Третяковската галерия ви кани да се насладите на картините на Марк Шагал. Третяковската галерия отваря зала за театрални пана Марк Шагал Защо козата е зелена

Изложба на малко познатото графично наследство на Марк Шагал (1887-1985). На изложбата „Марк Шагал. Произходът на творческия език на художника“ творчеството на художника е представено в контекста на търсенето на произхода на неговото изкуство

Шагал принадлежи към поколение художници, които в началото на ХХ век, в опит да намерят себе си, собствената си образна система и пластичен език, се обръщат към народното изкуство. Шагал не получава последователно професионално образование, неговият първи и основен учител е природната среда - еврейската, руската, беларуската, литовската, френската среда, "онази жива вода", която "зарежда" и вдъхновява майстора през целия му живот.

Истинските и невероятни събития, уловени от художника, са здраво свързани със земната среда чрез ключови предмети от бита за него, знаци на място, превърнали се в характерни „пароли“ на Шагал: от наивния знак на фризьор във Витебск или млекар в Париж до кръста на православна катедрала или химерите на Нотр Дам в Париж, от проста бродерия до менора и Тора, от разклатена селска колиба до синагогата във Вилнюс и портите на еврейското гробище, от популярни щампи и илюстрации на народни публикации , скитащи музиканти до знамената на революцията. Художникът твърди: "Не е вярно, че моето изкуство е фантастично! Аз съм реалист, обичам земята!".

Основата на експозицията в Третяковската галерия са произведения от колекциите на семейството на художника: уникални, никога не излагани в Русия, произведения от „семейния кръг“ – автопортрети, портрети на майка, баба, братовчеди, сестра. , съпруга Бела и дъщеря Ида, екзекутирани в края на 1900-те - 1910-те години. В тези творби на зрителя се представя своеобразна автобиография на художника, хроника на неговото семейство (На прозореца. Майка и дъщеря. 1908; Пръстен. 1908-1909; Модел. Сестрата на художника. 1910; Раждане. 1911 и други). Гравираната история на живота на Шагал е въплътена в листовете от поредицата "Моят живот" (1922). Своеобразен лайтмотив на изложбата е образът на любимия му град – Витебск, който присъства под една или друга форма във всички картини на майстора.

Група произведения от 60-те и 70-те години на миналия век в рядка колажна техника също идват от френската колекция (Триумфът на музиката. Скица за панел за Метрополитън опера, Lincoln Art Center. 1966, Клоунът и неговата сянка (Синият цигулар). 1964. Люляково голо 1967. Насип с часовник на химна, 1968).

Музей на Пушкин им. КАТО. Пушкин предостави изложбата Пейзаж с козел (Лизо) (1910), В залата на Теа (1910), Стая на улица Гороховая (1910), създадена в Русия през 1910 г., представена на музея от Ида Шагал. Произведения от първия парижки период, примери за интерпретация на Шагал на модерното френско изкуство - "Голо тяло с цветя", "Полегнало голо тяло" (и двете - 1911 г.) - предоставени от фондация Sepherot (Лихтенщайн).

За първи път на московската публика ще бъдат показани наскоро придобитите във Франция младежки албуми на Шагал, произхождащи от архива на Блез Сендрар, писател и поет, приятел и преводач на майстора, който въвежда младия художник в кръга на парижкия авангард. гардни художници (колекция на Т. и И. Манашерови, Москва).

Освен оригиналните рисунки, изложбата включва и илюстрации към „Мъртви души“ на Н. В. Гогол (1923-1925) от колекцията на Третяковската галерия, направени по инициатива на парижкия галерист и издател на поредицата „Книга на художника“ Амброаз Волард, получен като подарък от автора през 1927 г.

Известната "Сватбена услуга" (1951-1952 г. Керамика, бял емайл, живопис), създадена от Шагал в чест на сватбата на дъщеря му Ида (частна колекция, Париж) и две мраморни скулптури за фонтана - "Риба" и " Птица" също ще бъдат открития за родната публика. (1964 г. Колекция на фондация "Пиер Жанаде", Мартини, Швейцария). Представените в изложбата предмети на народното творчество от Руския етнографски музей (Санкт Петербург) и Музея за история на евреите в Русия (Москва) ще допълнят представите на публиката за произхода на образната система на Шагал.

