Teatro en la India. Arte teatral de la India Libro en miniatura de la India.

Kathakali (o Kathakali) es un antiguo teatro indio de danza y teatro del sur de la India (principalmente el estado de Kerala), que surgió en el siglo XVII y ha sobrevivido hasta el día de hoy. Una vez vi este programa en la televisión y pensé: "¿Qué diablos es esto?" Pero pasó el tiempo, crecí, gané experiencia, volé a Kerala, fui al teatro y me sorprendí: ¡qué interesante y divertido fue el espectáculo!

Un auténtico “katakali” dura horas y esto es... un arte difícil y complejo, difícil de entender para un extranjero, pero una hora y media para un turista no es nada, sobre todo si llegas temprano y observas cómo Los actores se preparan para la actuación...

Raíces del teatro Aatacado quedarse en cama danzas folklóricas y actuaciones realizadas por campesinos de Kerala en las largas veladas indias antes de la llegada del cine, la televisión y "Bollywood". En ese momento no había televisión ni Internet, y tenían que divertirse de alguna manera, así que se les ocurrió su propio teatro. kathakali, que ahora se ha convertido no sólo en arte, ¡sino también en un “tesoro nacional”!

Y si nuestro teatro comienza con una percha, entonces el teatro indio "katakali" comienza con un camerino... Y ahí es donde iremos ahora.

Llegué al teatro una hora y media antes del inicio de la función para observar y fotografiar el proceso de preparación de los actores. Aquí en Kerala, los actores no se esconden en los camerinos, sino que se maquillan en el escenario y cualquiera que llegue con antelación puede observar el proceso de transformación. la gente común en actores kathakali

Hay pocos actores en el teatro, y yo diría incluso pocos. En la actuación que vi, solo había cuatro, y todos crearon un “maratón” en el escenario, transformándose de gente común en “demonios”, “dioses” y gente común…

Primero, cada uno se pinta a sí mismo... por ejemplo, en "Demon"...

O en una mujer

O uno de los dioses indios

Y así sin más, pasa una hora... o incluso dos... En un cine congestionado, con una temperatura superior a 40 grados sin ventilación... Y ya no te importa nada y quieres Aire fresco, bebe agua y date una ducha... Y entonces ¡bam! ¡Suena el timbre! Como en nuestro teatro. Suena y llama al público a la sala: ¡¡¡empieza la actuación!!! Y qué... vamos a echar un vistazo)

Trama kathakali, por regla general, escenas de antiguas epopeyas indias como el Mahabharata, el Ramayana, etc. Para nosotros, los “no locales”, esto es completamente historias extrañas, pero mirando... ¡interesante! ¡Interesante porque no está claro! Más significado kathakali- no en el “significado”, sino en la “presentación”.

Filmé la presentación en video, no en fotografías. Además, el teatro es muy oscuro y extremadamente difícil de fotografiar, y el uso del flash está estrictamente prohibido. Editaré el video pronto y definitivamente lo publicaré, pero por ahora solo puedo mostrar a los personajes principales del programa. Por ejemplo, así era el principal: carácter negativo, escribe "Demonio".

Y entonces - bien)

Y para “resolver” la situación entre bien Y demonio Yo mismo bajé del cielo krishna

En general, no importa qué tipo de historia se muestre en el teatro. Mucho más interesante es... Cómo lo hicieron! ¡Esto es arte! Sí, en algún lugar es divertido, en algún lugar es incomprensible, en algún lugar es una locura, en algún lugar es estúpido ... pero todavía te sientas y miras ... porque, maldita sea, ¿estoy interesado en cómo terminará todo?

Y por cierto, se realiza el verdadero “kathakali”. SOLO hombres que se cocinan con temprana edad en escuelas especiales de teatro. Y lo más importante en el teatro Kathakali es Este pantomima Y lenguaje de señas , no bailes, canciones y diálogos. Quizás por eso se puede ver teatro sin saber nada del idioma, “leer” las emociones y los gestos de los actores y comprender lo que se dice. Ni te imaginas cuántas emociones pueden mostrar estos actores con solo... ¡¡¡SUS OJOS!!!

