Etapas de la pintura al óleo. Alla prima, técnica multicapa, vidriado y otras técnicas de pintura al óleo.

Gran figura, el científico y artista del Renacimiento Leonardo da Vinci dijo: “La pintura es poesía que se ve y la poesía es pintura que se escucha”. Y uno no puede dejar de estar de acuerdo con él. Realmente percibes arte real desde todos los lados. Vemos, contemplamos, escuchamos y guardamos en nuestra alma las obras de arte que nos gustan. Y las obras maestras del mundo permanecen en nuestra memoria durante muchos años.

Géneros y tipos de pintura.

Al hacer un dibujo, el maestro lo realiza en un estado determinado, personaje especial. La obra no resultará completa, digna de amor y atención, si solo se representan la forma y el color. El artista está obligado a dotar de alma a los objetos, a las personas de carisma, de chispa, quizá de misterio, a la naturaleza de sentimientos únicos y a los acontecimientos de experiencias reales. Y los géneros y tipos de pintura ayudan al creador en esto. Le permiten transmitir correctamente el estado de ánimo de una época, evento, hecho y capturar mejor Idea principal, imagen, paisaje.

Entre los principales se encuentran los siguientes:

• Histórico- descripción de hechos, momentos de la historia de diferentes países y épocas.
• Batalla- transmite escenas de batallas.
• Doméstico- cuentos La vida cotidiana.
• Escenario- Estas son imágenes de la naturaleza viva. Hay paisajes de mar, de montaña, fantásticos, líricos, rurales, urbanos y cósmicos.
• Naturaleza muerta- ilustra objetos inanimados: utensilios de cocina, armas, verduras, frutas, plantas, etc.
• Retrato- Esta es una imagen de una persona, un grupo de personas. A menudo, a los artistas les gusta pintar autorretratos o lienzos que representan a sus amantes.
• animalista- pinturas sobre animales.

Por separado, podemos distinguir el género temático de la trama e incluir aquí obras cuyo tema son mitos, leyendas, epopeyas, así como imágenes de la vida cotidiana.

Los tipos de pintura también implican tipos separados. Ayudan al artista a lograr la perfección en la creación de un lienzo, le dicen en qué dirección moverse y trabajar. Existen las siguientes opciones:

- Panorama- Imagen de la zona a gran escala, vista general.

- Diorama- una imagen semicircular de batallas y acontecimientos espectaculares.

- Miniatura- manuscritos, retratos.

- Pintura monumental y decorativa.- pintura en paredes, paneles, pantallas de lámparas, etc.

- Iconografía- pinturas sobre temas religiosos.

- pintura decorativa- creación de escenografías artísticas en cine y teatro.

- pintura de caballete- en otras palabras, pinturas.

- pintura decorativa elementos cotidianos de la vida.

Como regla general, cada maestro Artes visuales elige para sí mismo un género y tipo de pintura que sea más cercano a él en espíritu y, principalmente, trabaja solo en él. Por ejemplo, Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Hovhannes Gayvazyan) trabajó en el estilo marina. A estos artistas también se les llama pintores marinos (de "marina", que significa "mar" en latín).

Técnicos

La pintura es una determinada forma de ejecutar una trama, su percepción a través del mundo de los colores y los trazos. Y, por supuesto, dicha reproducción no se puede lograr sin el uso de ciertas técnicas, plantillas y reglas. El concepto mismo de "técnica" en las bellas artes se puede definir como un conjunto de técnicas, normas y conocimientos prácticos con la ayuda de los cuales el autor transmite la idea y la trama de la imagen de la manera más precisa y cercana a la realidad.

La elección de la técnica de pintura también depende del tipo de materiales y del tipo de lienzo que se utilizará para crear la obra. A veces, un artista puede adoptar un enfoque individual en su trabajo, utilizando una mezcla de diferentes estilos y tendencias. El enfoque de este autor nos permite crear obras de arte verdaderamente únicas: obras maestras del mundo.

En términos técnicos, existen varias opciones de pintura. Veámoslos con más detalle.

Pintura de la antigüedad.

La historia de la pintura comienza con pinturas rupestres hombre primitivo. En esta época, las pinturas no se distinguían por la viveza de sus tramas ni por el derroche de colores, pero tenían una emoción peculiar. Y las historias de esos años nos informan claramente sobre la existencia de vida en un pasado lejano. Las líneas son extremadamente simples, los temas son predecibles, las direcciones son inequívocas.

En la antigüedad, el contenido de los dibujos se volvió más diverso, más a menudo representaban animales, cosas diferentes y en toda la pared se hacían biografías completas, especialmente si los cuadros fueron creados para los faraones, lo cual era muy común en ese momento. Después de unos dos mil años más, los colores comienzan a aparecer.

La pintura antigua, en particular el ruso antiguo, está bien transmitida y conservada en iconos antiguos. Son sagrados y mejor ejemplo, transmitiendo la belleza del arte de Dios. Su color es único y su propósito es perfecto. Tal pintura transmite la irrealidad de la existencia, las imágenes e inculca en una persona la idea del principio divino, de la existencia de un arte ideal, que hay que emular.

El desarrollo de la pintura no pasó desapercibido. Durante un largo período de tiempo, la humanidad ha logrado acumular verdaderas reliquias y herencia espiritual muchos siglos.

Acuarela

La pintura con acuarela se distingue por el brillo de sus colores, la pureza del color y la transparencia de la aplicación sobre papel. Sí, es sobre una superficie de papel donde es mejor trabajar esta técnica artística. El patrón se seca rápidamente y como resultado adquiere una textura más clara y mate.

La acuarela no permite lograr reflejos interesantes cuando se utilizan tonos monocromáticos oscuros, pero modela perfectamente el color si se aplican capas una encima de otra. En este caso, resulta encontrar opciones completamente nuevas, inusuales y difíciles de obtener con otras técnicas artísticas.

Dificultades para trabajar con acuarelas.

La dificultad de trabajar una técnica como la acuarela es que no perdona los errores y no permite la improvisación con cambios radicales. Si no le gustó el tono aplicado o obtuvo un color completamente diferente al que quería, es poco probable que lo corrija. Cualquier intento (lavar con agua, raspar, mezclar con otros colores) puede conducir a un tono más interesante o a una contaminación total de la pintura.

Cambiar la ubicación de una figura, un objeto o cualquier mejora en la composición en esta técnica es esencialmente imposible de hacer. Pero gracias al rápido secado de las pinturas, pintar es ideal para dibujar. Y en términos de representación de plantas, retratos y paisajes urbanos puede competir con las obras realizadas al óleo.

Aceite

Cada uno de los tipos técnicos de pintura tiene sus propias particularidades. Esto se aplica tanto a la forma de ejecución como a la interpretación artística de la imagen. La pintura al óleo es una de las técnicas favoritas de muchos artistas. Es difícil trabajar en él, ya que requiere un cierto nivel de conocimiento y experiencia: desde la preparación de los elementos y materiales necesarios hasta la etapa final: cubrir la pintura resultante con una capa protectora de barniz.

Todo el proceso de pintura al óleo requiere bastante mano de obra. Independientemente de la base que elija: lienzo, cartón o tableros duros (tableros de fibra), primero debe cubrirse con imprimación. Permitirá que la pintura se adhiera y adhiera bien, sin que se escape nada de aceite. También le dará al fondo la textura y el color deseados. Hay muchos tipos y recetas para diferentes suelos. Y cada artista prefiere el suyo, aquel al que está acostumbrado y que considera la mejor opción.

