talento de su esposa en una obra de mayor escala. Esta obra fue el musical “El Fantasma de la Ópera”, basado en novela del mismo nombre El escritor francés Gastón Leroux. Esta es una historia oscura y romántica sobre ser sobrenatural, que vivía en un calabozo bajo la Ópera de París.

Sarah Brightman interpretó el papel del personaje principal, Christina Daae. El papel masculino principal fue realizado por Michael Crawford. El papel del amante de Christina, Raoul, fue interpretado por Steve Barton en el reparto de estreno. El libreto fue creado por Richard Stilgoe y Andrew Lloyd-Webber, la letra de Charles Hart. artista de teatro Maria Bjornson diseñó la famosa máscara del Fantasma e insistió en que la famosa lámpara de araña que caía se bajara hacia el público en lugar de subir al escenario.

El musical se estrenó el 9 de octubre de 1986 en el Her Majesty's Theatre, en presencia de miembros de la familia real. La primera producción de Broadway de Phantom se estrenó en el Majestic Theatre de Nueva York en enero de 1988. Se convirtió en el segundo espectáculo de mayor duración en la historia de Broadway después de Cats, con 10,3 millones de espectadores.

Se realizaron más de 65.000 representaciones de “Phantom” en 18 países, incluidos Japón, Austria, Canadá, Suecia, Alemania y Australia. Las producciones de “El fantasma de la ópera” recibieron más de 50 premios prestigiosos, incluidos tres premios Laurence Olivier y siete premios Tony, siete premios Drama Desk y un premio Evening Standard. “El Fantasma de la Ópera” se ha ganado la simpatía de más de 58 millones de espectadores de todo el mundo. Sólo en Nueva York, casi 11 millones de personas ya la han visto, y más de 80 millones en todo el mundo los ingresos por la venta de entradas de “El fantasma de la ópera” han superado los 3.200 millones de dólares.

10. “Mamá mía” ( madre mía) (1999)

La idea de crear musicales originales Basado en canciones de ABBA, está producido por Judy Kramer. El musical está basado en 22 canciones del grupo. Dado que todas las canciones del original fueron cantadas por mujeres, se propuso como punto de partida una historia sobre una madre y una hija, sobre dos generaciones. Era necesario inventar una historia digna. éxitos famosos Cuarteto sueco. La escritora Katerina Johnson acudió al rescate y escribió una historia sobre una familia que vive en las islas griegas. La historia no es menos interesante para el espectador que las canciones. Katherine pudo organizar lógicamente las canciones en una sola historia, las canciones están divididas en diálogos y coloreadas con nuevas entonaciones. La música fue escrita por Benny Anderson y Bjorn Ulvaeus y dirigida por Phyllida Lloyd.

“Mama Mia” es una comedia romántica, moderna e irónica, que presenta dos líneas principales: una historia de amor y la relación entre dos generaciones. La trama de la obra es un entretejido de situaciones cómicas, que se enfatizan con la alegre música de ABBA, el vestuario original y los ingeniosos diálogos de los personajes. La esencia del proyecto se expresa en el característico logo “Mama Mia”, la imagen de una novia feliz. Esta imagen se ha convertido en una marca reconocida internacionalmente.

Una joven, Sophie, se va a casar. Quiere invitar a su padre a su boda para que él la lleve al altar. Pero ella no sabe quién es él, ya que su madre Donna nunca habló de él. Sophie encuentra el diario de su madre, en el que describe las relaciones con tres hombres. Sofía decide enviar invitaciones a los tres. Todo lo más interesante empieza a suceder cuando llegan los invitados a la boda... Mamá se casa al mismo tiempo que su hija.

La primera prueba del musical "Mama Mia" tuvo lugar el 23 de marzo de 1999, cuando tuvo lugar la proyección previa al estreno en Londres. Entonces la reacción del público podría describirse en una palabra: deleite: la gente en la sala no se quedó ni un minuto en sus asientos, bailaron en los pasillos, cantaron y aplaudieron. El estreno tuvo lugar el 6 de abril de 1999.

Tras la producción londinense, el musical “Mamma Mia” se representa paralelamente en otros 11 lugares del mundo. Los ingresos de taquilla de 11 producciones mundiales ascienden a más de 8 millones de dólares por semana. Más de 27 millones es el número total de espectadores en todo el mundo que visitaron el musical “Mamma Mia”. Cada día, más de 20.000 personas asisten al musical “Mama Mia” en todo el mundo.

1.600 millones de dólares: ingresos de taquilla por el alquiler de “Mama Mia” en todo el mundo.

Durante sus ocho años de duración, el musical se representó en más de 130 ciudades importantes. El álbum con la grabación de la primera producción de “Mama Mia” fue platino en Estados Unidos, Australia y Corea; doble platino en el Reino Unido y oro en Alemania, Suecia y Nueva Zelanda.

15 elegidos

Cada año nuevo compro un calendario. De esos, ya sabes, con hojas arrancables, diferentes aniversarios y eventos para cada día. Casi todo el mes de enero pasa volando sin leer: ¡vacaciones, no hay tiempo! Por tanto, todo lo interesante empieza en febrero. Abro el primer trozo de papel: hace más de 80 años, un día como hoy, se estrenó la primera película musical “Broadway Melody”; los críticos la llamaron “la peor creación de Hollywood”... Sin embargo, la película fue un éxito sin precedentes, recoge. una taquilla impresionante y recibió un Oscar.

En principio, a pesar de que Estados Unidos es considerado el lugar de nacimiento del musical, casi todos los países culturales que se precian consideran que es su deber realizarse en esto (por cierto, si alguien no sabe qué es un musical, entonces Según datos oficiales, se trata de “una obra musical y escénica en la que se entrelazan diálogos, canciones, música y la coreografía juega un papel importante”).

