Шокиращи шедьоври на класическата живопис. Илюстрации от Valdemar Cossack Рисунки и картини в гол стил

В изкуството има вечни теми. Една от тях е темата за жената, темата за майчинството. Всяка епоха има свой собствен идеал за жена, цялата история на човечеството се отразява в това как хората са виждали жена, какви митове я заобикалят и са помогнали за нейното създаване. Едно е сигурно – във всички векове и времена Женският характер е привличал, привлича и ще продължава да привлича особено внимание на творците.

Образите на жените, създадени в портретното изкуство, носят поетическия идеал в неговото хармонично единство духовни качестваи външен вид. От портретите можем да преценим как външният вид на жената и нейната психика са повлияни от социални събития, мода, литература, изкуство и самата живопис.

Представяме ви разнообразие от изображения на жени в картини от различни посоки

РЕАЛИЗЪМ

Същността на направлението е да улови реалността възможно най-точно и обективно. Раждането на реализма в живописта най-често се свързва с творчеството френски художникГюстав Курбе, който откри личната си изложба „Павилион на реализма“ в Париж през 1855 г. Обратното на романтизма и академизма. През 1870-те години реализмът се разделя на две основни направления - натурализъм и импресионизъм. Натуралистите са художници, които се стремят да уловят реалността възможно най-точно и фотографски.

Иван Крамской "Неизвестен"

Серов "Момиче с праскови"

АКАДЕМИЗЪМ

Академизмът израства чрез следване на външните форми на класическото изкуство. Академизмът въплъщава традициите древно изкуство, в който образът на природата е идеализиран. Руският академизъм от първата половина на 19 век се характеризира с възвишени теми, висок метафоричен стил, гъвкавост, многофигурност и пищност. Библейски сцени, салонни пейзажи и церемониални портрети бяха популярни. Въпреки ограничената тематика на картините, произведенията на академиците се отличаваха с високо техническо майсторство.

Бугро "Плеяди"

Бугро "Настроение"

Кабанел "Раждането на Венера"

ИМПРЕСИОНИЗЪМ

Представителите на стила се стремят да уловят най-естественото и безпристрастно реалния святв своята подвижност и променливост, за да предаде вашите мимолетни впечатления. Френският импресионизъм не издигна философски проблеми. Вместо това импресионизмът се фокусира върху повърхностността, плавността на момент, настроение, осветление или ъгъл на гледане. Техните картини представят само положителните аспекти на живота, не нарушават социалните проблеми и избягват проблеми като глад, болести и смърт. Библейски, литературни, митологични, исторически предмети, присъщи на официалния академизъм. Бяха заснети теми като флирт, танци, посещение на кафене и театър, разходка с лодка, плажове и градини. Съдейки по картините на импресионистите, животът е поредица от малки празници, партита, приятни забавления извън града или в приятелска среда.

Болдини "Мулен Руж"

Реноар "Портрет на Жана Самари"

Мане "Закуска на тревата"

Майо "РозаБрава"

Лотрек "Жена с чадър"

СИМВОЛИКА

Символистите коренно се промениха не само различни видовеизкуството, но и самото отношение към него. Техният експериментален характер, желание за иновация и космополитизъм са се превърнали в модел за повечето съвременни арт движения. Те използваха символи, подценяване, алюзии, мистерия, енигма. Основното настроение често е песимизъм, достигащ до отчаяние.За разлика от други течения в изкуството, символизмът вярва в изразяването на „недостижими”, понякога мистични идеи, образи на Вечността и Красотата.

Редон "Офелия"

Франц фон Щук "Саломе"

Уотс "Надежда"

Росети "Персефона"

МОДЕРЕН

Модернизмът се стреми да съчетае художествените и утилитарните функции на създадените произведения, да въвлече всички сфери на човешката дейност в сферата на красотата. В резултат на това има интерес към приложните изкуства: интериорен дизайн, керамика, книжна графика. Арт нуво художниците черпят вдъхновение от изкуството на Древен Египет и древните цивилизации. Най-забележимата характеристика на Арт Нуво беше изоставянето на прави ъгли и линии в полза на по-гладки, извити линии. Арт нуво художниците често са вземали орнаменти от растителния свят като основа за своите рисунки.

Климт "Портрет на Адел Блох-Бауер I"

Климт "Даная"

Климт "Трите възрасти на жената"

Муха "Плод"

ЕКСПРЕСИОНИЗЪМ

Експресионизмът е едно от най-влиятелните художествени движения на 20 век. Експресионизмът възниква като реакция на най-острата криза от първата четвърт на 20 век, Първата световна войнаи последващи революционни движения, грозотата на буржоазната цивилизация, която доведе до желание за ирационалност. Използват се мотиви за болка и писък, изразният принцип започва да надделява над изображението.

Модилиани. Използвайки телата и лицата на жените, той се опитва да проникне в душите на героите си. „Интересувам се от човешкото същество. Лицето е най-великото творение на природата. Използвам го неуморно“, повтори той.

Модилиани "Спящо голо"

Шиле "Жена в черни чорапи"

КУБИЗЪМ

кубизъм - модернистично движениев изобразителното изкуство (предимно живопис) от 1-вата четвърт на 20 век, което извежда на преден план формалната задача за изграждане на триизмерна форма върху равнина, минимизирайки визуалните и познавателните функции на изкуството. Появата на кубизма традиционно се отнася към 1906-1907 г. и се свързва с творчеството на Пабло Пикасо и Жорж Брак. Като цяло кубизмът е скъсване с традицията на реалистичното изкуство, развило се през Ренесанса, включително създаването на визуална илюзия за света в равнина. Работата на кубистите беше предизвикателство към стандартната красота на салонното изкуство, неясните алегории на символизма и нестабилността на импресионистичната живопис. Влизайки в кръга на бунтовническите, анархистични, индивидуалистични движения, кубизмът се откроява сред тях с влечението си към аскетизма на цвета, към простите, тежки, осезаеми форми и елементарни мотиви.

Пикасо "Плачещата жена"

Пикасо "Свири на мандолина"

Пикасо "Les Demoiselles d'Avignon"

СЮРЕАЛИЗЪМ

Основната концепция на сюрреализма, сюрреалност- комбинация от мечта и реалност. За да постигнат това, сюрреалистите предлагат абсурдна, противоречива комбинация от натуралистични образи чрез колаж и преместване на обект от нехудожествено пространство в артистично, поради което обектът се разкрива от неочаквана страна, свойства, които не са забелязани отвън в него се появява художественият контекст. Сюрреалистите бяха вдъхновени от радикалната лява идеология, но те предложиха да започнат революцията със собственото си съзнание. Те смятаха изкуството за основен инструмент за освобождение. Това направление се развива под голямото влияние на теорията на Фройд за психоанализата. Сюрреализмът се корени в символизма и първоначално е повлиян от художници символисти като Гюстав Моро и Одилон Редон. Много от популярни артистиса сюрреалисти, включително Рене Магрит, Макс Ернст, Салвадор Дали, Алберто Джакомети.

.
Този художник, завършил Тверското художествено училище през 1994 г. със специалност графичен дизайн, удивлява въображението с изключителния си стил и красиви композиции.

Създател е на наистина уникални илюстрации с ретро привкус. Валдемар Казак е художник с чувство за хумор, той има специално виждане за ежедневието, умее да се смее на ежедневието и често се подиграва със смисъла на детските приказки, на политиците и съвременните младежи.

Модерен илюстратор работи в ежедневния жанр с акцент върху карикатурата. Героите от произведенията на Казак са трудни за незабелязване и запомняне. Всички те са много цветни, изразителни и ярки.

Неговите спиращи дъха композиции са изпълнени със стила на следвоенната естетика, наложил се през 50-те години на ХХ век; ретро блясъкът се проявява буквално във всичко: от избора на тема на картината до избора на цветове.

Ето какво казва самият Валдемар Казак за своя стил:

Като всеки човек (или творец) имам собствен почерк. Но аз не го възпитавам, защото ме е страх да не изпадна в маниери. Освен това на пазара се търси ярко индивидуално писане. Да, всъщност всички вече знаят това.

Зашеметяващо ярки, вълнуващи, привличащи вниманието арт рисунки в ретро стила на Валдемар Казак няма да оставят никого безразличен!

Появиха се жанрове на живописта, придобиха популярност, изчезнаха, появиха се нови и започнаха да се разграничават подтипове в рамките на съществуващите. Този процес няма да спре, докато човек съществува и се опитва да улови света около себе си, било то природа, сгради или други хора.

Преди това (до 19 век) е имало разделение на жанровете в живописта на така наречените "високи" жанрове (фр. grand genre) и "ниски" жанрове (фр. petit genre). Това разделение възниква през 17 век. и се основаваше на това какъв предмет и сюжет са изобразени. В това отношение високите жанрове включват: битка, алегоричен, религиозен и митологичен, а ниските жанрове включват портрет, пейзаж, натюрморт, анимализъм.

Разделението на жанрове е доста произволно, т.к елементи от два или повече жанра могат да присъстват в една картина едновременно.

Анимализъм или анималистичен жанр

Анимализъм или анималистичен жанр (от латинското животно - животно) е жанр, в който основният мотив е образът на животно. Можем да кажем, че това е един от най-древните жанрове, тъй като... рисунки и фигури на птици и животни вече присъстваха в живота първобитни хора. Например в известната картина на I.I. Шишкин „Сутрин в борова гора“, природата е изобразена от самия художник, а мечките са изобразени от съвсем различен художник, който се специализира в изобразяването на животни.

И.И. Шишкин „Сутрин в борова гора“

Как може да се разграничи подвид? Хипически жанр(от гръцки hippos - кон) - жанр, в който центърът на картината е образът на кон.

НЕ. Сверчков „Кон в конюшнята“

Портрет

Портрет (от френската дума portrait) е картина, в която централното изображение е на човек или група хора. Портретът предава не само външна прилика, но и отразява вътрешен святи предава чувствата на художника към човека, чийто портрет рисува.

Т.Е. Репин Портрет на Николай II

Портретният жанр се дели на индивидуален(изображение на един човек), група(изображение на няколко души), по естеството на изображението - до входната врата, когато човек е изобразен в цял ръст на изявен архитектурен или пейзажен фон и камера, когато човек е изобразен до гърдите или кръста на неутрален фон. Група портрети, обединени по някаква характеристика, образуват ансамбъл или портретна галерия. Пример за това са портрети на членове на кралското семейство.

Откроява се отделно Автопортрет, в който художникът изобразява себе си.

К. Брюллов Автопортрет

Портретът е един от най-старите жанрове - първите портрети (скулптурни) присъстват още през древен Египет. Такъв портрет действаше като част от култ към задгробния живот и беше „двойник“ на човек.

Пейзажи

Пейзажът (от френски paysage – страна, местност) е жанр, в който централен образ е образът на природата – реки, гори, поля, море, планини. В пейзажа основната точка е, разбира се, сюжетът, но не по-малко важно е да се предаде движението и живота на заобикалящата природа. От една страна природата е красива и буди възхищение, но от друга страна е доста трудно това да се отрази в картина.

К. Моне „Поле с макове в Аржантьой“

Подвид на пейзажа е морски пейзаж или яхтено пристанище(от френски marine, италиански marina, от латински marinus - море) - изображение на морска битка, море или други събития, развиващи се в морето. Ярък представителхудожници маринисти – К.А. Айвазовски. Трябва да се отбележи, че художникът е написал много от детайлите на тази картина по памет.