Como se mencionó anteriormente, el trabajo se lleva a cabo en varias etapas, y la etapa final es cubrir la pintura con barnices. Esto se hace para proteger el lienzo de la humedad, grietas (malla) y otros daños mecánicos. La pintura al óleo no tolera el trabajo sobre papel, pero gracias a toda una tecnología de aplicación de pinturas, permite conservar. obras de arte sano y salvo durante siglos.

bellas artes chinas

Me gustaría prestar especial atención a la era de la pintura china, ya que tiene una página especial en la historia. dirección este La pintura se ha desarrollado a lo largo de más de seis mil años. Su desarrollo estuvo estrechamente relacionado con otros oficios, cambio social y las condiciones que ocurren en la vida de las personas. Por ejemplo, después de la introducción del budismo en China, los murales religiosos adquirieron gran importancia. Durante el período (960-1127) se popularizaron las pinturas de carácter histórico, que también hablaban de la vida cotidiana. Pintura de paisaje Se estableció como una dirección independiente ya en el siglo IV d.C. mi. Se crearon imágenes de la naturaleza en colores azul verdoso y tinta china. Y en el siglo IX, los artistas comenzaron a pintar cada vez más cuadros en los que representaban flores, pájaros, frutas, insectos, peces, encarnando en ellos sus ideales y el carácter de la época.

Características de la pintura china.

Tradicional arte chino se diferencia en un estilo especial, así como en los materiales utilizados para el dibujo, lo que, a su vez, influye en los métodos y formas. arte oriental. En primer lugar, los pintores chinos utilizan un pincel especial para crear cuadros. Parece acuarela y tiene una punta especialmente afilada. Esta herramienta le permite crear obras sofisticadas y, como usted sabe, el estilo de caligrafía todavía se usa ampliamente en China. En segundo lugar, la tinta se utiliza en todas partes como pintura: la tinta china (a veces junto con otros colores, pero también como pintura de bricolaje también se aplica). Esto ha estado sucediendo durante dos mil años. También vale la pena señalar que antes de la llegada del papel, en China se pintaba sobre seda. Hoy maestros modernos Los artistas realizan su trabajo tanto sobre papel como sobre una superficie de seda.

Estas no son todas las capacidades técnicas de la pintura. Además de los mencionados anteriormente, existen muchos otros (gouache, pastel, témpera, fresco, acrílico, cera, pintura sobre vidrio, porcelana, etc.), incluidas versiones originales de arte.

Épocas de la pintura.

Como cualquier forma de arte, la pintura tiene su propia historia de formación. Y, sobre todo, se caracteriza por diferentes etapas de desarrollo, estilos multifacéticos, direcciones interesantes. Las épocas de la pintura juegan aquí un papel importante. Cada uno de ellos afecta no sólo a una parte de la vida de un pueblo y no sólo al momento de algunos acontecimientos históricos, ¡sino a toda una vida! Entre los períodos más famosos del arte de la pintura se encuentran: el Renacimiento y la Ilustración, la obra de los artistas impresionistas, el Art Nouveau, el surrealismo y muchos, muchos otros. En otras palabras, la pintura es una ilustración visual de una determinada época, una imagen de la vida, una cosmovisión a través de los ojos del artista.

El concepto de “pintar” significa literalmente “pintar la vida”, representar la realidad de manera vívida, magistral y convincente. Transmitir en tu lienzo no solo cada detalle, cada detalle, momento, sino también el estado de ánimo, las emociones, el sabor de una época determinada, el estilo y el género de toda la obra de arte.

Al empezar a dominar las bellas artes, tarde o temprano debes decidir por “tu” tecnica de pintura. Además, estas no son necesariamente las técnicas que mejor domina ahora; son las técnicas con las que puede realizar más plenamente su potencial creativo. El error que cometen muchos artistas prometedores es elegir al más camino fácil. Después de leer este artículo, prueba, experimenta, busca. Definitivamente encontrarás tecnica de pintura a tu gusto.

Entonces, técnicas de pintura. Nuestra tienda online "Lucky-ART" presenta productos para pintura de caballete , que se realiza sobre lienzo, caballete y papel. ¿Hay algo más? pintura monumental, donde se utilizan paredes de diversas estructuras como lienzos. Los primeros muralistas se iniciaron en la prehistoria. gente primitiva, pintando las paredes de cuevas con imágenes de animales, escenas de caza, etc. Por cierto, cueva pintura rupestre También llamados petroglifos y fueron elaborados no sólo con la ayuda de pinturas amarillas, rojas, blancas y negras, sino también con el uso de cinceles, herramientas primitivas para tallar imágenes en piedra.

Para los antiguos egipcios, esta técnica no perdió su relevancia, pero se modernizó: las superficies de trabajo (piedra y madera) se cubrieron con una capa de piedra caliza y yeso, resina. Además, se empezaron a utilizar los colores verde y azul. Ahora esto tecnica de pintura tengo el nombre pintura al temple, es decir, pinturas a base de pigmentos naturales.

En el mismo Antiguo Egipto, el pintura con pegamento, que implica el uso de témpera y cola (de origen vegetal o animal). Desde entonces se supo encáustico, una técnica de pintura con cera que consiste en pintar con pinturas fundidas, que fue adoptada primero por artistas antiguos y más tarde por pintores de iconos griegos.

Aproximadamente alrededor del año 2000 a.C. ya existía fresco- dibujar sobre yeso húmedo. Como sabes, esto tecnica de pintura sigue siendo relevante hoy. Cuadro aceite- muy antiguo tecnica de pintura, apareció allá por el siglo VII a.C. al menos en Afganistán, donde se encontraron pruebas de este hecho.

Acuarela - tecnica de pintura pinturas solubles en agua, se originaron en el siglo II a.C.

Pintura hecha de hollín. máscara, también llamado método en sí, es muy antiguo y se utiliza para caligrafía y sumi-e.

Los chinos también inventaron guohua, donde se utilizan tintas y pinturas al agua. Este es el siglo II a.C. Fueron inventados en el siglo XIV. pincel seco- frotar pinturas al óleo sobre una superficie de papel.

Un siglo después, el mundo apareció. clavel- aplicación de pintura multicapa. Gracias a esto tecnica de pintura Los retratos y las imágenes de personas empezaron a parecer más "vivos".

grisalla escriben artistas que han conquistado las gradaciones de un color, generalmente sepia y gris.

Gouache- pintar imágenes con pinturas más mate y densas que las acuarelas. Fue inventado en Europa en el siglo XVI.

Leonardo famoso da Vinci inventó esfumado- suavizar los contornos de figuras y objetos. Con su ayuda puedes incluso transmitir el aire que envuelve a personas y objetos. Traducido del italiano, este nombre se traduce como "desaparecer como humo", oscurecido. Por cierto, nadie ha superado todavía a este maestro, que aplicó una capa de pintura de un par de micras de espesor, ¡mientras que toda la capa de pintura no superaba las 40 micras de espesor!

Vidriar- también una invención de Leonardo da Vinci. Este tecnica de pintura también llamado glisalya. Consiste en aplicar tonos traslúcidos sobre la capa base.

Pastel- dibujar con crayones y lápices. El método se conoce desde el siglo XVI, y existen tres variedades: cera, aceite y seco.

Cuando las pinturas están pintadas con trazos rectangulares y/o puntos, esto es: divisionismo o puntillismo, que se originó en el siglo XIX.

Andy Warhol se convirtió en el fundador. acrílico - técnicas de pintura pinturas acrílicas impermeables.

Por cierto, si desea utilizar al menos una parte de todo esto al mismo tiempo, también es aceptable. Entonces trabajarás en medios mixtos.

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Varios métodos pintura al óleo

Las pinturas al óleo se adhieren bien a la imprimación adecuada y facilitan modelar, matizar y lograr transiciones sutiles e imperceptibles de tono a tono, ya que permanecen húmedas durante mucho tiempo y no cambian su tono original al secarse.