Entonces, nuestro “globo de prueba” es una ópera zong. "Orfeo y Eurídice". Recorrió casi toda la Unión con rotundo éxito, pero nunca vio escenario mundial. Pero... para crédito de los creadores de la ópera zong, hay que decir que se convirtió en el primer musical ruso en recibir un Premio Musical Británico y ser declarado actuación del año. Además, entró en el Libro Guinness de los Récords: ¡el número de actuaciones de un grupo superó las 2000! Por desgracia, sólo conozco extractos populares de esta obra, pero los residentes de San Petersburgo y los invitados de la capital cultural pueden hasta el día de hoy ver "Orfeo" en el escenario del Teatro de la Ópera Rock (en el papel principal, por cierto, de nuevo su primer intérprete Albert Asadulin) .

La primera versión televisiva del musical en Rusia fue " Juno y Avós"Para mí, cuando tenía 12 años, aquel espectáculo fue un verdadero choque cultural y ya lloré... La historia del Conde Rezanov y Conchita difícilmente podía dejar indiferente a nadie. La obra lleva 30 años en el escenario de Lenkom, pero esta es la primera actuación con Karachentsov, Shanina y Abdulov, debes admitir que es la mejor...

No todo el mundo puede presumir de haber visto un “musical en vivo”, y yo no puedo. Pero las películas musicales son nuestro amor universal.

"La llave de oro", "Las aventuras de Pinocho", "Acerca de Caperucita Roja"– Las mágicas producciones infantiles de Alexey Rybnikov, adoradas por todos literalmente desde la cuna, ahora gustan a nuestros hijos.

La canción de Caperucita Roja es nuestra maravillosa infancia... Yana Poplávskaya- el ídolo de los chicos de esos años y la ligera envidia de las chicas.

Musical " La estrella y muerte de Joaquín Murrieta" también puesta en escena por Alexey Rybnikov basada en la cantata dramática de Pablo Neruda en 1976 en el Teatro Lenkom (¡primer lugar en el hit parade de los mejores discos, por cierto!). En 1982, se estrenó en las pantallas de cine una película del mismo nombre. Música maravillosa, pero... ¡una trama ambigua! Lo confieso, todavía solo veo un episodio...

"Puesta del sol (Moldavanka)" Residencia en " Historias de Odesa" y "Sunset" de Isaac Babel (si aún no la has leído, te la recomiendo). La única rusa representada en Estados Unidos se llamó How It Was Done in Odessa ("Cómo se hizo en Odessa"): 30 salas, más de 1000 funciones. Se estrenó con el título "El Bindyuzhnik y el rey".

Se distinguieron especialmente en términos de musicales" Saludos de año nuevo"Los principales canales de televisión rusos...

"Tardes en una granja cerca de Dikanka"- película de comedia musical basada en la obra de N.V. Gógol. La película se convirtió en 2003 en un auténtico regalo de Año Nuevo para los televidentes. “La incomparable Solokha” (Lolita Milyavskaya), la omnipresente licorera Verka Serduchka. ¡Y qué diablo tan encantador logró retratar Philip Kirkorov!

"El día loco o Las bodas de Fígaro"- una comedia musical moderna (Rusia - Ucrania) basada en la obra de Beaumarchais "Crazy Day" (guionista y director Semyon Gorov). Estreno de Año Nuevo 2004. Anastasia Stotskaya, Boris Khvoshnyansky, Lolita Milyavskaya, Philip Kirkorov, Sofia Rotaru - brillante elenco¡Y un verdadero “día loco”!

Y por último, una película independiente que nada tiene que ver con el Año Nuevo.

"hipsters" - una película musical de 2008 dirigida por Valery Todorovsky - sobre la vida de los jóvenes en los años 50, compuesta por éxitos del “rock ruso” en arreglos de jazz y rock and roll: sobre la juventud imprudente y alegre de nuestros abuelos, padres y madres, Nuestro contigo y con aquellos que serán jóvenes después de nosotros...

Al no tener tiempo para terminar el material, no pude soportarlo: puse el disco con "Hipsters" y... "¡Dame este día, dame esta noche, dame al menos una oportunidad!" Mi hijo se acercó: “Mamá, ¿estás viendo “Hipster”? ¡Incluso yo ya la he visto dos veces! Como esto...

¿Qué opinas del género musical en la pantalla rusa?

2. El nacimiento del musical. Orígenes…………………………………………………….. 3
- espectáculo del ministro
- Espirituales
-Jazz
3 . Géneros relacionados con el musical……………………………………………………..... 6
4. Desarrollo del musical. Compositores famosos y producciones…………. 6
- estilo musical (influencia del jazz, ragtime, ideas hippies)
- componentes de un musical

Definición de "musical"

