Najbolje impresionističke slike sa imenima i fotografijama. Slikarstvo u impresionizmu: karakteristike, istorija

Danas se impresionizam doživljava kao klasik, ali u eri svog formiranja bio je pravi revolucionarni iskorak u umjetnosti. Inovacije i ideje ovog pokreta potpuno su promijenile umjetničku percepciju umjetnosti 19. i 20. stoljeća. A moderni impresionizam u slikarstvu baštini načela koja su već postala kanonska i nastavlja estetska traganja u prenošenju senzacija, emocija i svjetlosti.

Preduvjeti

Postoji nekoliko razloga za nastanak impresionizma; to je čitav kompleks preduvjeta koji su doveli do prave revolucije u umjetnosti. U 19. veku je nastajala kriza u francuskom slikarstvu zbog toga što „zvanična” kritika nije htela da primeti i dopušta razne nove forme u galerijama. Stoga je slikarstvo u impresionizmu postalo svojevrsni protest protiv inertnosti i konzervativizma općeprihvaćenih normi. Također, porijeklo ovog pokreta treba tražiti u trendovima svojstvenim renesansi i povezanim s pokušajima prenošenja žive stvarnosti. Umetnici venecijanska škola smatraju se prvim rodonačelnicima impresionizma, zatim su ovim putem krenuli Španci: El Greco, Goya, Velazquez, koji su direktno utjecali na Maneta i Renoira. Tehnološki napredak je također imao ulogu u formiranju ove škole. Tako je nastala pojava fotografije nova ideja u umjetnosti se radi o hvatanju trenutnih emocija i senzacija. Upravo taj trenutni utisak nastoje da „uhvate“ umetnici pokreta koji razmatramo. Na ovaj trend uticao je i razvoj plener škole koju su osnovali predstavnici škole Barbizon.

Istorija impresionizma

U drugoj polovini 19. veka u francuskoj umetnosti se razvija kritična situacija. Predstavnici klasična škola ne prihvataju inovacije mladih umetnika i ne dozvoljavaju im da prisustvuju Salonu - jedinoj izložbi koja otvara put kupcima. Skandal je izbio kada je mladi Edouard Manet predstavio svoje djelo “Ručak na travi”. Slika je izazvala ogorčenje kritike i javnosti, a umjetniku je zabranjeno da je izloži. Stoga Manet učestvuje u takozvanom „Salonu odbačenih“ zajedno sa ostalim slikarima kojima nije dozvoljeno učešće na izložbi. Djelo je dobilo ogroman odjek, a oko Maneta se počeo formirati krug mladih umjetnika. Okupili su se u kafiću, razgovarali o problemima savremene umetnosti, raspravljali o novim formama. Pojavljuje se društvo slikara koje će po jednom od djela Claudea Moneta nazvati impresionistima. U ovu zajednicu spadali su Pissarro, Renoir, Cezanne, Monet, Basil, Degas. Prva izložba umjetnika ovog pokreta održana je 1874. u Parizu i završila je, kao i sve naredne, neuspjehom. Zapravo, impresionizam u muzici i slikarstvu pokriva period od samo 12 godina, od prve izložbe do posljednje, održane 1886. godine. Kasnije se pokret počinje raspadati u nove pokrete, a neki umjetnici umiru. Ali ovaj period je doneo pravu revoluciju u umovima stvaralaca i javnosti.

Ideološki principi

Za razliku od mnogih drugih pokreta, slikarstvo u impresionizmu nije bilo povezano s dubokim filozofskim pogledima. Ideologija ove škole bila je trenutno iskustvo, utisak. Umjetnici nisu sebi postavljali društvene ciljeve, nastojali su prenijeti puninu i radost života u svakodnevnom životu. Stoga je žanrovski sistem impresionizma općenito bio vrlo tradicionalan: pejzaži, portreti, mrtve prirode. Ovaj pravac nije zajednica ljudi zasnovana na filozofskim pogledima, već zajednica istomišljenika, od kojih svaki vodi vlastitu potragu za proučavanjem oblika bića. Impresionizam leži upravo u jedinstvenosti pogleda na obične predmete, fokusiran je na individualno iskustvo.

Tehnika

Slikarstvo u impresionizmu je prilično lako prepoznati po nekim karakterističnim osobinama. Prije svega, vrijedi zapamtiti da su umjetnici ovog pokreta bili vatreni ljubitelji boja. Gotovo potpuno napuštaju crnu i smeđu u korist bogate, svijetle palete, često jako izbijeljene. Impresionističku tehniku ​​karakteriziraju kratki potezi. Oni teže opštem dojmu, a ne pažljivom crtanju detalja. Platna su dinamična i isprekidana, što odgovara ljudskoj percepciji. Slikari nastoje da boje na platnu postave na način da postignu koloristički intenzitet ili blizinu na slici; Umjetnici su često radili plener, a to se odrazilo na tehniku ​​koja nije imala vremena da osuši prethodne slojeve. Boje su nanošene jedna pored druge ili jedna na drugu, a korišten je neprozirni materijal koji je omogućio stvaranje efekta „unutrašnjeg sjaja“.

Glavni predstavnici u francuskom slikarstvu

Rodno mjesto ovog pokreta je Francuska, ovdje se prvi put pojavio impresionizam u slikarstvu. Umetnici ove škole živeli su u Parizu u drugoj polovini 19. veka. Svoje radove predstavili su na 8 impresionističkih izložbi, a ove slike postale su klasici pokreta. Francuzi Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Morisot i drugi su rodonačelnici pokreta koji razmatramo. Najviše poznati impresionista, naravno, je Claude Monet, čija su djela u potpunosti utjelovila sve karakteristike ovog pokreta. Također, pokret se s pravom vezuje za ime Augustea Renoira, koji je svojim glavnim umjetničkim zadatkom smatrao da prenese igru ​​sunca; osim toga, bio je majstor sentimentalnog portreta. Impresionizam takođe uključuje takve izuzetnih umjetnika kao Van Gogh, Edgar Degas, Paul Gauguin.

Impresionizam u drugim zemljama

Postepeno, trend se širi u mnogim zemljama, francusko iskustvo je uspješno preuzeto iu drugim nacionalnim kulturama, iako se u njima više mora govoriti o pojedinačnim radovima i tehnikama nego o dosljednoj implementaciji ideja. Njemačko slikarstvo u impresionizmu predstavljeno je prvenstveno imenima Lesser Ury, Max Liebermann, Lovis Corinth. U SAD je ideje implementirao J. Whistler, u Španiji - H. Sorolla, u Engleskoj - J. Sargent, u Švedskoj - A. Zorn.

Impresionizam u Rusiji

Ruska umjetnost 19. stoljeća bila je pod značajnim utjecajem francuske kulture, pa ni domaći umjetnici nisu mogli izbjeći da budu zaneseni novim pokretom. Ruski impresionizam u slikarstvu najdosljednije je i najplodnije zastupljen u djelima Konstantina Korovina, kao i u radovima Igora Grabara, Isaka Levitana, Valentina Serova. Osobitosti ruske škole bile su etidna priroda radova.

Šta je bio impresionizam u slikarstvu? Osnivači su nastojali da zabilježe trenutne utiske kontakta s prirodom, a ruski stvaraoci su nastojali da prenesu i dublji, filozofski smisao djela.

Impresionizam danas

Unatoč činjenici da je prošlo gotovo 150 godina od nastanka pokreta, moderni impresionizam u slikarstvu danas nije izgubio svoju važnost. Zahvaljujući svojoj emocionalnosti i lakoći percepcije, slike u ovom stilu su vrlo popularne, pa čak i komercijalno uspješne. Stoga mnogi umjetnici širom svijeta rade u tom pravcu. Tako je ruski impresionizam u slikarstvu predstavljen u novom moskovskom muzeju istog imena. Tu se redovno održavaju izložbe savremenih autora, na primer V. Košljakova, N. Bondarenka, B. Gladčenka i drugih.

Remek djela

Moderni ljubavnici vizualna umjetnost Impresionizam u slikarstvu često se naziva njihovim omiljenim smjerom. Slike umjetnika ove škole prodaju se na aukcijama po nevjerovatnim cijenama, a zbirke u muzejima uživaju veliku pažnju javnosti. Glavnim remek-djelima impresionizma smatraju se slike C. Moneta "Vodeni ljiljani" i "Izlazeće sunce", O. Renoir "Bal u Moulin de la Galette", C. Pissarro "Boulevard Montmartre noću" i " Boildier Bridge u Ruanu na kišni dan”, E. Degas „Absint”, iako se ovaj spisak može nastaviti gotovo beskonačno.

Francuski utisak): umetnički pokret koji je nastao u Francuskoj 60-ih i 70-ih godina 19. veka. i dobio je najživopisnije oličenje u štafelajnoj likovnoj umjetnosti. Impresionisti su razvili nove slikarske tehnike - obojene sjene, miješanje boja, istaknutu boju, kao i razlaganje složenih tonova u čiste tonove (preklapanje na platnu zasebnim potezima generiralo je njihovo optičko miješanje u očima gledatelja). Nastojali su prenijeti ljepotu prolaznih stanja prirode, varijabilnost i mobilnost okolnog života. Ove tehnike su pomogle u prenošenju osjećaja blistave sunčeve svjetlosti, vibracija svjetlosti i zraka, te stvorile utisak svetkovine života i harmonije svijeta. Impresionističke tehnike korištene su i u drugim oblicima umjetnosti. U muzici su, na primjer, doprinijeli prenošenju najsuptilnijih emocionalnih pokreta i prolaznih raspoloženja.