И.И. Айвазовски "Деветата вълна"

Въпреки това, художниците често се стремят да рисуват морето от живота, например У. Търнър за картината си „Blizzard. Параходът на входа на пристанището дава сигнал за помощ, след като попадна в плитка вода“, прекара 4 часа вързан за капитанския мостик на кораб, плаващ в буря.

У. Търнър „Blizzard. Параход на входа на пристанището дава сигнал за помощ, след като влезе в плитка вода."

Водната стихия е изобразена и в речен пейзаж.

Отделно разпределете градски пейзаж, в който основен обект на изображение са градски улици и сгради. Вид градски пейзаж е Ведута– изображение на градски пейзаж под формата на панорама, където мащабът и пропорциите са със сигурност запазени.

А. Каналето „Пиаца Сан Марко“

Има и други видове пейзаж - селски, промишлени и архитектурни. В архитектурната живопис основната тема е изображението на архитектурния пейзаж, т.е. сгради, конструкции; включва изображения на интериори (вътрешна декорация на помещения). Понякога Интериор(от френски intérieur - вътрешен) разграничен като отделен жанр. Друг жанр се отличава в архитектурната живопис — Капричио(от италиански capriccio, каприз, каприз) - архитектурен фантастичен пейзаж.

Натюрморт

Натюрмортът (от френски nature morte – мъртва природа) е жанр, посветен на изобразяването на неодушевени предмети, които са поставени в обща среда и образуват група. Натюрмортът се появява през 15-16 век, но като отделен жанр се обособява през 17 век.

Въпреки факта, че думата „натюрморт“ се превежда като мъртва природа, в картините има букети от цветя, плодове, риба, дивеч, ястия - всичко изглежда „като живо“, т.е. като истинско нещо. От момента на появата си до днес натюрмортът е важен жанрв живописта.

К. Моне “Ваза с цветя”

Като отделен подвид можем да обособим Ванитас(от латински Vanitas - суета, суета) е жанр на живописта, в който централното място в картината е заето от човешки череп, чието изображение има за цел да напомня за суетата и крехкостта на човешкия живот.

Картината на Ф. дьо Шампан представя три символа на крехкостта на съществуването - Живот, Смърт, Време чрез образите на лале, череп, пясъчен часовник.

Исторически жанр

Историческият жанр е жанр, в който картините изобразяват важни събития и обществено значими явления от миналото или настоящето. Трябва да се отбележи, че картината може да бъде посветена не само на реални събития, но и на събития от митологията или, например, описани в Библията. Този жанр е много важен за историята като история отделни народикакто на държавите, така и на човечеството като цяло. В живописта историческият жанр е неотделим от другите видове жанрове – портрет, пейзаж, батален жанр.

Т.Е. Репин „Казаците пишат писмо до турския султан“ К. Брюлов “Последният ден на Помпей”

Боен жанр

Баталният жанр (от френски bataille - битка) е жанр, в който картините изобразяват кулминацията на битка, военни действия, момент на победа, сцени от военния живот. Баталната живопис се характеризира с изображението в картината голямо количествоот хора.

А.А. Дейнека "Отбраната на Севастопол"

Религиозен жанр

Религиозен жанр е жанр, в който основната сюжетна линия в картините е библейска (сцени от Библията и Евангелието). Темата е свързана с религиозната и иконописта, разликата между тях е, че картините с религиозно съдържание не участват в богослуженията, а за иконата това е основното предназначение. Иконописпреведено от гръцки. означава "молитвен образ". Този жанр беше ограничен от строгата рамка и законите на живописта, т.к има за цел не да отразява реалността, а да предаде идеята за Божия принцип, в който творците търсят идеал. В Русия иконописът достига своя връх през 12-16 век. Най-известните имена на иконописци са Теофан Гръцки (фрески), Андрей Рубльов, Дионисий.

А. Рубльов “Троица”

Как се откроява преходният етап от иконопис към портрет Парсуна(изкривено от лат. persona - човек, човек).

Парсун на Иван Грозни. автор неизвестен

Всекидневен жанр

Картините изобразяват сцени от ежедневието. Често художникът пише за онези моменти от живота, на които е съвременник. Отличителни чертиТози жанр е за реализма на картините и простотата на сюжета. Картината може да отразява обичаи, традиции, система ежедневиетона този или онзи народ.

Домакинската живопис включва такива известни картини като „Баржи на Волга“ от И. Репин, „Тройка“ от В. Перов, „ Неравен брак» В. Пукирева.

И. Репин „Шлепове на Волга“

Епично-митологичен жанр

Епично-митологичен жанр. Думата мит идва от гръцки. "mythos", което означава традиция. Картините изобразяват събития от легенди, епоси, традиции, древногръцки митове, древни приказки, сюжети от фолклорни произведения.

П. Веронезе "Аполон и Марсий"

Алегоричен жанр

Алегоричен жанр (от гръцки allegoria - иносказание). Картините са рисувани по такъв начин, че да имат скрит смисъл. Несъществени идеи и концепции, невидими за окото (сила, добро, зло, любов), се предават чрез образи на животни, хора и други живи същества с такива присъщи характеристики, които имат символика, която вече е фиксирана в съзнанието на хората и помага за разбирането общо значениевърши работа.

Л. Джордано “Любовта и пороците обезоръжават справедливостта”

Пасторал (от френски pastorale - пастирски, селски)

Жанр в живописта, който прославя и поетизира простия и спокоен селски живот.

Ф. Баучер “Есенен пасторал”

Карикатура (от италиански caricare - преувеличавам)

Жанр, в който при създаване на образ съзнателно прилага комичен ефектчрез преувеличаване и изостряне на черти, поведение, облекло и т.н. Целта на карикатурата е да обиди, за разлика например от карикатура (от френски заряд), чиято цел е просто да се подиграва. Тясно свързани с термина "карикатура" са такива понятия като популярен печат и гротеска.

Гол (от френски nu - гол, съблечен)

Жанр, в който картините изобразяват голо тяло човешкото тяло, най-често женски.

Тициан Вечелио "Венера от Урбино"

Измама, или trompe l'oeil (от френски. trompe-l'œil -оптична илюзия)

жанр, черти на характеракойто - специални движения, създавайки оптична илюзия и позволявайки да се размие границата между реалност и образ, т.е. подвеждащото впечатление, че един обект е триизмерен, когато е двуизмерен. Понякога blende се отличава като подвид на натюрморта, но понякога в този жанр се изобразяват и хора.

Пер Борел дел Касо "Бягане от критиката"

За да завършите възприемането на примамките, препоръчително е да ги разгледате в оригинала, т.к репродукцията не е в състояние да предаде напълно ефекта, който художникът е изобразил.

Якопо де Барбери "Яребица и железните ръкавици"

Тематична картина

Смес от традиционни жанрове на живописта (битова, историческа, битка, пейзаж и др.). По друг начин този жанр се нарича фигуративна композиция, нейните характерни черти са: главната роля се играе от човек, задължително се показват наличието на действие и социално значима идея, взаимоотношения (конфликти на интереси / герои) и психологически акценти .

В. Суриков “Боярина Морозова”

Китайският художник и фотограф Dong Hong-Oai е роден през 1929 г. и почина през 2004 г. на 75-годишна възраст. Той остави след себе си невероятни произведения, създадени в стила на пикториализма - невероятни фотографии, подобни на традиционните произведения китайска живопис.

Dong Hong-Oai е роден през 1929 г. в Гуанджоу, провинция Гуангдонг, Китай. Той напуска страната на седем години след неочакваната смърт на родителите си.

Като най-малкото от 24 деца, Донг отива да живее в китайската общност в Сайгон, Виетнам. По-късно посещава няколко пъти Китай, но никога повече не живее в тази страна.

След като пристига в Сайгон, Донг става чирак във фотографско студио на китайски имигранти. Там той научава основите на фотографията. Увлича се и по фотографирането на природата, което често прави с един от фотоапаратите на студиото. През 1950 г., на 21-годишна възраст, той постъпва във Виетнамския национален университет по изкуствата.

През 1979 г. се отваря кървава граница между Социалистическа република Виетнам и Китайската народна република. Виетнамското правителство започна репресивна политика срещу етническите китайци, живеещи в страната. В резултат на това Донг стана един от милионите „хора с лодки“, които избягаха от Виетнам в края на 70-те и началото на 80-те години.

На 50-годишна възраст, без да говори английски и без семейство или приятели в Съединените щати, Донг пристига в Сан Франциско. Той дори успя да закупи малка стая за проявяване на снимки.

Продавайки снимките си на местни улични панаири, Донг успява да спечели достатъчно пари, за да се връща периодично в Китай, за да снима.

Нещо повече, той имаше възможност да учи известно време под ръководството на Лонг Чин-Сан в Тайван.

Лонг Чин-Сан, който почина през 1995 г. на 104-годишна възраст, разработи стил на фотография, базиран на традиционни китайски изображения на природата.

От векове китайските художници са създавали величествени едноцветни пейзажи, използвайки прости четки и мастило.

Тези картини не трябваше да изобразяват точно природата, те трябваше да предадат емоционалната атмосфера на природата. В последните години на Империята Сун и началото на Империята Юан художниците започнаха да комбинират три различни форми на изкуство върху едно платно... поезия, калиграфия и живопис.

Смята се, че този синтез на форми позволява на художника да се изрази напълно.

Лонг Чин-Сан, роден през 1891 г., изучава именно тази класическа традиция в живописта. В някакъв момент от дългата си кариера Лун започва да експериментира с пренасянето на импресионистичния стил на изкуство във фотографията.

Докато поддържаше многослоен подход към мащаба, той разработи метод за наслагване на негативи, който съответства на три нива на разстояние. Лунг научи този метод на Донг.

В опит да имитира още по-близо традиционния китайски стил, Донг добавя калиграфия към снимките.

Новите творби на Донг, базирани на древни китайски рисунки, започват да привличат критично внимание през 90-те години.

Вече не трябваше да продава снимките си на улични панаири; сега той е представляван от агент и работата му започва да се продава в галерии в Съединените щати, Европа и Азия.

Вече не трябваше да зависи от отделни клиенти; сега работата му беше търсена не само от частни колекционери на изкуство, но и от корпоративни купувачи и музеи. Той беше на около 60 години, когато постигна някакво ниво на финансов успех за първи път в живота си.

Пикториализмът е движение във фотографията, което се появява около 1885 г. след обширното представяне на фотографския процес върху мокри печатни форми. Движението достига своя връх в самото начало на 20 век, а периодът на упадък настъпва през 1914 г., след появата и разпространението на модернизма.

Термините "пикториализъм" и "пикториалист" навлизат широко в употреба след 1900 г.

Пикториализмът се занимава с идеята, че художествената фотография трябва да имитира живописта и гравюрата от този век.

Повечето от тези снимки бяха в черно-бели тонове или сепия. Сред използваните техники бяха: нестабилен фокус, специални филтри и покритие на лещите, както и екзотични процеси на печат.

Целта на такива техники е да се постигне „лично изразяване на автора“.

Въпреки тази цел за себеизразяване, най-добрите от тези снимки вървяха успоредно на импресионистичния стил, а не в крак с модерната живопис.

Поглеждайки назад, може да се види близък паралел между композицията и изобразителния обект на жанровите картини и фотографии на пикториалистите.

Твоето голо тяло трябва да принадлежи само на този, който обича голата ти душа.