Las mejores técnicas de pintura al óleo se desarrollaron durante el Renacimiento. El conocimiento de las propiedades del material permitió a los antiguos maestros crear un estilo de pintura al óleo que nunca fue superado posteriormente. En toda la historia de la pintura al óleo, este estilo es único por su armonía entre el material y los logros artísticos.

El conocimiento de las técnicas pictóricas se conservó en los talleres de los pintores hasta Siglo XVIII, pero luego, con la separación de la pintura como arte del oficio, bajo la influencia del surgimiento de nuevas ideas en ella, se fueron perdiendo paulatinamente.

Ya en la primera Academia Carracci, la formación técnica y artística previa del pintor fue sustituida por una formación filosófica y artística. A partir de este momento, el conocimiento técnico, que en el pasado fue siempre un apoyo para el pintor, parece ser una limitación a la libertad artística.

Se observó un declive particular en la técnica de la pintura al óleo en la era de los impresionistas franceses, quienes sentaron las bases para el trabajo no sistemático con pinturas al óleo, que sus seguidores (neoimpresionistas) llevaron a proporciones grandiosas.

El puntillismo tiene un significado indudable desde un punto de vista artístico, pero no se deriva de las propiedades y naturaleza de la pintura al óleo; Las nuevas ideas en el arte deben buscar otros materiales para su implementación si van en contra de las antiguas. Así, con punto científico El impresionismo dio origen a un estilo falso de pintura al óleo que, lamentablemente, todavía tiene adeptos entre los pintores.

El trabajo en el campo de la técnica pictórica, tanto por parte de representantes del arte como de la ciencia, consistió al principio principalmente en la divulgación y recuperación de antiguas técnicas perdidas de pintura al óleo, cuyo desconocimiento hizo que se sintiera tan mal en la pintura posterior. Gran parte de lo perdido fue encontrado y revelado, pero la pintura misma en ese momento se alejó demasiado de las tareas y principios de la pintura antigua. Por supuesto, en nuestro tiempo no es posible armonizar las técnicas de las antiguas técnicas de pintura al óleo con comprensión moderna pintura, pero la técnica de la pintura al óleo, cualesquiera que sean sus objetivos, que pretende crear obras duraderas, debe derivarse de las propiedades y la naturaleza de los materiales de la pintura al óleo.

Todo métodos normales La pintura al óleo se reduce a dos técnicas características.

1) Pintar en un solo paso " toda prima"(alia prima): un método en el que la pintura se realiza de tal manera que, dado el conocimiento artístico del artista sobre el tema y las condiciones favorables, la obra se puede completar en una o varias sesiones, pero antes de que las pinturas tengan tiempo de secarse. seco. En este caso, los recursos cromáticos de la pintura se reducen únicamente a aquellos tonos que se obtienen de la mezcla directa de pinturas en la paleta y su iluminación sobre el terreno utilizado en la obra.

2) Pintura en varias técnicas: método en el que el pintor divide su tarea pictórica en varias técnicas, a cada una de las cuales se le asigna un significado especial, intencionalmente con un cierto cálculo o debido al gran tamaño de la obra, etc. En este caso , el trabajo se divide en el primer registro – pintura base, en el que la tarea del pintor se reduce a fijar firmemente el dibujo, formas generales y claroscuros. La coloración se le da una importancia secundaria o se lleva a cabo en tonos tales que solo en prescripciones posteriores con colores superpuestos dan el tono o efecto deseado: en el segundo, tercero, etc. registros, en los que la tarea se reduce a resolver las sutilezas de forma y color. Este segundo método permite utilizar todos los recursos de la pintura al óleo.

Cuadro "alla prima" (alla prima). En términos técnicos, este método de pintura es el mejor, ya que con él toda la pintura consta de una sola capa, cuyo secado, con un espesor moderado, se desarrolla sin obstáculos y con bastante normalidad, por lo que, con la imprimación adecuada, se protege. de las grietas, del mismo modo que las pinturas conservan su frescura original. Pero este método no siempre puede llevarse a la práctica y, además, no siempre forma parte de la tarea del pintor.

La imprimación para pintar “alla prima” no debe ser demasiado pegajosa, ni demasiado impermeable y resbaladiza, por lo tanto, cuando se utiliza una imprimación adhesiva, se toman todas las medidas necesarias para evitar cambios demasiado notorios en el color de la pintura debido a la pérdida de aceite. A la tierra aceitosa, especialmente a la que se ha secado completamente y, por tanto, es impenetrable, se le da cierta permeabilidad, que se consigue frotándola con alcohol o piedra pómez; Además, elija suelos con una superficie rugosa. En cuanto al color del suelo, los más adecuados en este caso son los suelos ligeros con varios tonos, de acuerdo con la tarea pictórica, así como tierra blanca y limpia. Los tonos de imprimación rosados, amarillentos y otros se obtienen pintando la imprimación blanca con pintura transparente.

El método de pintura descrito a menudo no requiere patron regular, y el artista puede comenzar directamente a pintar y escribir, dependiendo de la tarea de pintura y la experiencia del artista.

Si es necesario un dibujo, puede limitarse a un ligero boceto al carboncillo. Se debe evitar el dibujo al carbón negro con su fijador, ya que los contornos negros definidos se traslucirán a través de una fina capa de pintura y estropearán la pintura. La composición del fijador también es importante por su resistencia.

Para poder terminar la pintura “en bruto”, es decir. Antes de que las pinturas al óleo comiencen a secarse, se toman todo tipo de medidas, pero inofensivas para la pintura, empezando por la selección de pinturas. Aquí se prefieren las pinturas de secado lento.

Para retrasar el secado de las pinturas el mayor tiempo posible, la pintura que se está ejecutando se coloca en el frío, en la oscuridad, en los intervalos entre trabajos y, si es posible, se bloquea el libre acceso al aire. Desafortunadamente, la implementación de estas últimas medidas no siempre se puede utilizar, especialmente con pinturas de gran tamaño, sin embargo, estas medidas son muy efectivas.

Utilizado para el mismo propósito. aceites esenciales.

Pintar con este método se realiza de forma diferente y depende en gran medida de la individualidad del artista; Por eso, al presentar este método, podemos limitarnos sólo a las instrucciones más esenciales e importantes.

Bajo el cuadro "alla prima", en significado directo Estas palabras deben implicar uno de los métodos con los que el artista se propone reproducir inmediatamente en pintura todo lo que ve en la naturaleza, es decir, color, forma, luces y sombras, etc., sin recurrir a dividir esta compleja tarea en momentos individuales de trabajo. La dificultad de resolver este problema es, por supuesto, grande, y se vuelve aún mayor si el artista se esfuerza por terminar su obra “en bruto”, es decir, antes de que las pinturas se sequen.

La pintura se realiza de diferentes formas. Se puede comenzar con pinceladas de pinturas semiespesas, aplicadas libremente, tono a tono, sin removerlas durante mucho tiempo en la paleta, hasta revelar todo el lienzo.

La pintura debe realizarse con pinturas en tubo.

Cuando se aplica una capa de pintura demasiado espesa, lo que dificulta el trabajo posterior, se debe retirar el exceso con espátula, espátula y cuchillo, además de colocar papel limpio sobre la capa de pintura, que se presiona con la palma de la mano. contra él y luego, después de retirarlo, absorbe todo el exceso de pintura.

Al pintar “alla prima”, puedes empezar frotando, diluyendo las pinturas con skippy y aplicándolas de forma líquida, como si fueran acuarelas. Esta colocación se realiza de forma plana, sin modelar formas, con el único objetivo de lograr un efecto general amplio. Para ello, es mejor utilizar pinturas corporales, introduciendo blanco en ellas. Luego, en el trabajo posterior, se introducen pinturas empastadas y comienza la pintura real.

