El impresionismo es un movimiento pictórico que se originó en Francia en la década de 1860 y determinó en gran medida el desarrollo del arte en el siglo XIX. Los maestros registraron sus impresiones fugaces y buscaron capturar el mundo real en su movilidad y variabilidad de la manera más natural e imparcial. Las figuras centrales de este movimiento fueron Cézanne, Degas, Manet, Pizarro, Renoir y Sealey, y la contribución de cada uno de ellos a su desarrollo fue única. Los impresionistas se opusieron a las convenciones del clasicismo, el romanticismo y el academicismo, afirmaron la belleza de la realidad cotidiana, los motivos simples y democráticos, lograron la autenticidad viva de la imagen y trataron de capturar la "impresión" de lo que el ojo ve en un momento particular. El tema más típico de los impresionistas es el paisaje, pero también tocaron muchos otros temas en sus obras. Degas, por ejemplo, representó carreras de caballos, bailarinas y lavanderas, y Renoir representó mujeres y niños encantadores. En los paisajes impresionistas creados al aire libre, un motivo simple y cotidiano a menudo se transforma mediante una luz omnipresente en movimiento, aportando una sensación de festividad a la imagen. En determinadas técnicas de construcción impresionista de la composición y el espacio, la influencia de Estampados japoneses y en parte fotografías. Los impresionistas fueron los primeros en crear una imagen multifacética de la vida cotidiana de una ciudad moderna, capturando la originalidad de su paisaje y la apariencia de sus habitantes, su vida, trabajo y entretenimiento.

Monet Claude Óscar Uno de los fundadores del impresionismo, el artista Monet de la segunda mitad de la década de 1860 buscó en sus pinturas transmitir a través de la pintura al aire libre la variabilidad del ambiente luminoso, la riqueza colorida del mundo, manteniendo al mismo tiempo la frescura de la primera Impresión visual de la naturaleza. Del nombre del paisaje de Monet “Impresión. Sol naciente” (“Impression. Soleil levant”; 1872, Museo Marmottan, París) era el nombre del impresionismo. En sus composiciones de paisajes (“Boulevard of the Capuchins in Paris”, 1873, “Rocks at Etretat”, 1886, ambos en el Museo Pushkin, Moscú; “Campo de amapolas”, década de 1880, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) Monet recreó la vibración de la luz y el aire con la ayuda de pequeños trazos separados de color puro y tonos adicionales del espectro principal, contando con su combinación óptica en el proceso de percepción visual. En un esfuerzo por capturar los diversos estados de transición de la naturaleza en diferentes momentos del día y en diferentes climas, en la década de 1890 Monet creó una serie de pinturas-variaciones sobre un motivo de la trama (serie de pinturas "Catedrales de Rouen", Museo Estatal de Bellas Artes Artes que llevan el nombre de A. S. Pushkin, Moscú y otras reuniones). El último período de la obra de Monet se caracterizó por el decorativismo, una disolución cada vez mayor de las formas de los objetos en sofisticadas combinaciones de manchas de color.

Edgar Degas Comenzando con pinturas y retratos históricos de composición estricta (“La familia Bellelli”, alrededor de 1858), Degas en la década de 1870 se acercó a los representantes del impresionismo y se dedicó a representar la vida urbana moderna: calles, cafés, representaciones teatrales (“Place de la Concorde”, alrededor de 1875; “Absenta”, 1876). En muchas obras, Degas muestra el comportamiento y la apariencia característicos de las personas, generados por las peculiaridades de su vida, revela el mecanismo del gesto profesional, la postura, el movimiento humano, su belleza plástica (“Planchadores”, 1884). La afirmación del significado estético de la vida de las personas y sus actividades cotidianas refleja el humanismo único de la obra de Degas. El arte de Degas se caracteriza por una combinación de lo bello, a veces fantástico, y lo prosaico: transmitir el espíritu festivo del teatro en muchas escenas de ballet (“Star”, pastel, 1878). El artista, como observador sobrio y sutil, capta simultáneamente el tedioso trabajo cotidiano que se esconde detrás de la elegante espectacularidad (“Examen de danza”, pastel, 1880). Las obras de Degas con su composición estrictamente verificada y al mismo tiempo dinámica, a menudo asimétrica, dibujo preciso y flexible, ángulos inesperados, interacción activa las figuras y los espacios combinan la aparente imparcialidad y aleatoriedad del motivo y la arquitectura de la pintura con un cuidadoso pensamiento y cálculo. Trabajos posteriores Los Degas se distinguen por la intensidad y riqueza del color, que se complementan con los efectos de la iluminación artificial, las formas agrandadas, casi planas y el espacio reducido, lo que les confiere un carácter intensamente dramático (“Blue Dancers”, pastel). Desde finales de la década de 1880, Degas se ha dedicado mucho a la escultura, logrando expresividad al transmitir movimiento instantáneo (“Bailarina”, bronce).

Renoir Pierre Auguste En 1862-1864, Renoir estudió en París en la Escuela de Bellas Artes, donde se acercó a sus futuros colegas del impresionismo, Claude Monet y Alfred Sisley. Renoir trabajó en París, visitó Argelia, Italia, España, Holanda, Gran Bretaña y Alemania. Las primeras obras de Renoir están influenciadas por Gustave Courbet y las obras del joven Edouard Manet (“La taberna de la Madre Antonio”, 1866). A principios de la década de 1860-1870, Renoir pasó a pintar al aire libre, incluyendo orgánicamente figuras humanas en un ambiente cambiante de luz y aire (“Bañarse en el Sena”, 1869). La paleta de Renoir se ilumina, la pincelada ligera y dinámica se vuelve transparente y vibrante, el color se satura con reflejos plateados perlados (“Lodge”, 1874). Al representar episodios arrancados del flujo de la vida, situaciones aleatorias de la vida, Renoir dio preferencia a las escenas festivas de la vida urbana: bailes, bailes, paseos, como si intentara encarnar en ellos la plenitud sensual y la alegría de ser ("Moulin de la Galette" , 1876). Un lugar especial en la obra de Renoir lo ocupa lo poético y encantador. Imágenes de mujer: internamente diferentes, pero externamente ligeramente similares entre sí, parecen estar marcados por el sello común de la época (“Después de la cena”, 1879, “Paraguas”, 1876; retrato de la actriz Jeanne Samary, 1878). En la representación de desnudos, Renoir logra una rara sofisticación de los claveles, construida sobre una combinación de cálidos tonos de piel con reflejos deslizantes de color verdoso claro y gris azulado, dando una superficie suave y mate al lienzo (“Mujer desnuda sentada en un sofá” , 1876). Renoir, un colorista notable, a menudo logra la impresión de una pintura monocromática con la ayuda de sutiles combinaciones de tonos cercanos en color (“Girls in Black”, 1883). Desde la década de 1880, Renoir se ha inclinado cada vez más hacia la claridad clásica y la generalización de las formas en su pintura, han ido creciendo los rasgos de decoratividad y sereno idilio ("Grandes bañistas", 1884-1887); El laconismo, la ligereza y la ligereza del trazo se distinguen por numerosos dibujos y grabados (“Bañistas”, 1895) de Renoir.

