Оргия в Авиньон. Какво каза театралният фестивал за Запада

Не можеше да бъде по-добре да се намери нещо, което обедини последвалия парад от морални и умствени отклонения, в огледалото на които човек беше разглобен до най-тъмните кътчета на душата. Прославянето на физическата или духовна смърт, като единствен възможен изход, в пролога на театралния празник само по себе си ни накара да се замислим за неслучайността на избора на сюжет

Част I Авиньон IN

В сряда, 6 февруари, директорът на прочутия фестивал в Авиньон Оливие Пи получи Ордена на почетния легион за заслуги към културата. Награждаването се състоя в присъствието на "първата дама" на френската държава Брижит Макрон и други представители на елита. Министърът на културата Франк Ристер поздрави новия член на ордена в Twitter с думите: „Скъпи Оливие Пи, благодаря ти за светлината, която носиш с всяко повдигане на завесата. Благодарим ви за неуморните усилия в изпълнение на амбициозната задача, която споделяме с вас: желанието да отворим вратите на културата за всички, както за творци, така и за зрители..

Принадлежността към Ордена на Почетния легион е най-високото почетно отличие на Френската република, което се дава за изключителни заслуги. Какво отразява светлината, донесена от Оливие Пи, какви са изключителните му заслуги за Франция и какво се превърна в културен феномен, основан през миналия век на прогресивни и демократични принципи, под негово ръководство, ще ви позволи да разберете една малка ретроспекция на театрален форум, проведен от Оливие Пи миналата година.

От 6 до 29 юли 2018 г. за 72-ри път се проведе най-големият международен театрален фестивал в Авиньон (Франция). Традиционно форумът беше разделен на официалния Avignon IN, в рамките на който публиката гледа 40 продукции, и алтернативния Avignon OFF. В последния участват 1000 самодейни и народни театри, които показват 1300 представления. Броят на зрителите на театралния форум достигна 50 000 души. Като брой посетители и престиж Авиньонският фестивал наистина няма аналози в света.

Ако темата на официалния фестивал е компресирана от определени идеологически насоки, тогава Avignon OFF е по-демократичен. Няма разлика между професионалните и любителските театри, освен че последните правят представления и идват на собствени разноски. За много регионални трупи това е уникална възможност да получат договори и финансиране, да се изявят в национален и дори международен мащаб. 3500 продуценти, режисьори и журналисти дойдоха на фестивала в търсене на таланти. Според основния уебсайт на Авиньон www.festival-avignon.com, фестивалът е „най-големият арт пазар, по време на който градът е покрит с флаери и плакати, а трупи канят зрителя направо по улиците“. Въпреки това, зрителят някак се ориентира в този хаос, запознавайки се с програмата от рецензии и анонси или разчитайки на интуицията си.

Фестивалът в Авиньон е основан през 1947 г. от френския режисьор и актьор Жан Вилар, който остава негов постоянен директор до смъртта си (1971 г.). От 1951 до 1963г Жан Вилар оглави и Националния народен театър (TNP), който направи много за демократизирането на театралното изкуство във Франция. Той се стреми да запознае широката публика с класически произведения в добра обстановка. Луис Арагон говори за високото ниво на театъра. Като направи цените на билетите достъпни и въведе система за абонамент, той позволи на много хора, които преди това са били лишени от тази възможност, да се доближат до културата. Жан Вилар смята, че театърът не може да стои извън политиката и се противопоставя на войната в Алжир.

Фестивалът остава политически ангажиран и днес. Само неговата идеологическа насоченост се е променила до неузнаваемост.

На 24 юли, при закриването на официалната част, Оливие Пи даде подробна пресконференция за целите на фестивала. По-специално той каза, че основният въпрос, който тревожи френската интелигенция днес, е съдбата на различни, и особено на „половите малцинства“, и той възнамерява да разшири границите на дискусията по тази тема по такъв начин, че "да докосна всеки" . Той призова да се обърне специално внимание на младежта.

Оливие Пи говори подробно за основните, от негова гледна точка, проблеми на нашето време, с които трябва да се занимава изкуството: „Тази година избрахме джендър темата за основна тема на фестивала. … Ние също се борихме за жените и феминизма в много пиеси. … Ние се борихме за въпрос на пола, който засяга всички, и особено за идентичността на транссексуалните хора, за техните права. Ние се борихме за правата на ЛГБТ (CI? - това е акроним на термини от непрекъснато разширяващ се списък с нарушения на половата идентичност - бел. ред.) Това е огромна общност, която засяга всички и която все още е незаконна в няколко страни по света. Ние сме се борили за бежанците, които някои наричат ​​мигранти, много спектакли са говорили за този проблем. Тази борба се пресича с борбата за общности на ЛГБТ и жени. Борихме се за Европа във време, когато Европа не вярва в себе си. Естествено, ние се борихме за културна Европа, а не за диктата на финансистите. Ние сме се борили и се борим за национално образование. … Борихме се за човек на име Кирил Серебренников, който е под домашен арест в очакване на съдебен процес, вероятно по политически причини.Освен това, според Оливие Пи, те са се били „за народа на Газа, срещу ужасните условия в затворите, срещу патриархата и дивия капитализъм...“Като цяло, това би било обичайното объркано ляво изказване, ако не бяха колосалните административни възможности в ръцете на този човек. Особено тревожен беше фактът, че беше решено основният натиск на пропагандата да се насочи към младите хора.

Войнственият тон на речта на художествения ръководител прозвуча някак необичайно на културно събитие, а повтарящата се дума „борба“ загатваше наличието на някакъв културен фронт.

Френският режисьор обаче отдавна води своята война, като никога не е крил позициите си. Въпреки понякога противоречивото отношение към изкуството си, Оливие Пи постига слава като режисьор, актьор и основател на театъра, „съчетаващ християнски мистицизъм с дионисиева лудост“.Показвайки гъвкавостта на таланта, той свири в джаз клубове и кабарета под псевдонима "Мис Нож" като драг кралица. Написаните от него текстове са посветени основно на "трудности в живота в този свят", удоволствия, нещастна любов и други лични проблеми. Издава няколко книги, последната от които, „Парижанката“, е призната от някои литературни критици "инфантилен и нечетлив", а лъскавите списания на културна тема го представят като най-добрия роман на сезона. Като политически журналист участва активно в антисръбската кампания, защитава нелегалната миграция и хомосексуалните "бракове". От 2013 г. - постоянен арт директор на фестивала в Авиньон.