Чарли Чаплин

"Красивите женски крака обърнаха повече от една страница от историята", казват французите. И те са прави: в крайна сметка не говорим само за мащаба на държавата. В личната история на изключителния испанец Франсиско Хосе де Гоя y Lucientes, точно това се случи. Съвременниците на художника, които знаеха за неговата любов и непостоянство, увериха: всичко се промени, когато маестрото срещна красивата херцогиня Мария Терезия Кайетана дел Пилар де Алба, наследница на древна аристократична фамилия. Някои й се възхищаваха неземна красота, я нарече кралицата на Мадрид, сравни я с Венера, уверявайки: „Всички я искаха.” мъжете на Испания!” "Когато вървеше по улицата, всички гледаха през прозорците, дори децата изоставяха игрите си, за да я гледат. Всеки косъм по тялото й предизвикваше желание", повтори ги френският пътешественик. Други завиждаха на красотата и богатството й, ругаеха се за нейната свобода на морала. Но херцогинята предпочиташе да не обръща внимание на цялото това вълнение. Тя сама избираше приятелите и враговете си, особено любовниците си, изобщо не се смущаваше от присъствието на съпруга. Очевидно съпругът не се привързваше голямо значение за любовните отношения на съпругата му.Поради това той смяташе, че новата й страст към придворния художник е обикновена прищявка.Между другото, двойката съвместно покровителстваше Гоя, тъй като освен натоварения си личен живот, те се занимаваха с филантропия и благотворителност. Чрез изкуството на Кайетана те се запознаха с Франсиско.

Връзката им издържа проверката на времето и тежкото заболяване на артиста, което доведе до загуба на слуха. Той рисува нейни портрети, улавяйки любимата си жена от различни ъгли и тоалети. Една от тях е "Херцогинята на Алба в черно" - според някои ясно доказателство за близките им отношения. Факт е, че след реставрацията на картината, извършена през шейсетте години на ХХ век, върху пръстените на красавицата е открита гравюра с имената на Алба и Гоя. Изящният пръст на херцогинята сочи към пясъка, където се вижда красноречив надпис: „Само Гоя“. Смята се, че авторът е държал тази картина у дома „за лична употреба“ и никога не я е излагал. Точно като самата Алба, други двама, още по-пикантни, са родени след смъртта на законния й съпруг. Има мнение, че след като погреба съпруга си, „натъжената“ вдовица отиде в едно от именията си в Андалусия, за да бъде тъжна. И за да не се чувства никак самотна, поканила Гоя да се присъедини към нея. Тогава бяха написани „Makha Naked“ и „Makha Dressed“. (По това време всички бяха наричани Махами закачливо облечени момичетаот ниските слоеве на обществото.)

Франсиско Гоя. Автопортрет.

Вярно, фактът, че лицето, изобразено на двете платна, е самата шокираща херцогиня, все още е под съмнение сред мнозина. Смята се, че великолепната дама в гол стил е една от любовниците на министър-председателя на кралица Мария Луиза Мануел Годой: „Machs“ се озовава в колекцията му през 1808 г. Други източници твърдят, че този образ е събирателен, а само трети не се съмняват, че музата на Гоя е Кайетана, която той рисува гола, за да го подразни, когато разбере, че Алба е запалена по друг. Както и да е, изобразяването на голи тела в Испания от 18-ти век може да коства живота на всеки друг: след като открива платната през 1813 г., моралната полиция, представлявана от вечно бдителната Инквизиция, веднага ги нарече „неприлични“. Авторът, който се изправи пред съда, беше пратен в затвора, но така и не разкри името на модела си. Кой знае каква би била съдбата му, ако не беше застъпничеството на високопоставен меценат...

Алба, разбира се, би го оценила смела постъпка, но по това време тя самата е била в другия свят от много години. Смъртта на Кайетана, неочаквана за всички и особено за Гоя, шокира Мадрид. Херцогинята е открита в нейния дворец Буена Виста през лятото на 1802 г. след великолепен прием, даден ден преди това в чест на годежа на младата й племенница (Алба няма собствени деца). Франциско беше сред гостите. Чу Кайетана да говори за бои, да говори за най-отровните от тях, да се шегува със смъртта. И на сутринта мълвата разнесе тъжната новина. Тогава всички, които познаваха херцогинята лично, си спомниха думите й, че иска да умре млада и красива, както я плени вълшебната четка на Гоя.

След това градът дълго време обсъжда причините за смъртта на Алба. Предполагаше се, че е била отровена: уви, тази жена имаше много врагове. Казаха още, че тя сама си е взела отровата. Но за Гоя това вече няма значение. Той надживя великолепната си любима с почти четвърт век, като взе със себе си тайната на „Маха“. Дори потомците на Алба не успяха да го разрешат. За да изчистят името на Кайетана, те направиха проучване, надявайки се да докажат с размера на костите, че на платното е изобразена друга дама. Но по време на „операцията“ се оказа само, че гробницата на херцогинята е била многократно отваряна по време на наполеоновата кампания и следователно такова изследване е абсолютно безсмислено ...

Нарекоха го омагьосващо и неразбираемо от онези, които повярваха на ентусиазираните истории на Дали за неговата муза, кралица, богиня - Гала. По-малко лековерните и днес я смятат за хищна Валкирия, пленила гений. Има само един факт, който не оставя съмнение: мистерията, която заобикаляше живота на тази жена, никога не е разгадана.

Салвадор Дали "Атомна Леда", 1947–1949 г Театър-музей на Дали, Фигерас, Испания

Откакто художникът Салвадор Дали я вижда за първи път през 1929 г., започва неговата лична история нова ерана име Гала. Много години по-късно маестрото описва впечатленията от този ден в един от автобиографични романи. Но думите, отпечатани с типографски шрифт върху белите листове на книги, издадени в хиляди екземпляри, не предават и стотна част от страстите, които бушуват в душата му в този слънчев ден: „Приближих се до прозореца, който гледаше към Плажът. Тя вече беше там... Гала, жената на Елюар. Беше тя! Познах я по голия гръб. Тялото й беше нежно като на дете. Линията на раменете беше почти идеално кръгла, а мускулите на талията, външно крехки, бяха атлетично напрегнати, като на тийнейджър. Но извивката на долната част на гърба беше наистина женствена. Грациозната комбинация от строен, енергичен торс, талия на оса и нежни бедра я направи още по-желана.“ Дори десетилетия по-късно той не се умори да повтаря на самата Гала, че тя е неговото божество, Галатея, Градива, Света Елена... И ако понятията за святост и безгрешност нямат нищо общо с любимата на Салвадор, името Елена има пряка връзка с нея. Факт е, че тя е кръстена така при раждането. Но, както гласи семейната легенда, преразказвана неведнъж в биографиите на Елена Дяконова - бъдещата мадам Дали - от дете момичето предпочита да се казва... Галина.

Така се представила на амбициозния френски поет Пол Елюар, когато случайността ги събрала в един от швейцарските курорти. "О, Гала!" - сякаш възкликна той, като съкрати името и го произнесе по френски маниер с ударение върху втората сричка. С него лека ръкавсички започнаха да я наричат ​​точно така - „триумф, празник“, както звучи Гала в превод. След четири години кореспонденция и редки срещи те, против волята на родителите на Пол, се ожениха и дори родиха дъщеря Сесил. Но, както знаете, свободният морал, който е в основата на семейните отношения, не е най-добрият начин за спасяване на брака. Минаха още четири години и художникът Макс Ърнест се появи в живота на двойката Елюар, който се установи в къщата на двойката като официален любовник на Гала. Казват, че никой от тях не се е опитвал да скрие любовния триъгълник. И тогава тя срещна Дали.

„Момчето ми, никога повече няма да се разделим“, просто каза Гала Елюар и влезе завинаги в живота му. „Благодарение на нейната несравнима, бездънна любов, тя ме излекува от... лудост“, каза той, възпявайки името и външния вид на любимата си по всякакъв начин – в проза, поезия, живопис, скулптури. Разликата от десет години - според официалната версия тя е родена през 1894 г., а той през 1904 г. - не ги притеснява. Тази жена стана за него майка, съпруга, любовница - алфа и омега, без които художникът вече не можеше да си представи съществуването си. „Гала съм аз“, увери той себе си и околните, виждайки отражението си в нея, и подписа творбата като „Гала – Салвадор Дали“. Трудно е да се каже каква е тайната на нейната магическа сила над този мъж: вероятно самият той никога не се е опитвал да анализира, потопен в чувството като в безкрайно море. Точно както е невъзможно да се разбере коя е тя всъщност и откъде идва: данните, които досега са били изброени във всички справочници, наскоро бяха поставени под въпрос от изследователи - и има причина за това. Но наистина ли е толкова важно? В крайна сметка Гала е мит, създаден от въображението на Дали и нейното собствено желание да го запази.

Гала е единствената ми муза, моят гений и моят живот, без Гала съм нищо.

Салвадор Дали

В един от десетките нейни портрети, направени в голи стил, художникът изобразява своята любима като митична героиня, вдъхваща нов смисъл на история, древна като света. Така се ражда неговата “Атомна Леда”.

Според легендата Леда, дъщерята на цар Тестий, била омъжена за владетеля на Спарта Тиндарей. Запленен от красотата й, Зевс прелъстил жената, идвайки при нея в образа на... Лебед. Тя ражда близнаците Кастор и Полидевк и дъщеря, красивата Елена, известна като Елена от Троя. С това сравнение магьосникът Дали напомни на другите за неземния чар на любимата си Гала-Елена: самият Салвадор нито за минута не се съмняваше в изключителността на нейните външни данни, смятайки жена си за най-красивата сред смъртните. Вероятно затова този n-ти портрет на Гала е направен в съответствие с „божествената пропорция“ на Фра Лука Пачоли, а някои изчисления за картината са направени по искане на майстора от математика Матила Гика. За разлика от тези, които вярваха, че точните науки са извън художествения контекст, Дали беше сигурен: всеки значителна работаизкуството трябва да се основава на композицията и следователно на изчислението. Струва си да се отбележи, че той стриктно провери не само връзката на обектите върху платното, но и вътрешното съдържание на рисунката, изобразявайки страстта в съответствие със съвременната теория за... „безконтактността“ на вътрешноатомната физика. Неговата Леда не докосва Лебеда, не почива на седалка, носеща се във въздуха: всичко се носи над морето, което не докосва брега... „Атомната Леда“ е завършена през 1949 г., издигайки Гала, според Дали, до нивото на "богинята на моята метафизика" Впоследствие той не пропуска възможност да обяви нейната изключителна роля в живота си.

Но в по-късните години отношенията им охладняват. Гала решила да се заселят отделно и той й подарил замък в испанското селце Пубол, който не посмял да посети, без предварително да получи писмено разрешение от съпругата си. И в годината, когато тя почина, Дали също почина: въпреки че след нейното заминаване той остана на Земята седем за дълги години, съществуването е загубило смисъл, защото празникът на живота му свърши.

Карл Брюлов "Витсавее" 1832 Държавна Третяковска галерия, Москва

Историята за тънкостите на съдбата на очарователната Батсавея привлича вниманието на историци, поети и дори астрономи от векове: в нейна чест е кръстен астероид. Така или иначе, именно нейните необикновени външни характеристики станаха причина за всичките й скърби и радости. Някои обвиняваха Батшеба в неподходящо поведение, други смятаха, че единственото престъпление на тази жена е, че е неприемливо красива.

