Drama específico. Exploración de obras dramáticas El valor de una actuación depende de la obra que se presente.

32. Características de una trama dramática.

GRÁFICO

Enfoque de eventos inusualmente concentrado

Era el drama lo que gravitaba hacia tales tramas, donde se hacía una transición brusca de un evento a otro con un desenlace brillante e inesperado. Esta es una trama circular.

A menudo, para un final inesperado, se utilizó una técnica de reconocimiento (la antigua comedia griega "Edipo Rey")

El principio de reconocimiento duró hasta finales del siglo XIX; antes del advenimiento del Nuevo Drama.

Nuevo drama:

• El papel de las tramas circulares se debilita, a veces se abandonan
• La trama está construida de tal manera que incluso si ocurre el asesinato (suicida) del héroe, no completa nada.
  • "La Gaviota": Treplev se suicida, mientras otros se sentaban y jugaban loto
  • "3 Sisters": uno de los últimos acontecimientos es el asesinato de Tuzenbach en un duelo; Irina lloró, pero la obra termina con una conversación sobre el trabajo y un viaje a Moscú.

El drama es siempre hablar.

• "Hamlet": un fantasma cuenta la traición de Claudio.
  • Todos los eventos giran en torno a lo que existe en la trama.
    • Las conversaciones son puramente intelectuales, sobre la vida, sobre la sociedad en general.
    • Y el drama del siglo XIX. gravita hacia tales disputas intelectuales, manteniendo a la audiencia alerta.

La exposición (en una obra narrativa) es una representación de lo que sucedió antes de que comenzara la acción. Una obra dramática es un prólogo.

En el drama del siglo XVII. la exposición ya no está en uso. Pero la necesidad de entrada permanece. Esto sucede en el camino. Y se llama exposición difusa.

La exposición dispersa es cuando las circunstancias que existen para comprender la acción se revelan en las conversaciones, pensamientos de los personajes (pueden ser descritos por un solo personaje).

Hay algunas acciones que no se pueden realizar en el escenario (principalmente por medios técnicos). Es difícil ya veces imposible representar batallas masivas; también es difícil de representar cuando los personajes están flotando río abajo (pero Oriente se encarga de eso).

Básicamente, en el teatro primitivo hay cosas que no se permiten mostrar en el escenario, ya que esto es "peligroso" para el espectador, ya que puede tener un efecto adverso sobre él.

Los antiguos teatros indios y griegos antiguos no representaban la muerte, el asesinato. Los antiguos teatros indios tampoco representaban la pronunciación de una maldición.

"Medea": la escena en la que, antes de dejar a su mujer, el marido estrangula a los niños, no se representó en el escenario.

Así, estas acciones están incluidas en la trama, pero no en la acción escénica.

Cornelius "Sid": Sid pelea y gana, pero no está en el escenario. Pero el mismo Sid habla de esto, ya que esta victoria juega un papel muy importante: la persecución de él, la boda, se cancelan.

Es posible un mensaje corto o largo, por lo tanto, un texto dramático con discurso dialógico puede incluir elementos de una narrativa.

La tragedia temprana emplea dispositivos especiales a los que renuncia la tragedia tardía. Se utilizó una figura especial: mensajeros. Hicieron apariciones especiales en el escenario para informar sobre los eventos detrás de escena. En el teatro tardío, estos mensajes se comparten entre los personajes, aunque esto no se abandona por completo.

Aunque Shakespeare tiene muchas muertes, todo esto se muestra en el escenario y también se muestran peleas.

Así, estos tabúes van desapareciendo poco a poco. En el teatro del siglo XIX e incluso del XX. había tabúes en las escenas de sexo.

El drama presenta acciones de personajes:

Tienen un mundo interior, experiencias, reflexiones.

Y los vemos solo externamente, en contraste con la narrativa, donde los vemos desde adentro y desde afuera.

En los teatros de los primeros tiempos, la figura del confidente aparece en los dramas. Tienen casi cero protagonismo en la trama. Su función principal es escuchar las efusiones de los héroes (sus miedos, preocupaciones). A menudo, en el teatro temprano, este es un sirviente o una criada. Estos personajes van desapareciendo poco a poco del drama, aunque, por ejemplo, quedan amigos.

El drama hasta Chéjov se conserva en forma de monólogo interno, que se pronuncia en privado: el discurso del personaje, que se presenta como un reflejo o una experiencia emocional. También puede ser en forma de discurso inapropiadamente directo (pero en obras escritas no para el teatro). El monólogo interno es ambiguo, ya que debe estar dirigido a alguien.

"Tío Vanya" - un monólogo durante una tormenta eléctrica:

Se enamora de Elena, pero algo no funcionó, ella se casó

Habla de lo maravilloso que sería estar con ella en ese momento, etc.

El actor puede mirar a la audiencia, como si se riera con él, o puede no mirar, como si fuéramos meros observadores o espiándolo.

El teatro temprano a menudo recurre a las palabras aparte (el actor se vuelve hacia un lado para transmitir una reacción interna).

ORGANIZACIÓN DEL DISCURSO EN EL DRAMA

El texto dramático es una cadena de declaraciones de personajes.

• Solo se utilizan discursos directos, que son interrumpidos por un pequeño número de comentarios.
• La forma principal es el diálogo.

El diálogo se construye a partir de una serie de líneas relativamente cortas.

• También son importantes los monólogos, que son de dos tipos:
  • Monólogos alargados que dan reflexiones de personajes en los que se suelen tomar decisiones
  • Monólogos invertidos, por ejemplo, hay muchos en "Woe from Wit"

Pero el discurso está realmente destinado al público. Los monólogos a menudo van más allá de la conversación en curso.

