tisková zpráva

V Dálném východě zimní festival věnovaný

55. výročí Státního institutu umění Dálného východu

V roce 2017 slaví Státní institut Dálného východu své 55. výročí.

První univerzita v Rusku, která spojovala tři druhy umění – hudbu, divadlo, malířství – byla založena jako Pedagogický institut umění Dálného východu. V roce 30. výročí (1992) byl přejmenován na Far Eastern State Institute of Arts, v roce 2000 se institut stal akademií, v roce 2015 byl opět přejmenován na Far Eastern State Institute of Arts.

Ve společné přípravě hudebníků, výtvarníků, činoherních umělců a režisérů mělo najít mnoho styčných bodů: společné nebo příbuzné obory, široké možnosti, které se otevírají v oblasti syntetických umění, například opera, kde hudba, malba a divadlo se spojují, kreativně se vzájemně obohacují komunikace.

Ministerstvo kultury vzalo vznik nové univerzity vážně. Byly vydány odpovídající příkazy: o přidělení záštity nad hudební fakultou - Moskevskou státní konzervatoří. Čajkovskij; přes divadelní fakultu - do Státního ústavu divadelního umění. Lunacharský; nad výtvarnou fakultou - Ústavem malířství, sochařství a architektury. Repin. Kromě toho bylo těmto vzdělávacím institucím nařízeno darovat ze svých fondů stojany, knihy o umění, akademické práce, odlitky starověkých hlav pro kreslení, hudební nástroje, poznámky, knihy pro knihovnu. Střední vzdělávací instituce - zajistit dostatečný počet uchazečů o Pedagogický institut umění Dálného východu.

Vytvoření Institutu umění se stalo událostí v kulturním životě Přímořského kraje a celého Dálného východu. Naskytla se příležitost vyškolit vysoce kvalifikovaný personál pro divadla, orchestry, učitele pro školy a vysoké školy a umělce.

Základ vysokoškolského vzdělávání v oblasti umění na Dálném východě položili vynikající učitelé, absolventi centrálních univerzit: Moskevská konzervatoř: V.A. Guterman, M.R. Dreyer, V. M. Kasatkin, E. A. Kalganov, A. V. Mitin; absolventi Leningradské konzervatoře: A.S. Vvedensky, E.G. Urinson; Uralská konzervatoř - A.I. Zhilin, Oděská konzervatoř - S.L. Yaroshevich, GITIS - O.I. Starostin a B.G. Kulnev, absolvent Leningradského uměleckého institutu. Repin V.A. Goncharenko a další. Hudební obor začal studovat podle obvyklého plánu konzervatoří, výtvarný obor - podle plánu ústavu. Surikov, divadelní - dle plánu školy. Ščepkin.

Státní institut umění na Dálném východě je od samého počátku až do současnosti centrem profesionálního hudebního, divadelního a výtvarného vzdělávání na Dálném východě. Ústav vytvořil třístupňový systém uměleckého vzdělávání (dětská umělecká škola - vysoká škola - kreativní univerzita):

dětské estetické centrum "World of Art", dětská umělecká škola;

Vysoká škola hudební;

vysoká škola: programy specialisty, bakalářské, magisterské, postgraduální a asistentské stáže; doplňkové programy pro pokročilé školení a profesní rekvalifikaci.

Ústav má tři fakulty: hudební (konzervatoř), divadelní a výtvarnou, je vytvořeno zahraniční oddělení (od roku 1998).

Státní institut umění Dálného východu je členem Společné rady pro disertaci D 999.025.04 na Federální univerzitě Dálného východu (speciality 17.00.02 - Hudební umění (dějiny umění) a 24.00.01 - Teorie a dějiny kultury (Dějiny umění) a kulturní studia).

Vědecká a tvůrčí činnost ústavu je rozsáhlá a pestrá. Zde je jen několik nejvýznamnějších projektů:

"Kultura Dálného východu Ruska a zemí asijsko-pacifického regionu: Východ - Západ" - výroční vědecká konference

I a II Všeruská hudební soutěž (regionální scény).

Mezinárodní soutěž mladých hudebníků-interpretů "Muzikál Vladivostok"

"Umění Vladivostok" - Mezinárodní výstava-soutěž tvůrčích prací studentů a mladých umělců Dálného východu, Ruska a zemí APEC.

Všeruská olympiáda v hudebně teoretických předmětech "Mistrovská díla světové hudební kultury" pro studenty odborných vzdělávacích institucí a dětských uměleckých škol.

Regionální kreativní škola "Divadelní surf"

"Debut mladých hudebníků-performerů, laureátů mezinárodních soutěží - obyvatel měst a obcí Dálného východu".

Profesní rozvoj učitelů vzdělávací instituce oboru kultury a umění kultury a všeobecně vzdělávací školy "Akademie umění".

I Dálný východ soutěž-festival populární hudby.

Krajský festival dětské tvořivosti.

Festival zimního umění Dálného východu

Soutěž múzických umění Dálného východu "Zlatý klíč" pro učitele dětských hudebních škol a dětských uměleckých škol pojmenovaných po. G.Ya.Nizovský.

I Mezinárodní rusko-čínský dětský umělecký festival „Východní kaleidoskop“.

Soutěž čtenářů Dálného východu „Moje láska je moje Rusko“

Krajská soutěž interpretů soudobé hudby.

Soutěž o nejlepší provedení děl skladatelů druhé poloviny 20. století

"Tkačevské čtení" - soutěž čtenářů. Lidový umělec Ruské federace L.A. Tkačev, "Divadelní naděje"

"plein air"

Vzdálené mistrovské kurzy pomocí Disklavier. Vladivostok - Moskva.

« Z historie tvůrčích škol Institutu umění: původ, tradice, vynikající učitelé…“.

AKTUÁLNÍ KREATIVNÍ TÝM:

Symfonický orchestr - laureát Grand Prix VII. Dálného východu soutěže instrumentální hudby "Metronom".

Orchestr lidových nástrojů- vítěz prvních cen IV. a V. mezinárodních soutěží pro mladé hudebníky-interprety "Muzikál Vladivostok" 2005–2007, vítěz Grand Prix V všeruské soutěže pojmenované po. N.N. Kalinina (Petrohrad, 2009)

Akademický sbor - Laureát regionální soutěže „Singing Ocean“, vítěz Grand Prix VI Mezinárodní soutěže „Musical Vladivostok“.

Soubor komorní hudby "Concertone" - Laureát mezinárodní soutěže Shenderev (1997, III cena), II. mezinárodní soutěž v Pekingu (1999, II cena).

Ruské instrumentální trio "Vladivostok" ve stejném složení od svého založení v roce 1990: Ctění umělci Ruské federace Nikolaj Ljachov (balalajka), Alexander Kapitan (knoflíkový akordeon), Sergej Arbuz (kontrabas balalajka).

Laureáti: Mezinárodní soutěž pojmenovaná po. G.Shendereva (Rusko, 1997 - Stříbrný diplom); 17. mezinárodní soutěž "Grand Prix" (Francie, Bischwiller, 1997 - Grand Prix a zlatá medaile); II Mezinárodní soutěž hráčů na bajan-akordeon (Čína, Peking, 1999 - 1. cena); 38. mezinárodní soutěž Bayan akordeonů, (Německo, Klingenthal, 2001 - 3. cena).

operní studio- Laureát 1. ceny mezinárodní soutěže "Muzikál Vladivostok" (2014, 2016)

Trio "Expecto" - laureát mezinárodních soutěží pro bayan-akordeonisty v Harbinu (ČLR, 2014, 1 cena), v Castelfidardo (Itálie), 2015, 1 cena, „zlatá medaile“.

Kvartet "Koláž" laureát mezinárodních soutěží pro hráče na bajan-akordeon v Harbinu (ČLR, 2016, 1 cena).

Trio "Orient" laureát mezinárodní soutěže v Lancianu (Itálie, 2014, 1 cena).

Absolventi, kteří významně přispěli k rozvoji kultury,

umění a umělecké vzdělávání

Muzikologové, doktoři dějin umění: profesor Ruské státní pedagogické univerzity. Hercena E.V. Gertsman, profesor Petrohradské konzervatoře, Ctěný umělecký pracovník Karélie U Gen-Ir, profesor Moskevské státní konzervatoře. P.I. Čajkovskij R.L. Pospelová, profesorka Ruské akademie věd. Gnesinykh E.M. Alkon, profesor katedry výtvarných umění Školy umění a sportu Federální univerzity Dálného východu G.V. Alekseeva, profesor Moskevského státního institutu kultury N.I. Efimová, profesorka, herectví Vedoucí katedry filozofie, historie, teorie kultury a umění Moskevského státního hudebního institutu. A.G. Schnittke A.G. Alyabiev, profesor Státního institutu umění Dálného východu O.M. Shushkova, Yu.L. Fidenko.

Účinkující hudebníci: Ctěný umělec Ruské federace, vedoucí souboru "Jang" N.I. Erdenko, ctěný umělec Ruské federace, vedoucí katedry orchestrálního dirigování, profesor Ruské hudební akademie. Gnesinykh B.S. Raven, ctěný umělec Ruské federace, profesor F.G. Kalman, ctěný umělec Ruské federace, profesor A.K. Kapitán, laureát mezinárodní soutěže, zasloužilý umělec RS (Y), profesor katedry orchestrálních smyčcových nástrojů Vyšší hudební školy RS (Y) (Institut) pojmenovaný po. V.A. Bosíková O.G. Košelev.

Herci: Lidoví umělci Ruské federace A. Michajlov, S. Stěpančenko, Ju. Kuzněcov, S. Strugačov, laureát státní ceny V. Priemychov, zasloužilá umělkyně Ruské federace V. Tsyganova; Lidoví umělci Ruské federace, herci regionálního činoherního divadla Primorsky. Gorkij, profesor katedry dovedností herce A.P. Slavsky, V.N. Sergiyakov, lidový umělec Ruské federace, laureát ceny ruské vlády v oblasti kultury, umělecký ředitel Přímořského oblastního akademického divadla pojmenovaného po M. Gorkij E.S. Zvenyatsky, vážení umělci A.I. Záporoží, S. Salakhutdinová.

Ctění umělci Ruské federace S.A. Litvínov, S.M. Čerkasov, I.I. Dunkay.

Zveme všechny na koncerty

V Festival zimního umění Dálného východu,

Informace o koncertech - na webu www.dv-art.ru

Domů > Dokument

Dmitrij Borovský, květen 1998

Umění: Přehled Dálného východu

Rozlehlý region, konvenčně označovaný jako Dálný východ, zahrnuje Čínu, Japonsko, Koreu, Mongolsko a Tibet – země, které mají řadu podobností, ale zároveň významné rozdíly v kultuře.

Všechny země Dálného východu byly ovlivněny starověkými civilizacemi Číny a Indie, kde již v 1. tisíciletí př. n. l. vznikla filozofická a náboženská učení, která položila základ konceptu přírody jako uceleného Kosmu – živého a zduchovnělého organismus, který žije podle svých vlastních zákonů.

Příroda byla v centru filozofického a uměleckého pátrání celého středověku a její zákony byly považovány za univerzální, určující život a vztahy lidí. Vnitřní svět člověka byl srovnáván s rozmanitými projevy přírody. To ovlivnilo vývoj symbolické metody ve výtvarném umění a definovalo její alegorický poetický jazyk. V Číně, Japonsku a Koreji se pod vlivem takového přístupu k přírodě utvářely druhy a žánry umění, budovaly se architektonické soubory úzce spjaté s okolní krajinou, zrodilo se krajinářské umění a nakonec vznikla krajinomalba.

Pod vlivem starověké indické civilizace se začal šířit buddhismus, hinduismus se začal šířit také v Mongolsku a Tibetu. Tyto náboženské systémy přinesly do zemí Dálného východu nejen nové myšlenky, ale měly přímý vliv i na rozvoj umění. Díky buddhismu se ve všech zemích regionu objevil dříve neznámý nový umělecký jazyk sochařství a malířství, vznikaly soubory, jejichž charakteristickým rysem byla interakce architektury a výtvarného umění.

Rysy obrazu buddhistických božstev v sochařství a malířství se vyvíjely po mnoho staletí jako zvláštní symbolický jazyk, který vyjadřoval představy o vesmíru, mravních zákonech a osudu člověka. Kulturní zkušenost a duchovní tradice mnoha národů tak byly upevněny a zachovány. Obrazy buddhistického umění ztělesňovaly myšlenky konfrontace dobra a zla, milosrdenství, lásky a naděje. Všechny tyto vlastnosti určovaly originalitu a univerzální význam vynikajících výtvorů umělecké kultury Dálného východu.