Tradicionalmente, “Kathakali” se realiza en un lugar especial en una noche iluminada por la luna (!) y dura desde el atardecer hasta el amanecer. Soportar esto, en mi opinión, es casi imposible. El par de horas que estuve en la actuación fueron más que suficientes para mí. Al mismo tiempo, toda la noche después de la actuación escuché "música cataclísmica" en mis sueños y elogié el enfrentamiento entre "Demon" y "Krishna"...

Pero aún así, no entenderás esto hasta que lo veas por ti mismo... Así que ve a Kerala y compruébalo por ti mismo, o... espera mi video de la India)))
En respuesta a la pregunta del líder, afirmo inequívocamente: ¡Kathakali es un arte único a su manera!

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La India tiene la tradición teatral más larga y rica del mundo, que se remonta al menos a 5.000 años. Los orígenes del teatro indio están estrechamente ligados a los antiguos rituales y festivales estacionales del país. El Natyashastra (2000 a. C. - siglo IV d. C.) fue el tratado más antiguo y complejo sobre teatro y danza en todo el mundo. Tradicionalmente, el Natyashastra afirma que teatro indio tiene origen divino, y sus orígenes se atribuyen al “Natya Veda” - libro sagrado dramaturgia creada por Lord Brahma.

En el Natyashastra fueron recopilados y codificados. diferentes tradiciones danza, pantomima y teatro. Natyashastra describe diez clasificaciones de drama, que van desde un acto hasta diez actos. Ningún libro de la antigüedad en el mundo contiene un estudio tan exhaustivo del drama como el Natyashastra. Ha guiado a dramaturgos, directores y actores durante miles de años, ya que en Bharata Muni estos tres fueron inseparables en la creación del drama sánscrito Natyaka, cuyo nombre deriva de la palabra que significa danza. En el drama tradicional hindú, la expresión del contenido de la obra se lograba a través de la música y la danza, así como a través de la acción, por lo que cualquier producción era esencialmente una combinación de ópera, ballet y teatro.

Según la leyenda, la primera danza se realizó en el cielo cuando los dioses, después de derrotar a los demonios, decidieron celebrar su victoria. Los teóricos hindúes han organizado dos tipos de espectáculos de danza desde la antigüedad: lokadharmi (realista), en el que los bailarines en el escenario representan comportamiento humano y natyadharmi (ordinario), que utilizaba gestos y símbolos estilizados (este tipo de danza se consideraba más artística que realista).

El teatro en la India comenzó con una forma descriptiva y, por lo tanto, la recitación, el canto y la danza se convirtieron en elementos integrales del teatro. Este énfasis en los elementos narrativos llevó a que el teatro en la India comenzara a abarcar todas las demás formas de literatura y Artes visuales en su manifestación física: literatura, pantomima, música, danza, movimiento, pintura, escultura y arquitectura, todos se mezclaron y comenzaron a llamarse "natya" o "teatro".

También en período védico v. En la India, el cielo representaba representaciones teatrales. A principios de nuestra era aparecieron en el país los primeros locales de teatro pequeño. No tenían escenografía, el decorado teatral era paupérrimo, fueron sustituidos por otras convenciones artísticas: cierta forma de andar, expresiones faciales, gesticulación, etc.

Se prestó mucha atención arreglo musical actuaciones. Sin embargo, a diferencia de las representaciones indias modernas, que, según los espectadores europeos, están saturadas de canto, en los antiguos monólogos y diálogos indios los actores recitaban o cantaban, pero no cantaban. Una característica notable del antiguo teatro indio fue. Su inclinación por el melodrama y el patetismo es inherente al arte teatral actual del país. Historias trágicas No se les permitió subir al escenario porque ya hay bastante tragedia en la vida real.

El teatro fue extremadamente popular. Antiguo. En India, especialmente entre la intelectualidad, la profesión de artista no pertenecía a los prestigiosos, se consideraba "mala", los propios artistas eran Shudras.

Los antiguos indios decían: “El que no sabe música, literatura u otras artes, no es hombre, sino bestia, aunque no tenga cola ni cuernos”. La música jugaba un papel importante en sus vidas. M. Arte músicos profesionales y los bailarines se divirtieron con los rajás. Tanto los nobles como los mitos indios no rehuían este entretenimiento ni los dioses, a quienes servían música y bailarines celestiales.