¿Qué es un musical?
La Enciclopedia Musical responde a esto de la siguiente manera: “Un género musical y escénico que utiliza los medios expresivos de la música, el teatro, la coreografía y artes de la ópera. Su combinación e interrelación dieron al musical un dinamismo especial; un rasgo característico de muchos musicales fue la solución de problemas dramáticos graves utilizando medios artísticos que no son difíciles de percibir".
Musical- musical o, como suelen escribir y decir, musical - una forma abreviada de los conceptos Comedia musical (comedia musical) y Juego musical (juego musical, actuación musical) - Se trata de una obra escénica en la que se mezclan canciones y diálogos, música y danzas. El musical es uno de los géneros más de moda del teatro musical moderno. Algunos la consideran simplemente una versión americana de la opereta. Esto no es gran error. Los géneros artísticos tienden a evolucionar y la opereta ha cambiado repetidamente de ámbito nacional y especificidad de género. Las operetas sentimentales y melodramáticas de I. Kalman y F. Lehár eran tan diferentes de la opereta vienesa de finales del siglo XIX, y las comedias musicales de autores soviéticos eran tan diferentes de los productos occidentales que en ocasiones también dieron lugar a hablar de ellas como un nuevo género. Las palabras “esto no es una opereta” eran bien conocidas por muchos autores de operetas del siglo XX. Pero precisamente en Estados Unidos teatro musical Se ha producido un salto cualitativo que permite a muchos considerar el musical como un género escénico independiente, aunque en una relación de estrecho parentesco y continuidad con la opereta.
Los progenitores de este género son considerados. opereta, ópera cómica, vodevil, burlesco. Las tramas de los musicales a menudo se toman de obras literarias famosas, del drama mundial, como "My Fair Lady" de Bernard Shaw, "Kiss Me, Kate!" de Shakespeare, “El hombre de La Mancha” de Cervantes, “¡Oliver!” y "Noche de puertas abiertas" de Dickens. Los musicales son una de las artes escénicas más comerciales. Esto se debe a su entretenimiento y costosos efectos especiales.historias.

El nacimiento del musical. Orígenes
El arte de contar historias a través de canciones se remonta a tiempos inmemoriales. Los antiguos griegos incluían la música y la danza en sus representaciones teatrales ya en el siglo V a.C. Algunos escribieron canciones especiales para cada musical, otros utilizaron canciones existentes. Estas obras combinaban humor, sátira política y social y cualquier otra cosa que pudiera entretener a las masas. Con la ayuda de canciones fue posible comentar acciones y hablar de lo que estaba pasando. Los romanos copiaron casi todas las formas y tradiciones del teatro griego, pero también hicieron algunos cambios. En particular, comenzaron a forrar los zapatos con metal para que se escuchara mejor el movimiento de los bailarines, lo que empezó a enfatizar la importancia de los efectos especiales.
El lugar de nacimiento del musical son, legítimamente, los Estados Unidos de América. El modo americano de desarrollo, en el ámbito político o cultural, se considera especial. Los historiadores lo llaman "al estilo americano". Debido a la gran cantidad de colonos y puritanos, el arte teatral en América no pudo desarrollarse de la misma manera que el arte europeo.
Los puritanos, que lucharon no solo por la pureza de la fe, sino también por la pureza de la vida, impusieron a la gente la opinión de que el teatro era un género teatral bajo. Estaban seguros de que una persona podía recibir desarrollo espiritual sólo a través del ascetismo y el intelecto; ni lo uno ni lo otro, según los puritanos, estaban presentes en el teatro. A pesar de una opresión tan dura e insoportable, el teatro estadounidense no desapareció, pero algunos de sus géneros nunca salieron a la luz. Hasta el siglo XIX, el teatro en Estados Unidos era ilegal y contracultural, por lo que florecieron formas toscas y simplificadas. Los actores eran en su mayoría inmigrantes de Europa, o “americanos negros”; añadían su música folklórica a las representaciones teatrales. Así, ya en la segunda mitad del siglo XIX se produjo la formación. Las representaciones en el teatro estadounidense fueron principalmente entretenidas. Primero aparece una cosa y luego la persona piensa cómo llamarla. Así obtuvieron sus nombres estas actuaciones. "Espectáculo de ministros"(el término en sí apareció en 1837): el nombre en sí habla de la ironía de sus creadores. A pesar de que la tradición de disfrazarse de negros tuvo lugar entre las representaciones caseras de los colonos blancos en Estados Unidos a finales del siglo XVII, los espectáculos de juglares se desarrollaron como una forma integral de arte de entretenimiento a finales de la década de 1820. en USA. Las actuaciones dieron impulso a la popularidad de los espectáculos de juglares. Arroz Thomas Dartmouth, en particular su número "Jim Crow"- composición musical y danza imitando el estilo negro. La popularidad de este acto fue tan amplia que Rice tomó el seudónimo de "Jim Crow" y realizó giras por Estados Unidos y Europa. Siguiendo sus pasos en la década de 1830. Comenzaron a aparecer conjuntos instrumentales y vocales e intérpretes solistas similares. A mediados de la década de 1840. Los espectáculos de juglar, también llamados espectáculos "etíopes" (que, además de música y baile, incluían sketches cómicos cortos con diálogos, sketches, etc.) se convirtieron en una de las formas de entretenimiento más populares en Estados Unidos, especialmente en los estados del norte. . Los juglares parodiaban la vida y los modales de los negros, presentándolos a menudo de la manera más poco atractiva como esclavos holgazanes, estúpidos y jactanciosos. El humor del programa era atrevido con el uso de juegos de palabras. No era raro ver una sátira sobre la política actual desde la perspectiva de un esclavo ingenuo. Prácticamente no hubo negros entre los juglares, sólo a partir de mediados de la década de 1850. Comenzaron a aparecer las primeras compañías de juglares totalmente negros. Paradójicamente, también maquillaban sus rostros, haciéndolos parecer máscara teatral. Los espectáculos de juglares negros también atrajeron a un público ansioso por ver actuar a negros reales. Sin embargo, la naturaleza inicialmente racista del espectáculo de juglares obstaculizó su desarrollo entre los artistas negros (especialmente en el Sur).
Con tendencias abolicionistas cada vez mayores en la sociedad norteamericana, los espectáculos de juglares resultaron ser un conductor de las ideas de la esclavitud en este mundo. Al mismo tiempo, en muchos estados del Sur, los espectáculos de juglares comenzaron a prohibirse gradualmente, ya que allí se asociaban con el entretenimiento de los norteños. Durante la Guerra Civil, la industria del espectáculo de juglares comenzó a declinar: en ese momento, géneros similares estaban ganando popularidad. espectáculos de variedades, vodevil y comedias musicales. Los pequeños grupos de juglares que estaban de gira se desplazaron más hacia la periferia. Al mismo tiempo, en Nueva York, el género del juglar se transformó en enormes espectáculos ricamente decorados con la participación de acróbatas extranjeros y otros elementos circenses; Pronto, el maquillaje negro dejó de ser obligatorio en este tipo de actuaciones. En la década de 1870. el departamento musical del espectáculo de juglares incluía canciones espirituales negras, espirituales. En este caso, las canciones no fueron imitadas, sino tomadas directamente de músicos negros itinerantes.La fuente de los espirituales negros son los himnos espirituales traídos a Estados Unidos por los colonos blancos. El tema de los espirituales consistía en historias bíblicas del Antiguo Testamento, que se adaptaban a las condiciones específicas de la vida cotidiana y de la vida cotidiana de los negros y se sometían a un procesamiento folclórico. Combinan elementos característicos de las tradiciones escénicas africanas (improvisación colectiva, ritmo característico con polirritmo pronunciado (polirritmo), sonidos de glissand, acordes sin templar, emotividad especial) con los rasgos estilísticos de los himnos puritanos estadounidenses que surgieron sobre una base anglocelta. Los espirituales tienen una estructura de preguntas y respuestas (responsor), expresada en un diálogo entre el predicador y los feligreses.
A principios del siglo XX, el género del espectáculo de juglares había dejado de ser útil por completo y seguía existiendo sólo en las zonas rurales de los estados del sur. En 1919, sólo quedaban tres grupos importantes de juglares. Tal pasión por la cultura negra, aunque al principio divertida, no podía dejar de tener consecuencias. Su consecuencia más notable fue el nacimiento - jazz. El jazz se utilizó activamente en el escenario para montar representaciones burlescas y representaciones con el espíritu de farsa-vodevil. Estas producciones ya han sido escenificadas con la participación de actores y músicos. El jazz se hizo tan popular que al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, era difícil encontrar un espectáculo de entretenimiento en todo Estados Unidos que no incluyera elementos de jazz. De la música negra primitiva, el jazz se ha convertido en música que habla de la filosofía de la vida estadounidense y, como consecuencia de ello, ha cambiado el género dramático de las actuaciones. El jazz unió todos los géneros que antes estaban separados y así nació el musical.
En las producciones del musical, se utilizan activamente varios efectos especiales, se crean trucos únicos que dejarán sin aliento al espectador.