Manet Édouard El desarrollo de Manet como artista estuvo significativamente influenciado por las obras de Giorgione, Tiziano, Hals, Velázquez, Goya y Delacroix. En las obras de finales de la década de 1850 y principios de la de 1860, que formaban una galería de imágenes conmovedoramente transmitidas tipos humanos y personajes, Manet combinó la autenticidad realista de la imagen con la romantización de la apariencia de la modelo (“Lola de Valencia”, 1862). Utilizando y reinterpretando los temas y motivos de las pinturas de los viejos maestros, Manet buscó llenarlos de contenido relevante, a veces de manera impactante, para introducir la imagen de una persona moderna en famosas composiciones clásicas ("Almuerzo sobre la hierba", " Olimpia” - ambos de 1863). En la década de 1860, Edouard Manet abordó temas historia moderna("La ejecución del emperador Maximiliano", 1867), pero la conmovedora atención de Manet a la modernidad se manifestó principalmente en escenas que parecían arrancadas del flujo cotidiano de la vida, llenas de espiritualidad lírica y significado interior ("Desayuno en el estudio", “Balcón” - ambos de 1868), así como en retratos cercanos a ellos en un entorno artístico (retrato de Emile Zola, 1868, retrato de Berthe Morisot, 1872). Con su obra, Edouard Manet anticipó el surgimiento del impresionismo y luego se convirtió en uno de los fundadores. A finales de la década de 1860, Manet se acercó a Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, pasó de tonos apagados y densos, a colores intensos con predominio colores oscuros a la pintura al aire libre, ligera y libre (“En el barco”, 1874, Museo Metropolitano de Arte; “En la taberna del padre Lathuile”, 1879). Muchas de las obras de Manet se caracterizan por la libertad pictórica impresionista y la fragmentación de la composición, una gama vibrante y colorida saturada de luz (“Argenteuil”). Al mismo tiempo, Manet mantiene la claridad del dibujo, los tonos grises y negros en el color, prefiere no un paisaje, sino una trama cotidiana con una base socio-psicológica pronunciada (la colisión de los sueños y la realidad, la naturaleza ilusoria de la felicidad en un mundo chispeante y festivo - en uno de los últimos cuadros de Manet “Bar en el Folies Bergere”, 1881-1882). En las décadas de 1870 y 1880, Manet trabajó intensamente en el campo del retrato, ampliando las posibilidades de este género y convirtiéndolo en una especie de estudio. mundo interior Contemporáneo (retrato de S. Mallarmé, 1876), pintó paisajes y naturalezas muertas (“Ramo de lilas”, 1883), actuó como dibujante, maestro del grabado y la litografía.

Camille Pissarro Fue influenciado por John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet. Uno de los principales maestros del impresionismo, Pissarro en numerosos Paisajes Rurales reveló la poesía y el encanto de la naturaleza de Francia, con la ayuda de una suave paleta pictórica, una sutil transferencia del estado del ambiente luminoso, dio encanto y frescura a los motivos más modestos (“Tierra arada”, 1874 ; “Carretilla”, 1879). Posteriormente, Pissarro recurrió a menudo al paisaje de la ciudad (“Boulevard Montmartre”, 1897; “Opera Passage in Paris”, 1898). En la segunda mitad de la década de 1880, Pissarro utilizó a veces tecnica de pintura neoimpresionismo. Pissarro desempeñó uno de los papeles principales en la organización de exposiciones impresionistas. En sus obras, Camille Pissarro logró evitar la manifestación extrema del plein air, cuando los objetos materiales parecen disolverse en el espacio de luz parpadeante (“Nieve en Louveciennes”; “Calle en Louveciennes”, 1873). Muchas de sus obras se distinguen por el interés por la expresividad característica, incluso retratística, inherente al paisaje de la ciudad ("Vista de Rouen", 1898).

Alfredo Sisley influenciado por Camille Corot. Uno de los principales maestros del impresionismo, Sisley pintó paisajes sin pretensiones de las afueras de París, marcados por un lirismo sutil y sostenidos en una paleta de luces fresca y sobria. Los paisajes de Sisley, que transmiten la atmósfera auténtica de Ile-de-France, conservan la especial transparencia y suavidad de los fenómenos naturales de todas las estaciones ("La pequeña plaza de Argenteuil", 1872, "Flood in Marly", 1876; "Frost in Louveciennes", 1873, “El borde del bosque en Fontainebleau”, 1885).

Las encantadoras imágenes de la naturaleza del artista Alfred Sisley con un ligero toque de tristeza fascinan con la asombrosa transferencia de humor en este momento tiempo (“Banco del Sena en Bougival”, 1876). Desde mediados de la década de 1880, los elementos decorativos coloridos han ido creciendo en la obra de Sisley.

Conclusión: Los maestros del impresionismo registraron sus impresiones fugaces y buscaron capturar el mundo real en su movilidad y variabilidad de la manera más natural e imparcial. E. Manet (formalmente no forma parte del grupo de los impresionistas), O. Renoir, E. Degas aportaron al arte frescura y espontaneidad de la percepción de la vida, recurrieron a la representación de situaciones instantáneas arrebatadas del flujo de la realidad, la vida espiritual de hombre, la representación de pasiones fuertes, la espiritualización de la naturaleza, el interés

En el pasado nacional, el deseo de formas sintéticas de arte se combina con motivos de dolor mundial, el deseo de explorar y recrear el lado "sombra", "nocturno" alma humana, con la famosa “ironía romántica”, que permitió a los románticos comparar y equiparar audazmente lo alto y lo bajo, lo trágico y lo cómico, lo real y lo fantástico. usado fragmentario, realidades de situaciones, usado fragmentario, aparentemente desequilibrado estructuras compositivas, ángulos inesperados, puntos de vista, cortes transversales de figuras. En las décadas de 1870 y 1880, el paisaje se formó impresionismo francés: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley desarrollaron un sistema consistente de plein air, creando en sus pinturas una sensación de luz solar brillante, la riqueza de los colores de la naturaleza, la disolución de las formas en la vibración de la luz y el aire.

A finales de los siglos XVIII y XIX en la mayoría de los países. Europa Oriental Hubo un nuevo salto en el desarrollo de la ciencia y la tecnología. La cultura industrial ha hecho un gran trabajo fortaleciendo los fundamentos espirituales de la sociedad, superando las pautas racionalistas y cultivando lo humano en el hombre. Sintió muy vivamente la necesidad de la belleza, de la afirmación de una personalidad estéticamente desarrollada, de la profundización del humanismo real, emprendiendo pasos prácticos sobre la encarnación de la libertad, la igualdad y la armonización de las relaciones sociales.

Durante este período, Francia atravesaba tiempos difíciles. La guerra franco-prusiana, un breve y sangriento levantamiento y la caída de la Comuna de París marcaron el fin del Segundo Imperio.

Después de limpiar las ruinas dejadas por el terrible bombardeo prusiano y furiosa guerra civil, París volvió a proclamarse centro del arte europeo.

Después de todo, la capital de Europa vida artística se convirtió en tiempos del rey Luis XIV, cuando se establecieron la Academia y las exposiciones de arte anuales, que recibieron el nombre de Salones, del llamado Salón Cuadrado del Louvre, donde cada año se exhibían nuevas obras de pintores y escultores. En el siglo XIX, fueron los Salones, donde se desarrollaría una intensa lucha artística, los que identificarían nuevas tendencias en el arte.

La aceptación del cuadro para la exposición, la aprobación de su jurado del Salón, fue el primer paso hacia reconocimiento público artista. Desde la década de 1850, los salones se convirtieron cada vez más en exposiciones grandiosas de obras seleccionadas según los gustos oficiales, por lo que incluso apareció la expresión “arte de salón”. Las imágenes que no correspondían en modo alguno a este "estándar" estricto pero no definido en ninguna parte fueron simplemente rechazadas por el jurado. La prensa discutió de todas las formas posibles qué artistas fueron aceptados en el Salón y cuáles no, convirtiendo casi todas estas exposiciones anuales en un escándalo público.