И започна тази история, която напълно промени живота на героинята, около деветстотин години преди новата ера... „Една вечер цар Давид, ставайки от леглото, се разхождаше по покрива на царската къща и видя... жена да се къпе; и тази жена беше много красива. И Давид изпрати да разберат коя е тази жена. И те му казаха: Това е Витсавее, дъщерята на Елиам, жената на хетееца Урия. Давид изпрати слуги да я вземат; и тя дойде при него...” - така Книгата на книгите описва момента на тяхната среща. Явно новината, че любимата му е омъжена за своя командир, не е притеснила краля. Какви чувства са притежавали самата Батшеба, историята мълчи. За да елиминира съпруга си, Давид заповяда „да постави Урия там, където ще бъде най-силната битка, и да се оттегли от него, така че той да бъде победен и да умре“. Речено, сторено. Скоро посланикът съобщи на Давид, че волята му е изпълнена. Това означава, че нищо друго не му пречи да вземе Витсавее за своя законна съпруга.

След термина тя роди син на краля. Благоразумният владетел изчисли всичко, внимателно разчиствайки пътя към семейното щастие. Той не взе предвид само едно нещо: нарушаването на заповедите води до наказание. Той и любимата му отговориха напълно за греховете си - първородният им живя само няколко дни. Вторият наследник на двойката беше Соломон, чието име е свързано с много митове и легенди. Но това е съвсем различна история.

Художниците обърнаха внимание и на сюжета и по всякакъв начин изиграха съдбовния момент за жената. Сред тях е „ Великият Чарлз”, както Брюлов е наричан от съвременниците си. Вярно, майсторът на „светлината и въздуха“ беше привлечен не толкова от библейския разказ, колкото от възможността да покаже своя „декоративен дар“. Осветен силует, вода в прекрасните й нозе, едва забележимо водно конче с прозрачни крила до ръката й... „Мраморната белота на кожата се подчертава от фигурата на черна прислужница, носеща картина на светлинатавкус на еротика“, пишат за нея изкуствоведите. И помнят чувствеността...

Има предположение, че моделът на тази картина, която остава незавършена, е красивата любовница на художника Юлия Самойлова, шокираща графиня, за която има не по-малко легенди, отколкото за участниците в този исторически епос. „Страхувай се от нея, Карл! Тази жена не е като другите. Тя променя не само лоялността си, но и дворците, в които живее. Но аз съм съгласен и вие ще се съгласите, че можете да полудеете от нея“, казват, че княз Гагарин, в чиято къща се състоя запознанството, предупреди Брюлов: той си има работа с огън. Но пламъкът на Юлия Павловна, който изгори сърцата на другите, в случая с Карл се оказа животворен. През годините те се подкрепят взаимно, като освен всичко друго остават и близки приятели. „Обичам те повече, отколкото мога да обясня, прегръщам те и ще ти бъда духовно отдаден до гроб. Юлия Самойлова” - такива съобщения изпрати ексцентричният милионер на „скъпата Бришка” от различни страни до мястото, където самият той беше в този момент. И той даде на вечността облика на своята любима, дарявайки я с чертите на най-красивите жени в многобройните си платна. Може би само Самойлова успя да овладее суровия, избухлив темперамент на маестрото - за него, изглежда, нямаше други закони. „Зад появата на младия елински бог се криеше космос, в който се смесваха враждебни начала и или изригваха във вулкан от страсти, или течаха със сладък блясък. Той беше цял страст, не правеше нищо спокойно, както правят обикновените хора. Когато страстите кипяха в него, експлозията им беше ужасна и който стоеше по-близо, получаваше повече“, пише един съвременник за Брюллов. Самият Карл не се интересуваше какво казват за неговия характер, защото талантът му беше извън съмнение.

Впрочем г-жа Самойлова е една от малкото, които го подкрепиха в момент на отчаяние, когато след абсурдна женитба четиридесетгодишният артист се оказа в центъра на всеобщото внимание и недобро любопитство. Съпругата му беше осемнадесетгодишната Емилия Тим, дъщеря на бургомистъра на Рига. „Влюбих се страстно... Родителите на булката, особено баща ми, веднага направиха план да ме оженят за нея... Момичето изигра ролята на любовник толкова умело, че не подозирах измама...“ той по-късно каза. И тогава ме “наклеветиха публично...” Истинската причина за “кавгата” с новата ми жена беше мръсната история, в която тя беше замесена. „Чувствах толкова силно нещастието си, срама си, унищожаването на надеждите ми за домашно щастие... че се страхувах да не загубя ума си“, пише той за последствията от брак, продължил само няколко месеца. В този момент се появи Юлия, за да изтръгне отново „Бричка” от мрачните й мисли и да я въвлече във водовъртежа от балове и маскаради, които граф Славянка устройваше в любимото й имение. По-късно тя продаде „Славянка” и тръгна на среща с новата любов и новите приключения. Брюлов също не остава дълго в родината си: Полша, Англия, Белгия, Испания, Италия - пътува много и рисува, рисува, рисува... По време на друго пътуване умира - в градчето Манциана близо до Рим.

Юлия надживя Карл с двадесет и три години, погреба двама съпрузи - бившата съпруга на граф Николай Самойлов и млада певицаПери. „Очевидци, които са я видели през този период от живота й, казаха, че траурът на вдовицата й отива много добре, подчертавайки красотата й, но тя го използва по много оригинален начин. Самойлова настани децата на най-дългия шлейф на траурната рокля, а самата тя... търкаляше смеещите се от наслада деца по огледалния паркет на своите дворци.“ След известно време тя се омъжи отново.

Не е известно какво е обещала на небето или на хората легендарната красавица Батсавея, чието име се превежда като „дъщеря на клетвата“, но можем да кажем с увереност: Юлия Самойлова в младостта си даде обещание на себе си да не пада сърце и тя запази го.

Рембранд Харменс ван Рейн “Даная” 1636 Ермитаж, Санкт Петербург

От векове древногръцката красавица Даная привлича вниманието на художниците. Холандецът Рембранд ван Рейн също не остана настрана, придавайки на митичната принцеса чертите на две от любимите си жени.

Тази история започва в незапомнени времена, когато древногръцки боговеТе бяха подобни на хората във всичко и лесно общуваха с тях, а понякога дори започваха романтични връзки. Вярно е, че често, наслаждавайки се на насладите на земен чаровник, те я оставят на произвола на съдбата, връщайки се на върха на Олимп, така че, заобиколени от божествени приятели, завинаги да забравят за мимолетното си увлечение. Точно това се случило с Даная, дъщерята на аргийския цар Акризий.

Впоследствие най-талантливите мъже смятат за свой дълг да разкажат на света за възходите и паденията на нейния живот: драматурзите Есхил, Софокъл, Еврипид й посвещават драми и трагедии и дори Омир я споменава в Илиада. И Тициан, Кореджо, Тинторето, Климт и други художници го изобразяват върху своите платна. И това не е изненадващо: невъзможно е да бъдете безразлични към съдбата на момиче, станало жертва на съдбата. Факт е, че един ден оракул предсказал смъртта на баща й от ръцете на неговия внук - синът, който Даная щеше да роди. За да се предпази, Акрисий взел всичко под строг контрол: заповядал да затворят дъщеря си в тъмница и й назначил слугиня. Благоразумният цар взе предвид всичко, освен едно - че в нея ще се влюби не простосмъртен, а самият Зевс, главният от олимпийските богове, за когото всички пречки се оказаха нищо. Той прие формата на златен душ и влезе в стаята през малка дупка... Моментът на неговото посещение беше най-привлекателният за артистите в тази заплетена история. Последствието от срещата между Зевс и Даная беше синът на Персей, чиято рождена тайна скоро беше разкрита: дядо Акрисий чул плач, идващ от подземните стаи... Тогава той заповядал да сложат дъщеря си и бебето в буре и да ги хвърлят в откритото море... Но това не му помогна да избегне предсказанието: Персей порасна, върна се в родината си и докато участваше в състезание по хвърляне на диск, случайно ги удари в Акризий... „Съдба...“ - въздъхна свидетелите на случилото се. Само ако знаеха, че съдбата на самата „Даная“, родена от четката на Рембранд, ще бъде не по-малко драматична!..

Портрет на Рембранд Харменс ван Рейн. 1648 г

„Коя от картините във вашата колекция е най-ценната?“ Казват, че това е въпросът, който посетител задава на пазача на една от залите на Ермитажа сутринта на 15 юни 1985 г. „Даная“ от Рембранд“, отговори жената, сочейки платното, изобразяващо луксозна гола дама. Кога и как мъжът извади бутилката и изпръска течността върху снимката, тя не знаеше: всичко се случи внезапно. Служителите, които дотичаха да чуят писъка, видяха само мехурчето на боята и промяната на цвета: течността се оказа сярна киселина. Освен това нападателят успя да намушка картината два пъти с нож... Фактът, че четиридесет и осем годишният жител на Литва Бронюс Майгис по-късно беше признат за психически нестабилен и изпратен на лечение, не намали тежестта на престъплението му. „Когато го видях за първи път по време на реставрацията, не можах да сдържа сълзите си“, призна директорът на Ермитажа Михаил Пиотровски. - До голяма степен, защото беше друга „Даная“. Въпреки че след реставрация, която продължи дванадесет години, платното се върна в музея, 27% от изображението трябваше да бъде напълно пресъздадено: цели фрагменти, направени от четката на маестрото, бяха безвъзвратно загубени. Но именно този портрет той рисува с особена любов: неговата обожавана жена, съпругата му Саския, му служи като модел. Бракът им продължи малко повече от осем години: след като роди четири деца на съпруга си, от които само едно оцеля - Тит - тя почина. Няколко години по-късно Рембранд се увлича по гувернантката на сина си Гертье Диркс. Има предположение, че за нейното удоволствие „Даная“ придоби нови черти, които са оцелели до днес: лицето и позата се промениха, „главният герой“ на сюжета, златният дъжд, изчезна. Но това обстоятелство беше разкрито едва в средата на ХХ век, когато с помощта на флуороскопия под слой боя беше намерено по-ранно изображение на Саския. Така художникът съчетава портретите и на двете жени. Въпреки това, този реверанс към Gertier не помогна да се спаси връзката с нея: тя скоро заведе дело срещу Рембранд, обвинявайки го в нарушаване на брачното задължение (уж, противно на обещанията си, той не се ожени за нея). Вярва се, че истинската причинаПочивката беше младата Хендрикье Стофелс, новата му прислужница и любовница. По това време делата на някога успешния, популярен и богат художник се объркаха: поръчките ставаха все по-малко, състоянието му се стопи и къщата беше продадена за дългове. „Даная“ остава при него до продажбата през 1656 г., след което следите й се губят...

Загубата е открита едва през 18 век - в колекцията на известния френски колекционер Пиер Кроз. След смъртта му през 1740 г. тя, заедно с други шедьоври, е наследена от един от тримата племенници на ценителя на изкуството. И тогава, по съвет на философа Дени Дидро, той е придобит от руската императрица Екатерина II, която по това време избира картини за Ермитажа.

„Той беше ексцентрик от първа класа, който презираше всички... Зает с работа, той не би се съгласил да приеме първия монарх в света и трябваше да напусне“, пише италианецът Балдинучи за Рембранд, чието име е запазено в историята само благодарение на това, че случайно става биограф на „ексцентричния” Рембранд.

Амедео Модилиани „Гола седнала на диван“ („Красива римлянка“), 1917 г., частна колекция

Тази картина, изложена преди почти век в парижка галерия сред други творби на Модилиани, изобразяващи голи красавици, предизвика огромен скандал. А през 2010 г. се превърна в един от най-скъпите лотове на най-престижния търг.