La era revolucionaria es el apogeo, la más transmisora ​​en términos de búsquedas.

Aparecen el Teatro de Arte de Moscú, el teatro de vanguardia de Mierhold, el teatro de Tair. La estructura de la escena está cambiando. en Francia en el siglo XVIII. el teatro adquiere una extraordinaria significación en vísperas y durante la revolución burguesa francesa.

Cambios:

Se rompe la separación del escenario de la sala

Se toman acciones al auditorio

Aparecen obras de teatro revolucionarias

El teatro se esfuerza por publicitar (hay agitación del espectador)

Por ejemplo, las obras de Voltaire transmiten ideas esclarecedoras al público. En el teatro siempre hay una conciencia de publicidad, la posibilidad de atraer directamente al público.

para profesores de idiomas

CARACTERÍSTICAS DEL ESTUDIAR OBRAS DE DRAMA

Introducción

N. V. Gogol creía que la obra vive solo en el escenario, N. A. Ostrovsky asumió que solo con la encarnación en el escenario, una ficción dramática recibe una fórmula completamente terminada. De hecho, el drama ocupa un lugar especial en el sistema de la literatura, ya que es a la vez un género literario en toda regla y un fenómeno que naturalmente pertenece al teatro. El drama como género tiene un contenido específico, cuya esencia era la conciencia de las contradicciones de la realidad y, por lo tanto, al estudiar una obra dramática, es necesario tenerlo en cuenta. características genéricas:

drama en el sentido general;

El teatro como género literario y escénico.

Las características específicas del drama como género son la ausencia de un narrador y un fuerte debilitamiento del elemento descriptivo. La base del drama es una acción visible, y esto afecta la especial correlación en él del movimiento de los acontecimientos y los discursos de los personajes. La exposición de los personajes y la disposición, la proporción de las partes son las formas más importantes de revelar el pensamiento del autor.

Pero no siempre, al leer un drama, el estudiante tiene la oportunidad de ver la obra que se estudia en el teatro. Por lo tanto, como lector, el estudiante debe tener una imaginación bien desarrollada, recreativa y creativa. Detrás de la réplica, del diálogo, debe oír, ver a los personajes, imaginar la situación, es decir, al estudiar el drama, el lector-estudiante necesita una co-creación activa. Pero los psicólogos dicen imaginación recreativa diferentes personas no están desarrolladas en el mismo grado:

un grupo de estudiantes no tiene representaciones visuales al leer; intentan recordar más que imaginar las imágenes creadas por el dramaturgo;

para otros, las imágenes de la memoria surgen por asociación en el proceso de concreción gradual de sus recuerdos personales, que son más o menos similares a la imagen de la obra;

hay estudiantes que se esfuerzan por imaginar imágenes artísticas de la forma más concreta posible; también los comparan con imágenes-recuerdos, pero al mismo tiempo excluyen detalles que no corresponden al texto de los recuerdos surgidos;

para unos, las ideas necesarias surgen por sí solas en el proceso de lectura; inmediatamente ven imágenes sin recuerdos.

Así, aunque el lingüista no tiene la oportunidad de explorar qué tipo de impresión recreativa tiene cada alumno, debe tener en cuenta estas características de percepción.

tarea del maestro - enseñar a leer y comprender una obra dramática como literaria. Es claro que estamos hablando de una lectura especial, durante la cual el lector debe imaginarse la vida en el escenario con todas las convenciones de la puesta en escena de la obra: con backstage, escenografía, telón y rampa, con puesta en escena y un cambio de actores y fenómenos.

El crítico literario Vladimirov escribe que la especificidad de las actitudes hacia el drama es tal que es más conveniente no leer, sino "ver", incluso si nos quedamos solos con el libro.

La integridad de la percepción de una obra dramática depende de una serie de factores:

de la riqueza de la experiencia de vida y las impresiones teatrales,

desde el nivel del pensamiento figurativo,

del grado de entrenamiento de la imaginación.

Todo esto también debe ser tenido en cuenta por el profesor de idiomas.

El propósito de este trabajo - ayudar a los profesores de idiomas a organizar y dirigir lecciones sobre el estudio de obras dramáticas.

Clases introductorias

Propósito de la lección: además de la preparación de la percepción y la correcta comprensión profunda del texto, activar la imaginación recreativa y creativa.

Para ello, selecciono material para la lección, información relacionada con la vida de la obra en escena, con la primera puesta en el teatro, sobre la época, el ambiente que el escritor refleja en su obra.

Para el propósito de una historia animada, definitivamente uso fotografías de escenas de actuaciones, fotogramas individuales de tiras de película. En las clases introductorias, recurro a la visualización estática: debe haber una sensación de un momento detenido.

Incluyo mi visión de los personajes y la escena en la historia, utilizando para ello el dibujo oral verbal. Es especialmente importante tener esto en cuenta cuando se estudian las primeras obras dramáticas, cuando los estudiantes aún no tienen experiencia en el estudio de una obra de teatro o cuando estudian teatro en una encuesta, o cuando los estudiantes se encuentran con una peculiaridad desconocida del entorno social.

lectura de teatro

Leer teatro es un problema metodológico. Es inapropiado ofrecer a algunos lectores un drama mucho antes de estudiarlo. No puedes limitarte a una casa de lectura creativa. El texto debe sonar en el aula. La lectura del drama comienza con una lista de personajes. Leyendo el cartel en grupo, presento a los héroes de la obra, comento el lugar y el tiempo de la acción, el estatus social, la edad de los héroes. Es posible una breve descripción de los personajes, extraída de los comentarios del propio autor.