Géneros relacionados con el musical.
Como se ha dicho muchas veces, el jazz fue un gran impulso para el desarrollo de la cultura musical, por lo que las actuaciones de jazz sin duda serán parientes lejanos, pero aún así, del musical. Si suponemos que el musical ha absorbido mucho de lo que es característico de las producciones dramáticas, es decir, teatro, luego los géneros relacionados incluirán:
- drama
- melodrama
- comedia
- tragedia
- tragicomedia
- farsa
- farsa-vodevil

Desarrollo del musical. Compositores y musicales famosos. Estilística de la música.
En los años anteriores a la Primera Guerra Mundial, los talentosos emigrantes Herbert, Friml y Romberg impulsaron el desarrollo activo del musical en Estados Unidos. En los años 20 y 30, con la llegada de los nuevos compositores estadounidenses Jerome Kern, George Gershwin y Cole Porter, el musical adquirió un verdadero sabor americano. El libreto se volvió más complejo, la influencia del jazz y el ragtime se hizo evidente en los ritmos y en las canciones aparecieron giros típicos americanos. Muchas canciones de musicales se han convertido en clásicos musicales. Las habilidades interpretativas de los cantantes han aumentado significativamente. En 1932, el compositor Gershwin recibió por primera vez el premio Pulitzer por su trabajo en el musical "Of Thee I Sing" (1931). estreno de ello ópera famosa Porgy and Bess se estrenó en Nueva York a finales de 1935 y contó con un elenco completo de cantantes afroamericanos de formación clásica, una elección artística audaz para la época.
La colaboración de Rodgers y Hammerstein produjo producciones como "¡Oklahoma!" (1943), su primer musical. Tiene lugar en 1906 en el territorio de Oklahoma, cerca de la ciudad de Claremore. Luego se creó el nuevo estado de Oklahoma en el llamado Territorio Indio. La obra se basa en la idea de amistad y cooperación entre diferentes grupos de la población del estado: entre sus habitantes originales, los ganaderos vaqueros y los recién llegados del vecino estado de Missouri, los agricultores. En el centro de la trama - historia de amor entre el vaquero Curly McClane y una joven, Laurie Williams, que trabaja en su propia granja. "¡Oklahoma!" puede presumir de ser el primer musical en comprensión moderna palabras. Por primera vez, las composiciones vocales y los números de baile se combinaron en una historia completa, que se basó en un guión dramático serio, escrito en base a la obra de 1931 The Lilacs Are Going Green de Lynn Riggs. Anteriormente, en las comedias musicales, a las canciones se les insertaban números que poco tenían que ver con la trama.
"Carrusel (1945) « Pacífico Sur », diferente nivel alto dramaturgia. Fueron un éxito rotundo entre el público.
Musical "Pacífico Sur" creado por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein basado en la novela Pacific Story (1948) de James Michener. El libreto fue escrito por Hammerstein en colaboración con Joshua Logan. La trama se centra en la cuestión de la discriminación racial. El musical se estrenó en Broadway en 1949. South Pacific se convirtió en un éxito inmediato y fue nominada a diez premios Tony y ganó en todas las categorías, incluidos los premios Tony a la mejor banda sonora, el mejor musical y el mejor libreto. Posteriormente, muchas canciones se hicieron muy famosas: "Bali Ha"i", "Voy a lavarme el pelo a ese hombre", "Una noche encantada", "Happy Talk", "Más joven que la primavera", "Estoy en Love with a Wonderful Guy." De 1950 a 1955, el musical realizó una gira nacional en los Estados Unidos, que se representó en 118 ciudades durante cinco años. El papel de Nellie Forbush en estas producciones fue interpretado por la actriz estadounidense Janet Blair. fue filmada en 1958. película del mismo nombre. Los papeles principales fueron interpretados por Rossano Brazzi y Mitzi Gaynor.