„Нареждам ви незабавно да премахнете всички тези боклуци!“ - с тези думи комисар Русло се срещна с известната галеристка Берта Вейл, която беше извикана от него в гарата на 3 декември 1917 г. „Но има експерти, които не споделят вашето мнение“, отбеляза Берта, в чиято галерия няколко преди часове беше открита първата изложба на тридесет и три годишния Амедео Модилиани, която вече привлече голяма тълпа.Основната атракция за посетителите бяха голите изображения на дами, поставени във витрината.Всъщност това каза полякът Леополд Зборовски, Приятелят и откривател на Моди, който стана негов нов арт агент и инициатор на този вернисаж, разчиташе: колкото и да е гол, може да привлече любознателното внимание?!Лео не взе предвид факта, че в къщата отсреща имаше полиция гара и че жителите й ще се интересуват много от причината за такава тълпа от хора.“Ако не изпълните незабавно заповедта ми, ще наредя на моите полицаи да конфискуват всичко!“ - възмутено извика комисарят. И Берта, с мъка сдържайки усмивката си, си помисли: „Каква идилия: всеки полицай с красиво голо тяло в ръцете си!“ Тя обаче не посмя да спори и веднага затвори галерията, а гостите там й помогнаха да премахне "неприличните" картини от стените. Имаше около тридесет платна, поръчани от Зборовски през 1916-1917 г., но мина много време, преди изтънчените специалисти и ценители на живописта ги признаха за шедьоври и ги нарекоха „триумф на голотата". Въпреки това дори тогава цял Париж заговори за изложбата, а някои френски и чуждестранни колекционери сериозно се заинтересуваха от работата на „бездомните" скитник” Додо, както го наричаха приятелите му.

Въпреки че по справедливост трябва да се каже, че по това време той не е бил бездомен: през лятото на 1917 г. Амедео и неговата любима млад художникЖана Хебютерн, с която се запознава малко преди описаните събития, наема малък апартамент - две празни стаи. „Чакам единствения, който ще стане моята вечна любов и който често идва при мен в сънищата ми“, признава веднъж художникът на един от приятелите си. Тези, които познаваха Моди лично, казаха, че след срещата с Жана мечтата и реалността се сляха за Амедео. Портрет с шапка, на фона на врата, в жълт пуловер - имаше повече от двадесет картини с нейния образ през четирите години, в които живяхме заедно. Самият Додо ги нарече „изявления за любов върху платно“. „Тя е идеален модел, умее да седи като ябълка, без да мърда и толкова дълго, колкото ми трябва“, пише той на брат си.

Жана се влюби в Амедео такъв, какъвто беше - шумен, необуздан, тъжен, буен, неспокоен - и примирено го следваше, където и да го повика. Точно както впоследствие Моди взе всяко решение без колебание: трябва ли да нарисува три дузини голи чаровници, оставайки тет-а-тет с всяка от тях дни наред? Значи така трябва да бъде! „Само си представете какво се случи с дамите, когато видяха красивия Модилиани да се разхожда по булевард Монпарнас със скицник на разположение, облечен в сив велурен костюм с ограда от цветни моливи, стърчащи от всеки джоб, с червен шал и голям Черна шапка. Не познавам нито една жена, която да откаже да дойде в ателието му”, спомня си приятелката на художника Луня Чеховска. Те послужиха за модели на шокиращата изложба.

По-късно Амедео се връща повече от веднъж към любимата си тема - портрети на приятели и случайни модели, които му позираха в костюмите на Ева - за което той беше упрекван от обикновените хора за неговата страст. Но той не придаваше никакво значение на това, защото на самия Моди му се струваше, че е очевидно, че е привлечен не от повърхността на „телесната структура“, а от вътрешната му хармония. Може ли красотата да бъде безсрамна? Между другото, на тази основа Додо имаше конфликт с възрастния гений Огюст Реноар, който като майстор се зае да даде съвет на младия си брат: „Когато рисуваш гола жена, трябва... нежно, нежно движете четката върху платното, сякаш галите.” При което Модилиани пламна и, говорейки остро за сладострастието на стареца, си тръгна, без да се сбогува.

За „уникалното вяло изкушение” и „еротичното съдържание” на картините му ще говорят по-късно, когато певецът на голата плът вече не е между живите. Пренасяйки автора в друг свят, благодарните потомци най-накрая ще погледнат творбите на „просяка Додо“ и ще започнат да ги оценяват на милиони долари, организирайки битки на търг за правото да плащат повече от конкурентите. „Seated Nude on a Sofa“ („Beautiful Roman Woman“) също предизвика подобно вълнение. Той беше обявен за продажба в Ню Йорк на 2 ноември 2010 г. в известния Сотбис и отиде в частна колекция за почти шестдесет и девет милиона долара, „поставяйки абсолютен ценови рекорд“. „Както обикновено, не афиширам името на новия собственик

„Защо не се опитате да му повлияете по някакъв начин, след като той умира от пиянство и прогресираща туберкулоза?“ - попита един от близките приятели на двойката Хебутерн, осъзнавайки колко болен е Амедео. „Моди знае, че трябва да умре. Ще бъде по-добре за него. Веднага щом умре, всички ще разберат, че е гений”, отговори тя. В деня след смъртта на Модилиани Жана го последва във вечността, излизайки през прозореца. И един от онези, които дойдоха да се сбогуват с художника и неговата муза, си спомни думите на майстора: „Щастието е красив ангел с тъжно лице“. „Да“, сухо съобщиха медиите, които проследиха елитния търг.

Пиер Огюст Реноар „Голо“ Държавен музей от 1876 г визуални изкуствана името на А. С. Пушкин, Москва

„Певец на жени, голота, владетел на царството на дамите“ - така един от биографите нарече художника за майсторската му способност да предава голи тела върху платно. Въпреки това не всички негови съвременници харесват любимата тема на маестрото.

„Още не знаех как да ходя, но вече обичах да рисувам дами", често повтаряше Огюст. „Ако Реноар каза: „Обичам жените", това твърдение не съдържаше и най-малкия закачлив намек, който хората започнаха да влагат в думата "любов" XIX век. Жените разбират всичко прекрасно. С тях светът става напълно прост. Те довеждат всичко до истинската му същност и прекрасно знаят, че тяхното пране е не по-малко важно от конституцията на Германската империя. Чувстваш се повече уверени около тях! Не му беше трудно да ми даде представа за уюта и сладостта на топлото гнездо на неговото детство: аз самият съм израснал в същата привързана среда", пише известният френски режисьор Жан Реноар в мемоарите си за баща си, уверявайки, че богатият му любовен опит е довел баща му до факта, че в края на живота си той създава своя оригинална „концепция за любовта“. Същността й се свежда до следното: „Правиш глупави неща, докато Те са без значение, ако нямате никакви задължения.

Реноар-старши знаеше какво казва: самият той се ожени за първи път на четиридесет и девет години и оттогава, според разказите на близките му, стана най-примерният съпруг и грижовен баща на тримата синове когото любимата му жена Алина Шериго роди. Когато се срещнаха, момичето беше малко над двадесет, а художникът се готвеше да отпразнува четиридесетия си рожден ден. Красивата шивачка Алина, която той срещаше всеки ден в кафене близо до дома си, се оказа абсолютно по вкуса му: свежа млада кожа, розови бузи, искрящи очи, красива коса, пищни устни. И въпреки че Шериго не разбираше от рисуване, а самият маестро не беше нито богат, нито красив и трябваше да чака почти десет години за официално предложение, това не попречи на красавицата да види в него своя бъдещ съпруг - единственият. А самият Реноар намери в нея не само предана съпруга, но и най-добрият модел в света - тя често позира за Огюст, признавайки: „Нищо не разбирах, но ми харесваше да го гледам как пише.“ „Реноар беше привлечен от жени от типа „котка“. Алина Шериго беше съвършенство в този жанр”, написа синът им Жан. А мизогинистът Едгар Дега, като я видя на една от изложбите, каза, че изглежда като кралица, посещаваща скитащи акробати.

Моделът трябва да е там, за да ме запали, да ме принуди да измисля нещо, което без него нямаше да ми хрумне, да ме държи в рамките, ако се увлека прекалено.

Пиер Огюст Реноар

„Съжалявам мъжете, които завладяват жените. Трудна им е работата! Ден и нощ на дежурство. Познавах художници, които не създадоха нищо достойно за внимание: вместо да рисуват дами, те ги съблазняваха“, „оплаква се“ веднъж на колегите си улегналият Реноар. Той предпочиташе да мълчи за връзките, които го свързваха в младостта му с много Палети, Козети и Жоржети. Въпреки това именно те, необременени от прекомерната скрупульозност на жителя на Монмартър, често позираха за художника. Една от тях, Анна Лебер, беше доведена в студиото му от приятел и известно време по-късно той лесно разпозна познати черти в картината „Голо тяло на слънчева светлина“: художникът изложи тази картина на втората изложба на импресионистите. Някои историци на изкуството смятат, че Анна е станала модел за известната „Гола“ - тя се нарича още „Къпеща се“ и, благодарение на специалното й цветово предаване, „Перла“. Ако предположенията на експертите са верни, то съдбата на тази луксозна жена "в самата същност" се оказа незавидна: след като се разболя от едра шарка, тя почина в разцвета на силите и красотата си ...

Въпреки това през 1876 г. нито Анна, нито Огюст, които все още не са срещнали Алина, знаят какво ги очаква в бъдеще. Затова той можеше без смущение да се взира в извивките на линиите на тялото й цял ден, за да придаде осезаемост на портрета (така се нарича тази работа). Нищо чудно, че той призна: „Продължавам да работя върху голи тела, докато не поискам да ощипя платното.“

Между другото, картините му започват да се наричат ​​„живописни симфонии“ и „шедьоври на импресионизма“, включително „Голо“, едва години по-късно. На вернисажа от онези години изкуствоведът Алберт Волф, след като видя една от голите картини на Реноар, избухна в гневна тирада на страниците на вестник Le Figaro: „Внушете на г-н Реноар, че женско тяло- това не е купчина разлагаща се плът със зелени и лилави петна, които показват, че трупът вече е в разгара си!” Самият майстор, надарен с радостната характеристика да възприема света в ярки цветове, не придава голямо значение на атаката си и продължава да пише по присъщ само на него начин за радост на своите почитатели - настоящи и бъдещи. В края на краищата, освен любовта към семейството, душата му до края на дните му е доминирана само от една страст - рисуването. И дори когато в резултат на заболяване пръстите му не можеха да държат четката, той продължи да рисува, като я завърза за ръката си.

„Днес разбрах нещо!“ - казват, че тези думи са били изречени от седемдесет и осем годишния Реноар, преди да отиде последен начин- да се срещне с любимата си Алина, която почина четири години по-рано.

Диего Веласкес Венера с огледало (Рокби Венера) 1647–1651 Националната галерия, Лондон

Съвременниците на Диего Веласкес го смятат за любимец на съдбата: художникът не само е имал късмет във всичките си начинания, но и е имал късмета да избегне огъня на инквизицията за изобразяване на женска голота. Но скандалната му картина не успя да избегне "възмездието"...

