Art Deco je směr eklektického umění, který se zformoval ve Francii na počátku 20. let 20. století. Dominuje v módním návrhářství, architektuře, užitém umění, interiérovém designu. Ve 30. a 40. letech se art deco stalo populárním po celém světě.

Příběh

Směr se objevil na počátku 20. století - v období 1907 - 1915. V této době se fixují první díla vyznačující se charakteristickými rysy stylu. Někteří badatelé poznamenávají, že díla této doby jsou prvními pokusy umělců vytvořit plátna v eklektickém stylu.

Termín se objevil po Mezinárodní výstavě v Paříži v roce 1925. Na výstavě byly k vidění luxusní předměty. Účelem expozice je ukázat přední místo Paříže ve světě módy a stylu. Do roku 1928 byl směr majetkem pouze Evropy, na počátku 30. let se objevila americká verze art deco, která měla své vlastní charakteristiky.

Historie gotiky v malířství

Charakteristický

Art Deco je umění, které odráží moderní technologie, vyznačující se hladkými liniemi, tvorbou obrazů z geometrických tvarů, použitím jasných, křiklavých barev v interiéru a výtvarného umění. Směr vznikl jako reakce proti úsporám zavedeným během první světové války. Díla byla plná luxusu, jasu, excesů, v interiéru byly použity drahé materiály a další druhy kreativity (stříbro, křišťál, slonovina, nefrit). Po Velké hospodářské krizi se směr rozvinul, ale začal se soustředit na výrobu méně nákladných produktů se zaměřením na masovou výrobu. Použitý chrom, plast, kov a další průmyslové materiály pro střední třídu. Art Deco bylo vždy spojováno s půvabem, leskem, ale neodmyslitelnou součástí je funkčnost a praktičnost.

Od konce 40. let začalo být art deco vnímáno jako příliš barevné, náročné na válečné časy a strohost, takže postupně vycházelo z módy. K prudkému nárůstu zájmu o art deco došlo v 60. letech 20. století – shoduje se s hnutím pop art. Další vývojovou etapou jsou 80. léta, kdy vzrostl zájem o grafický design. Směr se stal módním v designu, oblečení.

Vlastnosti hyperrealismu jako stylu v malbě

Vyznačuje se stálým zájmem o estetiku 20. let 20. století a je vnímán výhradně ve spojení s módou a trendy tohoto období. Zvláštností stylu je, že představitelé nebyli sjednoceni v jedné komunitě, skupině nebo malířské škole. Art Deco je eklektické hnutí, ve kterém se mísilo velké množství kulturních vlivů.

Nápady

Klíčové myšlenky a principy práce převzali umělci od modernistů a neoklasicistů.

• Neoklasické ideály krásy s jejich vlastní přísností byly vlastní pracím mistrů nového směru.
• Použití jasných, intenzivních odstínů podle výzkumníků vychází z práce pařížských fauvistů.
• Některé myšlenky jsou vypůjčeny z umění Aztéků a egyptské kultury, klasického starověku.
• Art Deco na rozdíl od secese nemělo filozofický základ – šlo o čistě dekorativní směr.
• Etnické ornamentální kompozice v obrazech umělců, v interiéru;
• "Ruská roční období" nebo ruský balet S. Diaghilev.

Surrealismus jako styl malby

Vývoj stylu v těžkých ekonomických a politických podmínkách, v období aktivního rozvoje vědy a techniky, se promítl do námětu obrazů. Díla umělců slouží dekorativním účelům, potěší oko a rozveselí. Malíři se nepokoušejí uplatňovat psychologický vliv nebo předávat své filozofické názory prostřednictvím obrazů. Cílem Art Deco je spojit nejlepší vlastnosti stylů a vytvořit něco nového a krásného.

Hlavní rysy stylu

Minimalismus jako styl malby

Pomocí nových materiálů, které byly použity v kombinaci, Art Deco představilo vědecký pokrok, růst technologie. Luxusní vzhled art deco obrazu dokonale zapadne do interiéru bohatého bytu, výletní lodi, moderního kina. Styl přežil několik krizí díky praktičnosti, jednoduchosti, jasu a individualitě.

Malíři

Pojem art deco se pro malbu nebo sochařství používá jen zřídka, dominuje v architektuře a designu, ale v meziválečném období představila svá díla, vyrobená podle všech stylových standardů, řada umělců: Tamara Gorskaya nebo Tamara de Lempicka, malba "Muzikant" (1929), „Autoportrét v zeleném Bugatti (1925), francouzský výtvarník plakátů Adolphe Jean-Marie Mouron, známý jako Cassander, byl jedním z nejlepších grafiků, vyhrál Grand Prix na soutěži plakátů v Paříži.

Art Deco, Art Nouveau, Art Nouveau - stylové prvky, příklady - obrazy, vitráže, interiéry

V tomto článku se podíváme na styl interiéru art deco, secese, moderní. Stylové prvky - malba, architektura, prvky interiéru - nábytek, závěsy, lustry, obrazy atd.

Budova vídeňské secese

Art Nouveau [secese," tiffany"(pojmenovaný po Louisi Comfort Tiffanym) ve Spojených státech," secese" a " fin de siecle" ve Francii, " secese" v Německu, " Secesní styl"v Rakousku," moderní styl" v Anglii, " Liberty styl" v Itálii, " modernismus" ve Španělsku, " Nieuwe Kunst"v Holandsku," smrkový styl" (styl sapin) ve Švýcarsku.) se rozšířil v letech 1918-1939 ve Francii, částečně v dalších evropských zemích a USA. V architektonických formách a obrazech převládají klikaté linie, neobvyklá kombinace drahých a exotických materiálů, obrazy fantastických tvorů, vlnobití, mušlí, draků a pávů, labutích krků a malátných žen. Ve formách - podtržená asymetrie. Listy, květy, kmeny a stonky, stejně jako obrysy lidského nebo zvířecího těla s jejich vlastní asymetrií, jsou vodítkem k akci a zdrojem inspirace. Styl vychází z teze, že forma je v umění důležitější než obsah. Jakýkoli nejprozaičtější obsah může být prezentován ve vysoce umělecké formě. Zdrojem této „nové formy“ byla příroda a žena. Tento styl se vyznačuje propracovaností, propracovaností, duchovností, variabilitou. Z toho vyplynula určitá sada barev - vybledlé, tlumené; převaha hladkých, složitých linií. Sada symbolů - náladové květiny, mořské rarity, vlny. Stylové vlastnosti secese jsou někdy srovnávány s plastickým systémem baroka, oprávněně mezi nimi spatřují určitou podobnost v touze umělců používat formy organické povahy jako výrazové prostředky. Hodně secese také převzalo z umění tábora Asie.