Al trabajar "alla prima" sobre un terreno demasiado pegajoso, las pinturas al óleo producen una pintura mate, que en términos de color es inferior a la témpera y, además, si las pinturas se desengrasan demasiado, pierden fuerza.

La pintura realizada “alla prima” tiene una belleza única; es agradable por su frescura y espontaneidad, revelando la “pincelada” del autor y su temperamento. Ejemplos de este tipo de pintura pueden servir como los bocetos de I. Repin para su cuadro "El Consejo de Estado".

Pintura en varias etapas. Este tipo de pintura se llama multicapa.

Técnicas pintura multicapa son diferentes. Se puede realizar de principio a fin con pinturas al óleo o óleo-barniz, así como con un método de pintura mixto, cuyo inicio se realiza con pinturas al agua y el final con óleo y óleo-barniz.

Dependiendo del método de pintura elegido por el artista, también se selecciona la imprimación para lienzos utilizada.

Se completa el dibujo a partir del cual comienza el trabajo. varios materiales, dependiendo del color del suelo, su composición y métodos de pintura base pictórica. Como se indicó anteriormente, lo mejor es hacerlo por separado sobre papel y luego trasladarlo a lienzo, donde se delinea sobre una imprimación adhesiva o en emulsión con acuarela y témpera y pintura al óleo finamente diluida, que se seca rápidamente sobre la imprimación al óleo.

Con este enfoque de la materia, el suelo conserva la pureza de su color, además, su superficie, que puede sufrir cuando se realizan correcciones y cambios en el dibujo con carboncillo, lápices, etc.

Luego viene la pintura de base, cuyo aspecto técnico quizás debería adaptarse mejor a su finalidad.

Pintura de base. Dado que la base de pintura en un cuadro es la primera capa de pintura, que luego debe sustituir a las siguientes, entonces, en interés de la resistencia de la pintura, debe realizarse de tal manera que permita, con total garantía. de la solidez del trabajo, para proceder con más registros en poco tiempo.

La técnica más adecuada para esta tarea serán las pinturas al agua: acuarela y témpera.

La pintura base con pinturas al agua se realiza únicamente sobre una imprimación en emulsión, en la que tanto la acuarela como la pintura al temple funcionan bastante bien. Esta imprimación debe contener una cantidad de aceite significativamente menor que una imprimación en emulsión para pintura al óleo.

La acuarela, sin embargo, sólo es adecuada para obras pequeñas; Además, el tono de las pinturas de acuarela bajo barniz no se parece al tono de las pinturas al óleo. Es por eso que la pintura base de acuarela requiere una cobertura completa con pinturas al óleo.

La pintura al temple debe considerarse la más aplicable como base. Es especialmente apropiado cuando se realizan trabajos de gran tamaño. Aquí, por supuesto, sólo se puede utilizar témpera. las más altas cualidades, es decir. caseína o temple al huevo.

La pintura al temple da mayor resistencia a las pinturas, que se vuelven tan intensas bajo el barniz que la pintura al óleo que remata el cuadro puede ceder en términos de intensidad de color frente a ellas. Esta circunstancia debe tenerse en cuenta a la hora de realizar la pintura de base. el mejor material Para el acabado de la pintura de base, en este caso, se utilizarán pinturas al óleo.

La pintura al temple se realiza con pinturas corporales y líquidas transparentes, pero siempre en capa fina y sin pasta.

La pintura de base con pinturas al óleo, tanto técnica como pictóricamente, se realiza de diferentes formas.

Realizar el pintado con este método sobre imprimaciones adhesivas y semiadhesivas es lo más adecuado, ya que utilizando último número Se reducen los depósitos de aceite, lo que tiene un efecto muy favorable en la resistencia de la pintura, pero también se puede utilizar una imprimación al aceite impecablemente preparada.

Una de las formas más utilizadas y bastante productivas de pintar como base es hacerlo “frotando” con pinturas al óleo, aceites esenciales diluidos, trementina, óleo, etc., lo que también se practica en la pintura “alla prima”.

Una fina capa de pinturas, como de acuarela, establece las formas, el color general del cuadro y de todo su conjunto.

El secado de la pintura de base realizada con este método es muy rápido si las pinturas se secan rápidamente y, además, completamente, debido a la delgadez de la capa de pintura, lo que, por supuesto, es de gran importancia para trabajos posteriores de pintura.

Pero también puedes pintar de base con pintura empastada, y la técnica dependerá enteramente de las propiedades de la tierra utilizada.

Las pinturas se aplican sobre la imprimación adhesiva en forma de tubos, sin diluyentes.

Las propiedades positivas de esta pintura base son que sus pinturas se secan rápidamente y se adhieren firmemente al suelo. La desventaja es el cambio de tono de las pinturas durante el proceso de pintura, así como al limpiar la base con barniz antes de seguir maquillándola.

Los viejos maestros, especialmente los más alejados de nosotros, consideraban su trabajo en la pintura de base como un trabajo preliminar preparatorio, donde toda la atención del maestro estaba absorta en la configuración del dibujo, el modelado de las formas y los detalles de la composición; En cuanto a la coloración, en la base de pintura solo se preparó la base necesaria, a partir de la cual se creó posteriormente el color de la imagen, cuya frescura se explica en gran medida por el método de trabajo descrito anteriormente.

La pintura moderna sigue, en términos generales, el mismo sistema de trabajo, pero el método de pintar “alla prima” ha adquirido en ella una importancia muy grande. Cada época, como vemos, crea propio sistema pintura, que, por supuesto, no se puede ignorar.

La pintura base en el sentido pictórico debe realizarse de tal manera que simplifique, si es posible, todos los registros posteriores. Por lo tanto, una pintura base correctamente realizada se puede rematar fácilmente con una pequeña carga de pintura durante el segundo registro.

Un subpintura realizado con témpera estará listo para su registro antes que otros subpinturas. Luego, en orden de preparación, vienen las pinturas de base al óleo sobre imprimaciones adhesivas y, por último, las pinturas al óleo empastadas sobre imprimaciones en emulsión y al óleo. Una pintura bien seca se puede reconocer por las siguientes características: no se pega; cuando se raspa con la uña y un cuchillo, se convierte en polvo, pero no en virutas; No se empaña al respirar.

Si es necesario, la pintura de base se puede raspar y alisar bien con un cuchillo, un raspador especial, etc., antes de volver a pintar.

El raspado, la piedra pómez y el alisado de capas de pintura al óleo son especialmente apropiados cuando se pintan capas de pintura empastadas (grasosas), ya que de esta manera se elimina el exceso de aspereza y, lo que es especialmente importante, se elimina la costra superior de aceite seco que, cuando se aplica La pintura al óleo se seca demasiado, lo que evita que las capas aplicadas encima se adhieran a las pinturas al óleo. Después de esta operación, se lava la base de pintura. agua limpia y secado.

Si la pintura de base no está empastada, no es necesario rasparla. Para que la capa seca de pintura al óleo recupere la capacidad de aceptar pintura, si no se ha raspado ni lijado, se limpia con aceite blanqueado, que se frota con la palma de la mano. El aceite se aplica en la menor cantidad, solo para humedecer la superficie que se va a pintar nuevamente.

En lugar de aceite, la pintura de base se puede cubrir con una solución líquida tibia de trementina veneciana (bálsamo) en trementina, como se practicaba en los viejos tiempos, o con una solución líquida de barniz de trementina, ya que los aceites esenciales humedecen fácilmente la pintura al óleo seca. El mismo objetivo se logra añadiendo a las pinturas barnices que contienen aceites esenciales.