"Къде е картината?!" - възкликна френският романтичен поет Теофил Готие, възхищавайки се на една от картините на испанеца Диего Родригес де Силва и Веласкес. А папа Инокентий X отбеляза: „Твърде вярно.“ Но смелостта и способността да не се разкрасява реалността, които с времето станаха визитната картичка на Учителя, не всички го харесаха: обкръжението на крал Филип IV, който оцени божествения дар на Диего, го смяташе за арогантен и нарцистичен изкачване. Но Веласкес, страстен към изкуството си, не губи енергия за словесни аргументи, поради което качеството на работата му само се облагодетелства, а образованието му предизвика възхищение почитатели.Например, един от биографите, Антонио Паломино, пише, че дори в младостта си Диего „се занимава с изучаването на художествената литература и в познанията си по езици и философията надмина много хора от неговото време.“ Още първият портрет, за който кралят е убеден от могъщ придворен и херцог де Оливарес, родом от Севиля, харесва владетеля толкова много, че той кани двадесет и четири годишния Веласкес да стане придворен художник. И той, разбира се, се съгласи. Скоро между тях се установяват приятелски отношения. Художникът и теоретик на изкуството Франсиско Пачеко, чийто ученик Диего беше в младостта си, по-късно пише, че „великият монарх се оказа изненадващо щедър и подкрепящ Веласкес. Ателието на художника се намираше в кралските апартаменти, където беше поставено кресло за Негово Величество. Кралят, който имаше ключа, идваше тук почти всеки ден, за да наблюдава работата. Историята мълчи за това как Пачеко реагира на факта, че неговият талантлив подопечен започна да напуска семейството си за дълго време, отивайки в други страни като придворен. Въпреки че се знае много малко за съпругата на Веласкес Хуана Миранда - и само фактът, че тя е дъщеря на Пачеко, е неоспорим. Хуана даде на съпруга си дъщери Франсиско и Игнасия. Между другото, Франсиска повтори съдбата на майка си - тя също се омъжи за любимия ученик на баща си Хуан Батиста дел Мазо. Вярно е, че Диего, очевидно, е участвал много по-малко в живота на близките си, отколкото в държавните дела.

„Отлично образован и добре възпитан човек“, който имаше чувство за собствено достойнство”, казва за него венецианският художник и писател Марко Боскини. Такъв пратеник беше отличен представител на испанския двор извън родината. Въпреки че Филип неохотно пусна домашния си любимец, Веласкес имаше възможност да отиде на дълги пътувания в чужбина повече от веднъж. За първи път той отива на пътуване до Италия през 1629 г. и с удоволствие открива целия свят на италианската живопис. Второто пътуване до тази страна продължава от 1648 до 1650 г.: от името на Филип Диего се занимава с подбора на произведения на изкуството за кралската колекция. Смята се, че появата на една от най-известните и невероятни картини на Веласкес е свързана с това пътуване: създаването на „безсрамния“ шедьовър се твърди, че е вдъхновено от картините на великите италианци Микеланджело, Тициан, Джорджоне, Тинторето, които с присъщата им смелост, уловиха насладите на голи митични красавици.

„Венера и Купидон“, „Венера с огледало“, „Венера Рокеби“ - каквото и да е името на платното от векове! Но неговата уникалност се крие не само в умението на автора: това е единственият оцелял гол Веласкес. Както е известно, великите инквизитори, чиято жестокост и безкомпромисно отношение към онези, които нарушават установените от тях закони, придобиха печална слава, смятаха подобни свободи за неприемливи. „Създавайки сладострастни голи фигури върху платно, художниците стават водачи на дявола, снабдяват го с последователи и обитават царството на ада“, казва един от пламенните проповедници на вярата Хосе де Хесус Мария. В случая красотата - с огледало или без - беше най-добра илюстрацияказаното. И Диего щеше да изгори, ако не в ада, то със сигурност на кладата, ако всички участници в „престъплението“ не бяха пазили в тайна всичко, свързано с този образ. Възможно е неговият създател да е бил спасен от наказание от най-висшето покровителство. Предполага се, че работата е поръчана от един от най-благородните хора в Испания и първото споменаване за нея датира от 1651 г.: тя е открита по време на инвентаризация на колекцията на роднина на влиятелния Оливарес, маркиз дел Карпио. Все още се спори коя от дамите е послужила за модел. Според една версия Диего е позиран от известната мадридска актриса и танцьорка Дамяна, която е била любовница на маркиза, страстен колекционер, ценител на изкуството и красивите жени. Според друго предположение италианка е дала тялото си на Венера. Може би тя е била тайната любовница на Веласкес: казват, че аферата наистина се е случила, за което уж има доказателства. Както и доказателства, че скоро след като художникът заминава за Испания, той има син, за чиято издръжка Диего изпраща средства.

И това не е последната тайна на „Венера“. Любителите на мистиката твърдят, че всеки следващ собственик е фалирал и е бил принуден да пусне картината за продажба. Така тя се скиташе от ръка на ръка, докато не се озова в английското имение Рокеби Парк, в графство Йоркшир, което му даде едно от имената си. А през 1906 г. картината е придобита от лондонската Национална галерия: там на 10 март 1914 г. се случва следната история...

Къде е картината? Всичко изглежда истинско в твоята снимка, като в огледално стъкло.

Франсиско де Кеведо

Едно незабележително момиче влезе в залата, където се намираше платното. Приближавайки се до шедьовъра, тя грабнала нож от пазвата си и преди пазачите да я спрат, ударила седем пъти. По време на разследването Мери Ричардсън обясни постъпката си по следния начин: „Венера с огледало“ стана обект на желание за мъжете. Тези сексисти я гледат като порнографска картичка. Жените по целия свят са ми благодарни, че сложих край на това!“ По-късно се оказва, че мис Ричардсън е суфражетка – участничка в движението за даване на избирателни права на жените. И по такъв неоригинален начин тя се опита да привлече общественото внимание към съдбата на Емелин Панкхърст, ръководителката на това движение, която отново беше в затвора, където обяви гладна стачка.

И „Венера“ беше възстановена: три месеца по-късно се върна в галерията. И там, както преди векове, се любува на отражението си.

Едуард Мане „Олимпия“ 1863 г. Музей Орсе, Париж

Тази картина, нарисувана точно преди 150 години, днес се смята за шедьовър на импресионизма и много колекционери мечтаят да я имат в колекцията си. Първата й поява на престижно откриване през 19 век обаче предизвиква един от най-големите скандали в историята на изкуството.

Вероятно очаквайки лош прием, Едуар Мане не бързаше да изложи творбата си на публичен показ. Всъщност през същата 1863 г. той вече успя да се отличи, като представи на журито „Закуска на тревата“, която веднага беше остракизирана: моделът му беше обвинен във вулгарност, наричайки го гола улична момиче, безсрамно разположена между два дендита. Самият автор беше обвинен в безнравственост и от него не се очакваше нищо достойно. Но приятелите, сред които беше известният френски поет и критик Шарл Бодлер, убедиха майстора, че новото му творение няма да има равно. А поетът Захари Аструк, възхищавайки се на Венера (смята се, че творбата е написана под влиянието на „Венера от Урбино“ на Тициан и първоначално е кръстена на богинята на любовта), веднага назова красавицата Олимпия и посвети стихотворението „Дъщерята на Островът." Редовете от него са поставени под платното, когато две години по-късно, през 1865 г., Мане най-накрая решава да го покаже на изложбата в Парижкия салон - една от най-престижните във Франция. Но какво започна тук!..

„Веднага щом Олимпия има време да се събуди от сън,

Черен пратеник с наръч пролет пред себе си;

Това е пратеникът на роб, който не може да бъде забравен,

Превръщайки нощта на любовта в цветущи дни,” -

първите посетители прочетоха надписа към картината. Но щом погледнаха изображението, те се отдалечиха възмутени. Уви, поетичната дантела, която събуди благосклонността им, ни най-малко не се отрази на отношението им към самата творба. „Перачката на Батиньол“ (работилницата на Едуар беше в квартал Батиньол), „знак за будка“, „одалиска с жълт корем“, „мръсни трикове“ - такива епитети се оказаха най-меките от всички, които обидената тълпа награден с Олимпия. По-нататък - още: „Тази брюнетка е отвратително грозна, лицето й е глупаво, кожата й е като на труп“, „Женска горила, изработена от гума и изобразена напълно гола“, „Ръката й изглежда в неприличен спазъм, “ идваха от всички страни. Критиците станаха по-изтънчени в остроумието си, твърдейки, че „изкуството, което е паднало толкова ниско, не е дори достойно за осъждане“. На Мана му се стори, че целият свят се е обърнал срещу него. Дори добре настроените не устояха да коментират: „Сега ще ти дам пика от тесте карти.

Художник Едуар Мане.

„излязла от банята“ е кръстена от нейния колега Гюстав Кубре. „Тонът на тялото е мръсен и няма моделиране“, повтори поетът Теофил Готие. Но художникът просто последва примера на любимия художник, признат от всички Диего Веласкес, и предаде различни нюансичерно... Обаче цветни задачи, който той си постави за себе си и брилянтно решен, малко разтревожи обществеността: слухът за това кой е служил като модел за работата му предизвика такава вълна от общ гняв, че трябваше да бъде назначена охрана на Олимпия. Известно време по-късно ръководството на изложбената зала беше принудено да я издигне на височина, където ръцете и бастуните на „добродетелната публика“ не можеха да достигнат. Критиците и художниците бяха възмутени от отклонението от каноните - беше обичайно дамите в голи стил да се изобразяват изключително като митични богини, а в модела на Едуард техният съвременник беше ясно забележим, освен това авторът си позволи свободно използване на цвят и посегна върху естетическите норми. Френските жители се тревожеха за друго: факт беше, че из града се разпространи слух, радостно подхванат от тълпата, че Олимпия е била представена от известната парижка куртизанка и любовница на император Наполеон III, Маргьорит Беланже. Между другото, самият Наполеон, ценител на изкуството, придобива през същата 1865 г. „основната картина на салона“ - „Раждането на Венера“ от майстора и академик Александър Кабанел. Както се оказа, неговият модел не смути императора с нищо повече от фриволна поза или замъглени форми, защото напълно отговаряше на законите на жанра. За разлика от опозорената „Олимпия” със скандалната си „биография”.

Според официалната версия не Маргарита е позирала за картината, а любимият модел на Мане, Quiz-Louise Meurand: тя не се поколеба да се съблече за „Закуска на тревата“ и се появи в други негови платна. Други художници също често я канят като модел, благодарение на което Викторина е изобразена в картините на Едгар Дега и Норбер Гонет. Вярно, това момиче не се отличаваше с добро поведение и целомъдрие: не без причина един от нейните познати я нарече „своенравно същество, което говори като парижки улични жени“. С течение на времето тя се сбогува с мечтата си да стане актриса, а след това и художник (няколко от талантливите й творби са оцелели), се пристрастява към алкохола, започва афера с известна Мари Пелегри и в по-късните си години се сдобива с папагал , с които тя се разхождаше по улиците на града, пеейки песни с китара за милостиня - за това живееше.

Кой те извая от мрака на нощта, Какъв роден Фауст, демон на саваната? Миришеш на мускус и тютюн от Хавана, дете на полунощ, мой фатален идол...