En los años 1800-1830 a los franceses. pintura de paisaje Y arte En general, los paisajistas holandeses e ingleses empezaron a tener impacto. Eugène Delacroix, representante del romanticismo, aportó a sus pinturas un nuevo brillo de colores y virtuosismo en la escritura. Era un admirador de Constable, quien luchaba por un nuevo naturalismo. El enfoque radical de Delacroix hacia el color y su técnica de aplicar grandes pinceladas de pintura para realzar la forma serían desarrollados más tarde por los impresionistas.

De particular interés para Delacroix y sus contemporáneos fueron los bocetos de Constable. Al intentar capturar las propiedades infinitamente variables de la luz y el color, Delacroix señaló que en la naturaleza "nunca permanecen inmóviles". Por lo tanto, los románticos franceses adquirieron la costumbre de pintar al óleo y acuarela más rápido, pero de ninguna manera bocetos superficiales de escenas individuales.

A mediados de siglo, el fenómeno más significativo de la pintura fueron los realistas, liderados por Gustave Courbet. Después de 1850 en arte francés A lo largo de la década se produjo una fragmentación de estilos sin precedentes, en parte aceptable, pero nunca aprobada por las autoridades. Estos experimentos empujaron a los jóvenes artistas a seguir un camino que era una continuación lógica de tendencias ya emergentes, pero que pareció sorprendentemente revolucionario al público y a los jueces del Salón.

El arte que ocupaba una posición dominante en las salas del Salón se distinguía, por regla general, por la artesanía externa y el virtuosismo técnico, el interés por historias anecdóticas, entretenidas, de carácter sentimental, cotidiano, histórico falso y abundancia. historias mitologicas, justificando todo tipo de desnudos. Era un arte ecléctico y entretenido sin ideas. El personal correspondiente fue formado bajo los auspicios de la Academia por la Escuela de Bellas Artes, donde maestros del academicismo tardío como Couture, Cabanel y otros estaban a cargo de todo el asunto. El arte de salón se distinguió por su excepcional vitalidad, vulgarizando artísticamente, unificando espiritualmente y adaptando al nivel de los gustos burgueses del público los logros de las principales búsquedas creativas de su época.

Al arte del Salón se opusieron varios movimientos realistas. Sus representantes fueron los mejores maestros de la cultura artística francesa de esas décadas. Asociado a ellos está el trabajo de artistas realistas que continúan en nuevas condiciones. tradiciones temáticas Realismo de los años 40-50. Siglo XIX: Bastien-Lepage, Lhermitte y otros. De importancia decisiva para el destino del desarrollo artístico de Francia y de Europa occidental en su conjunto fueron las innovadoras búsquedas realistas de Edouard Manet y Auguste Rodin, el arte agudamente expresivo de Edgar Degas y, finalmente, el trabajo de un grupo de artistas que más Encarnó consistentemente los principios del arte del impresionismo: Claude Monet, Pissarro, Sisley y Renoir. Fue su trabajo el que marcó el comienzo del rápido desarrollo del período del impresionismo.

Impresionismo (de la impresión-impresión francesa), una dirección en el arte del último tercio del siglo XIX y principios del XX, cuyos representantes buscaron capturar de la manera más natural e imparcial el mundo real en su movilidad y variabilidad, para transmitir sus impresiones fugaces. .

El impresionismo constituyó la segunda era del arte francés. mitad del siglo XIX siglo y luego se extendió a todos los países europeos. Reformó los gustos artísticos y reestructuró la percepción visual. Esencialmente, fue una continuación y un desarrollo natural. método realista. El arte de los impresionistas es tan democrático como el arte de sus predecesores directos; no distingue entre naturaleza "alta" y "baja" y confía completamente en el testimonio del ojo. La forma de “mirar” cambia: se vuelve más intensa y al mismo tiempo más lírica. La conexión con el romanticismo está desapareciendo: los impresionistas, como los realistas de la generación anterior, quieren ocuparse únicamente de la modernidad, alienando los temas históricos, mitológicos y literarios. Para grandes descubrimientos estéticos, les bastaban los motivos más simples y observados diariamente: cafés parisinos, calles, jardines modestos, las orillas del Sena, pueblos de los alrededores.

Los impresionistas vivieron en una era de lucha entre modernidad y tradición. Vemos en sus obras una ruptura radical y sorprendente para esa época con los principios tradicionales del arte, la culminación, pero no la culminación, de la búsqueda de una nueva mirada. El abstraccionismo del siglo XX nació de experimentos con el arte que existía en ese momento, así como las innovaciones de los impresionistas surgieron del trabajo de Courbet, Corot, Delacroix, Constable, así como de los viejos maestros que los precedieron.

Los impresionistas descartaron las distinciones tradicionales entre boceto, boceto y pintura. Comenzaron y terminaron su trabajo al aire libre, al aire libre. Incluso si tenían que terminar algo en el taller, intentaban preservar la sensación de un momento capturado y transmitir la atmósfera luminosa que envolvía los objetos.

Plein air es la clave de su método. En este camino lograron una sutileza de percepción excepcional; Consiguieron revelar efectos tan encantadores en las relaciones de luz, aire y color que no habían notado antes y probablemente no habrían notado sin la pintura de los impresionistas. No en vano decían que las nieblas de Londres fueron inventadas por Monet, aunque los impresionistas no inventaron nada, basándose únicamente en la lectura del ojo, sin mezclar con ellas el conocimiento previo de lo que se representaba.

De hecho, los impresionistas valoraban sobre todo el contacto del alma con la naturaleza, dándole gran valor impresión directa, observación de diversos fenómenos de la realidad circundante. No es de extrañar que esperaran pacientemente a que se aclarara dias calidos para pintar al aire libre al aire libre.

Pero los creadores de un nuevo tipo de belleza nunca buscaron imitar, copiar o “retratar” objetivamente la naturaleza. En sus obras no hay sólo una manipulación virtuosa del mundo de las apariencias impresionantes. La esencia de la estética impresionista radica en la asombrosa capacidad de condensar la belleza, resaltar la profundidad de un fenómeno, hecho único y recrear la poética de una realidad transformada, calentada por el calor del alma humana. Así surge un mundo cualitativamente diferente, estéticamente atractivo, saturado de resplandor espiritual.

Como resultado del toque impresionista del mundo, todo lo que a primera vista era ordinario, prosaico, trivial, momentáneo se transformó en poético, atractivo, festivo, impactando todo con la magia penetrante de la luz, la riqueza de colores, los reflejos temblorosos, la vibración. del aire y rostros que irradian pureza. A diferencia del arte académico, que se basaba en los cánones del clasicismo: la colocación obligatoria de los personajes principales en el centro de la imagen, la tridimensionalidad del espacio, el uso de una trama histórica con el fin de una orientación semántica muy específica. del espectador: los impresionistas dejaron de dividir los objetos en principales y secundarios, sublimes y bajos. A partir de ahora, la pintura podría incluir sombras multicolores de objetos, un pajar, un arbusto de lilas, una multitud en un bulevar parisino, la colorida vida de un mercado, lavanderas, bailarinas, dependientas, la luz de las lámparas de gas, un ferrocarril. fila, una corrida de toros, gaviotas, rocas, peonías.

Los impresionistas se caracterizan por un gran interés por todos los fenómenos de la vida cotidiana. Pero esto no significaba algún tipo de omnívoro o promiscuidad. En los fenómenos cotidianos y cotidianos, se eligió el momento en que la armonía del mundo circundante se manifestaba de manera más impresionante. La cosmovisión impresionista respondía extremadamente a los matices más sutiles del mismo color, estado de un objeto o fenómeno.