Според неговите приоритети значителна, ако не и по-голямата част от представленията бяха посветени на трагичната съдба на хора с проблеми със сексуалната идентичност и други отклонения, както и на феминистки и мигранти, тоест на целия набор от политически коректни теми .

Честта да открие фестивала бе на световноизвестния френски режисьор и актьор Томас Жоли, който избра за това една от най-мрачните трагедии на Сенека - Фиеста. С настъпването на нощта започна действието на главната сцена на фестивала в Авиньон в папския дворец.

Трагедиите на Сенека, които работят в жестоките времена на Калигула и Нерон, говорят за невъзможността за победа на морала над греховните страсти и ударите на съдбата. Дълбокото разочарование на философа е особено остро в тази трагедия, където авторът вижда само смъртта като изход от трагическото противоречие. Възклицание на хора от трагедията на Сенека - „Той е алчен за живот, който не иска да умре, когато светът умира“- става лайтмотивът на целия фестивал.

На въпрос на журналист за избора на сюжет и защо актьорите се интересуват да играят злодеи, а самият Том Джоли избра най-лошия от тях, Атреус, режисьорът отговори по следния начин: „Когато актьорите играят чудовища, те търсят нещо човешко в тях... Намирайки човек в чудовищата, ние си задаваме въпрос и търсим нещо чудовищно в себе си.“И наистина, чернотата на човешката душа на Том Джоли беше напълно предадена. Постановката с великолепна сценография, костюми и ефекти взриви театралната зала на открито. Ето как един от критиците описва спектакъла: „Томас Джоли, който играе ролята на главното чудовище Атреус и режисьор на „Фиеста“, възпроизвежда здрачната, черна трагедия на римския философ Сенека. Това е рок опера, повлияна от кича, преливаща от депресираща, налудничава излишност. Една дива одисея до дълбините на корените, страшното зло, което всеки носи в себе си.

Може да се гледа цялото представление.

„Фиест” се превърна в събитие и даде тон на започналия фестивал. Не можеше да бъде по-добре да се намери нещо, което обедини последвалия парад от морални и умствени отклонения, в огледалото на които човек беше разглобен до най-тъмните кътчета на душата. Прославянето на физическата или духовна смърт, като единствен възможен изход, в пролога на театралния празник само по себе си ни накара да се замислим за неслучайността на избора на сюжет.

Ето накратко само няколко изпълнения от програмата, които биха могли да характеризират общата атмосфера на форума. Преценете сами.

„Ода да опиташ“- хореография на Ян Мартенс и "Бен и Люк"- чувственото па дьо дьо на танцьорите от Буркина Фасо.

"Медуза"- натуралистичен разказ за канибализма и животинската природа на човека, "борбата с която ще бъде вечна". (За процеса на избягалите на сала на фрегатата "Медуза").

"Далечна страна"- адаптация от Кристоф Раук на автобиографичния роман на Жан-Люк Лагарс, който почина от СПИН на 38 години. В постановката участваха възпитаници на театралното училище в Лил. Сюжетът на историята: млад хомосексуален мъж, който осъзнава приближаването на смъртта, иска да се сбогува с близките си. Той сякаш се връща в родителския си дом, където неговите наклонности не са одобрени и те „не го разбират“. В тази "далечна страна" има среща не само с живи, но и вече починали роднини. Освен това е и цялата плеяда от бившите му любовници, с които разправата продължава. Кристоф Раук каза това за избора на парчето: „Не очаквах да срещна толкова много хуманизъм в една театрална пиеса. Всички сме изпитвали или преживявали емоциите и ситуациите, описани от Жан-Люк Лагарс в един или друг момент. Той ми напомня за Чехов". С лека ръка режисьорът Лагарс вече се нарича "модерният Чехов".

— И защо да говоря като теб?За да подготви този спектакъл, актрисата Анук Грийнбърг тръгва да търси "сурови текстове" в приюти, лудници, в кръговете на ада на бедните и забравени хора. Тя откри стари документи, архивирани от медицинския персонал, писма от обитатели на скръбните домове. Тя ги чете с мек, добре поставен глас. Понякога текстовете са просто сърцераздирателни, подобни на молитва, други са изпълнени с надежда, имат само едно общо нещо - че никой няма да им отговори.

"Някои никога не са виждали морето"- сага за драматичната съдба на млади японки, дошли в САЩ, за да станат съпруги на японски имигранти. Говорим за техния безправен и безнадежден живот, който се усложни с началото на войната между Япония и САЩ.

Друг спектакъл на антипатриархална тематика донесе режисьор от Египет. В пиеса "майка"се казва, че като пазители на „патриаршеския храм“, жените в египетското семейство са подложени на ежедневно унижение. От гледна точка на автора те се предават на „доброволно робство“, от което няма изход.

Вниманието беше привлечено и от работата на самия Оливие Пи - "Антигона"Софокъл, който той реализира със затворниците от затвора в Авиньон. Всички роли в пиесата се изпълняват от мъже. Както пишат критиците, въпреки непрофесионалната дикция, затворниците играят искрено, ежедневната борба за "достойнство" в ужасните френски затвори е близо до тях.

"транс"- Постановка на Дидие Руис. Думата се представя на седем транссексуални, които по време на представлението говорят за прехода от едно гранично състояние към друго.

„Той винаги може да каже, че е за любовта на пророка“В театрална оратория, режисирана от Иран, Гуршад Шайман разказва драмата на млади хора, избягали от Магреб и Близкия изток заради сексуалната си ориентация.

"Сух сезон"- тежък матриархален ритуал, в който лидерът на трупата на Nova nova Фиа Менар, мъж с нарушение на сексуалната идентичност, приел след терапия формата на жена, обявява война на нормата и патриархата. Пиесата започва със сцена, в която седем голи жени, разтворени крака, лежат под натиска на нисък таван, който се движи вертикално независимо от волята им. Според замисъла на режисьора това трябва да символизира робството, единственият начин да се освободиш от което е бунтът срещу обществото.

Според един френски критик: „Във визуално зашеметяващата сценография на Сухия сезон се извършва ритуал на разрушаване на патриархалния дом. Решена да сложи край на мъжкото потисничество, Фиа Менар демонстрира отмъстителна сила, без обаче да избягва стереотипите. „Шляпвам ти путка“ – първите думи от изпълнението, изречени от Фиа Менар, звучат като обявяване на война. В отговор на тези нецензурни думи, които вероятно много жени са чули в алеята и които са символ на господството на мъжете, превърнали публичното пространство във враждебна територия, лидерът на трупата на Nova nova реши да напусне играта (смени пола ). Тежка артилерия, способна да обстрелва патриаршията с червени топки… Око за око, зъб за зъб.“.