Шарл Бодлер

И осмивана, обвинена във вулгарност и безсрамие, „Олимпия“ започва самостоятелен живот. След затварянето на Салона той прекарва почти четвърт век в ателието на Мане, където само познатите на Едуард могат да му се възхищават, тъй като музеи, галерии и колекционери не виждат художествената му стойност и категорично отказват да го закупят. Общественото мнение не беше повлияно от защитата на видния изкуствовед и журналист Антонин Пруст, който като приятел от младостта си пише: „Едуард никога не успя да стане вулгарен - усещаше се породата в него.“ Нито убеждението на писателя Емил Зола, който отбелязва в една от статиите, публикувани в парижки вестник, че съдбата й е подготвила място в Лувъра. Въпреки това думите му се сбъднаха, но красавицата трябваше да чака почти половин век. По това време самият автор отдавна си беше отишъл от този свят и любимото му дете почти отиде заедно с други творби на американски любител на изкуството. Ситуацията беше спасена от приятеля на майстора Клод Моне: така че шедьовърът - и той не се съмняваше в това - да не напусне Франция завинаги, той организира абонамент, благодарение на който бяха събрани двадесет хиляди франка. Тази сума беше достатъчна, за да купи платното от вдовицата на Мане и да го дари на държавата, която отказваше такова придобиване толкова много години. Чиновниците от изкуството приемат подаръка и са принудени да го изложат, но не в Лувъра (колко е възможно!), а в една от залите на Люксембургския дворец, където картината остава шестнадесет години. Едва през 1907 г. е преместен в Лувъра. Точно четиридесет години по-късно, през 1947 г., когато в Париж е открит Музеят на импресионизма (на негова основа впоследствие е създадена колекцията на музея Орсе), „Олимпия“ се установява там. И сега ценителите стоят замръзнали от възхищение пред жената, която, по думите на Зола, художникът е „хвърлил върху платното в цялата й младежка красота“.

Рафаел Санти „Форнарина“ 1518–1519 Galleria Nazionale d'Arte Antica. Палацо Барберини, Рим

Смята се, че именно Рафаел я е заснел в образа на известната „Сикстинска Мадона“. Вярно, казват, че в живота Маргарита Лути изобщо не е била безгрешна ...

По времето, когато тази жена се появи в живота на Рафаел Санти, той вече беше известен и богат. Изкуствоведите и историците все още не са се съгласили за точната дата на срещата им, но писмено и устно се предават легенди, които през изминалите векове са допълнени с много подробности. Някои от биографите на художника твърдят, че са се срещнали напълно случайно, когато една вечер Рафаел се разхождал по брега на Тибър. Заслужава да се отбележи, че през този период той работи по поръчка на Агостино Киджи, благороден римски банкер, който покани изтъкнатия художник да изрисува стените на неговия дворец Фарнезино. Сюжетите на „Трите грации” и „Галатея” вече ги украсиха. И с третия - „Аполон и Психея“ - възникна трудност: Рафаел не можа да намери модел за изобразяване на древната богиня. И тогава възможността се появи. — Намерих я! - възкликна артистът, когато видя момичето да идва към него. Смята се, че именно с тези думи започва личният му живот. нова ера. Оказа се, че името на младата красавица е Маргарита и е дъщеря на пекаря Франческо Лути, който преди много години се премести от малката слънчева Сиена в Рим. „О, ти си прекрасна форнарина, пекарю!“ – каза Рафаел (в превод от италиански fornaro или fornarino – пекар, пекар) и веднага я покани да позира за бъдещия шедьовър. Но Маргарита не посмя да даде съгласие, без да получи разрешението на баща си. А той от своя страна е младоженецът на дъщерята на Томазо. Както показа опитът, значителната сума, дадена от Рафаел на отец Лути, имаше ефект, по-красноречив от всякакви думи: след като получи три хиляди златни монети, той с радост позволи на момичето си да служи на изкуството ден и нощ. Самата Маргарита-Форнарина с радост се подчини на волята на родителите си, защото въпреки че беше много млада (смята се, че едва навърши седемнадесет), женската интуиция подсказа: известният и богат художник беше влюбен в нея. И скоро момичето се премести във вила (вероятно на Via di Porta Settimiana), която Рафаел нае специално за нея. Оттогава те казват, че не са се разделяли. Между другото, на този адрес сега се намира хотел Relais Casa della Fornarina, чийто уебсайт твърди, че любимият на Рафаел е живял тук през 16 век. Вярно, не за дълго: тъй като желанието да прекарва време в нейната компания пречеше на работата, Чиги покани майстора да настани Маргарита до него във Фарнезино. Така и направи.

Купидон, спри ослепителната светлина

Две чудни очи изпратени от теб.

Те обещават или студ, или лятна жега,

Но в тях няма и капка състрадание.

Едва познавах чара им,

Как загубих свободата и спокойствието си.

Рафаел Санти

Днес е трудно да се каже кое е истина и кое е измислица в тази история, защото според някои източници тя започва през 1514 г., тоест преди почти половин хилядолетие. Също така няма потвърждение дали тази жена е изобразена в други картини на художника, например „Дона Валета“. Въпреки че в създаването на мн монументални произведенияУчастваха ученици на Рафаело, може да се предположи, че той лично е написал Форнарина, подобно на Сикстинската Мадона. Вероятно затова, застанал много години по-късно пред „Мадоната“ в залата на Дрезденската художествена галерия, руският поет Василий Жуковски отбелязва: „Човешката душа веднъж имаше такова откровение, два пъти не може да се случи“. Човек може само да предполага, че картината е написана от Маргарита Лути, както казват много източници: в „Биографиите“, съставени от авторитетния ренесансов биограф Джорджо Вазари, това име не се споменава. Има само тази фраза: „Маркантонио направи още много гравюри за Рафаело, които той даде на своя ученик Бавиера, възложени на жената, която обичаше до смъртта си, чийто най-красив портрет, където тя изглежда жива, сега е притежание на най-благородния Матео Боти, флорентински търговец; Той се отнася към този портрет като към реликва, от любов към изкуството и в частност към Рафаело. И нито дума повече. Векове по-късно един от читателите на Вазари пише в полето срещу тези редове, че името й е Маргарита: дамата е кръстена Форнарина през 18 век.

Но от уста на уста не може да се спре. „Красива, като Мадоната на Рафаело!“ - и сега казват онези, които искат да опишат истинската красота. Но съвременниците на Рафаело увериха, че въпросната очарователна жена не се отличава с целомъдрие: в онези дни, когато маестрото беше зает с работа, тя лесно му намери заместник, прекарвайки времето си в обятията на някой от неговите ученици или банкер себе си. Съгражданите на майстора бяха убедени, а след това и увериха целия свят, че Рафаел е починал точно в ръцете й от сърдечна недостатъчност. Това се случи на 6 април 1520 г., художникът току-що беше навършил тридесет и седем години.

Дали това е вярно или не, едва ли ще се разбере. Но със сигурност се знае, че Рафаело не е отговорил на предложението на своя приятел кардинал Бернардо Дивизио ди Бибиена, който според Вазари го е молил от много години да се ожени за племенницата му. Рафаел обаче, „без да отказва директно да изпълни желанията на кардинала, забави въпроса. Междувременно той бавно се отдаде на любовни удоволствия в по-голяма степен, отколкото трябваше, а след това един ден, преминал границите, се върна у дома в тежка треска. Лекарите помислиха, че има настинка и небрежно му пуснаха кръв, в резултат на което той стана много слаб. Медицината беше безсилна.

„Форнарина“ тръгва на собствено пътешествие: за първи път творба, изобразяваща гола жена, се споменава от думите на човек, който я е видял в колекцията на Сфорца Санта Фиора. На лявото й рамо има гривна с надпис „Рафаел от Урбино“, което даде повод за идентифициране на модела с легендарния любовник. От 1642 г. е в колекциите на Палацо Барберини. Рентгеновите изследвания показват, че тази картина по-късно е била „коригирана“ от ученика на Рафаело Джулио Романо.

„Рафаел щеше да постигне блестящ успех в оцветяването, ако огнената му конституция, която постоянно го привличаше към любовта, не го беше причинила преждевременна смърт“, пише един от почитателите на работата му. „Тук лежи великият Рафаело, по време на чийто живот природата се страхуваше да бъде победена, а след смъртта му се страхуваше да умре“, гласи епитафията, издълбана върху надгробния му камък в Пантеона.

Густав КЛИМТ „Легенда“ 1883 г. Wien Museum Karlsplatz, Виена

Густав Климт е известен с причудливите си изображения на голи дами: в началото на ХХ век неговите картини, отличаващи се с откровена еротика, шокираха изтънчената виенска публика, а блюстителите на морала ги нарекоха порнографски.

Но това не винаги беше така: една от първите поръчки, които амбициозният художник получи от издателя Мартин Герлах, беше да направи илюстрации за книгата „Алегории и емблеми“ - младият Густав го завърши самостоятелно и вероятно в пълно съответствие с неговия изисквания и представи за красота. Във всеки случай няма информация за оплаквания от Gerlach. Въпреки че в центъра на сюжета е красавица в гол стил. Критиците нарекоха тази голота почти целомъдрена. „Още в ранните си картини Климт отдава почетно място на Жената: оттогава нататък той не спира да я прославя. Послушните животни са поставени за украса в краката на невероятна, чувствена героиня, която приема тяхното подчинение за даденост“, възхищаваха се на собственото си красноречие. И уточниха, че авторът се нуждае от животните само за да покаже тази първа сладострастна Ева в най-благоприятна светлина. Fable – това е заглавието на филма в оригинал. В руски превод е известен като различни имена: “Легенда”, “Приказка”, “Басня”. Непроменена остава реакцията на публиката, на която й е трудно да повярва, че принадлежи на четката на същия този Густав Климт – шокиращ еротоман, гений и „перверзен декадент“, както го наричат ​​съгражданите му. Но много неща се промениха оттогава - включително неговият артистичен стил.

„Самият той изглеждаше като непохватен обикновен човек, който не може да свърже две думи. Но ръцете му бяха в състояние да превърнат жените в скъпоценни орхидеи, излизащи от дълбините на вълшебен сън“, спомня си един от приятелите на художника. Вярно, нейното мнение не се споделя от всички съвременници на Климт. В края на краищата именно „нецензурното“ изобразяване на женска голота предизвика един от най-шумните скандали в изкуството. Това се случи във Виена седем години след създаването на Fable, в навечерието на 1900 г., когато младият художник представи на публиката и най-важното на клиентите - уважаемите професори на Виенския университет - картините „Философия“, „Медицина“ и „Юриспруденция“: те трябваше да украсят тавана на главната сграда на Храма на науките. Гледайки картините, експертите бяха шокирани от „грозотата и голотата“ и веднага обвиниха автора в „порнография, прекомерна перверзност и демонстрация на триумфа на тъмнината над светлината“. Скандалният случай дори беше обсъден в парламента! Никой не се вслуша в съветите на професора по изкуство Франц фон Викхоф, единственият човек, който се опита да защити Климт в легендарната лекция „Какво е грозно?“ В резултат на това картините не бяха изложени в сградата на университета. Тази история обаче помогна на Густав да направи важно заключение: творческата независимост е единственият начин да се запази оригиналността. „Стига цензура. Ще се справя сам. Искам да съм свободен. Искам да се отърва от всички тези глупости, които ме спъват и да си върна работата. Отхвърлям всяка държавна помощ и поръчки. Отказвам се от всичко“, каза той в интервю няколко години по-късно. И се обърна към правителството с молба да му позволи да откупи обратно опозорените произведения. „Всички атаки на критика почти не ме докоснаха по това време и освен това беше невъзможно да отнема щастието, което изпитах, докато работя върху тези произведения. По принцип не съм много чувствителен към нападки. Но ставам много по-възприемчив, ако разбера, че човекът, който е поръчал работата ми, е недоволен от нея. Както в случая, когато се прикриват картини”, обясни той в интервю за виенски журналист. Молбата му беше удовлетворена от правителството. По-късно картините попаднаха в частни колекции, но в края на Втората световна война бяха изгорени от отстъпващите СС войски в замъка Имерхоф, където след това бяха държани. Самият Климт не знаеше за това, защото всичко това се случи, когато господарят вече не беше жив.