Odlična definicija

Nepotpuna definicija ↓

Impresionizam

sa francuskog utisak - utisak) Pokret u umetnosti koji je nastao u Francuskoj u poslednjoj trećini 19. veka. Glavni predstavnici I.: Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, kao i Edouard Manet, Edgar Degas i neki drugi umjetnici koji su im se pridružili. Razvoj novog stila I. odvija se 60-70-ih godina, a prvi put, kao novi pravac, suprotstavljajući se akademskom salonu, impresionisti su se najavili na svojoj prvoj izložbi 1874. godine. Na njoj je bila izložena slika C. Moneta “Impresija”. Soleil levant" (1872). Zvanična likovna kritika negativno je reagirala na novi pokret i podrugljivo je njegove predstavnike "krstila" "impresionistima", podsjećajući na Monetovu sliku koja ih je posebno iritirala. Međutim, naziv je odražavao suštinu pravca, a njegovi predstavnici su ga prihvatili kao službenu oznaku svoje metode. Kao integralni pokret, umetnost nije dugo postojala - od 1874. do 1886. godine, kada su impresionisti organizovali 8 zajedničkih izložbi. Službeno priznanje od strane poznavalaca umjetnosti i umjetničke kritike došlo je mnogo kasnije - tek sredinom 90-ih. I. je, kako je postalo očigledno već u narednom veku, imao ogroman uticaj na kasniji razvoj likovne umetnosti (i umetničke kulture uopšte). Zapravo, započela je fundamentalno nova faza umjetničke kulture, koja je dovela do sredine. XX vijek na POST-kulturu (vidi: POST-), tj. na prelazak Kulture u neki suštinski drugačiji kvalitet. O. Špengler, koji je pojam istorije proširio na kulturu, smatrao je to jednim od tipičnih znakova „propadanja Evrope“, odnosno razaranja integriteta pogleda na svet, uništavanja tradicionalno uspostavljene evropske kulture. Naprotiv, avangardni umjetnici (vidi: Avangard) s početka 20. stoljeća. Oni su u I. vidjeli svog preteču, koji je otvorio nove horizonte umjetnosti, oslobađajući je vanumjetničkih zadataka, dogmi pozitivizma, akademizma, realizma itd., s kojima se ne može ne složiti. Sami impresionisti, kao čisti slikari, nisu razmišljali o takvom globalnom značaju svog eksperimenta. Nisu čak ni težili posebnoj revoluciji u umjetnosti. Oni su jednostavno vidjeli svijet oko sebe nešto drugačije nego što su ga vidjeli službeni predstavnici Salona, ​​te su tu viziju pokušali konsolidirati čisto slikovnim sredstvima. Pri tome su se oslanjali na umjetnička otkrića svojih prethodnika - prije svega francuskih slikara 19. stoljeća. Delacroix, Corot, Courbet, "Barbizonci". Na K. Monet, koji je posjetio London 1871. godine, bio je veoma impresioniran radovima W. Turnera. Osim toga, sami impresionisti među svojim prethodnicima navode francuske klasičare Poussin, Lorrain, Chardin i japansku kolor gravuru iz 18. stoljeća, a istoričari umjetnosti vide crte bliskosti sa impresionistima i engleski umjetnici T. Gainsborough i J. Constable, a da ne spominjemo W. Turnera. Impresionisti su apsolutizovali niz slikarskih tehnika ovih veoma različitih umetnika i na osnovu toga stvorili integralni stilski sistem. Za razliku od „akademista“, impresionisti su napustili tematsku premisu (filozofsku, moralnu, religioznu, društveno-političku itd.) umjetnosti i promišljene, unaprijed osmišljene i jasno nacrtane sižejne kompozicije, tj. dominacija “literarnosti” u slikarstvu, fokusirajući glavnu pažnju na specifično likovna sredstva - boju i svjetlost; napustili su radionice na otvorenom, gdje su pokušali započeti i završiti rad na određenom radu u jednoj sesiji; odbili su tamne boje i složene tonove (zemljane, „asfaltne“ boje), karakteristične za umjetnost New Agea, prelazeći u čiste svijetle boje(njihova paleta bila je ograničena na 7-8 boja), često polagane na platno u odvojenim potezima, svjesno računajući na njihovo optičko miješanje već u psihi gledatelja, čime se postiže efekat posebne svježine i spontanosti; slijedeći Delacroixa, ovladali su i apsolutizirali obojenu sjenu, igru ​​refleksa boja na raznim površinama; dematerijalizovali predmet vidljivog sveta, rastvorivši ga u svetlo-vazdušnom okruženju, što je bio glavni predmet njihove pažnje kao čistih slikara; zapravo su napustili žanrovski pristup u likovnoj umjetnosti, usmjeravajući svu pažnju na slikovni prijenos svog subjektivnog utiska nasumično viđenog fragmenta stvarnosti - češće pejzaže (poput Monea, Sisleya, Pissarroa), rjeđe prizore radnje (poput Renoira, Degas). Istovremeno, često su nastojali da sa gotovo iluzionističkom tačnošću prenesu dojam usklađivanja boje-svjetlo-vazdušne atmosfere prikazanog fragmenta i trenutka vidljive stvarnosti. Nasumični ugao gledanja na fragment prirode osvijetljen umjetničkom vizijom, pažnja na slikovno okruženje, a ne na subjekt, često ih je dovodila do hrabrih kompozicionih odluka, oštrih neočekivanih kutova gledanja, rezova koji aktiviraju percepciju gledatelja. itd. efekte, od kojih su mnoge kasnije koristili predstavnici raznih avangardnih pokreta. Umetnost je postala jedan od pravaca „čiste umetnosti“ u 19. veku, čiji su predstavnici smatrali likovno-estetičko načelo glavnim u umetnosti. Impresionisti su osjetili neopisivu ljepotu svijetlobojno-zračnog okruženja materijalnog svijeta i pokušali da je uhvate na svoja platna gotovo dokumentarnom tačnošću (za to ih ponekad optužuju za naturalizam, koji je teško legitiman u velikoj shemi stvari ). U slikarstvu su neka vrsta optimističnih panteista, najnoviji pevači bezbrižna radost zemaljskog postojanja, obožavatelji sunca. Kao što je neoimpresionista P. Signac pisao sa divljenjem, „sunčeva svetlost preplavljuje celu sliku; vazduh se u njemu njiše, svetlost obavija, miluje, raspršuje forme, prodire svuda, čak i u senku.” Karakteristike stila I. u slikarstvu, posebno želja za istančanim umjetničkim prikazom prolaznih utisaka, temeljne skicnosti, svježine neposredne percepcije itd., pokazala se bliskom predstavnicima drugih vrsta umjetnosti tog vremena, što je dovelo do širenja ovaj koncept na književnost, poeziju i muziku. Međutim, u ovim vrstama umjetnosti nije bilo posebnog smjera I., iako se mnoge njegove karakteristike nalaze u djelima niza pisaca i kompozitora posljednje trećine 19. - početka. XX vijek Elementi impresionističke estetike kao što su neodređenost forme, fiksiranje pažnje na svetle, ali nasumične prolazne detalje, potcenjivanje, nejasni nagovještaji, itd., svojstveni su djelima G. de Maupassana, A.P. Čehova, ranog T. Manna i poeziji R.- M. Rilkea, ali posebno braći J. i E. Goncourt, predstavnicima tzv. „psihološkog I>, a djelimično i K. Hamsunu. M. Prust i pisci „toka svijesti“ oslanjali su se na impresionističke tehnike i značajno ih razvijali. U muzici se impresionistima smatraju francuski kompozitori C. Debussy, M. Ravel, P. Duke i neki drugi, koji su u svom radu koristili stilistiku i estetiku I.. Njihova muzika je ispunjena direktnim doživljajima ljepote i liričnosti krajolika, gotovo imitacijom igre morskih valova ili šuštanja lišća, bukoličnog šarma antičkih mitoloških tema, radosti trenutnog života, likova zemaljskog postojanja. , i užitak beskrajnog svjetlucanja zvučne materije. Poput slikara, oni zamagljuju mnoge tradicionalne muzičkih žanrova, ispunjavajući ih različitim sadržajem, povećavaju pažnju na čisto estetske efekte muzičkog jezika, značajno obogaćujući paletu izražajnih i vizuelnih sredstava muzike. „Ovo se prvenstveno odnosi, piše muzikolog I.V. Nestjev, „na sferu harmonije sa svojom tehnikom paralelizma i hirovitog nizanja nerazjašnjenih šarenih tačaka. Impresionisti su značajno proširili savremeni tonski sistem, otvarajući put mnogim harmonskim inovacijama 20. veka. (iako su značajno oslabili jasnoću funkcionalnih veza). Komplikovanost i naduvavanje akordskih kompleksa (neakordi, nedecimani akordi, alternativne četvrte harmonije) kombinovani su sa pojednostavljenjem, arhaizacijom modalnog mišljenja (prirodni modusi, pentatonski, celotonski kompleksi). Orkestracijom kompozitora impresionista dominiraju čiste boje i hiroviti naglasci; Često se koriste sola na drvenim duvačima, pasaže za harfu, složene podjele žica i con sordino efekti. Tipične su i čisto dekorativne pozadine ostinata ujednačeno teče. Ritam je ponekad nestabilan i neuhvatljiv. Melodiju karakteriziraju ne zaobljene konstrukcije, već kratke ekspresivne fraze-simboli i slojevi motiva. Istovremeno, u muzici impresionista neobično je pojačan značaj svakog zvuka, tembra i akorda, a otkrivene su neograničene mogućnosti proširenja ljestvice. Posebnu svježinu muzici impresionista davala je česta upotreba žanrova pjesme i plesa, suptilna implementacija modalnih i ritmičkih elemenata pozajmljenih iz folklora naroda Istoka, Španije i u ranim oblicima crnog džeza. ( Music Encyclopedia. T. 2, M., 1974. Stb. 507). Stavljajući likovna i ekspresivna sredstva umjetnosti u centar umjetnikove pažnje i fokusirajući se na hedonističko-estetsku funkciju umjetnosti, I. je otvorio nove perspektive i mogućnosti umjetničkoj kulturi, koje je u potpunosti (a ponekad čak i pretjerano) iskoristio. ) u 20. veku. Lit.: Venturi L. Od Maneta do Lautreka. M., 1938; Rewald J. Istorija impresionizma. L.-M., 1959; Impresionizam. Pisma umjetnika. L., 1969; Serullaz M. Encyclopedie de limpressionnisme. P., 1977; Montieret S. Limpressionnisme et son epoque. T. 1-3. P., 1978-1980; Kroher E. Impressionismus in der Musik. Leipzig. 1957. L.B.

Impresionizam- pokret u umjetnosti posljednje trećine 19. - početka 20. stoljeća, koji je nastao u Francuskoj, a potom se proširio svijetom, čiji su predstavnici nastojali da što prirodnije i nepristrasnije zahvate stvarni svijet u njegovoj pokretljivosti i promjenjivosti, da prenesu svoje prolazni utisci. Obično se izraz „impresionizam“ odnosi na pokret u slikarstvu, iako su njegove ideje našle svoje oličenje i u književnosti i muzici.

Slikarstvo.

Impresionizam je nastao u Francuskoj u drugoj polovini 19. veka. Mladi umjetnici željeli su ići dalje od klasičnog slikarstva. Ono što nije bilo tako lako: ni kritičari ni javnost nisu željeli prihvatiti slike koje su se toliko razlikovale od uobičajenog akademskog slikarstva u „antičkom“ stilu.

Slike umjetnika novog pokreta nisu se ni smatrale slikama, bile su toliko slične brzim skicama.

Ali to je bila suština novog pravca - uhvatiti trenutak, pokazati život kakav jeste. Impresionisti ne izmišljaju teme, oni ih uzimaju iz svakodnevnog života: sve su to stvari koje svako može vidjeti samo izlaskom napolje.

Umjetnici su počeli koristiti potpuno novu tehniku ​​slikanja. Boje se nisu miješale na štafelaju, već su se nanosile na platno u zasebnim potezima. Stoga, da bi se dobila potpuna slika slike, treba ih posmatrati sa kratke udaljenosti, a ne izbliza. Sa ovom percepcijom, jasni odvojeni potezi glatko se pretvaraju jedni u druge i formira se ideja o slici.

Za razliku od dojučerašnjih majstora, impresionisti nisu radili u radionicama, tamo su dorađivali i usavršavali svoje skice. Među njima postaje popularna plener tehnika, odnosno rad na otvorenom. Umjetnici su putovali u predgrađa (šuma Fontainebleaua je bila posebno popularna), gdje su skicirali piknike, ili prikazivali prizore pariškog života: Monet i Renoir su često prikazivali scene na nasipima Sene, a niz Renoirovih slika iz Moulin-a poznat je i de la Gallette.

Ali impresionisti nisu uvijek bili zainteresirani za ljude ili prirodu. Bilo je mnogo zanimljivije prenijeti, na primjer, kretanje zraka ili pad sunčeve svjetlosti. Na primjer, na Moneovoj slici „Gare Saint-Lazare“ glavni subjekt slike nije čak ni sama stanica ili voz, već dim koji se u oblacima diže iz dimnjaka koji se dimi.

Novi pokret se razlikovao od akademskog slikarstva, i tehnički i ideološki. Prije svega, impresionisti su napustili konturu, zamijenivši je malim, odvojenim i kontrastnim potezima. Sunčeva zraka je podijeljena na komponente: ljubičasta, plava, cijan, zelena, žuta, narandžasta, crvena, ali kako je plava vrsta plave, njihov broj je smanjen na šest. Dvije boje postavljene jedna pored druge pojačavaju jedna drugu i, obrnuto, kada se pomiješaju gube intenzitet. Osim toga, sve boje su podijeljene na primarne, ili osnovne, i dualne, ili derivativne, pri čemu je svaka dvostruka boja komplementarna prvoj:

Plavo - Narandžasto

Crveno zeleno

Žuta - ljubičasta

Općenito, mnogi su majstori radili u stilu impresionizma, ali osnova pokreta bili su Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir i Degas. Međutim, Manet je sebe uvijek nazivao “nezavisnim umjetnikom” i nikada nije učestvovao na izložbama, a iako je Degas učestvovao, nikada nije slikao svoja djela na pleneru.

Umetnici. (mnogo, ali dovoljno je da se ukratko upoznate sa njihovim radom)

Koliko su se tradicija i inovacija organski spojile u umetnosti impresionista, svedoči, pre svega, delo izuzetnog slikara 19. Edouard Manet. U međuvremenu, u ovim radovima, kao iu svom kasnijem radu, umetnik se oslanja na iskustvo klasične umetnosti. U nastojanju da estetski shvati savremeni život, Manet koristi veličanstvene kompozicione sheme renesansnih slikara, od Giorgionea i Tiziana do Velazqueza i Goye. Njegove slike, brojni portreti i druga djela šezdesetih godina 19. stoljeća napisana su u tradicionalnom slikarskom maniru koji još nije bio potpuno prevaziđen, iako se i ovdje već osjeća želja za otvorenom bojom i prirodnim svjetlom. Kasnije, Manetova paleta postaje osjetno svjetlija. Bio je jedan od prvih koji je počeo slikati na čisto bijelom tlu, ili ga „natrpavajući“ bogatim potezima jarkih sunčanih boja, ili ga prekrivajući najfinijim polutonovima plemenitih ružičastih i sivo-sivih nijansi. Imao je dar da prenese beskrajno bogatstvo boja i živu zebnju objektivnog svijeta, što se posebno jasno očitovalo u mrtvoj prirodi – „nitko od Manetovih suvremenika nije mogao naslikati mrtvu prirodu bolje od njega Manetova inovativnost da je bio u stanju da na nov, nepristrasan način sagleda stvarnost koja ga okružuje i da proširi spektar pojava kojima se likovna umetnost obraćala. Nije se bojao učiniti predmetom istinski visoke umjetnosti i utjeloviti u savršene slikovne forme one aspekte života i međuljudskih odnosa koje su se umjetnici prije njega okretali ili nisu primijetili.