И тук неволно забелязвате, че въпреки подчертано виктимизираните образи на повечето театрални постановки, зад тях вече се чува нечий рев, който си позволява да заплашва обществото на езика на портала. Някой обявява война на съвременната култура и образа на човека в нея, призовава за победа на архаичните инстинкти над човешката същност, се наслаждава на греха и порока. Тази тема, подобно на героите от картините на Йеронимус Бош, създава оргия на "завръщането". Борейки се с патриархата, той се занимава с унищожаването на онзи тънък културен слой, за създаването на който човечеството е прекарало десетки хиляди години. Трябва да се отбележи, че този мащабен проект се осъществява с пълната подкрепа на елитите, объркването на хуманистичната интелигенция и несъпротивата на хората.

Дали дневният ред на най-големия театрален форум се изчерпва с "джендър" и как живее театралната пустош - за това във втората част на материала на Avignon OFF.

Най-старият театрален фестивал в Европа не спира да удивлява публиката със свежи идеи и нови таланти.

Фестивалът в Авиньон, основан от изключителния театрален режисьор Жан Вилар, вече половин век е основното събитие на френския летен културен календар. На неговата сцена публиката се запознава с премиерите на най-големите студия в Европа и научава за най-новите тенденции в театралното изкуство.

Центърът на Festival d "Avignon традиционно е външната зона Courdoneur в двора на легендарния Папски дворец, която побира до 2000 зрители. Основната програма на театралния фестивал се показва и на няколко допълнителни сцени в околностите на Стария град. Всяка година тук се изявяват около 20 артистични трупи от цял ​​свят.Освен драматургията, тук се представят и други форми на театралното изкуство - модерен танц, мюзикъл, пантомима, куклени представления.Цената на билета за представлението на фестивала в Авиньон е от 10 евро.

В допълнение към основната програма, гостите на фестивала в Авиньон се запознават с представленията на театралния панаир Festival du Off, подобен на известния. Всяка година малки и експериментални екипи показват своите творения на площади, паркове, нощни клубове, църкви, магазини и културни места в целия град.

Най-удобният начин да стигнете до Авиньон е с високоскоростен влак от Париж (3 часа път).

Авиньон е много добър, почти толкова добър, колкото Авиньон, на който не се уморявам да се възхищавам. Град Авиньон е административен център на департамента Воклюз, разположен в Прованс, това е южната част на Франция. Посветихме само половин ден на този град, през - това е много малко за такъв живописен град с много богата история, много значими музеи.

Най-голямата атракция на Авиньон е, разбира се, обект на световното наследство на ЮНЕСКО, като целия исторически център, посветих отделна статия на двореца. Но самият стар град е много, много живописен и интересен.

В Авиньон древните триметрови стени от 13-14 век са запазени почти изцяло, само на някои места са направени прекъсвания в тях за удобство. Стените са построени по време на Авиньонския плен на папите, за да защитят курията през този труден период.

Стените на Авиньон

Бих искал просто да се разхождам покрай стените пеша при други обстоятелства, те са толкова добри, а също и многобройните порти са добри. цветни лехи и дори инсталации в модерен стил пред стените. Жалко, че не го снимах всичко.

От 1947 г. в Авиньон се провеждат театрални фестивали, случайно открихме фестивала. Това е може би едно от най-добрите допълнения към великолепната архитектура и богата история. Театралният фестивал носи неописуемо усещане за празник и забавление.

Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге

Изкуството на опитомяването: приключи "Авиньонският фестивал - 2017".

В южната част на Франция приключи един от най-големите и значими театрални фестивали на планетата Festival d'Avignon. Според обобщените резултати на организаторите, за 20 дни на фестивала са показани 300 представления на 39 места, в общо 152 хиляди зрители от цял ​​свят посетиха формата, сред тях беше и кореспондентът на Фонтанка.

Festival d'Avignon е не само най-големият, но и най-старият международен европейски театрален фестивал с богата история. Организиран е през 1947 г. от известния френски режисьор Жан Вилар, привърженик на народния театър, театъра за хората - като арт терапия за следвоенната депресия, която се разпространи по това време в Европа.По същата причина той се установява точно в южната част на Франция.В първите години само френски и в същото време повече или по-малко традиционни театри се събират за За което Вилар първо беше обвинен в революционна критика на "национализъм" и дори "сталинизъм", а след това, когато започна активно да кани театри от други европейски страни - в "космополитизъм". Театралните революционери междувременно решиха да организират извън програмата си в Авиньон - за разлика от "рутината" - и направиха това през 1967 г. в двора на кармелитския манастир XIV век, въпреки факта, че основното място за фестивала Vilar беше Cour d "Honneur of the Папският дворец (Авиньон се счита за официален седалище на папите от 1308 г.). Така имаше двойна програма на фестивала – In програма и Off програма.

След смъртта на Вилар фестивалът не замира, а продължава да се развива. Той изживя най-значимия си разцвет, когато в продължение на 10 години - до 2013 г. включително - програмни директори на официалната програма бяха Венсан Бодрие и Ортенз Аршамбо, които събраха каймака на съвременния световен театър, при това той имаше революционен характер, т.е. , изпълненията на режисьори, активно ангажирани в търсенето на радикално нови форми и нов език. Под ръководството на Бодрие и Арчабмо, Ромео Кастелучи, Кати Мичъл, Ян Фабр, Кшищоф Варликовски, групата Rimini Protokoll и много други хедлайнери на световния театрален процес станаха редовни посетители на фестивала в Авиньон, а спонтанната извънпрограма се съставяше ежегодно от просто „театри за хората“, според собствената си инициатива, идват в Авиньон, купуват рекламни площи, наемат места за представления за своя сметка и сами канят хора на своите представления.

Така че, ако някой от вашите приятели театрали ви каже, че е участвал във фестивала в Авиньон, не бързайте да се възхищавате и поздравявате - първо попитайте в коя програма е участвал: In или Off.