En 1841, el retratista estadounidense John Goffrand, que vivía en Londres, ideó por primera vez un tubo del que se extraía pintura, y los comerciantes de pintura Winsor y Newton rápidamente adoptaron la idea. Pierre Auguste Renoir, según su hijo, dijo: “Sin pinturas en tubos no habrían existido ni Cézanne, ni Monet, ni Sisley, ni Pissarro, ni ninguno de aquellos a quienes los periodistas luego llamaron impresionistas”.

La pintura en tubos tenía la consistencia del óleo fresco, ideal para aplicar trazos gruesos y empastados de un pincel o incluso una espátula sobre el lienzo; Ambos métodos fueron utilizados por los impresionistas.

Comenzó a aparecer en el mercado toda una gama de pinturas brillantes y permanentes en tubos nuevos. Los avances de la química a principios de siglo trajeron nuevos colores, por ejemplo, el azul cobalto, el ultramar artificial, el amarillo cromo con tintes naranja, rojo y verde, el verde esmeralda, el zinc blanco y el blanco de plomo duradero. En la década de 1850, los artistas tenían a su disposición una paleta de colores brillantes, confiables y convenientes como nunca antes. .

Los impresionistas no pasaron por alto descubrimientos cientificos mediados de siglo, sobre óptica y descomposición del color. Los colores complementarios del espectro (rojo - verde, azul - naranja, violeta - amarillo) se realzan entre sí cuando se colocan uno al lado del otro y, cuando se mezclan, se decoloran. Cualquier color colocado sobre un fondo blanco aparece rodeado por un ligero halo de color adicional; allí y en las sombras que proyectan los objetos cuando son iluminados por el sol, aparece un color complementario al color del objeto. En parte intuitivamente y en parte conscientemente, los artistas utilizaron tales observaciones científicas. Resultaron ser especialmente importantes para la pintura impresionista. Los impresionistas tuvieron en cuenta las leyes de la percepción del color a distancia y, si era posible, evitando mezclar colores en la paleta, colocaron trazos de colores puros para que se mezclaran en los ojos del espectador. Los colores claros del espectro solar son uno de los mandamientos del impresionismo. Rechazaron los tonos negros y marrones, porque el espectro solar no los tiene. Representaron sombras con color, no con negrura, de ahí la suave y radiante armonía de sus lienzos. .

En general, el tipo de belleza impresionista reflejaba el hecho de la confrontación. persona espiritual el proceso de urbanización, pragmatismo, esclavización de los sentimientos, que condujo a una mayor necesidad de una divulgación más completa del principio emocional, actualización cualidades espirituales personalidad y evocaba el deseo de una experiencia más aguda de las características espacio-temporales de la existencia.

Impresionismo(Impresionismo francés, de impresión - impresión): un movimiento en el arte del último tercio del siglo XIX y principios del XX, que se originó en Francia y luego se extendió por todo el mundo, cuyos representantes buscaron capturar de la manera más natural el mundo real en su movilidad. y variabilidad, para transmitir sus impresiones fugaces.

1. Liberación de las tradiciones del realismo (sin pinturas mitológicas, bíblicas e históricas, solo la vida moderna).

2. Observación y estudio de la realidad circundante. No lo que ve, sino cómo ve desde la posición de la “esencia visual de las cosas” percibida.

3. La vida cotidiana ciudad moderna. Psicología de un habitante de la ciudad. Dinámica de la vida. Ritmo, ritmo de vida.

4. “El efecto de un momento prolongado”

5. Busque nuevos formularios. Obras de pequeño tamaño (estudios, encuadres). No típico, sino aleatorio.

6. Serialidad de las pinturas (Monet “Haystacks”)

7. La novedad del sistema de pintura. Color puro abierto. Alivio, una rica colección de reflejos, inquietud.

8. Mezclar géneros.

Édouard Manet - innovador. Desde tonos densos y apagados hasta pintura con luz. Fragmentación de composiciones.

"Olimpia"- se basa en Tiziano, Giorgione, Goya. Victoria Murán posó. Venus está representada como una cocotte moderna. Hay un gato negro a mis pies. Una mujer negra presenta un ramo. El fondo es oscuro, el tono cálido del cuerpo de la mujer es como una perla sobre las sábanas azules. El volumen está alterado. No existe un modelo de corte.

"Desayuno sobre la hierba"- modelo y dos artistas + paisaje + naturaleza muerta. Las levitas negras contrastan con el cuerpo desnudo.

"Flautista"- impresión de la música.

"Bar Folies Bergère" - La chica es camarera. La emoción de un momento vislumbrado. La soledad de una ciudad bulliciosa. La ilusión de la felicidad. Lo puse en todo el lienzo (inaccesible en mi pensamiento, pero accesible para los clientes del bar). Una sala llena de visitantes es una imagen del mundo.

Claude Monet - abandonó la secuencia tradicional (pintura de base, vidriado, etc.) - ala prima

"Impresión. Sol naciente" - amarillo fieria, naranja, verde. El barco es un acento visual. Un paisaje esquivo, inacabado, sin contornos. Variabilidad del ambiente de aire ligero. Los rayos de luz cambian la visión.

"Desayuno sobre la hierba" - borde del bosque, impresión de un picnic , esquema de color verde oscuro intercalado con marrón y negro. El follaje resulta mojado. La ropa y el mantel de la mujer están iluminados, llenos de aire, de luz a través del follaje.

"Boulevard des Capucines en París" - fragmentario. Interrumpe a dos personas que miran al bulevar desde el balcón. Una multitud de personas es la vida de la ciudad. La mitad a la luz del sol poniente y la otra mitad a la sombra del edificio. Sin centro visual, impresión instantánea.

"Rocas en Belle-Ile» - domina una masa de agua en movimiento (trazos gruesos). Tonos del arcoíris aplicados con energía. Las rocas se reflejan en el agua y el agua se refleja en las rocas. Sintiendo el poder de los elementos, hirviendo agua verde azulada. Composición con horizonte alto.

"Estación Saint-Lazare" - Se muestra el interior de la estación, pero más interesado en la locomotora y el vapor, que está por todas partes (fascinación por la niebla, neblina lila).

Pierre Auguste Renoir- un artista de la alegría, conocido principalmente como un maestro del retrato secular, no exento de sentimentalismo.

"Balancearse"- impregnado de un color cálido, se muestra la juventud, la niña queda impresionada.

"Baile en el Moulin de la Gallette" - escena de género. Día. Jóvenes, estudiantes, vendedoras, etc. En las mesas bajo las acacias hay una plataforma para bailar. La luz brilla ( rayos de sol sobre sus espaldas).

"Retrato de Juana Samaria" - mujeres de flores. Actriz encantadora, femenina, elegante, conmovedora y espontánea. Ojos profundos, sonrisa luminosa y soleada.

"Retrato de Madame Charpentier con niños"- una elegante mujer de sociedad con un vestido negro con cola y dos chicas vestidas de azul. Tapices, una mesa, un perro, parquet: todo habla de la riqueza de la familia.

Edgar Degas– No pintaba al aire libre, culto a la línea y al dibujo. Composiciones en diagonal (de abajo hacia arriba)); Figuras en espiral en forma de S + ventana desde la que iluminar + iluminación mediante focos. Aceite, luego cama.

"Chicas de ballet", "Bailarinas"- invade la vida de las bailarinas. Los trazos conectan el dibujo y la pintura. Ritmo constante de entrenamiento.

"Bailarines azules"- ninguna individualidad - una única corona de cuerpos. En un rincón todavía hay luz de las rampas, y en el otro la sombra del backstage. Momento de más actrices y la gente común. Siluetas expresivas, vestidos azul aciano. Fragmentación: los personajes no miran al espectador.

"Ausente" - un hombre y una mujer están sentados en un café. Gama de cenizas. Un hombre con una pipa mira en una dirección y una mujer borracha con una mirada distante: dolorosa soledad.