Sobre el desarrollo de la antigua India. cultura musical dice el tratado. Natyashastra, probablemente compuesta en los primeros siglos d.C. Esto testifica que en ese momento el país ya tenía una economía bien desarrollada. sistema de música, que más tarde formó la base de los músicos "clásicos" indios.

La melodía india sorprende al oído europeo por su exotismo. Hay muchos semitonos e incluso cuartos de tono en la escala india. Las melodías indias se clasifican por trompetas, una secuencia específica de cinco o más tonos que forman la base de la melodía. Cada para tiene su propia carga emocional, que simboliza alegría, diversión, amor, paz, miedo, etc. Hay ragas de “mañana”, “día”, “tarde”, etc. *. Las antiguas melodías indias carecen de base armónica y se basan en el ritmo. instrumentos de percusión. Característica importante Otra característica de la música india antigua es que el músico de la familia es siempre un improvisador. Interpreta una frase musical clave y luego la varía infinitamente, cada vez de una manera nueva, de modo que cada interpretación de la misma melodía sea única.

Los antiguos indios crearon una serie. instrumentos musicales, el más común de los cuales era similar a la lira de vino del antiguo Egipto. Los músicos también tocaron la flauta, otros instrumentos de lengüeta y percusión.

Desarrollado en. Antiguo. India también tiene el arte de la voz. El canto era más a menudo una variación de una melodía simple, que se reducía literalmente a una sola frase musical.

El arte indio de la danza ha cambiado poco a lo largo de los siglos. En las danzas antiguas, el papel principal también lo desempeñaba ritmo musical y gestos, y casi todas las partes del cuerpo del bailarín participaban en la danza. Un pequeño movimiento del dedo meñique o de la ceja contaba al iniciado en los secretos de este arte toda la historia de todo lo llamativo de la danza india: la posición del cuerpo. Las manos del bailarín son sabias. Con solo un código complejo de posiciones de sus manos y dedos, transmitió una amplia gama de emociones, habló con entusiasmo sobre varios eventos en la vida de los dioses, las personas y los Zhivoarins.

Arte danza india muy complejo. Dominarlo requirió años de arduo trabajo. Por lo tanto en. Antiguo. En la India el baile siempre ha sido realizado por profesionales, existe un tabú social sobre este tipo de entretenimiento en el cap. Los siglos de Libin, al parecer, no existieron (solo fueron conservados por el sacerdocio).

Uno de los medios de distribución más poderosos. ideas religiosas sirve entre el pueblo. Debido a su conexión directa con el culto, el teatro popular indio nos permite estudiar, utilizando ejemplos vivos, aquellos principios del arte dramático que en el teatro europeo moderno, e incluso en el drama cortesano clásico de la propia India, han desaparecido bajo capas literarias.
palabra india para actuación dramática, "nataka" (significa " ". Y de hecho, el punto de partida para el desarrollo del drama es la danza de culto. Otro característica distintiva El teatro primitivo es la máscara. Para hombre primitivo ponerse una mascarilla tiene significado mágico: El portador de la máscara se convierte temporalmente en el receptáculo del espíritu de la personalidad que representa. Este es el comienzo de la ilusión dramática.