La versión de 2008 de "South" fue declarada mejor producción nueva de un musical clásico y ganó premios a la mejor dirección, interpretación principal masculina y diseño de vestuario, iluminación y sonido.
escribir un musical "Mi bella dama" (1956) Frederick Lowe, el compositor de la música, y Alan Lerner, el autor del libreto y la letra, se inspiraron en el drama de Bernard Shaw. "Pygmallión". No es de extrañar que la trama de su trabajo conjunto repita el drama de Shaw, que cuenta cómo el personaje principal, siendo inicialmente una florista corriente, se convierte en una joven encantadora. Según la trama del musical, durante una disputa entre un profesor de fonética y su amigo lingüista se produjo tal transformación. Eliza Dolittle se mudó a la casa del científico para pasar por una difícil curva de aprendizaje. Al final, en el baile de la embajada, la chica aprueba el difícil examen con gran éxito. El musical se estrenó el 15 de marzo de 1956. En Londres, la actuación no tuvo lugar hasta abril de 1958. Rex Harrison interpretó el papel del profesor-maestro y Julie Andrews interpretó el papel de Eliza. El espectáculo inmediatamente ganó gran popularidad; las entradas se agotaron con seis meses de antelación. Esto resultó ser una verdadera sorpresa para los creadores. Como resultado, la obra se representó 2.717 veces en Broadway y 2.281 en Londres. El musical fue traducido a once idiomas y representado en más de veinte países. "My Fair Lady" ganó un premio Tony. En total, el musical ha vendido más de 5 millones de discos con su elenco original de Broadway. En 1964, se estrenó la película del mismo nombre; los jefes de Warner Brothers pagaron una cifra récord de 5,5 millones de dólares por el derecho a filmar el musical. Eliza fue interpretada por Audrey Hepburn, y Rex Harrison se convirtió en su compañero, pasando del escenario del teatro al cine. Y el éxito de la película fue sorprendente: fue nominada a 12 premios Oscar y recibió 8 de ellos. El musical gusta tanto al público que todavía se puede ver en Londres. Después de la Segunda Guerra Mundial, la trama de los musicales se volvió más seria y "West Side Story" (1957) Leonardo Bernstein. La producción está basada en la tragedia de Shakespeare. "Romeo y Julieta", y la acción tiene lugar en la Nueva York moderna. La expresividad de las danzas indicó la creciente importancia de la coreografía. La acción tiene lugar en Nueva York a mediados de la década de 1950 y cuenta la historia del enfrentamiento entre dos pandillas callejeras: los "Rockets" ("Jets"), descendientes de inmigrantes blancos, y los "Sharks" ("Sharks"), Puertorriqueños. El protagonista, Tony, ex integrante de los Rockets, se enamora de María, hermana de Bernardo, líder de los Sharks. El drama, la música relajante y el planteamiento de cuestiones sociales apremiantes, aunque no de inmediato, dieron al musical fama mundial. Las composiciones musicales que Bernstein escribió para el musical se hicieron muy populares. En total el musical incluye 11 numeros musicales: "Algo viene", "María", "América", "En algún lugar", "Esta noche", "Jet Song", "Me siento bonita", "Un chico así", "Una mano, un corazón", "Caramba". ", Oficial Krupke" y "Genial". La producción original de Broadway de 1957 (dirigida y coreografiada por Harold Robbins, producida por Robert Griffith y Harold Prince) marcó el debut en Broadway del poco conocido libretista Stephen Sondheim. El estreno tuvo lugar el 26 de septiembre en el Winter Garden Theatre. El musical se representó 732 veces antes de emprender una gira mundial. El musical ganó el premio Tony de coreografía de 1957, pero perdió ante The Music Man al mejor musical. La producción también ganó un Oscar en 10 de las 11 nominaciones. También fue premiada la película homónima de 1961, basada en el guión del musical. Actualmente, el musical se representa a menudo en instituciones educativas, teatros regionales e incluso teatros de ópera de todo el mundo.