La cuestión de la lectura está siendo desarrollada por metodólogos: Demidova, Korst, Moldavskaya. Señala que leer un drama es un acto de creatividad, el proceso del segundo nacimiento de una imagen en la imaginación del lector de la obra. En 1er lugar se encuentra la lectura expresiva del maestro, 1 acción del drama se lee necesariamente. En el estudio figurativo, se leen fenómenos individuales. Durante el análisis, participo con los estudiantes en la lectura por roles. Después de escuchar 1 lectura en clase, los estudiantes vuelven a leer en casa y leen hasta el final.

Se debe ocupar un lugar determinado en la lección escuchando una grabación de fenómenos y monólogos individuales.

La obra debe leerse en casa, pero en clase leo el principio o uso la grabación (por ejemplo, en la lección 1 sobre Tormenta). En el futuro, la lectura debe estar presente en la lección. El análisis está sujeto a la lectura. Una transición lógica al análisis puede ser una conversación para identificar las características de la percepción de un texto dramático (¿De qué trata la obra? ¿Cuál es el conflicto? ¿Durante cuánto tiempo? ¿Qué personajes? ¿Localización?).

lectura expresiva

La lectura de una obra de teatro de una sola persona (profesor) debe ser un término medio entre la lectura dramática, que se basa en la reencarnación en una imagen, y la lectura en prosa, en la que el profesor no reencarna, sino que muestra la imagen o habla de ella.

El alumno debe imaginar lo que lee el profesor en la primera lección. El maestro debe tener buenas habilidades actorales, habilidades, dicción para transmitir la esencia de la acción.

No necesita involucrar a los estudiantes en la lectura de las acciones posteriores, pero para este propósito, invítelos a preparar un mensaje sobre su héroe.

¿Cómo imaginas la apariencia de tu héroe?

¿Su manera de vestir, hablar, sostenerse?

¿Cuál es el mundo interior del héroe?

¿Cuál es su actitud hacia los demás?

¿Cómo lo describen otros personajes?

¿Qué frase(s) puede(n) ser la clave?

Antes de leer una escena en particular, el estudiante habla con un mensaje sobre el héroe, luego lee la escena y este trabajo termina con un intercambio de opiniones de los oyentes. ( ¿Quién te gustó de los altavoces?)

La lectura por roles solo es posible después de familiarizarse con el contenido general de la obra y en ningún caso después de la lección introductoria. Al elegir una escena, tomo en cuenta las habilidades del alumno y lo preparo para la lectura expresiva por roles, lo preparo durante el tiempo extracurricular. Usando el registro, revelo la actitud del estudiante hacia el desempeño de los roles de los actores ( ¿Cómo te imaginas esta escena? ¿Qué puedes decir sobre los personajes, el carácter, el estilo de vida al escuchar lo que dicen y cómo lo dicen? ¿Qué características del héroe quería revelar cada uno de los héroes en primer lugar con su actuación? ¿Las imágenes que crean coinciden con tu idea de héroe?).

¡Necesito recordar! Esa imaginación debe basarse en fenómenos, detalles, hechos históricos y literarios (cotidianos), si no es así, puede convertirse en una fantasía infructuosa.

En general, se acepta que 1 acción del drama debe analizarse durante la lección, ya que 1 acción es una exposición, lleva el comienzo, lo que precede. Un análisis detallado de la 1.ª acción permite organizar posteriormente el trabajo independiente del alumno sobre la 2.ª, 3.ª y 4.ª acción. Todas las escenas y actos no se pueden analizar con la misma profundidad, por lo tanto, se seleccionan para el análisis las escenas más importantes en términos ideológicos y artísticos (por ejemplo, escenas relacionadas con el clímax del drama: en El jardín de los cerezos - acto 3) y deben considerar las escenas finales. En el proceso de análisis, el campo de visión del estudiante debe incluir no solo el discurso del personaje, sino también comentarios, un cartel, comentarios sobre él, una palabra como unidad sonora del discurso. El discurso del héroe siempre tiene un color de entonación y tiene un cierto subtexto. Solo al abrirlo puedes escuchar correctamente el discurso del héroe.

Stanislavski habló: “Sin subtexto, no puede haber drama en el escenario. El subtexto es una vida interna implícita pero tangible del espíritu humano, que fluye directamente debajo de las palabras del texto, al mismo tiempo que las justifica y las anima...”

Técnicas para activar la imaginación del lector:

Recrear la atmósfera del teatro (Imagina que se abre el telón, ¿qué verás en el escenario?).

Lectura expresiva de las propias escenas por parte del profesor, elaborado apuntes profesionales.

Dibujo oral verbal (¿Cómo te imaginas al héroe en…el momento? ¿Qué pensó cada uno de los funcionarios cuando fueron a la velada al alcalde?).

El comentario del director es un juego de rol para el dibujo verbal de vestuario, escenografía, entradas de actores, un método de presentación grupal: el estudiante debe presentar episodios que no están en el texto (¿Qué pueden decir Gertrudis y Claudio en su 1er. reunión después de la muerte del Rey).

Creación de puestas en escena. Requiere imaginar no un personaje, sino imaginar su lugar en el escenario, en un momento determinado de la representación, junto a otros personajes. Imagine los movimientos de las acciones de las personas en la escena (¿Cómo ubicaría a los funcionarios en la primera aparición del "Inspector"? ¿Cómo ve la salida de la familia Kabanov?).

Uso de la visibilidad (fotografías de escenas de actuación, actores). No debe limitarse a una fotografía de un actor o una ilustración de un artista. Es más correcto involucrar fotos de varios actores del mismo papel. Use material sobre el trabajo de un actor en un papel con la participación de fragmentos de películas.