Umění: Japonsko

Japonsko se nachází na ostrovech Tichého oceánu, táhnoucích se podél východního pobřeží asijské pevniny od severu k jihu. Japonské ostrovy se nacházejí v oblasti náchylné k častým zemětřesením a tajfunům. Obyvatelé ostrovů jsou zvyklí být neustále ve střehu, spokojit se se skromným životem, rychle obnovovat své domovy a domácnosti po přírodních katastrofách. Navzdory přírodním živlům, které neustále ohrožují blaho lidí, japonská kultura odráží touhu po harmonii s vnějším světem, schopnost vidět krásu přírody ve velkém i malém. V japonské mytologii byli božskí manželé Izanagi a Izanami považováni za předky všeho na světě. Z nich vzešla triáda velkých bohů: Amaterasu - bohyně Slunce, Tsukiyomi - bohyně Měsíce a Susanoo - bůh bouře a větru. Podle představ starých Japonců božstva neměla viditelný vzhled, ale byla ztělesněna v samotné přírodě – nejen ve Slunci a Měsíci, ale také v horách a skalách, řekách a vodopádech, stromech a trávách, které byli uctíváni jako duchové-kami (slov kami znamená v japonštině božský vítr). Toto zbožštění přírody přetrvalo po celé období středověku a bylo tzv šintoismus - cesta bohů, stát se japonským národním náboženstvím; Evropané tomu říkají šintoismus.

Počátky japonské kultury mají kořeny ve starověku. Nejstarší umělecká díla pocházejí ze 4. až 2. tisíciletí před naším letopočtem. Nejdelší a nejplodnější pro japonské umění bylo období středověku (6..19. století).

Umění: Japonsko: Architektura: Tradiční japonský dům

Design tradičního japonského domu vyvinutého v 17.-18. století. Jedná se o dřevěný rám se třemi pohyblivými stěnami a jednou pevnou. Stěny nenesou funkci podpěry, takže je lze od sebe oddálit nebo dokonce odstranit a zároveň slouží jako okno. V teplém období byly stěny příhradové konstrukce, přelepené průsvitným papírem, který propouštěl světlo, a v chladném a deštivém období byly zakryty nebo nahrazeny dřevěnými panely. Při vysoké vlhkosti v japonském klimatu musí být dům odvětráván zespodu. Proto je zvýšena nad úroveň terénu o 60 cm.Pro ochranu opěrných pilířů před rozpadem byly instalovány na kamenné základy.

Lehký dřevěný rám měl potřebnou flexibilitu, která snižovala ničivou sílu výtlaku při častých zemětřesení v zemi. Střecha, tašková nebo rákosová, měla velké baldachýny, které chránily papírové stěny domu před deštěm a spalujícím letním sluncem, ale nezadržovaly nízké sluneční světlo v zimě, brzy na jaře a pozdním podzimu. Pod baldachýnem střechy byla veranda.

Podlaha obytných místností byla pokryta rohožemi - tatami, které většinou spíše seděly než stály. Proto byly všechny proporce domu zaměřeny na sedícího člověka. Protože v domě nebyl stálý nábytek, spali na podlaze, na speciálních silných matracích, které se přes den odkládaly do skříní. Jedli, seděli na podložkách, u nízkých stolků, sloužili i k různým činnostem. Posuvné vnitřní příčky, potažené papírem nebo hedvábím, mohly rozdělit vnitřní prostory v závislosti na potřebách, což umožnilo jejich rozmanitější využití, nicméně nebylo možné, aby se každý z jeho obyvatel v domě zcela odebral, což ovlivnilo vnitřní prostory. -rodinné vztahy v japonské rodině a v obecnějším smyslu - o rysech národního charakteru Japonců.

Důležitý detail domu - výklenek umístěný poblíž pevné zdi - tokonama, kde mohl viset obrázek nebo kompozice květin - ikebana. Bylo to duchovní centrum domu. Ve výzdobě niky se projevily individuální kvality obyvatel domu, jejich vkus a umělecké sklony.

Pokračováním tradičního japonského domu bylo zahrada. Hrál roli plotu a zároveň propojoval dům s prostředím. Odsunutím vnějších stěn domu od sebe zmizela hranice mezi vnitřním prostorem domu a zahradou a vznikl pocit blízkosti přírody, přímé komunikace s ní. To byl důležitý rys národního postoje. Japonská města však rostla, velikost zahrady se zmenšovala, často ji nahrazovala malá symbolická kompozice květin a rostlin, které plnily stejnou roli kontaktu obydlí s přírodou.

Umění: Japonsko: Ikebana

Umění aranžovat květiny do váz - ikebana (květinový život) - pochází ze starověkého zvyku pokládat květiny na oltář božstva, který se rozšířil do Japonska spolu s buddhismem v 6. století. Nejčastěji je kompozice ve stylu té doby - rikka (doručené květiny) - sestával z větve borovice nebo cypřiše a lotosů, růží, narcisů, instalovaných ve starověkých bronzových nádobách.

S rozvojem světské kultury v 10.-12. století byly květinové kompozice instalovány do paláců a obytných čtvrtí představitelů šlechtické vrstvy. Na císařském dvoře se prosadily speciální soutěže v aranžování kytic. V druhé polovině 15. století se objevuje nový směr v umění ikebany, jehož zakladatelem byl mistr Ikenobo Senei. Díla školy Ikenobo se vyznačovala zvláštní krásou a sofistikovaností, byla instalována na domácí oltáře a prezentována jako dárky.

V 16. století se rozšiř čajové obřady speciální typ ikebany byl vytvořen k ozdobení výklenku - tokonoma v čajovém pavilonu. Požadavek jednoduchosti, harmonie, zdrženlivé barvy, prezentovaný všem předmětům čajového kultu, rozšířený na design květin - tyabana (ikebana pro čajový obřad). slavný čajový mistr Senno Rikyu vytvořil nový, svobodnější styl - nageire (nedbale naaranžované květiny), ačkoli právě ve zdánlivém nepořádku spočívala zvláštní složitost a krása obrazů tohoto stylu. Jedním z druhů nageire byla tzv. tsuribana, kdy byly rostliny umístěny do zavěšené nádoby ve tvaru lodi. Takové skladby byly prezentovány osobě, která nastoupila do úřadu nebo absolvovala školu, protože symbolizovala „výstup na otevřené moře života“.

V 17.-19. století se rozšířilo umění ikebany a vznikl zvyk povinného školení dívek v umění výroby kytic. Kvůli oblibě ikebany se však skladby zjednodušily a muselo se opustit přísná stylová pravidla. rikka ve prospěch nageire ze kterého vzešel další nový styl seika nebo shoka (Přírodní květiny). Koncem 19. století mistr Ohara usin vytvořil styl moribana, jehož hlavní inovací bylo, že květiny byly umístěny v širokých nádobách.

Ve složení ikebany jsou zpravidla tři povinné prvky, označující tři principy: Nebe, Země a Člověk. Mohou být ztělesněny jako květina, větev a tráva. Jejich vzájemná korelace a doplňkové prvky vytváří díla různého stylu a obsahu. Úkolem umělce není pouze vytvořit krásnou kompozici, ale také v ní co nejúplněji zprostředkovat své vlastní myšlenky o životě člověka a jeho místě ve světě. Díla vynikajících mistrů ikebany mohou vyjadřovat naději i smutek, duchovní harmonii i smutek.

Podle tradice v ikebaně se čas roku nutně reprodukuje a kombinace rostlin tvoří symbolická přání dobrého, známá v Japonsku: borovice a růže - dlouhověkost; pivoňka a bambus - prosperita a mír; chryzantéma a orchidej - radost; magnólie - duchovní čistota atd.

Umění: Japonsko: Sochařství: Netsuke

Miniaturní plastika - netsuke se rozšířila v 18. až 19. století jako jeden z druhů uměleckých řemesel. Jeho vzhled je způsoben tím, že národní japonský kostým - kimono - nemá kapsy a všechny potřebné drobnosti (dýmka, váček, krabička na léky atd) se připevňují k opasku pomocí klíčenky-protizávaží. Netsuke má tedy nezbytně otvor pro tkaničku, pomocí které se k ní požadovaný předmět připevní. Dřív se používaly cetky v podobě tyčinek a knoflíků, ale od konce 18. století se na tvorbě netsuke zabývali již známí mistři, kteří se na díla podepsali.

Netsuke je umění městské třídy, masové a demokratické. Podle zápletek netsuke lze posuzovat duchovní potřeby, každodenní zájmy, zvyky a zvyky měšťanů. Věřili v duchy a démony, kteří byli často zobrazováni v miniaturních sochách. Milovali figurky „sedmi bohů štěstí“, mezi nimiž byli nejoblíbenější bůh bohatství Daikoku a bůh štěstí Fukuroku. Stálé zápletky netsuke byly následující: rozpraskaný lilek s mnoha semeny uvnitř - přání velkého mužského potomka, dvě kachny - symbol rodinného štěstí. Velké množství netsuke je věnováno každodenním tématům a každodennímu životu města. Jsou to potulní herci a kouzelníci, pouliční prodavači, ženy věnující se různým činnostem, potulní mniši, zápasníci, dokonce i Holanďané ve své exotice, z pohledu Japonců oděvy - klobouky se širokou krempou, košilky a kalhoty.

Netsuke, které se vyznačují tematickou rozmanitostí, si zachovaly svou původní funkci přívěsku na klíče a tento účel diktoval řemeslníkům kompaktní tvar bez křehkých vystupujících detailů, zaoblený, příjemný na dotek. S tím souvisí i výběr materiálu: nepříliš těžký, odolný, z jednoho kusu. Nejčastějšími materiály byly různé druhy dřeva, slonová kost, keramika, lak a kov.

Umění: Japonsko: malba a grafika

Japonská malba je velmi různorodá nejen obsahem, ale i formou: jsou to nástěnné malby, sítotisky, vertikální a horizontální svitky, provedené na hedvábí a papíru, albové listy a vějíře.

O starověkém malířství lze soudit pouze podle odkazů v písemných dokumentech. Nejstarší dochovaná vynikající díla pocházejí z období Heian (794-1185). Jedná se o ilustrace slavného „Příběhu prince Genjiho“ od spisovatele Murasaki Shikibu. Ilustrace byly provedeny na několika vodorovných svitcích a doplněny textem. Jsou připisovány štětci umělce Fujiwara Takayoshi (první polovina 12. století).

Charakteristickým rysem tehdejší kultury, vytvořené spíše úzkým okruhem šlechtické vrstvy, byl kult krásy, touha nacházet ve všech projevech hmotného i duchovního života své vlastní kouzlo, někdy nepolapitelné a neuchopitelné. Malba té doby, později nazývaná yamato-e (doslova japonská malba), nevyjadřoval akci, ale stav mysli.

Když se k moci dostali drsní a odvážní představitelé vojenské třídy, kultura éry Heian začala upadat. V malbě na svitcích se ustálil narativní princip: jsou to legendy o zázracích plné dramatických epizod, životopisy kazatelů buddhistické víry, scény bitev válečníků.

Ve 14.-15. století se pod vlivem učení sekty Zen, s její zvláštní pozorností k přírodě, začala rozvíjet (zpočátku pod vlivem čínských vzorů) krajinomalba.

Po století a půl ovládali japonští umělci čínský umělecký systém, díky čemuž se monochromatická krajinomalba stala majetkem národního umění. Jeho nejvyšší rozkvět je spojen se jménem vynikajícího mistra Toyo Oda (1420..1506), známějšího pod pseudonymem Sesshu. Do svých krajin, za použití pouze těch nejjemnějších odstínů černého inkoustu, dokázal odrážet veškerou pestrobarevnost přírodního světa a jeho nesčetných stavů: vlhkostí nasycenou atmosféru časného jara, neviditelný, ale cítit vítr a studený podzimní déšť, nehybný klid zimy.