A finales de los años 60 del siglo XX, bajo la influencia de nuevos estilos musicales, surgió una nueva comprensión del musical como género. En un musical psicodélico "Cabello" (1967) luego se reflejaron las ideas de moda hippie, por lo que la producción se denominó “El musical del rock lírico americano primitivo”.Música de Gaelt McDermott, letra de James Redo y Jerome Ragni. El estreno tuvo lugar en Nueva York el 17 de octubre de 1967. En abril de 1968 se trasladó a uno de los escenarios de Broadway, donde tuvo 1873 funciones. Ese mismo año se representó en Los Ángeles y Londres. En noviembre de 1999 se proyectó en el Teatro de Música y Drama de Moscú Stas Namin la versión del musical del autor estadounidense, dirigida por el director Bo Crowell y el productor Michael Butler. el Teatro de Variedades de Moscú. Luego se adaptó la producción y en enero de 2000 se estrenó la versión rusa en el Young Spectator Theatre. El musical todavía se representa con éxito en el Teatro de Música y Drama Stas Namin de Moscú.
Desde los años 70, el número de representaciones va disminuyendo, pero los decorados y el vestuario de los nuevos musicales son cada vez más lujosos. La producción introdujo cambios radicales en el concepto del musical. "Jesucristo Superestrella" (1971) La música de la obra fue compuesta por el legendario Andrew Lloyd Weber y Tim Rice creó el libreto. Inicialmente, se planeó crear una ópera en toda regla, utilizando un lenguaje musical moderno y todas las tradiciones relevantes: las arias de los personajes principales deberían haber estado presentes. Diferencia de este musical de los tradicionales en que no hay elementos dramáticos, todo se basa en recitativos y voces. Aquí la música rock se combina con la historia clásica, las letras utilizan vocabulario moderno y toda la historia se cuenta exclusivamente a través de canciones. Todo esto hizo de "Jesucristo Superstar" un gran éxito. La historia trata sobre los últimos siete días de la vida de Jesús, que transcurren ante los ojos de Judas Iscariote, quien quedó decepcionado por las enseñanzas de Cristo. La trama comienza con la entrada de Jesús en Jerusalén y finaliza con la ejecución del santo. La ópera se representó por primera vez como un álbum en 1970, en el que el papel principal lo interpretó el vocalista de Deep Purple, Ian Gillan. El papel de Judas fue interpretado por Murray Head, y María Magdalena fue interpretada por Yvonne Elliman. En 1971, el musical apareció en Broadway. Muchos han notado que la producción retrata a Jesús como el primer hippie del planeta. La producción duró sólo un año y medio en el escenario, pero recibió una nueva vida en Londres en 1972. El papel principal lo desempeñó Paul Nicholas y Judas fue encarnado por Stefan Tate. Esta versión del musical tuvo más éxito y duró ocho años completos. Sobre la base de la obra, como es habitual, el director Norman Jewison realizó un largometraje. El Oscar de 1973 a la mejor música fue para esta obra. La película es interesante no sólo por su excelente música y voz, sino también por su inusual interpretación del tema de Jesús, que aparece desde una perspectiva alternativa al punto de vista tradicional. Este musical a menudo se conoce como ópera rock; la obra generó mucha controversia y se convirtió en un favorito de culto para la generación hippie. Jesucristo Superstar sigue siendo relevante hoy en día y ha sido traducido a muchos idiomas. Desde hace más de 30 años, el musical se representa en todo el mundo: en escenarios de Australia, Japón, Francia y México, Chile y Alemania, Gran Bretaña y Estados Unidos.
Tema serio del musical. "Evita" (1978) demostró el largo camino recorrido por el género durante su desarrollo. La idea de crear un musical surgió por casualidad: en octubre de 1973, Tim Rice escuchó en su automóvil el final de un programa de radio que hablaba de Evita Perón. La mujer era la esposa del dictador argentino Juan Perón y el poeta se interesó por la historia de su vida. Su coautor, Lloyd Webber, inicialmente no se mostró entusiasmado con la historia, pero finalmente aceptó trabajar en ella. Rice estudió a fondo la historia de su personaje principal, para ello pasó mucho tiempo en bibliotecas de Londres e incluso visitó la lejana Argentina. Ahí nació la parte principal de la historia. Tim Rice introdujo en el musical a un narrador, un tal Che, cuyo prototipo era Ernesto Che Guevara. La historia en sí cuenta la historia de Eva Duarte, quien llegó a Buenos Aires a los 15 años y se convirtió primero en una famosa actriz y luego en la esposa del presidente del país. La mujer ayudó a los pobres, pero también contribuyó al surgimiento de la dictadura en Argentina. "Evita" combinó varios estilos musicales; motivos latinoamericanos se convirtieron en la base de la partitura. Las primeras grabaciones de demostración del musical fueron presentadas a los críticos en el primer festival en Sydney, luego comenzó la grabación del álbum en el estudio Olympic. Evita era la actriz Julie Covington y Che era el joven cantante Colm Wilkinson. El papel de Perón recayó en Paul Jones. El álbum fue un gran éxito: se vendieron medio millón de copias en tres meses. A pesar de que "Evita" estaba oficialmente prohibida en Argentina, conseguir un disco se consideraba una cuestión de prestigio. El musical se estrenó el 21 de junio de 1978 y fue dirigido por Hal Prince. En su producción, el papel de Evita fue para Elaine Paige, y el Che fue interpretado por el famoso cantante de rock David Essex. La actuación tuvo tanto éxito que fue nombrado el mejor musical de 1978. La propia actriz principal recibió un premio por su actuación en Evita. Las primeras semanas después del lanzamiento de la grabación del musical en disco lo convirtieron en disco de oro. El 8 de mayo de 1979 tuvo lugar el estreno de “Evita” en Estados Unidos, en Los Ángeles, y cuatro meses después la obra llegó a Broadway. La popularidad de "Evita" quedó demostrada por los 7 premios Tony que recibió. El éxito del musical le permitió visitar muchos países: Corea, Hungría, Australia, México, Japón, Israel y otros. 20 años después del nacimiento del musical, se decidió realizar una película basada en él. El director fue Alan Parker, el papel principal, Evita Perón, fue interpretado por Madonna, el papel del Che fue confiado a Antonio Banderas, Perón fue interpretado por Jonathan Pryce. La película presentó la nueva canción de Webber y Rice, "You Gotta Love Me", que finalmente ganó un Oscar a la Mejor Canción Original.