Análisis de juego

La forma más correcta de analizar el drama. siguiendo los pasos del autor (“observando el surgimiento y desarrollo del conflicto).

Diferencia entre drama y épica:

la ausencia de discurso repetido, que priva al drama de las posibilidades extraartísticas inherentes a la epopeya.

en el texto literario del drama, el énfasis se desplaza hacia las acciones y el habla de los personajes.

el drama gravita hacia dominantes estilísticos como la complejidad y la heteroglosia.

el drama tiene un alto grado de condiciones artisticas, esta asociado a la accion teatral. La condición es la siguiente:

ilusión de la "cuarta" escena

réplicas a un lado

monólogos de héroes a solas consigo mismos.

mayor teatralidad de la mímica gestual y el comportamiento del habla.

La construcción de la imagen del mundo también es específica: aprendemos de todo a partir de la conversación de los héroes y los comentarios del autor.

Las imágenes del personaje están dibujadas de manera aburrida, en comparación con la épica, pero con medios brillantes y fuertes.

Técnicas básicas de creación de imágenes:

característica del habla,

Manera de hablar,

caracterización del héroe a través de acciones similares.

Tropas auxiliares:

caracterización del héroe,

su caracterización en el habla de otros personajes.

El psicologismo es peculiar en el drama. El drama no permite la narración psicológica del autor, la dialéctica del alma, la corriente de la conciencia.

El monólogo interior del héroe sale a la luz, formado en el habla exterior, y por tanto el mundo psicológico del héroe parece más racionalizado y más simplificado que en la epopeya. La mayor dificultad en el drama es el desarrollo de los estados emocionales complejos del héroe, la esfera de los estados de ánimo subconscientes del héroe, la transferencia de profundidad dentro del mundo.

En este sentido, el drama de Chéjov, Ibsen, Maeterlinck es un ejemplo.

Lo principal en el drama es la acción, el desarrollo del conflicto, por lo tanto, el análisis del drama es conveniente al principio con un cierto conflicto, rastreando su movimiento en el futuro. La composición de las contradicciones también está sujeta al desarrollo del conflicto. Si nos proponemos dividir las obras dramáticas según la forma de realización del conflicto en:

juegos de accion (Fonvizin, Griboyedov, Ostrovsky),

juegos de humor (Hauptmann, Chéjov, Maeterlinck),

obras de debate (Shaw, Ibsen, Gorki).

Juegos de acción.

El conflicto se encarna en la trama, es decir, en el sistema de acciones y acontecimientos. En "Groza" hay un conflicto de dos capas. Conflicto externo: contradicciones entre gobernantes y súbditos. Por otro lado, la acción avanza gracias a las disposiciones internas del conflicto de Katerina. Quiere amar, vivir, ser libre, pero al mismo tiempo se da cuenta de que eso es pecado.

La acción se desarrolla a través de cadenas de acciones que modifican la situación inicial. La tensión dramática y la atención del espectador se apoyan en el interés por el desarrollo de la trama. Es fácil rastrear las líneas argumentales de la obra: la trama, el desarrollo de la acción, el clímax (una serie de clímax)

En la trama, básicamente, también se realiza el contenido de la obra. Los problemas socioculturales se revelan a través de la acción, y la acción está dictada por la actitud legal que prevalece en el entorno.

La trama también expresa el patetismo trágico de la obra. El suicidio de Katerina pone de relieve la imposibilidad de resolver con éxito el conflicto.

Juegos de humor.

Juegos de humor - Las obras de Chéjov. En ellos, las acciones dramáticas son los conflictos del héroe con una forma de vida que le es hostil, convirtiéndose en un conflicto psicológico, que se expresa en la valentía interior de los personajes, en un sentimiento de malestar espiritual. Este sentimiento no es típico de uno, sino de muchos, cada uno de los cuales desarrolla su propio conflicto en la vida. El movimiento de la acción escénica no se concentra en la trama, giros y vueltas, sino en el cambio de tono emocional. Un objetivo de evento solo mejora un estado de ánimo particular. Las obras de este tipo tienen un rasgo tan dominante como el psicologismo. El desarrollo del conflicto no está en la trama, sino en las contradicciones compositivas. Y las composiciones de apoyo no son elementos de la trama, sino la culminación de estados psicológicos. Vienen al final de cada acción. En estas obras, en lugar de una trama, hay una promulgación del estado de ánimo inicial, psicologismo del conflicto, estado. En lugar de un desenlace, un acorde emocional que no destruirá las contradicciones ("Tres hermanas"). Todas las escenas están conectadas por un estado de ánimo común. (1 acto: el estado de ánimo de la esperanza brillante (monólogo de Irina), luego se ahoga por el anhelo, la ansiedad y el sufrimiento).

La acción escénica se basa en profundizar en las vivencias de los personajes. Está claro que las hermanas no estarán en la ansiada Moscú. Todos los eventos tienen 1 objetivo: fortalecer la impresión general de desfavorabilidad, valentía de ser (una especie de psicologismo de subtexto). En las obras de Chéjov, el psicologismo escénico se basa precisamente en este principio. El sufrimiento de los personajes se expresa en sus monólogos y comentarios.

Una técnica importante de la psicología.: discrepancia externa e interna, se expresa en frases sin sentido, risas, lágrimas, silencio. Los comentarios del autor juegan un papel importante, enfatizando el tono emocional de la frase.

Juegos de debate.

Obras de teatro-discusiones - obras de Gorky.

El conflicto es profundo, basado en la diferencia de actitudes en la cosmovisión: sus problemas, filosóficos o ideológicos y morales.

B Mostrar: « El conflicto dramático se construye alrededor de un choque

varios ideales.