V takových interiérech je vždy dobře, stejně jako v interiérech ve stylu art deco vypadají dobře kopie Michaela Parkese, Gustava Klimta, Tamary Lempicki, Alphonse Muchy, Vrubela, Bilibina nebo Vasnetsova, stejně jako práce současných umělců píšících tímto stylem. , stejně jako americká grafika určité téma. Mnoho umělců tohoto stylu (nebo období) bylo fascinováno orientální malbou - na obrazech stejného Gustava Klimta často vidíme postavy v čínských nebo japonských oděvech. Proto v takových interiérech nebude čínská nebo japonská malba nadbytečná. Zde je několik děl, podle našeho názoru, vhodných do interiérů v takových stylech.

Art Deco (Art Deco)- populární trend v mezinárodním dekorativním umění 1925-1939. Tento styl historicky následuje bezprostředně po moderně. Dotkl se takových oblastí umění, jako je architektura, interiérový design, průmyslový design, módní průmysl, malba, grafika, kino. Toto hnutí do jisté míry spojovalo mnoho různých stylů a proudů počátku 20. století, včetně neoklasicismu, konstruktivismu, kubismu, modernismu, Bauhausu, secese a futurismu. Ale ve větší míře je moderní s příměsí neoklasicismu. Výrazné znaky - přísná pravidelnost, etnické geometrické vzory, luxusní, šik, drahé, moderní materiály (slonovina, krokodýlí kůže nebo žraločí či zebří kůže, vzácná dřeva, stříbro). V Německu a SSSR se Art Deco mění ze secese na „nový empírový styl“.

Vrchol popularity hnutí padl na „řvoucí dvacátá léta“, ale ve 30. letech bylo ve Spojených státech poměrně silné. Na rozdíl od jiných oblastí, jejichž původ je zakořeněn v politice nebo filozofii, mělo art deco výhradně dekorativní význam. Najednou byl styl vnímán jako reakce na Universal Exposition (Universal Exposure) z roku 1900. Po slavné výstavě vytvořilo několik francouzských umělců oficiálně registrovanou organizaci La Société des artistes décorateurs (Spolek dekorativních architektů). Mezi její zakladatele patřili Hector Guimard (Hector Guimard).

Paříž ve 30. letech 19. století zůstala centrem stylu Art Deco. Ztělesnil to v nábytku Jacques-Emile Ruhlmann- nejslavnější z návrhářů nábytku té doby a možná poslední z klasických pařížských ebeniste(skříňkáři). Kromě toho díla Jean-Jacquese Rateau, výrobky společnosti "Süe et Mare", obrazovky Eileen Gray (Eileen Gray), práce z kovaného kovu Edgara Brandta, kov a smalt švýcarských židovských původ Jean Dunant, sklo velkých René Lalique a Maurice Marina a hodinky a šperky Cartier.

Bronzové a slonovinové sochy se staly symbolem Art Deco v dekorativním a užitém umění. Francouzští a němečtí řemeslníci, částečně inspirovaní Ďaghilevovými ruskými ročními obdobími, uměním Egypta a Východu a technologickým pokrokem „doby strojů“, vytvořili jedinečný styl drobného plastického umění dvacátých a třicátých let, který pozvedl status dekorativního umění. sochařství na úroveň „vysokého umění“. Za klasické představitele art deco v sochařství jsou považováni Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colin, Paul Philippe (Francie), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Německo), Bruno Zach, J. Lorenzl (Rakousko).

© «WM-PAINTING»

secese(francouzská výslovnost: ​, anglicky /ˈɑːrt nuːˈvoʊ/) je mezinárodní styl umění, architektury a dekorativního umění, zejména dekorativního umění, který byl nejpopulárnější v letech 1890 až 1910. Styl, který představuje reakci na akademické umění 19. století, byl inspirován přírodními formami a strukturami, zejména zakřivenými liniemi rostlin a květin.

V angličtině se používá francouzský název „Art Nouveau“ (nové umění). Tento styl je příbuzný, ale ne totožný, se styly, které se objevily v mnoha evropských zemích přibližně ve stejnou dobu: v Rakousku je známý jako „sloh secese“ podle „vídeňské secese“; ve Španělsku jako "modernismus"; v Katalánsku as "modernismus"; v České republice as "secese"; v Dánsku jako "skönvirke" nebo secese; v Německu jako secese, "Secese" nebo "reformní styl"; v Maďarsku jako "secessio"; v Itálii jako "Secese", "styl svobody" nebo "květinový styl"; v Norsku jako secese; v Polsku jako "secese"; na Slovensku as "seces"; v Rusku jako "moderní"; co třeba ve Švédsku "jugend".

secese je obecný umělecký styl. Zahrnuje širokou škálu výtvarného a dekorativního umění včetně architektury, malby, grafiky, interiérového designu, šperků, nábytku, textilu, keramiky, skla a kovovýroby.

V roce 1910 již secese vyšla z módy. Jako dominantní architektonický a dekorativní styl Evropy byl nejprve nahrazen Art Deco a poté modernismem.

Původ

Nové umělecké hnutí má své kořeny v Británii, v květinových vzorech Williama Morrise a v hnutí Arts and Crafts založeném Morrisovými studenty. Mezi rané příklady tohoto stylu patří Morris's Red House (1859) a James Abbot McNeil Whistler's Peacock Room. Nové hnutí bylo také silně ovlivněno prerafaelskými umělci včetně, Dante Gabriel Rossetti a Edward Burne-Jones a zvláště britští grafici 80. let 19. století, mezi nimi Selwyn Images, Haywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert a především Aubrey Beardsley.