Какво от това? Трябва да призная - c "est captivant. [Очарователно е (на френски).] Няма какво да се направи. Това е изкуството, което трябва да ме отвращава до крайна степен. Това е, което мразя във всички други области на живота (все още не съм ли забравил как да мразя), с която въпреки цялата ми умствена умора все още не мога да се примиря - и все пак пленява, дори бих казал - омагьосва, ако запазите точния смисъл на думата. някои тайни чарове в изкуството на Шагал, някаква магия, която като хашиш действа не само в допълнение към съзнанието, но и въпреки него<...>

Шагал печели наградата Карнеги. Това вече е някакво световно освещаване. [Изповед (фр.)] Но още преди това, вече десетилетия, той принадлежи към онези творци, чиито имена са придобили световна слава, за които критиците не пишат, освен по готови формули, и това е израз на най-великия благоговение. Шагал е истинска ведета, като, да речем, Чаплин. И това признание може да се счита за заслужено. Той наистина се доближи до епохата, той предизвиква у хората такива чувства, които по някаква причина те са привлечени да изпитат. В това изкуство все още можете да намерите елементи на демоничен блясък или действие на нечисти сили, но не е позволено да се говори за това, а ако е позволено, тогава само в ироничен тон или като някаква „алегория“. Несъмнено има нещо общо между творчеството на Шагал и творчеството на всякакви художници - демони от Средновековието, някои от които се занимават с "украсяване" на най-свещените катедрали с всякакви скулптурни дяволии, други заобикалят миниатюрите на молитвени книги с най-безразсъдни и толкова злобни гримаси. Същата дяволия беше увлечена от такива велики майстори на живописта като Бош или по-стария Брьогел, като Шонгауер и като Грюневалд - и с всички тях Шагал има поне това общо, че той напълно се подчинява на произвола на своето въображение; че пише каквото му дойде наум; че той като цяло е във властта на нещо, което се противопоставя на всяка разумна дефиниция. Творенията на Шагал обаче се различават просто от глупостите и лудориите и от лудото творчество на лудите творения именно по неподправеното си очарование.

Настоящата изложба (открита в галерия 12 май, улица Бонапарт) за пореден път потвърди в мен отношението ми към изкуството на Шагал (бях един от първите, които оцениха това изкуство преди четвърт век), и в същото време време разсея съмнението, което се прокрадна в мен; дали Шагал не е сноб; не се ли е превърнал в шарлатанин, превърнал ли се е, подтикнат към това от успеха, в банален измамник, който търгува с това, което някога го е дало истинско вдъхновение? Такива въпроси биха могли съвсем естествено да се промъкнат в душата, тъй като репертоарът на Шагал все още е същият ограничен и той прави само това, което повтаря същите теми.

Така че на тази изложба отново видяхме все същите летящи брадати евреи, влюбени, полегнали на дивана, бели булки, акробати, нежни ефеби с букети, пърхащи ангели, прегърбени жалки цигулари и всичко това осеяно с някакви музикални кози, с гигантски пилета, с телета и апокалиптични коне. Да, и в смисъла на фона, това отново е същото черно небе с многоцветни ореоли на осветителните тела, същите къщи на мръсна дупка от ужасна гора, същият разтопен сняг или дограма, зелени храсти, стенни часовници, седмосветници, тори. Променя се само разположението на тези различни елементи и се променя форматът на картината. Вижда се, че художникът просто не може без други от тези задължителни детайли и те, не, не, та дори пълзят в неговата композиция, която му се струва недовършена, докато точно такъв козел-цигулар или крилат глашатай не намери място за себе си.

Отидох на изложбата с неохота, в очакване точно на тези повторения, които през годините на запознанството ми с творчеството на Шагал станаха много осезаеми. Но тази нова демонстрация на „упражнението с ограничен брой реквизити“ не само не ме разстрои, но ме завладя и, най-важното, тази сесия не създаде впечатлението за каскада или дори до степен на пълна нечувствителност на назъбен трик. Във всяка картина, във всяка рисунка на Шагал все още има собствен живот и следователно своя raison d "etre. По някакъв начин всичко това, дори най-познатото, докосва; няма съжаление като "това е толкова прекрасен талант, но той разменя себе си, той се ограничава по такъв начин." Шагал просто остана верен на себе си, иначе не може да твори. Но когато вземе четки и бои, нещо се търкаля върху него и той прави това, което иска се казва от този, който го контролира божеството - така се оказва, че вината е на божеството, ако всичко се окаже същото.