От друга страна, именно тези плакати изцяло покриват стените на средновековни сгради, обличат тротоарни стълбове, играят ролята на покривки на маси в кафенета, както и групи от хора в различни костюми, организиращи мини-пърформанси пред ресторанти , пускайки флаери в ръцете ви по тесни улички, отвличайки ви от сутрешното ви кафе в кафене до безкрайни истории за представления и създавайки онази специална атмосфера на фестивала в Авиньон, която няма да намерите никъде другаде по света. Градът живее фестивален живот денонощно (вижте фоторепортажа), тълпите по улиците не изсъхват до пет сутринта, градският транспорт не спира да работи горе-долу по същото време и е напълно неразбираемо колко стандартен редовен автобусите успяват да маневрират в тесни улици и дори между редовете автомобили, паркирани от всяка страна. Всяка вечер, връщане от последното представление - обикновено започваше в 22-23 часа и свършваше дълбоко след полунощ, поради простата причина, че театралното осветление "работи" само при пълен мрак, а повечето зали в Авиньон са отворени, това са дворовете на средновековни манастири, църкви, лицеи - наблюдавах маневрите на автобуса от прозореца и беше гледка не по-малко вълнуваща от добър холивудски екшън.

Укротители на думите, или Пътищата на изгнаниците

Що се отнася до основната програма, с пристигането на бившия ръководител на театър "Одеон" в Париж, режисьор и драматург Оливие Пи, тя стана по-спокойна по отношение на експериментите.И очевидно не на последно място за мосю Пи при съставянето на Авиньон 2017 плакат, се оказа проблемът с политическата коректност, с други думи, проблемът с имигрантите.

Само един спектакъл е пряко посветен на тази тема – „Сайгон” на младата френска режисьорка от виетнамски произход Каролина Гвиела Нгуен. Това е продукция на нейната собствена компания Les Hommes Approximatifs (Приблизителните хора), която съществува вече седем години. Каролина и нейните съмишленици събират дълбоко лични, интимни истории на хора, свързани с геополитически катаклизми. „Сайгон“ е посветен на семейната история на самата Каролина, която е родена в Париж от смесен брак на виетнамски имигрант, избягал от Сайгон, след като французите го напускат през 1954 г., и роден французин. Идеята за създаване на такова представление се роди, когато режисьорът и майка й отидоха в историческата си родина и я помолиха да се пазари на пазара. Майката говореше на родния си език, което продавачите посрещнаха с добродушен смях, обяснявайки на Каролина, че езикът, на който говори майка й, отдавна е изчезнал. „Шокира ме“, каза Каролина Нгуен пред вестник Liberation, „че майка ми мисли и говори дори не на различен език, а в различно време.“ Друга формулировка, която порази режисьора, беше чута от нея от един от интервюираните бежанци в Париж: „Синът ми е първият ми близък чужденец в живота ми“. „Ние наистина сме чужденци за нашите майки – в това има дълбока драма“, подчерта Каролина. И пиесата "Сайгон", според нея, се е родила, защото внезапно е поискала да види виетнамците на сцената, да чуе техния език.

Сценографията на спектакъла е павилион, в който се вписва виетнамски ресторант, наречен „Сайгон“, пресъздаден най-детайлно, до детайли: кухня, кацнала отляво, и просторна зала за посетители. Сюжетът напомня на мексикански сериал - хората се карат, помиряват, женят, децата не разбират родителите си и обратното - но режисьорът не губи ключова за нея тема в нито един епизод: синът не само не разбира майка му, той не разбира майката, която изведнъж се обръща към него - виетнамка, а друга млада виетнамка изпада в истерия, когато случайно вижда, че приятелят й пее от сцената на ресторанта на френски и за французите. Въпросът тук е, че млад мъж, който е забравил родния си език, е герой от 90-те години, а патриотичната героиня е от 50-те години. Действието прескача между средата и края на миналия век. И въпреки факта, че сред виетнамските артисти има аматьори (режисьорът, според нея, не можа да намери толкова професионалисти от етническия театър, колкото й бяха необходими), актьорите играят майсторски. Донасяйки на публиката болката, отчаянието, безсилието на обикновените хора пред лицето на глобалните политически катаклизми. Една от най-добрите роли в пиесата е образът на възрастна готвачка на име Мария, която чака цялото представление да бъде открит нейният син, с когото съдбата ги развежда по време на бягството, но по-близо до финала научава от един от посетителите на ресторанта, французойка, съпруга на голям чиновник, че синът й е умрял - изиграна просто от любителка на актрисата, която в действителност работи като готвачка. Каролина Гвиела Нгуен разказва любопитна история: през цялото време на представлението тя не успява да убеди изпълнителя, че след сцената, когато ревнивият съпруг на собственика на ресторанта нахлува в кухнята и я обръща с главата надолу, тя не бърза да чисти тази кухня, че монтьорите ще го направят. „Не, той разби кухнята ми“, оплаква се изпълнителката и веднага се заема сама да премахне бъркотията.

Толерантните французи не използват този термин за имигранти, а и не ги наричат ​​бежанци. За да подчертаят пасивния характер на ситуациите на тези хора (в смисъла, в който има „пасивни причастия“, причастия, описващи действие, извършено върху обект от друго лице), те използват комбинацията en exil - в изгнание, изгонен. Именно този израз се среща във френския превод (NB: няма други преводи освен френски на фестивала в Авиньон, това се случи исторически, само тази година за първи път очилата бяха тествани на няколко представления, което ви позволява да прочетете текста на превода на английски, но те трябваше да бъдат поръчани доста по-рано и досега се използват в тестов режим) по време на спектакъла на Кати Мичъл „Прислужниците“ по добре познатата (включително в Русия постановка на Роман Виктюк) пиеса на Жан Жене за две прислужници, които планираха да отровят господарката си, но не успяха в това начинание, в резултат на което едната по свой избор отиде в другия свят, а другата в затвора.

Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге

Английската режисьорка Кати Мичъл демонстрира отлична творческа форма без почти никакви провали вече две десетилетия, работейки предимно в Германия. Тя стана известна по-специално с оригиналното си използване на видео, което в нейните изпълнения не е онлайн излъчване на случващото се на сцената, не разширяване на планове и не възможност за зрителя да погледне в тези кътчета на пространство, което е недостъпно за погледа на публиката от публиката. Мичъл започва да снима видео като паралелна реалност, тясно свързана с реалността на представленията, като монтаж на асоциации - понякога героите, понякога самият режисьор - илюстриращи скритите планове на събитията, лични и ситуационни. Самата Кати обаче сложи край на тези експерименти, като официално обяви завършването им. В The Maids, режисиран от Мичъл в Холандия, изобщо няма видео в театралната компания Toneelgroep Amsterdam, но има неочаквани сюжетни обрати. Камериерките се оказват полски имигранти, а мадам е травестит с отвратителен характер. Липсата на видеоклип изобщо не отмени удивителната дарба на Кейти Мичъл да извежда дълбоките вътрешни драми на героите навън: ритуалът по превръщането на мъж в жена е впечатляващ не само с бижута, но и с усещането за абсолют естествеността на случващото се - със стягането на корсета, поставянето на изкуствени гърди и "изчезването" на най-изпъкналата част от мъжкото тяло - но и неизбежните и също съвсем естествени терзания на две камериерки, дошли от един от най-религиозните страни в света и се потопиха в единна сцена на Рождество Христово. Подчертавам: няма патос, няма лицемерие, няма фанаберство - има много разбираемо генетично отхвърляне на чуждия ексцентричен начин на живот, на който са обречени да служат Клер и Соланж. Екзистенциалното изгнание е подсилено от факта, че режисьорът дарява Клер с потребление, така че решението й да изпие отровния липов чай, приготвен за мадам, и монологът, изречен от Соланж над нейната приятелка, облечена в бялата рокля на любовницата и облегната на перата на домакинята, заминаваща в друг свят, недвусмислено се възприема като ритуал на освобождение. Включително и благодарение на отличната работа на актьорите, които научиха полски език за по-голяма автентичност на образите.

Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге

Между другото, за езика. Заслужава да се отбележи, че европейският театър се движи доста осезаемо и уверено към вербалност от прекомерна визуалност. На плаката почти няма представления „без реч“ и „малко реч“ - ако това не са произведения на пластичен усет, като произведенията на сицилианската режисьорка Ема Данте и гръцкия режисьор Димитрис Папайоану, за които става дума по-долу. В по-голямата си част театралните писатели са престанали да се срамуват от думите - текстът от сцената звучи толкова много, че текущата линия на превода не е в крак с тях. Но трябва да се признае, че не само гостите на фестивала, които не знаят езика, но и местните французи признават, че са прочели средно само една трета от превода, предпочитайки да гледат „пози за говорене, жестове, нещастия. ан-сцени”. Разбира се, не е лошо да се разбере, че в пиесата „Кабалът на светците. Животът на г-н дьо Молиер“ по текстове на Булгаков на живия класик на немския театър Франк Касторф, който го поставя под очите на управлението си в берлинското Фолксбюне, Луи XIV, провокирайки и унижавайки архиепископа по всякакъв начин, също притиска го с текста на Молиер от "Лудия Журден" - точно този, който помага на идиотския герой да направи "великото откритие", за което говори в проза. Но и без това видеопоредицата не оставя съмнения относно интерпретациите. А играта на технически и иронични актьори, възпитана от Касторф, ви позволява да гледате на един дъх шестчасов екшън за брилянтен художник - вечен мъченик и изгнаник, който е възнаграден както от властите, така и от лицемерите изобщо нива, и от жени, и от обожатели само "милион мъки". „The Cabal of the Saints“ се игра в павилиона Parc des Expositions, на двайсет минути път с кола от центъра на Авиньон: на гигантска сцена, осеяна с дървени стърготини (какви власти не смятаха, че артистът трябва да бъде опитомен като циркови животни) , три павилиона в бароков стил, но действието започва с факта, че Сталин се обажда на главния герой и той го изпраща в ада. Молиер, Булгаков, самият Касторф, с когото берлинските власти дори не помислиха да подновят договора, мотивирайки действията си с възрастта за пенсиониране на режисьора и варварски унищожавайки най-добрия театър в Германия - всички те се оказват братя близнаци в представлението, и отдалечените един от друг векове се сгъват като страниците на детски учебници за хармоника и се оказват едно единствено време на артиста, неудобно за него, неприемащо пророчествата му, упорито и неизменно го гони от театъра, от от държавата и дори от живота изобщо. Когато Касторф отиде да се поклони, публиката - след шест, повтарям, часа действие - избухна в половинчасови овации, а когато Касторф продължи дълго зад кулисите през безразмерното пространство на сцената, без да се обръща, мнозина взеха извадиха носни кърпички от чантите си и избърсаха сълзите. Имаше пълно съвпадение на театър и реалност, което се случва само при велики Майстори.

Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге

Малко по-малко време - почти пет часа - беше изпълнението на Ibsen Huis от австралиеца Саймън Стоун, начинаещ режисьор, но вече забелязан от публиката и критиците. „Къщата на Ибсен“, подобно на „Прислужниците“ на Кейти Мичъл, е продукт на Toneelgroep Amsterdam. Стоун свърши много старателна работа, събирайки текста на собственото си произведение от многобройните сюжети на норвежкия драматург Ибсен, които веднага се четат от ценителите на театъра, а останалото може да бъде пропуснато: сюжетът е доста ценен сам по себе си. Половинвековен спектакъл за историята на едно семейство (това е третият спектакъл, в който времето скача напред-назад през десетилетия като бълха, което само засилва драматичното напрежение) е опакован в двуетажна къща, която се върти около ос пред публиката, отваряща се за очите на публиката - точно като видеокамера Castorfa в предишния спектакъл - всички интериори и всички семейни тайни, върху които се завърта сюжетът. Престъпление, признание, самоубийство, кръвосмешение, любовен триъгълник и т.н. - биха били достатъчни за пет сериала, но играта на Стоун не е като сериал. Подробната актьорска игра ви позволява да изследвате съдби, да изграждате причинно-следствени връзки от поколение на поколение и да говорите за жанра сага.

Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге

Театърът престана да се страхува и от големите жанрове, както престана да се страхува от изобилието на текст – напротив, разчита на тях. Дори една детска история „Тъги и радости в живота на жирафите“ по пиеса на португалския режисьор и драматург Тиаго Родригес е поставена като игра на материализация на думите, в която се повдигат доста глобални проблеми. Именно с помощта на думите в този спектакъл нещата и героите като цяло се превръщат в много конкретни неща и герои. Мини-лекция за „не чайка като цяло, а много специфично нещо, което е много важно за мен и затова стана моя работа“ се чете от сцената от герой на име Чехов, а актьорите през целия спектакъл въплъщават неговите уроци - те говорят за нещо много важно за тях, от политика до педофилия, започвайки с думите: „Аз съм. Аз съм жираф” - и нищо повече не е необходимо, нито декори, нито костюми: героите и сцената са облечени директно в думи, събуждайки въображението на публиката. Е, може би в името на театрална шега някой от артистите внезапно ще облече абсурден мечешки гащеризон от детско матине.

Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге

Името на драматурга на детската пиеса не е споменато случайно. Именно Тиаго Родригес, който сравнително наскоро оглави Националния театър в Лисабон, постави най-концептуалния спектакъл на Festival d "Avignon - 2017: Sopro (фр. Suffle, съществително със същия корен като думата "суфльор", руски. Дъх ).Това е симбиоза на документален и писателски театър - любопитно, макар и може би малко провлачено размишление върху театъра като цяло.Героят на спектакъла Кристина Видал, корпулентна дама в черен панталон, риза и с бял лист в ръце, не слиза от сцената от началото до края на действието.Нещо повече, тя е истински суфльор Народният театър – продължава да върши пряката си работа – да дава реплики на персонажите, но в ходът на действие от чисто функционална единица се превръща в демиург, променящ текстовете на класиката в съответствие с житейските ситуации на артистите от своя театър, чиито съдби се виждат от суфльора като мета-пиеса.

Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге

В ключовите моменти от действието, според идеята на режисьора, над сцената трябва да гърми и да проблясват светкавици, а именно в този момент на откритото пространство – двора на вече споменатия манастир „Кармалите“ – прозвучава най-силният мистрал, познат до редица южни френски градове, взриви. Вятърът издуха леките бели завеси на декора до решетките, отваряйки задкулисието и сякаш действайки в синхрон със суфльора, като герой на някаква много универсална пиеса, в която неочаквано участници станаха самите зрители.

По-очевидна магия на думите, театрална магия, обикновено е трудно да си представим.

Голите хора, или Виват деконструкция!

Но на фестивала имаше и два значими спектакъла без думи, но много красноречиво изразяващи се на езика на пластиката, много оригинално. Това са "Чудовища на сцената" на опитния режисьор от Сицилия Ема Данте и "Великият укротител" на художника от Гърция Димитрис Папайоану. И в двете творби на сцената има голи хора, и двамата режисьори използват тези тела като изходен материал за нови структури – изповядвайки принципа на „изобретателската деконструкция“, провъзгласен от ключовия съвременен философ Жак Дерида, но го правят по напълно различни начини. . В същото време всеки по свой начин (и отново по логиката на Дерида) се бори с основния порок на днешното съзнание – догматизма.

Ема Данте незабавно лишава екипа си от актьори от всякаква защита: веднага щом излязат на сцената в ярки дрехи, те веднага хвърлят тези дрехи и остават в това, което майка им е родила - но тъй като героите са на сцената, а не, да речем , в банята, голотата, колкото и да звучи парадоксално, веднага става тяхното „облекло“, провокирайки поток от съответни асоциации. Голите хора на гола сцена - а в представлението също няма декори и музика - с безпомощността си приличат на животни, деца или глупаци и веднага включват стадния рефлекс, който през по-голямата част от сценичното време изглежда като карнавална светлина и забавен. Но основната идея на работата на Ема Данте изобщо не е смешна: всички реакции на тези хора на сцената са реакции на стадото, до последната сцена, когато героите стоят, вкопчени един в друг, а не да знаеш откъде да очакваш опасност - реакциите на хората, сведени до животинско състояние, които в нашата съвременна реалност, уви, не са толкова редки.

Снимка: (c) Кристоф Рейно Де Лаге

„Великият укротител” на Димитрис Папайоану е може би най-аполитичният спектакъл на този фестивал. И може би най-духовитият. Тук принципите на деконструкцията и антидогматизма достигат абсурдна граница в най-положителния смисъл. Нещо, но изобретателността на Папайоана определено не бива да се занимава. Сцената, покрита с правоъгълни килими, които се сблъскват едно с друго като драконови люспи, разкрива много скрити люкове в хода на действието. Оттам се появяват дори не тела, а части от тела. Режисьорът ги използва като конструктор, покривайки с черни дрехи ненужните за никоя фигура части от тялото на актьорите. И така, от два крака на различни мъже и едно женско тяло се получава великолепен кентавър, а краката и ръцете на човек, появил се от недрата на земята, могат да се „търкалят“ на разстояние няколко метра един от друг и плъзнете дълго и бавно.

В същото време самият режисьор препуска в галоп през епохите. Необходими са му няколко минути, за да изпрати перфектното тяло на древен младеж в анатомичния театър на Ренесанса, където той безопасно се освежава, като организира храна от вътрешностите му. Има безброй подобни шеги, пръснати из пиесата и трябва да кажа, че това е може би единственото правилно и благородно занимание в театъра в момента: да бъдеш укротител на всякакви догми и традиции - безмилостно да им разпориш червата, да ги разчлениш на части. хиляди парчета от това "Лего" за изграждане на нова театрална реалност.

Жана Зарецкая, Авиньон - Петербург, Fontanka.ru

1. СТАРТ

През 1947 г. известният френски актьор и режисьор Жан Вилар организира първата "Седмица на драматичното изкуство" в Авиньон и, вдъхновен от нейния успех, мисли за ежегодния фестивал. Той мечтаеше за създаване на нов театър, по-демократичен, безплатен, достъпен за всички слоеве на населението (дори и сега организаторите на прегледа в Авиньон, съобразявайки се с неговите правила, не повишават цените на билетите над 40 евро) и появата на друг зрител - умен, модерен, с прогресивни възгледи и стабилна психика, способен да "смила" всякакви експерименти. Вилар беше донякъде близък до постмодернистите, които донесоха елитарното изкуство на масите. Мечтае да „обнови театъра... да отвори чист въздух за изкуството, за да не се задушава в салони и мазета; обединете отново архитектурата с драмата." Оттогава фестивалът се провежда на открито, а представленията се играят сред естествени декори (и често след това се оказват немислими без тях и не се показват никъде другаде).

Вилар покани младите Жерар Филип и Мария Казарес, блеснали в „Орфей“ на Жан Кокто, на фестивала и в своята трупа на Националния фолклорен театър, драстично намали цените на билетите, внимателно изгради репертоар, който освен френската класика включваше спектакли от Клайст, Бюхнер и Брехт и привлича най-добрите художници и композитори да участват в продукции. В този момент Франция преживява духовен и интелектуален подем, а театралният фестивал в Авиньон става негово отражение. Жан Вилар остава начело на компанията до 1971 г.