Ve Francii tento styl kombinoval několik různých trendů. V architektuře ho ovlivnil teoretik architektury a historik Eugène Viollet-le-Duc, zapřisáhlý nepřítel historického architektonického stylu Beaux Arts. Ve své knize "Entretiens sur l "architektura" V roce 1872 napsal: „Použijte prostředky a znalosti, které nám dala naše doba, bez přechodných tradic, které dnes nejsou životaschopné, a tímto způsobem můžeme objevit novou architekturu. Každá funkce má svůj vlastní materiál; každý materiál má svůj vlastní tvar a ornament. Tato kniha ovlivnila generaci architektů, včetně Louise Sullivana, Victora Horty, Hectora Guimarda a Antoniho Gaudího.

francouzští malíři Maurice Denis , Pierre Bonnard a Edouard Vuillard hrál důležitou roli v kombinaci výtvarného umění malby s dekorativním. „Věřím, že malba by měla především zdobit,“ napsal Denis v roce 1891. „Výběr zápletek nebo scén není o ničem. Díky vyváženosti tónů, malované ploše a harmonii linií mohu dosáhnout duše a probudit emoce.“ Všichni tito umělci vytvořili tradiční i dekorativní malbu na plátna, sklo a další materiály.

Dalším důležitým vlivem na nový styl byl japonismus: vlna zájmu o japonské dřevoryty, zejména práce Hiroshige, Hokusai a Utagawa Kunisada, které byly do Evropy dovezeny od 70. let 19. století. Podnikavý Siegfried Bing založil v roce 1888 měsíčník Le Japon artistique a před uzavřením v roce 1891 vydal třicet šest čísel. Ovlivnil sběratele i umělce, včetně Gustava Klimta. Stylizované prvky japonských tisků se objevily v grafice, porcelánu, špercích a secesním nábytku.

Nové technologie v tisku a publikování umožnily secesi rychle oslovit celosvětové publikum. Umělecké časopisy, ilustrované fotografiemi a barevnými litografiemi, byly nápomocné při popularizaci nového stylu. Studio v Anglii, Arts et idèes a Art et décoration ve Francii, Jugend v Německu umožnily, aby se styl rychle rozšířil do všech koutů Evropy. Aubrey Beardsley v Anglii a Eugene Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec a Felix Vallotton získal mezinárodní uznání jako ilustrátor.

Díky plakátům Jules Cheret pro tanečnici Loie Fuller v roce 1893 a Alfonse Muchy pro herečku Sarah Bernhardt se v roce 1895 plakát stal nejen reklamou, ale i formou umění. Toulouse-Lautrec a další umělci dosáhli statusu mezinárodní celebrity.

Forma a charakter

Přestože secese s rostoucím geografickým rozšířením nabývala výrazně lokalizovaných tendencí, některé obecné charakteristiky poukazují na její podobu. Popis uveřejněný v časopise Pan nástěnné tapisérie Cyclamen (1894) od Hermanna Obrista, popisující ji jako „nečekané silné křivky vytvořené úderem biče“, který se proslavil na počátku šíření secese. Následně se nejen samotné dílo stalo známějším jako „The Whiplash“, ale samotný termín „whiplash“ je často aplikován na charakteristické křivky používané secesními umělci. Takové dekorativní „bičové“ motivy, tvořené dynamickými, zvlněnými a plynulými liniemi v synkopovaném rytmu a asymetrické formě, se nacházejí v architektuře, malířství, sochařství a dalších formách secesního designu.

Počátky secese jsou v zápase umělce William Morris s objemnými kompozicemi a trendy obrození 19. století a jeho teorií, které pomohly vytvořit hnutí Arts and Crafts. Obálka Arthura Maccurda pro The City Churches of Wren (1883) se svými rytmickými květinovými vzory je však často považována za první realizaci secese. Přibližně ve stejné době plochá perspektiva a jasné barvy japonských dřevořezů, zejména Katsushiki Hokusai, měl silný vliv na formuli secesního stylu. Japonismus, populární v Evropě v 80. a 90. letech 19. století, měl významný dopad na mnoho umělců svými organickými formami a přitažlivostí k přírodnímu světu. Kromě toho, že je adoptovalo umění a design inspirované Japonskem umělci jako Emile Galle a James Abbott McNeil Whistler, podporovali je také podnikatelé Siegfried Bean a Arthur Lasenby Liberty ve svých obchodech v Paříži a Londýně.

V architektuře jsou hyperboly a paraboly rozšířeny v oknech, klenbách a dveřích a dekorativní zlomy se přeměňují do rostlinných forem. Jako většina designových stylů se i secese snažila sladit své formy. Text nad vchodem do pařížského metra využívá rysy zbytku kovové konstrukce.

Secesní architektura a interiérový design se vyhýbá eklektickým znovuobnoveným stylům 19. století. Přestože secesní designéři zvolili a „zmodernizovali“ některé abstraktnější prvky rokokového stylu, jako jsou textury plamenů a mušlí, prosazovali také použití vysoce stylizovaných organických forem jako zdroje inspirace, rozšiřující „přirozené“ různé k použití mořských řas, bylin a hmyzu. Dalším vlivem byly měkké míchané formy knorpelwerku ze 17. století, nejlépe zastoupené v holandském stříbře.

Vztah k současným stylům a směrům

Jako umělecký styl má secese spřízněnost s prerafaelity a symbolismem a umělci jako Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt a Jan Torop, lze připsat více než jednomu z těchto stylů. Na rozdíl od symbolické malby má však secesní styl osobitý vzhled; a na rozdíl od řemeslně orientovaného hnutí Arts and Crafts umělci secese ochotně přijali nové materiály, hotové povrchy a abstrakci v zájmu čistého designu.

secese neopustila používání strojů, stejně jako hnutí Arts and Crafts. Pro sochařství byly hlavními materiály sklo a tepané železo, což vedlo k sochařským prvkům i v architektuře. Keramika byla také zapojena do série soch umělců, jako je Auguste Rodin.

Secesní architektura využívala mnohé z technologických inovací konce 19. století, zejména exponované železo a velké zakázkové skleněné kusy. Na začátku první světové války však stylizovaná povaha secesního designu, jehož výroba byla nákladná, přestala být používána ve prospěch efektivnějšího, přímočarého modernismu, který byl levnější a vhodnější pro jednoduchou industriální estetiku, kterou Art Deco se stal.

stylové trendy secese také infiltroval místní styly. Například v Dánsku byl tento trend jedním z aspektů skönvirke („estetické práce“), který je sám o sobě více spojen se stylem Arts and Crafts. Kromě toho si umělci vypůjčili mnoho květinových a organických motivů ze secese do stylu Młoda Polska ("Mladé Polsko") v Polsku. Młoda Polska však zahrnovala i další umělecké styly a přijala širší směr v umění, literatuře a životním stylu.

Publikace sekce muzeí

Art Deco pro figuríny

Kde a jak styl Art Deco vznikl, kdo ho založil, ať už to bylo v mladém Sovětském svazu - spletitosti stylu rozumíme spolu se Sofií Bagdasarovou.