16. století otevírá éru tzv. pozdního středověku, která trvala tři a půl století. V této době se rozšířily nástěnné malby, které zdobily paláce vládců země a velkých feudálů. Jedním ze zakladatelů nového směru v malbě byl slavný mistr Kano Eitoku, který žil v druhé polovině 16. století. Dalším druhem výtvarného umění středověku se stalo dřevorytectví (xylografie), které vzkvétalo v 18-19 století. Rytí se, stejně jako žánrová malba, nazývalo ukiyo-e (obrazy všedního světa). Kromě umělce, který kresbu vytvořil a na hotový arch napsal své jméno, rytinu vytvořili řezbář a tiskař. Zpočátku byla rytina jednohlasá, maloval ji ručně sám umělec nebo kupující. Poté byl vynalezen tisk ve dvou barvách a v roce 1765 umělec Suzuki Harunobu (1725..1770) poprvé použil vícebarevný tisk. K tomu řezbář položil na speciálně připravenou podélnou řezanou desku (z hrušně, třešně nebo japonského buxusu) pauzovací papír se vzorem a vyřízl potřebný počet desek s potiskem v závislosti na barevném provedení rytiny. Někdy jich bylo více než 30 a. Poté tiskárna, která vybrala správné odstíny, vytiskla na speciální papír. Jeho dovedností bylo dosáhnout přesné shody obrysů každé barvy, získané z různých dřevěných desek.

Všechny rytiny byly rozděleny do dvou skupin: divadelní, která znázorňovala herce japonského klasického divadla Kabuki v různých rolích, a každodenní písmo, věnované zobrazení krás a výjevů z jejich života. Nejznámějším mistrem divadelní rytiny byl Toshyushay Syaraku, který ztvárnil tváře herců zblízka, zdůrazňoval rysy role, kterou hráli, charakteristické rysy osoby reinkarnované jako postava hry: vztek, strach, krutost, podvod.

Takoví vynikající umělci jako Suzuki Harunobu a Kitagawa Utamaro se proslavili v každodenním životě rytím. Utamaro byl tvůrcem ženských obrazů, které ztělesňovaly národní ideál krásy. Jeho hrdinky jako by na okamžik zamrzly a nyní budou pokračovat ve svém hladkém ladném pohybu. Ale tato pauza je nejvýraznějším momentem, kdy záklon hlavy, gesto ruky, silueta postavy vyjadřují pocity, ve kterých žijí.

Nejznámějším rytcem byl geniální umělec Katsushika Hokusai (1776-1849). Hokusaiovo dílo vychází ze staleté obrazové kultury Japonska. Hokusai vytvořil přes 30 000 kreseb a ilustroval asi 500 knih. Již ve svých sedmdesáti letech vytvořil Hokusai jedno z nejvýznamnějších děl - sérii 36 pohledů na Fuji, která ho staví na úroveň nejvýraznějších umělců světového umění. Hokusai, který ukazuje horu Fuji - národní symbol Japonska - z různých míst, poprvé odhaluje obraz vlasti a obraz lidí v jejich jednotě. Umělec viděl život jako jeden proces v celé rozmanitosti jeho projevů, od prostých pocitů člověka, jeho každodenních činností až po okolní přírodu s jejími prvky a krásou. Dílo Hokusaie, které absorbovalo staletou zkušenost umění jeho lidu, je posledním vrcholem umělecké kultury středověkého Japonska, jeho pozoruhodným výsledkem.

Umění: Japonsko: zdroje informací

Encyklopedie Microsoft Encarta 97 Světové anglické vydání. Microsoft Corp., Redmond, 1996;

Internetové zdroje (Worldwide Web);

"Encyklopedie pro děti", svazek 6 ("Náboženství světa"), část druhá. Nakladatelství "Avanta +", Moskva, 1996;

"Encyklopedie pro děti", svazek 7 ("Umění"), část první. Nakladatelství "Avanta +", Moskva, 1997;

Encyklopedie „Mýty národů světa“. Nakladatelství "Sovětská encyklopedie", Moskva, 1991.

Umění: Japonsko: Glosář

Rytina- Pohled grafy, ve kterém je obrazem tištěný tisk kresby nanesený na desku ze dřeva, linolea, kovu, kamene; samotný obraz na dřevě, linoleu, kartonu atd.

Ikebana("živé květiny") - japonské umění aranžování kytic; samotná kytice, složená podle principů ikebany.

Kondo(Zlatý sál) - hlavní chrám buddhistického japonského klášterního komplexu; později stal se známý jako Hondo.

Kaizuma- v japonské architektuře masivní sedlová střecha šintoistické svatyně; Vyráběl se ze slámy nebo cypřišové kůry, později z dlaždic.

Dřevoryt - rytina na stromě.

H´ etsuke- miniaturní figurka vyrobená ze slonoviny, dřeva nebo jiných materiálů; sloužil jako klíčenka, pomocí které se na opasek připevňovaly drobné předměty (například peněženka); patřící k japonskému národnímu kroji.

Pagoda- v buddhistické architektuře zemí Dálného východu a jihovýchodní Asie vícestupňová pamětní věž - relikviář s lichým (šťastným) počtem úrovní.

R´ impa- Škola japonské malby 17..18 století; tíhnul k literárním tématům minulých století; zprostředkoval lyrické zážitky postav.

Relikviář- úložiště pro ukládání relikvií.

Tyaniva("čajová zahrada") - v architektuře Japonska zahrada spojená s čajovým obřadem - tahání; tvoří jeden celek s čajovým pavilonem - chashitsu.

Tyano´ Yu("čajový obřad") - v duchovním životě Japonska filozofický a estetický rituál spojování lidí, který jim pomáhá vypnout se od shonu života.

Ukiyo-e("obrazy všedního světa") - škola japonské malby a dřevoryty 17...19 století, odrážející život a zájmy městského obyvatelstva; zdědil tradice žánrové malby 15.-16. století.

Haniva("hliněný kruh") - starověká japonská pohřební keramika; pojmenované podle výrobní metody: ručně vyřezávané hliněné prsteny se pokládají jeden na druhý; období úsvitu - 5..6 století.

Yamato-´ uh("japonská malba") - ve výtvarném umění Japonska od 10. - 11. století samostatný směr, na rozdíl od čínské malby; byly reprodukovány zápletky středověkých japonských příběhů, románů a deníků; Výrazně byly kombinovány siluety, světlé barevné skvrny, proložené zlatými a stříbrnými flitry.

Art of Japan, strana 7 ze 7

Umění Indie

První civilizací na indické půdě byla harappská kultura v údolí Indu, která vzkvétala 2500 př. Než zmizela pod náporem árijských kmenů, zvěčnila se řadou nádherných mistrovských děl sochařství a urbanismu. Árijci se postupem času zmocnili celé severní Indie, ale za tisíc let panství po sobě nezanechali žádné umělecké památky. Základy indické umělecké tradice byly položeny teprve ve 3. století před naším letopočtem.

Indické umění bylo původně náboženské povahy a odráželo světonázory hinduismu, džinismu a buddhismu. Od starověku se hinduisté vyznačovali zvýšeným vnímáním okolního světa a architektura právem zaujímala hlavní místo v jejich umění.

Ve starověkých sochách, které vyšly zpod dláta představitelů asketického buddhismu, není dosud ani stopy po překypující lásce k životu. Jeden čas bylo dokonce zakázáno vytvářet portrétní obrazy Buddhy. Po zrušení zákazu v severovýchodní provincii Gandhara se však začaly objevovat sochy Buddhy v podobě muže, vytvořené v helénském „řecko-buddhistickém“ stylu, což mělo znatelný dopad na umění celý region.

V provincii Gandhara v prvních stoletích našeho letopočtu. objevila se nová umělecká škola, která spojovala tradiční buddhistické kánony s některými rysy řeckého umění, přivezená do Indie vojsky Alexandra Velikého (konec 4. století př. n. l.). Nespočetné obrazy Buddhy z kamene a klepání (směs sádry, mramorových třísek a lepidla) tak získaly charakteristicky protáhlý obličej, široce otevřené oči a tenký nos.

Poměrně zdrženlivý styl také převládal v klasické Guptově éře (320-600 n. l.), ačkoli do této doby buddhismus absorboval mnoho prvků hinduistických mýtů. Například yakshini - ženská lesní božstva - znázorňovali buddhističtí sochaři v podobě nafouklých tanečnic způsobem velmi vzdáleným askezi.

V každém z děl indického umění - buddhistického nebo hinduistického - byly náboženské a filozofické informace zpočátku zakódovány v kódované podobě. Takže pozice, ve které je Buddha zobrazen, je nesmírně důležitá: meditace nebo učení. Buddhův vzhled má kanonické rysy: protáhlé ušní boltce, deformované ozdobami, které nosil v mládí, když byl princem; vlasy shromážděné ve spirálovitých drdolech na hlavě atd. Takové detaily dávají divákovi vodítko, které mu pomůže určit myšlenku, a tedy i rituál nezbytný pro komunikaci s božstvem. Hinduistické umění je také silně zakódováno. Důležitý je zde jakýkoli, byť i malý detail – otočení hlavy božstva, poloha a počet rukou, systém dekorací. Slavná figurka tančícího boha Šivy je celou encyklopedií hinduismu. S každým skokem svého tance vytváří nebo ničí světy; čtyři ramena znamenají nekonečnou sílu; oblouk s plameny je symbolem kosmické energie; malá ženská figurka ve vlasech - bohyně řeky Gangy atd. Šifrování významu je charakteristické pro umění řady zemí jihovýchodní Asie, které jsou součástí oblasti hinduistické kultury.

Náladou nástěnných maleb jeskynních chrámů Ajanta, které ohromují brilantností a harmonií vícefigurálních kompozic, vytváří živý obraz života starověké Indie.

Ajanta je jakýsi klášter – univerzita, kde žijí a studují mniši. Chrámy Ajanta jsou vytesány do 29 skal, které se nacházejí vedle barevných břehů řeky Wagharo. Fasády těchto skalních chrámů patří do období Guptu luxusních dekorativních soch.

Sochařské památky Ajanta pokračují ve starých tradicích, ale formy jsou mnohem volnější a vylepšené. Téměř vše uvnitř chrámu je napsáno. Náměty malby jsou převzaty ze života Buddhy a jsou spojeny s mytologickými scénami Staré Indie. Mistrně jsou zde vyobrazeni lidé, ptáci, zvířata, rostliny a květiny.

Indickou architekturu lze nazvat jakousi sochařstvím, protože mnoho svatyní nebylo postaveno z jednotlivých ornamentů, ale bylo vytesáno z kamenného monolitu a v průběhu práce bylo pokryto bohatým kobercem sochařských dekorací.

Tato vlastnost byla zvláště výrazná v tisících chrámů, které vyrostly během hinduistické renesance mezi 600 a 1200 CE. Víceúrovňové věže připomínající hory jsou pokryty vyřezávanými basreliéfy a sochami, které dodávají chrámům Mamallapuram a Ellora neobvykle organický vzhled.

Vliv buddhistického a hinduistického umění je cítit daleko za hranicemi Indie. Angkor Wat je největší z mnoha hinduistických chrámů postavených v Kalebodja v 10.–12. století. Jedná se o obrovský vodní příkopový komplex pěti vyřezávaných kuželových věží, z nichž střední se tyčila 60 metrů do nebe. Mezi buddhistickými chrámy nemá unikátní svatyně na kopci obdoby. Borobudur, na ostrově Jáva, ve kterém je bohatost sochařské výzdoby podřízena přísnému architektonickému řešení. I na dalších místech – v Tibetu, Číně a Japonsku – dal buddhismus vzniknout vysoce rozvinutým a originálním uměleckým tradicím.

Významné změny v tradicích umělecké tvořivosti nastaly s rozšířením nového náboženství – islámu, který do Indie přinesli arabští dobyvatelé v 8. století. Vliv islámské kultury dosáhl svého vrcholu za Mughalů, kteří od 16. století ovládali většinu Indie. Stavbou velkolepých mešit a hrobek se proslavil sultán Akbar (1556 - 1605) a jeho nástupci - Dzhan-Igry a Shah Jahan.

Taj Mahal je klenot indické architektury. Císař Shah Jahan truchlící za svou ženou, která zemřela při porodu, postavil toto mauzoleum z bílého mramoru v Ágře, dovedně zdobené mozaikou z drahých kamenů. Královská hrobka, obklopená zahradou, se nachází na břehu řeky Jamna. Stavba z bílého mramoru se tyčí na sedmimetrovém podstavci. Půdorysně představuje osmiúhelník, nebo spíše čtverec se seříznutými rohy. Všechny fasády jsou řezané s vysokými a hlubokými nikami. Mauzoleum je korunováno kulatou „cibulovou“ kopulí, kterou básníci pro svou lehkost a harmonii přirovnávali k „oblaku spočívajícímu na vzdušném trůnu“. Jeho působivý objem je zdůrazněn čtyřmi malými kopulemi minaretů stojících podél okrajů plošiny. Vnitřní prostor je malý a zabírají ho dva kenotafy (falešné hrobky) Mumtáz a samotného Šáhdžahána. Samotné pohřby jsou v kryptě pod budovami.