Teatro Malabar

La idea principal del indio es la lucha. buenas fuerzas con el mal mundial - encuentra vívida expresión en el peculiar representaciones teatrales Costa de Malabar, conocida como "kata-", es decir. bailes épicos. Las tramas de estas actuaciones están tomadas de mitología india, principalmente de los Puranas, de la epopeya, y también de ficción. El motivo habitual es el siguiente. (en la mayoría de los casos, Indra o una de las encarnaciones, o Rama) o un rey de origen divino ama una belleza celestial o terrenal. Ella, inmediatamente o después de algún sufrimiento por parte del héroe, corresponde a sus sentimientos y los amantes disfrutan de una felicidad total. Pero las fuerzas de la oscuridad, los gigantes “asuras” hostiles a los dioses y los demonios insidiosos no duermen. Envidian la felicidad de quienes aman y tratan de perturbarla. Secuestran o intentan secuestrar a la belleza. El héroe la protege o la libera del cautiverio de las fuerzas del mal, destruye una gran cantidad de demonios o "asuras" y vive sus días con su amada en completa felicidad. Los actores en la mayoría de los casos maquillan sus rostros con un maquillaje muy complejo y espeso, que expresa el carácter de este tipo. El dios o héroe tiene una cara verde enmarcada por una gruesa capa de pasta de arroz blanco. El rostro de los gigantes, que representan a los dioses derrocados, está parcialmente cubierto con una gruesa capa de pasta de arroz verde, bajo la cual brilla el color rojo. Tienen protuberancias redondas de color verde en la frente y la nariz. Los demonios, como criaturas sedientas de sangre, tienen una tez predominantemente roja; las demonios femeninas tienen la cara pintada de negro, el color de la muerte y de la noche. Las bellezas y santos celestiales y terrenales no usan maquillaje y solo usan cosméticos indios comunes: antimonio, polvos, etc.
El vestuario de los actores es exuberante y estrictamente definido. Sus componentes obligatorios son los siguientes: tocado (“kritam”) de formas iguales según el rol; aretes grandes con lóbulo y aretes pequeños llamados “flor de oreja”, que se insertan por encima de la oreja; cintas para la cabeza que se llevan en la frente debajo del tocado; collares, madera dorada, cuentas o frutos secos; babero; cinturón con cadenas colgando; delantal de tela roja; pulseras y muñecas y pañuelos blancos y rojos colgando del cuello. Se usan sobre una falda, generalmente hecha de material azul, y sobre una chaqueta, que es roja para los dioses, peluda y roja para los asuras, peluda y roja para los demonios. blanco, para los demonios femeninos es azul y para las bellezas es colorido.

Los actores entran al escenario, que forma un pequeño cuadrado con postes de bambú clavados en las cuatro esquinas y cubiertos con un ligero dosel temporal de hojas de coco. El escenario está separado del público por un telón de colores, sostenido por dos niños por las muñecas.
Los actores acompañan la letra de la epopeya cantada detrás del escenario con movimientos de manos estrictamente definidos y. Cada posición de la mano corresponde a un concepto. Así, la figura de una belleza celestial sostiene sus manos en una posición que corresponde a la palabra "culpa" ( instrumento de cuerda). La mujer demonio expresa la idea de la contemplación por la posición de sus manos: una mano se levanta hacia el cielo, donde se precipita la contemplación, y la otra mano, frente al estómago, dibuja una posición tranquila que se debe tomar mientras se profundiza. hacia lo eterno. El demonio sostiene sus manos en una posición que transmite el efecto de un sacrificio o, más precisamente, una libación de ghee en una ofrenda de sacrificio. La mano levantada de un gigante con una chaqueta peluda roja dibuja un elefante con la trompa levantada para arrancar hojas. Mano derecha La figura que representa al dios está en ángulo recto con la mano izquierda, como la parte frontal erguida del cuerpo de una serpiente, por lo que esta posición de las manos se llama "serpiente". El significado de estos gestos se aclara aún más por el hecho de que los dedos deben estar en una posición bastante artificial y peculiar. Así, incluso si las manos están aproximadamente en la misma posición al expresar dos conceptos diferentes, la diferencia en la posición de los dedos elimina cualquier duda.

El escenario no tiene backstage. Hay pocos accesorios: espadas, mazas, escudos para escenas de lucha, máscaras de madera separadas para caracterizar los roles subordinados. El ritmo de las epopeyas, que a menudo cambia durante la misma actuación, se toca con un tambor. Los efectos de iluminación y iluminación se consiguen a través de grandes lámparas de bronce en las que arde aceite de coco. Estas actuaciones suelen realizarse en los templos durante los principales festivales del templo. Los actores son exclusivamente masculinos de las castas más altas no brahmanes (Nambiars y Nayars).