Co je Art Deco?

List z alba Feuillets d "Art. 1919

List z alba Les si vybral de Paul Poiret vues par Georges Lepape. 1911

List z alba Modes et Manières d "Aujourd" hui. 1914

Art Deco, což ve francouzštině znamená „dekorativní umění“, je název uměleckého stylu, který vládl v Evropě a Americe po secesi, mezi dvěma světovými válkami. Navíc kraloval především průmyslovému designu - móda, šperky, plakáty, fasády, interiéry, nábytek. Stalo se tak v době, kdy tehdejší „velké umění“ experimentovalo s expresionismem, abstrakcionismem, konstruktivismem a dalšími ismy, které jsou samozřejmě skvělé, jen je každý nevidí ve svém bytě pořád. A art deco předměty jsou navrženy speciálně pro každodenní život - velmi bohaté, luxusní a impozantní, ale stále každodenní.

Jak poznat art deco předmět?

Pouzdra na cigarety, krabičky na prášek. 30. léta 20. století Kjótský módní institut

Obálka časopisu Vogue s "optickými" šaty od S. Delaunay. 1925. Tisková služba kremelských muzeí

Kabelky. OK. 1910. Kjótský módní institut

Tato věc je určitě krásná - stylová, elegantní. Je vyroben z materiálu s drahou texturou, ale ne okázalý luxus, ale prostě hodnotný. Barvy budou složité odstíny, černá - hodně. Často autor vyloženě používal pravítko – ale zároveň se mu podařilo velmi elegantně zaoblit všechny rohy. Geometrické vzory jsou sestaveny podle pečlivých proporcí a mohou hypnotizovat. Tam jsou také často prokládány něčím staroegyptským nebo japonským, ale v nějakém podivném designu: Art Deco milovalo reinterpretovat exotické kultury. (Mimochodem, "ruská exotika" byla také ceněna.) Styl a technický pokrok se líbil - proto existují stylizované vlaky létající vysokou rychlostí a vrtule letadel a parníků.

Styl v módě

Večerní róba. Módní návrhářka Madeleine Vionnet. 1927. Tisková služba kremelských muzeí

Večerní róba. Módní dům Lanwen. Kolem roku 1925. Tisková služba kremelských muzeí

Šaty. Francie. Zima 1922. Módní dům "Sisters Kallo"

Art Deco je nejvíce patrné v dámské módě. V době, kdy tento styl vládl, si ženy začaly zkracovat vlasy, nakonec se osvobodily od upnutých korzetů a krinolín, pas sklouzl k bokům, následně vytáhl až k samotnému hrudníku a sukně se zkrátila na výšku zcela neslušné, podle těch, kteří si pamatovali viktoriánskou morálku.

Tvůrci stylu - velcí módní návrháři Paul Poiret, Mariano Fortuny - citovali kimona, arabské turbany a bloomers, starožitné chitony a stolky, středověké pláštěnky. Objevily se jednodílné věci, všude byly závěsy, těžké látky, šik a lesk. V takových volných věcech, vyšívaných duhovými perlami, skleněnými korálky, kamínky, korálky, bylo skvělé tančit nové živé tance - foxtrot, charleston, tango. Obecně vzpomeňte na éru "Velkého Gatsbyho".

Styl ve šperku

Brož Van Cleef a Arpels. 1930

Náhrdelník s límečkem Van Cleef and Arpels. 1929

Brož v egyptském stylu Van Cleef a Arpels. 1924

Firmy Cartier a Van Cleef & Arpels, ale i další klenotnické domy ve své tvorbě cílevědomě pracovaly na principech Art Deco. Po tekutých formách a poetických květech éry secese (aka secese) působily jejich šperky okázale a šokující.

Lehká platina pro nastavení umožnila šperkům opustit "těžké brnění" - zlato. Čisté geometrické tvary, abstraktní vzory, inovativní kombinace zelené a modré, kontrastní výběr kamenů, jako je černý onyx a červený rubín, použití spíše vyřezávaných než fazetovaných kamenů, stejně jako proložené skutečnými starověkými artefakty (egyptští skarabové atd. .) - to jsou rozpoznatelné rysy. Černý onyx se obecně stal oblíbeným kamenem tohoto období, zvláště v kombinaci s diamanty. Byly doprovázeny jasnými akordy korálů, lapis lazuli, nefritu, smaltu.

Bylo v Rusku art deco?

Výšková budova na nábřeží Kotelnicheskaya. Státní výzkumné muzeum architektury pojmenované po A.V. Shchusev: web/institutes/7985

Stanice metra Majakovskaja

Pavilon SSSR na mezinárodní výstavě v Paříži. 1937. Státní výzkumné muzeum architektury pojmenované po A.V. Shchusev: web/institutes/7985

Brilantní styl Art Deco je samozřejmě hluboce „buržoazní“. To je symbol ztracené generace, móda postav Fitzgeralda, Hemingwaye (stejně jako Wodehouse a předválečné knihy Agathy Christie). Mladý sovětský stát v té době na tuto vnější brilantnost nebyl. Oni však měli „řvoucí dvacátá léta“ a my máme Novou hospodářskou politiku. Vzpomeňte si na kanibala Ellochku: „…na jiskřivé fotografii byla zachycena dcera amerického miliardáře Vanderbilta ve večerních šatech. Nechyběly kožešiny a peří, hedvábí a perly, lehkost střihu, neobvyklý a dechberoucí účes. Sovětští Nepmani ve svých zvycích samozřejmě napodobovali svého svobodného západního souseda, i když to nebylo oficiálně schváleno.

Na druhé straně je potisk Art Deco patrný v jednom z nejformálnějších umění – architektuře. Vliv importovaného stylu lze ve stalinském klasicismu snadno najít: fotografie fragmentů moskevských mrakodrapů z některých úhlů lze jen těžko odlišit od pohledů na předválečné manhattanské mrakodrapy. Láska ve stylu art deco ke geometrismu, použití abstrakce - to vše bylo snadno absorbováno ruskými mistry ve vlasti suprematismu. Bylo také vhodné glorifikovat technické výdobytky lidstva. Existují ještě zábavnější znaky – pamatujete, mluvili jsme o přelomu art deca k egyptským motivům? Je to díky němu před Tamarou Lempickou. Autoportrét v zeleném bugatti. 1929. Soukromá sbírka

Mnohem významnější je však příspěvek, který ruští emigranti k rozvoji Art Deco přinesli. Módní časopisy Vogue a Harper's Bazaar již léta vycházejí pod obálkami Erte, vlastním jménem Roman Petrovič Tyrtov, jehož „Symfonie v černém“ je jedním z klíčových stylových děl.