Si no se siguen las reglas para el manejo de la pintura de base, las capas superiores de la pintura se vuelven propensas a desmoronarse, y tanto más cuanto más tiempo se deja la pintura de base en su lugar; Hay muchos ejemplos de esto en las obras de pintura de una época posterior.

Al seguir pintando la base, se pueden introducir veladuras si formaban parte del plan de ejecución de la pintura, o se puede realizar una pintura secundaria en la llamada “media letra”, es decir. con una fina capa de pintura corporal, y la pintura finaliza con esta técnica. Sin embargo, hay que tener en cuenta que una acumulación excesiva de colores en la pintura al óleo se considera inaceptable; Cada capa recién aplicada debe secarse y solo entonces se puede comenzar a trabajar más.

Reglas básicas:

1) no aplicar pinturas al óleo en capas gruesas en general, y especialmente pinturas ricas en óleo;

2) utilizar siempre una imprimación (óleo) moderadamente adhesiva en la pintura, así como en el subpintado y, en general, en las capas subyacentes de pintura, saturándolas con óleo si su contenido en este último es insuficiente.

La mejor técnica pictórica para el segundo registro es la pintura “alla prima”, que da frescura a la ejecución pictórica.

El segundo registro se realiza con más pinturas líquidas que con base. Aquí se utilizan barnices y aceites condensados. Estos últimos se introducen en las pinturas mezclados con barnices de trementina. La segunda inscripción, en cuanto al contenido de aglutinantes en sus pinturas, supera así a la pintura base. Se observa plenamente el antiguo principio de superposición de pinturas al óleo: “gordo sobre flaco”.

Si la pintura de base se realizó en tonos convencionales, entonces, para facilitar el trabajo, es útil comenzar el segundo registro en tonos locales de la naturaleza con esmalte o semiesmalte, encima del cual sigue la pintura corporal.

Acristalamiento. Los esmaltes son capas finas, transparentes y translúcidas de óleo y otras pinturas que se aplican sobre otras pinturas similares bien secas para darles a estas últimas el tono intenso y transparente deseado.

Casi todas las pinturas son aptas para vidriar: algunas son transparentes, otras son semitransparentes. Los menos adecuados incluyen el cadmio, el cinabrio, el amarillo napolitano, el rojo inglés, el kaput-mortuum, el corcho negro y el melocotón, entre otros.

Las veladuras transparentes sólo cambian el tono de la preparación subyacente a uno más espeso y transparente, sin afectar el detalle del modelado y las luces y sombras principales. Los translúcidos pueden cambiar significativamente, dependiendo del grado de transparencia, el detalle del modelado de la pintura base.

El vidriado se puede utilizar para complementar o completar casi cualquier pintura que se haya iniciado de una forma u otra, pero se consiguen resultados aún mejores con pinturas de base especialmente preparadas para este fin. En este caso, la pintura de base se realiza de tal manera que la pintura sea más clara y fría de lo que se supone que debe ser en su forma final; el tono adecuado y los claroscuros le dan veladuras en combinación con los tonos del subpintura.

El vidriado era de gran importancia para los viejos maestros. Tiziano, Rembrandt, Velásquez, sus contemporáneos y otros maestros de épocas anteriores hicieron un excelente uso de ellos en su pintura. La popularidad de las veladuras en épocas pasadas indica que satisfacían perfectamente las necesidades pictóricas de los artistas que las utilizaban.

Los esmaltes, por su estructura física, absorben fuertemente la luz, por lo que un cuadro realizado con ellos requiere mucha más luz para su iluminación que un cuadro pintado con pinturas corporales, que reflejan la luz más de la que absorben.

Por la misma razón, la pintura realizada con esmaltes carece de ligereza, lo que se logra mejor pintando con pinturas con una superficie mate que refleja y dispersa fuertemente la luz.

Los tonos producidos por el vidriado avanzan en lugar de retroceder. Por tanto, el cielo del cuadro no está pintado con veladuras.

De gran interés para el artista de nuestro tiempo son los semiesmaltes aplicados en tonos translúcidos.

El semiesmalte es pintura aplicada en una fina capa translúcida. Desde el punto de vista óptico, una capa de pintura de este tipo pertenece a los llamados “medios turbios”, que son responsables de algunos de los colores visibles de la naturaleza. Los tonos obtenidos en la pintura mediante semiesmaltes tienen una belleza única. No brillan con fuerza ni brillo, pero no es posible obtenerlos mezclando físicamente colores en una paleta. Los viejos maestros de la época posterior utilizaron ampliamente el método de pintura descrito; Los artistas contemporáneos también lo utilizan, muchas veces de forma accidental o inconsciente.

Correcciones. Las pinturas al óleo se vuelven cada vez más transparentes con el tiempo. Este aumento de transparencia también se observa en las pinturas para carrocerías, y algunas de ellas, como el blanco de plomo, se vuelven translúcidas debido a la pérdida de poder cubriente, así como al adelgazamiento de la capa al secarse. Teniendo en cuenta esta característica de la pintura al óleo, es necesario tener mucho cuidado con todo tipo de correspondencias y alteraciones radicales en la pintura al óleo, que en ocasiones necesita el pintor, ya que todas las correcciones y notas realizadas con una fina capa de pintura corporal, después de un largo período de tiempo, vuelven a ser visibles.

Así, en el retrato ecuestre de Felipe IV realizado por Velásquez se ven ocho patas (galería de Madrid), de las cuales cuatro sobresalen por debajo del tono del suelo, que el autor las cubrió, aparentemente descontento con la posición de las piernas.

En el retrato del artista Litovchenko de I. Kramskoy (Galería Tretyakov), a través del sombrero negro colocado en la cabeza del artista, se ve con bastante claridad la frente de Litovchenko, en la que se puso el sombrero, aparentemente, más tarde, cuando la cabeza ya estaba pintada. . En el retrato de Jan Sobieski de Rembrandt, el bastón que Sobieski sostiene en la mano era originalmente tallas grandes y luego acortado. Puede haber muchos ejemplos de este tipo.

Los ejemplos anteriores muestran claramente que las correcciones realizadas en una capa fina, incluso de pinturas opacas, en la pintura al óleo no logran su objetivo. Aquí se necesitan repetidas capas de pintura, que son las únicas que pueden hacer invisibles para siempre aquellas partes de la pintura que se quiere destruir. En este caso, es aún mejor limpiar completamente de la pintura las áreas destinadas a la modificación y luego volver a grabarlas en un suelo limpio. Con cloroformo, acetona y benceno se pueden eliminar fácil y rápidamente incluso pinturas a base de aceite muy viejas.

Al realizar pequeñas correcciones en lugares importantes (por ejemplo, la cabeza, las manos de un retrato, etc.), es necesario tener en cuenta la posible hinchazón y el oscurecimiento habitual bajo el barniz de los lugares corregidos. Y por ello, al comenzar a corregir, las zonas a alterar se secan minuciosamente, se cubren con barniz líquido y se corrigen con pinturas y barniz para evitar la aparición de sequedad. En el mismo caso, si se ha formado un desvanecimiento, no se debe cubrir con barniz de retoque, sino que se le debe devolver el brillo y el tono perdidos únicamente mediante engrase.

Pintura al óleo. Lo esencial. Lecciones de Bill Martin para principiantes.