Но само божеството е, разбира се, не Аполон. Най-съблазнителното и със сигурност съблазнително нещо в Шагал са цветовете, и не само тяхната комбинация, но и самите цветове, всеки цвят взет сам по себе си. Този начин на полагане на бои е очарователен, това, което се нарича текстура. Но тези цветни талисмани в никакъв случай не са от Аполонов произход. В тях няма нито хармонична мелодия, нито утвърдена хармония, нито някаква задача, изпълняваща някаква идея. Всичко се появява случайно и е невъзможно да се намерят някакви намерения и закони в тази непрекъсната импровизация. Вдъхновенията са повече от достатъчни, но вдъхновението е от порядъка, към който художниците, които напълно контролират работата си, са донякъде снизходителни. Защо да няма такова изкуство, защо да не му се наслаждаваме? Забавляваме се с рисунки на деца или любители, радваме се на често безпомощните продукти на народното творчество - всичко, в което действа непосредственият инстинкт и в което няма регулиращо съзнание. Освен това дори е полезно да му се наслаждавате, действа освежаващо, дава нови импулси. Но аполоновото начало започва едва от момента, в който инстинктът отстъпва място на волята, знанието, определена система от идеи и накрая влиянието на цяла традиционна култура.

Всичко това е почитано до началото на 20 век като истинско изкуство; музеите ни запознават с историята на това изкуство и поради такова изкуство тези музеи са придобили в съвременния живот значението на безценни хранилища, почти на храмове. В тях общуваме с най-висшите и най-дълбоки умове (дори тези умове понякога да са били изразени в много неудобни, странни форми или дори просто снизходителни към шега, към шеги). Но странно впечатление ще направят в същите тези музеи картините на Шагал и други художници, родени от нашата объркана, неосъзната, a quel saint se vouer [На кой светец да се поклоним (на френски).] епоха. Разбира се, те ще изразят своята епоха и дори ще го направят по-добре от всякакви снимки с по-разумен и трезвен характер или такива снимки, които издават страхотно образование. Съмнявам се обаче, че бъдещите поколения ще се изпълнят с уважение към нашата епоха след такова запознанство с нея и ще ни погледнат така, както ние гледаме на различните фази от човешкото минало - с нежност, с нежност и дори завист. Благочестиви хора сред тези бъдещи (колко мистериозно!) поколения, изваждайки душата на нашето време от тези най-типични за него творби (от картината на Шагал, наред с много други), по-скоро ще сметнат за щастие, че такъв кошмар се е разсеял и ще се обърнат към небето с молитва, която не е повтарял.

Бих искал да отделя една от картините в тази изложба на Шагал. Ако е не по-малко кошмарен от другите, ако е много характерен за Шагал, ако в него доминира импровизационният принцип, то все пак, струва ми се, той е по-сериозен от всичко друго, несъмнено е пострадал и се усеща че, създавайки я, художникът, вместо да прибегне до обичайното творческо вълнение, което има общо с кисело-сладката сънливост, е събуден от нещо, сериозно уплашен и възмутен. Няма съмнение, че истинските събития са били причината за създаването на тази визия.<…>Самото значение на представения символ обаче не ми е ясно. Защо бледият труп на Христос, прикован на кръста, прорязва косо в бяло сияние мрака, разлят върху картината?! Неразбираеми (неразбираеми именно като символи) са и разни други символи, които са разпръснати из картината. Като цяло обаче тази „визия“ поразява и покорява вниманието. Трябва ли присъствието на Христос да се тълкува като лъч надежда? Или имаме изкупителна жертва? Или се прави опит да се изобличи виновникът за безброй беди? Други смятаха, че всички беди, които сполетяха човечеството през дългите векове на християнската ера, бяха преки плодове на това учение, което, проповядвайки милост и любов, в реалния опит доведе до по-жестоки и злонамерени последици от всичко, което го предшестваше.

Как да реша проблема, не знам. Самата снимка не съдържа отговор и нямам намерение да се обръщам към самия създател за устни коментари (ако желае да ги даде). Но едно нещо, така или иначе, остава безспорно. В картината „Христос” е представено нещо изключително трагично и нещо, което напълно отговаря на мерзостта на преживяната епоха. Това е документът на душата на нашето време. И това е някакъв плач, някакъв плач, това е истинският патос! Може би тази картина означава и обрат в самото творчество на Шагал, желанието му да се отдалечи от предишното си „съблазнително забавление“ и в този случай можем да очакваме други подобни откровения от него в бъдеще. Шагал е истински художник и това, което казва с цялата си искреност, винаги ще бъде значимо и интересно.