Camille Pissarro- Le interesan los paisajes, incluidas las personas y los carros que aparecen en ellos. Motivo de una carretera con gente caminando. Me encantaba la primavera y el otoño.

"Entrada al pueblo de Voisin"- un paisaje oscuro y suave, árboles a lo largo del camino - enmarcan la entrada, sus ramas se mezclan, se disuelven en el cielo. El caballo camina lenta y tranquilamente. Las casas no son sólo objetos arquitectónicos, sino viviendas para personas (nidos cálidos).

"Pasaje de la Ópera en París"(serie) – un día gris y nublado. Los tejados están ligeramente cubiertos de nieve, la acera está mojada, los edificios se hunden en un manto de nieve, los transeúntes con paraguas se convierten en sombras. El color del aire húmedo es envolvente. Tonos azul lila y oliva. Pequeños trazos.

Alfredo Sisley– buscó notar la belleza de la naturaleza, la tranquilidad épica inherente al paisaje rural.

"Helada en Louveciennes" - mañana, estado fresco, objetos bañados en luz (fusión). Sin sombras (matices sutiles), colores amarillo-naranja. Un rincón tranquilo, no una ciudad bulliciosa. Un sentimiento de pureza, fragilidad, amor por este lugar.

Impresionismo en Rusia. se desarrolla más tarde y a un ritmo más acelerado que en Francia

V. A. Serov – Indiferente al dibujo académico, quiere mostrar la belleza de la naturaleza en color.

"Chica con melocotones"" - retrato de Verochka Mamontova. Todo es natural y relajado, cada detalle está conectado entre sí. La belleza del rostro de una niña, poesía. estilo de vida, pintura colorida y saturada de luz. La belleza y la frescura del boceto, dos tendencias, dos fuerzas unidas orgánicamente, formando una única forma de visión pictórica. ¡¡Todo parece tan simple y natural, pero hay tanta profundidad e integridad en esta simplicidad!! Con la mayor expresividad, V. Serov transmitió la luz que brotaba de la ventana en un chorro plateado y llenaba la habitación. La niña está sentada a la mesa y no está ocupada con nada, como si realmente se hubiera sentado por un momento, cogiera mecánicamente un melocotón y lo sostuviera, mirándote con sencillez y franqueza. Pero esta paz es sólo momentánea y a través de ella se asoma la pasión por el movimiento alegre.

"Niños"- muestra mundo espiritual niños (hijos). El mayor mira la puesta de sol y el más joven mira al espectador. Visión diferente de la vida.

"Mika Morózov"- se sienta en una silla, pero rueda hacia el espectador. Se transmite la emoción de los niños.

"Corista"- incompleto. Pinta con pinceladas ricas, pinceladas amplias en el follaje, pinceladas a veces verticales, a veces horizontales y de diferentes texturas ⇒ dinamismo, aire y luz. Una combinación de naturaleza y niña, frescura, espontaneidad.

"París. Bulevar de las Capuchinas" - caleidoscopio abigarrado de colores. Iluminación artificial: entretenimiento, teatralidad decorativa.

IE Grabar – comienzo volitivo y emocional.

« febrero azul» - Vi un abedul desde el nivel del suelo y me quedé estupefacto. Las campanadas del arco iris están unidas por el cielo azul. El abedul es monumental (en todo el lienzo).

"Nieve de marzo"- una niña lleva cubos sobre un yugo, la sombra de un árbol sobre la nieve derretida.

El impresionismo abrió un nuevo arte: es importante cómo ve el artista, nuevas formas y métodos de presentación. Ellos tienen un momento, nosotros tenemos un lapso de tiempo; Tenemos menos dinámica, más romanticismo.

Mane Desayuno en la hierba Mane Olympia

Manet "Bar Folies Bergère" manet Flautista"

monet "Impresión. Sol naciente Monet "Almuerzo sobre la hierba" - "Boulevard des Capucines en París"

Monet "Rocas en Belle-Ile"» Monet "Estación Saint-Lazare"

Monet "Boulevard des Capucines en París"Renoir"Balancearse"

Renoir “Baile en el Moulin de la Gallette” Renoir “Retrato de Jeanne Samary”

Renoir "Retrato de Madame Charpentier con niños"

degas "Bailarines azules" degas "Ausente"

Pissarro –"Pasaje de la Ópera en París"(serie) Pissarro "Entrada al pueblo de Voisin»

sisley “Escarcha en Louveciennes” Serov “La muchacha de los melocotones”

Serov "Niños" Serov "Mika Morozov"

Korovin “Corista” Korovin “París. Bulevar de las Capuchinas"

Grabar “Febrero Azul” Grabar “Marzo Nieve”

El arte europeo de finales del siglo XIX se enriqueció con el surgimiento del modernismo. Su influencia se extendió posteriormente a la música y la literatura. Se le llamó "impresionismo" porque se basaba en las impresiones, imágenes y estados de ánimo más sutiles del artista.

Orígenes e historia

Varios artistas jóvenes formaron un grupo en la segunda mitad del siglo XIX. Tenían un objetivo común y los mismos intereses. Lo principal para esta empresa era trabajar en la naturaleza, sin paredes de taller y sin diversos factores limitantes. En sus pinturas buscaron transmitir toda la sensualidad, la impresión del juego de luces y sombras. Paisajes y retratos reflejaban la unidad del alma con el Universo, con el mundo circundante. Sus pinturas son verdadera poesía de colores.

En 1874 se realizó una exposición de este grupo de artistas. Paisaje de Claude Monet “Impresión. Sunrise” llamó la atención del crítico, quien en su reseña llamó por primera vez a estos creadores impresionistas (del francés impresión, “impresión”).

Los requisitos previos para el nacimiento del estilo impresionista, cuyas pinturas pronto alcanzarían un éxito increíble, fueron las obras del Renacimiento. La obra de los españoles Velázquez, El Greco, el inglés Turner, Constable influyó incondicionalmente en los franceses, quienes fueron los fundadores del impresionismo.

Los representantes destacados del estilo en Francia fueron Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cézanne, Monet, Renoir y otros.

Filosofía del impresionismo en la pintura.

Los artistas que pintaron en este estilo no se propusieron atraer la atención del público sobre los problemas. En sus obras no se pueden encontrar temas sobre el tema del día; no se puede recibir una lección moral ni advertir las contradicciones humanas.

Las pinturas de estilo impresionista tienen como objetivo transmitir un estado de ánimo momentáneo y desarrollar combinaciones de colores. naturaleza misteriosa. En las obras sólo hay lugar para un comienzo positivo; los impresionistas evitaron la tristeza.

De hecho, los impresionistas no se molestaron en pensar en la trama y los detalles. El factor más importante no era qué dibujar, sino cómo representar y transmitir tu estado de ánimo.

Técnica de pintura

La diferencia entre el estilo académico de dibujo y la técnica de los impresionistas es colosal. Simplemente abandonaron muchos métodos y cambiaron algunos hasta quedar irreconocibles. Estas son las innovaciones que introdujeron:

1. Abandonamos el circuito. Fue reemplazado por trazos, pequeños y contrastantes.
2. Dejamos de usar paletas para colores que se complementan entre sí y no requieren fusionarse para lograr un efecto determinado. Por ejemplo, el amarillo es morado.
3. Dejó de pintar en negro.
4. Abandonaron por completo el trabajo en los talleres. Pintaron exclusivamente en exteriores, para que fuera más fácil capturar un momento, una imagen, un sentimiento.
5. Sólo se utilizaron pinturas con buen poder cubriente.
6. No esperamos a que se secara la nueva capa. Inmediatamente se aplicaron nuevos trazos.
7. Crearon ciclos de obras para seguir los cambios de luces y sombras. Por ejemplo, “Pajares” de Claude Monet.