Всяко изкуство е еротично.

Адолф Лоос

За щастие тогава, през 1900 г., реакцията на публиката не охлади плама му: той разчиташе на дамите - те бяха тези, които му донесоха желаната свобода. Въпреки че желанието „смело да рисува Ева - първообразът на всички жени - във всички възможни пози, за които не ябълката е обект на изкушение, а тялото й“, никога не изчезва от него, Густав предпочита да печели пари чрез създаване на портрети на партньори в живота на виенски магнати. Така се появи известната „Галерия на съпругите“, която донесе на Климт не само пари, но и слава: Соня Книпс, Адел Блох-Бауер, Серена Ледерер - маестрото знаеше как да угоди на проспериращите граждани на Виена. Той изобразяваше любимите им като безкрайно чаровни, но с известна нотка арогантност. След като веднъж даде тези черти на дама от висшето общество, той повтори техниката повече от веднъж. Така „фаталните жени, еротиката и естетиката“ се превръщат във визитната картичка на Климт.

За щастие на изпълнителя не липсваха модели – разголени или облечени в луксозни дрехи. Въпреки че се носят легенди за неговата любяща природа, в продължение на двадесет и седем години верен спътник на Густав е Емилия Фльоге, моден дизайнер и собственик на модна къща. Вярно е, че те казаха, че ги свързва само трогателно приятелство и връзката на двойката беше изключително платонична. И все пак се смята, че тя и себе си той е уловил в известната „Целувка“.

Сигурно ще остане загадка кой е вдъхновил чертите на красавицата от Fable – една от онези, които Климт обича да създава. „Всеки, който иска да знае нещо за мен като художник – а това е всичко, което ме интересува – трябва да разгледа внимателно картините ми“, съветва той. Може би в тях наистина се крият отговорите на всички въпроси.

Данте Габриел Росети „Venus Verticordia“ 1864–1868 Художествена галерия и музей Russell-Cotes, Борнмут

Данте Габриел Росети става известен като един от основателите на Братството на прерафаелитите, оригинален поет и художник, който създава поредица от еротични портрети на жени. А също и с шокиращи лудории, които взривиха пуританското общество.

"Ако го познавахте, щяхте да го обичате и той щеше да ви обича - всички, които го познаваха, бяха увлечени от него. Той беше напълно различен от другите хора", каза Джейн Бърдън Морис за Росети, който в продължение на много години заемаше мястото на любимата жена и модел на Данте. Но не само тя...

Тази история започва през октомври 1857 г., когато Джейн и сестра й Елизабет отиват в лондонския театър Drury Lane. Там тя е забелязана от Росети и неговия колега Едуард Бърн-Джоунс. Съвременниците отбелязват, че Джени - както започват да я наричат ​​приятелите й от прерафаелитите - не се отличава с традиционна красота, а привлича вниманието с несходството си с другите. „Що за жена е това! Тя е красива във всичко. Представете си висока, слаба дама, облечена в дълга рокля от плат с цвят на приглушено лилаво, изработена от естествена материя, с кичур черна къдрава коса, падаща на големи вълни по слепоочията й, малко и бледо лице, големи тъмни очи, дълбок... с дебели черни извити вежди . Високо отворен врат, обсипан с перли, а накрая – чисто съвършенство”, възхити се негов познат. Тя беше поразително различна от „класическите“ светски млади дами - това развълнува въображението на прерафаелитите, които декларираха нежеланието си да следват законите на академичната живопис. Казват, че като я забелязал, Росети възкликнал: „Зашеметяваща гледка! Прекрасно!" И тогава покани момичето да позира. Други артисти оценяват избора му и започват да се надпреварват помежду си да поканят Джейн, родена Бърдън, на своите сесии. Как е реагирала на това официалната муза на прерафаелитите Елизабет Сидал, която дълги години носи тази титла, не е трудно да се отгатне. В края на краищата Лизи беше и гражданска съпруга на Росети: той обеща да узакони връзката им. Всички знаеха за този страстен и болезнен роман за двамата. Както и фактът, че влюбеният Данте се е „вдъхновявал“ през всичките тези години в обятията на други модели. Преживяванията подкопаха лошото здраве на Сидал, което тя пожертва в пълния смисъл на думата на изкуството. Те казаха това, позирайки през 1852 г. за известна картина„Офелия“ на Джон Милет, тя прекара много часове подред във вана с вода, изобразявайки удавената Офелия. Случи се през зимата и лампата за отопление на водата изгасна. Момичето се простуди и се разболя тежко. Смята се, че за лечение й е предписано лекарство на основата на опиум. За честта на Данте си струва да се каже, че той удържа на думата си, като се ожени за Лизи през май 1860 г. И през февруари 1862 г. я няма. Елизабет умира от свръхдоза опиум, който приема, за да облекчи болката: малко преди това тя губи детето си и връзката й с Росети се разпада. Никога не беше възможно да се разбере дали смъртта й е просто фатален инцидент.

Но времето минаваше: Джейн Бърдън беше наблизо. И въпреки че вече беше съпруга на Уилям Морис, нейното „нежно“ приятелство с Росети продължи. Законният съпруг беше над конвенциите и не се намесваше в отношенията. Може би той самият ги е „пророкувал“? В края на краищата единствената картина, завършена от Морис, е Джейн в образа на „Кралица Джиневра“: както знаете, тази дама е била съпруга на крал Артур, който според една версия е станал любима на неговия рицар Ланселот. Както и да е, Джейн беше тази, която върна Данте към живота, събуждайки в него желанието да твори. Няколко години по-късно той решава да публикува ранните си поетични творения. Уви, не останаха чернови на сонетите и тогава той извърши постъпка, за която цял Лондон говореше дълго време: ексхумира и извади на бял свят изгубените някога ръкописи. „Сонетите му са пропити с мистично и еротично съдържание“, отговарят критиците, а читателите ги приемат с възторг.

Животът продължи и сега Джейн, подобно на Елизабет, се появи на почти всяко платно, благодарение на което тя влезе в историята на живописта. Въпреки това дали известната „Venus Verticordia“ - „Венера, която обръща сърца“ - все още запазва чертите си, остава загадка. По това време Росети имаше друг любим модел: името на момичето беше Алекса Уайлдинг, въпреки че всички я наричаха Алис. Смята се, че през януари 1868 г. тази картина е била пренаписана с лицето на Уайлдинг, въпреки че икономката на художника Фани Корнфорт първоначално е позирала за „Венера“. Дали е така - мистерия, една от онези, които Росети взе със себе си. Друго нещо е изненадващо: Venus Verticordia е името на древния римски култ и изображения на богинята Венера, „превръщаща“ сърцата на хората „от похот към целомъдрие“. И едноименната работа е почти единственият пример за голота в работата на Росети. Между другото, мис Алекса Уайлдинг е и една от малкото музи на Данте, с които маестрото не е имал любовна връзка.

Тициан Вечелио Венера от Урбино 1538 Галерия Уфици, Флоренция

Венера Пудика - „Целомъдрена Венера“, „срамежлива“, „скромна“ - съвременниците на Тициан наричат ​​подобни изображения на богинята на любовта. „Момиче, което носи само пръстен, гривна и обеци, макар и малко смутено, е напълно наясно с красотата си“, казват за красавицата днес. И тази история започва преди 475 години.

Когато херцог Гуидобалдо II дела Ровере изпраща куриер до Венеция през пролетта на 1538 г., той получава ясни инструкции: да не се връща без платната, поръчани от Тициан. От кореспонденцията на херцога е известно, че те са говорили за портрет на самия Гуидобалдо и някаква la donna nuda, „гола жена“. Както можете да видите, слугата се справи добре със задачата - Гуидобалдо, който по-късно стана херцог на Урбино, придоби платна, а голата грация в картината получи ново име: „Венера от Урбино“.

Във Венеция - цялото съвършенство на красотата! Първо място давам на нейната картина, чийто знаменосец е Тициан.

Диего Веласкес

По това време Тициан Вечелио, който беше на около петдесет години, отдавна беше известен като известен майстор и носеше титлата на първия художник на Венецианската република. Известни съграждани се изредиха на опашка, желаещи да притежават свой портрет в негово изпълнение. „С невероятна проницателност художникът изобразява своите съвременници, улавяйки най-разнообразните, понякога противоречиви черти на техните характери: самоувереност, гордост и достойнство, подозрение, лицемерие, измама“, отбелязват изкуствоведите от 19 век. „Когато се опитате да си представите Тициан, виждате един щастлив човек, най-щастливият и най-проспериращият, който някога е бил сред неговия вид, който получаваше само благосклонности и късмет от небето... Той приемаше у дома крале, дожове, папа Павел III и всички италиански суверени, бомбардирани с ордени, широко платени, получаващи пенсии и умело използващи щастието си. Той стопанисва къщата си с голям размах, облича се великолепно, кани на масата си кардинали, благородници, най-големите художници и най-талантливите учени на своето време“, пише за него френският историк Иполит Тейн в началото на XIXвекове. Това вероятно е било мнението на богатите венецианци. Сигурно са се чудили защо този галеник на съдбата има толкова малко любовни връзки. Всъщност по време на дългия живот на Тициан само три са свързани с него женски имена. И дори тогава две от тях, най-вероятно, само за да създадат красива романтична история. Известно е със сигурност: единствената му съпруга беше Сесилия Солдано, за която се жени през 1525 г., след като живее с нея няколко години в „граждански брак“ преди сватбата. И през 1530 г. тя умира, оставяйки съпруга си с деца. Трудно е да се каже дали той рисува портрети на Сесилия реални или под формата на митични красавици, но той запази спомена за тази жена. Именно към него, знаменития и прочут Вечелио, обичащ живота, мъдър от опита на победите и загубите, херцог Гуидобалдо се обърна...

През почти половин хилядолетие, изминало от раждането на богинята на Тициан, историците на изкуството вероятно са изследвали всеки щрих върху нейното луксозно тяло, но така и не са разбрали кой е служил за модел. Някои смятат, че на платното е изобразена младата съпруга на Гуидобалдо Джулия Варано. Други не се съмняват: маестрото е позирал... майката на херцога Елинор Гонзага. В своите предположения те се позовават на приликата между „Венера“ и портрета на Елинор от Тициан и факта, че и двете платна изобразяват „едно и също куче, свито на кълбо“. Някои от тях подреждат всеки елемент в обкръжението на дамата и всичко това, според тях, олицетворява връзките на брака. Букет от рози в ръката е атрибут на Венера, куче в краката е символ на преданост, а прислужниците близо до раклата с дрехи и цвете в отвора на прозореца - за създаване на атмосфера на интимност и топлина. Те с радост нарекоха произведението „алегоричен портрет на известен аристократ – „домашна богиня“, предаващ венециански лукс и чувственост. Вероятно Тициан е искал да говори за сексуалността в своята картина, съчетавайки вълнуващата еротика с добродетелите на брака и най-вече с верността, изобразена от кучето“, твърдят те. Други цинично твърдят, че на леглото във вътрешността на херцогските покои е дама от полусвета: куртизанка. Представители на тази професия през 16 век заемат високо социален статуси чрез усилията на художниците те често оставаха във вечността. Но сега това няма значение. Друго нещо е важно: работата на Тициан роди талантливи последователи - Алберти, Тинторето, Веронезе. Самата „Венера от Урбино” 325 години по-късно – през 1863 г., вдъхновява по-младия му колега Едуар Мане да създаде удивителната „Олимпия”. А останалите - дори петстотин години по-късно - се възхищават на таланта на целунат от Бога гений.