Za Mughalů vzkvétalo miniaturní umění, které přišlo z Persie. Pojem „miniatura“ se používá k označení malebných knižních ilustrací jakéhokoli formátu. Sultan Akbar přitahoval umělce z celé Indie, včetně hinduistů, aby je vytvořili. Ve dvorských dílnách se rozvinul energický světský styl, který se v mnoha ohledech lišil od dekorativní perské tradice. Miniatury Mughalské éry, třpytící se jako drahokamy, plné dynamiky, nám nabízejí úžasně živý obraz indiánského života před vládou fanatického Aurangzeba (1658-1707).

Umění Číny

Čínská civilizace je jediná ze všech, která si zachovala staletou kontinuitu kulturních tradic. Některé typické čínské rysy – záliba ve hře polotónů a hedvábná textura nefritu – sahají až do pravěku. Velké čínské umění vzniklo kolem roku 1500 př. n. l., v době dynastie Shang-Yin, se vznikem hieroglyfického písma a získáním nejvyššího vládce božského postavení „syna nebes“.

Toto 500leté období zahrnuje širokou škálu masivních, ponurých bronzových nádob pro oběti předkům, zdobených abstraktními symboly. Ve skutečnosti se jedná o extrémně stylizované obrazy mýtických bytostí, včetně draků. Kult předků, který je vlastní mnoha civilizacím, zaujal ústřední místo ve víře Číňanů. V umění pozdějších staletí však duch magického tajemství postupně ustoupil chladnému rozjímání.

V éře Shang-Yin se začal formovat starý obvodový plán měst (Anyang), v jehož středu byl postaven panovníkův palác a chrám. Obytné domy a palác byly postaveny z pevné směsi zeminy (spraše) a dřevěné přísady bez kamenů. Objevily se piktogramy a hieroglyfické záznamy, základ lunárního kalendáře. Právě v této době se formoval styl ornamentu, který se zachoval po mnoho staletí. Jednoduché bronzové nádobí bylo zdobeno zvenčí symbolickými obrázky a uvnitř - hieroglyfickými nápisy, jmény vznešených lidí nebo věnujícími nápisy. V tomto období jsou symbolické obrazy daleko od reality a vyznačovaly se abstraktní formou.

Systém náboženského a filozofického taoismu a konfucianismu významně přispěl ke kultuře a umění. V polovině prvního tisíciletí př. Kr. tvořily základní principy architektury a urbanismu. Bylo vybudováno mnoho opevnění, samostatné obranné zdi ze severu říše se začaly spojovat v jednu souvislou Velkou čínskou zeď (3. stol. př. n. l. - 15. stol.; výška od 5 do 10 metrů, šířka od 5 do 8 metrů a délka 5000 km.) se čtyřbokými strážními věžemi. Rámové konstrukce jsou tvořeny dřevěnými (později zděnými) typy obdélníkového stavebního půdorysu. Sedlové střechy budov byly pokryty slámou (později taškami). Šíří se podzemní dvoupatrová mauzolea. Jejich stěny a stropy byly zdobeny nástěnnými malbami, intarziemi, poblíž byly umístěny kamenné sochy fantastických zvířat. Objevily se charakteristické typy čínské malby.

Po staletích občanských sporů byla Čína sjednocena císařem dynastie Čchin (asi 221 - 209 př. Kr.). Unikátní archeologický nález hovoří o manické žízni po sebezvelebení tohoto pána. V roce 1974 byla v císařově hrobce nalezena armáda válečníků z terakotové (neglazované keramiky) lidské velikosti, kteří mu měli sloužit v posmrtném životě.

Během let dynastie Han (209 př. n. l. - 270 n. l.) se Čína vyvinula v obrovskou říši se složitou sociální strukturou. Konfucianismus, etická doktrína, která hlásala umírněnost a věrnost rodině a občanským povinnostem, měl hluboký dopad na světonázor Číňanů, zejména na kastu učených úředníků, tvořenou systémem zkoušek pro přijetí do veřejné služby. Úředníci, často umělci a básníci, hráli významnou roli ve vývoji čínského umění. Nové prvky zavedl taoismus, intuitivní a magické učení blízké přírodě, které vzniklo v éře Han.

Hanské umění se k nám dostalo především ve formě pohřebních darů - oděvů, šperků a kosmetiky, stejně jako bronzových a keramických figurek, basreliéfů a figurálních dlaždic. Buddhismus pocházející z Indie inspiroval čínské mistry k hledání nových forem a uměleckých technik, které se projevily v jeskynních chrámech vytesaných po indickém způsobu a sochách Yunygana.

Soudě podle několika málo památek, které se k nám dostaly, se v éře Han vyvinuly silné tradice malby, které se vyznačovaly úžasnou lehkostí a svobodou štětce. Následně se malba stala skutečně masovým uměním a po mnoho staletí dala Čína světu mnoho vynikajících umělců, škol a hnutí. Jemné vnímání krásy okolní přírody přivedlo do popředí krajinný žánr, zejména horskou krajinu, která je v čínském umění velmi důležitá – tento žánr nemá v kulturách obdoby. Obrázky byly často vytvářeny jako ilustrace k básním nebo jiným dílům a dokonalá kaligrafie nápisů byla uctívána jako umění samo o sobě.

Přestože se keramika v Číně vyrábí již tisíce let, v období Tang (618-906) získalo toto řemeslo rysy skutečného umění. Právě v této době se objevily nové formy a barevné glazury, které dodávaly výrobkům barevný vzhled. Mezi nejznámější památky této dynastie patří pohřební keramické figurky lidí a zvířat, které svou expresivitou nebyly horší než velké konstrukční formy. Krásné jezdecké figurky z éry Tang se vyznačují zvláštní krásou a výrazem.

Na úsvitu éry Tang Číňané ovládli tajemství výroby porcelánu. Tento tenký, tvrdý, průsvitný, čistě bílý materiál neměl obdoby v jemnosti, která byla zdokonalena vynikajícím zpracováním za dynastie Song (960-1260) a následujících dynastií. Slavný modrobílý porcelán byl vyroben během mongolské dynastie Yuan (1260-1368).

Důležitou roli v dějinách čínské kultury sehrála starověká čínská kniha moudrosti a věštění zvaná „Kniha proměn“. Svět je zde chápán jako jakési embryo, v jehož rámci se snoubila mužská světelná síla – jang a ženská temná síla – jin. Tyto dva principy neexistují jeden bez druhého. Kniha proměn měla velký vliv na další vývoj estetického myšlení a čínského umění.

Na začátku éry Song začali Číňané sbírat umělecká díla minulých dynastií a umělci často oživovali styly starověku. Umění éry Ming (1368-1644) a rané éry Qing (1644-1912) je však cenné samo o sobě, a to i přes postupné vytrácení tvůrčí energie.

Za dynastií Ming a Čching vznikla symetrická města pravidelného půdorysu s vnitřní a vnější částí. Hlavní město Peking bylo téměř přestavěno. Užité umění dosáhlo takové úrovně, že vytvořilo image Číny v Evropě.

Umění Japonska

Od století ke století se Japonsko vyvíjelo odděleně od všech civilizací, s výjimkou Číny. Růst čínského vlivu začal v 5.-6. století, kdy se spolu s novým systémem státní správy dostalo do Japonska z kontinentu písmo, buddhismus a různá umění. Japonci vždy dokázali vstřebávat zahraniční inovace a dodávat jim národní rysy. Například japonské sochařství přikládalo podobnosti portrétů mnohem větší význam než čínské.

Rozvoji japonského malířství napomohly kontakty s kontinentem, odkud se na počátku 7. století přejímalo umění výroby barev, papíru a inkoustu.

Velký význam pro osud japonského malířství, stejně jako sochařství, mělo šíření buddhismu v zemi, protože potřeby buddhistické kultovní praxe vytvořily určitou poptávku po dílech tohoto druhu umění. Od 10. století tak za účelem šíření znalostí mezi věřícími o událostech buddhistické posvátné historie vznikaly hromadně tzv. emakimono (dlouhé horizontální svitky), které zobrazovaly výjevy z buddhistické posvátné historie nebo z podobenství s ní souvisejících. .

Japonská malba v 7. století byla ještě velmi jednoduchá a neumělá. Představy o tom dávají malby na arše Tamamushi z chrámu Horyuji, které zobrazovaly stejné výjevy, jaké byly reprodukovány na emakimonu. Obrazy jsou provedeny červenou, zelenou a žlutou barvou na černém pozadí. Některé malby na stěnách chrámů pocházející ze 7. století mají mnoho společného s podobnými malbami v Indii.

Od 7. století začal v Japonsku rozvoj žánru a krajinomalby. Obrazovka pod podmíněným názvem "Žena s ptačími pery" přežila dodnes. Obrazovka zobrazuje ženu stojící pod stromem, její vlasy a kimono jsou zdobeny peřím. Kresba je provedena lehkými, plynulými liniemi.

Zpočátku byli japonští umělci, částečně kvůli povaze předmětu, na kterém pracovali (buddhistická malba), silně ovlivněni Čínou: malovali v čínském stylu nebo stylu kara-e. Postupem času se ale na rozdíl od obrazů v čínském stylu kara-e začaly objevovat světské obrazy v japonském stylu nebo stylu yamato-e (malba Yamato). V 10.-12. století se v malířství stal dominantním styl yamato-e, i když díla čistě náboženského charakteru byla stále malována v čínském stylu. V tomto období se rozšířila technika nanášení obrysů obrazu nejmenší zlatou fólií.

Jedním z příkladů historické malby éry Kamakura je slavný svitek Heiji Monogatari ze 13. století, který zobrazuje povstání vznesené v roce 1159 hlavou velkého samurajského klanu Yoshimoto Minamotem. Stejně jako miniatury ve starověkých ruských kronikách jsou svitky jako Heiji Monogatari nejen vynikajícími uměleckými díly, ale také historickými důkazy. Spojením textu a obrazu reprodukovali v horlivém pronásledování pohnuté události knížecích rozbrojů druhé poloviny 12. století, opěvovali vojenské činy a vysoké morální kvality nové vojenské šlechty, samurajů, které vstoupily na scénu dějin.

Největším umělcem období Muromachi je Sesshu (1420-1506), který vytvořil svůj vlastní styl. Vlastní vynikající dílo japonského malířství „Dlouhý krajinný svitek“ z roku 1486 o délce 17 ma šířce 4 m. Svitek zobrazuje čtyři roční období. Sesshu byl vynikající portrétista, o čemž svědčí jeho portrét Masudy Kanetaky.

V posledních desetiletích období Muromači probíhal proces intenzivní profesionalizace malby. Na počátku 16. století se objevila slavná škola Kano, kterou založil Kano Masanobu (1434-1530), který položil základy dekorativního směru v malbě. Jedním z raných děl žánrové malby školy Kano je obraz plátna od umělce Hijori na téma „Obdivování javorů v Takao“.

Od konce 16. století se hlavními formami malby staly nástěnné malby a malby na skládacích paravánech. Obrazy zdobí paláce aristokratů, domy měšťanů, kláštery a chrámy. Styl dekorativních panelů se vyvíjí - ano-mi-eh. Takové panely byly natřeny sytými barvami na zlaté fólii.

Znakem vysokého stupně rozvoje malířství je na konci 16. století existence řady malířských škol, mezi které patří Kano, Tosa, Unkoku, Soga, Hasegawa, Kaiho.

Během 17.-19. století řada kdysi slavných škol zanikla, ale na jejich místo nastoupily nové, jako je dřevořezba ukiyo-e, škola Maruyama-Shijo, školy Nanga a evropské malířství. Spolu se starověkými městy Nara a Kjóto se nové hlavní město Edo (moderní Tokio), Ósaka, Nagasaki atd. stalo centry kultury a umění pozdního středověku (v Japonsku se to vleklo téměř do 19. století) .

Umění období Edo (1615-1868) se vyznačuje zvláštním demokratismem a kombinací uměleckého a funkčního. Příkladem takové kombinace je malování na obrazovky. Právě na spárovaných plátnech byly napsány „Červené a bílé švestkové květy“ – nejvýznamnější a nejznámější z dochovaných děl velkého umělce Ogaty Korin (1658-1716), mistrovské dílo, právem řazené mezi nejlepší výtvory nejen Japonské, ale i světové malířství.