Abstraktní umělkyně Sonia Delaunay, která pracovala v módním průmyslu, obohatila Art Deco o barvu a energii, kterou jsme viděli u jiných „avantgardních Amazonek“. Hlavní malířkou portrétů ve stylu art deco, jedním z mála umělců, kterým se podařilo tento styl použít pro malby na stojanech, je Tamara Lempicka, rodačka z ruského království Polsko, která před revolucí žila v Petrohradě. (Ale hlavní sochař té doby, Dmitrij Chiparus, je navzdory nám tak známému jménu Rumun.) Nakonec Leon Bakst, který byl v exilu, se kromě divadla dokázal uplatnit i v módním průmyslu - zjevně v r. stylu Art Deco.

Historici umění obecně píší, že styl Art Deco byl původně inspirován ruskými ročními obdobími, které otřásly pařížským uměleckým světem v 20. století. Takže - díky Diaghilevovi a za art deco!

před 10 měsíci Enottt Komentáře na Art Deco Art. Regionální funkce (Francie, USA) zakázáno

Zobrazení: 2 776

Art Deco (dekorativní umění) je vlivný trend ve výtvarném a dekorativním umění první poloviny 20. století, který se poprvé objevil ve Francii ve 20. letech 20. století a poté se stal populárním ve 30.–40. letech 20. století v mezinárodním měřítku, projevoval se především v architektuře, módě a malířství. Jedná se o eklektický styl, který je syntézou modernismu a neoklasicismu. Styl art deco byl také významně ovlivněn takovými uměleckými směry, jako je kubismus, konstruktivismus a futurismus.

Charakteristické rysy - přísná pravidelnost, výrazné geometrické tvary, etnické geometrické vzory, zdobení v polotónech, nedostatek jasných barev v designu, zatímco barevné ornamenty, luxusní, šik, drahé, moderní materiály (slonovina, krokodýlí kůže, hliník, vzácná dřeva, stříbro ).

• Formy: zjednodušené, přesto jasné a grafické. Siluety mají stupňovitější formy, hlavní je ladnost a nějaká hravost.
• Linie: energické, jasné, geometrické.
• Prvky: mnoho ozdob ve formě kudrlin, spirál, vln, cikcaků.
• Barvy: kontrast. Tkaní měkké a pastelové s křiklavými a šťavnatými.
• Materiály: drahé, exotické, nasycené. Dřevo, kůže, bronz, mramor, keramika, sklo.
• Okna: Obdélníková, využívající velký prostor skla. Méně často klenuté nebo s vitráží.
• Dveře: obklopené pilastry, štíty.

V USA, Holandsku, Francii a některých dalších zemích se Art Deco postupně vyvíjelo směrem k funkcionalismu.

Příběh

Mezinárodní výstava, která se konala v roce 1925 v Paříži a oficiálně nazvaná „Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes“, dala život termínu „Art Deco“. Tato výstava ukázala světu luxusní zboží francouzské výroby, což dokazuje, že Paříž zůstala po první světové válce mezinárodním centrem stylu.

Mezinárodní výstava současného dekorativního a průmyslového umění

Událostí, která označila a pojmenovala zenit stylu, byla Mezinárodní výstava moderního dekorativního a průmyslového umění, která se konala v Paříži od dubna do října roku 1925. Oficiálně byl organizován francouzskou vládou a pokrýval plochu 55 akrů v Paříži, vedl od Grand Palais na pravém břehu k Invalidovně na levém břehu a podél břehů Seiny. Grand Palais, největší sál ve městě, byl plný dekorativního umění ze zúčastněných zemí. Zúčastnilo se 15 000 vystavovatelů z dvaceti různých zemí včetně Anglie, Itálie, Španělska, Polska, Československa, Belgie, Japonska a nového Sovětského svazu; Německo nebylo pozváno kvůli poválečnému napětí a Spojené státy, které nechápaly účel výstavy, se stáhly. Za sedm měsíců výstavu navštívilo šestnáct milionů lidí. Pravidla výstavy vyžadovala, aby všechna díla byla současná; historické slohy nebyly povoleny. Hlavním účelem výstavy byla propagace francouzských výrobců luxusního nábytku, porcelánu, skla, kovových výrobků, textilu a dalších dekorativních výrobků. Pro další propagaci produktů měly všechny hlavní pařížské obchodní domy a významní návrháři své vlastní pavilony. Vedlejším účelem expozice byla propagace produktů z francouzských kolonií v Africe a Asii, včetně slonoviny a exotických dřevin.

Hôtel du Riche Collectionneur byl na přehlídce oblíbenou atrakcí; představoval nové designové projekty Emile-Jacquese Ruhlmanna, stejně jako Art Deco látky, koberce a obrazy Jeana Dupase. Design interiéru byl založen na stejných principech symetrie a geometrických tvarů, které jej odlišují od secese a jasných barev, na vynikajícím řemeslném zpracování vzácných a drahých materiálů, které jej odlišují od strohé funkčnosti modernistického stylu. Zatímco většina pavilonů byla bohatě zdobena a zaplněna luxusním ručně vyrobeným nábytkem, dva pavilony – Sovětský svaz a pavilon du Nouveau Esprit, postavený časopisem toho jména pod vedením Le Corbusiera, byly postaveny ve strohém, prostém stylu. bílé stěny a žádná dekorace; patřily mezi nejranější příklady modernistické architektury

Výstava dekorativního umění, demonstrující vítězství konstruktivismu, zároveň dala život hnutí Art Deco, které se stalo exotickou směsí kubismu a moderního stylu, jinými slovy lineární stylizace a nádherné ornamentiky. Móda turbanů a skutků stylizovaných jako „Egypt“ a „Čína“ se fantaskně mísila s rytmy geometrické planimetrie.

Samotný trend Art Deco existoval již před zahájením výstavy v roce 1925 – byl to znatelný trend v evropském umění 20. let. K americkým břehům se dostala až v roce 1928, kde se ve 30. letech 20. století vyvinula v Streamline Moderne, amerikanizovanou odnož Art Deco, která se stala charakteristickým znakem tohoto desetiletí.