Otro conflicto se expresa en una colisión, en una contradicción compositiva, en declaraciones individuales de los personajes. Por lo tanto, se debe dar prioridad a heteroglosia.

En el conflicto, se involucra a una serie de héroes que, con su propia posición de vida, también es difícil distinguir los "+" y "-" principales y secundarios.

El objetivo del evento es el motivo de la declaración del personaje ("En la parte inferior")

El conflicto está en el choque de diferentes puntos de vista sobre la naturaleza humana, sobre la mentira y la verdad. Este es un conflicto sublime pero irreal con la base real. El conflicto comienza en 1 acto (desde el punto de vista de la trama, la trama no es más que una exposición). Entra en conflicto verdad grosera y mentiras sublimes.

Satin protesta ante las repugnantes "palabras humanas" sonoras, pero sin sentido: "organon, macrobiótica". Aquí Nastya lee "Amor fatal". El actor recuerda a Shakespeare. Todo esto contrasta fuertemente con la vida cotidiana de una casa de huéspedes.

La verdad del hecho . Esta posición es cínica e inhumana en la obra Bubnov. Afirma algo sin forma ("El ruido de la muerte no es un obstáculo") y afirma sin sentido su posición en una discusión sobre la vida. En el acto 1 aparece también la antípoda de Bubnov-Luka, predicando su filosofía del Amor y la compasión por el prójimo, sea cual sea.

En el futuro, el conflicto se desarrolla, dibujando nuevos puntos de vista, argumentos, razonamientos, parábolas. A veces, en los esquemas de referencia, la composición da lugar a una disputa directa.

El conflicto culmina en el acto 4.

La acción en sí es una discusión sin relación con la trama: una discusión sobre una persona y su filosofía, que se convierte en una disputa sobre una persona en general, sobre la ley, sobre la verdad. La última acción tiene lugar después de la finalización de la trama y el desenlace del conflicto externo (el asesinato de Kostylev), que es de carácter auxiliar en la obra. Así, el final no es un desenlace de la trama, está conectado con una discusión sobre la verdad y el hombre, y el suicidio del actor es, por así decirlo, otra réplica en el diálogo de ideas. El finale es abierto, no pretende resolver la disputa de la filosofía subiendo al escenario, parece invitar al lector, al espectador a hacerlo él mismo. Se aprobó la reflexión final sobre lo insoportable de la vida sin ideal.

trabajar en los comentarios

(Al estudiar "Tormenta" - ejercicio: Compara los comentarios que acompañan las acciones de Katerina y Bárbara en la escena del encuentro (acto 3, fenómeno 3-4). El propósito de la tarea: profundizar el conocimiento de los escolares sobre Katerina. ¿Cómo caracterizan el estado mental y el comportamiento de la heroína? Al estudiar una obra de teatro "En el fondo" ejercicio: mire los comentarios en el último acto de la obra que acompañan las acciones del héroe, compárelos con las palabras del héroe y, según sus observaciones, diga cuál es el estado de ánimo del héroe?)

En el curso del análisis de la obra, la posición del autor es importante. La posición del autor está oculta, el autor nunca expresa directamente su punto de vista. En un juego 2 formas principales de expresar la conciencia del autor: su posición se manifiesta en la agrupación de las acciones de personas opuestas entre sí, en la selección del material para la obra, en la esencia del conflicto.

Medios auxiliares: carteles, comentarios, instrucciones para el director. La posición del dramaturgo se manifiesta en la elección del título y el género de la obra ("Gente sin sol" - "El fondo de la vida"; "En el fondo"). Con toda la plenitud de la posición, el autor aparece en el final, por eso es tan importante el análisis ( ¿Por qué la obra no termina con el tercer acto, como aconseja Chéjov, creyendo que el cuarto acto no es necesario en ella? ¿Qué preguntas planteadas por Gorki no se resolvieron en el Acto 3, cómo se resuelven en el Acto 4? Cómo el acto 4 le permite revelar la posición del dramaturgo). Es necesario reflexionar sobre la organización del trabajo independiente. Estamos hablando de un sistema de tareas de diversa complejidad: volver a contar el contenido del fenómeno, análisis de monólogos, diálogos, independencia del discurso, comentarios, escenas individuales del drama; preparar la lectura por roles.

Lecciones finales

Estas clases tienen los siguientes objetivos:

Comprensión histórica y funcional de la obra y sus héroes.

Demostración de la capacidad del alumno para expresar la lectura mediante roles, procesando las destrezas de lectura de una obra de teatro. Esta lectura expresiva se convierte en una forma de comprobar y comprender la profundidad de tal o cual personaje.

Es en la etapa final que tienes que ver una película, una actuación y discutirlas. Es posible poner en escena fragmentos de una obra, pero cuando se decide poner en escena una obra, es necesario imaginar claramente el pasaje, si está dentro del poder del estudiante.

En la etapa final, se recomienda involucrar los trabajos de críticos, eruditos literarios, comparar puntos de vista sobre un trabajo o imagen, comparar interpretaciones del héroe por parte de diferentes actores, comparar drama ruso y extranjero (Misántropo de Moliere, Ay de Griboedov de Wit , las opiniones de Belinsky y Schiller sobre el teatro). Todo esto crea una situación problemática.

Uso ampliamente las conexiones interdisciplinarias utilizando las siguientes preguntas:

¿Coincide el desarrollo de la película con la acción de la obra?

Qué nuevas escenas se han notado, cuál es su significado.

Cómo se muestra la configuración.

¿Se ajusta esto a la intención del escritor?

Cómo los actores interpretan a los personajes principales. ¿Estás de acuerdo con la interpretación?

Como director y actor, utilizan direcciones escénicas y otras instrucciones del autor para crear imágenes y otras escenas.