La creación de Webber. "Gatos" (1981). La base de este popular musical fue un ciclo de poemas infantiles de T.S. Eliot "El libro de los gatos prácticos del viejo zarigüeya", que se publicó en Inglaterra en 1939. La colección hablaba con ironía sobre los hábitos y costumbres de los gatos, pero detrás de estas características se discernían fácilmente rasgos humanos. Los poemas de Elliott atrajeron la atención de Andy Lloyd Webber, quien poco a poco compuso música para ellos a lo largo de los años 70. Y así, en 1980, el compositor había reunido material suficiente para transformarlo en un musical. Como los británicos aman mucho a los gatos, su espectáculo estaba condenado al éxito. Además de Webber, el equipo incluía al productor Cameron Mackintosh, el director Trevor Nunn, el artista John Napier y la coreógrafa Gillian Lynn. Pero cuando encarnación escénica Las canciones resultaron no tener una trama significativa. Sin embargo, gracias a la viuda de Eliot se encontraron borradores y cartas del poeta, de las cuales, poco a poco, los autores del musical pudieron recoger ideas para componer el esquema argumental de la obra. En "Cats" los artistas tenían exigencias especiales: no bastaba con cantar bien y hablar con claridad, sino que también tenían que ser muy flexibles. Resultó que en la propia Inglaterra era casi imposible reclutar una compañía de 20 actores de este tipo, por lo que entre los artistas estaban el cantante pop Paul Nicholas, la actriz Elaine Paige, la joven bailarina y cantante Sarah Brightman y la estrella. ballet real Wayne duerme. El Cats Theatre fue creado por su propio diseñador, John Napier, por lo que no hay telón y el escenario y la sala se fusionan en un solo espacio. La acción no ocurre frontalmente, sino en toda la profundidad. El escenario en sí está diseñado como un vertedero: hay montañas de basura pintorescas sobre él, pero en realidad el escenario está equipado con tecnología sofisticada. Los actores, con la ayuda de un complejo maquillaje de múltiples capas, aparecen en forma de elegantes gatos. Sus medias están pintadas a mano, sus pelucas están hechas de lana de yak, sus colas y cuellos son de lana y también usan cuellos brillantes. El musical apareció por primera vez ante el público el 11 de mayo de 1981 en Londres y llegó a Broadway un año después. Como resultado, "Cats" pudo convertirse en la producción de mayor duración en la historia del teatro británico hasta su cierre el 11 de mayo de 2002. En total se realizaron 6.400 representaciones, la producción fue vista por más de 8 millones de personas y los creadores pudieron ganar alrededor de 136 millones de libras esterlinas. Y en Estados Unidos, el musical batió todos los récords posibles. Ya en 1997, el número de representaciones superó las 6.100, lo que permitió llamar al espectáculo el principal longevo de Broadway. Como resultado, durante todo el período, “Cats” se representó más de 40 veces, el número total de espectadores en 30 países superó los 50 millones, las canciones se interpretaron en 14 idiomas y el total bruto ascendió a 2.200 millones de dólares. El musical ha recibido numerosos premios, los más famosos son el Premio Laurence Olivier, el premio del periódico Evening Standard al "Mejor Musical", 7 premios Tony y el Premio Molière en Francia. Las grabaciones de los elencos originales de Broadway y Londres recibieron premios Grammy.
Otra obra popular de Webber fue el musical. "Fantasma de la ópera"(“El fantasma de la ópera”), que combina elementos de detective y thriller. La colaboración de Sarah Brightman con Andrew Lloyd Webber en Cats llevó a su matrimonio en 1984. El compositor creó "Réquiem" para su esposa, pero esta obra no logró demostrar el talento del cantante a gran escala. Por lo tanto, Webber decidió crear un nuevo musical, que fue “El fantasma de la ópera”, basado en la novela homónima de 1910 del francés Gaston Leroux. Una historia romántica pero oscura sobre alguien que vive en un calabozo bajo Ópera de París una criatura misteriosa con poderes sobrenaturales. El papel principal en la producción, Christina Daae, fue, por supuesto, para Sarah Brightman. Ejecutante fiesta de hombres se convirtió en Michael Crawford. En el primer reparto, Steve Barton interpretó al amante de Christina, Raoul. Richard Stilgoe trabajó en el libreto con Andrew Lloyd Webber y la letra es de Charles Hart. La diseñadora teatral Maria Bjornson le dio al Fantasma la famosa máscara e insistió en la decisión de no bajar la famosa lámpara de araña al escenario, sino directamente al público. El estreno de El Fantasma de la Ópera tuvo lugar el 9 de octubre de 1986 en el Teatro Real, incluso estuvieron presentes miembros de la familia de Su Majestad. Y en enero de 1988, tuvo lugar la primera producción de Broadway del musical en el Majestic Theatre de Nueva York. "El Fantasma de la Ópera" se convirtió en el segundo musical de mayor duración en la historia de Broadway, después de "Cats". Como resultado, alrededor de 11 millones de personas vieron el programa sólo en Nueva York. El musical se representó en 18 países, se realizaron alrededor de 65 mil representaciones y más de 58 millones de personas lo vieron allí, y numero total Los espectadores en todo el mundo ya han superado los 80 millones. Como resultado, hay premios y reconocimientos bien merecidos, que suman más de 50. El musical recibió tres premios Laurence Olivier y 7 premios Tony, 7 premios Drama Desk y un premio Evening Standard. Los ingresos totales de El fantasma de la ópera fueron de 3.200 millones de dólares. La novela inspiró a los directores a crear hasta siete películas, la última de las cuales, rodada en 2004, fue nominada tres veces al Oscar, producida y compuesta por el mismo Webber.