U centru umjetnosti Edgar Degasčovjek je uvijek stajao, dok pejzaž, možda vodeći žanr impresionista, nije igrao značajniju ulogu u njegovom stvaralaštvu. Veliki Ingreov poštovalac, crtanju je pridavao izuzetan značaj. U Italiji se divio Mantenji među francuskim umjetnicima, zanimao se za Poussin i kopirao njegove slike. Degas se kreće pod uticajem Maneta da bi prikazao prizore modernog života. Njegove glavne teme su svijet baleta i konjskih trka, samo u rijetkim slučajevima on ih prevazilazi, okrećući se životu pariške boemije, prikazujući mlinčare, peglače i pralje. Degasova inovacija u prenošenju pokreta neraskidivo je povezana sa njegovom kompozicionom veštinom. U njemu se, još jače nego kod Maneta, osjeća nenamjernost, slučajnost, otimanje posebne epizode iz toka života. To postiže neočekivanom asimetrijom i neobičnim gledištima (često odozgo ili sa strane, pod uglom), „izbočenošću“ prostora, kao u ogledalu, ekspresivnim kadriranjem i smelim rezovima kadra. Ovaj osjećaj prirodnosti i potpune slobode postignut je napornim radom, preciznim proračunima i preciznom kompozicionom konstrukcijom.

Teško je zamisliti veću antitezu Degasovoj umjetnosti od slikarstva Auguste Renoir jedan od najsunčanijih i najatraktivnijih umjetnika u Francuskoj, kojeg je A.V. Lunacharsky nazvao "slikarom sreće". Renoirova najveća dostignuća vezana su za prikaz žena i djece. Njegov omiljeni tip su žene sa zaobljenim figurama, napučenim usnama, prćastim nosovima i šarmantno nepromišljenim očima. Slika ih odjevene i gole, napolju po kiši, na ljuljašci u bašti, dok plivaju ili doručkuju sa preplanulim lađarima. Njegovi modeli su devojke iz naroda i siromašne buržoaske žene, zdrave i sveže, bez korzeta i ne stide se golotinje

U posljednjoj trećini 19. stoljeća. Francuska umjetnost i dalje igra važnu ulogu u umjetničkom životu zapadnoevropskih zemalja. U to vrijeme nastaju mnogi novi trendovi u slikarstvu, čiji su predstavnici tražili svoje načine i oblike kreativnog izražavanja.

Najupečatljiviji i najznačajniji fenomen Francuska umjetnost ovog perioda postao impresionizam.

Impresionisti su objavili svoje prisustvo 15. aprila 1874. na izložbi u Parizu, održanoj pod na otvorenom na Bulevaru Kapucina. Ovdje je svoje slike izložilo 30 mladih umjetnika čije je radove Salon odbio. Centralno mjesto na izložbi zauzela je slika Kloda Monea „Utisak. Izlazak sunca". Ova kompozicija je zanimljiva jer je po prvi put u istoriji slikarstva umetnik pokušao da na platnu prenese svoj utisak, a ne predmet stvarnosti.

Izložbu je posjetio predstavnik publikacije „Charivari“, reporter Louis Leroy. On je prvi nazvao Moneta i njegove saradnike "impresionistima" (od francuskog impression - utisak), izražavajući time svoju negativnu ocjenu njihovog slikarstva. Ubrzo je ovo ironično ime izgubilo svoj original negativno značenje i zauvek ušao u istoriju umetnosti.

Izložba na Bulevaru Kapucina postala je svojevrsni manifest, koji je proglasio nastanak novog pokreta u slikarstvu. Učestvovali su O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillaumin, kao i majstori starije generacije - E. Boudin, C. Daubigny, I. Ionkind u tome.

Impresionistima je bilo najvažnije da prenesu utisak onog što vide, da uhvate kratak trenutak života na platnu. Na taj način impresionisti su ličili na fotografe. Zaplet za njih nije imao gotovo nikakvo značenje. Umjetnici su za svoje slike uzimali teme iz svakodnevnog života oko sebe. Slikali su mirne ulice, večernje kafane, seoske pejzaže, gradske zgrade, zanatlije na poslu. Igra svjetla i sjene igrala je važnu ulogu u njihovim slikama. sunčeve zrake, skačući po predmetima i dajući im pomalo neobičan i iznenađujuće živahan izgled. Kako bi vidjeli objekte u prirodnom svjetlu i prenijeli promjene koje se događaju u prirodi u različito doba dana, umjetnici impresionisti su napuštali svoje radionice i odlazili na otvoreni zrak (plener).

Impresionisti su primijenili novu tehnika slikanja: boje se nisu miješale na štafelaju, već su se odmah u odvojenim potezima nanosile na platno. Ova tehnika je omogućila da se prenese osjećaj dinamike, blagih vibracija zraka, kretanja lišća na drveću i vode u rijeci.

Obično slike predstavnika ovog pokreta nisu imale jasnu kompoziciju. Umjetnik je na platno prenio trenutak oteti iz života, pa je njegov rad podsjećao na slučajno snimljenu fotografiju. Impresionisti se nisu pridržavali jasnih granica žanra, na primjer, portret je često ličio na svakodnevnu scenu.

Od 1874. do 1886. impresionisti su organizovali 8 izložbi, nakon čega se grupa raspala. Što se tiče javnosti, oni su, kao i većina kritičara, doživljavali novu umjetnost s neprijateljstvom (na primjer, slike C. Moneta nazivane su „mazama“), pa su mnogi umjetnici koji su predstavljali ovaj pokret živjeli u krajnjem siromaštvu, ponekad i bez sredstava. da završe ono što su započeli sliku. I to tek krajem 19. - početkom 20. vijeka. situacija se radikalno promenila.

U svom radu impresionisti su koristili iskustvo svojih prethodnika: romantičara (E. Delacroix, T. Géricault), realista (C. Corot, G. Courbet). Na njih su uvelike utjecali pejzaži J. Constablea.

E. Manet je odigrao značajnu ulogu u nastanku novog pokreta.

Edouard Manet

Eduard Mane, rođen 1832. godine u Parizu, jedna je od najznačajnijih ličnosti u istoriji svetskog slikarstva, koja je postavila temelje impresionizma.

Na formiranje njegovog umetničkog pogleda na svet u velikoj meri uticao je poraz Francuske buržoaske revolucije 1848. Ovaj događaj je toliko uzbudio mladog Parižanina da je odlučio da očajnički korak i pobjegao od kuće, postavši mornar na morskom jedrenjaku. Međutim, u budućnosti nije toliko putovao, posvećujući sve svoje psihičke i fizičke snage radu.

Manetovi roditelji, kulturni i bogatih ljudi, sanjali o administrativnoj karijeri za svog sina, ali njihovim nadama nije bilo suđeno da se ostvare. Slikarstvo je zanimalo mladića i 1850. godine ulazi u Školu likovnih umjetnosti, radionicu Couture, gdje se dobro stručno usavršava. Tu se nadobudni umjetnik osjećao gađenjem prema akademskim i salonskim klišeima u umjetnosti, koji ne mogu u potpunosti odraziti ono što je jedino moguće pravom majstoru sa njegovim individualnim stilom slikanja.

Stoga, nakon što je neko vrijeme studirao u Coutureovoj radionici i stekao iskustvo, Manet ju je napustio 1856. i okrenuo se platnima svojih velikih prethodnika izloženim u Louvreu, kopirajući ih i pažljivo ih proučavajući. Na njegove kreativne poglede uvelike su uticala djela majstora kao što su Tizian, D. Velazquez, F. Goya i E. Delacroix; mladi umjetnik se poklonio pred ovim posljednjim. Godine 1857. Manet je posjetio velikog maestra i zatražio dozvolu da napravi nekoliko kopija njegovog “Barque Dante”, koje su do danas sačuvane u Metropoliten muzeju u Lionu.

Druga polovina 1860-ih. umjetnik se posvetio proučavanju muzeja u Španiji, Engleskoj, Italiji i Holandiji, gdje je kopirao slike Rembranta, Tiziana i drugih. Časno priznanje.”

Proučavanje rada starih majstora (uglavnom Mlečana, Španaca 17. st., a kasnije F. Goye) i njegovo promišljanje dovodi do toga da je do 1860-ih. u Manetovoj umjetnosti postoji kontradikcija koja se očituje u nametanju muzejskog otiska na neke njegove ranih slika, među kojima su: „Španski pevač” (1860), delimično „Dečak sa psom” (1860), „Stari svirač” (1862).

Što se heroja tiče, umetnik ih, kao i realiste sredine 19. veka, nalazi u uzavreloj pariskoj gomili, među onima koji šetaju vrtom Tiilerije i redovnim posetiocima kafića. U osnovi je svetao i šareni svijet boemi - pjesnici, glumci, umjetnici, manekenke, učesnici španskih borbi s bikovima: “Muzika u Tuileriju” (1860), “Ulična pjevačica” (1862), “Lola iz Valensije” (1862), “Ručak na travi” (1863). ), „Flautista“ (1866), „Portret E. Zsla“ (1868).

Među ranim slikama posebno mjesto zauzima „Portret roditelja“ (1861), koji predstavlja vrlo tačnu realističnu skicu izgleda i karaktera jednog starijeg para. Estetski značaj slike nije samo u detaljnom prodiranju u duhovni svijet likova, ali i u tome koliko je precizno preneta kombinacija zapažanja i bogatstva likovnog razvoja, što ukazuje na poznavanje umjetničkih tradicija E. Delacroixa.

Drugo platno, koje je programski rad slikara i, mora se reći, vrlo tipično za njegovo rano stvaralaštvo, je “Doručak na travi” (1863). Na ovoj slici Manet je uzeo određenu kompoziciju radnje, potpuno lišenu bilo kakvog značaja.

Slika se može posmatrati kao slika dvoje umjetnika koji doručkuju u krilu prirode, okruženi ženskim modelima (u stvari, umjetnikov brat Eugene Manet, F. Lenkoff, i jedna ženska manekenka, Victorine Meran, čijim je uslugama Manet pribjegavao prilično često pozirala za sliku). Jedan od njih je ušao u potok, a drugi, gol, sjedi u društvu dvojice umjetnički obučenih muškaraca. Kao što je poznato, motiv suprotstavljanja obučenog muškarca i nage žensko tijelo je tradicionalna i seže do Giorgioneove slike „Ruralni koncert“, koja se nalazi u Luvru.

Kompozicijski raspored figura djelomično reproducira čuvenu renesansnu gravuru Markantonija Raimondija sa Rafaelove slike. Ovo platno, takoreći, polemički potvrđuje dvije međusobno povezane pozicije. Jedna je potreba da se prevaziđu klišei salonske umetnosti, koja je izgubila pravu vezu sa velikom umetničkom tradicijom, i da se direktno okrene realizmu renesanse i 17. veka, odnosno istinskom poreklu realističke umetnosti modernog doba. . Druga odredba potvrđuje pravo i dužnost umjetnika da prikaže likove iz svakodnevnog života oko sebe. U to vrijeme takva kombinacija je nosila određenu kontradikciju. Većina je smatrala da se nova faza u razvoju realizma ne može postići popunjavanjem starih kompozicijskih shema novim tipovima i likovima. Ali Edouard Manet je uspio prevazići dualnost principa svog slikarstva rani period kreativnost.

Međutim, unatoč tradicionalnoj prirodi radnje i kompozicije, kao i prisutnosti slika salonskih majstora koje prikazuju gole mitske ljepotice u iskrenim zavodljivim pozama, Manetovo platno izazvalo je veliki skandal među modernom buržoazijom. Javnost je šokirala jukstapoziciju nagog ženskog tijela sa prozaično svakodnevnim, modernim muškim odjećom.