Symbolem art deco v dekorativním a užitém umění byla socha z bronzu a slonoviny. Francouzští a němečtí řemeslníci, inspirováni Ďaghilevovými „ruskými ročními obdobími“, uměním Egypta a Východu, stejně jako technologickými výdobytky „období strojů“, vytvořili jedinečný styl z malých plastů 20. – 30. let 20. století, který pozvedl status dekorativního sochařství na úroveň „vysokého umění“. Za klasické představitele art deco v sochařství jsou považováni Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colin, Paul Philippe (Francie), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Německo), Bruno Zack, J. Lorenzl (Rakousko).

Vznik art deca úzce souvisel se vzestupem postavení dekorativních umělců, kteří byli až do konce 19. století považováni za pouhé řemeslníky. Termín "dekorativní scenérie" byl vytvořen v roce 1875 pro návrháře nábytku, textilu a jiných dekorací. V roce 1901 bylo vytvořeno Společenství dekoratérů (Společnost dekorativních umělců) neboli SAD a dekorativním umělcům byla udělena stejná autorská práva jako malířům a sochařům. Podobné hnutí se vyvinulo v Itálii. V roce 1902 se v Turíně konala první mezinárodní výstava věnovaná výhradně dekorativnímu umění Esposizione international d'Arte.

V Paříži bylo založeno několik nových časopisů věnovaných dekorativnímu umění, včetně Art and Decoration a L'Art décoratif moderne. Sekce dekorativního umění byly prezentovány na každoročních Salonech Sociéte des artistes français a později na Salon d'automne. Francouzský nacionalismus také hrál roli v oživení dekorativního umění, přičemž francouzští designéři se cítili znevýhodněni nárůstem exportu levného německého nábytku. V roce 1911 navrhla SAD v roce 1912 velkou novou mezinárodní expozici dekorativního umění. Žádné kopie starších stylů nebyly povoleny; pouze současná tvorba. Expozice byla odložena až do roku 1914 a poté kvůli válce až do roku 1925, kdy dala jméno celé rodině stylů známé jako Deco.

Ačkoli termín Art Deco vznikl v roce 1925, nebyl běžně používán až do změny postoje k éře v 60. letech. Mistři Art Deco nebyli součástí jediné komunity. Hnutí bylo považováno za eklektické, ovlivněné několika zdroji:

• "Vídeňská secese" raného období (vídeňské dílny); funkční průmyslový design.
• Primitivní umění Afriky, Egypta a indiánů Střední Ameriky.
• Starověké řecké umění (archaické období) je nejméně naturalistické ze všech.
• "Ruská roční období" od Sergeje Diaghileva v Paříži - náčrtky kostýmů a kulis od Léona Baksta.
• Fasetované, křišťálové, fasetové formy kubismu a futurismu.
• Koloristická paleta fauvismu.
• Přísné formy neoklasicismu: Boulet a Karl Schinkel.
• Věk jazzu.
• Rostlinné a zvířecí motivy a formy; tropická vegetace; zikkuraty; krystaly; barevná černobílá škála kláves klavíru, motiv Slunce.
• Flexibilní a atletické formy sportovkyň, kterých je hodně; ostré rohy krátkých střihů pro představitele klubového života - klapky.
• Technologické výdobytky „doby strojů“ – jako je rádio a mrakodrapy.

Mistři Art Deco rádi používali materiály jako hliník, nerezovou ocel, smalt, dřevěné intarzie, žraločí a zebří kůži. Aktivně využívali klikaté a stupňovité formy, široké a energické zakřivené linie (v kontrastu s měkkými plynulými křivkami secese), motivy chevron a klávesy klavíru. Některé z těchto dekorativních motivů se staly všudypřítomnými, jako například vzor klíče na dámských botách, radiátorech, přednáškových sálech Radio City a věži Chrysler Building. V tomto stylu byly ochotně zařízeny interiéry kin a zaoceánských parníků, jako je Ile de France a Normandie. Art Deco bylo luxusní a věří se, že tento luxus je psychologickou reakcí na asketismus a omezení během let první světové války.

Francie

Pařížské obchodní domy a módní návrháři se podíleli na vzestupu Art Déco. Zavedené firmy, včetně výrobce kabelek Louis Vuitton, stříbrná firma Christofle, návrhář skla René Lalique a klenotníci Louis Cartier a Boucheron, začaly navrhovat produkty v modernějších stylech. Od roku 1900 si obchodní domy najímaly dekoratéry, aby pracovali ve svých designových studiích. Výzdoba Salon d'Automne z roku 1912 byla svěřena obchodnímu domu Printemps. Ve stejném roce Printemps vytvořil vlastní dílnu s názvem „Primavera“. Do roku 1920 byla Primavera obsazena více než třemi stovkami umělců. Styly sahaly od aktualizovaných verzí nábytku Ludvíka XIV., Ludvíka XVI. a především Ludvíka Filipa od Louise Süe a dílny Primavera až po modernější formy z dílny obchodního domu Au Louvre. Jiní designéři, včetně Emile Jacquese Ruhlmanna a Paula Folia, odmítli použít sériovou výrobu a trvali na tom, aby každý kus byl individuálně ručně vyroben. Raný styl art deco představoval luxusní a exotické materiály jako eben, slonovina a hedvábí, velmi světlé barvy a stylizované motivy, zejména koše a kytice květin ve všech barvách, dodávající modernistický vzhled.

Živé barvy Art Deco pocházely z mnoha zdrojů, včetně exotických produkcí Léona Baksta pro Ballets Russes, které způsobily v Paříži senzaci těsně před první světovou válkou. Některé barvy byly inspirovány dřívějším fauvistickým hnutím vedeným Henri Matissem; jiní jsou orfisté jako Sonia Delaunay; jiní hnutím známým jako nabis a dílem symbolistického malíře Odilona Redona, který navrhoval krbové římsy a další dekorativní předměty. Jasné barvy byly rysem práce módního návrháře Paula Poireta, jehož tvorba ovlivnila jak design, tak interiérový design ve stylu Art Deco.

Paříž zůstala centrem stylu Art Deco. V nábytku ho ztělesnil Jacques-Émile Ruhlmann, nejslavnější z nábytkářských designérů té doby a možná poslední z klasických pařížských ébéniste (skříňářů). Dále díla Jean-Jacquese Rateau, výrobky firmy Süe et Mare, paravány Eileen Gray, práce z kovaného kovu Edgara Brandta, kov a smalt Švýcara židovského původu Jeana Dunanta, sklo velkého René Lalique a Maurice Marina, stejně jako hodinky a šperky Cartier.