El monopolio angloamericano sobre los musicales terminó en 1985, cuando una producción francesa se estrenó en los escenarios de Londres. "Los Miserables" El compositor Claude-Michel Schonberg y el libretista Alain Boublil dieron un renacimiento al ya clásico Los Miserables de Victor Hugo. El trabajo de creación del musical duró dos años. El resultado fue un boceto de dos horas, que luego se transformó en un álbum conceptual con una tirada de 260 mil copias. Un grabado que representa a la pequeña Cosette se convirtió en la tarjeta de presentación única del musical. La versión teatral se presentó el 17 de septiembre de 1980 en el Palacio de Deportes de París. Como resultado, más de medio millón de personas vieron la actuación. El papel de Jean Valjean fue interpretado por Maurice Barrier, Javert por Jacques Mercier, Fantine por Rose Laurence y Cosette por Fabienne Guyon. El álbum conceptual "Los Miserables" atrajo la atención del joven director Peter Ferago, quien reclutó al productor inglés Cameron Mackintosh para trabajar en él. Esto hizo posible crear un espectáculo verdaderamente de alto nivel. En la producción trabajó un equipo profesional: los directores Trevor Nunn y John Kaed, y el texto fue adaptado al inglés por Herbert Kretzmer con la ayuda de los creadores del musical. Como resultado, la obra se estrenó bajo los auspicios de la Royal Shakespeare Company en el Barbican Theatre el 8 de octubre de 1985. Hasta la fecha, Los Miserables se ha representado con mayor frecuencia en el Palace Theatre de Londres, donde se llevaron a cabo más de 6 mil representaciones del musical. En 1987, “Los Miserables” llegó a Broadway y así inició su marcha por todo el mundo. Aunque la obra tiene más de veinte años, todavía se encuentra en los escenarios de teatros de todo el mundo. "Los Miserables" ha sido traducida a muchos idiomas, incluidos algunos tan exóticos como el japonés, el morisco y el criollo. En total, este musical se representó en 32 países de todo el mundo. Las creaciones de Schonberg y Boublil fueron finalmente vistas por más de 20 millones de personas. El alto nivel del musical como género lo demuestra "Señorita Saigón", una modernización de Madama Butterfly de Puccini.A principios del siglo XX, Puccini cautivó al público con su ópera romántica Madama Butterfly. En el último cuarto del siglo pasado, la historia de amor de una niña de Oriente y un soldado de Occidente recibió una nueva encarnación. La Guerra de Vietnam terminó con la caída de Saigón en 1975, y catorce años después en Londres. escena musical fue coronada Miss Saigón.
La idea de crear un musical sobre un trágico amor nacido durante la guerra de Vietnam surgió por casualidad. En 1985, Schonberg llamó la atención sobre una fotografía publicada en una de las revistas: mostraba a una mujer vietnamita y su pequeña hija en el aeropuerto de Ho She Minh (antes Saigón). La niña tuvo que abordar un avión y volar a Estados Unidos, donde la esperaba su padre, un exsoldado estadounidense. La madre decidió dejar a su hija con la esperanza de que su padre le brindara un futuro mejor. Schonberg recuerda cómo lo golpeó el dolor silencioso de la mujer: era peor que las lágrimas más amargas. Sacrificar tu felicidad para darle felicidad a tu hijo es, según el compositor, “el mayor sacrificio”. Un sacrificio similar hizo la heroína de la famosa ópera “Madama Butterfly” de Giacomo Puccini, quien se suicidó en nombre de la felicidad de su hijo. "Miss Saigon" es, en palabras de Alain Boublil, "ante todo historia trágica amor, no una historia sobre la guerra de Vietnam", pero el tema del choque de diferentes culturas, religiones y razas, que desembocó en un derramamiento de sangre sin sentido, le da a esta historia un alcance épico.
En la definición de un musical como género, hay un punto según el cual el musical sintetiza teatro y danza, es decir, los elementos del musical serán ballet, pop y coreografía moderna. En los musicales de la última década se ha generalizado el strip plastic: elementos de erotismo ligero más ballet clásico. Algo similar se mostró por primera vez en el escenario hace muchos años en el musical Chicago. Allí, con ayuda de tiras de plástico, se mostró la última conversación de despedida de dos amantes, uno de los cuales estaba condenado esa noche a morir a manos del otro. El ballet en su forma pura rara vez se encuentra en los musicales modernos, pero los elementos de la escuela de ballet están invariablemente presentes. Por ejemplo, la danza de los gatos callejeros en el musical "Cats" del mismo nombre no es más que una parte femenina del ballet. Los críticos musicales soviéticos tuvieron un enfoque interesante a la hora de definir los géneros relacionados con el musical. El musical fue considerado un tipo de opereta. Cita para reflexionar: “Hoy en día, el musical, como género de opereta baja, está representado por dos tipos de grupos: en primer lugar, se trata de teatros de Broadway de una obra, creados con el fin de promocionar y explotar una obra, y el otro. El tipo son grupos de ópera en gira. Se crean con el objetivo de mostrar una serie de representaciones teatrales sencillas de provincia”. Por estúpido que parezca, la crítica musical moderna también reconoce que la ópera y la opereta son dos Genero musical, que puede y debe considerarse afín al musical.
Tres componentes principales de un musical.- música, letra y libreto. El libreto de un musical se refiere a la "obra" o historia del espectáculo; de hecho, su línea hablada (no vocal). Sin embargo, "libreto" también puede referirse al diálogo y la letra juntos, como el libreto de una ópera. La música y la letra juntas forman una partitura musical. La interpretación del musical por parte del equipo creativo influye en gran medida en la forma en que se presenta el musical. El equipo creativo incluye al director, el director musical y normalmente un coreógrafo. La producción de musicales también se caracteriza creativamente por aspectos técnicos como decorados, vestuario,
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