Por supuesto, no todos los artistas siguieron exactamente las características del estilo impresionista. Las pinturas de Édouard Manet, por ejemplo, nunca participaron en exposiciones conjuntas y se posicionó como un artista separado. artista de pie. Edgar Degas trabajó únicamente en talleres, pero esto no perjudicó la calidad de sus obras.

Representantes del impresionismo francés.

La primera exposición de obras impresionistas se remonta a 1874. 12 años después tuvo lugar su última exposición. La primera obra de este estilo se puede llamar "Almuerzo sobre la hierba" de E. Manet. Este cuadro fue presentado en el "Salón de los Rechazados". Fue recibido con hostilidad porque era muy diferente de los cánones académicos. Es por ello que Manet se convierte en una figura en torno a la cual se congrega un círculo de seguidores de este movimiento estilístico.

Desafortunadamente, los contemporáneos no apreciaron un estilo como el impresionismo. Las pinturas y los artistas existían en desacuerdo con el arte oficial.

Poco a poco, Claude Monet pasó a primer plano en el grupo de pintores, que más tarde se convertiría en su líder y principal ideólogo del impresionismo.

Claude Monet (1840-1926)

La obra de este artista se puede calificar como un canto al impresionismo. Fue él quien fue el primero en abandonar el uso del negro en sus pinturas, citando el hecho de que incluso las sombras y la noche tienen tonos diferentes.

El mundo en las pinturas de Monet son contornos poco claros, trazos espaciosos, al mirarlos se puede sentir todo el espectro del juego de colores del día y la noche, las estaciones y la armonía del mundo sublunar. Sólo un momento arrebatado al flujo de la vida, en opinión de Monet, es impresionismo. Sus pinturas parecen no tener materialidad, todas están saturadas de rayos de luz y corrientes de aire.

Claude Monet creó obras asombrosas: "Gare Saint-Lazare", "Catedral de Rouen", la serie "Puente de Charing Cross" y muchas otras.

Augusto Renoir (1841-1919)

Las creaciones de Renoir crean la impresión de extraordinaria ligereza, ligereza y etérea. La trama nació como por casualidad, pero se sabe que el artista pensó cuidadosamente en todas las etapas de su trabajo y trabajó desde la mañana hasta la noche.

Una característica distintiva de la obra de O. Renoir es el uso del esmalte, que solo es posible cuando la pintura en las obras del artista se manifiesta en cada trazo. Percibe al hombre como una partícula de la naturaleza misma, razón por la cual hay tantos cuadros con desnudos.

El pasatiempo favorito de Renoir era representar a una mujer en toda su atractiva y atractiva belleza. Los retratos ocupan un lugar especial en vida creativa artista. "Paraguas", "La chica del abanico", "El desayuno de los remeros" son sólo una pequeña parte de la asombrosa colección de pinturas de Auguste Renoir.

Georges Seurat (1859-1891)

Seurat asoció el proceso de creación de pinturas con la fundamentación científica de la teoría del color. El ambiente luminoso se dibujó basándose en la dependencia de los tonos principales y adicionales.

A pesar de que J. Seurat es un representante de la etapa final del impresionismo y su técnica difiere en muchos aspectos de la de los fundadores, él, de la misma manera, crea con la ayuda de trazos una representación ilusoria de una forma de objeto, que se puede ver y ver sólo desde la distancia.

Las pinturas "Tarde de domingo", "Cancán", "Modelos" pueden considerarse obras maestras de la creatividad.

Representantes del impresionismo ruso.

El impresionismo ruso surgió casi de forma espontánea, mezclando muchos fenómenos y métodos. Sin embargo, la base, como los franceses, fue una visión natural del proceso.

En el impresionismo ruso, aunque se conservaron los rasgos de los franceses, los rasgos naturaleza nacional y los estados de ánimo produjeron cambios significativos. Por ejemplo, se expresaron visiones de nieve o paisajes del norte mediante técnicas inusuales.

En Rusia, pocos artistas trabajaron en estilo impresionista y sus pinturas todavía llaman la atención hasta el día de hoy.

El período impresionista se puede distinguir en la obra de Valentin Serov. Su “Niña con melocotones” es el ejemplo y estándar más claro de este estilo en Rusia.

Los cuadros cautivan por su frescura y armonía de colores puros. El tema principal de la obra de este artista es la representación del hombre en la naturaleza. "Northern Idyll", "In a Boat", "Fedor Chaliapin" son hitos brillantes en la obra de K. Korovin.

Impresionismo en los tiempos modernos

Actualmente, esta dirección del arte ha cobrado nueva vida. Varios artistas pintan sus cuadros con este estilo. El impresionismo moderno existe en Rusia (Andre Cohn), en Francia (Laurent Parselier), en Estados Unidos (Diana Leonard).

Andre Cohn es el más representante destacado nuevo impresionismo. Sus pinturas al óleo sorprenden por su sencillez. El artista ve la belleza en las cosas cotidianas. El creador interpreta muchos objetos a través del prisma del movimiento.

El mundo entero conoce las acuarelas de Laurent Parselier. Su serie de obras "Strange World" se publicaron en forma de postales. Magníficos, vibrantes y sensuales, te dejarán sin aliento.

Como en el siglo XIX, en actualmente Los artistas siguen pintando al aire libre. Gracias a ella, el impresionismo vivirá para siempre. los artistas continúan inspirándose, impresionados y alentados.

Introducción

El impresionismo como fenómeno en el arte.

Impresionismo en la pintura.

Artistas impresionistas

3.1 Claudio Monet

3.2 Édgar Degas

3.3 Alfred Sisley

3.4 Camille Pissarro

Conclusión

Bibliografía

Introducción

Este ensayo está dedicado al impresionismo en el arte - pintura.

El impresionismo es uno de los fenómenos más brillantes e importantes del arte europeo, que determinó en gran medida todo el desarrollo del arte moderno. Actualmente, las obras de los impresionistas, que en su época no fueron reconocidas, son muy valoradas y sus méritos artísticos son innegables. La relevancia del tema elegido se explica por la necesidad de que todo hombre moderno comprenda los estilos artísticos y conozca los principales hitos de su desarrollo.

Elegí este tema porque el impresionismo fue una especie de revolución en el arte, que cambió la idea de las obras de arte como cosas holísticas y monumentales. El impresionismo puso en primer plano la individualidad del creador, su propia visión del mundo, relegando a un segundo plano los temas políticos y religiosos y las leyes académicas. Es interesante que las emociones y las impresiones, y no la trama y la moralidad, desempeñaran el papel principal en las obras de los impresionistas.

Impresionismo (fr. impresionismo, de impresión- impresión) - un movimiento en el arte del último tercio del siglo XIX y principios del XX, que se originó en Francia y luego se extendió por todo el mundo, cuyos representantes buscaron capturar de la manera más natural e imparcial el mundo real en su movilidad y variabilidad. para transmitir sus fugaces impresiones. Normalmente el término "impresionismo" se refiere a un movimiento en la pintura, aunque sus ideas también han encontrado su plasmación en la literatura y la música.

El término "impresionismo" surgió con mano ligera crítico de la revista “Le Charivari” Louis Leroy, quien tituló su feuilleton sobre el Salón de Los Miserables “Exposición de los Impresionistas”, tomando como base el título de este cuadro de Claude Monet.

Augusto Renoir piscina infantil, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Orígenes

Durante el Renacimiento, los pintores de la escuela veneciana intentaron transmitir la realidad viva utilizando colores vivos y tonos intermedios. Los españoles aprovecharon sus experiencias, expresadas más claramente en artistas como El Greco, Velázquez y Goya, cuyo trabajo posteriormente tuvo una seria influencia en Manet y Renoir.