2. ПРЕМИЕРНА ЛАБОРАТОРИЯ

Сега фестивалът в Авиньон е мащабен театрален форум, който професионалистите в изкуството смятат за открита творческа лаборатория. Тук се стремят действителни режисьори от различни страни, тук се раждат нови тенденции и се формира театралният процес. Откритите находки впоследствие се тиражират по целия свят. Често това, което изглежда ултрамодерно у дома, вече не пасва на формата на фестивала в Авиньон. Официалната програма на фестивала включва около 40 спектакъла, неофициалната - над 300, а освен това има изложби, лекции, публични дискусии и кръгли маси за театъра и културната политика, срещи с актьори, четения на пиеси и сценарии. Няма една обща линия, към която всички са длъжни да се придържат, сред участниците има хора с противоположни възгледи и убеждения: политизирани и не много политизирани, циници и мечтатели, сатирици и философи, мизантропи и алтруисти - 3500 професионалисти в областта на сценични изкуства годишно.

По време на управлението на Вилар фестивалът е национален, но след 1971 г. се очертава курс на интернализация и артисти от цял ​​свят се стичат в средновековния Авиньон. В резултат на това фестивалът носи на града печалба до 25 милиона евро годишно.

3. КАРНАВАЛНА КУЛТУРА

Освен високо артистичната, стриктно подбрана и одобрена от експерти официална програма, Авиньон има и така наречената OFF програма: десетки театрални компании организират турнета за своя сметка, надявайки се на приходи от продажбата на билети, придобивайки статут на „участник на фестивала в Авиньон“ и обществено признание. Тук никой не гарантира качеството и публиката избира представления на собствена отговорност и риск - поддавайки се на убеждаването на лаевци или собственото си любопитство. Но именно благодарение на присъствието на огромен брой пъстри, непознати, арогантни и натрапчиви, безразсъдни и талантливи артисти от неофициалната програма, Авиньон се преобразява за три седмици от фестивала, като Венеция по време на карнавала, и става толкова привлекателен за туристите. Невъзможно е да се видят стените на къщите от залепени един върху друг плакати, по улиците се разхождат кукери, кукловоди и мимове, по булевардите обикалят "музикални колички" - такава атмосфера няма никъде другаде, а и възхитената публика става част от този театрален маскарад.

Фестивалът в Авиньон винаги е изтъквал своята демократичност и независимост – няма спонсори, няма рейтинги, няма награди. И дори самият арт директор Оливие Пи обикаля града с бяла риза на велосипед - очарователен, семпъл и достъпен за всеки.

4. НА ОТКРИТО

„Съединението на архитектурата с драмата“ Жан Вилар разбира буквално и предлага представленията да се играят в огромния двор на папския дворец, който все още остава основната сцена на фестивала в Авиньон. Римокатолическата църква се установява в южната част на Франция в началото на 14 век и тук управляват седем законни понтифекси - така нареченото Авиньонско пленничество на папите от 1309 до 1378 г. През цялото това време папският дворец се завършва и сега е най-голямата готическа сграда в Европа. Много от изпълненията, които бяха показани в тези стени, са немислими без тях.

Като цяло фестивалът в Авиньон има около 20 различни места: това е дворът на Кармелитския манастир; и кариерата Boulbon – изоставена кариера в планината, на 15 километра от града, където Питър Брук за първи път показа своята осемчасова Махабхарата, завършила с истински изгрев; и манастира Сейнт Луис, където се намира седалището на фестивала, и Къщата на Жан Вилар, и Църквата на Селестините, превърнала се в естествен декор за картината „Рай” от „Божествена комедия” на Ромео Кастелучи. Снимката на наводнения храм, в средата на който има изгоряло пиано, обиколи всички театрални издания по света. А преди около 15 години Хенриета Яновская показа тук „Гръмотевична буря“ и стремежът нагоре, към Бога на религиозната Катерина, която съжалява, че хората не летят като птици, стана разбираем, а представлението придоби друго измерение и мащаб.

5. бунтове

Историята на фестивала никак не е безоблачна - няколко пъти в своята история той беше застрашен. През бунтовната 1968 г. в Авиньон се събират непокорни младежи от цяла Франция. Студентите изгониха великия мим Жан-Луи Баро от театъра, почти докараха Жан Вилар с неоснователни обвинения и прекъснаха представлението на Морис Бежар, като го изляха на сцената точно по време на представлението. В същото време програмата на фестивала включваше бунтовниците Годар и Трюфо, както и представления на култовия американски Living Theatre.

Вторият голям скандал дойде през 2003 г., когато френските театрални работници се разбунтуваха срещу правителствената реформа на заплатите. Директорът на фестивала Бернар Фавр д'Арсие подкрепи стачкуващите и лично се опита да разреши конфликта с Министерството на културата.Държавата не направи отстъпки, шоуто беше отменено, а директорът загуби поста си.По време на пресконференция Бернар Фавр д Гласът на Арсие трепереше и слушателите му плакаха. И Авиньон отново претърпя загуби през 2014 г., когато нов законопроект потвърди условията на трудовите споразумения от 2003 г. Вълна от протести заля Франция: в Ла Рошел, Арл, Марсилия, Екс ан Прованс, Монпелие. Но Оливие Пи, който точно тогава пое щафетата на ревюто, въпреки че пожертва шест представления от първата седмица, отказа да го отмени изцяло.

6 ТАНЦЬОРИ С СИНДРОМА НА ДАУН И ШАМПИОНАТ ПО МАСТУРБАЦИЯ

Публиката на фестивала в Авиньон е издръжлива, образована и не твърде агресивна: никой не пише доноси до Министерството на културата и не поставя свински глави на вратите на театъра. Виковете "бу" и демонстративното напускане са доста цивилизован израз на недоволство. И често провокират публиката: тогава Томас Остермайер кара своя подпухнал Хамлет с бирен корем да лее ругатни и да яде земята; след това Оливие Пи ще изведе на сцената вонящ мотоциклет, Корделия в пачка, устата й е покрита с черно тиксо, голи Лиър и Глостър, чиито очи са били извадени със супена лъжица; след това Анджелика Лидел ще покаже жени, които режат коленете си с острие; тогава Джеръм Бел ще постави балет за хора със синдром на Даун, карайки публиката да води неудобен разговор, тогава Ален Плател ще организира трансвеститско кабаре с възрастни мъже в дамски тоалети, изследвайки характеристиките на сексуалната идентичност, след това Ян Фабр в " Оргия на толерантността“ ще тества публиката за сила с помощта на физиологично достоверно и потискащо дълго първенство по мастурбация. Директорите на фестивала в Авиньон не се стесняват да повдигат трудни теми, да изучават фобиите и извращенията под лупа и да обръщат европейските ценности отвътре.