Jedním z nejpopulárnějších žánrů japonských malých plastik bylo netsuke. V netsuke se lámal umělecký kánon středověku v kombinaci s renesanční uvolněností umění v éře Edo. Zdálo se, že tato díla miniaturních soch soustředí tisíce let japonské plastické zkušenosti: od divoké dogu z Jomon, haniwy pozdních Kurganů až po kanonickou kulturu středověku, kamenné buddhy a živý strom Enku. Netsuke mistři si vypůjčili bohatství výrazu, smysl pro proporce, úplnost a přesnost kompozice, dokonalost detailů z klasického dědictví.

Materiál pro netsuke byl velmi odlišný: dřevo, slonovina, kov, jantar, lak, porcelán. Nad každou věcí pracoval mistr někdy celé roky. Jejich námět se nekonečně měnil: obrazy lidí, zvířat, bohů, historických postav, postav lidových přesvědčení. Rozkvět tohoto ryze městského užitého umění spadá do druhé poloviny 18. století.

Kdysi v minulém století se Evropa a poté Rusko právě prostřednictvím rytí poprvé seznámili s fenoménem japonského umění. Mistři ukiyo-e dosáhli maximální jednoduchosti a srozumitelnosti jak při výběru zápletek, tak při jejich realizaci. Zápletky rytin byly většinou žánrové výjevy z každodenního života města a jeho obyvatel: obchodníků, umělců, gejš.

Ukiyo-e jako speciální umělecká škola navrhla řadu prvotřídních mistrů. Počáteční fáze vývoje rytiny je spojena se jménem Hisikawa Moronobu (1618-1694). Prvním mistrem vícebarevného rytí byl Suzuki Haranobu, který pracoval v polovině 18. století. Hlavním motivem jeho tvorby jsou lyrické výjevy s převládajícím vlivem nikoli na akci, ale na přenos pocitů a nálad: něha, smutek, láska.

Stejně jako starověké vytříbené umění éry Heian oživili mistři ukiyo-e v novém městském prostředí jakýsi kult vytříbené ženské krásy, jen s tím rozdílem, že místo horských heianských aristokratů se staly půvabné gejši ze zábavních čtvrtí Edo. hrdinky rytin.

Umělec Utamaro (1753-1806) je snad ojedinělým příkladem mistra v dějinách světového malířství, který se ve své tvorbě plně věnoval zobrazování žen - v různých životních okolnostech, v různých pózách a na toaletách. Jedním z jeho nejlepších děl je Gejša Usáma.

Žánr japonské rytiny dosáhl nejvyšší úrovně v díle Katsushika Hokusaie (1760-1849). Vyznačuje se úplností pokrytí života dříve neznámého v japonském umění, zájmem o všechny jeho aspekty – od náhodné pouliční scény až po majestátní přírodní úkazy.

Ve věku 70 let vytvořil Hokusai svou nejslavnější sérii grafik „36 pohledů na Fuji“, následovala série „Mosty“, „Velké květiny“, „Cesta přes vodopády země“, album „100 pohledů z Fuji“. Každá rytina je cennou památkou malířského umění a série jako celek dává hluboký originální koncept bytí, vesmíru, místa člověka v něm, tradiční v tom nejlepším slova smyslu, tzn. zakořeněné v tisícileté historii japonského uměleckého myšlení a zcela inovativní, místy odvážné, pokud jde o způsoby provedení.

Hokusaiova tvorba adekvátně propojuje staleté umělecké tradice Japonska s moderním prostředím umělecké kreativity a jejího vnímání. Hokusai brilantně oživil krajinářský žánr, který ve středověku dal mistrovská díla jako Sesshu's Winter Landscape, a přenesl jej z kánonu středověku přímo do umělecké praxe 19.-20. století a ovlivnil a ovlivnil nejen francouzské impresionisty. a postimpresionisty (Van Gogh, Gauguin, Matisse), ale také na ruské umělce Světa umění a další, již moderní školy.

Umění barevné rytiny ukiyoe bylo celkově vynikajícím výsledkem a možná i jakýmsi završením jedinečných cest japonského výtvarného umění.



Malé dějiny umění. Umění zemí Dálného východu. Vinogradova N.A., Nikolaeva N.S.

M.: 1979. - 374 s.

Tento svazek „Malých dějin umění“ je věnován umění zemí Dálného východu. Patří do pera sovětských badatelů N. Vinogradové a N. Nikolajevové. Na rozsáhlém území, konvenčně označovaném jako Dálný východ, se rozvinula živá a originální kultura, která zanechala vynikající díla lidského génia v literatuře, filozofii a výtvarném umění. Na materiálu architektury, sochařství, malířství a dekorativních řemesel Číny, Koreje, Japonska a Mongolska, pokrývajícím chronologický rámec od starověku do konce 19. století, autoři přesvědčivě ukazují, že umění zemí Dálného východu , nebýt izolován od historického a kulturního procesu, podřizovat se mu nejobecnější zákonitosti, zároveň je samostatným fenoménem světového umění. Kniha je vybavena vědeckým aparátem - synchronistickou tabulkou, slovníkem, bibliografií. Bohatě ilustrováno barevnými a tónovými ilustracemi.

Formát: pdf

Velikost: 24 MB

Stažení: yandex.disk

OBSAH
6 Předmluva Ya. S. Nikolaeva
9 ČÍNA N. A. Vinogradova
10 Úvod
16 Umění nejstarších a nejstarších období (IV. tisíciletí před naším letopočtem - III. století našeho letopočtu)
31 Umění 4.-6. století
47 Umění 7.-13. století
117 Umění konce XIII-XIV století
125 Umění konce 14.-19. století
153 KOREA N. A. Vinogradova
154 Úvod
158 Umění nejstarších a nejstarších období (3. tisíciletí před naším letopočtem – první století před naším letopočtem)
163 Umění období tří království – Goguryeo, Baekje a Silla (první století před naším letopočtem – 7. století našeho letopočtu)
177 Umění VIII-IX století. Jednotné období Silla
189 Umění X-XIV století. Goryeo období
196 Umění 14. - začátek 19. století
207 JAPONSKO N. S. Nikolaeva
208 Úvod
211 Umění nejstarších a nejstarších období (IV. tisíciletí před naším letopočtem – VI. století našeho letopočtu)
220 Umění 6.-8. století
242 Umění 9.-12. století
263 Umění XIII-XV století
289 Umění 16. - začátek 17. století
306 Umění druhé poloviny 17.-19. století
329 MONGOLSKO N. A. Vinogradova
330 Úvod
333 Umění starověku a starověku
337 Umění feudálního období (XIII - začátek XX století)
353 APLIKACE
354 Slovníček pojmů
357 Synchronizační tabulka
367 Stručná bibliografie
371 Jmenný rejstřík
umělci a architekti

Tento svazek je věnován dějinám umění národů Číny, Koreje, Japonska a Mongolska od starověku po 19. století. V průběhu několika tisíciletí se na rozsáhlém území, konvenčně označovaném jako Dálný východ, rozvinula živá a originální kultura, která zanechala vynikající díla lidského génia v literatuře, filozofii, výtvarném umění a architektuře.
Dlouhé historické období zvažované v knize zahrnuje dva po sobě jdoucí typy kultury – starověkou a středověkou. Již ve starověku vytvářely národy Dálného východu významné památky duchovní i hmotné kultury. Ale jejich hlavním přínosem pro kulturu lidstva jsou vynikající díla malířství, sochařství, architektury a dekorativního umění vytvořená ve středověku.

Oficiální historie organizace začala v říjnu 1938 z iniciativy V. V. Bezrodného. Umělec, učitel a veřejný činitel Vasilij Vasiljevič Bezrodnyj vystudoval Petrohradskou akademii umění. I. E. Repin, Katedra divadelní tvorby. Podle současníků to byl moderně smýšlející člověk se znalostmi a vysokou uměleckou kulturou.

Ve Vladivostoku těch let bylo vyšší umělecké vzdělání vzácností. Profesionální dovednosti a vize umění V. V. Bezrodného se formovaly v bývalé Imperial Academy of Arts, kde působili A. P. Ostroumova-Lebedeva, I. I. Brodsky, M. P. Bobyshev, B. V. Ioganson, D. N. Kardovsky.

Atmosféru na akademii tehdejších let může posoudit speciální sál otevřený v roce 2013 ve Výzkumném muzeu Ruské akademie umění (NIM RAH) v Petrohradě. Jedná se o sál věnovaný Akademii umění v jednom z pro ni obtížných obdobích - 20. a počátkem 30. let, kdy byl neobvyklý, barevný obraz různých, někdy i vzájemně se vylučujících trendů. To ovlivnilo formování umělce.

Jednou z vlastností V. V. Bezrodného, ​​formovaného v té době, lze nazvat všestrannost jeho tvůrčí povahy. To ovlivnilo atmosféru v nově vzniklé organizaci v Primorye i povahu činnosti samotného V. V. Bezrodného, ​​který se angažoval nejen v záležitostech místního svazu umělců, ale také usiloval o založení uměleckého školství.

O prvních krocích Přímořské organizace umělců napsal V. I. Kandyba toto: „Dne 10. října 1938 se poprvé v historii regionu sešli umělci z různých částí Přímoří.

Toto setkání se stalo zakládajícím. Jeho výsledkem bylo vytvoření organizačního výboru Svazu primárních umělců, který byl 1. srpna 1939 zaregistrován organizačním výborem Svazu sovětských umělců v Moskvě.

Předsedou byl zvolen V. V. Bezrodnyj, místopředsedou a předsedou výstavního výboru V. F. Inozemcev a technickým sekretářem T. G. Alešunin. Slavné „čtvrtky“ v N. I. Kramskoy s kreslením, povídáním o umění se ve Vladivostoku proměnily v pokročilé školicí studio pro umělce. Probíhaly pravidelné schůzky, práce na sobě. Zde vládlo studio, jedinečný duch kamarádství, solidarita, nadšení a kreativní ambice. Ne nadarmo byla již v roce 1939 podle plánu organizačního výboru otevřena společná výstava děl umělců z Primorye. Zúčastnilo se ho 18 lidí se 120 pracemi.

Tvůrčí organizace zahrnovala I. A. Zyryanov, P. V. Muldin, O. I. Bogashevskaya-Sushkova, S. S. Serezhin, M. A. Tsyganov, V. M. Fomin, N. A. Mazurenko, V. M. Sviridov, F. I. Rodionov, S. P. Budrin, V. Kolabukh. , I. F. Palškov (Suchan, s. 1972 - Partizansk), P. P. Medveděv (Artem), V. M. Zotov (Ussurijsk), S. P. Čajka (Ussurijsk), I. S. Dereka (Ussurijsk), S. F. Arefin (Ussurijsk), Jurijsk (Ussurijsk) Arsurijsk Aslanov (Ussurijsk).

Členové prvního složení organizace měli různé úrovně vzdělání a různé profesní zkušenosti. Takže M. A. Tsyganov vystudoval klubové instruktorské oddělení technické školy v Rostově, poté pracoval v klubu pluku jako umělec během služby v Rudé armádě (1932-34), P. V. Muldin začal svou kariéru jako student umělce ussurijského kina. S. F. Arefin absolvoval školení ve Studiu válečných umělců. I. F. Palškov (1887-1954) absolvoval Střední školu technického kreslení barona Stieglitze v roce 1912 a měl zkušenosti s prací v továrnách na tisk chintzů v Serpuchově v Ivano-Voznesensku a také s účastí na výstavách Společnosti Nestraníci v Petrohradě (1914-1915) a získal uznání za krajiny, studie a kresby. V roce 1916 se I. F. Palškov podílel na stavbě kostela ve škole lidového umění císařovny Alexandry Fjodorovny, za což byl oceněn cenným odznakem s vyobrazením státního znaku. Navzdory těmto rozdílům však umělce spojovala jedna věc: jejich práce odrážela povahu a mnohostranný život Primorského kraje.

V roce 1939 v domě V. V. Bezrodného na Puškinské 12 pracoval organizační výbor Asociace primárních umělců. Tento dům se nedochoval. V. V. Bezrodnyj se v roce 1936 přestěhoval do Vladivostoku z Ussurijska.