V roce 1925 koexistovaly v Art Deco dvě různé konkurenční školy: tradicionalisté, kteří založili Společnost dekorativních umělců; včetně návrháře nábytku Emile-Jacquese Ruhlmanna, Jeana Dunarda, sochaře Antoina Bourdella a designéra Paula Poireta; kombinovali moderní formy s tradičním řemeslem a drahými materiály. Na druhé straně modernisté, kteří stále více odmítali minulost a chtěli styl založený na pokroku v nových technologiích, jednoduchosti, nedostatečné povrchové úpravě, levných materiálech a hromadné výrobě.

V roce 1929 modernisté založili vlastní organizaci Francouzský svaz současných umělců. Zahrnovali architekty Pierre Charo, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier a v Sovětském svazu - Konstantin Melnikov; Irská návrhářka Eileen Gray a francouzská návrhářka Sonia Delaunay, klenotníci Jean Fouquet a Jean Pouyforcat. Vehementně útočili na tradiční styl Art Deco, který byl podle nich vyroben pouze pro bohaté, a trvali na tom, že dobře postavené budovy by měly být přístupné všem a aby forma fungovala. Krása objektu nebo budovy spočívala v tom, zda se dokonale hodí k plnění své funkce. Moderní průmyslové metody znamenaly, že nábytek a budovy mohly být vyráběny hromadně, spíše než ručně.

Malování

Expozici roku 1925 nebyla přidělena ani jedna sekce. Malba ve stylu Art Deco byla podle definice dekorativní, měla zkrášlit místnost nebo kus architektury, takže jen málo umělců pracovalo výhradně ve stylu, ale dva umělci jsou úzce spojeni s Art Deco. Jean Dupas namaloval art deco fresky pro pavilon v Bordeaux na výstavě dekorativních umění v Paříži v roce 1925 a také maloval obraz nad krbem v Maison de la Collectioneur na výstavě v roce 1925, na které vystupovali Ruhlmann a další významní výtvarní designéři. Jeho obrazy byly také ve výzdobě francouzské zaoceánské lodi Normandie. Jeho tvorba byla čistě dekorativní, navržená jako pozadí nebo doprovod k dalším dekorativním prvkům. Další umělkyní úzce spojenou se stylem je Tamara de Lempicka. Narodila se v Polsku do aristokratické rodiny, po ruské revoluci emigrovala do Paříže. Tam se stala žačkou malíře Maurice Denise z hnutí zvaného „Nabis“ a kubisty André Lhoteho a z jejich stylů převzala mnoho stylů. Malovala téměř výhradně portréty v realistickém, dynamickém a barevném stylu Art Deco.

Grafika

Styl Art Deco se objevil v raných fázích grafiky, v letech krátce před první světovou válkou.

válka. Objevil se v Paříži na plakátech a kostýmech Léona Baksta pro Ballet Russes a v katalozích módních návrhářů Paula Poireta. Ilustrace Georgese Barbiera a Georgese Lepepa a obrázky v módním časopise La Gazette du bon ton dokonale zachytily eleganci a smyslnost tohoto stylu. Vzhled se změnil ve 20. letech 20. století; zdůrazněné módy byly spíše ležérní, sportovní a odvážné a ženské modelky typicky kouřily cigarety. V Německu byl nejznámějším výtvarníkem plakátů této doby Ludwig Hohlwein, který vytvořil barevné a dramatické plakáty pro hudební festivaly, pivo a na konci své kariéry pro nacistickou stranu.

Během secese plakáty obvykle inzerovaly divadelní zboží nebo kabarety. Ve 20. letech 20. století se staly mimořádně populární cestovní plakáty vyrobené pro parníky a letecké společnosti. Styl se výrazně změnil ve 20. letech 20. století se zaměřením na produktovou reklamu. Obrázky se staly jednoduššími, přesnějšími, lineárnějšími, dynamičtějšími a často umístěny na jednobarevném pozadí. Ve Francii byli designéři ve stylu art deco Charles Lupo a Paul Colin, kteří se proslavili svými plakáty pro americkou zpěvačku a tanečnici Josephine Baker, Jean Carlou navrhoval plakáty pro filmy Charlieho Chaplina, mýdla a divadla; koncem 30. let emigroval do Spojených států, kde během světové války navrhoval plakáty na podporu válečné produkce. Designér Charles Gesmar se stal slavným návrhářem plakátů pro zpěvačku Mistinguett a pro Air France. Mezi nejznámější francouzské návrháře

Amerika. Moderně zefektivněte

Stylový směr, který se vyvíjel souběžně s Art Deco a těsně na něj navazoval, byl „Streamline Moderne“ (název je z anglického streamline – „streamline“ – výraz z oblasti aerodynamiky). V "streamline modern" je cítit vliv průmyslového lisování a aerodynamických technologií. V důsledku toho se v dílech tohoto stylu objevily obrysy kulek letadel nebo revolverů. Když se design prvního sériově vyráběného vozu Chrysler, „Chrysler Airflow“, ukázal jako populární, aerodynamické tvary byly dokonce použity pro ořezávátka, budovy a chladničky.

Tento architektonický styl hledá uhlazené formy, zachovává dlouhé horizontální linie, které často kontrastují s vertikálními zakřivenými plochami, a ochotně zavádí prvky vypůjčené z námořního průmyslu (zábradlí a okénka). Jeho vrcholu bylo dosaženo kolem roku 1937.

Tento styl jako první začlenil elektrické světlo do architektonické struktury.

Nástěnné umění

Ve Spojených státech neexistoval žádný zřetelný styl Art Deco, ačkoli obrazy byly často používány jako dekorace, zejména ve vládních budovách a kancelářských budovách. V roce 1932 vznikl projekt Public Works in Art, který umožňoval umělcům pracovat bez práce, protože země byla ve Velké hospodářské krizi. O rok později si projekt objednal více než patnáct tisíc uměleckých děl. Známí američtí umělci byli přijati do Federal Art Project, aby malovali a zdobili stěny ve vládních budovách, nemocnicích, letištích, školách a univerzitách. Programu se zúčastnili někteří z nejslavnějších amerických umělců, včetně Granta Wooda, Reginalda Marshe, Georgia O'Keeffe a Maxine Albro. Programu se zúčastnil i renomovaný mexický umělec Diego Rivera, který zdobil stěny. Obrazy byly v různých stylech, včetně regionalismu, sociálního realismu a americké malby.