Teatro de marionetas de Bengala

En primer plano de las personificaciones de la lucha entre el bien y el mal creadas por la creatividad india está Rama, el héroe de la epopeya más difundida y querida del Ramayana, la encarnación del dios Vishnu. Esta epopeya, que la tradición atribuye al gran poeta Valmiki y que apareció, con toda probabilidad, varios cientos de años antes de Cristo, tuvo y tiene gran valor tanto para la literatura como para la educación india ideales morales gente. Ha sido traducido a todos los idiomas principales. India moderna; se lee, se canta y se estudia; en una adaptación dramática se presenta literalmente en todos los rincones de la vasta India e Indonesia. Las imágenes de esta epopeya (el héroe Rama, su formidable enemigo, el Ravana de diez cabezas, el devoto y valiente líder mono Hanuman) y sus hazañas constituyen motivos favoritos para la pintura y. Junto con figuras de uno de los tipos. teatro folklórico- Teatro de marionetas de Bengala: expone ejemplos de bellas artes indias que en su conjunto transmiten aproximadamente el contenido de la gran epopeya.

Este contenido es brevemente el siguiente. En la ciudad de Ayodhya (actual Oudh) vivía el rey Dasharatha de la famosa dinastía Raghu. Tuvo cuatro hijos de diferentes esposas: Rama, Lakshmana, Shatrughna y Bharata. Rama, su hijo mayor, estaba casado con Sita. Debido a su extrema vejez, Dasharatha decidió, con el consentimiento de sus súbditos, nombrar a Rama cogobernante del estado. Pero la madre de Bharata, su hijo mas joven Al enterarse de esto, aprovechó la promesa imprudente de Dasharatha, que le hizo inmediatamente después de la boda, y exigió que su hijo fuera nombrado cogobernante en lugar de Rama y que este último fuera expulsado del estado durante catorce años. Esta exigencia, presentada en el mismo momento de la unción de Rama como rey, fue cumplida por Dasharatha ante la insistencia del propio Rama, para quien el honor de su padre era más valioso que los honores reales. Sita y Lakshmana acompañaron a Rama al exilio, pero el viejo Dasaratha no sobrevivió a la separación y la desilusión y pronto murió. Rama fue con su hermano y su esposa a bosques densos en el sur, donde dirigió a un ermitaño y protegió a los ermitaños de los ataques de innumerables demonios. Le cortó la nariz a un demonio que quería destruirlo y para ello tomó la forma de una hermosa mujer. Este demonio en esta forma apareció ante el rey de los demonios Ravana, el formidable gobernante de la isla de Lanka (Ceilán), habitada por innumerables Espíritus malignos. Ravana se enojó mucho y, al enterarse de la belleza de Sita, decidió secuestrarla y vengarse de Rama. Tomando la piadosa forma de un ermitaño, se acercó sigilosamente a Sita en el momento en que Rama estaba persiguiendo al ciervo de lana dorada creado por la magia de Ravana. Sita lo dejó entrar sin sospechar nada y él la secuestró. En el camino, el viejo y poderoso pájaro Jatayu intentó liberar a Sita y atacó valientemente al formidable demonio. Pagó con su vida su valentía. Pero antes de morir, logró decirles a Rama y Lakshmana quién secuestró a Sita. Inmediatamente partieron en su persecución. En el camino hacia el sur llegaron al reino de los monos (probablemente se trata de un nombre medio despectivo para las tribus dravídicas). Allí el rey mono y su hermano Sugriva lucharon por el poder y por la posesión de la bella Tara. Rama intervino en esta pelea y mató a Bali con su flecha. Sugriva, que se casó con Tara, se convirtió en un aliado leal de Rama, y ​​un ejército de monos bajo el mando de Hanuman fue con Rama contra Ravana. Cuando llegaron a la orilla del estrecho que separa Ceilán del sur de la India, construyeron un puente con rocas arrancadas de las montañas (el moderno Puente de Adán). El hermano de Ravana, Vibhishana, que previó la caída del poder de Ravana, se rindió a Rama, quien amablemente lo recibió y le prometió un reino. En una terrible batalla entre el ejército de Rama y los demonios, el hijo de Ravana fue asesinado primero y, al final, Ravana cayó de la flecha del propio Rama. Lanka fue tomada, Sita fue liberada y el héroe regresó a su tierra natal, donde fue recibido con entusiasmo por los ciudadanos de Ayodhya.

Las figuras que representan a los héroes del Ramayana son atendidas cada una por dos personas, y si son muy pesadas, como la figura de Ravana, incluso un número grande. Detrás de la cortina, una persona sostiene la figura con una vara de bambú, con la que gira la cabeza, otra, utilizando hilos, obliga a la figura a realizar los gestos adecuados.

AM Mervart 1927