¿Qué directores, los hallazgos del camarógrafo has notado?

El drama es un género literario (junto con la épica y las letras), que implica la creación de un mundo artístico para la encarnación escénica en una actuación. Al igual que la epopeya, reproduce el mundo objetivo, es decir, las personas, las cosas, los fenómenos naturales.

RASGOS DE PERSONAJE

1. El drama es el tipo de literatura más antiguo, su principal diferencia con los demás proviene de la misma antigüedad: el sincretismo, cuando se combinan diferentes tipos de arte en uno (el sincretismo de la creatividad antigua está en la unidad del contenido artístico y la magia, la mitología , moralidad).

2. Las obras dramáticas son condicionales.

Pushkin dijo: "De todos los tipos de composiciones, las más inverosímiles son las dramáticas".

3. El drama se basa en el conflicto, un evento representado por la acción. La trama está formada por eventos y acciones de personas.

4. La especificidad del drama como género literario radica en la especial organización del discurso artístico: a diferencia de la épica, no hay narración en el drama y el discurso directo de los personajes, sus diálogos y monólogos son de suma importancia.

El drama no es solo verbal (comentarios "aparte"), sino también una acción escénica, por lo tanto, el discurso de los personajes (diálogos, monólogos) es importante. Incluso en la tragedia antigua, los coros jugaban un papel importante (cantando la opinión del autor), y en los clásicos este papel lo jugaban los razonadores.

"No se puede ser dramaturgo sin ser elocuente" (Didero).

"Los personajes de una buena obra deben hablar en aforismos. Esta tradición existe desde hace mucho tiempo" (M. Gorky).

5. Por regla general, una obra dramática implica efectos escénicos, velocidad de acción.

6. Un carácter dramático especial: inusual (intenciones conscientes, pensamientos formados), carácter establecido, en contraste con la épica.

7. Obras dramáticas - de pequeño volumen.

Bunin comentó en esta ocasión: "Tenemos que comprimir el pensamiento en formas precisas. ¡Pero es tan emocionante!".

8. En el drama se crea la ilusión de la ausencia total del autor. Del discurso del autor en el drama, solo quedan comentarios: breves indicaciones del autor sobre el lugar y el tiempo de la acción, sobre las expresiones faciales, la entonación, etc.

9. El comportamiento de los personajes es teatral. En la vida, no se comportan así, y no hablan así.

Recordemos la falta de naturalidad de la esposa de Sobakevich: "Feodulia Ivanovna pidió sentarse, diciendo también:" ¡Por favor! "Y haciendo un movimiento con la cabeza, como actrices que representan a las reinas. Luego se sentó en el sofá, se cubrió con su mantón merino y ya no movía el ojo ni la ceja, ni la nariz”.

ESQUEMA TRADICIONAL DE LA TRAMA DE CUALQUIER OBRA DRAMÁTICA: EXPOSICIÓN - representación de héroes; CARGA - choque; DESARROLLO DE LA ACCIÓN - juego de escenas, desarrollo de la idea; CULMINACIÓN - el apogeo del conflicto; RESOLUCIÓN.

El género dramático de la literatura tiene tres géneros principales: tragedia, comedia y drama en el sentido estricto de la palabra, pero también tiene géneros como el vodevil, el melodrama y la tragicomedia.

Tragedia (griego tragoidia, lit. - canción de cabra) - "un género dramático basado en la colisión trágica de personajes heroicos, su desenlace trágico y lleno de patetismo ..."

La tragedia describe la realidad como un conjunto de contradicciones internas, revela los conflictos de la realidad de una forma extremadamente intensa. Esta es una obra dramática, que se basa en un conflicto de vida irreconciliable, que conduce al sufrimiento y la muerte del héroe. Entonces, en una colisión con el mundo de los crímenes, las mentiras y la hipocresía, el portador de ideales humanistas avanzados, el príncipe danés Hamlet, el héroe de la tragedia del mismo nombre de W. Shakespeare, perece trágicamente. En la lucha que libran los héroes trágicos se revelan con gran plenitud los rasgos heroicos del carácter humano.

El género de la tragedia tiene una larga historia. Surgió de los ritos de culto religioso, fue una representación escénica de un mito. Con la llegada del teatro, la tragedia surgió como un género independiente del arte dramático. Los creadores de tragedias fueron los antiguos dramaturgos griegos del siglo V. antes de Cristo mi. Sófocles, Eurípides, Esquilo, que le dejó muestras perfectas. Reflejaron la trágica colisión de las tradiciones del sistema tribal con el nuevo orden social. Estos conflictos fueron percibidos y retratados por dramaturgos principalmente en material mitológico. El héroe de una antigua tragedia se vio arrastrado a un conflicto irresoluble ya sea por la voluntad de un destino imperioso (destino) o por la voluntad de los dioses. Entonces, el héroe de la tragedia de Esquilo "Prometeo encadenado" sufre porque violó la voluntad de Zeus cuando le dio fuego a las personas y les enseñó oficios. En la tragedia de Sófocles "Edipo Rey" el héroe está condenado a ser un parricida, a casarse con su propia madre. La tragedia antigua generalmente incluía cinco actos y se construía de acuerdo con las "tres unidades": lugar, tiempo, acción. Las tragedias estaban escritas en verso y se distinguían por la altivez de su discurso; su héroe era un "alto héroe".

La comedia, como la tragedia, se originó en la antigua Grecia. El "padre" de la comedia es el dramaturgo griego antiguo Aristófanes (siglos V-IV a. C.). En sus obras, ridiculizó la codicia, la sed de sangre y la inmoralidad de la aristocracia ateniense, defendió una vida patriarcal pacífica ("Jinetes", "Nubes", "Lysistrata", "Ranas").