Několik obrázků bylo také vytvořeno pro mrakodrapy ve stylu Art Deco, zejména Rockefeller Center v

New York. Foyer si objednal dva obrazy od Johna Stewarta Curryho a Diega Rivery. Majitelé budovy, rodina Rockefellerů, zjistili, že komunista Rivera na obraz umístil do davu obraz Lenina a zničil ho. Obraz byl nahrazen jiným španělským umělcem, José Maria Sert.

Grafika

Styl Art Deco se objevil v raných fázích grafického umění, v letech těsně před první světovou válkou. Objevil se v Paříži na plakátech a kostýmech Léona Baksta pro Ballet Russes a v katalozích módních návrhářů Paula Poireta. Ilustrace Georgese Barbiera a Georgese Lepepa a obrázky v módním časopise La Gazette du bon ton dokonale zachycují eleganci a smyslnost stylu. Vzhled se změnil ve 20. letech 20. století; zdůrazněné módy byly spíše ležérní, sportovní a odvážné a ženské modelky typicky kouřily cigarety. Americké módní časopisy jako Vogue, Vanity Fair a Harper's Bazaar rychle převzaly nový styl a zpopularizovaly ho ve Spojených státech. To také ovlivnilo práci amerických knižních ilustrátorů, jako je Rockwell Kent.

Ve 30. letech se ve Spojených státech během Velké hospodářské krize objevil nový žánr plakátů. Umělecký projekt Federální agentury najal americké umělce, aby vytvořili plakáty na propagaci cestovního ruchu a kulturních akcí.

Styl vyblednout

Art Deco tiše zmizelo po vzestupu masové výroby, kdy se s ním zacházelo jako s honosným, křiklavým a falešně luxusním. Definitivní konec tomuto stylu daly útrapy druhé světové války. V koloniálních zemích, jako je Indie, se Art Deco stalo vstupní branou k modernismu a vymizelo až v 60. letech 20. století. Obnovení zájmu o Art Deco v 80. letech bylo spojeno s grafickým designem a asociace Art Deco s filmem noir a šarmem 30. let vedly k jeho opětovnému použití ve šperkařství a módě.

Pohled: Část "Kalifornie", Maxine Albro, interiér Coit Tower v San Franciscu (1934)

V kontaktu s

art deco

Art Deco, (francouzsky art déco, lit. „dekorativní umění“, z názvu pařížské výstavy z roku 1925, French Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, ruská mezinárodní výstava moderního dekorativního a průmyslového umění) je vlivný trend v výtvarné a dekorativní umění 1. poloviny 20. století, které se poprvé objevilo ve 20. letech 20. století ve Francii, poté se v mezinárodním měřítku prosadilo ve 30.–40. být relevantní v období po druhé světové válce. Je to eklektický styl, který je syntézou modernismu a neoklasicismu. Styl Art Deco má také významné vlivy z uměleckých hnutí, jako je kubismus, konstruktivismus a futurismus.

Charakteristické rysy - přísná pravidelnost, výrazné geometrické tvary, etnické geometrické vzory, zdobení v polotónech, nedostatek jasných barev v designu, zatímco barevné ornamenty, luxusní, šik, drahé, moderní materiály (slonovina, krokodýlí kůže, hliník, vzácná dřeva, stříbro ). V USA, Holandsku, Francii a některých dalších zemích se Art Deco postupně vyvíjelo směrem k funkcionalismu.

Mezinárodní výstava, která se konala v roce 1925 v Paříži a oficiálně nazvaná „Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes“, dala život termínu „Art Deco“. Tato výstava ukázala světu luxusní zboží francouzské výroby, což dokazuje, že Paříž zůstala po první světové válce mezinárodním centrem stylu.

Samotný trend art deco existoval již před zahájením výstavy v roce 1925 – byl to znatelný trend evropského umění 20. let. K americkým břehům se dostala až v roce 1928, kde se ve 30. letech 20. století vyvinula v Streamline Moderne, amerikanizovanou odnož Art Deco, která se stala charakteristickým znakem tohoto desetiletí.

Paříž zůstala centrem stylu Art Deco. V nábytku ho ztělesnil Jacques-Émile Ruhlmann, nejslavnější z nábytkářských designérů té doby a možná poslední z klasických pařížských ébéniste (skříňářů). Dále práce Jean-Jacquese Rateaua, výrobky firmy „Süe et Mare“, paravány Eileen Gray, práce z kovaného kovu Edgara Brandta, kov a smalt Švýcara židovského původu Jeana Dunanta, sklo velkých René Lalique a Maurice Marina, stejně jako hodinky a šperky Cartier.

Symbolem art deco v dekorativním a užitém umění byla socha z bronzu a slonoviny. Francouzští a němečtí řemeslníci, inspirováni Ďaghilevovými „ruskými ročními obdobími“, uměním Egypta a Východu, stejně jako technologickými výdobytky „období strojů“, vytvořili jedinečný styl z malých plastů 20. – 30. let 20. století, který pozvedl status dekorativního sochařství na úroveň „vysokého umění“. Za klasické představitele art deco v sochařství jsou považováni Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colin, Paul Philippe (Francie), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Německo), Bruno Zack, J. Lorenzl (Rakousko).

Ačkoli termín Art Deco vznikl v roce 1925, nebyl běžně používán až do změny postoje k éře v 60. letech. Mistři Art Deco nebyli součástí jediné komunity. Hnutí bylo považováno za eklektické, ovlivněné několika zdroji.

Mistři Art Deco rádi používali materiály jako hliník, nerezovou ocel, smalt, dřevěné intarzie, žraločí a zebří kůži. Aktivně využívali klikaté a stupňovité formy, široké a energické zakřivené linie (v kontrastu s měkkými plynulými křivkami secese), motivy chevron a klávesy klavíru. Některé z těchto dekorativních motivů se staly všudypřítomnými, jako například vzor klíče na dámských botách, radiátorech, přednáškových sálech Radio City a věži Chrysler Building. V tomto stylu byly ochotně zařízeny interiéry kin a zaoceánských parníků, jako je Ile de France a Normandie. Art Deco bylo luxusní a věří se [zdroj neuveden 1667 dní], že tento luxus je psychologickou reakcí na asketismus a omezení během první světové války.

Toto je část článku na Wikipedii používaného pod licencí CC-BY-SA. Celý text článku zde →