Začíná pracovat v divadle Pacifické flotily, vytváří náčrty kulis a kostýmů. Umělec zároveň přichází s osvětovými iniciativami: vytváří „Studio námořních umělců“ v Sailor's Club, který se tehdy nacházel v budově luteránského kostela, kde jsou vojáci Rudého námořnictva a Rudé armády. zasnoubený.

V roce 1939 byla v Klubu námořníků (dnes Puškinovo divadlo, Puškinskaja ul. 27) z iniciativy Bezrodného vytvořena ateliérová škola, ve které studovali podle programu střední umělecké školy. Vědomí potřeby odborného (spíše než ateliérového) vzdělávání podněcuje V. V. Bezrodného k vytrvalosti při vytváření vladivostocké umělecké školy. V roce 1943 Lidový komisariát školství SSSR schválil rozhodnutí o otevření umělecké školy ve Vladivostoku, jejímž ředitelem byl T. G. Aleshunin (později převeden do Pedagogického institutu umění Dálného východu, organizovaného v roce 1962, do funkce vicevice). -rektor pro hospodářské záležitosti). V roce 1944 byl proveden první zápis studentů, v dalším školním roce 1945-1946 měla škola dva obory malířského a divadelního oboru a jeden obor sochařství.

V roce 2014 oslavila Vysoká škola umění ve Vladivostoku své 70. výročí a v současné době se zpracovává materiál pro vytvoření alba věnovaného historii školy a její roli při formování a rozvoji uměleckého vzdělávání na Primorském území a na Dálném východě. V tomto článku bych rád zdůraznil propojení tvůrčí organizace a školy: učitelé VČU té doby V. V. Bezrodny, B. F. Lobas, V. S. Zdanovič, G. M. Tsaplin, F. N. Babanin, K. I. Šebeko, V. I. Prokurov, A. M. Rodionov , M. A. Kostin, N. P. Zhogolev, D. P. Kosnitsky, Yu. I. Gerasimov, N. M. Timofeev, E. E. Makeev, L. A. Kozmina, A. A. Obmanec, M. V. Kholmogorova, A. P. Zhogoleva, V. V. Medveděv jsou členy organizace Svazu Primorskij a další byli členy Svazu Primorského svazu a dalších. Umělci z Ruska.

Postupem času dosáhla organizační a tvůrčí práce Přímořské umělecké organizace kvalitativně nové úrovně: regionální výstavy umění se staly pravidelnými, do uměleckého života vstoupili absolventi Vysoké školy umění ve Vladivostoku. V roce 1959 se organizace Primorsky přestěhovala do nové budovy na ulici. Aleutskaya, 14a.

V polovině 50. let začala v životě Přímořského svazu umělců nová, světlá etapa. Jedná se o roky profesionální formace I. V. Rybachuka, K. I. Shebeka, K. P. Kovala, N. A. Mazurenka, S. F. Arefiny, V. N. Gerasimenka, T. M. Kushnareva, V. M. Medvedského, V. M. Sviridova, B. F. Lobasy, A. V. První roky během těchto let, recenze Teleshova atd. dílo primorských umělců se objevilo v časopise "Khudozhnik". Obecný popis tohoto desetiletí formuloval V. I. Kandyba: „...je to spíše období formování a hromadění sil, zakořenění na přímořské půdě mladého růstu průkopnických umělců.“ Role průkopnických umělců v uměleckém vývoji reality Dálného východu je velká.

Na konci 50. let byly položeny ty rysy, které umožnily nazývat přímořské umění na následujících zónových výstavách. Jedná se o převládající roli krajiny, touhu zvládnout žánr dějově-tematického obrazu spojeného s historií regionu, povaha práce v něm (Přímořský kraj je území námořníků, rybářů, horníků), zájem v tématu Sever, Čukotka, Kamčatka, Kurily.

I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko jsou považováni za objevitele severské tematiky nejen na Dálném východě, ale i v sovětském umění. Výstava „Tři mistři“ v sálech Přímořské pobočky VTOO „Unie umělců Ruska“ v roce 2014 za účasti I. V. Rybachuka a K. I. Shebeka umožnila podívat se na tento materiál z pohledu moderní vizi tématu v umění a ještě jednou zhodnotit rozsah toho, co bylo uděláno. Sever přilákal V.M. Medvedsky, I.A. Iončenkovou, N. D. Volkovou (Ussurijsk) a dalšími umělci, což je přimělo k hledání speciálních uměleckých prostředků, které by adekvátně odrážely přírodu a člověka Severu.

Dalším neméně významným tématem v umění Primorye umělců bylo téma Shikotan. Poté, co se toto téma stalo předmětem nejnovějších výzkumů v souvislosti s pozorností k domácímu umění 60. let obecně, ukázalo se, že je spojeno s tvorbou více než dvou desítek umělců Primorského území a trvalo desítky let, což dalo impuls k existenci skupiny Shikotan. První období existence skupiny je spojeno se jmény Y. I. Volkova, I. A. Kuzněcova, V. S. Račeva, E. N. Korzhy. Historie vzniku skupiny je spojena s osobností O. N. Lošakova, po absolvování Moskevského uměleckého institutu. V. I. Surikov, který přijel do Vladivostoku učit na uměleckou školu. Krajina, portrét, dějově-tematický obraz - tyto žánry byly ztělesněny v desítkách pláten, jejichž hlavním obsahem byla "povaha Dálného východu - tedy člověk v jednoduchém a silném vztahu s ní." V dílech Shikotanů byl realizován přísný styl - trend v umění 60. let, krátký v čase, ale přesto ovlivnil následující postoj sovětských umělců až do konce osmdesátých let. Skupinové výstavy se konaly ve Vladivostoku v Moskvě.

O. N. Loshakov se podzimní výstavy 2014 účastní jako čestný host.

S rozvojem dějově-tematické malby je spojeno období 60. let 20. století, V. I. Kandyba a výtvarní kritici z hlavního města: „Druhá polovina 60. let byla ve znamení události velkého významu pro přímořskou malbu - vzniku tzv. dějově tematická malba. Ze vzácného, ​​ale vždy vítaného hosta se stala povinnou stálicí většiny našich výstav.

Akutní deficit pro něj jasně odezněl.“ V. I. Bochantsev, Y. I. Volkov, V. N. Doronin, N. P. Zhogolev, K. I. Shebeko, S. A. Litvinov a další patří k „umělcům“. Hrdina doby “ a pozitivně hodnocený kritiky, byl portrét. Nejdůležitějším tématem výstavy "Sovětský Dálný východ", která byla zahájena v roce 1965 ve Vladivostoku, byl příběh o současníkovi: "námořníci, velrybáři, rybáři, stavitelé, pastevci sobů - to jsou zlatí sypači úžasných postav." V tomto žánru pracují I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko, V. A. Goncharenko, V. N. Doronin, A. V. Teleshov, M. I. Tabolkin. Toto období se vyznačuje touhou po širokém pokrytí témat, která odrážejí všechny aspekty života Primorye a Dálného východu. Úspěchy v této oblasti jsou spojeny s významnými událostmi uměleckého života.

V roce 1962 byl organizován Pedagogický institut umění Dálného východu s hudebními, divadelními a uměleckými fakultami (tak se jmenoval do roku 1992, od roku 1992 do roku 2000 - Far Eastern State Institute of Arts, od roku 2000 - Far Eastern State Academy of Arts ). Tento krok byl způsoben situací s personálem v tvůrčích organizacích, kterou první rektor ústavu G. V. Vasiliev v memorandu ministru kultury RSFSR A. I. Popovovi označil za „katastrofálně špatnou“. V. A. Goncharenko, děkan ústavu a v letech 1973 až 1993 rektor, píše, že otevření univerzity ve Vladivostoku vnímali umělci (včetně) jako „dar osudu, nečekanou, nečekanou šanci. A musím říct, že to každý využil v rámci svých možností. Z nich (studenti první promoce - pozn. aut.) vyšli bystří umělci a úžasní učitelé: Yu.I. Volkov, O. P. Grigorjev, I. A. Iončenkov, D. P. Kosnitskij, P. J. Rogal, V. A. Snytko, Y. V. Sobčenko, V. N. Starovoitov, G. M. Tsaplin. Zvláště vyzdvihuji S. A. Litvinova, který vyrostl na naší akademii, prvního profesora malby na Dálném východě, který byl zcela a zcela formován uměleckým životem Primorye.

Absolventi uměleckých univerzit v Leningradu a Moskvě V. A. Goncharenko, K. I. Shebeko, V. I. Kandyba (umělecký kritik) přišli učit do nově vzniklého institutu - Institutu malířství, sochařství a architektury. I. E. Repina, V. N. Doronin, V. I. Bochantsev - Moskevský umělecký institut. V. I. Surikov. V roce 1967 nastoupili na pedagogickou dráhu S. A. Litvinov a Y. V. Sobčenko z řad absolventů institutu I. promoce.

V roce 1977 se jedním z učitelů stal N. P. Zhogolev (Institut malířství, sochařství a architektury pojmenovaný po I. E. Repinovi). Jejich pedagogická a tvůrčí práce, účast na výstavách, kreativita jejich studentů učinily z uměleckého života regionu „organickou, rovnocennou, kreativně originální součást celoruského života“. Na malířskou fakultu Státního institutu Dálného východu začali nastupovat nejen absolventi vladivostocké umělecké vysoké školy, ale také školy na Sibiři a středním Rusku (Irkutsk, Kemerovo, Blagoveščensk, Novoaltaisk, Ivanovo, Rjazaň atd.).

Druhým faktorem, který ovlivnil vývoj uměleckého života, bylo uspořádání zóny Dálného východu.

V roce 1960 byl vytvořen Svaz umělců Ruské federace. V roce 1960 se v Moskvě konala 1. republiková výstava „Sovětské Rusko“ a před ní místní organizace pořádaly zónové výstavy, kterých se účastní všichni členové tvůrčích týmů. Seriózní práce výstavních komisí přispívá k velké profesionální návratnosti a umělci také dostávají příležitost porovnat svou tvorbu s tvorbou umělců z jiných teritorií. Na základě výsledků zónových výstav byla vybrána díla pro celoruskou úroveň. Tento systém byl zachován po mnoho let, což vám umožnilo vstoupit do obecného uměleckého života země a zůstává dodnes. Mimochodem, Vladivostok byl třikrát dějištěm zónové výstavy - v letech 1967, 1974 a 1985.

Tradice založené v 60. letech pokračovaly až do konce 80. let. Samostatné výstavy umělců Primorye se konají v Moskvě, alba reprodukcí K. I. Shebeko a K. P. Kovala vycházejí v sérii „Umělci Ruské federace“. Úspěch primorských umělců je nejen v malbě, ale také v malířské a knižní grafice, plakátu (nejvýznamnějším umělcem v tomto směru byl E. I. Datsko, který se této výstavy účastní jako čestný host), sochařství, umění a řemeslech a monumentální umění.

Takže za Dálný východ knižní nakladatelství, nakladatelství Státní univerzity Dálného východu, nakladatelství Dalnauka, skupinu umělců, kteří významně přispěli k rozvoji knižní grafiky na Primorském území, V. S. Chebotarev, S. M. Čerkasov, F. G. Zinatulin, E. I. Petrovskij, V. I. Voroncov, V. G. Ubiraev, S. V. Gorbach aj. „Umělecká fakulta se stala výhradně malířskou fakultou,“ školení v oboru grafiky zajišťovala vladivostocká umělecká škola. Zde od roku 1960 působil V. S. Chebotarev, který vystudoval Institut malířství, sochařství a architektury pojmenovaný po V.S. I. E. Repin (dílna A. F. Pakhomova, obor grafik). V. S. Chebotarev se účastní výstav s grafickými pracemi. Pracuje pro knižní vydavatele Dálného východu. Vzestup přímořské grafiky, který je spojen se jménem umělce, znamená, že mnoho jeho absolventů začalo pracovat v této oblasti umění.

V roce 1978 se v organizaci Primorsky objevila sekce umění a řemesel, která sdružovala umělce z Vladivostoku, Artemu, Nakhodky, vesnice. Kavalerovo. V souvislosti s otevřením továrny na výrobu koberců a porcelánu v Artyomu, továrny na suvenýry a porcelánu ve Vladivostoku, továrny na uměleckou keramiku ve Spassku-Dalniy, přijeli do Přímořského kraje mladí, kreativně aktivní umělci, kteří absolvovali Moskevskou Vyšší uměleckoprůmyslová škola, Oděská umělecká škola. M. Grekova, Leningradská vyšší průmyslová škola, Moskevský technologický institut, Leningradská vyšší průmyslová škola. V. Mukhina, Irkutská škola umění.