Što se tiče slikovnih normi, “Doručak na travi” napisan je kompromisom tipičnim za 1860-te. na način koji karakteriše sklonost ka tamne boje, crne senke, kao i ne uvek dosledno korišćenje plenerskog osvetljenja i otvorene boje. Ako pogledamo preliminarnu skicu urađenu u akvarelu, onda je na njoj (više nego na samoj slici) uočljivo koliko je veliko interesovanje majstora za nove slikovne probleme.

Slika “Olympia” (1863.), koja prikazuje obris ležeće gole žene, čini se da se odnosi na opšteprihvaćene kompozicione tradicije – slična slika nalazi se kod Giorgionea, Tiziana, Rembrandta i D. Velazqueza. Međutim, u svom stvaralaštvu Manet kreće drugačijim putem, slijedeći F. Goyu (“Nude Macha”) i odbacujući mitološku motivaciju radnje, interpretaciju slike koju su uveli Mlečani, a djelomično sačuvao D. Velazquez („Venera sa ogledalom”).

“Olympia” nije nimalo poetski promišljena slika ženske ljepote, već ekspresivan, majstorski izveden portret, koji precizno i, moglo bi se reći, pomalo hladno prenosi sličnost s Victorine Meran, stalnim Manetovim uzorom. Slikar pouzdano prikazuje prirodno bljedilo tela moderne žene koja se plaši sunčevih zraka. Dok su stari majstori isticali poetsku ljepotu nagog tijela, muzikalnost i skladnost njegovih ritmova, Manet se fokusira na prenošenje motiva vitalnog karaktera, potpuno se udaljavajući od poetske idealizacije svojstvene njegovim prethodnicima. Tako, na primjer, gest lijevom rukom Giorgioneove Venere u "Olympiji" poprima gotovo vulgaran ton u svojoj ravnodušnosti. Izuzetno je karakteristično posmatračevo ravnodušno, ali istovremeno pažljivo hvatanje pogleda gledatelja, u suprotnosti sa samozadubljenošću Giorgioneove Venere i osjetljivom sanjivom Tizianove Venere iz Urbina.

Na ovoj slici postoje znaci prelaska u sljedeću fazu razvoja kreativan način slikar. Dolazi do ponovnog promišljanja uobičajene kompozicione sheme, koja se sastoji od prozaičnog zapažanja i slikovite i umjetničke vizije svijeta. Jukstapozicija trenutno uhvaćenih oštrih kontrasta doprinosi razaranju uravnoteženog kompozicionog sklada starih majstora. Tako se statika modela koji pozira, takoreći, sudara s dinamikom u slikama crne žene i crne mačke koja izvija leđa. Promjene utiču i na slikarske tehnike koje daju novo razumijevanje figurativnih zadataka. umjetnički jezik. Edouard Manet, kao i mnogi drugi impresionisti, posebno Claude Monet i Camille Pissarro, napušta zastarjeli sistem slikarstva koji se razvio u 17. stoljeću. (podslikavanje, copywriting, glaziranje). Od tog vremena, platna su počela da se slikaju tehnikom zvanom „a la prima“, koju karakteriše veća spontanost i emocionalnost, blisko etidama i skicama.

Period tranzicije od ranog ka zrelom stvaralaštvu, koji je zauzeo gotovo cijelu drugu polovinu 1860-ih za Maneta, predstavljen je slikama kao što su "Flautista" (1866), "Balkon" (oko 1868-1869) itd. .

Prva slika, na neutralnoj maslinasto-sivoj pozadini, prikazuje dječaka muzičara koji podiže flautu do usana. Ekspresivnost suptilnog pokreta, ritmički odjek prelivajućih zlatnih dugmadi na plavoj uniformi uz svjetlo i brzo klizanje prstiju po rupama flaute govore o urođenom umijeću i suptilnom zapažanju majstora. Unatoč činjenici da je ovdje slikarski stil prilično gust, boja teška, a umjetnik se još nije okrenuo pleneru, ova slika, u većoj mjeri od svih ostalih, anticipira zrelo razdoblje Manetovog stvaralaštva. Što se tiče "Balkona", on je bliži "Olympiji" nego delima iz 1870-ih.

Godine 1870-1880 Manet postaje vodeći slikar svog vremena. I premda su ga impresionisti smatrali svojim idejnim vođom i inspiratorom, a i sam se uvijek slagao s njima u tumačenju temeljnih pogleda na umjetnost, njegov rad je mnogo širi i ne uklapa se ni u jedan pravac. Manetov takozvani impresionizam je, zapravo, bliži umjetnosti japanskih majstora. On pojednostavljuje motive, dovodeći dekorativno i realno u ravnotežu, stvarajući generaliziranu ideju o onome što je vidio: čist utisak, lišen ometajućih detalja, izraz radosti senzacije (“Na obali mora”, 1873.) .

Osim toga, kao dominantni žanr, nastoji da očuva kompozicionu cjelovitu sliku, gdje se glavno mjesto pridaje slici osobe. Manetova umjetnost je završna faza u razvoju vjekovne tradicije realizma plot picture, čiji je nastanak nastao tokom renesanse.

U kasnijim Manetovim radovima postoji tendencija udaljavanja od detaljnog tumačenja detalja okruženja koje okružuje prikazanog junaka. Tako se na Malarmeovom portretu, punom nervozne dinamike, umjetnik fokusira na naizgled slučajno uočenu gestu pjesnika, koji je u sanjivom raspoloženju spustio ruku s dimljenom cigarom na sto. Unatoč svoj skiciranosti, glavna stvar u Mallarméovom liku i mentalnom sastavu uhvaćena je iznenađujuće precizno, s velikim uvjerenjem. Dubinska karakterizacija unutrašnjeg svijeta pojedinca, karakteristična za portrete J. L. Davida i J. O. D. Ingresa, ovdje je zamijenjena oštrijom i direktnijom karakteristikom. Takav je nježno poetski portret Berthe Morisot s lepezom (1872) i elegantna pastelna slika Georgea Moorea (1879).

Umjetnički rad obuhvata radove vezane za istorijske teme i značajne događaje iz javnog života. Međutim, treba napomenuti da su ove slike manje uspješne, jer su problemi ove vrste bili strani njegovom umjetničkom talentu, rasponu ideja i predstava o životu.

Tako, na primjer, pristup događajima Građanski rat između sjevera i juga u SAD-u rezultiralo je prikazom potonuća korsarskog broda južnjaka od strane sjevernjaka ("Bitka kod Kirsezhe s Alabama", 1864.), a epizoda se u velikoj mjeri može pripisati pejzažu, gdje ratni brodovi služe kao osoblje. “Pogubljenje Maksimilijana” (1867), u suštini, ima karakter žanrovske skice, lišene ne samo interesa za sukob sukobljenih Meksikanaca, već i same dramatike događaja.

Temu moderne istorije Manet se dotakao u danima Pariske komune (“Pogubljenje komunara”, 1871). Simpatičan odnos prema komunarima je zasluga autora slike, koji se nikada ranije nije interesovao za ovakva dešavanja. No, ipak, njena umjetnička vrijednost je niža od ostalih slika, jer se zapravo ovdje ponavlja kompoziciona shema "Pogubljenja Maksimilijana", a autor se ograničava samo na skicu, koja nimalo ne odražava značenje slike. brutalni sudar dva suprotstavljena svijeta.

Nakon toga, Manet se više nije okretao istorijskom žanru, koji mu je bio stran, radije otkrivajući umjetnički i izražajni početak u epizodama, pronalazeći ih u toku. svakodnevni život. Istovremeno je pažljivo birao posebno karakteristične momente, tražio najizrazitiju tačku gledišta, a zatim ih s velikom vještinom reproducirao u svojim slikama.

Šarm većine dela ovog perioda ne duguje se toliko značaju prikazanog događaja, koliko dinamici i duhovitoj opservaciji autora.

Izvanredan primjer plenarne grupne kompozicije je slika „U čamcu“ (1874.), gdje je spoj obrisa krme jedrilice, suzdržane energije kormilarovih pokreta, sanjive gracioznosti sjedeće dame, Prozirnost zraka, osjećaj svježine povjetarca i klizanja čamca stvaraju neopisivu sliku punu lagane radosti i svježine.

Posebnu nišu u Manetovom stvaralaštvu zauzimaju mrtve prirode, karakteristične za različiti periodi njegovu kreativnost. Tako rana mrtva priroda “Božuri” (1864-1865) prikazuje rascvjetale crvene i bijelo-ružičaste pupoljke, kao i cvijeće koje je već procvjetalo i počinje blijediti, spuštajući svoje latice na stolnjak koji prekriva sto. Kasniji radovi odlikuju se opuštenom skiciranjem. U njima slikar pokušava prenijeti blistavost cvijeća, obavijenog atmosferom prožetom svjetlošću. Ovo je slika “Ruže u kristalnoj čaši” (1882-1883).

Na kraju svog života, Manet je, očigledno, doživio nezadovoljstvo postignutim i pokušao se vratiti pisanju velikih, cjelovitih radnji na drugom nivou vještine. U to vrijeme počinje raditi na jednoj od najznačajnijih slika - "Bar kod Folies Bergere" (1881-1882), u kojoj se približava novom nivou, novoj etapi u razvoju svoje umjetnosti, prekinutoj smrću. (kao što je poznato, u dok je radio, Manet je bio teško bolestan). U središtu kompozicije je lik mlade prodavačice, okrenute prema gledaocu. Pomalo umorna, atraktivna plavuša, obučena u tamnu haljinu sa dubokim strukom, stoji na pozadini ogromnog ogledala koje zauzima cijeli zid, koje odražava sjaj treperave svjetlosti i nejasne, mutne obrise javnosti koja sjedi u kafiću stolovi. Žena je okrenuta licem prema dvorani, u kojoj se čini da se nalazi i sam gledalac. Ova neobična tehnika tradicionalnoj slici na prvi pogled daje određenu nestabilnost, sugerirajući poređenje stvarnog i reflektovanog svijeta. Istovremeno se ispostavlja da je središnja os slike pomaknuta u desni ugao, u čemu je, prema karakteristikama 1870-ih. Prijem, okvir slike malo blokira lik muškarca u cilindru, koji se ogleda u ogledalu, razgovara sa mladom prodavačicom.

Tako se u ovom radu kombinuje klasični princip simetrije i stabilnosti dinamički pomak na stranu, kao i sa fragmentacijom, kada se iz jednog jedinog toka života otme određeni trenutak (fragment).

Bilo bi pogrešno misliti da je radnja “Bar kod Folies Bergerea” lišena značajnog sadržaja i da predstavlja svojevrsnu monumentalizaciju nebitnog. Lik mlade žene, ali već iznutra umorne i ravnodušne prema okolnom maskenbalu, njen lutajući pogled okrenut nigdje, otuđenje od iluzornog sjaja života iza sebe, unosi značajnu semantičku nijansu u djelo, zadivljujući gledatelja svojom neočekivanošću. .

Gledalac se divi jedinstvenoj svježini dvije ruže koje stoje na šanku u kristalnoj čaši sa svjetlucavim rubovima; i odmah nastaje poređenje ovog raskošnog cveća sa poluuvelom ružom u zagušljivosti hodnika, prikovanom za izrez haljine prodavačice. Gledajući sliku, možete uočiti jedinstven kontrast između svježine njenih poluotvorenih grudi i njenog ravnodušnog pogleda koji luta po gomili. Ovaj rad se u umjetnikovom stvaralaštvu smatra programskim, jer predstavlja elemente svih njegovih omiljenih tema i žanrova: portret, mrtva priroda, razni svjetlosni efekti, kretanje gomile.

Općenito, naslijeđe koje je ostavio Manet predstavljeno je sa dva aspekta, posebno vidljivim u njegovom posljednjem radu. Prvo, svojim radom zaokružuje i iscrpljuje razvoj klasične realističke tradicije francuskog jezika umjetnost 19. vijeka vijeka, a drugo, u umjetnosti polaže prve izdanke onih trendova koje će u 20. vijeku pokupiti i razviti tragači za novim realizmom.

Slikar je dobio puno i službeno priznanje u posljednjim godinama života, naime 1882. godine, kada mu je dodijeljen Orden Legije časti (glavna nagrada Francuske). Manet je umro 1883. u Parizu.

Claude Monet

Klod Mone, francuski umetnik, jedan od osnivača impresionizma, rođen je 1840. godine u Parizu.