Цяла зала на Третяковската галерия на Кримски вал вече е посветена на Марк Шагал, легенда на руския авангард, един от най-значимите художници на световното изкуство на 20 век. За първи път след реставрацията ще може да се види целият цикъл от пана, създадени от майстора за Еврейския театър, а и не само.

В колекцията на Третяковската галерия има голяма колекция от графики на Марк Шагал, включително илюстрации за "Мъртви души", които авторът лично представи на галерията, но няма толкова много картини - само 12. Но някои са истински хитове. Един от тях - "Над града" - какво струва. Серия от панели, създадени от Шагал за Еврейския театър, е много търсена. Видяни са в четиридесет и пет града по света, но в родните стени, като част от постоянна изложба, ще бъдат показани заедно за първи път. Тази поредица е създадена от Шагал през 20-те години на миналия век, когато той напуска родния си Витебск и школата, която създава след разногласия с Казимир Малевич, премества се в Москва и веднага получава голяма поръчка.

„Шагал веднага каза, че ще нарисува голямо пано и ще напише тези неща, за да направи един вид камертон, въведение в театъра и че с картината си иска да се бори с фалшивите бради, с натурализма, който съществуваше в театър", казва уредникът на отдела за живопис от края на XIX - началото на XX век Третяковска галерия Людмила Бобровская.

Художникът работи върху декорите в продължение на два месеца, създава девет пана, само седем оцеляват. Най-големият е „Въведение в еврейския театър“. Тежка е съдбата на тези произведения на Марк Шагал, както и на самия еврейски театър, който се мести и през 1949 г. е напълно затворен. След това творбите се озоваха в Третяковската галерия и чакаха много дълго време за реставрация.

„През 1973 г., когато Шагал дойде в Москва, той дойде при нас и тези неща му бяха разгърнати в зала Серов. Той беше безумно щастлив - не се надяваше, че са живи и дори сложи подпис върху някои неща, те не бяха там. Той не възприема творбите си като стативни”, обяснява Людмила Бобровская.

Марк Шагал често подчертаваше своята националност - пишеше поезия на идиш, създаваше витражи за синагогата, но е трудно да го наречем еврейски художник, той все пак е космополит, неговият художествен език е разбираем на всички континенти. Японците например много го обичат и то от дълго време. В Страната на изгряващото слънце се вият опашки за изложбите му.

Шагал по принцип не се присъедини към никакви групи, трудно е да го наречем привърженик на някаква конкретна посока, въпреки че самият той си каза: „Аз съм реалист, обичам земята“. Шагал може да се нарече страхотен художник, произходът на творчеството му - в детството, когато изглежда, че всичко е възможно. И коза може да бъде зелена, и хората могат да се реят в облаците.

МОСКВА, 8 януари. /кор. РИА Новости Елена Титаренко/. Съвсем за кратко, само до март 2003 г., картини на Василий Кандински и Марк Шагал заемат полагащото им се място в експозицията на Държавната Третяковска галерия /State Tretyakov Gallery/.

Няколко картини, известни в целия свят като шедьоври на руския авангард, направиха кратка спирка у дома между чуждестранните турнета. Днес произведенията на тези майстори са истински "звезди", почти непрекъснато са "на турне" в различни части на света. Така наскоро платната на Кандински се завърнаха от Япония, където с успех се проведе най-голямата му самостоятелна изложба през последните години.

Както каза Светлана Маслова, старши научен сътрудник в Държавната Третяковска галерия, в интервю за РИА Новости, в Страната на изгряващото слънце от наследството на първия абстрактен художник е "показано всичко, което е в Русия". Още през пролетта картините ще заминат на Запад - в Испания. През лятото на 2003 г. изложбата на Василий Кандински ще бъде отворена в Барселона, през октомври ще се премести в Мадрид, където платна от Русия ще останат до края на януари 2004 г.

Междувременно московските зрители отново могат да видят класиката на Кримски вал - знаменитата "Композиция VII" /1913/, "Импровизация на студените форми" /1914/, "Смутни" /1917/, "Бял овал" /1919/, както и творчеството на Кандински от късния период – „Движение” /1935/.