Hay cosas que debes saber antes de empezar a pintar al óleo.
Todas las pinturas son una mezcla de pigmento seco y líquido. En las pinturas al óleo, el pigmento colorante se mezcla con aceite de linaza. El aceite de linaza es un aceite que se seca mediante el proceso de oxidación con el aire. Absorbe oxígeno del aire y cristaliza el pigmento de la pintura de forma permanente. Una vez que el aceite se seca, no se puede quitar.
Las pinturas al óleo son espesas. Se producen en tubos. Las pinturas se exprimen sobre la paleta y se mezclan con una espátula para obtener nuevos tonos. Luego se aplican sobre un lienzo colocado verticalmente con pinceles elásticos duros.
Las pinturas al óleo se secan muy lentamente. Normalmente hay que esperar tres días antes de añadir la siguiente capa. Este largo tiempo El secado es tanto una ventaja como una desventaja. La gran ventaja es que tendrás tiempo para comprender lo que has dibujado. Esto es muy útil cuando realizas transiciones de degradado de un color a otro. O, si no está satisfecho con el resultado mientras la pintura aún está húmeda, puede rasparla con un trapo, una espátula o un raspador de goma y volver a pintar.
La desventaja es que si pones dos pinturas húmedas una al lado de la otra Colores diferentes, es posible que se mezclen de manera incorrecta. La paleta, los pinceles y el lienzo húmedo deben manipularse con mucho cuidado para no mancharse a uno mismo, la ropa, la comida y los muebles.
Puedes trabajar con pintura hasta por 12 horas seguidas, luego debes dejar secar la obra por tres días, luego de los cuales puedes continuar trabajando. Cuando las pinturas se hayan secado, puedes aplicar nuevos colores encima. Una obra puede tener muchas capas. Cada capa posterior debe tener el mismo espesor o más que la anterior, de lo contrario se producirán grietas.
Una vez que el trabajo esté completamente seco (de tres a seis meses), es necesario aplicar capa protectora Barniz damara.

DIBUJO.

Un diseño complejo se pierde rápidamente al aplicar pinturas al óleo, por lo que es mejor etiquetar el diseño. figuras simples y líneas de contorno. El dibujo se puede realizar directamente sobre el lienzo o se puede preparar con anticipación y transferir al lienzo.
Al aplicar un dibujo directamente sobre el lienzo, es mejor utilizar pintura diluida. Como ya es pintura, no tendrás que sellarla en capas posteriores.
También puedes utilizar carbón. Será necesario aislar el relleno de carbón de las capas posteriores con fijador. El carbón blando es más fácil de fijar con fijador que el carbón comprimido.
El dibujo también se puede aplicar con lápiz sobre el lienzo. Luego asegúrelo también con fijador. La punta afilada de un lápiz puede provocar grietas en la capa de imprimación, por lo que también puedes aplicar otra capa transparente de imprimación. Si ha aplicado otra capa de imprimación, no necesitará fijador.

En la foto: una lata de fijador, en la caja hay papel carbón.
Es mejor preparar un dibujo para traducir utilizando papel carbón sobre papel de calco fino, entonces será más fácil de traducir. Adjunte el dibujo al lienzo. Tradúcelo usando papel carbón. Traza tu dibujo con papel carbón debajo. Aprovecha esto bolígrafo Color de contraste para ver qué áreas ya has traducido y controlar el grosor de las líneas. El patrón aplicado también debe fijarse con un fijador o una fina capa de imprimación transparente.

TRANSICIÓN DE UN COLOR A OTRO

Consideremos una transición gradual de un color a otro. Las pinturas al óleo, debido a que tardan en secarse, te permiten moverlas por el lienzo mientras aún están húmedas. Por eso es mucho más fácil crear gradaciones suaves de color con óleos que con otras pinturas. Esto se puede hacer con cualquier pincel. Pero los cepillos planos son los mejores y los redondos, los peores. Los mismos principios se aplican a las estrías pequeñas y grandes.


Las pinturas se mezclan en la paleta y se aplican en los lugares previstos del lienzo. Luego se mueve el pincel hacia adelante y hacia atrás siguiendo un patrón cruzado entre las dos gradaciones de color hasta obtener un resultado satisfactorio. Luego se realizan trazos paralelos para finalizar la zona. Trabaje con un pincel limpio de oscuro a medio y luego nuevamente con un pincel limpio de claro a medio.


(A) En este ejemplo, las pinceladas son SIEMPRE perpendiculares al resaltado. Moviendo el pincel en círculo, intentamos hacer trazos perpendiculares al resaltado, respectivamente, obtenemos la forma de los trazos de un pincel retorcido.
(B) Dependiendo de la ubicación de los colores principales del tramo se crea una idea del plano en el que se ubica la superficie. Observe cómo están dispuestas las sombras para representar una superficie plana (izquierda) y una superficie curva (derecha).

CREAMOS FORMAS

Todas las formas se crean a partir de cinco formas básicas. Estas formas son: bola, cono, cilindro, cubo y toro (rosquilla, bagel). Partes de estas formas forman cualquier objeto que vemos. Imaginemos medio cilindro sobre un cubo y obtendremos la forma de un buzón americano. Media bola y un cono te darán la forma de una lágrima, un árbol de Navidad es un cono, un roble es un hemisferio (media bola) y una taza cilíndrica suele tener un asa en forma de medio toro ( rosquilla).


El claroscuro crea forma. Cada una de estas formas tiene ubicaciones de luces y sombras claramente definidas. La esfera se caracteriza por una hoz y óvalos. Los conos tienen una parte triangular iluminada y el resto está en sombra. Los cubos y las superficies planas contienen estrías (una transición gradual de luz a sombra).
Los cilindros están hechos de tiras. Thor: hecho de medias lunas y rayas.
Las versiones cóncavas de estas formas tienen el mismo claroscuro, pero sin reflejos.
Si aprendes a dibujar estas cinco formas, podrás dibujar cualquier cosa.

La bola (esfera) está definida por medias lunas y óvalos. Las bolas están pintadas con pinceladas retorcidas y en forma de media luna.


Los conos están formados por triángulos de luz y sombra. Los conos están pintados con pinceladas triangulares.


Los cilindros están formados por franjas de luces y sombras. Los cilindros están pintados con pinceladas paralelas.

Los cubos y cualquier superficie plana siguen las mismas reglas. Transición graduada de luz a sombra. Si la superficie representada es paralela al lienzo, entonces se representa en un tono uniforme. Un cubo es una combinación de planos que se cruzan. Cada lado del cubo contiene un tramo de claroscuro. El cubo se dibuja con pinceladas paralelas.

El Thor contiene aspectos de otras dos figuras. Tiene franjas de luz y sombra, como un cilindro, en el centro, y medias lunas, como una esfera, en los bordes. Thor está escrito con trazos retorcidos y trazos en forma de media luna.


Aquí ves que para transmitir la forma de un objeto necesitas usar luces y sombras, no líneas de contorno. La luz puede resultar confusa, así que intenta ver primero la forma del objeto y luego cómo incide exactamente la luz sobre esa forma.

COMBINACIÓN DE COLORES


El arco iris nos da ejemplos de los colores puros que nos rodean en el mundo. Los colores del arco iris en orden: rojo violeta, rojo, rojo anaranjado, naranja, amarillo anaranjado, amarillo, amarillo verdoso, verde, azul verdoso, azul violeta, violeta. Cuando estos colores se organizan en un círculo, obtenemos una "rueda cromática". La rueda de colores es imprescindible a la hora de comparar colores.


El círculo está colocado de modo que el amarillo, el más brillante. color claro, estaba en la parte superior, y el morado, más oscuro, estaba en la parte inferior. De arriba a abajo, de derecha a izquierda, hay amarillo anaranjado, naranja, rojo anaranjado, rojo y rojo violeta. Estos colores se llaman cálidos.
De arriba a abajo, en el lado izquierdo, hay amarillo verdoso, verde, azul verdoso, azul y azul violeta. Estos colores se llaman fríos.