Kao sin skromnog trgovca mješovitom robom koji se iz Pariza preselio u Rouen, mladi Monet je na početku svoje stvaralačke karijere crtao smiješne karikature, a potom učio kod ruanskog pejzažista Eugenea Boudina, jednog od tvoraca plenerističkog realističkog pejzaža. Boudin je budućeg slikara ne samo uvjerio u potrebu rada na otvorenom, već mu je uspio usaditi ljubav prema prirodi, pažljivo promatranje i istinito prenošenje onoga što je vidio.

Godine 1859. Monet odlazi u Pariz s ciljem da postane pravi umjetnik. Roditelji su sanjali da on uđe u Školu likovnih umjetnosti, ali mladić ne opravdava njihove nade i strmoglavo uranja u boemski život, sklapajući brojna poznanstva u umjetničkoj zajednici. Potpuno lišen finansijske podrške svojih roditelja, a samim tim i bez sredstava za život, Monet je bio primoran da se pridruži vojsci. Međutim, čak i nakon povratka iz Alžira, gdje je morao da odsluži tešku službu, nastavlja da vodi prethodni način života. Nešto kasnije upoznaje I. Ionkinda, koji ga je fascinirao radom na skicama u punoj veličini. A onda posjećuje Suisseov atelje, studira neko vrijeme u ateljeu tada poznatog akademskog slikara M. Gleyrea, a takođe se zbližava sa grupom mladih umjetnika (J. F. Bazille, C. Pissarro, E. Degas, P. Cezanne, O. Renoir, A. Sisley, itd.), koji su, kao i sam Monet, tražili nove puteve razvoja u umjetnosti.

Najveći uticaj na ambicioznog slikara nije imala škola M. Gleyrea, već prijateljstvo sa istomišljenicima, vatrenim kritičarima salonskog akademizma. Upravo zahvaljujući tom prijateljstvu, međusobnoj podršci, mogućnosti za razmjenu iskustava i razmjenu dostignuća nastao je novi slikarski sistem, koji je kasnije dobio naziv „impresionizam“.

Osnova reforme je bila da se rad odvija na otvorenom, na otvorenom. Istovremeno, umjetnici su slikali na otvorenom ne samo skice, već i cijelu sliku. Neposredno u kontaktu s prirodom, sve više su se uvjeravali da se boja predmeta stalno mijenja ovisno o promjenama u osvjetljenju, stanju atmosfere, blizine drugih objekata koji puštaju reflekse boja i mnogih drugih faktora. Upravo su te promjene nastojali prenijeti kroz svoja djela.

Godine 1865. Monet je odlučio da naslika veliko platno "u duhu Maneta, ali na otvorenom". Bio je to “Ručak na travi” (1866) – njegovo prvo najznačajnije djelo, koje prikazuje elegantno odjevene Parižane koji su izašli iz grada i sjedili u hladu drveta oko stolnjaka položenog na zemlju. Djelo karakterizira tradicionalna priroda njegove zatvorene i uravnotežene kompozicije. Međutim, pažnja umjetnika nije usmjerena toliko na sposobnost da prikaže ljudske likove ili stvori ekspresivnu radnu kompoziciju, već da uklopi ljudske figure u okolni pejzaž i prenose atmosferu lagodnosti i opuštenosti koja vlada među njima. Da bi stvorio ovaj efekat, umjetnik veliku pažnju posvećuje prenosu sunčeve svjetlosti koja se probija kroz lišće, igrajući se na stolnjaku i haljini mlade dame koja sjedi u sredini. Monet precizno hvata i prenosi igru ​​refleksa boja na stolnjaku i prozirnost lagane ženske haljine. Ovim otkrićima stari sistem slikarstva počinje da se ruši, stavljajući naglasak na tamne senke i gusto materijalni način izvođenja.

Od tog vremena, Monetov pristup svijetu postao je pejzaž. Ljudski karakter i odnosi među ljudima ga sve manje zanimaju. Događaji 1870-1871 prisilio Moneta da emigrira u London, odakle putuje u Holandiju. Po povratku je naslikao nekoliko slika koje su postale programske u njegovom radu. To uključuje „Impression. Izlazak sunca (1872), Jorgovani na suncu (1873), Boulevard des Capucines (1873), Polje maka u Argenteuil-u (1873) itd.

Godine 1874. neki od njih bili su izloženi na čuvenoj izložbi koju je organizovalo Anonimno društvo slikara, umetnika i gravera, na čijem je čelu bio sam Monet. Nakon izložbe, Monet i grupa istomišljenika počeli su se nazivati ​​impresionistima (od francuskog impression - utisak). Do tog vremena, Moneovi umjetnički principi, karakteristični za prvu fazu njegovog rada, konačno su se formirali u određeni sistem.

U plenerskom pejzažu “Jorgovani na suncu” (1873), koji prikazuje dvije žene koje sjede u hladu velikog grmlja rascvjetalog jorgovana, njihove su figure tretirane na isti način i s istim intenzitetom kao i samo grmlje i trava na koje sjede. Likovi ljudi samo su dio cjelokupnog pejzaža, dok je osjećaj meke topline ranog ljeta, svježine mladog lišća, izmaglice sunčan dan preneseno sa izuzetnom živošću i neposrednom uvjerljivošću, netipičnom za to vrijeme.

Druga slika - "Boulevard des Capucines" - odražava sve glavne kontradikcije, prednosti i nedostatke impresionističke metode. Ovdje je vrlo precizno prenet trenutak otet iz toka života. veliki grad: osećaj tupe monotone buke uličnog saobraćaja, vlažna prozirnost vazduha, zraci februarskog sunca koji klize po golim granama drveća, film sivkastih oblaka koji prekrivaju plavo nebo... Slika predstavlja prolazno , ali ipak budno i zapaženo oko umjetnika, a pritom i osjećajan umjetnik, koji se odaziva na sve životne pojave. Činjenica da je pogled zaista bačen slučajno je naglašena promišljenom kompozicijom
tehnika: okvir slike desno kao da odsijeca figure muškaraca koji stoje na balkonu.

Slike ovog perioda daju gledaocu osećaj da on sam jeste glumac ovo slavlje života, ispunjeno suncem i neprestanim galamom elegantne gomile.

Nakon što se smjestio u Argenteuil, Monet je sa velikim zanimanjem slikao Senu, mostove, lake jedrenjake kako klize po površini vode...

Pejzaž ga toliko osvaja da, podlegavši ​​neodoljivoj privlačnosti, sagradi sebi mali čamac i u njemu stiže do rodnog Rouena, i tamo, zadivljen slikom koju je video, svoja osećanja prska u skicama koje prikazuju predgrađe. grada i velikih mora koje ulaze u ušće riječnih brodova (“Argenteuil”, 1872; “Jedrenjak u Argenteuil”, 1873-1874).

1877. obilježeno je stvaranjem niza slika koje prikazuju stanicu Saint-Lazare. Oni su zacrtali novu fazu u Moneovom radu.

Od tada, skice, koje se odlikuju svojom cjelovitošću, ustupaju mjesto radovima u kojima je glavni bio analitički pristup prikazanom (“Gare Saint-Lazare”, 1877). Promjena njegovog slikarskog stila povezana je s promjenama u ličnom životu umjetnika: njegova supruga Camilla se teško razbolijeva, a obitelj je opterećena siromaštvom uzrokovanim rođenjem njihovog drugog djeteta.

Nakon smrti njegove supruge, Alice Goshede, čija je porodica iznajmila istu kuću u Veteilu kao i Monet, preuzela je brigu o djeci. Ova žena je kasnije postala njegova druga žena. Nakon nekog vremena, Moneova finansijska situacija se toliko popravila da je mogao kupiti vlastitu kuću u Givernyju, gdje je radio ostatak vremena.

Slikar ima istančan osjećaj za nove trendove, što mu omogućava da sa nevjerovatnim uvidom predvidi mnoge stvari.
od onoga što bi postigli umjetnici s kraja XIX - početka XX vijeka. To mijenja odnos prema boji i subjektima
slike Sada je njegova pažnja koncentrirana na ekspresivnost sheme boja poteza odvojeno od njegove predmetne korelacije, povećavajući dekorativnost. Konačno, on stvara panelne slike. Jednostavni predmeti 1860-1870. ustupaju mjesto složenim motivima bogatim raznim asocijativnim vezama: epske slike stijena, elegični redovi topola („Stjene na otoku Belle-Isle“, 1866; „Topole“, 1891).

Ovaj period obilježavaju brojni serijski radovi: kompozicije „Stog sijena“ („Stog sijena. Tmuran dan“, 1891; „Stogovi. Kraj dana. Jesen“, 1891), slike ruanske katedrale („Katedrala u Ruanu“ u podne”, 1894, itd.), pogledi na London („Magla u Londonu”, 1903, itd.). I dalje radeći na impresionistički način i koristeći raznolik tonalitet svoje palete, majstor postavlja za cilj da sa najvećom tačnošću i pouzdanošću prenese kako se osvjetljenje istih objekata može mijenjati u različitim vremenskim uslovima tokom dana.

Ako pažljivije pogledate seriju slika o katedrali u Rouenu, postaje jasno da katedrala ovdje nije utjelovljenje složeni svijet razmišljanja, iskustva i ideala ljudi srednjovjekovne Francuske i čak ne spomenik umjetnosti i arhitekture, već određena pozadina, polazeći od koje autor prenosi stanje života svjetlosti i atmosfere. Gledalac oseća svežinu jutarnjeg povetarca, podnevnu žegu, meke senke večeri koja se približava, koji su pravi junaci ove serije.

Međutim, pored toga, ovakve slike su neobične dekorativne kompozicije, koje, zahvaljujući nevoljnim asocijativnim vezama, daju kod gledatelja dojam dinamike vremena i prostora.

Nakon što se sa porodicom preselio u Giverny, Monet je mnogo vremena provodio u bašti, baveći se njenom slikovitom organizacijom. Ova aktivnost je toliko utjecala na umjetnikove stavove da je umjesto svakodnevnog svijeta u kojem žive ljudi, on na svojim platnima počeo prikazivati ​​tajanstveni dekorativni svijet vode i biljaka („Irises at Giverny“, 1923; „Waeping Willows“, 1923). Otuda pogledi na bare u kojima plutaju lokvanji, prikazani u najpoznatijoj seriji njegovih kasnih panoa („Bijeli lokvanj. Harmonija plavetnila“, 1918-1921).

Giverny je postao umjetnikovo posljednje utočište, gdje je umro 1926.

Treba napomenuti da se impresionistički stil pisanja uvelike razlikovao od akademskog stila. Impresioniste, posebno Monea i njegove saradnike, zanimala je ekspresivnost kolorističke sheme poteza kistom odvojeno od njegove predmetne korelacije. Odnosno, slikali su odvojenim potezima, koristeći samo čiste boje koje nisu pomiješane na paleti, dok je željeni ton već formiran u percepciji gledatelja. Dakle, za lišće drveća i trave, uz zelenu, korištena je plava i žuta, dajući željenu nijansu zelene na daljinu. Ova metoda dala je djelima majstora impresionista posebnu čistoću i svježinu svojstvenu samo njima. Zasebno postavljeni potezi stvarali su dojam reljefne i naizgled vibrirajuće površine.

Pierre Auguste Renoir

Pjer Ogist Renoar, francuski slikar, grafičar i vajar, jedan od vođa grupe impresionista, rođen je 25. februara 1841. u Limožu, u siromašnoj porodici provincijskog krojača, koji se 1845. preselio u Pariz. Talenat mladog Renoira roditelji su uočili prilično rano, te su ga 1854. godine dodijelili u radionicu za slikanje porculana. Posjećujući radionicu, Renoir je istovremeno studirao u školi crtanja i primijenjenih umjetnosti, a 1862. godine, uštedivši novac (zarađujući novac slikanjem grbova, zavjesa i lepeza), mladi umjetnik ulazi u Školu likovnih umjetnosti. Nešto kasnije počeo je posjećivati ​​radionicu C. Gleyrea, gdje je postao blizak prijatelj sa A. Sisleyjem, F. Basilom i C. Moneom. Često je posjećivao Louvre, proučavajući radove majstora kao što su A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard.

Komunikacija s grupom impresionista navodi Renoira da razvije vlastiti stil vizije. Na primjer, za razliku od njih, on se kroz cijeli svoj rad okrenuo slici osobe kao glavnom motivu svojih slika. Osim toga, njegov rad, iako je bio plener, nikada se nije raspao
plastična težina materijalnog svijeta u svjetlucavom okruženju svjetlosti.