Na výstavách uměleckých řemesel vystavovali výtvarníci oddílu umělecký textil (tapisérie, batika, makramé), porcelán, keramiku, dekorativní předměty z kovu, dřeva, kamene s motivy Dálného východu. V průběhu let do sekce patřili A. V. Katsuk, P. F. Fedotov, A. S. Pesegov, O. P. Grigorjev, O. G. a A. G. Kaljužnyj, A. P. Onufrienko, V. F. . Kosenko, V. K. Zacharenko (Nachodka), T. G. Matyukhina (Artem), T. G. Limonenko, G. M. Maksimyuk, G. G. Dobrynina, T. M. Suslova a další E. V. Barsegov, N. M. Shaymordanova, V. G. Nenazhivin.

V publikacích věnovaných Primorské organizaci Svazu umělců Ruska zaznamenávají rovnováhu různých žánrů malby, ve velkém množství děl grafiky, sochařství, uměleckých řemesel a monumentálního umění. Umělci z Primorye jsou autory dobré úrovně malířských děl, aktivně se účastní regionálních, republikových, celoruských výstav, přispívají k utváření obrazu města (mozaikové panely, umělecké formy v různých částech města, interiér design a fasády veřejných budov). Celkově lze 60. – 80. léta 20. století považovat za období formování mnohostranného přímořského umění s vlastní tváří.

V 90. letech se změny, které nastaly ve společensko-politickém životě země, promítají do života uměleckého. Hlavní tezi této doby, tvůrců, kteří přišli k umění na konci 80. let, formulovali v bookletu výstavy „Generace 80. let“: „Generace 80. let měla dobu, v níž jako průkopníci byli dovoleno tvořit mimo jakoukoli ideologii, na vlastní pěst... Naprostá svoboda projevu, na kterou je však potřeba si ještě zvyknout. Generace, která vyrostla v jedné době a musí žít v jiné, je nejtěžší. Přežívají tu ti nejsilnější, respektive posedlí, pro které je malba život. Hlavním problémem je na jedné straně hledání příležitostí prostřednictvím umění vyjádřit problematickou vizi moderního života, na straně druhé touha po individualitě, která určuje místo umělce v obecné řadě. V tomto období hrají zvláštní roli mladí umělci. Jejich výstavy poukazují na „existenci diametrálně odlišných tendencí a směrů v umění, neslučitelnost postojů a vkusu, vzájemně se vylučující přístupy k zobrazování člověka. Paleta estetických hledání mladých malířů... se stala komplexnější,... za hlavní princip se hlásí několik způsobů interpretace reality najednou – od bezpodmínečného odhalování přírody a přímých výpovědí o světě až po alegorické obrazy a symbolické konstrukce. jako celý konglomerát technik vypůjčených z technických arzenálů moderního modernismu. Tuto tezi odhalují výstavy tvůrčích skupin Vladivostok, Shtil, Lik, jejichž činnost spadá do konce 80. a počátku 90. let.

Za jednu z přelomových výstav této doby lze považovat 2. výstavu mladých umělců Dálného východu „Území naděje“ (1995, Vladivostok). Při analýze prezentovaného materiálu V. I. Kandyba píše: „Nyní bolestně mluvíme o těžkostech života umělce v Rusku. Ale jak bych si přál, aby se navzdory nim navzdory všemu náš Dálný východ stal požehnaným územím naděje na kreativitu. Stejně jako je tato výstava pro nás, vyzařující světlo mládí a naděje.“ Co motivuje jednoho z předních uměleckých kritiků Dálného východu, aby hleděl do budoucnosti s optimismem? Kromě obecné prognózy si všímá prací L. A. Kozminy, I. G. a O. G. Nenazhivina, E. A. Tkačenka, A. G. Filatová, I. I. Butušová a další, je sice nepovažují za přístupné každému, ale všímají si práce s formou a barvou, významy a asociacemi. Z pohledu dnešních umělců, jejichž jména ve svém článku jmenoval V. I. Kandyba, reagovali na výzvy doby, jejich tvorba je toho bezvýhradným potvrzením.

Ale v 90. letech se tyto výzvy staly akutními. Problém nových forem, nastolený technologickým pokrokem, byl aktuální: v uměleckém životě se tvoří skutečné umění, které není spojeno s tradičními dovednostmi umělce. Krize nastala i na poli umělecké kritiky, která dříve analyzovala a zobecňovala fenomény uměleckého života a v nových podmínkách se začala podobat umělecké žurnalistice, která sice přispěla k vytvoření obrazu doby, ale nedokázala reflektovat. situaci jako celku.

Hovoříme-li o tvůrčí unii jako ekonomickém organismu, zásadní změny zasáhly i tuto sféru života: umělecký fond jako forma organizace práce umělce přestává na Primorském území existovat. Samozřejmě lze devadesátá léta označit za krizové období pro umění regionu.

Život nás zároveň vybízí k hledání nových forem vztahů se společností. V roce 1992 ztrácí Vladivostok status uzavřeného přístavního města, kontakty s umělci z jiných zemí se stávají možnými a rozvíjejí se. Obyvatelé Primorye se začínají účastnit velkých uměleckých akcí v asijsko-pacifickém regionu a vstupují na umělecký trh. Objevily se nestátní galerie "Artetage" (zakladatel a ředitel A. I. Gorodniy), "Arka" (zakladatel a ředitel V. E. Glazková). Díky nim se utváří primární chápání postavy kurátora, který prosazuje myšlenku výstavy v souladu s vlastní vizí uměleckého procesu, tématu a zajišťuje jejich realizaci. Je třeba poznamenat úsilí A. I. Gorodného při formování kolektivních výstav s velkým počtem účastníků, členů Svazu výtvarníků, podávajících průřez tím či oním uměleckým fenoménem: „110 autoportrétů“, „Dětské portrét“, „Vladivostok: krajiny a tváře“, „Umělci v Andreevce“ a další. Zkušenosti z práce na těchto místech, které umožnily seznámit se s uměním umělců z jiných regionů Ruska i zahraničí, představujících současné umění , fotografie, jistě potřebuje hloubkový výzkum a zobecnění. V tomto článku si všimneme následujícího: Muzeum Artetage i Galerie Arka spolupracovaly a nadále spolupracují s umělci, kteří jsou členy Svazu umělců Ruska. "Artetage" je stálým partnerem pobočky Primorsky při pořádání rozsáhlých výstav (přímořská organizace VTOO "Unie umělců Ruska": 70 let, "Státní akademie umění Dálného východu: 50 let", "Umělci do flotila" atd.)

Do roku 2000 se formoval moderní obraz uměleckého života. Členové tvůrčí unie se aktivně účastní výstav různých úrovní v Rusku i v zahraničí, na největších uměleckých veletrzích v asijsko-pacifické oblasti (KIAF, Guangzhou Art Fair aj.). V rámci summitu APEC 2012, bienále výtvarného umění Vladivostok atd. se konaly velké umělecké výstavy za účasti vladivostockých umělců. Umělci iniciují různé akce. Mezi nejvýznamnější patří série uměleckých plaveb organizovaných S. D. Gorbačovem na jachtě Allegro v polovině 90. let.

Myšlenka vytvořit v roce 2001 hnutí "House of Prishvin" (v čele s Ctěným umělcem Ruské federace V. I. Oleinikov), které sdružovalo spisovatele, umělce, místní historiky v souvislosti s kreativním přehodnocením pobytu M. Prishvina v Primorye, vedl nejen k řadě výstav, ale také k sérii tvůrčích setkání v knihovnách Přímořského kraje.

V roce 2006 přišli V. F. Kosenko, A. P. Onufrienko a řada dalších umělců, designérů a architektů s myšlenkou projektu Harmonie prostředí, který zahrnoval řadu výstav. Nejvýraznější z nich byla výstava „Město, moře, vítr, plachta“ (byla načasována na narozeniny Vladivostoku). Prezentovalo se monumentální umění, malba, grafika, umělecká řemesla, architektonické a designové projekty. Myšlenkou výstavy je určit umělcovo místo v městském prostředí. V době, kdy byla výstava vytvořena, již existovala pozitivní zkušenost s obnovou železniční stanice a Tsesarevičova oblouku ve Vladivostoku členy Přímořské organizace Svazu umělců Ruska. Projekt doprovázela série publikací v periodikách, které hovoří o pokusech nejen o vytvoření skutečného uměleckého produktu, ale o formování veřejného mínění (tato myšlenka pokračuje i v současné fázi: v září 2014 Alliance Francaise Vladivostok představila vzdělávací projekt „Současné umění ve městě architektury“, který vyvolal velké nadšení u studentů studujících architekturu a design). V jistém smyslu v roce 2006 umělci z Primorye předběhli dobu. A v roce 2013 byl pokračováním projektu návrh kina Vladivostok se sérií keramických panelů G.G. Dobrynina a V.F. Kosenko.

Další zajímavou iniciativou bylo vytvoření neziskové Nadace pro vizuální umění „MOST“ v roce 2009, jejímž autorem byli A. L. Arsenenko a V. N. Starovoitov. Za hlavní činnost pořadatelé označili činnost v oblasti umění. Jednou z akcí fondu "Gifts of the Magi" je charitativní výstava děl Primorye umělců v muzeu a výstavním komplexu P.I. V. K. Arseniev na ulici. Petra Velikého, 6 - dle plánu organizátorů byla provedena za účelem následného převodu finančních prostředků z prodeje obrazů na vytvoření odpovídajícího prostoru v muzeu pro osoby s omezenou schopností pohybu.

Tyto příklady naznačují, že v současné fázi se pole tvůrčího hledání umělce rozšířilo.

Svou obvyklou působnost rozšiřuje i Státní umělecká akademie Dálného východu. Do roku 2009 byl na katedře malby vytvořen nový pedagogický sbor. Zrekonstruované oddělení se hlásí výstavou v sálech Přímořské státní galerie umění „Namalováno“, což je samo o sobě mimořádný krok. V úvodním článku k výstavnímu katalogu V.I.Kandyba píše, že za téměř půl století existence akademie nebyl nápad na kolektivní výstavu pedagogů fakulty. Výstava byla mezníkem, který znamenal výměnu generací nejen v dílnách, ale i v učebnách Akademie, kde v roce 2009 I. I. Butusov, A. V. Glinščikov, A. A. Enin, E. E. Makejev, V. Medveděv, I. B. Obukhov, N. A. Popoviče, kteří „se stávají členy jednoho týmu, umělci a učitelé v jedné osobě, společně ztělesňují jak tvůrčí potenciál fakulty, tak hlavní cestu jejího rozvoje do budoucna“.

V roce 2009 se poprvé z iniciativy Far Eastern State Academy of Arts konala mezinárodní soutěž pro mladé umělce „ArtVladivostok“, která byla zakončena výstavou na základě výsledků. Každoročně se stávají výstavy v sálech Přímořské pobočky VTOO „Unie umělců Ruska“ a Přímořské státní umělecké galerie po výsledcích plenérů a 2. a 3. soutěže „ArtVladivostok“. V seznamu výstav a uměleckých akcí mladí umělci, čerství absolventi akademie, uvádějí plenéry v Petrohradě, Florencii, účast na celoruských uměleckých akcích (připravovaná výstava „Je to skvělé!“ v muzeu Artetazh na olympijské hry 2014).

V době působení ve funkci předsedy A. A. Pyrkova byla díky úsilí děkana malířské fakulty N. A. Popoviče vytvořena mládežnická sekce Přímořské pobočky VTOO „Unie umělců Ruska“.

V současné době má Primorská pobočka Svazu umělců Ruska VTOO 124 lidí, včetně uměleckých kritiků: doktor dějin umění V. M. Markov, kandidát dějin umění O. I. Zotova, vážený pracovník kultury Ruské federace L. I. Varlamova, vážený pracovník kultury Ruské federace N. A. Levdanskaya. Členem Svazu umělců je také ředitel muzea "Artetazh" A. I. Gorodniy.