La comedia popular existe en Rusia desde hace mucho tiempo. Un destacado comediante de la Ilustración rusa fue D.N. Fonvizin. Su comedia "Undergrowth" ridiculizó sin piedad a la "nobleza salvaje" que reinaba en la familia Prostakov. Escribió comedias I.A. Krylov ("Lección para hijas", "Tienda de moda"), ridiculizando la admiración por los extranjeros.

En el siglo 19 ejemplos de comedia social realista satírica son creados por A.S. Griboyedov ("Ay del ingenio"), N.V. Gogol ("Inspector"), A.N. Ostrovsky ("Lugar rentable", "Nuestra gente: nos llevaremos bien", etc.). Continuando con las tradiciones de N. Gogol, A. Sukhovo-Kobylin en su trilogía ("Krechinsky's Wedding", "Deed", "Tarelkin's Death") mostró cómo la burocracia "abrazó" a toda Rusia, causándole problemas comparables al daño. causada por los tártaros, el yugo mongol y la invasión de Napoleón. Comedias famosas de M.E. Saltykov-Shchedrin ("La muerte de Pazukhin") y A.N. Tolstoy ("Los frutos de la ilustración"), que de alguna manera se acercaba a la tragedia (contienen elementos de tragicomedia).

La tragicomedia renuncia al absoluto moral de la comedia y la tragedia. La actitud subyacente está asociada con un sentido de la relatividad de los criterios de vida existentes. La sobreestimación de los principios morales conduce a la incertidumbre e incluso al rechazo de los mismos; los comienzos subjetivo y objetivo se desdibujan; una comprensión poco clara de la realidad puede causar interés en ella o una completa indiferencia e incluso el reconocimiento de la falta de lógica del mundo. La cosmovisión tragicómica domina en ellos en los puntos de inflexión de la historia, aunque el comienzo tragicómico ya estaba presente en la dramaturgia de Eurípides (Alcestis, Ion).

El drama es una obra de teatro con un agudo conflicto, que, a diferencia de lo trágico, no es tan sublime, sino más mundano, ordinario y de alguna manera resuelto. La especificidad del drama radica, en primer lugar, en el hecho de que está construido sobre material moderno y no antiguo, y en segundo lugar, el drama establece un nuevo héroe que se rebeló contra su destino y circunstancias. La diferencia entre drama y tragedia radica en la esencia del conflicto: los conflictos trágicos son insolubles, porque su resolución no depende de la voluntad personal de la persona. El héroe trágico se encuentra involuntariamente en una situación trágica, y no por un error que haya cometido. Los conflictos dramáticos, a diferencia de los trágicos, no son insuperables. Se basan en el choque de personajes con tales fuerzas, principios, tradiciones que se les oponen desde el exterior. Si el héroe de un drama muere, entonces su muerte es en muchos sentidos un acto de decisión voluntaria y no el resultado de una situación trágicamente desesperada. Entonces, Katerina en la "Tormenta eléctrica" ​​de A. Ostrovsky, muy preocupada por haber violado las normas religiosas y morales, al no poder vivir en la atmósfera opresiva de la casa de los Kabanov, se precipita hacia el Volga. Tal disociación no era obligatoria; los obstáculos para el acercamiento entre Katerina y Boris no pueden considerarse insuperables: la rebelión de la heroína podría haber terminado de otra manera.

obras dramaticas (otro-gr. drama-acción), así como los épicos, recrean la serie de hechos, las acciones de las personas y sus relaciones. Como el autor de una obra épica, el dramaturgo está sujeto a la "ley de la acción en desarrollo". Pero no hay una imagen narrativa-descriptiva detallada en el drama. En realidad, el discurso del autor aquí es auxiliar y episódico. Tales son las listas de actores, a veces acompañadas de breves características, la designación del tiempo y lugar de la acción; descripciones de la situación escénica al comienzo de actos y episodios, así como comentarios sobre réplicas individuales de los personajes e indicaciones de sus movimientos, gestos, expresiones faciales, entonaciones (observaciones). Todo esto constituye lado texto dramático. Básico su texto es una cadena de declaraciones de personajes, sus réplicas y monólogos.

De ahí algunas limitadas posibilidades artísticas del drama. El escritor-dramaturgo utiliza sólo una parte de los medios visuales que están a disposición del creador de una novela o una epopeya, un cuento o un cuento. Y el carácter de los personajes se revela en el drama con menos libertad y plenitud que en la épica. Al mismo tiempo, los dramaturgos, a diferencia de los autores de obras épicas, se ven obligados a limitarse a la cantidad de texto verbal que cumpla con los requisitos del arte teatral. El tiempo de la acción representada en el drama debe encajar en el estricto marco del tiempo escénico. Y la representación en las formas familiares del nuevo teatro europeo dura, como saben, no más de tres o cuatro horas. Y esto requiere un tamaño adecuado del texto dramático.

Al mismo tiempo, el autor de una obra de teatro tiene ventajas significativas sobre los creadores de cuentos y novelas. Un momento representado en el drama linda con otro vecino. El tiempo de los hechos reproducidos por el dramaturgo durante el episodio escénico no se comprime ni se alarga; los personajes del drama intercambian comentarios sin intervalos de tiempo perceptibles, y sus declaraciones, como lo señala K.S. Stanislavsky, forman una línea sólida y continua. Si con la ayuda de la narración la acción se imprime como algo pasado, entonces la cadena de diálogos y monólogos del drama crea la ilusión del tiempo presente. La vida habla aquí como por su propia cara: entre lo retratado y el lector no hay un narrador-intermediario. La acción se recrea en el drama con la máxima inmediatez. Fluye como si estuviera ante los ojos del lector. “Todas las formas narrativas”, escribió F. Schiller, “llevan el presente al pasado; todo lo dramático hace presente el pasado.”