Slikareva upotreba chiaroscura, dajući slici gotovo skulpturalni oblik, čini je ranih radova slično djelima nekih realističkih umjetnika, posebno G. Courbeta. Međutim, svjetlija i svjetlija shema boja, jedinstvena za Renoira, razlikuje ovog majstora od njegovih prethodnika („Taverna majke Anthony“, 1866.). Pokušaj da se prenese prirodna plastičnost kretanja ljudskih figura na otvorenom uočljiv je u mnogim umjetnikovim radovima. U „Portretu Alfreda Sislija sa ženom“ (1868.) Renoar pokušava da pokaže osećaj koji vezuje bračni par koji hoda ruku pod ruku: Sisli je zastao na trenutak i nežno se nagnuo ka svojoj ženi. Na ovoj slici, kompozicijom koja podsjeća na fotografski okvir, motiv kretanja je još uvijek nasumičan i praktično nesvjestan. Međutim, u poređenju sa Tavernom, figure u Portretu Alfreda Sislija i njegove žene deluju opuštenije i živahnije. Još jedna važna stvar je značajna: supružnici su prikazani u prirodi (u vrtu), ali Renoir još nema iskustva u prikazivanju ljudskih figura na otvorenom.

„Portret Alfreda Sislija sa suprugom“ je umetnikov prvi korak na putu ka novoj umetnosti. Sljedeća faza u umjetnikovom stvaralaštvu bila je slika „Kupanje na Seni“ (oko 1869.), gdje su figure ljudi koji šetaju obalom, kupača, kao i čamaca i gomile drveća spojeni u jedinstvenu cjelinu. lagana atmosfera lijepog ljetnog dana. Slikar već slobodno koristi senke u boji i reflekse svetlih boja. Njegov udar postaje živ i energičan.

Poput C. Monea, Renoir se zanima za problem uključivanja ljudske figure u svijet okoliša. Umjetnik rješava ovaj problem na slici “Ljuljaška” (1876), ali na nešto drugačiji način od C. Monea, kod kojeg se figure ljudi kao da se rastvaraju u pejzažu. Renoir uvodi nekoliko ključnih figura u svoju kompoziciju. Slikovit način izrade ovog platna vrlo prirodno prenosi atmosferu vrelog ljetnog dana, ublaženu sjenom. Slika je prožeta osećajem sreće i radosti.

Sredinom 1870-ih. Renoir je naslikao djela poput sunčanog pejzaža „Staza u livadama“ (1875), ispunjenog laganim živahnim pokretom i neuhvatljivom igrom sjajnih svjetla, „Moulin de la Galette“ (1876), kao i „Kišobrani“ ( 1883), “Loža” (1874) i Kraj doručka (1879). Ove prekrasne slike nastale su uprkos činjenici da je umjetnik morao raditi u teškom okruženju, jer je nakon skandalozne izložbe impresionista (1874.), Renoirov rad (kao i rad njegovih istomišljenika) bio podvrgnut oštrim napadi takozvanih poznavalaca umjetnosti. Međutim, ovo teško vreme Renoir je osjetio podršku dvoje bliskih mu ljudi: brata Edmonda (izdavač časopisa La Vie Moderne) i Georgesa Charpentiera (vlasnika nedjeljnika). Pomogli su umjetniku da dobije malu količinu novca i iznajmi studio.

Treba napomenuti da je u kompozicionom smislu pejzaž “Put in the Meadows” vrlo blizak “Maquesu” (1873) C. Moneta, međutim, slikovna tekstura Renoirovih platna odlikuje se većom gustoćom i materijalnošću. Druga razlika u pogledu kompozicije je nebo. Od Renoira, za koga bitan Upravo je to bila materijalnost prirodnog svijeta, nebo zauzima samo mali dio slike, dok se kod Moneta, koji je prikazao nebo sa sivo-srebrnim ili snježno bijelim oblacima koji prolaze preko njega, ono uzdiže iznad padine prošarane rascvjetanim maka, pojačavajući osjećaj prozračnog ljetnog dana ispunjenog suncem.

U kompozicijama „Moulin de la Galette” (s kojima je umetniku došao pravi uspeh), „Kišobrani”, „Loža” i „Kraj doručka” jasno je izraženo interesovanje za naizgled slučajno uočenu životnu situaciju (kao kod Maneta i Degas); Karakteristično je i okretanje tehnici presecanja kompozicionog prostora okvirom, što je karakteristično i za E. Degasa i dijelom E. Maneta. Ali, za razliku od potonjih djela, Renoirove slike odlikuju se većom smirenošću i kontemplacijom.

Platno “Loža”, u kojem, kao da kroz dvogled gleda nizove stolica, autor nehotice nailazi na kutiju u kojoj sjedi ljepotica ravnodušnog pogleda. Njen saputnik, naprotiv, gleda publiku sa velikim interesovanjem. Dio njegove figure je odsječen okvirom za sliku.

Radovi "Kraj doručka" predstavljaju običnu epizodu: dvije dame obučene u bijelo i crno, kao i njihov gospodin, završavaju doručak u sjenovitom kutku vrta. Stol je već postavljen za kafu, koja se servira u šoljicama od finog blijedoplavog porcelana. Žene čekaju nastavak priče, koju je muškarac prekinuo kako bi zapalio cigaretu. Ova slika nije dramatična ili duboko psihološka, ​​ona privlači pažnju gledaoca svojim suptilnim prikazom najsitnijih nijansi raspoloženja.

Sličan osjećaj mirne vedrine prožima i “Veslački doručak” (1881), pun svjetla i živahnog pokreta. Figura lijepe mlade dame koja sjedi sa psom u naručju odiše entuzijazmom i šarmom. Umjetnik je na slici prikazao svoju buduću suprugu. Istim radosnim raspoloženjem ispunjeno je i platno „Akt“ (1876.), samo u nešto drugačijem prelamanju. Svježina i toplina tijela mlade žene u kontrastu je sa plavičasto-hladnom tkaninom čaršava i platna, koji čine svojevrsnu pozadinu.

Karakteristična karakteristika Renoirovog stvaralaštva je da je čovjek lišen kompleksne psihološke i moralne punoće koja je karakteristična za slikarstvo gotovo svih umjetnika realista. Ova osobina je svojstvena ne samo djelima poput „Akt“ (gdje priroda motiva radnje dozvoljava odsustvo takvih kvaliteta), već i Renoirovim portretima. Međutim, to ne lišava njegovu sliku šarma sadržanog u vedrini likova.

Ovi kvaliteti se u najvećoj meri osećaju u Renoirovom čuvenom portretu „Devojka sa lepezom” (oko 1881). Platno je veza koja povezuje rani rad Renoir s kasnijim, koji karakterizira hladnija i profinjenija shema boja. U tom periodu umjetnik, u većoj mjeri nego ranije, razvija interesovanje za jasne linije, jasan crtež, a takođe i za lokalitet boje. Umjetnik veliku ulogu pridaje ritmičkim ponavljanjima (polukrug lepeze - polukružni naslon crvene stolice - nagnuta djevojačka ramena).

Međutim, svi ti trendovi u Renoirovom slikarstvu najpotpunije su se manifestirali u drugoj polovini 1880-ih, kada je došlo do razočaranja u njegov rad i impresionizam općenito. Pošto je uništio neke od svojih radova, koje je umjetnik smatrao "osušenim", počinje proučavati rad N. Poussin-a i okreće se crtežu J. O. D. Ingresa. Kao rezultat toga, njegova paleta dobiva poseban sjaj. Počinje tzv „biserno razdoblje“, poznato nam iz djela kao što su „Djevojke za klavirom“ (1892.), „Padajući kupač“ (1897.), kao i portreti sinova - Pjera, Žana i Kloda - „Gabrijel i Žan“ (1895. ), „Koko“ (1901).

Osim toga, od 1884. do 1887. Renoir je radio na stvaranju serije verzija velike slike "Kupači". U njima uspijeva postići jasnu kompozicionu zaokruženost. Međutim, svi pokušaji oživljavanja i preispitivanja tradicije velikih prethodnika, uz okretanje zapletu koji je daleko od velikih problema našeg vremena, završili su neuspjehom. “Kupači” su umjetnika samo udaljili od direktne i svježe percepcije života koja mu je ranije bila karakteristična. Sve ovo umnogome objašnjava činjenicu da je od 1890-ih. Renoirova kreativnost slabi: narandžasto-crveni tonovi počinju da prevladavaju u boji njegovih radova, a pozadina, lišena prozračne dubine, postaje dekorativna i ravna.

Od 1903. godine Renoir se naselio vlastiti dom u Cagnes-sur-Mer, gdje nastavlja da radi na pejzažima, kompozicijama sa ljudskim figurama i mrtvim prirodama, u kojima uglavnom prevladavaju već pomenuti crvenkasti tonovi. Budući da je teško bolestan, umjetnik više ne može sam da drži ruke i one su mu vezane za ruke. Međutim, nakon nekog vremena moram potpuno odustati od slikanja. Tada se majstor okreće skulpturi. Zajedno sa svojim pomoćnikom Guinom stvara nekoliko upečatljivih skulptura, koje se odlikuju ljepotom i harmonijom silueta, veseljem i životno-potvrđujućom snagom ("Venera", 1913; "Velika pralja", 1917; "Majčinstvo", 1916). Renoir je umro 1919. na svom imanju smještenom u Alpes-Maritimes.

Edgar Degas

Edgar Hilaire Germain Degas, francuski slikar, grafičar i vajar, najveći predstavnik impresionizma, rođen je 1834. godine u Parizu u porodici bogatog bankara. Pošto je dobrostojeći, stekao je odlično obrazovanje u prestižnom Liceju nazvanom po Luju Velikom (1845-1852). Neko vreme je bio student Pravnog fakulteta Univerziteta u Parizu (1853), ali je, osetivši žudnju za umetnošću, napustio univerzitet i počeo da pohađa atelje umetnika L. Lamothea (studenta i sledbenika). Ingresa) i u isto vrijeme (od 1855.) Škola
likovne umjetnosti Međutim, 1856. godine, neočekivano za sve, Degas je napustio Pariz i otišao u Italiju na dvije godine, gdje je s velikim zanimanjem studirao i, poput mnogih slikara, kopirao djela velikih majstora renesanse. Najveću pažnju posvetio je radovima A. Mantegne i P. Veronesea, čije je nadahnuto i živopisno slikarstvo mladi umjetnik veoma cijenio.

Degasova rana dela (uglavnom portreti) odlikuju se jasnim i preciznim crtežom i suptilnim zapažanjem, u kombinaciji sa izuzetno suzdržanim načinom slikanja (skice njegovog brata, 1856-1857; crtež glave barunice Beleli, 1859) ili sa zapanjujućom istinitošću pogubljenja (portret italijanske prosjakinje, 1857).

Vrativši se u domovinu, Degas se okrenuo istorijskoj temi, ali joj je dao tumačenje koje je bilo neuobičajeno za to vrijeme. Tako, u kompoziciji „Spartanske devojke izazivaju mladiće na takmičenje“ (1860), majstor, ignorišući konvencionalnu idealizaciju antičkog zapleta, nastoji da ga otelotvori onako kako je to moglo biti u stvarnosti. Antika ovdje, kao i na drugim njegovim slikama istorijska tema, kao da je prošao kroz prizmu modernosti: slike djevojčica i dječaka Drevne Sparte uglastih oblika, tankih tijela i oštrih pokreta, prikazane na pozadini svakodnevnog prozaičnog pejzaža, daleko su od klasičnih ideja i više podsjećaju na obične tinejdžere u pariskim predgrađima nego idealizovanih Spartanaca.

Kroz 1860-ih godina postepeno se formirala kreativna metoda slikara početnika. U ovoj deceniji, zajedno sa manje značajnim istorijske slike(„Semiramida posmatra gradnju Babilona“, 1861.), umjetnik je stvorio nekoliko portretnih djela u kojima su izbrusili svoju moć zapažanja i realističku vještinu. U tom smislu, najindikativnija slika je „Glava mlade žene“, autora
1867. godine

Godine 1861. Degas upoznaje E. Maneta i ubrzo postaje redovan u kafani Guerbois, gdje su se okupljali mladi inovatori tog vremena: C. Monet, O. Renoir, A. Sisley itd. Ali ako ih prvenstveno zanimaju pejzaž i plein zračni rad, zatim se Degas više fokusira na temu grada i pariskih tipova. Privlači ga sve što je u pokretu; statičnost ga ostavlja ravnodušnim.