Al mismo tiempo, Rubens coloreaba las sombras de sus lienzos, utilizando tonos intermedios transparentes. Como observó Delacroix, Rubens representó la luz con tonos sutiles y refinados, y las sombras con colores más cálidos y ricos, transmitiendo el efecto del claroscuro. Rubens no utilizó el negro, que más tarde se convertiría en uno de los principios fundamentales de la pintura impresionista.

Edouard Manet fue influenciado por el artista holandés Frans Hals, quien pintaba con trazos nítidos y amaba el contraste entre colores brillantes y negro.

La transición de la pintura al impresionismo también fue preparada por pintores ingleses. Durante la guerra franco-prusiana (1870-1871), Claude Monet, Sisley y Pissarro fueron a Londres para estudiar a los grandes paisajistas Constable, Bonington y Turner. En cuanto a este último, ya en sus obras posteriores se nota cómo desaparece la conexión con la imagen real del mundo y se retira a la transmisión individual de impresiones.

Eugène Delacroix tuvo una fuerte influencia, ya distinguía entre el color local y el color adquirido bajo la influencia de la luz, sus acuarelas pintadas en el norte de África en 1832 o en Etretat en 1835, y especialmente el cuadro “El mar en Dieppe” (1835) permiten Nos permite hablar de él como un predecesor de los impresionistas.

El último elemento que influyó en los innovadores fue el arte japonés. Desde 1854, gracias a las exposiciones celebradas en París, los jóvenes artistas han descubierto a maestros del grabado japonés como Utamaro, Hokusai o Hiroshige. Una disposición especial, hasta ahora desconocida en las bellas artes europeas, de una imagen en una hoja de papel (una composición desplazada o una composición inclinada, una representación esquemática de la forma, una inclinación por la síntesis artística) se ganó el favor de los impresionistas y sus seguidores.

Historia

Edgar Degas, bailarines azules, 1897, Museo Pushkin im. Pushkin, Moscú

El inicio de la búsqueda de los impresionistas se remonta a la década de 1860, cuando los artistas jóvenes ya no estaban satisfechos con los medios y objetivos del academicismo, por lo que cada uno de ellos buscó de forma independiente otras formas de desarrollar su estilo. En 1863, Edouard Manet expuso el cuadro "Almuerzo sobre la hierba" en el Salón de los Rechazados y habló activamente en reuniones de poetas y artistas en el café Guerbois, a las que asistieron todos los futuros fundadores del nuevo movimiento, gracias a lo cual se convirtió en el principal defensor del arte moderno.

En 1864, Eugene Boudin invitó a Monet a Honfleur, donde pasó todo el otoño observando a su maestro pintar estudios con pasteles y acuarelas, y a su amigo Yonkind aplicando pintura a sus obras con trazos vibrantes. Fue aquí donde le enseñaron a trabajar al aire libre y a pintar con colores claros.

En 1871 durante Guerra franco-prusiana, Monet y Pissarro parten hacia Londres, donde conocen la obra del predecesor del impresionismo, William Turner.

Claude Monet. Impresión. Amanecer. 1872, Museo Marmottan-Monet, París.

Origen del nombre

La primera exposición importante de los impresionistas tuvo lugar del 15 de abril al 15 de mayo de 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar. Allí se presentaron 30 artistas, con un total de 165 obras. Lienzo de Monet - “Impresión. Sol naciente" ( Impresión, soleil levant), actualmente en el Museo Marmottin de París, escrito en 1872, dio origen al término "Impresionismo": el poco conocido periodista Louis Leroy, en su artículo en la revista "Le Charivari", llamó al grupo "Impresionistas" para expresar su desdén. Los artistas, por desafío, aceptaron este epíteto; luego echó raíces, perdió su significado negativo original y entró en uso activo.

El nombre “impresionismo” carece de significado, a diferencia del nombre “Escuela de Barbizon”, donde al menos hay una indicación de la ubicación geográfica del grupo artístico. Hay aún menos claridad con algunos artistas que no fueron incluidos formalmente en el círculo de los primeros impresionistas, aunque sus técnicas y medios técnicos son completamente "impresionistas" (Wistler, Edouard Manet, Eugene Boudin, etc.) Además, los medios técnicos de Los impresionistas eran conocidos mucho antes del siglo XIX y fueron utilizados (parcialmente, de forma limitada) por Tiziano y Velásquez, sin romper con las ideas dominantes de su época.

Había otro artículo (de Emil Cardón) y otro título: “Exposición Rebelde”, que era absolutamente desaprobador y condenatorio. Fue precisamente esto lo que reprodujo fielmente la actitud de desaprobación del público burgués y la crítica hacia los artistas (impresionistas), que había prevalecido durante años. Los impresionistas fueron inmediatamente acusados ​​de inmoralidad, sentimientos rebeldes y falta de respetabilidad. Por el momento, esto es sorprendente, porque no está claro qué hay de inmoral en los paisajes de Camille Pissarro, Alfred Sisley, las escenas cotidianas de Edgar Degas, las naturalezas muertas de Monet y Renoir.

Han pasado décadas. Y la nueva generación de artistas llegará a un verdadero colapso de las formas y al empobrecimiento de los contenidos. Luego, tanto la crítica como el público vieron a los impresionistas condenados como realistas y, un poco más tarde, como clásicos del arte francés.

El impresionismo como fenómeno en el arte.

El impresionismo, uno de los movimientos más brillantes e interesantes del arte francés del último cuarto del siglo XIX, nació en un entorno muy complejo, caracterizado por la diversidad y los contrastes, lo que impulsó el surgimiento de muchos movimientos modernos. El impresionismo, a pesar de su corta duración, tuvo una influencia significativa en el arte no solo de Francia, sino también de otros países: Estados Unidos, Alemania (M. Lieberman), Bélgica, Italia e Inglaterra. En Rusia, la influencia del impresionismo la experimentaron K. Balmont, Andrei Bely, Stravinsky, K. Korovin (el más cercano en su estética a los impresionistas), los primeros V. Serov y I. Grabar. El impresionismo fue el último movimiento artístico importante en Francia XIX siglo, que marcó la línea entre el arte de los tiempos Nuevo y Contemporáneo.

Según M. Aplatov, “probablemente no existía el impresionismo puro. El impresionismo no es una doctrina, no podría haber canonizado formas... Los artistas impresionistas franceses tienen una u otra de sus características en diversos grados”. Por lo general, el término "impresionismo" se refiere a un movimiento en la pintura, aunque sus ideas han encontrado su encarnación en otras formas de arte, por ejemplo, en la música.

El impresionismo es, ante todo, el arte de observar la realidad, transmitir o crear una impresión que ha alcanzado una sofisticación sin precedentes, un arte en el que la trama no importa. Esta es una realidad artística nueva y subjetiva. Los impresionistas propusieron sus propios principios de percepción y visualización del mundo circundante. Borraron la línea entre los principales temas dignos arte alto y materias secundarias.

Un principio importante del impresionismo fue evitar la tipicidad. La inmediatez y la mirada casual han entrado en el arte; parece que los cuadros impresionistas fueron pintados por un simple transeúnte que caminaba por los bulevares y disfrutaba de la vida. Fue una revolución en la visión.

La estética del impresionismo se desarrolló en parte como un intento de liberarse decisivamente de las convenciones del arte clasicista, así como del simbolismo persistente y la profundidad de la pintura del romanticismo tardío, que sugería ver significados cifrados en todo lo que necesitaba una interpretación cuidadosa. El impresionismo no solo afirma la belleza de la realidad cotidiana, sino que también hace artísticamente significativa la variabilidad posconstante del mundo circundante, la naturalidad de las impresiones espontáneas, impredecibles y aleatorias. Los impresionistas se esfuerzan por capturar su atmósfera colorida sin detallarla ni interpretarla.