Наблизо в постоянната експозиция "Изкуството на 20-ти век" има картини на Шагал от витебския период - порите на изключителни творчески открития: "Над града" /1914-1918/, "Момина сълза" /1916/, „Сватба” /1918/ са пронизани с трепетно, изпълнено с фантазия възприемане на руската действителност. Три ранни произведения ярко илюстрират формирането на Майстора, превърнал се приживе в легенда на изкуството на ХХ век. Всъщност това са емблематични произведения - пропити с мощен темперамент, те са белязани от уникалния маниер на Шагал, който окончателно се е развил по това време.

През март самостоятелната изложба на Шагал ще бъде открита в Париж, в Националната галерия Гран Пале. През юли същата обширна експозиция ще се разгърне и в Музея на Сан Франциско /САЩ/. Но някои платна от Държавната Третяковска галерия вече са заминали за Амстердам за изложбата „Седем пана на Марк Шагал“, каза Маслова.

Еврейският исторически музей показва в стените си "въздействащи" експонати от Третяковската галерия - седем широкоформатни пана, рисувани през 1920 г., за да украсят интериора на Еврейския камерен театър в Москва. "Въведение в еврейския театър", "Любов на сцената" и фризът "Сватбена трапеза", както и известните алегории на музиката, танца, театъра и литературата - всички тези платна са създадени две години преди художникът да напусне Русия завинаги .

Скоро след затварянето на театъра, панелите също се оказват "в изгнание": лежали в склад повече от половин век, те отново виждат светлината едва през 1991 г. Екипът от реставратори на Държавната Третяковска галерия под ръководството на Алексей Ковальов, свършил титанична работа, всъщност спаси панелите и всеки път тяхната демонстрация се превръща в празник за Третяковската галерия.

И самите художници - Василий Кандински /1866-1944/ и Марк Шагал /1887-1985/, които напускат Русия в началото на 20-те години на миналия век, и техните творби имат тежка съдба. Двама пионери в изкуството, стоящи наравно с такива титани на ХХ век като Казимир Малевич, Павел Филонов, Наталия Гончарова, Владимир Татлин, дълго време бяха повече легенда, отколкото реалност в родината си. Тяхното наследство, съхранявано в местни музеи, всъщност беше изключено от художествения живот на страната в СССР.

Напротив, те са били известни в чужбина още преди Първата световна война, а през 30-те години на миналия век ги спохожда истинската слава. И двамата познават преследване: през 1933 г. Кандински е принуден да напусне Германия, където преподава в известното училище Баухаус, активно излага и дори приема гражданство. До края на дните си той живее в Париж, където през 1923 г. се установява и Шагал.

През 1937 г. те са обединени задочно в Германия от изложбата "Дегенерирало изкуство", организирана от нацистите в Мюнхен. Скоро Шагал трябваше напълно да напусне Европа - по време на Холокоста той избяга в Съединените щати.

Подобно на други лидери на новаторското изкуство на Русия през 20-ти век, и двамата художници бяха замълчани в родината си, което утежни заминаването им в емиграция. Официалните идеолози на СССР държаха картините си под ключ, далеч от очите на публиката, докато цялата стара ценностна система не рухна. Въпреки че Третяковската галерия, Ермитажът и Руският музей отдавна разполагат с великолепни колекции от произведения на Кандински и Шагал, принадлежащи към най-ценения ранен период, в продължение на десетилетия те са били „скрити“ – творчеството на емигрантите не е било разрешено да се популяризира .

Едва през 1973 г., когато славата на Шагал е наистина световна, изложбата му в Третяковската галерия "пробивна" - тогава самият автор идва в Русия за първи път след 1922 г. Кандински, от друга страна, е изложен широко едва през 1989 г., въпреки че някои от творбите му блестят на гръмотевичната изложба "Москва-Париж" /1981 г./.

До 1985 г. малката зала на Държавната Третяковска галерия изглеждаше като пробив в непознатото пространство на авангарда, където творбите на най-големите майстори на епохата бяха изложени не от десетки, което би било съвсем реалистично с богатството на средства, но по една-две снимки.

В същото време, още през 70-те години, музеите на СССР започват да предоставят произведения на "забранени" художници на чуждестранни изложби, които носят такива характерни имена: "Кандински. Тридесет картини от съветските музеи" /Париж, 1979 г./.