Degas je bio veoma pažljiv posmatrač, suptilno hvatajući sve karakteristično ekspresivno u beskrajnoj promeni životnih pojava. Tako, prenoseći ludi ritam velikog grada, dolazi do stvaranja jedne od varijanti svakodnevnog žanra, posvećene kapitalističkom gradu.

U stvaralaštvu ovog perioda posebno se ističu portreti, među kojima je mnogo onih koji se smatraju biserima svjetskog slikarstva. Među njima su portret porodice Beleli (oko 1860-1862), portret žene (1867) i portret umetnikovog oca koji sluša gitaristu Pagana (oko 1872).

Neke slike iz 1870-ih odlikuju se fotografskom nepristrasnošću u prikazu likova. Primjer je slika pod nazivom „Lekcija plesa“ (oko 1874.), izvedena u hladnoj plavičastoj shemi boja. Sa neverovatnom preciznošću, autor beleži pokrete balerina koje uče od starog plesnog majstora. Međutim, postoje slike drugačije prirode, kao što je, na primjer, portret vikonta Lepića sa svojim kćerima na Place de la Concorde, koji datira iz 1873. godine. izražena dinamika kompozicije i izuzetna oštrina prenosa Lepićevog lika; jednom riječju, to se događa zahvaljujući umjetnički oštrom i oštrom razotkrivanju karakteristično izražajnog početka života.

Treba napomenuti da djela ovog perioda odražavaju umjetnikov pogled na događaj koji prikazuje. Njegove slike uništavaju uobičajene akademske kanone. Degasovo platno "Muzičari orkestra" (1872) zasnovano je na oštrom kontrastu, koji nastaje kao rezultat suprotstavljanja glava muzičara (napisano izbliza) i mala figurica plesačice koja se klanja publici. Interes za ekspresivni pokret i njegovo precizno kopiranje na platnu uočen je i u brojnim skicama figurica plesača (ne smije se zaboraviti da je Degas bio i kipar), koje je majstor stvorio kako bi što preciznije uhvatio suštinu pokreta i njegovu logiku. što je moguće.

Umjetnika je zanimao profesionalni karakter pokreta, poza i gesta, lišen svake poetizacije. To je posebno uočljivo u radovima posvećenim konjskim trkama (“Mladi džokej”, 1866-1868; “Trke konja u provinciji. Posada na trkama”, oko 1872; “Džokeji pred tribinama”, oko 1879, itd.). U "Jahanju trkaćih konja" (1870-e) analiza profesionalne strane stvari data je gotovo novinarskom preciznošću. Ako se ovo platno uporedi sa slikom T. Gericaulta “The Races at Epsom”, odmah postaje jasno da je, zbog svoje očigledne analitičnosti, Degasov rad mnogo inferiorniji od emocionalne kompozicije T. Gericaulta. Isti kvaliteti su svojstveni i Degasovom pastelu „Balerina na sceni“ (1876-1878), koji nije jedno od njegovih remek-dela.

No, uprkos ovoj jednostranosti, a možda čak i zahvaljujući njoj, Degasova umjetnost odlikuje se uvjerljivošću i sadržajem. On u svojim programskim radovima vrlo precizno i ​​s velikom vještinom otkriva svu dubinu i složenost unutrašnjeg stanja prikazane osobe, kao i atmosferu otuđenosti i usamljenosti u kojoj živi savremeno društvo, uključujući i samog autora.

Ovi osjećaji su prvi put zabilježeni na malom platnu „Plesačica ispred fotografa” (1870-ih), na kojem je umjetnik naslikao usamljenu figuru plesačice zaleđene u sumornom i sumornom okruženju u uvježbanoj pozi pred glomaznom fotografskom kamerom. . Nakon toga, osjećaj gorčine i usamljenosti prodire u slike kao što su "Absint" (1876), "Cafe Singer" (1878), "Peglači platna" (1884) i mnoge druge U "Absintu", u slabom svjetlu Ugao skoro puste kafane Degas je pokazao dve usamljene figure muškarca i žene, ravnodušne jedno prema drugom i prema celom svetu. Mutno zelenkasto svjetlucanje čaše napunjene apsintom naglašava tugu i beznađe vidljive u ženinom pogledu i držanju. Blijedo bradati muškarac natečenog lica je tmuran i zamišljen.

Degasovo delo karakteriše istinsko interesovanje za karaktere ljudi, za jedinstvene osobine njihovog ponašanja, kao i uspešno izgrađena dinamična kompozicija koja je zamenila tradicionalnu. Njegov glavni princip je pronaći najizrazitije uglove u samoj stvarnosti. To razlikuje Degasovo djelo od umjetnosti drugih impresionista (posebno C. Moneta, A. Sisleya i, dijelom, O. Renoira) svojim kontemplativnim pristupom okolnom svijetu. Umjetnik je ovaj princip koristio već u svom ranom djelu “Pamučna prijemna kancelarija u New Orleansu” (1873), koje je izazvalo divljenje E. Goncourta zbog svoje iskrenosti i realizma. Riječ je o njegovim kasnijim djelima “Gospođica Lala u Fernandovom cirkusu” (1879) i “Plesači u foajeu” (1879), gdje je u okviru istog motiva data suptilna analiza promjene različitih pokreta.

Ponekad neki istraživači koriste ovu tehniku ​​da ukažu na bliskost Degasa i A. Watteaua. Iako su oba umjetnika po nečemu zaista slična (A. Watteau se također fokusira na različite nijanse istog pokreta), međutim, dovoljno je uporediti crtež A. Watteaua sa slikom pokreta violiniste iz spomenute Degasove kompozicije, i odmah se osjeti kontrast njihovih umjetničkih tehnika.

Ako A. Watteau pokušava prenijeti suptilne prijelaze jednog pokreta u drugi, da tako kažem, polutonove, onda je za Degasa, naprotiv, karakteristična energična i kontrastna promjena motiva pokreta. Više teži njihovom poređenju i oštrom sudaru, često čineći figuru ugaonom. Na ovaj način umjetnik pokušava uhvatiti dinamiku razvoja savremenog života.

Krajem 1880-ih - početkom 1890-ih. u Degasovom djelu dominiraju dekorativni motivi, što je vjerovatno posljedica nekog otupljenja budnosti njegove umjetničke percepcije. Ako je na slikama ranih 1880-ih, posvećenim aktu (Žena izlazi iz kupatila, 1883.), veći interes za živopisnu ekspresivnost pokreta, onda se krajem decenije interesovanje umetnika primetno pomera ka prikazivanju. ženska lepota. To je posebno uočljivo na slici „Kupanje“ (1886.), gdje slikar s velikom vještinom prenosi čar gipkog i gracioznog tijela mlade žene koja se savija nad karlicom.

Umjetnici su ranije slikali slične slike, ali Degas ide malo drugačijim putem. Ako su junakinje drugih majstora uvijek osjećale prisustvo gledatelja, ovdje slikar prikazuje ženu kao da joj uopće nije stalo do toga kako izgleda izvana. I iako takve situacije izgledaju lijepo i potpuno prirodno, slike u takvim djelima često se približavaju grotesknom. Uostalom, bilo kakve poze i geste, čak i one najintimnije, ovdje su sasvim prikladne, u potpunosti su opravdane funkcionalnom nužnošću: pri pranju dohvatite pravo mjesto, otkopčajte kopču na leđima, okliznite se i uhvatite se za nešto.

Posljednjih godina svog života Degas se više bavio skulpturom nego slikarstvom. To je dijelom zbog bolesti oka i zamagljenog vida. Stvara iste slike koje su prisutne na njegovim slikama: vaja figurice balerina, plesača i konja. Istovremeno, umjetnik pokušava što preciznije prenijeti dinamiku pokreta. Degas ne napušta slikarstvo, koje, iako bledi u pozadini, ne nestaje u potpunosti iz njegovog stvaralaštva.

Zbog formalno ekspresivne, ritmičke građenja kompozicija, žudnje za dekorativno-planarnom interpretacijom slika, Degasove slike, izvedene krajem 1880-ih i tokom 1890-ih. ispadaju lišene realistične uvjerljivosti i postaju poput ukrasnih panoa.

Degas je ostatak života proveo u rodnom Parizu, gde je i umro 1917.

Camille Pissarro

Camille Pissarro, francuski slikar i grafičar, rođen je 1830. godine na ostrvu. Sveti Toma (Antili) u porodici trgovca. Obrazovanje je stekao u Parizu, gdje je studirao od 1842. do 1847. Nakon završetka studija, Pissarro se vratio u St. Thomas i počeo pomagati ocu u trgovini. Međutim, to uopće nije bilo ono o čemu je mladić sanjao. Njegov interes ležao je daleko iza tezge. Najvažnije mu je bilo slikanje, ali njegov otac nije podržavao sinovljev interes i bio je protiv njegovog odlaska porodicni posao. Potpuno nerazumijevanje i nespremnost porodice na saradnju doveli su do toga da potpuno očajni mladić pobjegne u Venecuelu (1853). Ovaj čin je ipak uticao na nepokolebljive roditelje, pa je dozvolio svom sinu da ode u Pariz da studira slikarstvo.

U Parizu, Pissarro je ušao u studiju Suisse, gdje je studirao šest godina (od 1855. do 1861.). Na Svjetskoj izložbi slikarstva 1855. budući umjetnik je otkrio J. O. D. Ingresa, G. Courbeta, ali su na njega najveći utisak ostavila djela C. Corota. Po savjetu potonjeg, dok je nastavio posjećivati ​​Suisseov atelje, mladi slikar je upisao Školu likovnih umjetnosti kod A. Melbyja. U to vrijeme upoznaje C. Moneta, s kojim je slikao pejzaže predgrađa Pariza.

Godine 1859. Pissarro je prvi put izložio svoje slike u Salonu. Njegova rana djela napisana su pod utjecajem C. Corota i G. Courbeta, ali postepeno Pissarro razvija svoj vlastiti stil. Slikar početnik provodi dosta vremena radeći na pleneru. Njega, kao i druge impresioniste, zanima život prirode u pokretu. Pissarro veliku pažnju posvećuje boji, koja može prenijeti ne samo formu, već i materijalnu suštinu predmeta. Da bi otkrio jedinstveni šarm i ljepotu prirode, koristi se laganim potezima čistih boja, koje, u interakciji jedna s drugom, stvaraju vibrirajući tonski raspon. Primijenjene u poprečnim, paralelnim i dijagonalnim linijama, daju cijeloj slici nevjerovatan osjećaj dubine i ritmičnog zvuka („Seine at Marly“, 1871).

Slikanje Pissarru ne donosi mnogo novca, a on jedva sastavlja kraj s krajem. U trenucima očaja, umjetnik pokušava zauvijek prekinuti s umetnošću, ali se ubrzo ponovo vraća kreativnosti.

Tokom francusko-pruskog rata, Pissarro je živio u Londonu. Zajedno sa C. Moneom slikao je londonske pejzaže iz života. Umjetnikovu kuću u Louveciennesu u to vrijeme opljačkali su pruski okupatori. Većina slika koje su ostale u kući je uništena. Vojnici su za vreme kiše pod nogama prostrli platna u dvorištu.

Vrativši se u Pariz, Pissarro nastavlja da doživljava finansijske poteškoće. Republika koja je zamenila
carstva, nije promijenila gotovo ništa u Francuskoj. Buržoazija, osiromašena nakon događaja povezanih s Komunom, ne može kupiti slike. U to vrijeme Pissarro je pod svoje pokroviteljstvo uzeo mladog umjetnika P. Cezannea. Njih dvoje rade u Pontoiseu, gdje Pissarro stvara platna koja prikazuju okolinu Pontoisea, gdje je umjetnik živio do 1884. (“Oise in Pontoise”, 1873.); mirna sela, putevi koji se protežu u daljinu (“Put od Gisorsa do Pontoisea pod snijegom”, 1873; “Crveni krovovi”, 1877; “Pejzaž u Pontoiseu”, 1877).

Pissarro je aktivno učestvovao na svih osam izložbi impresionista, organizovanih od 1874. do 1886. Posedujući pedagoški talenat, slikar je mogao da nađe zajednički jezik sa gotovo svim ambicioznim umetnicima i pomagao im je savetima. Savremenici su za njega govorili da „može čak i da te nauči da crtaš kamenje“. Majstorov talenat bio je toliki da je mogao razlikovati i najfinije nijanse boja gdje su drugi vidjeli samo sivu, smećkastu i zelenu.