Como movimiento artístico, el impresionismo, particularmente en pintura, agotó rápidamente sus capacidades. El impresionismo clásico francés era demasiado estrecho y pocos permanecieron fieles a sus principios durante toda su vida. En el proceso de desarrollo del método impresionista, la subjetividad de la percepción pictórica superó a la objetividad y ascendió a un nivel formal cada vez más alto, abriendo el camino a todos los movimientos del postimpresionismo, incluido el simbolismo de Gauguin y el expresionismo de Van Gogh. Pero, a pesar del estrecho período de tiempo, solo dos décadas, el impresionismo llevó el arte a un nivel fundamentalmente diferente y tuvo un impacto significativo en todo: pintura moderna, música y literatura, además de cine.

El impresionismo introdujo nuevos temas; Las obras de estilo maduro se distinguen por una vitalidad brillante y espontánea, el descubrimiento de nuevas posibilidades artísticas del color, la estetización de una nueva técnica pictórica y la estructura misma de la obra. Son estas características que surgieron en el impresionismo las que se desarrollan aún más en el neoimpresionismo y el postimpresionismo. La influencia del impresionismo como aproximación a la realidad o como sistema de técnicas expresivas se ha abierto paso en casi todos escuelas de arte A principios del siglo XX se convirtió en el punto de partida para el desarrollo de una serie de tendencias, incluido el arte abstracto. Algunos principios del impresionismo (la transmisión del movimiento instantáneo, la fluidez de la forma) aparecieron en diversos grados en la escultura de la década de 1910, en E. Degas, el p. Rodin, M. Golubkina. El impresionismo artístico enriqueció enormemente los medios de expresión en la literatura (P. Verlaine), la música (C. Debussy) y el teatro.

2. Impresionismo en la pintura.

En la primavera de 1874, un grupo de jóvenes pintores, entre ellos Monet, Renoir, Pizarro, Sisley, Degas, Cézanne y Berthe Morisot, descuidaron el Salón oficial y organizaron su propia exposición, convirtiéndose posteriormente en las figuras centrales del nuevo movimiento. Tuvo lugar del 15 de abril al 15 de mayo de 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar en París, en el Boulevard des Capucines. Allí se presentaron 30 artistas, con un total de 165 obras. Semejante acto en sí fue revolucionario y rompió con cimientos centenarios, pero las pinturas de estos artistas a primera vista parecían aún más hostiles a la tradición. Pasaron años antes de que estos clásicos de la pintura reconocidos posteriormente pudieran convencer al público no sólo de su sinceridad, sino también de su talento. Todos estos artistas tan diferentes estaban unidos por una lucha común contra el conservadurismo y el academicismo en el arte. Los impresionistas realizaron ocho exposiciones, la última en 1886.

Fue en la primera exposición, celebrada en 1874 en París, cuando apareció el cuadro de un amanecer de Claude Monet. Atrajo la atención de todos principalmente por su título inusual: “Impresión. Amanecer". Pero la pintura en sí era inusual; transmitía ese juego cambiante y casi esquivo de colores y luces. Fue el nombre de esta pintura, "Impresión", gracias a la burla de uno de los periodistas, el que sentó las bases de todo un movimiento en la pintura llamado impresionismo (de la palabra francesa "impresión" - impresión).

Tratando de expresar con la mayor precisión posible sus impresiones directas de las cosas, los impresionistas crearon un nuevo método de pintura. Su esencia era transmitir la impresión externa de luces, sombras y reflejos en la superficie de los objetos con pinceladas separadas de pintura pura, que disolvían visualmente la forma en el ambiente luminoso circundante.

La verosimilitud fue sacrificada a la percepción personal: los impresionistas podían, según su visión, pintar el cielo de verde y la hierba de azul, las frutas de sus naturalezas muertas eran irreconocibles, las figuras humanas eran vagas y esbozadas. Lo importante no era lo que se representaba, sino “cómo”. El objeto se convirtió en un motivo para resolver problemas visuales.

El método creativo del impresionismo se caracteriza por la brevedad y la brevedad. Después de todo, sólo un breve boceto permitió registrar con precisión los estados individuales de la naturaleza. Lo que antes sólo se permitía en bocetos ahora se ha convertido en caracteristica principal pinturas terminadas. Los artistas impresionistas intentaron con todas sus fuerzas superar la naturaleza estática de la pintura y capturar para siempre la belleza de un momento fugaz. Comenzaron a utilizar composiciones asimétricas para resaltar mejor los personajes y objetos que les interesaban. En determinadas técnicas de construcción impresionista de la composición y el espacio, se nota la influencia de la pasión por la propia época: no la antigüedad como antes, los grabados japoneses (maestros como Katsushika Hokusai, Hiroshige, Utamaro) y en parte la fotografía, sus primeros planos y sus nuevos. puntos de vista.

Los impresionistas también actualizaron su combinación de colores; abandonaron las pinturas y barnices oscuros y terrosos y aplicaron colores puros y espectrales al lienzo, casi sin mezclarlos primero en la paleta. La negrura convencional, de “museo”, en sus lienzos da paso a un juego de sombras de colores.

Gracias a la invención de los tubos metálicos de pintura, prefabricados y portátiles, que sustituyeron a las antiguas pinturas hechas a mano con óleo y pigmentos en polvo, los artistas pudieron salir de sus estudios para trabajar al aire libre. Trabajaron muy rápido, porque el movimiento del sol cambiaba la iluminación y el color del paisaje. A veces aplicaban pintura directamente del tubo sobre el lienzo y producían colores puros y brillantes con un efecto de pincelada. Al colocar un trazo de una pintura al lado de otra, a menudo dejaban la superficie de las pinturas áspera. Para preservar la frescura y variedad de colores naturales en la imagen, los impresionistas crearon un sistema de pintura que se distingue por la descomposición de tonos complejos en colores puros y la interpenetración de trazos separados de color puro, como si se mezclaran en el ojo del espectador, con Sombras coloreadas y percibidas por el espectador según la ley de los colores complementarios.

Buscando la máxima inmediatez en la transmisión del mundo circundante, los impresionistas, por primera vez en la historia del arte, comenzaron a pintar principalmente al aire libre y aumentaron la importancia de los bocetos del natural, que casi reemplazaron el tipo de pintura tradicional, cuidadosamente y creado lentamente en el estudio. Debido al propio método de trabajo al aire libre, el paisaje, incluido el paisaje urbano que descubrieron, ocupó un lugar muy importante en el arte de los impresionistas. El tema principal para ellos era la luz temblorosa, el aire en el que parecían estar sumergidos personas y objetos. En sus cuadros se podía sentir el viento, la tierra mojada calentada por el sol. Buscaban mostrar la asombrosa riqueza de color de la naturaleza.

Impresionismo introdujo nuevos temas en el arte: la vida cotidiana de la ciudad, los paisajes callejeros y el entretenimiento. Su abanico temático y argumental era muy amplio. En sus paisajes, retratos y composiciones de múltiples figuras, los artistas se esfuerzan por preservar la imparcialidad, la fuerza y ​​la frescura de la “primera impresión”, sin entrar en detalles individuales, donde el mundo es un fenómeno en constante cambio.

El impresionismo se distingue por su vitalidad brillante e inmediata. Se caracteriza por la individualidad y el valor estético de las pinturas, su deliberada aleatoriedad e incompletitud. En general, las obras de los impresionistas se distinguen por su alegría y pasión por la belleza sensual del mundo.