Истинският мащаб на тези художници беше показан от лични ретроспективи, които се състояха в Москва и Ленинград на вълната след перестройката за запълване на празнини в историята на руското изкуство. Тогава авангардните изложби се превърнаха в събитие, събиращо огромни опашки.

Въпреки това, от около 10 години не е било възможно сериозно да се запознаете с Шагал или Кандински в Русия: дори след откриването на експозицията на 20-ти век, Третяковската галерия по-често, отколкото в родината, показва наследството на "великите" в чужбина, където е широко известен и търсен. Предизвиквайки все по-голяма почит, и двамата майстори излагат в Европа и САЩ през 10-те години на ХХ век, а през 20-те и от началото на 30-те години художниците от Русия охотно приемат най-добрите музеи и галерии на Стария и Новия Светове/ не бяха изключение дори годините на войната.

По същото време големи колекционери започват да купуват творби на Кандински - Соломон Р. Гугенхайм и Артър Дж. Еди /САЩ/, Мичъл Т. Садлър /Великобритания/, Вилем Бефи /Дания/. И още през 1937 г. негови платна се появяват в колекцията на музея Соломон Р. Гугенхайм /Ню Йорк/, а след това и в други водещи музеи за съвременно изкуство – Центъра Жорж Помпиду /Париж/, галерия Ленбаххаус /Мюнхен/. Неговият по-млад колега Шагал не отстъпва на Кандински: наследството му се съхранява от Музеите на Лудвиг /Кьолн/ и Музея на изкуствата в Базел, музеите в Лондон, Йерусалим, Париж, Ню Йорк, Монреал и др., Музея на Шагал е открита в Ница.

Броят на частните колекционери, които притежават творбите на тези двама автори, е практически неизброим. И двамата майстори бяха издигнати в ранг на национално съкровище в няколко страни наведнъж - от Германия и Франция до Израел.

Изключителни представители на руската култура, Кандински и Шагал принадлежат към световното изкуство на 20-ти век, а тяхното наследство принадлежи към "златния фонд" на Третяковската галерия, Руския музей и редица съкровища на руския хинтерланд. Техни творби редовно се показват в големи музеи по света. Последните примери са международните изложби "Кандински и Русия" в Швейцария, "Марк Шагал: еврейските традиции" в Испания.

Изложбата „Марк Шагал. Изворите на творческия език на художника”, посветен на неговата 125-годишнина. Експозицията е съсредоточена върху малко известна графика, включва също образци на еврейското народно изкуство и руска популярна графика.

Отивайки в изгнание през 1922 г., Марк Шагал пише: „Нито царска, нито съветска Русия се нуждая от мен. Не ме разбират, аз съм непознат тук. Но Рембранд определено ме обича. И може би след Европа моята Русия ще ме обича. Прогнозата беше напълно оправдана, въпреки че художникът трябваше да чака половин век за признание в родината си. През 1973 г. той идва в Москва, за да открие своя лична изложба в Третяковската галерия. Въпреки това пълноценното признание, придружено от любовта на широката публика, се случи след смъртта на Шагал - във времената на перестройката. През 1987 г. Пушкинският музей организира голяма ретроспекция на майстора, която стана изключително популярна: опашката за музея беше заета от нощта. И сравнително скорошен проект от 2005 г. на Третяковската галерия, наречен "Здравей, Родина!" се радваше на голям успех

Настоящата експозиция в Инженерния корпус може да се счита за своеобразен набор от бележки под линия и коментари към предишното „фолио“.

Тук няма популярни хитове като "Разходки над Витебск" или "Цигулар на покрива", но има сто и половина експонати с по-камерно звучене. Повечето от тях не са познати на нашите зрители. Според куратора на изложбата Екатерина Селезнева (в свободното си време работи като директор на отдела за международни връзки на Министерството на културата на Руската федерация), почти всички тези материали са номинирани преди седем години за участие в Проект „Здравей, Родина!“, но не успя да влезе в окончателния състав. Вероятно, главно поради факта, че те избледняха на фона на мащабни платна. В същото време беше решено да се организира в неопределено бъдеще отделна изложба на графика и живопис с малък формат, за да се съсредоточи върху корените и произхода на изкуството на Шагал. Както Мерет Майер, внучката на художника, се пошегува на пресконференция, "ако оприличите изложбата на дете, тогава седем години бременност може да доведе до раждането на определено чудовище". Въпреки това „бебето“, представено на обществеността, излезе доста сладко - поне без отклонения в развитието. Въпреки че не можете да го наречете и дете чудо.