7. ОСНОВНИ ИМЕНА

Според хедлайнерите на фестивала в Авиньон може да се изучава историята на европейския и световния театър. През 60-те години имаше представления на Жан Вилар, в които блестяха Жерар Филип и Мария Казарес, и прогресивни опуси на млади режисьори, създадени под влиянието на френската нова вълна. През 1967 г. Морис Бежар, който обърна нашата представа за класически балет с главата надолу, показа Меса за днешните дни в Авиньон. В средата на 70-те години на миналия век американецът Робърт Уилсън излиза на преден план с умението си майсторски да смесва различни стилове и жанрове и зашеметяващите визуални изображения („Айнщайн на морския бряг“). През 1980 г. Джон Ноймайер разбуни обществеността с "богохулния" балет "Страстите по Матей" по музика на Бах, в който самият той се появи на сцената - и само безупречно филологическо образование, включително от свещениците на йезуитите ред, го спаси. Пина Бауш донесе в Авиньон своите неразбираеми, абсурдни, революционни Карамфили, които шокираха обществеността. През 1988 г. Люк Бонди поставя любимия си Шекспир тук, през 2000 г. Питър Брук открива възможностите на кариерата Boulbon, а Томас Остермайер превръща мястото на величествения папски дворец в задния двор на метрополис, пълен с боклук („Войцек“), през 2010 г. Кристоф Марталер предизвиква религиозен екстаз с помощта на обикновено заваряване в "Papperlapapp" - сагата за авиньонското "залавяне на папите", базирана на реални събития.

8. РУСКА ТЕМА

Спектакли по руски класици - от Достоевски до Булгаков - постоянно се появяват на афиша на фестивала в Авиньон, но руските режисьори не са предпочитани в Южна Франция. „Руските сезони“ се случиха в Авиньон само веднъж: през 1997 г. Пьотр Фоменко, Анатолий Василиев, Сергей Женовач, Евгений Каменкович, Валерий Фокин, Кама Гинкас, Иван Поповски и Резо Габриадзе бяха поканени там, за да формират собствена представа за \u200b\ u200b съвременният руски театър. Само Анатолий Василиев "свикна" на фестивала като постоянен гост. През 2006 г., когато поради разногласия с кмета на Москва Юрий Лужков той беше помолен да освободи поста артистичен директор на Училището за драматично изкуство, Василиев донесе 23-та песен в Авиньон. Погребението на Патрокъл. Игри "и" Моцарт и Салиери "и никога не се връща в Русия. Още по-интересен е фактът, че след почти десетилетие отсъствие на руснаци в Авиньон, Кирил Серебренников отива там за втора поредна година. През 2015 г. на прегледа с голям успех бяха показани неговите „Идиоти“ по сценария на едноименния филм на Ларс фон Триер, чието действие беше пренесено в съвременна Москва. А за сегашния, юбилеен, 70-и фестивал, създателят на Гогол център взема „Мъртви души“ на Гогол, където Чичиков се играе от американеца Один Байрон и евреина Семьон Стайнберг. Ако един път все още може да се счита за случайност, то два пъти вече е тенденция, а това означава, че Серебренников е „в клетката“ и е признат за един от лидерите на европейския театрален авангард.

9. МОДА ЗА УВАЖЕНИЕ

Имаше и творческа криза в историята на фестивала в Авиньон, която не беше свързана със събитията от Червения май или войните за възможността да се живее от социални помощи в продължение на 11 месеца в годината. След оставката на Bernard Faivre d'Arcier, Hortense Archambault и Vincent Baudrillet станаха режисьори, насочвайки се към невербален и твърдо социален театър. Плакатът има по-модерен танц (Josef Naj, Jan Fabre), който дори не можете да наречете танц: провокации, пластични скечове за насилието, агресията, апокалиптичните състояния на света. Критиците говориха за това как експериментите с движението като такова и електронната визуалност изместват театъра на думите и големите идеи. Публиката жадуваше за дълбочина и метафизика и те бяха предлагаше мрачни представления с голи тела, търкалящи се по пода. Режисьорите, чувствително реагиращи на недоволството, започнаха да канят нови художествени директори всяка година, за да формират програмата на фестивала. голям стил" актриса, прима на Comédie-Française Валери Древил и режисьор Ромео Кастелучи, поставангардни по дух, но не отчуждени от чувственост, емоционалност и омайваща красота. Настоящият режисьор Ол Айви Пи оформя сам плаката, но също така предпочита класическото обучение и смислената работа със словото пред радикалните пластични експерименти. С пристигането му в афиша имаше повече звезди (Изабел Юпер, Фани Ардан, Хана Шигула), а сега респектабельността изтласква съвременното изкуство от сцената.

10. ФЕСТИВАЛ В АВИНЬОН - 70!

Тази година най-престижният театрален фестивал в света навършва 70 години. В края на март Оливие Пи направи политическо изявление („Как да живеем, когато политиката непрекъснато доказва коварството си?“, „Когато революцията е невъзможна, театърът остава“) и представи основните представления на ревюто, което ще се проведе в Авиньон от 6 до 24 юли. Сред основните теми са политиката, възходът на национализма, Близкият изток и жените художници. Фестивалът ще бъде открит със сценична версия на епохалната "Смъртта на боговете" на Висконти в интерпретация на белгийския режисьор Иво ван Хове. В програмата са още поредица за историята на фестивала в Авиньон от италианската пътуваща трупа La Piccola Familia, 12-часов маратон „2666“ от Жулиен Госелин, известен с постановката си „Елементарни частици“ от Мишел Уелбек, „The Карамазови“ от Жан Белорини, „Салът на Медуза“ от Томас Джоли, „Хроники за убийството на Рабин“ от Амос Гитай с „музата на Фасбиндер“ Хана Шигула и известната палестинска актриса „Площадът на героите“, за която Крисчън Лупа - националният герой на Полша - вече получи всички възможни награди, ново изпълнение на Анджелика Лидел и балет на Сиди Лаби Шеркауи "Библия 7.16" и много други. Самият Оливие Пи работи върху трагедията на Есхил „Прометей обвързан“. Общо официалната програма включва 26 драматични спектакъла, 7 танцови спектакъла и 14 интердисциплинарни. Французи и чужденци - по равно. А символът на фестивала ще бъде Торинският кон (онзи, над чиито страдания според легендата Ницше е плакал, преди да изпадне в лудост), изобразен на плаката от художника Адел Абдесемед, който или изрита нарушителите, или преодолява препятствие с един скок.