El teatro está orientado al escenario. El teatro es un arte público, de masas. La actuación afecta directamente a muchas personas, como si se fusionara en una en respuesta a lo que sucede ante ellos. El fin del drama, según Pushkin, es actuar sobre la multitud, ocupar su curiosidad” y para ello captar la “verdad de las pasiones”: “El drama nació en la plaza y constituyó la diversión del pueblo. Las personas, como los niños, requieren entretenimiento, acción. El género dramático de la literatura está especialmente relacionado con el ámbito de la risa, pues el teatro se consolidó y desarrolló en estrecha relación con las festividades multitudinarias, en un ambiente de juego y diversión. No es de extrañar que el drama gravite hacia una presentación exteriormente espectacular de lo representado. Su figuratividad resulta hiperbólica, pegadiza, teatral y brillante, de ahí la hipérbole y la exageración. En los siglos XIX y XX, cuando el deseo de autenticidad mundana prevalecía en la literatura, las convenciones inherentes al drama se hicieron menos evidentes, a menudo se redujeron al mínimo. En los orígenes de este fenómeno se encuentra el llamado “drama pequeñoburgués” del siglo XVIII, cuyos creadores y teóricos fueron D. Diderot y G.E. Reducción. Obras de los mayores dramaturgos rusos del siglo XIX. y principios del siglo XX - A.N. Ostrovsky, A.P. Chekhov y M. Gorky: se distinguen por la confiabilidad de las formas de vida recreadas. Pero incluso cuando los dramaturgos pusieron su mirada en la plausibilidad, la hipérbole argumental, psicológica y verbal real persistió. Las convenciones teatrales se hicieron sentir incluso en la dramaturgia de Chéjov, que era el límite máximo de la "realidad".

El papel más importante en las obras dramáticas corresponde a las convenciones del habla, la autorrevelación de los personajes, cuyos diálogos y monólogos, a menudo saturados de aforismos y máximas, resultan mucho más extensos y efectivos que aquellos comentarios que podrían pronunciarse en un situación de vida similar. Las réplicas "aparte" son condicionales, que, por así decirlo, no existen para otros personajes en el escenario, pero son claramente audibles para la audiencia, así como los monólogos pronunciados por los personajes solos, solos consigo mismos, que son puramente escenario. técnica para sacar el habla interior (hay muchos monólogos como en las tragedias antiguas y en la dramaturgia de los tiempos modernos). Y el discurso en una obra dramática a menudo adquiere similitudes con el discurso artístico, lírico u oratorio. Por tanto, Hegel tenía parte de razón al considerar el drama como una síntesis del comienzo épico (acontecimiento) y el lírico (expresión verbal).

El drama tiene, por así decirlo, dos vidas en el arte: teatral y literaria. Al constituir la base dramática de las representaciones, existente en su composición, la obra dramática también es percibida por el público lector.

Lesedrama - drama para leer), creado con la instalación principalmente en la percepción en la lectura. Tales son el Fausto de Goethe, las obras dramáticas de Byron, las pequeñas tragedias de Pushkin, los dramas de Turgenev.

No hay diferencias fundamentales entre el Lesedrama y la obra de teatro, que el autor está orientado hacia la producción escénica. Los dramas creados para la lectura a menudo son potencialmente dramas escénicos. Y el teatro (incluido el moderno) busca obstinadamente y, a veces, encuentra las claves para ellos, prueba de lo cual son las exitosas producciones de "Un mes en el campo" de Turgenev (en primer lugar, esta es la famosa actuación prerrevolucionaria del Art Theatre) y numerosas (aunque no siempre exitosas) lecturas escénicas de las pequeñas tragedias de Pushkin en el siglo XX.

La creación de un espectáculo a partir de una obra dramática está asociada a su realización creativa: los actores crean dibujos entonación-plásticos de los papeles que interpretan, el artista diseña el espacio escénico, el director desarrolla las puestas en escena. En este sentido, el concepto de la obra cambia un poco (se presta más atención a algunos de sus lados, menos atención a otros), a menudo se concreta y se enriquece: la producción escénica introduce nuevos semántico sombras. Al mismo tiempo, el principio de suma importancia para el teatro es fidelidad de lectura literatura. El director y los actores están llamados a transmitir la obra escénica al público con la máxima exhaustividad posible. La fidelidad en la lectura escénica se da donde el director y los actores comprenden profundamente la obra dramática en su importante contenido, genero, caracteristicas de estilo. Las representaciones escénicas (así como las adaptaciones cinematográficas) son legítimas sólo en los casos en que existe un acuerdo (aunque sea relativo) entre el director y los actores y el círculo de ideas del escritor-dramaturgo, cuando las figuras del escenario están cuidadosamente atentas al significado de la obra escénica, a las características de su género, a las características de su estilo y al propio texto.

En siglos pasados ​​(hasta el siglo XVIII), el drama no solo compitió con éxito con la épica, sino que a menudo se convirtió en la principal forma de reproducción artística de la vida en el espacio y el tiempo. Esto es debido a una serie de razones. Primero, el arte teatral jugó un papel muy importante, accesible (a diferencia de los libros escritos a mano e impresos) a los estratos más amplios de la sociedad. En segundo lugar, las propiedades de las obras dramáticas (la representación de personajes con rasgos pronunciados, la reproducción de las pasiones humanas, la atracción por el patetismo y lo grotesco) en la era "prerrealista" correspondían completamente a las tendencias literarias y artísticas generales.