Colores adicionales.


Cualquier DOS colores ubicados uno frente al otro en rueda de color se llaman colores COMPLEMENTARIOS. El rojo y el verde son colores complementarios porque se encuentran uno frente al otro en el círculo cromático. El amarillo y el morado también se complementan entre sí. El amarillo verdoso y el rojo violeta son colores complementarios. Los colores complementarios colocados uno al lado del otro en el lienzo se realzan mutuamente. Los colores complementarios se neutralizan entre sí cuando se mezclan en la paleta. En esta placa, los colores complementarios están en los extremos opuestos de la escala, uno frente al otro. Si nos acercamos a la mitad de esta escala, terminamos con un color gris neutro, el menos saturado de todos.

Todos los colores tienen matices. Los colores espectrales puros en esta imagen están indicados por letras.
Entonces, ¿cómo seleccionamos los colores teniendo en cuenta todo lo anterior?
Sólo necesitamos responder a estas tres preguntas.
1. ¿Qué color formará el color que necesitamos? ¿Dónde se encuentra este color en la rueda de colores? (que significa color espectral).
2. ¿Qué tan intenso es? (Cuanto más color adicional agreguemos al color, menos saturado se volverá el color que necesitamos).
3. Tono (qué tan oscuro o claro será).

Así es como funciona todo.


Las pinturas están ordenadas por color en la paleta.


Seleccionamos un color como una hoja marrón.
El color espectral será rojo violeta. Se agrega blanco para combinar con el tono. Se añade amarillo verdoso, complementario del rojo violeta, para reducir su saturación.


Selecciona el color de la hoja verde.
Verde espectral. El verde cadmio es nuestro color de base. Contiene un poco de amarillo, así que lo atenuamos con rojo violeta (rosa quinacridona). El amarillo verdoso y el rojo violeta son colores complementarios entre sí.
Añadimos blanco para aclarar el tono.


Seleccione el color de la cinta aislante plateada.
Color espectral azul. Agregamos blanco para aclarar la saturación tonal. Se añade el naranja, complementario al azul, y obtenemos el gris.


Seleccionar el color de un objeto tridimensional. Un trozo de jabón.


Primero seleccionamos el medio. Color espectral: amarillo anaranjado. Añadimos una cantidad muy pequeña de azul violeta adicional para reducir la intensidad del color. Y un poco de blanco.


Para conseguir zonas claras de nuestro jabón, añadimos blanco al color resultante en el medio. Para obtener el color de la sombra, agregue más azul violeta al color del medio.


Entonces, se han seleccionado los colores del jabón. Por lo general, para obtener el color de una sombra en un objeto, es necesario agregar un color adicional al color principal del objeto. Para sombras más oscuras, utilice el color base del sujeto, pero con menos blanco. En algunos casos, agregar color adicional no oscurece el color lo suficiente, entonces es cuando agregamos un poco de negro.

OSCURIDAD

Las sombras crean luz. Las sombras se dividen en tres categorías. La primera es la parte sombreada del objeto, conocida simplemente como SOMBRA. La segunda es la sombra que cae de un objeto, que se forma cuando el objeto oscurece la luz de la fuente de iluminación. La tercera categoría es la sombra de los objetos vecinos.


La parte sombreada de un objeto es una versión más oscura y menos saturada de su color base.
La luz directa produce sombras oscuras. La luz difusa produce sombras borrosas y menos intensas.
Luz reflejada en la sombra (reflejo).


La luz que incide sobre un objeto desde su entorno se llama luz reflejada o refleja. El color de los objetos que rodean a nuestro sujeto afecta significativamente a la luz reflejada. ¿Ves la luz verde reflejada en la bola izquierda? Observe el rojo reflejado en la bola del medio. El color del ambiente es parte integral de todas las sombras.


La saturación de luces y sombras de los objetos circundantes también afecta a la luz reflejada. La primera bola simplemente queda suspendida en el aire. La segunda bola también refleja la superficie blanca. La tercera bola refleja la superficie negra. La saturación de luces y sombras de los objetos circundantes también es una parte integral de las sombras.

Sombras que caen.

Una sombra proyectada siempre se caracteriza por ser más oscura y más enfocada en el origen de la sombra (el sujeto). Las sombras que caen están pintadas de un color más oscuro y menos intenso que el color de la superficie sobre la que caen.


El color de la sombra que cae siempre contiene color adicional al color de la iluminación y un color complementario al color de la superficie sobre la que reposa la sombra.
¿Ves un tinte azul en la sombra de un objeto iluminado por una luz naranja? Y un tinte naranja en la sombra de un objeto iluminado en azul. En la sombra de un objeto iluminado por luz roja hay un matiz verde. Y observe el tono rojo violeta de la sombra proyectada por un objeto iluminado con luz amarillo verdosa.
Las sombras paralelas están asociadas con la forma y la textura.


Las sombras que caen describen el entorno de un objeto. A la izquierda, la pared está definida por la sombra que cae del cristal. La sombra de la derecha indica la presencia de un montículo.


Los bordes de una sombra definen la textura de la superficie sobre la que cae la sombra.
Hierba a la izquierda y tierra con piedras a la derecha.

Sombras que caen con luz directa y difusa.




La luz directa (izquierda) suele proceder de una única fuente de luz, por ejemplo el sol o un foco. Produce alto contraste y sombras ricas y oscuras.
La luz difusa suele obtenerse de varias fuentes de luz. Produce bajo contraste y sombras poco claras.


Los objetos que prácticamente no tienen sombras SIEMPRE están bajo luz difusa, donde parecen más planos y menos texturizados.

Sombras de objetos vecinos.


Estas son las sombras oscuras que vemos en los lugares donde los objetos se tocan entre sí. Una línea oscura alrededor de una puerta cerrada, una línea oscura debajo de una taza de café, una línea oscura entre los dedos fuertemente apretados: esta es la sombra de los objetos vecinos.
Es relativamente independiente de la dirección de la iluminación. Estas sombras en las sombras suelen ser las partes más oscuras del dibujo.


Una estrecha franja oscura debajo del cilindro de la izquierda nos indica que los objetos están separados. El cilindro de la derecha está conectado a su base.

CONTRASTE

Usando luces y sombras juntas.

El contraste es la relación entre las partes más claras y más oscuras de un objeto o su entorno.

Escala tonal.

A la izquierda hay un contraste alto, a la derecha hay un contraste bajo.

Cuando los objetos tienen un alto contraste, parecen más cercanos a nosotros. Cuando el contraste es menor, los objetos aparecen más lejos de nosotros. Esas rocas a lo lejos parecen más lejanas de nosotros, su contraste es menor que el contraste de la roca más cercana a nosotros.


La saturación gradual de los objetos con contraste los acerca visualmente a nosotros.


Por el contraste de la sombra que cae y su entorno, se puede determinar la distancia.

Bajo contraste


Los objetos con luz difusa tienen el contraste más bajo.


Los objetos sin sombras siempre están bajo luz difusa. Si un objeto tiene una gradación tonal de media a oscura, debería tener una sombra proyectada.


Si un objeto tiene una transición tonal de medio a claro, aparecerá como si estuviera en una neblina o niebla.

EL CONTRASTE LO CREA EL TIPO DE LUZ. Un alto contraste corresponde a una iluminación brillante. El bajo contraste corresponde a iluminación difusa, distancias lejanas y neblina.

TEXTURA

La textura ayuda a definir qué estás viendo exactamente.

La textura se ve mejor cuando la luz se desvanece en la sombra. En objetos lisos, el deslumbramiento es un reflejo distorsionado de la propia fuente de luz. Cuanto más nítido sea el foco de este reflejo, más suave será la superficie del objeto. Una botella de vidrio tiene una superficie más lisa que una botella de aluminio, que a su vez es más lisa que la cera de una vela. Sabemos cómo estos objetos concentran el resplandor sobre sí mismos.