Posebno mjesto u Pissarrovom stvaralaštvu zauzimaju platna posvećena gradu, prikazana kao živi organizam, koji se neprestano mijenja u zavisnosti od svjetla i doba godine. Umetnik je imao neverovatna sposobnost vidjeti mnogo i uhvatiti ono što drugi nisu primijetili. Na primjer, gledajući kroz isti prozor, naslikao je 30 djela s prikazom Monmartra (“Bulevar Monmartra u Parizu”, 1897.). Majstor je strastveno volio Pariz, pa mu je posvetio većinu svojih slika. Umjetnik je uspio u svojim radovima prenijeti jedinstvenu magiju koja je Pariz učinila jednim od najvećih gradova na svijetu. Za svoj rad slikar je iznajmljivao sobe u ulici Saint-Lazare, na Velikim bulevarima itd. Sve što je vidio prenio je na svoja platna („Italijanski bulevar ujutro obasjan suncem“, 1897; „Trg Francusko pozorište u Parizu, proljeće", 1898; "Operski pasaž u Parizu").

Među njegovim gradskim pejzažima nalaze se djela koja prikazuju druge gradove. Dakle, 1890-ih. gospodar je dugo živio ili u Dieppeu ili Rouenu. U svojim slikama posvećenim raznim krajevima Francuske otkrio je ljepotu drevnih trgova, poeziju uličica i antičkih građevina iz kojih izvire duh davno prošlih epoha („Veliki most u Ruanu“, 1896; „Boieldieu most u Rouen na zalasku, 1896. „Pogled na Rouen“, 1898.; „Crkva Saint-Jacques u Dieppeu“, 1901.);

Iako se Pissarrovi pejzaži ne odlikuju jarkim bojama, njihova je slikovna tekstura neobično bogata raznim nijansama: na primjer, sivi ton kaldrmirane ulice formiran je od poteza čisto ružičaste, plave, plave, zlatnog okera, engleske crvene itd. Kao rezultat, siva izgleda biserno, svjetluca i sija, čineći slike poput dragog kamenja.

Pissarro nije stvorio samo pejzaže. Njegov rad uključuje i žanrovske slike, koje oličavaju njegovo interesovanje za čoveka.

Među najznačajnijim su „Kafa sa mlekom” (1881), „Devojka sa granom” (1881), „Žena sa detetom kod bunara” (1882), „Tržnica: Trgovac mesom” (1883). Radeći na ovim radovima, slikar je nastojao da svoje poteze kistom pojednostavi i unese elemente monumentalnosti u kompozicije.

Sredinom 1880-ih, već zreo umjetnik, Pissarro, pod utjecajem Seurata i Signaca, zainteresirao se za divizionizam i počeo slikati malim obojenim tačkama. Na ovaj način su napisana njegova djela kao što je “Lacroix Island, Rouen”. Magla" (1888). Međutim, hobi nije dugo trajao, a ubrzo (1890.) majstor se vratio svom nekadašnjem stilu.

Osim slikarstva, Pissarro se bavio akvarelom, stvarao bakropis, litografije i crteže.
Umetnik je umro u Parizu 1903.

Impresionizam (iz francuskog " utisak“ – impresija) je pravac u umjetnosti (književnosti, slikarstvu, arhitekturi), pojavio se krajem 19. i početkom 20. stoljeća u Francuskoj i brzo se proširio u drugim zemljama svijeta. Sljedbenici novog smjera, koji su vjerovali da akademske, tradicionalne tehnike, na primjer, u slikarstvu ili arhitekturi, ne mogu u potpunosti prenijeti puninu i najsitnije detalje okolnog svijeta, prešli su na korištenje potpuno novih tehnika i metoda, prije svega u slikarstvu, zatim u književnosti i muzici. Omogućili su da se najslikovitije i najprirodnije dočara sva pokretljivost i promjenjivost stvarnog svijeta prenoseći ne njegov fotografski izgled, već kroz prizmu utisaka i emocija autora o onome što su vidjeli.

Autorom pojma “impresionizam” smatra se francuski kritičar i novinar Louis Leroy, koji ih, impresioniran posjetom izložbi grupe mladih umjetnika “Salon odbačenih” 1874. u Parizu, naziva u njegovi feljton impresionisti, svojevrsni „impresionisti“, a ova izjava je pomalo prezirnog i ironičnog karaktera. Osnova za naziv ovog pojma bila je slika Claudea Moneta "Utisak" koju je vidio kritičar. Rising Sun". I iako su u početku mnoge slike na ovoj izložbi bile podvrgnute oštroj kritici i odbijanju, kasnije je ovaj pravac dobio šire priznanje javnosti i postao popularan u cijelom svijetu.

Impresionizam u slikarstvu

(Claude Monet "Čamci na plaži")

Novi stil, način i tehniku ​​prikazivanja nisu izmislili niotkuda francuski impresionistički umjetnici, on se temeljio na iskustvu i dostignućima najtalentovanijih slikara renesanse: Rubensa, Velaskeza, El Greka, Goje. Od njih su impresionisti preuzeli takve metode živopisnijeg i živopisnijeg prenošenja okolnog svijeta ili ekspresivnosti vremenskih prilika kao što su korištenje srednjih tonova, korištenje tehnika svijetlih ili, naprotiv, tupih poteza, velikih ili malih, koje karakteriziraju apstraktnost. Pristaše novog smjera u slikarstvu ili su potpuno napustili tradicionalni akademski način crtanja, ili su potpuno prepravili metode i metode prikazivanja na svoj način, uvodeći takve inovacije kao što su:

• Predmeti, predmeti ili figure prikazivani su bez konture, zamijenjeni su malim i kontrastnim potezima;
• Nije korištena paleta za miješanje boja koje se međusobno nadopunjuju i ne zahtijevaju spajanje. Ponekad se boja istiskivala na platno direktno iz metalne cijevi, stvarajući čistu, svjetlucavu boju s efektom poteza kista;
• Virtualno odsustvo crne boje;
• Platna su uglavnom slikana na otvorenom, iz prirode, kako bi što slikovitije i ekspresivnije prenijeli svoje emocije i utiske o onome što su vidjeli;
• Upotreba boja s velikom pokrivnom moći;
• Nanošenje svježih poteza direktno na još mokru površinu platna;
• Kreiranje petlji slike u cilju proučavanja promjena svjetla i sjene („Stogovi sijena“ Claudea Moneta);
• Nedostatak prikaza gorućih društvenih, filozofskih ili vjerskih pitanja, povijesnih ili značajnih događaja. Radovi impresionista su ispunjeni pozitivnim emocijama, nema mjesta tmurnosti i teškim mislima, postoji samo lakoća, radost i ljepota svakog trenutka, iskrenost osjećaja i iskrenost emocija.

(Edouard Manet "Čitanje")

I iako se nisu svi umjetnici ovog pokreta pridržavali posebne preciznosti u izvođenju svih preciznih obilježja impresionističkog stila (Edouard Manet se pozicionirao kao pojedinačni umjetnik i nikada nije sudjelovao na zajedničkim izložbama (bilo ih je ukupno 8 od 1874. do 1886.) Edgar Degas stvarao je samo u svojoj radionici) to ih nije spriječilo da stvaraju remek-djela likovne umjetnosti, koja se i danas čuvaju u najboljim muzejima i privatnim kolekcijama širom svijeta.

Ruski umetnici impresionisti

Inspiracija kreativnim idejama Francuski impresionisti, ruski umjetnici krajem 19. i početkom 20. vijeka stvarali su svoja originalna remek-djela likovne umjetnosti, kasnije poznata pod zajedničkim nazivom „ruski impresionizam“.

(V. A. Serov "Djevojka sa breskvama")

Najviše je istaknuti predstavnici smatra Konstantina Korovina („Portret horoskopske devojke“, 1883, „Severna idila“ 1886), Valentina Serova („Otvoren prozor. jorgovan“, 1886, „Devojka sa breskvama“, 1887), Arhipa Kuindžija („Sever“, 1879). , „Dnjepar ujutru” 1881), Abram Arhipov („Severno more”, „Pejzaž. Studija sa brvnarom”), „kasni” impresionista Igor Grabar („Aleja breze”, 1940, „Zimski pejzaž”, 1954) .

(Borisov-Musatov "Jesenja pjesma")

Metode i način prikazivanja svojstveni impresionizmu odvijali su se u djelima tako istaknutih ruskih umjetnika kao što su Borisov-Musatov, Bogdanov Belsky, Nilus. Klasični kanoni Francuski impresionizam Slike ruskih umjetnika doživjele su neke promjene, zbog čega je ovaj pravac dobio jedinstvenu nacionalnu specifičnost.

Strani impresionisti

Jedan od prvih radova izvedenih u stilu impresionizma smatra se slika Edouarda Maneta „Ručak na travi“, koja je 1860. godine izložena javnosti u pariškom „Salonu odbačenih“, gde su platna koja nisu prošla. selekcija Pariškog salona umjetnosti mogla bi biti raspuštena. Slika, naslikana u stilu koji se radikalno razlikovao od tradicionalnog načina prikazivanja, izazvala je mnogo kritičnih komentara i okupila sljedbenike novog umjetničkog pokreta oko umjetnika.

(Edouard Manet "U taverni oca Lathuilea")

Među najpoznatijim impresionističkim umjetnicima su Edouard Manet (“Bar u Folies-Bergereu”, “Muzika u Tuileriesu”, “Doručak na travi”, “Kod oca Lathuilea”, “Argenteuil”), Claude Monet (“Polje maka”). u Argenteuil“, „Šetnja do litice u Pourvilleu“, „Žene u vrtu“, „Dama sa kišobranom“, „Boulevard des Capucines“, serija radova „Vodeni ljiljani“, „Utisak koji izlazi“), Alfred Sisley ("Ruralna aleja", "Mraz u Louveciennesu", "Most u Argenteuil", "Rani snijeg u Louvecienneu", "Travnjaci u proljeće"), Pierre Auguste Renoir ("Doručak veslača", "Bal u Moulinu" de la Galette“, „Ples na selu“, „Kišobrani“, „Ples na Bougivalu“, „Devojke za klavirom“), Camille Pizarro („Bulevar Monmartra noću“, „Žetva u Eragnyju“, „Koteci se odmaraju“ , “Bašta na Pontoise”, “Ulazak u selo Voisin”), Edgar Degas (" Čas plesa", "Proba", "Koncert u kafiću Ambassador", "Opera Orchestra", "Plesači u plavom", "Ljubavnici absinta"), Georges Seurat ("Nedjeljno popodne", "Cancan", "Modeli prirode") i drugi .

(Pol Sezan "Pjero i Arlekin"")

Četiri umjetnika 90-ih godina 19. stoljeća stvaraju novi pravac u umjetnosti zasnovan na impresionizmu i nazivaju se postimpresionistima (Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, Henri de Toulouse-Lautrec). Njihov rad karakteriše prenošenje ne prolaznih senzacija i utisaka iz sveta koji ih okružuje, već poznavanje prave suštine stvari, koja je skrivena ispod njihove spoljašnje ljuske. Većina njih poznata dela: Pol Gogen („Nevaljala šala“, „La Orana Maria“, „Jakovljevo rvanje sa anđelom“, „Žuti Hrist“), Pol Sezan („Pjero i Arlekin“, „Veliki kupači“, „Dama u plavom“) , Vincent Van Gogh (Zvjezdana noć, suncokreti, perunike), Henri de Toulouse-Lautrec (Pralja, toalet, plesni trening u Moulin Rougeu).

Impresionizam u skulpturi

(Auguste Rodin "Mislilac")

Impresionizam se nije razvio kao poseban pravac u arhitekturi, njegove pojedinačne karakteristike i karakteristike mogu se pronaći u nekim skulpturalnim kompozicijama i spomenicima. Skulptura ovaj stil daje slobodnu plastičnost mekim oblicima, stvaraju nevjerovatnu igru ​​svjetlosti na površini figura i daju osjećaj nepotpunosti skulpturalnih likova koji se često prikazuju u trenutku kretanja. Radovi u ovom pravcu uključuju skulpture poznatog francuskog vajara Ogista Rodena („Poljubac“, „Mislilac“, „Pesnik i muza“, „Romeo i Julija“, „Večno proleće“), Italijanski umetnik i vajar Medardo Roso (figure od gline i gipsa punjene voskom za postizanje jedinstvenog svetlosnog efekta: „Čuvar vrata i provodadžija“, „Zlatno doba“, „Majčinstvo“), ruski genijalni grumen Pavel Trubetskoy (brončana bista Lava Tolstoja, spomenik Aleksandru III u Sankt Peterburgu).