Не е тайна, че изкуството на Марк Шагал е резултат от мощен синтез на няколко стила, маниери и визуални култури едновременно. Художникът сгъва своя личен мит по прищявка и вдъхновение, заимствайки от околните не толкова идеи и образи, колкото „предмостия” за собствените си емоции. Но погледнато назад, могат да бъдат идентифицирани доста паралели, често съвсем неосъзнати.

Ако организаторите на изложбата наистина бяха преследвали целта да изследват „произхода на творческия език на художника“, те нямаше да се ограничат до включване в експозицията на бронзови менори, ритуални чаши, лампи за Ханука и други знаци от живота на селището.

Предмети от този вид, заимствани от Руския етнографски музей и Музея за еврейска история в Русия, са изключително подходящи тук, но явно недостатъчни. И дори малка колекция от руски популярни щампи все още не затваря темата за "произхода". За пълна достоверност ще са необходими и православни икони (Шагал ги е ценил високо), и произведения на кубисти и сюрреалисти, и дори избрани произведения на руски класици - от Александър Иванов до Михаил Врубел. В каталога на изложбата такива връзки се проследяват, но в експозиционната реалност те не се виждат. Лесно е да се разбере защо: подобно проучване не само би изисквало допълнителни (и значителни) организационни усилия, но и би обезпокоило така наречените „обикновени“ зрители. Фигурата на Марк Шагал ще престане да играе главна и изключителна роля; публиката ще трябва да премине през лабиринти от значения на неговите творби. От гледна точка на демократичността на проекта този подход трябва да е изглеждал неприемлив за организаторите, но от гледна точка на историята на изкуството изглеждаше много съблазнителен.

Но няма зло без добро. Минимизирането на привлечените алюзии дава възможност да се придържате към работата на Шагал директно, без посредници.

Въпреки че се залага на графика, включително печатна, тук има и живопис, така че любителите на разпознаваемите ефекти на Шагал няма да останат настрана. Въздействието на платното „Голо над Витебск“ трябва да бъде особено драматично: трябва да се има предвид, че е написано през 1933 г., когато художникът получава две морални наранявания наведнъж.

Тогава нацистите изгориха редица творби на Шагал след изложбата „Болшевизмът в изкуството“, а френските власти отказаха да му дадат гражданство, припомняйки периода на комисарство във Витебск. В известен смисъл тази картина може да се разглежда като сеанс на духовно самолечение.

Но почти всичко у Шагал е автобиографично, дори фантасмагорично. Например, гравираните илюстрации към книгата „Моят живот” (любопитно е, че художникът завършва мемоарния том едва на 37 години) са изпълнени със сюрреалистични детайли – и въпреки това се възприемат почти като документално доказателство. Още по-достоверни са портретите на членове на семейството - майка, съпруга Бела и дъщеря Ида, братовчеди, далечни роднини. По този повод се припомня фразата на Шагал: „Ако моето изкуство не играе никаква роля в живота на моите роднини, то техният живот и техните действия, напротив, силно повлияха на моето изкуство“.

Защо не още един „източник на творчески език“? Семейната тема в изложбата е някак неочаквано продължена от фрагменти от "Сватбен сервиз" - керамични съдове, изрисувани от художника в чест на женитбата на дъщеря му.

Мерет Майер твърди, че те често са използвали тази услуга по време на живота на дядо си в ежедневието.

Изложбата принципно не следва никаква хронология, така че в съседство в едно пространство можете да намерите младежки скици и известната серия офорти от илюстрации към Библията и Мъртвите души (това са произведения от 1920-те - 1930-те години), а и по-късно оцветени колажи, които всъщност не бяха предназначени за публиката, а служеха като скици за монументални произведения, например за панела „Триумф на музиката“ за Нюйоркската Метрополитън Опера. Ясно е, че смесването на различни периоди на творчество също не допринася за аналитичното възприятие. Въпреки че в случая с Шагал такъв метод на изложение частично се оправдава. През целия си дълъг живот той сякаш се въртеше около собствените си емоции, сред които една от най-важните беше копнежът по изгубения Витебск. Така че интервалите от десетки години между произведенията не изглеждат толкова критични.

Етикети: Марк Шагал, Третяковска галерия