En objetos sin reflejos brillantes, la textura es claramente visible y está determinada por la transición de la luz a la sombra.

Estos diez objetos están ordenados según su textura.
Observe hacia dónde mira su ojo inmediatamente para apreciar la textura de un objeto.

Observamos la transición de la luz a la sombra para determinar qué textura tiene un objeto.

Textura en luz difusa.

A la izquierda hay luz directa, a la derecha luz difusa.

Los objetos expuestos a luz directa parecen más texturizados que los objetos expuestos a luz difusa.
El tronco y la toalla parecen más suaves y lisos con iluminación indirecta. Los objetos parecen menos texturizados con luz difusa porque la transición de la luz a la sombra lleva más tiempo.

ESMALTADO/CAPAS DE CAPAS

Se aplican capas de vidriado sobre la pintura seca.

Las capas transparentes de pintura al óleo se denominan capas de vidriado. Translúcidas son las capas de esmalte. Para obtener el esmalte, la pintura se diluye en una proporción de 1/3 de barniz Damara, 1/3 de trementina y 1/3 aceite de linaza. El esmalte es una fina capa transparente de pintura que se aplica sobre otra capa seca para obtener el tono del tercer color. Por ejemplo, si pones rosa de quinacridona diluido (un color transparente) sobre azul, obtendrás un color morado. Si aplicas esmalte exactamente del mismo color, lo realzarás. Las sombras que caen sobre texturas complejas suelen estar cubiertas con esmalte. El glaseado oscurece ligeramente el color. (Consulte la lección “Pinturas” sobre transparencia y mate).

Esto es acristalamiento.

Por ejemplo, es necesario reverdecer el caparazón de un escarabajo.

El líquido de glaseado se mezcla en una paleta con verde cian (color transparente) hasta lograr el grado de transparencia requerido.

Luego se aplica la mezcla con un pincel central sobre el dibujo en posición horizontal. Dejar secar durante la noche. Al utilizar vidriado, puede cambiar el color del diseño sin cambiar la dirección de los trazos de pintura en la capa base.

El glaseado se crea usando un color mate diluido sobre el color seco de otra pintura. La capa de esmalte no cambia de color y es una capa translúcida.

La pintura también se mezcla en la paleta con la mezcla de glaseado y se aplica a la superficie horizontal con un pincel central.

El blanco (color mate) con vidriado nos aporta rayos de luz. Deje secar la obra durante la noche.
http://demiart.ru/

el pasado fascina por sus colores, el juego de luces y sombras, la idoneidad de cada acento, el estado general y el sabor. Pero lo que vemos ahora en las galerías, conservado hasta el día de hoy, difiere de lo que vieron los contemporáneos del autor. La pintura al óleo tiende a cambiar con el tiempo, en esto influyen la selección de pinturas, técnica de ejecución, capa de acabado de la obra y condiciones de almacenamiento. Esto no tiene en cuenta los errores menores que podría cometer un maestro talentoso al experimentar con nuevos métodos. Por este motivo, la impresión de las pinturas y la descripción de su aspecto pueden variar con el paso de los años.

Técnica de los viejos maestros.

La técnica de la pintura al óleo ofrece una gran ventaja en el trabajo: puedes pintar un cuadro durante años, modelando gradualmente la forma y pintando los detalles con finas capas de pintura (esmalte). Por lo tanto, la pintura de corpus, donde inmediatamente se intenta completar la imagen, no es típica de la forma clásica de trabajar con óleo. Un enfoque reflexivo paso a paso para aplicar pintura le permite lograr tonos y efectos sorprendentes, ya que cada capa anterior es visible a través de la siguiente al esmaltar.

El método flamenco, que a Leonardo da Vinci le encantaba utilizar, constaba de los siguientes pasos:

• El dibujo fue pintado en un solo color sobre un fondo claro, con sepia para el contorno y las sombras principales.
• Luego se realizó una fina pintura de base con escultura de volumen.
• La etapa final consistió en varias capas de esmalte de reflejos y detalles.

Pero con el tiempo, la escritura marrón oscura de Leonardo, a pesar de la fina capa, comenzó a traslucirse a través de la colorida imagen, lo que provocó que la imagen se oscureciera en las sombras. En la capa base utilizó a menudo sombra tostada, ocre amarillo, azul de Prusia, amarillo cadmio y siena tostada. Su aplicación final de pintura fue tan sutil que fue imposible de detectar. Desarrollo propio método sfumato (sombreado) permitió que esto se hiciera con facilidad. Su secreto está en la pintura muy diluida y en trabajar con pincel seco.

Rubens, Velázquez y Tiziano trabajaron con el método italiano. Se caracteriza por las siguientes etapas de trabajo:

• Aplicar imprimación coloreada al lienzo (con la adición de un poco de pigmento);
• Transferir el contorno del dibujo al suelo con tiza o carboncillo y fijarlo con pintura adecuada.
• La pintura de base, densa en algunos lugares, especialmente en las áreas iluminadas de la imagen, y completamente ausente en algunos lugares, dejó el color del suelo.
• Trabajo final en 1 o 2 pasos con semiesmaltes, menos frecuentemente con esmaltes finos. La bola de capas pictóricas de Rembrandt podía alcanzar un centímetro de espesor, pero esto es más bien una excepción.

En esta técnica significado especial Se optó por el uso de colores adicionales superpuestos, lo que permitió neutralizar el suelo saturado en algunos lugares. Por ejemplo, una imprimación roja se puede igualar con una pintura de fondo gris verdosa. El trabajo en esta técnica se llevó a cabo más rápido que en método flamenco, que les gustó más a los clientes. Pero una elección incorrecta del color de la imprimación y de los colores de la capa final podría arruinar la pintura.

Color de la imagen

Para lograr la armonía en cuadro Utiliza todo el poder de los reflejos y los colores complementarios. También existen pequeños trucos como utilizar imprimación de color, como es habitual en método italiano, o recubrir la pintura con barniz y pigmento.

Las imprimaciones coloreadas pueden ser adhesivas, en emulsión y oleosas. Estos últimos son una capa pastosa de pintura al óleo del color requerido. Si una base blanca da un efecto luminoso, una oscura aporta profundidad a los colores.

Rembrandt pintó sobre un fondo gris oscuro, Bryullov pintó sobre una base con pigmento ámbar, Ivanov tiñó sus lienzos con ocre amarillo, Rubens usó pigmentos rojos ingleses y ámbar, Borovikovsky prefirió un fondo gris para los retratos y Levitsky prefirió el gris verdoso. El oscurecimiento del lienzo esperaba a todos los que utilizaban en abundancia colores terrosos (siena, sombra, ocre oscuro).

Para quienes realicen copias de pinturas de grandes artistas en formato digital, será de interés este recurso, donde se presentan paletas web de artistas.

recubrimiento de barniz

Además de las pinturas terrosas, que se oscurecen con el tiempo, los barnices a base de resina (colofonia, copal, ámbar) también cambian la luminosidad de la pintura, dándole tintes amarillos. Para que el lienzo parezca antiguo artificialmente, se añade especialmente al barniz pigmento ocre o cualquier otro pigmento similar. Pero es más probable que el oscurecimiento severo sea causado por un exceso de aceite en la obra. También puede provocar grietas. aunque tal el efecto craquelado se asocia a menudo con el trabajo con pintura medio húmeda, lo cual es inaceptable para la pintura al óleo: pintan solo sobre una capa seca o aún húmeda, de lo contrario es necesario rasparla y volver a pintar.