Do roku 2003 pobočka Nakhodka (dnes N POBOČKA MĚSTA AKHODKA VTOO "UNIE UMĚLCŮ RUSKA"). Skupina umělců Nakhodka byla založena v roce 1980 z iniciativy vůdců města Nakhodka. Byli pozváni absolventi uměleckých univerzit v zemi a zajištěno ubytování: V. V. Zacharenko, V. K. Zakharenko - absolventi Moskevské vyšší průmyslové školy, V. E. Ežkov - absolvent Institutu malby, sochařství a architektury. TJ. Repina, Y. A. Reznichenko, N. P. Saunin jsou absolventy Institutu umění Dálného východu. V roce 1982 byl pozván člen Svazu umělců SSSR, laureát ceny Primorsky Komsomol V. P. Lakhansky. Od roku 1982 byl zvolen členem představenstva organizace Primorsky a vedl tvůrčí skupinu Nakhodka. Ve městě zároveň působili umělci N. M. Kublov, V. P. Vodněv, V. A. Gorban, V. P. Popov, Y. I. Tukhov, G. A. Omelčenko a další.působí již v 80. letech 20. století. Prohlásila se Olga P. Kozich (absolventka Far Eastern Institute of Arts). Kozichova grafika se vyznačuje přesností kompozičního řešení, sebevědomým vzorem a komplexní barevností. Velkým přínosem do umění grafiky byli V. P. Bykov (v sovětských dobách umělci hodně cestovali po Čukotce a zachycovali Sever v sérii grafických listů) a F. F. Konyukhov. S Nakhodkou je spojeno dílo G. A. Omelčenka. Na 1. zónové výstavě "Sovětský Dálný východ" se umělec podílel na grafických cyklech "Rybářské dny" a "Far Eastern Frontiers", ale poté se zcela věnoval malbě. Objev se stal jedním z hlavních námětů výtvarníka plakátu V. A. Gorbana. Pozoruhodným fenoménem bylo dílo krajináře N. P. Saunina. Od roku 1964 žil a tvořil N. M. Kublov v Nachodce, hlavním tématem jeho děl bylo téma lásky k malé vlasti, zhmotněné do barevně bohatých pláten. Od roku 1983 žije a pracuje v Nakhodce sochař E. K. Sambursky (vystudoval Frunze Art College, dílnu N. I. Ladyagina). V roce 1987 byli do Nachodky pozváni absolventi Institutu umění Dálného východu V. K. a N. S. Usov.

Osmdesátá léta byla tvůrčím obdobím. Jádro skupiny - mladí umělci a členové Svazu výtvarníků V. P. Lakhanskij a G. A. Omelchenko, aktivně pracovali v malbě, grafice, uměleckém řemesle. Každoroční městské výstavy (od roku 1980 do současnosti) - v sálech Muzea a výstaviště, kterých se účastní umělci různých generací, přitahují pozornost obyvatel města. Umělci se také účastní regionálních, oblastních, republikových a celosvazových výstav, navazují mezinárodní vztahy. V. P. Lakhanskij, V. V. Zakharenko, V. P. Bykov se stali účastníky mezinárodního projektu ve městě Otaru (Japonsko), G. A. Omelchenko, V. P. Lakhansky, V. P. Bykov byli účastníky výstavy ve městě Maizuru (Japonsko), výměnné výstavy byly pořádané mezi umělci města Nakhodka a umělci měst Maizuru a Otaru (Japonsko). Realizují se tvůrčí výlety do akademických dač Svazu umělců, pořádají se plenéry, organizují se setkání umělců a diváků, setkání se studenty uměleckých škol města, pořádají se soutěže. Umělci V. V. Zakharenko, V. K. Zakharenko, V. P. Bykov, F. F. Konyukhov, N. P. Saunin, Y. A. Reznichenko, V. E. Ezhkov, O. P. Kozich, V. K. Usov, N. S. Usova. Díky vedení města byly téměř všem členům Svazu výtvarníků zajištěny tvůrčí dílny.

Devadesátá léta se ukázala být stejnou krizí pro umělce Nakhodky jako pro ostatní. Vzhledem k územní odlehlosti města Nachodka od Vladivostoku (180 km) a složení členů Svazu umělců ve městě Nachodka, více než 10 osob, bylo z iniciativy Konstantina R. Avarského rozhodnuto vytvořil nachodskou pobočku Svazu umělců. Registrace Úřadem spravedlnosti pro Primorské území proběhla v červnu 2003.

Do roku 1990 zahrnovala Primorsky organizace ussurijskou pobočku Svazu umělců Ruska (dnes U ORGANIZACE MĚSTA SSURI VTOO "UNIE UMĚLCŮ RUSKA"). Ussurijsk je druhým uměleckým centrem Přímořského kraje. Umělecké tradice zde byly založeny ve 40. letech 20. století. Ussurijská organizace VTOO "Unie umělců Ruska" vznikla 20. června 1943 jako pobočka Primorské organizace Svazu umělců Ruska. 12. března 1944 organizace otevřela 1. výstavu ussurijských umělců.

Důležitou roli při vzniku tvůrčí skupiny ussurijských umělců sehrál Ateliér vojenských umělců, který v lednu 1940 založili absolventi Akademie umění v Petrohradě bratři Fridmanové - Ovsey Isakovich, umělecký vedoucí ateliéru vojenských umělců, učitel katedry bitevní malby na Akademii umění a Rafail Isakovich, ředitel ateliéru a výtvarné dílny. Pro ateliér a práci umělců v Ussurijsku byla na ulici postavena zvláštní budova. Volodarsky, 42. Během válečných let řídil ateliér v domě důstojníků A. N. Romashkin.

V 50. letech začaly fungovat umělecké a výrobní dílny. Ussurijská organizace nebyla početná: její tvůrčí jádro tvořilo 10-15 lidí. Život malé organizace má vždy své kladné i záporné stránky. V této situaci bylo pozitivní, že kompaktní tým mohl zaujmout myšlenkou jedné osoby – vůdce. V 50. letech byl za vedoucího považován S. F. Arefin, který se začal účastnit regionálních výstav počínaje 40. lety. S. F. Arefin vyrůstal v Ussurijsku, za Velké vlastenecké války sloužil na velitelství Dálného východu, kde absolvoval kurzy pro vojenské umělce. Po návratu do Ussurijska vstoupil do Unie umělců, aktivně se věnoval nejen tvůrčí práci, ale také sociální práci v organizaci. V roce 1966 se umělec přestěhoval do Vladivostoku a na mnoho let prakticky opustil malířský stojan a stal se divadelním umělcem.

K. P. Koval sehrál bezesporu vedoucí roli v tvůrčím rozvoji. Jeho díla se koncem 50. let objevila na celosvazových a republikových výstavách. Absolvent Ateliéru vojenských umělců v Ussurijsku považoval za hlavní školu pro sebe pojmenovanou Akademickou Dachu. I. E. Repina. Díky tvůrčím návštěvám u akademika K. P. Koval byl v Moskvě dobře známý a říkalo se mu „Koval z Ussurijska“. Byl to úžasný učitel, navazující na tradici ateliérového vzdělávání v Ussurijsku a nějakým způsobem navazoval na pedagogickou linii V. V. Bezrodného v ussurijské zemi. Žákům jeho ateliéru se říkalo „podkováři“. K. P. Koval věnoval veškerý svůj velkorysý, silný talent přímořské krajině, jejíž přednosti zaznamenal mistr krajinář A.A. Gritsai. Přirozený talent, velká pracovní schopnost umožnily K. P. Kovalovi stát se vysoce profesionálním umělcem, člověkem s „kreativním začátkem“. Díky němu se definice „ussurijské malířské školy“ objevila na výstavách v regionu Dálného východu a celoruském. Podmanivá síla jeho talentu shromáždila a inspirovala ussurijské umělce. Redaktor ussurijských městských novin M. Dubranov o tom píše: „Jsou lidé, kteří jsou osudem předurčeni k tomu, aby nechali v lidských dějinách nějaký termín. Z ... historie Ussurijska lze takovým lidem bez nadsázky přiřadit umělce Kim Petroviče Kovala.

Ve 40. letech 20. století S. F. Arefin, G. K. Aslanov, Yu. V letech 1950-1970 se k nim připojili a stali se členy Svazu umělců Ruska N. P. Borisov, B. A. Vjalkov, K. P. Koval, V. M. Medvedskij, N. Ya. Gritsuk, P. Ya. German, A. V. Tkachenko, B. N. Loshkarev, V. A. Lutchenko, N. D. Volkov, V. A. Serov, G. G. Lagerev, A. A. Usenko, v 80. letech - Yu P. Galyutin, O. K. Nikitchik, I. T. Nikitchik, A. V. Pikhtovnikov. V 90. letech vstoupili do organizace noví členové: Y. P. Larionov, M. R. Pikhtovnikovová, E. A. Pikhtovnikov, N. N. Kazancev, S. V. Gorbach, M. P. Sobolevskij.

18. března 1985 byla otevřena budova Domu umělců postavená úsilím ussurijských umělců. A.V. Pikhtovnikov, který vedl komisi pro kulturu v městské radě zastupitelů. Za svůj přínos k rozvoji umění Ruska a Dálného východu byli umělci organizace oceněni titulem Ctěný umělec Ruské federace a Ctěný umělec Ruské federace (K. P. Koval), Ctěný umělec Ruské federace (A. V. Tkachenko, V. A. Serov, N. D. Volkov, O. K. Nikitchik, I. I. Dunkai).

Téma kreativní dachy v Andreevce je úzce spjato s ussurijskou organizací. Andreevka, v uměleckém prostředí označovaná jako „dača umělců“, se ukázala jako překvapivě atraktivní místo nejen pro rekreaci a rybaření. Zde, na pozemcích Khasanského okresu Primorye, pokračovaly tradice domů kreativity centrálního pásu Ruska. Jedním z nich je Academic Dacha. I. E. Repin ve Vyšném Volochku sloužil jako místo komunikace i místo učení pro obyvatele Primorye, kde se účastnili jak ctihodní umělci Moskvy, Leningradu a dalších měst Sovětského svazu, tak ti, kteří se ještě museli stát mistry. kreativní závody.

Primortsy vydláždil trvalou cestu do Vyshny Volochek. V prvotně ruských zemích, v těsném kontaktu se slavnými umělci šedesátých let A. A. Gritsaiem, V. N. Gavrilovem, A. D. Romanyčevem, A. P. a S. P. Tkačevem, došlo k pochopení hloubky umělcovy profese. Každý má ve svých tvůrčích zavazadlech skicu od Akademika, kde se mimochodem nachází dodnes, navzdory radikálně změněným okolnostem uměleckého života.

V 70. letech 20. století bylo po řadě dlouhých cest rozhodnuto vyrobit si vlastní tvůrčí daču: „Několik malířů z Primorye K. Koval, A. Tkachenko, A. Teleshov, V. Prokurov, V. Medvedsky poprvé přijelo do Andreevky. Andreevka je malá vesnice na jihu Primorye v okrese Khasansky, která se nachází na pobřeží zálivu Troitsa v Japonském moři. Místo je úžasně krásné. Zde je nyní kreativní dača "Andreevka". Obsahuje ussurijskou organizaci Svazu umělců Ruska. Umělci z Dálného východu - Primorye, Chabarovsk, Blagoveshchensk - sem jezdí pracovat a odpočívat a v dobrých časech přicházeli umělci z Moskvy, Leningradu, pobaltských států a středního Ruska, “píše R. P. Kosheleva, referent Svazu umělců. ruského VTOO. Redaktor novin našel místo pro publikaci o Andreevce na stránce s nadpisem „V domech kreativity“ vedle materiálu o Akademické dači ve Vyšném Volochku, což není náhodné. Andreevka byla místem inspirace a práce pro desítky umělců různých generací a zároveň jakýmsi pojítkem s centrem Ruska.

V roce 1990 se pobočka Ussuri s 10 zaměstnanci oddělila od pobočky Primorsky a získala status nezávislé organizace.

Dnes pobočka Primorsky, město Nachodka a městské organizace Ussuriysk VTOO „Unie umělců Ruska“ úzce spolupracují při pořádání uměleckých výstav a plenérů v Rusku i v zahraničí.

Olga ZOTOVÁ

člen VTOO "Unie umělců Ruska",

výkonný tajemník pobočky Primorsky

VTOO "Unie umělců Ruska",

Ph.D. v oboru dějin umění,

Docent, FEFU School of Humanities

© PŘI KOPÍROVÁNÍ A CITOVÁNÍ MATERIÁLŮ Z STRÁNEK,

V současné době existuje na Dálném východě dvanáct tvůrčích organizací umělců: Přímořská pobočka VTOO „Unie umělců Ruska“ je druhá největší.

Činnost organizace je úzce spjata s historií výtvarného umění nejen Primorye a Dálného východu, ale celého Ruska.